TEMA 1-Salva - Grado de Historia del Arte UNED
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EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 2 Índice. Tema 1. Introducción: Sobre las ruinas de las vanguardias. ...................................................... 3 1.1 Los restos de un lenguaje (difunto): post cubismo, surrealismo y abstracción................ 3 1.2 La impronta de Picasso. ................................................................................................... 7 1.3 Arte y política: una estética comprometida...................................................................... 8 1.4 Cambios de la narración artística a la interpretación. ...................................................... 9 Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 3 Tema 1. Introducción: Sobre las ruinas de las vanguardias. 1.1 Los restos de un lenguaje (difunto): post cubismo, surrealismo y abstracción. El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. Picasso. Fábrica 1909. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El Postcubismo es una tendencia tardía del Cubismo en la que la interpenetración de los planos y la superposición de los colores, los diversos parcelamientos geométricos, se ven delimitados por lineamentos rectilíneos y curvilíneos que enlazan tanto figuras como espacio, independientemente del objeto que representan, y los unifican a su vez en la superficie bidimensional del plano, creando, como en el cubismo, una superficie de uniforme y unitaria composición pictórica. Se caracteriza por una fragmentación menos severa en la geometrización cubista de los planos de color. Los lineamientos gráficos que delimitan las parcelas se tornan casi imperceptibles y se resumen en una ritmificación del color. El surrealismo capitaneado por André Breton – a quienes sus seguidores llamaban irónicamente “papá” - , surge como evolución del movimiento dadaísta. El dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Al igual que el dadaísmo nace como un movimiento literario, pero sin embargo, acabará cobrando más fuerza en el ámbito de las artes plásticas y visuales, desde la pintura hasta el cine. René Magritte El origen del término procede del poeta francés Apollinaire. Concretamente lo menciona en el programa de mano del musical Parade en 1917: “Una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (…) Esta nueva alianza ha dado lugar en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del espíritu nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes”. Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 4 El surrealismo tiene precedentes en la historia del arte fundamentalmente en El Bosco con su obra el Jardín de las delicias, pero también algunos grabados de Goya se podrían considerar surrealistas, así como los retratos a base de frutas de Arcimboldo. Al contrario de la voluntad de destrucción nihilista que posee el dadaísmo, el surrealismo se da como una construcción romántica. El movimiento surrealista como tal nace en 1924 con la publicación por parte de André Breton del primer manifiesto surrealista, en él se define al surrealismo como “sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente por escrito o por cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral”. El surrealismo surge como un movimiento poético, en el que la pintura y la escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía. Salvador Dalí. El gran masturbador La creación dentro de las premisas del surrealismo está íntimamente ligada al inconsciente, la región del cerebro donde el ser humano no objetiva la realidad. Los surrealistas proponen trasladar las imágenes del inconsciente y de los sueños, donde convergen los elementos más dispares a las manifestaciones artísticas. Por ello, eligen como método el automatismo. Particularmente, se refieren al automatismo creador, como liberación del pensamiento subconsciente. El automatismo se basa en una especie de dictado mágico que procede del inconsciente. Freud es uno de los referentes intelectuales de dicho movimiento, al declarar que la belleza ya no es el canon, y aportar la noción de “lo siniestro”: el desconocido interior, la alteridad del sujeto, la confusión de lo familiar. Conceptos freudianos como el de “perverso polimorfo” –estadio del niño, que usa cualquier parte de su cuerpo para darse placer, al que algunas personas pueden retroceder desde fases posterior como la genitalidad-, son utilizados por los surrealistas para relacionase con el mundo a su alrededor. Los surrealistas ven en el psicoanálisis la posibilidad que ofrece como método de creación artística. Para ellos, la obra nace del automatismo puro, es decir de cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intenta plasmar por medio de formas abstractas o figurativas Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 5 simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. El resultado es la creación de obras que recrean un mundo aparentemente absurdo, ilógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón. El Surrealismo se caracteriza por la animación de lo inanimado, las metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatómicos, las máquinas fantásticas, la inserción de elementos incongruentes, las perspectivas vacías, la evocación del caos, el sexo y el erotismo, las relaciones entre desnudos y maquinarias, la interpretación de la realidad desde los sueños y el inconsciente. El surrealismo da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la destrucción, y lo misterioso. Además, incluyen toda serie de simbologías. La historia del arte debe al surrealismo la invención de nuevos métodos en fotografía y cine, investigaciones en el collage, en los ensamblajes de objetos aparentemente incongruentes, la técnica del frottage, o del cadáver exquisito. La producción surrealista se caracteriza por una vocación libertaria sin límites, donde se exaltan los procesos oníricos, y se entremezclan humor, ironía y pasión erótica. Artistas Giorgio di Chirico – Salvador Dalí – Luis Buñuel – René Magritte – Joan Miró – Pablo Picasso – Meret Oppenheim – Yves Tanguy – Paul Klee – Marc Chagall La expresión del arte abstracto se aplica a obras carentes de espacio real, objetos, paisajes, figuras de seres animados, es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos y resaltando su valor con su fuerza expresiva. Se trata de un arte que rechaza la copia de todo modelo exterior, de hecho el concepto abstracto proviene del latín ab-trahere que significa “sacar de” por lo que era extraer algo de la realidad, con esto, en 1930 se pensó cambiar esta palabra por el vocablo de concreto, pues el fin del llamado arte abstracto era la propuesta de una nueva realidad. Esto no se pudo realizar pues la palabra ya había ganado renombre y era difícil de imponer una nueva palabra pues podría causar confusiones. La marcha de la pintura abstracta puede tomar dos caminos; uno, el principio primitivo que surge de ritmos iniciales donde el implicado, produce algo para poder tratar de expresarse y dos, la forma que le da sentido a dicha pintura en donde existe una composición y simbolización. En la actualidad estas dos se han fusionado pues lo primitivo que se encuentra en nuestro interior se une a una conciencia de la creación artística. Pietr Mondrian. La abstracción tiene sus inicios con la geometría que tiene como característica figuras fragmentadas, donde lo figurativo queda casi imperceptible pero aún presente, se efectúa con un razonamiento muy profundo del artista y con objetivos claros de lo que se va a expresar, está limitada por el formato ordenado y la tensión lineal que por lo regular contiene, por el manejo del color el cual le proporciona más variedad. La abstracción Geométrica son las primeras realizaciones de esa vertiente del arte abstracto que remontan a las vanguardias europeas de las décadas de 1910 y 1920: el constructivismo ruso, la experiencia de la Bauhaus, el suprematismo de Kazimir Malevich y que bajo la influencia de este último defienden un arte libre de finalidades prácticas y comprometido con la pura visualidad plástica. Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 6 El suprematismo, fundado en 1915 por Malevich, rompe con la idea de imitación de la naturaleza, las formas ilusionistas, la luz y color naturalistas, y las referencias al mundo objetivo. Se trata de investigar la estructura de la imagen con la ayuda de formas geométricas básicas como el cuadrado, rectángulo, círculo, cruz, triángulo y de una pequeña gama de colores. Malevich. Suprematismo. Dentro de la abstracción geométrica estaba Mondrian quien formó el grupo De Stijil, estos afirmaban lo siguiente: “La ética como la armonía solo se pueden demostrar por medios geométricos, es decir racionales”, la finalidad que se proponían con la abstracción geométrica De Stijil era según Schoenmaekers “Queremos penetrar en la naturaleza de tal modo que se nos revele la construcción interna de la realidad” Con la presencia tan impregnada de la abstracción geométrica comienzan a surgir otros tipos de expresión, en ese entonces llamada abstracción cálida, ésta tenía características geométricas (por la transición de lo geométrico a lo lírico) y a su vez era expresiva, para ese entonces los escritores existencialistas estaban en pleno apogeo, ellos sugerían una conciencia de la libertad interna, esto sin duda tuvo sus influencias sobre los artistas de ese tiempo, se convirtió en una expresión directa y espontánea que refleja la condición individual del ser. La abstracción Lírica, llega como tal en 1945, era una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter, del que Kandinsky formaba parte, era la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediata. Rechazan representar la realidad de forma objetiva, la técnica preferida de estos pintores fue la acuarela, pintando igualmente bocetos y apuntes pequeños, donde predomina el color sobre la forma. Kandinsky. Composición 8. La abstracción lírica tiene sus inicios más fuertes con Kandinsky, quien asegura que el arte no se basa en una ciencia exacta más bien el sentimiento de quehacer artístico. Kandinsky Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 7 escribió: “El color es un medio de ejercer una influencia directa en el alma (…) El color es el teclado, los ojos son los macillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que interpreta, tocando una tecla u otra intencionadamente para provocar vibraciones en el alma” El artista defendía el color como algo más interior a una simple técnica para promover y hacer una obra. Entonces la abstracción lírica es una expresión del interior, una producción nata del alma, sin relacionarlo tanto con los avances de arte a través del tiempo o con las técnicas que se han venido desarrollando. La expresión lírica es la necesidad interior del artista. “La visión del arte abstracto impone un abandono y un traslado a abandonar, perder la inseguridad del reconocimiento y transportarse por sus interiores.” El arte abstracto se refiere a los invisibles e impalpables estados interiores del ser humano, es el mundo incomprensible con el cual estamos en continuo contacto sin ser a veces conscientes de ello, pues llevamos en nuestros pensamientos solo imágenes recicladas de lo que hemos vivido en el pasado o lo que queremos para el futuro. Artistas: Piet Mondrian, Kasimir Malévich, Hans Arp y el más importante para mi Vasili Kandinsky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko 1.2 La impronta de Picasso. Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga en 1881, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que le Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 8 ocurre a Goya, a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final. El arte abstracto tiene sus primeros inicios con Picasso y Braque, quienes fragmentaban la figura dejando ver aún lo figurativo con una metamorfosis hacia lo abstracto, era tiempo de una transformación que tenía lugar en todo el mundo. 1.3 Arte y política: una estética comprometida. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista, fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años y está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouchesdu-Rhone). Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesto por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953. En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París. El gobierno electo del país se enfrentaba a una posible derrota durante la Guerra Civil Española por los Nacionales de Franco, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista. La república tenía la esperanza de demostrar al mundo que eran ellos los que representaban al pueblo español y sus logros. Picasso, que en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid, se mostró reluctante en un principio, tanto por el tamaño del proyecto como porque nunca había aceptado antes un encargo con carácter propagandístico. Dora Maar encontró en febrero un estudio muy grande en el nº 7 de la rue des Grands-Augustins, donde Picasso podía llevar a cabo el proyecto. Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 9 Ese mismo año realizó Sueños y mentiras de Franco, dos grabados con un formato semejante al cómic o a las aleluyas españolas, con un total de dieciocho escenas, pensadas para ser reproducidas como estampas o postales, en las que denunciaba el golpe de estado fascista y señalaba los crímenes de la guerra, describiendo a Franco como una figura malvada y grotesca. A partir de junio sería acompañado por el poema del mismo nombre, con caricaturas del general Franco. El 26 de abril de 1937 se produjo el brutal bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la alemana Legión Cóndor a petición de Franco. Picasso, que hasta entonces no tenía muy claro el tema para el cuadro, se inspiró en este hecho para desarrollar el mural del pabellón de la Segunda República, y se embarcó el 1 de mayo en la creación de una de sus obras más famosas: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que fue finalmente expuesto en el Pabellón de España en la Exposición Internacional. Dora Maar fotografió el proceso y los distintos estadios del cuadro, que Picasso finalizaría a principios de junio. El cuadro simboliza todo el horror de la guerra y la tragedia de la muerte de muchas víctimas inocentes. También en contra de la guerra, con motivo de su adhesión al Consejo Mundial de la Paz pintó el famoso La paloma de la paz en 1949. Recibió el premio internacional de la paz en 1955. De octubre a diciembre de 1937, pintó La mujer que llora (París, Museo Picasso). Después en 1938, hizo un gran collage, Les Femmes à leur toilette (París, Musee National d'Art Moderne). En julio de 1938, va a Mougins con Dora Maar. En julio de 1939 fue con Dora Maar a vivir con Man Ray en Antibes, donde hizo Pêche de nuit à Antibes (Museo de Arte Moderno de Nueva York). A partir de septiembre de 1939 hasta principios de 1940, pintó en Royan el cuadro Séquence de femmes au chapeau. En 1941 escribió una obra de teatro de estilo surrealista, El Deseo atrapado por la cola, del que hizo una lectura en marzo de 1944 en casa de Michel Leiris con sus amigos Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris y Pierre Reverdy entre otros. La obra se estrenó finalmente en julio de 1967. También escribió otras dos obras literarias: Las cuatro niñas y El entierro del Conde Orgaz. Entre 1942 y 1943 realizó el ensamblaje, cabeza de toro (París, Museo Picasso), La Aubade (París, Musee National d'Art Moderne), L'Homme au mouton (París, Museo Picasso). Conoció a Francoise Gilot en mayo de 1943. 1.4 Cambios de la narración artística a la interpretación. Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, tenían un carácter contradictorio. Surgieron como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado y búsqueda de progreso), y a la vez son una crítica al mismo proyecto modernista. La vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora. Hay un quiebre con el pasado y la tradición. Comienza un proceso de experimentación y se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística. La ruptura no se da solo en el plano estético, sino también en el político. Estos grupos tenían claras ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos. Con el tiempo vanguardia y política se fueron distanciando, aunque hoy en día podemos ver todavía algunos grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte (por ejemplo el Eco-Art). Se puede considerar estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites. Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS Ingres. Contesse d'Haussonville 10 Juan Gris. Retrato de Picasso Su mismo móvil fue su fracaso; la novedad que las caracterizaba dejó de serlo, para pasar a ser una parte más del pasado. Su éxito fue su final, ya que al ser aceptado por el público y la sociedad de consumo, se perdieron los ideales de ruptura y crítica a la sociedad. Durante este breve período de cincuenta años las artes parecen haber experimentado más cambios de los acaecidos en el resto de su ya larga historia, puesto que las antiguas categorías heredadas del sistema de Beaux-Arts, que no pudieron ser superadas por las vanguardias durante la modernidad, a pesar de la virulencia militante que éstas ejercieron, han sido claramente desbordadas y rebasadas por una serie de prácticas, técnicas, comportamientos y tendencias que han dotado de pleno sentido al término «posmodernidad». Es decir, la enorme cantidad de innovaciones ocurridas en el campo del arte desde la Segunda Guerra Mundial han superado los presupuestos más vanguardistas de la modernidad, por lo que nos vemos obligados a llamar al período en el que nos encontramos con otro nombre que exprese esa superación. Si hasta el final de la modernidad se podía hablar aún con sentido de pintura, escultura, fotografía, dibujo o grabado, desde hace unos cincuenta años se habla de otras prácticas, tales como cinetismo, happening, performance, instalaciones, sitespecific, conceptualismo, apropiacionismo, body art, landart, videoarte, espacio virtual, mail-art, arte en la red y un largo etcétera de apelaciones, sin que las obras que se pueden incluir en estas nuevas e improvisadas categorías las podamos adscribir en puridad a ninguno de los grandes géneros con los que se reconocía el arte, tales como pintura o escultura. Este nuevo y, en casos, desconcertante abanico de apelaciones ha ofrecido como resultado la necesidad de una nueva crítica y de una nueva historiografía del arte, es decir, ha exigido idear unas nuevas maneras de analizar, comprender, narrar y juzgar aquello que se nos ofrece a la contemplación estética. Los métodos clásicos basados en el formalismo, la sociología, la iconografía o la semiótica parecen inútiles para desvelar los mecanismos y complejidades de estas nuevas obras, mientras que la fenomenología y la hermenéutica han sido desbordadas para poder desarrollar nuevas estrategias de análisis con las que poder enfrentarse a obras, propuestas y situaciones Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá EL ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS 11 que son complejas y que parecen contradictorias, por lo que no siempre pueden ser bien entendidas ni enjuiciadas. A lo largo de los ocho capítulos de este libro se desarrolla una exposición razonada sobre la ascensión de la pintura con el expresionismo abstracto, la abstracción pospictórica y su correlato europeo en el informalismo; el fenómeno de la incursión de la cultura popular en el elitista arte contemporáneo y la formación del «pop art»; la reacción anti-gestual y antifigurativa del «minimal art», y su relación con el espacio y el cuerpo; los fenómenos de desmaterialización y conceptualización del arte, y su contaminación por la lingüística; la expansión del campo de la escultura hacia nuevas maneras de ocupar y construir el espacio; el redescubrimiento de la naturaleza y el territorio, estableciendo relaciones dialécticas entre lugar y no-lugar, así como entre espacio y tiempo; la recuperación del cuerpo y de las señas de identidad como tema del arte, con el descubrimiento de la sexualidad; y, por último, la influencia de las nuevas tecnologías audiovisuales, electrónicas y telemáticas en los procesos de creación y en las formas de configuración de esas nuevas obras de arte que poseen el don de la ubicuidad. Historia del Arte 4º Curso_____________________________________________Salva Plá
