Imprimible

Estructura, evolución de la forma tridimensional:
La forma tridimensional, un lenguaje que se va
transformando con el paso del tiempo
Importante
El lenguaje de la forma tridimensional ha evolucionado al mismo tiempo que ha
evolucionado la Humanidad.
La tecnología está directamente relacionada con la arquitectura y con la escultura.
Cada revolución tecnológica ha influido en la evolución del Arte, por las nuevas formas
posibles derivadas de los nuevos materiales que se han podido usar:
En la Prehistoria todo es casi natural, el arte se basa en objetos naturales
muy poco transformados. A partir de la Edad de los Metales todo cambia y se
incorporan nuevos materiales y herramientas. Las obras de arte no pueden ser
muy figurativas y representar fielmente la naturaleza porque no se dispone de
medios ni herramientas avanzados. Es un arte derivado del diseño y la
abstracción de la forma.
Las manifestaciones artísticas con un sentido de lectura aparecen al mismo tiempo que
la escritura:
Desde la Edad antigua hasta el siglo XIX, las manifestaciones artísticas con
un sentido intelectual se alternan con otras de significado más religioso. Y el
gusto por una u otra forma se adapta a estas concepciones.
Conforme evoluciona la Humanidad los tiempos van siendo más cortos, y los estilos
derivados del uso de una u otra forma duran menos. Es una sociedad de la cultura. Los
libros se producen en masa, y se crean los museos de Historia. Los artistas rescatan
estilos prehistóricos, y con ello vuelve la abstracción:
A partir de mitad del siglo XX hay otra revolución, derivada de los medios
audiovisuales, y sobre todo de la televisión. Aparecen nuevas artes, algunas de
ellas tridimensionales, por tanto nuevas formas.
La revolución industrial lo cambia todo. A partir del Siglo XIX se puede hacer
prácticamente todo. Aparece el arte en serie. La forma se multiplica
En los últimos años, desde hace 20 años hacia acá todo cambia a raíz de la
revolución de Internet y los ordenadores. Aquí estamos. Aquí estás.
En este tema vamos a hablar de como cambia el gusto por un tipo de forma u otra conforme a modas.
Modas que llamamos estilos o movimientos artísticos históricos. Pero debes tener en cuenta que no se
puede encasillar todo. El cambio no es exacto ni matemático, sucede poco a poco, y si nos paramos a
pensar siempre hay artistas que en su vida evolucionan de un estilo a otro, incluso obras de arte que
son de varios estilos al mismo tiempo.
Vamos a ver dos ejemplos para comprender:
Miguel Ángel Buonarotti.
Uno de los artistas más importantes de la historia. Él era escultor y arquitecto, no quería ser pintor
pero hizo una de las obras pictóricas que más han influido en los pintores: los frescos de la Capilla
Sixtina.
Veamos un poco de su trayectoria como escultor, analizando cuatro de sus obras religiosas:
Crucifijo del Santo Spirito
Piedad del vaticano
Cristo de la Minerva
Lic. CC. En wikipedia
Lic. CC. En wikipedia de sailko
Lic. CC. En wikipedia de Stanislav Traykov, Niabot
Lic. CC. En wikipedia. Ima
de Tetraktys
Crucifijo del Santo Spirito. 1492-94 aprox. El movimiento corporal es mínimo, está
policromado. Es como una escultura clásica, o una obra del final del Gótico.
Piedad del Vaticano. Firmada en 1496. Esta obra se acerca más al estilo clásico de la mejor
calidad. Las figuras tienen movimiento pero no son unos movimientos exagerados. El trabajo de
las telas se acerca mucho al del Apolo del Belvedere por ejemplo, o quizás sea mejor.
Cristo de la Minerva. 1514-21 aprox. El Cristo está musculado de manera realista, con
mucho detalle. El cuerpo se curva en una curvatura muy cercana a la espiral. Tiene mucho
movimiento, aparenta un instante detenido en un movimiento. Es como una escultura
helenística, muy barroca.
Piedad Florentina de alrededor de 1550. El movimiento es exagerado, incluso se aprecia
cierta deformidad en los cuerpos para conseguir una mayor expresividad, como la delgadez de
las piernas de la figura de Cristo, o el pequeño tamaño de las figuras femeninas. Este es el
estilo que creó el propio Miguel Ángel, y que revolucionó todo el ambiente artístico que era
Renacentista, y a partir de esta obra, acabó siendo Barroco.
Catedral de Sevilla
Fíjate en este foto-esquema del edificio. A simple vista se observan todos estos estilos
arquitectónicos, y si mirásemos desde otros puntos de vista también encontraríamos Barroco.
Lic. CC. En Flickr de Paco Abato
1. Las bases históricas de la forma
En la Prehistoria y en la Edad Antigua, se sentaron las bases de todo el Arte hasta el Siglo XX.
Hay cuatro tendencias fundamentales:
La Abstracción. Lo prehistórico.
Simplificación de la forma.
Búsqueda de lo significante.
Relación con la Naturaleza.
La obra es producto de las herramientas y los materiales.
El método egipcio
Basado en lo esquemático.
La figura humana se representa con el cuerpo de perfil, menos el torso que está de
frente.
Es un estilo normalizado.
Las formas clásicas
La escultura representa hombres y mujeres ideales, no reales. Elegantes, perfectos y
jóvenes.
Los edificios se basan en la línea recta.
Las formas helenísticas (o barrocas), el realismo:
La escultura representa personas reales, con sus defectos y virtudes.
El cuerpo se representa en movimiento, algunas veces exagerado en actitud teatral.
En la arquitectura se usa la curva.
La Historia del Arte repite estos esquemas. Los movimientos artísticos imitan lo sucedido
anteriormente pero no de una manera pura, siempre desde una percepción distinta, filtrada por el
tiempo y las circunstancias. Los artistas imitan pero tienen distinto imaginario, y distintos materiales
y herramientas, por lo que sus producciones difieren en significado y en tamaño.
El siguiente esquema agrupa los distintos movimientos artísticos en estos cuatro referentes:
Arte Prehistórico
La
Abstracción.
Lo
prehistórico
Arte de los pueblos Prehistóricos hasta el Siglo XXI :Africanos, Indios
americanos, Aborígenes australianos, etcétera.
Románico y Gótico. En ciertos aspectos son primitivos, y también se refleja
ellos, el método egipcio.
Cubismo y sus consecuencias.
Abstracción.
Egipto
El Método
egipcio.
Pueblos de Mesopotamia.
Lo arcaico.
Etruscos, Iberos y Celtas.
Grecia arcaica.
Cubismo. Rebusca en lo arcaico. La manera de representar la forma.
Grecia clásica.
Roma.
Lo clásico
Renacimiento.
Neoclasicismo.
Roma
Barroco
El realismo.
Romanticismo.
Realismo.
A partir del Impresionismo, en el final del siglo XIX, todo cambia, y los movimientos artísticos son
muy diferentes en sus conceptos. Pero cada uno de ellos tiene su inspiración en alguno de los estilos
artísticos anteriormente nombrados.
1.1. Prehistoria. La forma natural y la abstracción
Esta época se caracteriza por:
Aprovechar la forma natural del objeto para convertirlo en arte. Es mejor buscar una piedra
con la forma aproximada a lo que necesito que transformar una con un aspecto muy distinto.
Crear formas esquemáticas, o sea, abstraer la forma para no tener que intentar el parecido
entre la pieza y el modelo. Abstracción y esquematismo.
El motivo fundamental es el no poder contar con herramientas metálicas. En la edad de los
metales todo va evolucionando lentamente hacia otro tipo de arte.
Te imaginas que haces una escultura de piedra sin
tener herramientas metálicas con las que trabajar.
Así trabajaban los artistas en el Paleolítico
Superior.
Si tuvieras que hacerlo, buscarías la roca que
tuviera la forma más aproximada a lo que tú
quieres conseguir, para tener que trabajarla poco,
pues cuesta mucho trabajar la piedra sin
herramientas. Si la hicieses de arcilla, se
desmoronaría al secarse, pues no se conocía la
tecnología del horno. Lo más fácil sería hacerla de
madera o de hueso; la madera y el hueso se
pueden trabajar contándolos con cuchillos de
piedra y quemándolos.
Esta es la Venus de Lespugue.
Está hecha de marfil de mamut.
Es una mujer un tanto extraña verdad. No tiene
rostro, y sus curvas y volúmenes son exagerados.
Casi no se distingue su forma de mujer. Tiene muy
poca iconicidad, es muy abstracta.
El escultor que la hizo, era un artista excelente.
Seguramente experto.
Lic. CC. En Wikipedia de J-M Benito
¿No te recuerda a las esculturas del S.XX?
¿Y si fueses a hacer una casa?. Buscarías una cueva.
¿Y si tuvieses que hacer una señal en un bosque sin caminos ni mapas?; seguramente pondrías unas
piedras sobre otras para hacer algo antinatural, o colocarías de pies una piedra enorme con la ayuda
de tu tribu. Esta señal es algo que se puede ver de lejos, es un buen lugar en el que juntarse con
otras tribus para celebrar una fiesta por ejemplo.
Los pueblos prehistóricos intentan conseguir la forma a partir de la naturaleza, con la mínima
transformación.
Hacer un menhir es cambiar la posición de una piedra, sin alterarla. Hacer un dolmen es colocar
piedras unas encima de otras, sin cortarlas, ni pulirlas.
Hacer una venus es alterar una piedra pequeña tallando lo mínimo, hasta conseguir algo de
iconicidad.
En la prehistoria, los hombres se ven mediatizados por el tipo de herramientas que utilizan. Las
herramientas son sencillas tanto para la extracción de mineral como para su trabajo, por lo que la
forma no puede ser demasiado complicada.
Durante el Neolítico se desarrolla un tipo de arquitectura, consiste en el transporte y colocación de
grandes piedras para hacer distintos tipos de construcciones: dólmenes, taulas, crónlech, menhires
alineados etcétera. En el siguiente vídeo puedes ver una buena representación.
En la Edad de los Metales la cosa cambia, se comienza a fundir metal y se conoce la tecnología del
horno, por lo que ya se comienzan a hacer formas con bastante iconicidad. Se hacen
fundamentalmente piezas útiles y de ajuar como vajillas o corazas, armas y cascos de guerra.
También iconos religiosos y fetiches que se caracterizan por la economía de formas, y su cercanía a la
abstracción. Curiosamente en el mundo más natural las obras son más abstractas.
Importante
estado hasta hace relativamente poco, sobre todo en América del sur y Oceanía. La
mayoría de ellos no han producido una escultura duradera en el tiempo, y su
arquitectura se ha basado en la choza o en el abrigo natural. Es especialmente atractivo
el arte creado por los aborígenes australianos, y algunos pueblos africanos. Es un bonito
tema para profundizar.
1.2. El método egipcio. La forma normalizada
Importante
Los egipcios crearon esta manera de representar la figura porque es la más obvia. En
ella se ve todo lo necesario. Lo hacen para que al espectador le sea fácil comprender el
significado de la imagen. Es lo que llamamos "el Método egipcio" de representar la
forma.
Este método lo usan también los pueblos mesopotámicos, los primeros griegos o griegos
arcaicos y los etruscos.
También crearon la escultura y arquitectura colosal.
"El Método egipcio".
Egipto fue una sociedad imperial, como las de los pueblos mesopotámicos o la de Roma, y por tanto
muy sometida a normas y leyes que lo regulan todo, también el arte. No encontramos con "la forma"
sometida a unas normas. Canon y normalización.
Vamos a fijarnos en como entienden la forma en la escultura egipcia.
Las figuras representadas en un relieve, son bastante realistas y proporcionadas en cuanto a su
forma. Pero hay una jerarquía : cuanto más importantes son, tienen mayor tamaño. Esto es así en
todas las representaciones. No utilizan la perspectiva.
En los relieves, la postura de las figuras representadas es siempre la misma, tienen el torso de frente,
viéndoseles los dos hombros, y las piernas y la cabeza de perfil.
Es un detalle de
la Paleta de
Namer.
Namer es el
faraón , y lo que
se representa
aquí es una
procesión.
Los menos
importantes son
los cuatro que
portan los
estandartes,
delante y detrás
van dos
personajes del
mismo tamaño,
el de atrás lleva
las sandalias, el
de delante es
una especie de
pregonero que
va avisando de
que viene el
faraón.
El faraón Named
es el más grande
de todos.
Lic. CC. En Wikimedia Commons de Keith Schengili-Roberts
Siempre sucede
así en los relieves
representativos
egipcios, hay una
clasificación por
tamaños e
importancia.
Así resulta más
fácil para el
espectador leer
el significado
icónico.
Reparemos en el modo de representar la figura. Piernas y cabeza de perfil, y hombros de frente.
Tradicionalmente se pensaba que los egipcios lo hacían así por una falta de conocimientos de
perspectiva. Esto no es real, pues hay representaciones muy antiguas en la que las figuras también
tienen los hombros de perfil.
En las esculturas de bulto redondo siempre se observa la frontalidad , están hechas para
verlas de frente. Las figuras, independientemente de su tamaño o material, suelen tener los brazos
en actitud de marcha y el pie izquierdo adelantado. El hieratismo , poco movimiento y falta de
expresión.
Lic. CC. En Flickr de saulo alvarado
Cuando se representa una figura sentada como en el caso de los escribas, también tienen esa
impronta de frontalidad hieratismo y falta de expresión. Tanto las esculturas de bulto redondo
como los relieves se policromaban con un colorido muy plano y poco realista que también está
en la línea de economía de formas y colores para un mayor entendimiento por parte del espectador.
En la foto de abajo puedes ver el famoso "Escriba sentado" del Museo del Louvre, con su policromía.
Lic. CC. En Flickr de kyllercg
El Imperio y sus construcciones faraónicas.
Otra creación de la escultura egipcia, que también se observa en regímenes imperialistas es la
escultura y la arquitectura colosal . El tamaño enorme de algunas piezas que pueden
impresionar por su grandeza a los otros pueblos.
Las pirámides y los templos, todavía impresionan a los turistas por su tamaño y belleza. Como
ejemplo mira el templo de Abu Simbel en la foto de abajo.
Lic. CC. En Flikcr de waterpolosam
Los regímenes imperialistas a lo largo de la historia han repetido esquemas que crearon los egipcios,
y han producido también arquitectura y escultura colosal.
Comparación entre la
"Triada de Mikerinos"
(Arte Egipcio del
Imperio Antiguo) y el
"Obrero y la Koljosiana"
(Arte de la Rusia
Soviética, siglo XX) .
En casi todos los estilos
artísticos derivados de
un régimen político
imperialista, a lo largo
de la historia sucede
que las figuras tienen
que someterse a unas
normas. Estas normas
obligan a que las formas
representen un
movimiento del cuerpo
humano en que el
cuerpo permanece
derecho, para que se
distingan perfectamente
sus detalles.
Nada se sugiere, todo
se ve. Una expresión
corporal de un
movimiento mayor haría
que unas partes del
cuerpo tapen a otras, y
los detalles no se vieran
bien.
La actitud de las figuras
es de avance, lo que
produce una sensación
positiva en el
espectador, es arte
propagandístico.
Lic. CC. En Wikimedia Commons de
Ducher
Gérard
Y recurren a la
frontalidad.
Lic. CC. En Flickr de
jaime.silva
Para saber más
Este vídeo es un corto documental de 11 minutos que da una explicación muy buena
de lo que fue y es Egipto y su arte.
1.3.
Clacisismo
y
realismo.
Grecia
y
sus
consecuencias
La Historia del Arte Griego comienza con lo que llamamos "Grecia Arcaica" con el gusto por unas
formas hieráticas y estáticas, utilizaban el "Método egipcio" que hemos visto en el apartado anterior.
Se les llama Kurós y Kores, a las figuras masculinas y femeninas. Abajo puedes ver una Kore
policromada; las esculturas griegas también se policromaban como las egipcias.
Pero a partir del s. V antes de Cristo, fundamentalmente en Atenas se desarollan las escuelas
filosóficas y la democracia. Los hombres adquieren importancia por encima de los reyes y dioses; son
libre pensadores, y los artistas, en consecuencia, también.
Los artistas de esta época son intelectuales, a diferencia de los que hayamos podido encontrar en
periodos artísticos anteriores, que estaban sometidos por la normalización en un regimen político
autoritario. Es cuando se hacen la Venus de Milo y el Diadumenos, de la foto de abajo.
En este instante de la Historia se crea el Naturalismo, o realismo. Las figuras tienen mucha
iconicidad.
Son más reales que los verdaderos modelos. Son hermosos, y jóvenes. Los hombres son atletas de
marcada musculatura. No se basan en verdaderos modelos, sino que representan al hombre y la
mujer ideales , desnudos, en actitudes naturales y con cierto giro corporal, en pose de descanso.
Es lo que llamamos Arte Clásico.
Kuros
Kore del Peplo.
Venus de Milo
Diadumenos.
Lic. CC. En flickr
de virgi.pla
Lic. CC. En flickr de becante
Lic. CC. En flickr de luismontanez
Lic. CC. En flickr de becante
Pero cuando lo comparas te das cuenta de que no es tanta la diferencia, es solo una evolución en la
representación de la figura humana. La Venus de Milo y el Diadumenos, siguen presentando un pie
adelantado, y los brazos no tapan nada. La escultura tiene cierto giro, pero muy poco dinamismo.
El templo griego.
En Arquitectura se crea un tipo de edificio muy relacionado con las medidas matemáticamente
pensadas. Es un mundo de proporciones. Lo llamamos "canon clásico". No se utiliza el arco, ni la
forma curva en general, solo el dintel . A lo largo de los siglos se crean tres estilos sucesivos:
Dórico, Jónico y Corintio. El Dórico y el Jónico se corresponden temporalmente con la escultura
clásica. El corintio con la helenística. Este vídeo deja muy claros los tres estilos, en Youtube hay
mucho más material que te puede aclarar más sobre estos contenidos.
Curiosidad
Hemos utilizado una imagen de internet, de una escultura romana. Es el retrato del
Emperador Antonino Pío. La hemos coloreado utilizando Gimp, para hacernos una idea
de como sería cuando estaba policromada. No te recuerda a una escultura Barroca, de
Semana Santa. Es muy humano, muy real.
La policromía de las esc ulturas se ha perdido en casi todos los casos.
Lic. CC. En lickr de zaqarbal
La escultura romana es una continuación de la escultura griega helenística.
En el Museo del Prado hicieron una exposición con varias reproducciones de escultura
helenística policromadas, puedes verla en este enlace .
Importante
No debes confundir el Arte griego con la actual Grecia. El Arte Griego se reparte por
todo el mediterráneo, pues los Griegos fueron colonizándolo, y creando ciudades por
toda la costa con el paso de los siglos. También hay artistas griegos en Egipto, pues
Alejandro Magno conquistó Egipto para Grecia, en el Siglo III A.C. El periodo helenístico
entra en pleno Imperio Romano. Grecia era una provincia romana.
Grecia Helenística
Aparece el verdadero estilo realista. Ya los hombres y mujeres representados no son tan
hermosos. Los modelos son reales, no ideales.
Los artistas utilizan la curva como elemento constructivo.
A partir del S. III A.C, los escultores evolucionan su arte hacia unas representaciones mucho más
complicadas, más difíciles, las figuras adquieren posiciones que implican mucho movimiento. Este tipo
de escultura es una demostración de destreza por parte de los artistas y consigue un efecto de
admiración en el espectador. Es el periodo helenístico. Ya hemos visto piezas de esta época como el
Laocoonte del que hablamos en la unidad 1, o el Ulises del que hemos hablado en esta misma unidad.
Veamos algunos ejemplos diferentes, para poder reflexionar:
Niobide
Jugando a las tabas
Lic. CC. En Flickr de dives gallaecia
Lic. CC. En Flickr de ovando
Lic. CC. En Flickr de
gallaecia
Niobide: La curvatura es exagerada como teatral. La pose incómoda transmite sensación de angustia.
Jugando a las tabas: Representa una escena mundana, las modelos van vestidas, no son diosas, son
mujeres. Esta pieza es de terracota.
Púgil: No representa a una persona joven. Es un atleta pero no es ideal, es real. Se trata de un
retrato. Esta pieza es de bronce, gran parte de la escultura griega se realizaba en bronce ,
pero este material es muy fácil de reutilizar, por lo que en periodos de guerra se han fundido muchas
esculturas para fabricar munición. A nuestros días han llegado muy pocas esculturas griegas de
bronce. Su autor es Apolonio de Atenas. s.I A.C.
Arquitectura
Se usa también la curva. Como en el
Templo de Vesta de Roma.
De Roma han quedado muchos restos
arquitectónicos. Los romanos
tomaron de la arquitectura griega, el
ejemplo, y usaron los tres órdenes,
en los capiteles de las columnas.
Construyeron también otro tipo de
edificios como las basílicas y los
palacios.
Lic. CC. En Flickr de oskarjmarin
De Egipto tomaron el ejemplo de las
mega construcciones y mega
esculturas, propagandísticas del
imperio.
2. El Volumen en la Edad Media. Arte Cristiano,
Islámico y Mudéjar
Importante
En la Edad Media el mundo occidental se divide en dos focos culturales de
importancia: cristiano y musulmán.
El Arte Cristiano se divide a su vez en dos periodos fundamentales: el
Románico y el Gótico . Son dos estilos parecidos, que se suceden en el tiempo, y
que tienen ciertas concomitancias con los estilos arcaicos y clásico griegos. Hemos
preparado un apartado específico para el estudio de estos dos estilos titulado "
Románico y Gótico".
Al Arte Islámico , le vamos a dedicar aquí un pequeño espacio que te ayude a
comprenderlo.
El uso del arco caracteriza a los tres estilos en arquitectura.
El Románico usa el arco de medio punto. La sucesión de arcos de medio
punto genera la "bóveda de medio cañón".
El Gótico el arco apuntado (también se le llama ojival). Permite
construcciones de mayor altura. Cruzar perpendicularmente estos arcos genera
la bóveda de crucería.
y el Arte Islámico usa el arco de herradura. Girar este arco sobre su radio
más vertical genera la bóveda de media naranja.
Arco de medio punto
Arco ojival
Arco de herradura
Lic. CC. En Wikipedia. Contenido Libre
En España, estos estilos se mezclan con el Arte Árabe, produciendo un estilo particular
en arquitectura: el Mudéjar .
El Arte Islámico
El Islam se comienza a extender a partir del año 650 aproximadamente y lentamente se expande por
todo el norte de África, la península arábiga y partes más orientales de Europa. A España llega desde
el 911, y su influencia se extiende hasta casi el Siglo XVII.
En la Religión Islámica no existe el concepto de encarnación de Dios en un hombre, como sucede con
el Cristianismo o el Budismo. Mahoma es el profeta, por lo que para los musulmanes es más
importante el mensaje que la propia imagen de Dios o de Mahoma. Esto explica que no haya
representaciones icónicas de ellos. Así en el Arte Islámico no nos encontramos con pinturas, ni
relieves figurativos. La escultura casi no existe . Pero la arquitectura alcanza unos niveles de
perfección que resulta admirable para los cristianos en la Edad Media. La decoración de los templos se
hace sobre todo a base de escritura y motivos vegetales que derivan en unas formas muy abstractas.
Los edificios en España se diferencian de los Góticos o Románicos en el uso del ladrillo. Los alarifes
andaluces trabajaban los ladrillos dándoles forma para conseguir efectos arquitectónicos decorativos.
Otras artes que se desarrollan mucho en Andalucía para decorar los edificios son la cerámica y la
yesería.
Al no existir una escultura de importancia, este estilo artístico ocupará poco espacio en nuestra
asignatura de Volumen. Pero los restos arquitectónicos en España, y en especial en Andalucía son
probablemente las mejores manifestaciones artísticas islámicas. Entre ellas la Mezquita de Córdoba y
la Alhambra de Granada.
Vamos a ver un vídeo aclaratorio para comprender cada una de estas dos magníficas obras de Arte.
Mezquita de Córdoba
Alhambra de Granada.
El Mudéjar.
Es el estilo Cristiano, basado en los métodos de construcción y decoración islámicos. Es un estilo que
solo existe en España. Para conocerlo bien puedes ver este vídeo:
AV - Pregunta Verdadero-Falso
Lic. CC. En Flickr de Txanoduna
Se trata de un edificio románico.
Verdadero
Falso
2.1. Románico y Gótico
La arquitectura Románica
Es la base en la que se incardina la escultura. Para comprenderla puedes ver este vídeo.
Conforme avanza el tiempo, se van desarrollando técnicas constructivas que hacen que los huecos de
ventana sean mayores y la altura de los techos se eleve.
Escultura Románica
Como has visto en el vídeo, es un estilo didáctico en cuanto a que las esculturas que se colocan
fundamentalmente en los pórticos de las iglesias, para que todos las vean. Estas reflejan imágenes de
la Biblia, para educar religiosamente a un pueblo analfabeto. En el intento de conseguir un efecto
visual grande en los espectadores se aumenta el tamaño de la cabeza de las figuras con respecto al
cuerpo, y se exageran las facciones de los rostros (algo parecido veremos en la obra manierista de
Miguel Ángel).
Para comprender el estilo, analizaremos una de las obras más importantes del Románico es el Pórtico
de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.
Esta foto es una vista
general del Pórtico. Abajo
hay cuatro fotos de
detalles que nos pueden
ayudar a comprender este
estilo artístico.
El autor es el maestro
Mateo. Las figuras se
colocan alrededor del
tímpano de la entrada.
En las fotos de abajo
podemos observar:
En las dos de la
izquierda hay
concomitancias con
el Método Egipcio:
En la de la
izquierda se
observa la
jerarquización,
las figuras son
más grandes
cuanta mayor
es su
importancia.
En la
segunda foto
se observa
como las
figuras tienen
muy poco
movimiento
corporal.
Incluso
puedes
apreciar como
cuelgan sus
pies en una
posición muy
antinatural.
En la tercera se ve
un capitel. Los
capiteles son motivo
de escultura. Vimos
en el arte clásico
como había tres
estilos de capiteles,
en el Románico,
estos, son motivo
para esculpir
relieves.
En la de la
derecha vemos
como se simplifica la
forma, como harían
los prehistóricos
para conseguir un
efecto de mucha
expresividad. En
este caso parece
representar el
miedo.
lic. CC. En Flickr de titoalfredo
Lic. CC. En Flickr de
alb tox
Lic. CC. En Flickr de
toxo
Alb
Lic. CC. En Flickr de
alb toxo
Lic. CC. En Flickr de
La Arquitectura Gótica.
Un campesino va a la ciudad a vender sus productos. Con un carro lleno de verduras deja atrás la
choza en la que vive, tarda varias horas en llegar. Hoy es día de mercado.
En la ciudad hay mucha gente, se sitúan los puestos alrededor de la Catedral, allí comercia y vende
su producto. Antes de partir compra algunos víveres y entra en la Catedral para rezar.
En la Iglesia los techos son altísimos y los nervios de las columnas se cruzan justo encima
produciendo una sensación de infinitud. Huele bien, a incienso y otros aromas. La luz se filtra por los
colores de los cristales produciendo brillos espectaculares en las superficies de oro y plata. El
campesino está muy cerca del cielo.
Para hacerte una idea de lo que es la Arquitectura Gótica puedes ver este vídeo:
La escultura Gótica
Las esculturas tienen cierto movimiento, como las del estilo Clásico, pero las figuras no se
representan desnudas. Las imágenes representan cuestiones relacionadas con la Biblia, o con la
advocación de algún santo que se venerase en el templo. La escultura se utiliza también con cierto
sentido didáctico, pero en menor medida que en el Románico. En las piezas góticas más
evolucionadas en el tiempo no se usa la jerarquización. Se usan nuevos materiales, no solo el trabajo
de la piedra.
Puerta del Bautismo,
Catedral de Sevilla.
El autor es Lorenzo
Mercadante de
Bretaña.
Mercadante es uno
de los escultores
góticos más
importantes.
Probablemente era
de Bretaña, de ahí
su nombre.
Cuando se construía
una catedral,
multitud de artistas
se desplazaban a la
ciudad en la que se
hacía la obra, para
conseguir trabajo.
Se ponían al servicio
de la construcción
que a veces duraba
tanto que el artista
pasaba su vida
entera trabajando
para la misma obra.
La Catedral de
Sevilla es el templo
Gótico más grande
que existe. Es un
Gótico muy tardío.
Se tardó tanto en
construir que en ella
cohabitan los estilos
artísticos: Gótico,
Renacentista,
Barroco y
Neoclásico; además
de los restos de la
Mezquita Árabe
sobre la que se
construyó y de la
que se conservaron
partes del edificio.
Esta mezcla de
estilos es muy
característica de
Andalucía.
En las fotos de abajo
tenemos unos
detalles para
observar bien este
grupo escultórico:
Lic. CC. En Flickr de antecessor
La foto de la
izquierda se ve
la
representación
del bautismo
de Cristo, las
figuras son de
pequeño
tamaño,
adaptándose al
espacio que
queda dentro
del arco
apuntado. Pero
todas tienen el
mismo
tamaño, no es
en este caso
Cristo más
grande que las
dos figuras
acompañantes.
Es una
búsqueda del
naturalismo.
En la foto de
la derecha se
ve como las
figuras tienen
cierto
movimiento
natural, y sus
rostros son
más humanos
que
expresivos.
Están
realizados en
terracota, y se
observa el
color rojo del
barro en las
partes que
están más
limpias,
además de las
uniones de las
distintas
piezas. El
trabajo de las
telas es
exquisito, una
demostración
de la pericia
del escultor..
Lic. CC. En Flickr de antecessor
Lic. CC. En Flickr de antecessor
3. La Historia se repite y se transforma. Lo recto
y lo torcido
En el estudio de los estilos artísticos hay unos ítems históricos cuyas producciones escultóricas se
parecen mucho.
Si te fijas en el esquema siguiente, a partir de la Edad Media, estos movimientos se suceden, uno
como respuesta al anterior. Podemos decir que la Historia desde 1400 hasta 1860 es una sucesión de
movimientos artísticos basados: en lo clásico, el movimiento siguiente rechaza al anterior y se basa
en lo helenístico, el siguiente rechaza el helenístico y se basa en lo clásico, y después otra vez lo
helenístico, etcétera.
Barroco para nosotros hoy día significa recargado, curvo, teatral, y real; Clásico se le llama a lo más
sencillo, menos recargado rectilíneo y poco moderno.
Mira estas tres esculturas. La más antigua tiene 1500 años más que la más nueva.
¿Cual de ellas es Griega Clásica?
En la página titulada Renacimiento y Neoclacisismo, encontrarás ampliaciones de estas
fotos y la explicación.
Vamos a hacerlo otra vez.
Mira estas tres esculturas. La más antigua tiene 1500 años más que la más nueva.
¿Cual de ellas es Griega Helenística?
En la página titulada Barroco y Romanticismo, encontrarás ampliaciones de estas fotos
y la explicación.
3.1. Renacimiento y Neoclacisismo. Lo clásico
El Renacimiento es el primer momento en la Historia del Arte en que se retoma un estilo artístico
anterior.
En Roma se comienzan a construir edificios nuevos, allí siempre ha estado patente el estilo de la
Roma antigua, todo estaba a la luz. En las excavaciones, a veces aparecen esculturas de mármol que
resultan impresionantes cuando se comparan con las figuras que se hacían en la Edad media. Los
cuerpos desnudos de hombres y mujeres se representan en ellas en plenitud, sin esconder sus
atributos. La religión comienza a tener cambios, en los países del norte de Europa, surgen religiones
cristianas que están en contra del poder de Roma, y que se rebelan contra la Iglesia y su poder. En
estos años se descubre América. El mundo cambia.
Los escultores intentan reproducir los esquemas de estas esculturas. El naturalismo, clasicismo, el
realismo, el canon.
Como reacción al arte Barroco y su desenfreno decorativo, a finales del S. XVIII surge un movimiento
artístico que reivindica nuevamente lo clásico. Se llama Neoclasicismo .
Veamos unos ejemplos de escultura Clásica, Renacentista y Neoclásica para poder comparar:
El Apolo del Belvedere.
Fue realizado por el escultor Leocares
alrededor del 325 AC, en bronce. Esta
escultura original ya no existe. La que
vemos en la foto es una copia romana de
mármol.
Esta escultura romana fue descubierta en
unas excavaciones en la Villa de Nerón de
Anzio en 1489. Jiuliano Della Rovere era su
propietario antes de ser nombrado Papa.
Cuando sucedió el nombramiento (con el
nombre Julio II), trasladó la escultura al
patio de esculturas del Belvedere, aledaño
del Vaticano. Un escultor le sacó un molde
e hizo una reproducción en bronce, a esta
reproducción le sacaron copias, y hoy día
hay múltiples reproducciones de esta pieza
por todo el mundo.
Mide más de dos metros de altura. Es
impresionante.
Te imaginas la cara de los que lo
descubrieron.
Pensemos en el original:
Se trata de una escultura clásica
evolucionada, pues el movimiento del
cuerpo no es exagerado, pero
tampoco hay frontalidad.
El original seguro que estaba
policromado, pero al encontrarlo en
las excavaciones la policromía había
desaparecido quedando la piedra
cruda.
Representa a un hombre, del que
decimos que es un dios. Joven y
desnudo, lo que es propio del estilo
más clásico.
El trabajo de las telas y el cabello
es exquisito.
Está claro que falta algo en la
composición, en las manos portaba
algo que ha desaparecido por el paso
del tiempo. Es un arco, que sostenía
en la mano izquierda, si lo piensas la
pose es de acabar de soltar una
flecha y estar mirando adonde se
clava.
Lic. CC. En Wikipedia de Marie-Lan Nguyen
El otro componente de la escultura
es una serpiente, si ves otras
representaciones de Apolo también
aparece una serpiente que sube por
un tronco. El tronco sirve de apoyo y
de refuerzo para la pierna.
Es comprensible que estas esculturas
gustasen a todo el mundo. No eran
apropiadas para una ética religiosa
católica, pero sin embargo decoraban el
vaticano por mor del propio Papa. Se le
hicieron innumerables copias. Podemos
asegurar que los escultores de la época
tenían encargos de este tipo.
David. De Miguel Ángel Buonarotti. 1501.
Fue realizado para colocarse en la calle, en
la ciudad de Florencia.
Comparémoslo con el Apolo del Belvedere:
Se trata de una escultura
renacentista, pero parece clásica,
pues el movimiento del cuerpo no es
exagerado, pero tampoco hay
frontalidad.
Su escultor lo hizo de mármol
blanco, y en ningún momento pensó
en policromarlo. Seguro que imitó a
esculturas helenísticas que
originalmente estaban policromadas,
pero al encontrarlas en las
excavaciones la policromía había
desaparecido quedando la piedra
cruda.
Representa a un hombre muy
cercano a su dios. Joven y desnudo,
lo que es propio del estilo más
clásico.
Parece que falta algo en la
composición, como si en las manos
portara algo que ha desaparecido por
el paso del tiempo. Podría ser un
arco, que sostenía en la mano
izquierda, si lo piensas la pose es de
acabar de soltar una flecha y estar
mirando adonde se clava. realmente
tiene una honda, y quizá una piedra
escondida en la mano izquierda.
El otro componente de la escultura
es Goliat al que está mirando.
También tiene un tronco que le sirve
de apoyo y de refuerzo.
¿Te has fijado en la posición de los
pies?
Lic. CC. En Wikipedia de David Gaya . (Detalle).
Como característica diferencial tiene unas
manos y una cabeza demasiado grandes,
es quizá una búsqueda de la expresividad,
además de un intento de corrección visual
pues la escultura fue pensada para verse
desde abajo, por lo que esta deformación
elegante haría que la percepción de la
figura fuera perfecta.
Miguel Ángel comenzó siendo un artista
clásico, y evolucionó hacia un estilo más
parecido al helenístico. Su obra pictórica en
la capilla Sixtina es el comienzo del
Barroco. Su estilo se extendió por toda
Europa sobre todo a partir del uso del color
que tomaron de él los pintores venecianos
como Tiziano, su estilo escultórico
también.
Perseo con la cabeza de medusa.
De Antonio Cánova. 1801.
Antonio Canova es un escultor
neoclasicista.
El Neoclasicismo es un estilo artístico
que reivindica el Arte Clásico. Los
escultores de este periodo artístico
conocen las obras clásicas y también las
renacentistas.
El movimiento neoclásico surgió como
resultado de las ideas de la Ilustración.
En contradicción con el estilo artístico
anterior, el Barroco. Se buscaba el
orden como modelo de belleza.
Aparecen la Enciclopedia y los primeros
estudios científicos.
Cuando cayó el imperio de Napoleón,
también desapareció el Neoclasicismo, y
dio paso al Romanticismo, que es un
nuevo estilo relacionado con el Barroco.
Está claro que Canova al hacer esta
escultura imitó al Apolo del Belvedere.
Comparémoslo con el Apolo del
Belvedere y con el David de Miguel
Ángel:
Se trata de una escultura
neoclásica, pero puede parecer
renacentista o clásica, pues el
movimiento del cuerpo no es
exagerado, pero tampoco hay
frontalidad.
Su escultor lo hizo de mármol
blanco, y en ningún momento
pensó en policromarlo. Seguro
que imitó a esculturas helenísticas
que originalmente estaban
policromadas, pero al encontrarlas
en las excavaciones la policromía
había desaparecido quedando la
piedra cruda.
Lic. CC. En Flickr de indianadinos (Detalle)
Representa a un hombre muy
cercano a su dios. Joven y
desnudo, lo que es propio del
estilo más clásico.
Tiene las manos ocupadas,
mientras los modelos anteriores
no. La perfección y el orden no
pueden comportar la falta de
elementos.
El otro componente de la
escultura es la medusa a la que
está mirando. En vez de un tronco
es la tela la que le sirve de apoyo
y de refuerzo.
¿Te has fijado en la posición de
los pies?. Ha intercambiado
izquierda por derecha.
Importante
Antes de pasarnos al Barroco es interesante que recuerdes que el cambio de un estilo a
otro nunca es brusco.
Ya hicimos referencia a Miguel Ángel Buonarotti y el Manierismo en el
apartado: TEMA IV. La forma tridimensional: un lenguaje que se va
transformando con el paso del tiempo.
Allí vimos algunas de sus esculturas religiosas, aquí vamos a ver una pieza no religiosa.
Un escultor: Miguel Ángel Buonarotti, hace una obra escultórica que comienza siendo
estilo humanista del Renacimiento. Esta exageración de la forma se convierte en un
estilo que se expande por Europa y llega con fuerza a Andalucía. Se le llama
Manierismo. Pues se decía que estaba realizado a la "Maniera de Michelangello", de ahí
el término.
El Manierismo busca la belleza de la figura, procura la curvatura, también exagera un
poco algunas de las partes en busca de la expresividad. Con el tiempo y el impulso del
manierismo acaba surgiendo el estilo que llamamos Barroco.
Estas esculturas de Miguel
la Tumba de Lorenzo
Representan
superior es un retrato del fa
Si reparas en la figura de la
un anciano, de rostro rea
pose natural, reposada pe
recuerda al helenístico: Uli
foto de abajo).
La figura femenina también
Los dos cuerpos reflejan u
estilizada y mantienen una
lo que provoca sensaciones
El Manierismo tuvo m
Andalucía, donde fue muy
través dibujos y grabado
muestra de ello. Compara l
Lic. CC. En flirck de mberry
Lic. CC. En Flickr de
3.2. Barroco y Romanticismo. Lo barroco
BARROCO
Barroco llamamos a todo aquello que está muy recargado de decoración. Es curvo. En el caso del
Arte además es una demostración de destreza por parte del artista, implica mucho movimiento, y
parece muy difícil.
La invención de la palabra Barroco es del siglo XVII, por lo que no se suele decir que la escultura
griega helenística es barroca, pero por sus características si lo es, es la primera aparición en la
historia de este estilo.
Escultura Helenística.
Toro Farnesio.
Probablemente fue realizada
por un escultor llamado
Apolonio de Trales en Rodas,
en el S. II A.C. Se encuentra
en el Museo Arqueológico de
Nápoles, y es la escultura
helenística más grande que
ha sido encontrada en una
excavación. Apareció en 1546
en las Termas de Caracalla en
Roma.
Representa un mito, el de
hijos de Antíope: Dirce.
Anfión y Zeto, que ataron a
su madrastra a un toro como
venganza. Los mitos son
literatura hablada y a veces
escrita.
Tiene la curiosidad de la
aparición de los animales.
Esculpir animales con esta
apariencia tan real, y con
tanto movimiento es muy
difícil pues hay que conocer
perfectamente su anatomía,
hacer muchos estudios, y los
animales no posan como las
personas.
Lo más curioso de esta
escena petrificada es que
está hecha de una sola pieza,
es un único bloque de
mármol. Una demostración
de destreza total.
Veamos sus características:
La escultura conlleva
mucho movimiento.
predomina la línea
curva, todas las figuras
se retuercen
Es muy teatral, con
exageración de las
expresiones.
Es muy realista, los
cuerpos tienen muy
marcada su
musculatura.
Lic. CC. En Flickr de eleneg
Se basa en la
tradición literaria.
Probablemente
estuvo policromada.
¿No te encantaría verlo?
Escultura Barroca.
Francois Girardon
1628-1715.
Rapto de Proserpina.
1677-89
Está basado en la obra del
mismo título de Bernini.
Después
hablaremos
un
poco de este autor.
Representa a Proserpina,
siendo raptada por Plutón
(dios de los infiernos) de los
brazos de su madre. Este es
un mito grecolatino que da
una explicación al paso del
tiempo
y
las
distintas
estaciones.
Esta escultura forma parte
de la colección que decora
los jardines del Palacio de
Versalles en Francia. En
España tenemos el Palacio
de La Granja, en Segovia,
que también está decorado
de modo muy barroco con
esculturas y fuentes en los
jardines. Esta época fue
muy propicia para este tipo
de construcciones, los reyes
hacían de mecenas, y desde
su punto de vista obligaban
a los escultores a copiar
esquemas de esculturas ya
hechas, por lo que se
produjo un "boom" de la
escultura
carente
de
creatividad. Es un factor a
tener en cuenta pues como
dice el dicho: siempre el que
paga lleva la razón, este
factor también provocó una
reacción
por
parte
de
algunos artistas que se
quisieron liberar de esta
circunstancia, y por primera
vez hay artistas totalmente
independientes,
como
sucede
en
el
Arte
contemporáneo. El primero
de ellos pudo ser Goya.
Veamos sus características:
La escultura conlleva
mucho movimiento.
predomina la línea
curva, todas las
figuras se retuercen
Lic. CC. En Flickr de austinevan
Es muy teatral, con
exageración de las
expresiones.
Es muy realista, los
cuerpos tienen muy
marcada su
musculatura.
Se basa en la
tradición literaria.
Escultura
Romántica.
Jean-Baptiste
Carpeaux
(1827-1875)
Ugolino y sus hijos.
Ugolino
es
un
personaje
de
la
Divina comedia de
Dante. Se trata de
la versión poética
de la vida de un
personaje al que
encerraron
junto
con otras personas,
entre ellos sus hijos
y
nietos
para
acabar
todos
muriendo
de
hambre. Es una
historia medieval de
canibalismo.
El
escultor
Carpeaux, estudió
en Roma, y vivió
los
años
del
desarrollo
del
Romanticismo.
Copió directamente
el estilo barroco
que había visto en
sus
años
de
formación en Italia.
Veamos
sus
características:
La
escultura
conlleva
mucho
movimiento.
predomina
la
línea
curva, todas
las figuras se
retuercen
Es
muy
teatral, con
exageración
de
las
expresiones.
Es
muy
realista, los
cuerpos
tienen muy
marcada su
musculatura.
Lic. CC. En Flickr de rjhuttondfw
Se basa en
la tradición
literaria.
Hay varias
copias.
Al
ser
una
escultura
tan
moderna,el autor
hizo
múltiples
copias,
y
la
puedes
ver
en
varios lugares del
mundo
y
en
distintos
materiales. Puedes
hacer un reaso de
la
unidad
2,
técnicas
indirectas.
Gian Lorenzo Bernini, es el escultor
barroco más influyente. Estudió la
escultura helenística, y pasó de un estilo
manierista a crear el verdadero estilo
barroco de escultura. Abajo en la foto
vemos su obra "El rapto de Proserpina",
imitado por Francois Girardon, en la
pieza del mismo título que vimos antes.
Pero Bernini también fue pintor y
arquitecto, y es por esta última
actividad por la que lo nombramos aquí.
El estilo Barroco en arquitectura,
también se llena de curvas y tiene un
elemento nuevo la columna salomónica,
o espiral. Bernini la puso en su Famoso
Baldaquino del Vaticano, y con ello la
extendió por toda Europa.
En la foto se observan las columnas
salomónicas en la barroca Iglesia de
San Luís de los Franceses en Sevilla.
Lic. CC. En Flickr de juandesant
Lic. CC. En Flickr de Ana Yacobi
Lic. CC. En Flickr de
joseph-tymo
4. El final de lo tradicional y comienzo de lo
contemporáneo
Realismo, Impresionismo.
Son dos manifestaciones artísticas del siglo XIX que merecen ser estudiadas por sus cualidades
formales aunque son movimientos artísticos que se ven muy poco reflejados en la escultura. El
escultor francés "A. Rodin" que ya vimos anteriormente produce una obra que mereze nuestro
detenimiento.
Veamos estos dos conceptos en la obra de Rodin:
El Realismo se caracteriza por:
Un gusto por los temas sociales, como en Los Burgueses de Calais, que cuenta la historia de
una injusticia.
En cuanto a las formas, adapta un estilo muy dibujístico, incluso cercano a la caricatura
imitando la obra del pintor Daumier . Se aprecia claramente en el retrato de Balzac. (Foto de la
izquierda).
Impresionismo
Se ha relacionado también a Rodin con el Impresionismo, por el tratamiento de la superficie
que hace que la luz refleje en la escultura de manera difusa, y porque se note el golpe del
palillo del escultor de la misma manera que se nota la pincelada en los pintores impresionistas.
Lo puedes apreciar en la textura de la pieza en la foto de la derecha.
Lic. CC. En Flickr de wallig
Lic. CC. En Flickr de juancharro
Lic. CC. En Flickr de
swan16
Modernismo.
Este estilo tiene diversos nombres dependiendo del país en que nos encontremos, así también lo
llaman: Art Nouveau, Modern Style, Sezession, Jugendstil, etcétera.
Las características son:
Inspiración en la naturaleza. Usa motivos vegetales decorativos. Como en el Arte Islámico.
Se tiende a esquematizar y estilizar los objetos. No es estrictamente realista.
La mujer se representa como elemento que representa la belleza. A veces con formas
rotundas y estilizadas.
Se usan motivos exóticos y fantásticos para la decoración, también de inspiración japonesa.
Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la
decoración.
El mejor escultor que representa este estilo es Aristide Maillol. En arquitectura, el español Gaudí. En
este estilo artístico alcanzan gran importancia la , y la orfebrería y joyería y la cerámica, ebanistería,
muebles, vidrio y otras artes de diseño. En las fotos de abajo en ese orden.
Lic. CC. En Flickr de tgrauros
Lic. CC. En Wikipedia
Lic. CC. En Flickr de M.McDonough
Lic. CC. En W ikipedia de vasily
Importante
Te acuerdas de la guitarra de papel?
Lic. CC. En Flrick de Nika
Después de tantos siglos llega Picasso y el Cubismo, y con ello todo cambia.
Todos estos conceptos de arte contemporáneo han sido ya expuestos en:
UNIDAD 1
UNIDAD 2
UNIDAD 2
TEMA IV
TEMA III
TEMA IV
1.2. A partir del Cubismo. El
1.1 Picasso,
González.
Gargallo
y
Julio
1.3.
1.2. Más allá de 1950.
1.4.
1.3Las arquitecturas-esculturas
3.1
"Ready made" o
"L'Objet
trouvé".
3.2
1.5. El vídeo y el espacio
virtual
Grandes espacios.
Land art.
3.3. Caja de ensamblaje, Poemaobjeto y Acumulaciones.
2.2. Instalaciones.
2.3.Happenings y
performances
3.4 Objetos surrealistas
consecuencias
Bioarte
2.1.
Ensamblajes. El Pop Art.
3.5. Últimas
ready-made.
Esculturas de luz
del
2.4.El
movimiento.
Esculturas cinéticas.
5.
Nuestros
días.
La
forma
después
de
la
revolución de la TICS
Qué curiosos son estos relieves de Eva Marisaldi, está claro que para realizarlos parte de fotografías.
Parecen fotografías hechas con un teléfono en un día normal, en un parque, o en una vivienda.
El proceso de trabajo podría ser tan sencillo como proyectar con un vídeo-proyector, las imágenes de
las fotos sobre una placa de yeso, y dibujar, calcando desde la misma proyección. Después tallar,
rebajando las partes convenientes como se talla una tiza, con facilidad.
Eva Marisaldi
Lic. CC. En Flickr de visionet
Qué tiene de actual en cuanto a la forma: es una escultura que parte de una fotografía, se compone
como una fotografía y parece una fotografía. Está basada en un arte que no existía hasta el siglo XIX.
Utiliza a demás un material contemporáneo, son como las placas de construcción.
La escultora Karin Sanders, escanea a los visitantes de sus exposiciones con un escáner 3D, y luego
los imprime con una impresora 3D. Y el resultado es escultura.
Pero esta manera de entender la forma en escultura, aún está anclada en la realidad táctil. Lo
verdaderamente nuevo es la realidad virtual.
El volumen virtual.
Has visto alguna película 3D, ya hace mucho tiempo que existen. Con las gafas bícromas los objetos
parecen salirse de la pantalla y pasar por nuestro lado. Ya se está viendo esto mismo en televisión y
ordenadores.
En donde el volumen virtual ha alcanzado unos niveles de creación muy grandes ha sido en
arquitectura. La infografía es una técnica utilizada comúnmente por los arquitectos, para recrear las
futuras construcciones, así como por los arqueólogos para reconstruir virtualmente edificios que ya no
existen.
Esta es una reconstrucción de las termas de la ciudad romana andaluza de Baelo Claudia.
Los cineastas, arquitectos y dibujantes utilizan los ordenadores para crear sus obras. ¿Por qué no los
escultores?
Importante
Existen multitud de programas que permiten crear formas tridimensionales virtuales.
Hemos escogido uno de ellos por su sencillez . Se llama Sculptris, es gratuito, hay
versiones para Windows y Mac, y lo puedes descargar en la página:
http://www.pixologic.com/sculptris/
Está completamente en inglés pero es bastante intuitivo. Permite crear graficos 3D
partiendo de una esfera, y crear distintas texturas .
Este vídeo tutorial está en español, aunque el comentarista utiliza bastantes términos
anglosajones se aprecia bien en que lugar está poniendo el puntero del ratón y hace
una visión muy amplia del programa. En Youtube hay otros ejemplos que producen
imágenes distintas.