Apuntes taller fotográfico
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Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán En este taller vamos a pronfundizar en el conocimiento de las cámaras reflex digitales. Vamos a obtener su máximo rendimiento, las vamos a exprimir hasta que nos digan que no pueden más. Para ello es muy importante conocer y manejar con soltura conceptos fotográficos básicos y saber aplicarlos con celeridad a nuestras máquinas. A lo largo del taller realizaremos ejercicios técnicos que potenciarán nuestros conocimientos y la relación entre la cámara y cada uno de nosotros... hasta transformalo en una historia de amor de la que procuraremos no despetar. Aprenderemos composición para dar un sentido visual a nuestra creatividad, ténica para plasmar con exactitud lo que tenemos en nuestra mente y capacidad crítica para valorar con objetividad qué hemos conseguido. Haremos salidas fotográficas destinadas a poner en práctica todo lo aprendido y aplicarlo en campo.... En síntesis buscamos un doble objetivo; conocer al máximo nuestro equipo y concebir y asumir la fotografía como un veneno sin antídoto ni remedio como una pasión y un medio de expresión para cada uno de nosotros. Capítulo 1, conceptos básicos En primer lugar tratremos aspectos esenciales y comentaré su funcionalidad: Diafragma (f) Velocidad de obturación (v) Iso Temperatura de color Profundidad de campo Enfoque Fotómetro Histograma Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán diafragma (f) La cámaras fotográficas captan luz. Lo hacen a través de una abertura central (objetivo). Esa apertura es el diafragma. Es un orificio regulable que permite graduar la cantidad de luz que entra a la cámara. Las progresivas variaciones de abertura del diafragma se especifican mediante el número f. El número f sigue esta sucesión 1,4 - 2 - 2,8 - 4 - 5,6 - 8 - 11 - 16 - 22 - 32. Tenemos que saber... Cuando saltamos de un valor a otro se llama paso. Cada paso supone la pérdida de luz del doble del anterior, asi un f 4, permite el doble de entrada de luz que un f 5.6. Cuanto más cerramos el diafragma menos luz entra. Como curiosidad el diafragma es el equivalente al iris en la visión humana, se abre para captar más luz, se cierra si tenemos demasiada. diafragma y nitidez Cuanto más cerrado esté un diafragma más nítidez lograremos en la totalidad de la imagen. Por el contrario cuanto más abierto, obtendremos menos nítidez en el conjunto de la composición, pero más nítidez en puntos de foco concretos del campo de visión. diafragma muy abierto f4 f 5,6 diafragma muy cerrado f 16 f 22 diafragma y profundidad de campo Un diafragma muy abierto (f2- f 4,5) disminuye la profundidad de campo y permite enfocar sólo partes de la composición en detrimento de otras, eso proporciona volumen a nuestra imagen. Por el contrario un diafragma cerrado (f16- f22) aumenta la profunidad de campo y permite un foco más nítido en todo nuestro cuadro de imagen. DISTANCIA FOCAL Profesor: Maximiliano Roldán distancia focal La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente o y el foco cuando enfocamos al infinito. Es lo que comunmente conocemos como zoom. Podemos aceptar que la visión humana es el equivalente a un objetivo de 50 mm. prohibido tajantemente Hacer retrato con un angulo menor de 50mm, lo ideal es empezar a partir de un 80. El angular deforma las facciones de la persona, nadie os agradecera un retrato si lo hacéis asi. Tenemos que saber... Cuando la distancia focal es amplia 50mm o menos la perspectiva es amplia. Cuando la distancia focal es larga, la perspectiva se acorta y da sensación de cercanía entre los objetos fotografíados aunque se encuentren a mayor distancia física. En un objetivo zoom de 17-55 , la focal más corta y angular será 17 y la focal más larga y tele será 55. La distancia focal afecta a la profundidad de campo, lográ más desenfoque un tele que un angular. Los objetivos zoom abren a un número de difragma, pero a partir de una distacia focal sólo permiten una apertura menor. Cuando en un objetivo pone 3,5 -5,6 quiere decir que 3,5 es su máxima apertura con la focal más corta y 5,6 a partir de determinada focal hasta su focal más larga. Cuanto más zoom, más pérdida de luz tendremos. distancia focal, deformación y profundidad de campo En este sencillo ejercicio, realizado con el mismo difragma y compensado con velocidad la pérdida de luz del tele observamos; a más angular más foco en el conjunto de la imagen, a más tele, más desenfoque. También apreciamos la deformación de las líneas rectas del libro en la focal de 17 mm y como se subsana con el uso de mayor distancia focal. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán velocidad de obturación (v) Hemos visto que las cámaras captan luz a través de una apertura central. Hemos visto que podemos regular ese orificio. La velocidad de obturación define el tiempo durante el cual se abre el obturador y entra luz al sensor por esa apertura. Regulando la velocidad podemos controlar la exposición, la nítidez, el enfoque, además produciremos todo tipo de efectos creativos. La velocidad de obturación se mide en fracciones de segundo posición B mientras se mantiene pulsado el disparador (hay modelos que permiten, pulsar para activar y después pulsar para desactivar). La serie es la siguiente: 30s, 15s, 8s, 4s, 2s, 1s, 1/2s, 1/4s, 1/8s, 1/15s, 1/30s (velocidades consideradas lentas) 1/60s, 1/125s, 1/250s, 1/500s, 1/1000s, 1/2000s, 1/3000s, 1/4000 s (velocidades rápidas) Cada salto de velocidad igual que en el diafragma es un paso y supone la pérdida del doble de luz. En resumen, una velocidad lenta es muy sensible al movimiento, producirá imágenes difusas, un velocidad rápida congela el movimiento. Tenemos que saber... La velocidad es el principal mecanismo para controlar la entrada de luz al sensor. La velocidad no incide en la profundidad de campo. Cada fotógrafo debe saber con que velocidad es capaz de mantener el pulso sin perder nítidez a fin de concoer sus límites. El uso de trípode permitirá entrada de luz sin movimientos indeseados en exposiciones largas. Los objetivos con distancias focales más largas suelen incorporar un estabilizador para evitar la vibración. La velocidad máxima de sincronización con flash incorporado es de 1/60. Más allá podría solaparse la captación del sensor. ejemplos de velocidad La velocidad permite congelar el movimiento o por el contrario hacer difusa la imagen que no está en movimiento. No permitirá hacer fotografías nocturnas, dobles o triples exposiciones, jugar con el flash, con los paisajes... Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán Iso El iso es el equivalente digital a la sensibilidad fotográfica denominada ASA. Ahora las cámaras digitales están provistas de un sensor CCD o CMOS según modelo que recoje la luz y la traduce en un código binario. En la era analógica se trabaja con películas (carretes) que tenían una especial sensibilidad a la luz, lo normal era 100 ASA, cuanto mayor era la sensibilidad de la película (200, 400) más facilidad tenían para captar luz en condiciones adversas lumínicamente hablando. En ese sentido el iso opera igual. Aumente de manera electrónica la sensibilidad del sensor. Curiosamente ofrece el mismo problema que sucedía en la era analógica un iso elevado en un sensor de escasas prestaciones provocará ruido en nuestra imagen. Un elemento que puede ser creativo, pero también perturbador y complejo de eliminar en posproducción. Medición de iso y ruido en cámara media (interior). Medición de iso y ruido en cámara media (paisaje). Medición de iso y ruido en cámara media (nocturna). Fotografía con ruido creativo. Medición de iso y ruido en cámara de gama alta. Fotografía con ruido creativo excesivo y no deseado. Tenemos que saber... Explorar al máximo las posibilidades de iso de nuestra cámara, saber cuando produce ruido y cuando no, para que de ese modo conocer con exactitud qué podemos ofrecer con nuestro equipo. El iso es un elemento creativo, el ruido está presente en muchas fotografías consideradas como tomas excelentes, si lo contralamos puede ser muy expresivo. Hay cámaras que permiten iso de hasta 3.200 sin generar apenas ruido y por el contrario hay cámaras que producen ruido con un iso 400. En mi caso particular, la EOS 40D de 2009 produce un ruido aceptable hasta 640-800 y es inaceptable a partir de ese paso. El iso no es valor que oscile en función de la luminosidad del objetivo, apertura de diafragma o velocidad. Todo ello influirá en la luz que llegue al sensor. El valor iso sólo determina la sensibilidad del sensor. Se puede subir un iso para captar luz en lugares oscuros o para sobrexponer en lugares claros. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán TEMPERATURA DE COLOR Es un término complejo de definir. Básicamente afecta a la oolorimetría de nuestras imágenes y permite asignar el blanco correcto a nuestras imágenes en función de la luz que incide en ese momento. Evitará exposiciones saturadas en un matiz de color u otro o lo propiciará si es esa nuestra intención. Su uso creativo queda obsoleto con la apliación de los programas de tratamiento digital, aun asi para mejorar nuestra calidad de toma fotográfica y conocer la respuesta de nuestra cámara es conveniente conocer su uso. La temperatura de color se expresa en grados kelvin, una temperatura de color baja se acerca a los rojos, mientras que una alta se acerca al segmento de los azules.Las cámaras ofrecen habitualmente un cuadro de posibilidades marcado con distintas posiciones; luz día, sombra, nublado, flash, fluorescente, tungsteno, además de una posición automática y personalizada, donde podemos asignar un valor en grados kelvin. Existe un medidor (termocolorímetro) similar a fotómetro de mano que mide en grados kelvin la temperatura de color de lugar donde obtengamos la foto. Como no disponemos de ese aparato deberemos conocer y emplear la temperatura de color y sus ajustes de un modo menos exigente, pero rápido y ajustado a nuestro criterio. temperatura de color y fuentes Las temperaturas de color bajas corresponden al espectro de los rojos y amarillos, las altas a espectro de los verdes y azules. Una vela tiene una temperatura de color baja y un cielo despejado una temperatura de color alta. normalizado Empleamos los ajustes de temperatura de color para ajustar el gris medio de nuestra cámara a las conciciones crómaticas de luz en las que vamos a trabajar. Si lo hacemos en cielo despejado, luz día, si usamos flash, flash y asi sucesivamente. De ese modo llega al sensor el color tal y como vemos a través de nuestros ojos. creativo En esta serie de fotografías apreciamos la modificación de los colores en función de la variable de la temperatura de color. Estamos engañanado a la cámara y logrando efectos cromáticos muy interesantes sólo con la toma fotográfica sin ningún retoque digital. Si asignamos una temperatura de color diferente a las condiciones en las que nos encontramos el resultado varía de un modo similar al que muestra la imagen. uso creativo de la temperatura de color Si modificamos la temperatura de color obtendremos resultados impactantes. Una misma escena cambia por completo. Podéis probar a asiganr luz fluorescente y hacer una toma en una habitación iluminada por bombillas incandescentes. Toda la distribución de colores que percibimos por el ojo humano, cambia radicalmente. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán profundidad de campo Profundidad de campo es la zona en la cual la imagen tiene foco, de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos. Mayor profundidad de campo, más nitinez en el conjunto de la imagen, menor profundidad de campo, nítidez sólo en áreas muy concretas. En objetivos macro la pérdida es muy marcada. factores que influyen en la profundidad de campo El diafragma, a difragamas más cerrados, más profundidad de campo y mayor nitidez Distancia focal, a más angular más profundidad de campo, con tele, menos profundidad. Separación del fondo y sujeto, cuanto más separado esté el sujeto del fondo menos profundidad. Proximidad, cuanto más cerca esté el objeto menos profundidad de campo. valor creativo de la profundidad de campo Controlando todos estos parámetros podremos lograr imágenes de amplio valor creativo, volumen visual, profundidad y realismo, es especialmente relevante para retratos y planos detalle donde queremos destacar una figura u objeto determinado sobre un fondo de menor importancia. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán enfoque El anillo de enfoque es un control que permite enfocar las lentes del objetivo para percibir nítidamente el motivo de la fotografía. Desde un punto de vista más práctico, se puede decir que enfocar es lograr que el objeto de la escena sobre el que pretendes llamar la atención salga completamente nítido en la fotografía. Los objetivos están provistos de un motor de enfoque, de modo que ofrecen dos variables, enfoque manual (MF) y autofocus (AF). Es preferible trabajar en manual cuando nos enfretamos a objetos estáticos, pero en situaciones dinámicas un foco automático es necesario. Las cámaras ofrecen tres tipos posiciones de enfoque: One shot, se supone mejor para objetos parados. All focus, todo tipo de situaciones. Al servo, objetos en movimiento. Mi opinión personal es que el mejor modo es one shot y trabajar un enfoque selectivo, mediante los automatismos de la cámara, de otro modo es la cámara la que busca foco sin control sin discriminar. Tenemos que saber... En los objetivos que permiten tanto enfoque manual (MF) como automático (AF) es importante no intentar forzar manualmente el anillo de enfoque cuando esté en posición automático (AF) ya que se puede dañar el mecanismo del objetivo. Puntos de enfoque, las DSLR ofrecen multitud de puntos de enfoque, las marcas los publicitan como un mecanismo de venta. Un punto seleccionado hará que nuestra cámara busque el foco en el lugar donde apunte la zona de enfoque. Podemos situar el punto de enfoque a la derecha del objetivo porque la parte nítida de la imagen que queremos fotografiar se encuentre en ese lugar. Por mi experiencia desaconsejo este uso. Bajo mi punto de vista es mejor usar un punto de enfoque central (suelen ser más rápidos) y mover la cámara para enfocar la parte derecha, después manteniendo el botón pulsado podemos mover la cámara y mantener ese foco. Es muy rápido y sencillo, lo veremos. Objetivos, un objetivo luminoso siempre enfoca mejor. En condiciones de poca luz, el autofoco no será viable y habrá que recurrir al manual, las cámaras están provistas de una luz de enfoque que podemos usar. Para fotos de estudio es preferible trabajr siempre en manual para evitar un fallo de foco producido por un movimiento de la cámara. Contraste, la cámaras dan foco por contraste de zona, si enfocas sobre una pared lisa de un mismo color el foco no encontrará una región de contraste, hay que buscar esquinas, cambios de superficie... Más luz... más nítidez, una escena bien iluminada es una escena que producirá un foco nítido y ágil. Menor velocidad de obturación, más complejidad de enfoque. En exposiciones largas hay que controlar el foco y los parámetros que afectan a la nítidez, la trepidación, la vibración... conviene usar trípode y foco manual. Manual, hay situaciones que precisan el uso del foco manual, una foto a través de un cristal, en paisjes con mucha profundidad de campo, en macrofotografía, si hay poca luz, en fotografía de reproducción o con cámaras de gran formato, cuando se fotografía objetos a excesiva velocidad (el motor de enfoque no es suficientemente rápido, es preferible enfocar un punto fijo, esperar que pase el objeto y disparar en ráfaga con un giro de seguimiento). Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán fotómetro integrado Todas las cámaras reflex están provistas de un fotómetro integrado. El exposímetro, hay puristas que lo denominan así, es un medidor, estima la necesidad de luz que precisa el sensor para lograr una imagen expuesta de un modo correcto. Proporciona un valor esencial que el fotógrafo podrá emplear del modo que mejor le convenga con la intención de exponer correctamente una zona de sombra, o por el contrario exponer correctamente una zona de altas luces, o buscar un valor medio. Tres tipos de mediciones: Spot, mide sólo un 3%, nos permite decidir una exposición correcta para luces o sombras. Matricial, mide la luz que precisa la escena en su conjunto, poco útil para contrastes fuertes Ponderada, mide en primer lugar la zona central y después hace una ponderación del resto. mediciones del fotómetro integrado La medición nos ofrece un valor numérico ubicado en una escala: -2 -1 0 +1 +2, la exposición correcta es 0, -1 y -2 son valores de subexposición (deficiencia de luz), por el contrario +1 y +2 son valores de sobrexposición (excesivamente iluminadas). En base a esa información, fotografiaremos. POSIBILIDADES CREATIVAS DE LOS VALORES DEL FOTÓMETRO En una situación de contraste elevado podremos convertir un objeto en una silueta negra si exponemos para la zona iluminada, o lograremos sobrexponer la zona más iluminada si hacemos una medición correcta para la zona más oscura. Sólo con flash de relleno podremos exponer de un modo correcto para ambas. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán histograma No sólo el valor del fotómetro hace una medición de la luz. El histograma nos ofrece un cálculo expresado en una gráfica de dos factores, medición de la luz y discriminación en Rojo, Verde y Azul (RGB). Gracias a esta lectura podremos conocer sin fiarnos del visor de pantalla, no siempre es válido, si la fotografía está expuesta de modo correcto o ajustada a nuestro criterio artístico. valores del histograma La tabla nos muestra de un modo efectivo la correspondencia del histograma con una escena deficientemente iluminada, otra expuesta de manera correcta y finalmente otra subexpuesta. histograma RGB El histograma ofrece también un valor de exposición de colores. Podemos observar como se comportan el rojo, verde y azul en nuestra toma. Además nos permitirá realizar modificaciones en posproducción en función de cada rango de color. Una exposición correcta es aquella en la que los tres colores se muestran del modo más uniforme posible a lo largo del histograma. ejemplos de HISTOGRAMAS Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán composición Bajo mi punto de vista la composición diferencia a un buen fotógrafo de un fotógrafo vulgar. Hay cuatro factores que siempre según mi criterio influyen en la composición: Criterio Profundidad Sensibilidad Conocimiento (información previa) Técnica compositiva No es casual el orden, la técnica es esencial conocerla, pero todo fotógrafo la conoce, por lo tanto, es mucho más relevante el resto de factores. Pero en este caso, se trata de una opinión personal, no forma parte de ninguna corriente. En composición además de las reglas predominan las excepciones a esas reglas o los usos diferenciados de esas reglas y es en ese punto donde un fotógrafo demuestra su capacidad de creación. La composición nos indica si una foto es buena, hace que la miremos durante más tiempo o la desechemos de inmediato. Por eso antes de hablar de reglas yo quiero comentar mis cuatro puntos de composición básicos, quizás es un planteamiento personal no trasladable a otros, pero tal vez os sirvan como me ha servido a mi. criterio ¿Qué fotografio? Cuando llego al evento que tengo que fotografiar he de estblacer un criterio. Más allá de si tengo información previa o no, tengo que diferenciar de inmediato qué es importante y que no lo es. Eso significa discriminar el tema principal y tratar de captarlo de un modo distinto, pero sencillo y de fácil comprensión. En esencia tengo que saber que quiero fotografiar. profunidad Prohibido imágenes planas Salvo que el acto en si no lo permita siempre busco un punto de vista que me ofrezca volumen, diferentes planos de enfoque para lograr imágenes con profunidad. sensibilidad Saber captar los sentimientos Mal fotógrafo áquel que cuando una anciana llora fotografía un pájaro. Debemos prever imágenes que llenarán de sentimientos al espectador. Hay que imaginar abrazos, lágrimas, sonrisas y poner nuestros objetivos a su servicio. Esa sensibilidad frente al tema nos dará fotos intensas. conocimiento saber donde estamos Toda la información que recopliemos previamente será esencial para comprender qué o a quién fotografiamos, qué quiere el cliente, como es, sómo será la actuación, el acto... Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán reglas de composición Podemos decir que la situación de los objetos en la escena de una fotografía conforma lo que se llama composición. Componer una fotografía es buscar la mejor vista de una escena y conseguir la armonía entre sus elementos. Las reglas son una guía que pueden romperse en cualquier momento a gusto del fotógrafo, si eso nos ayuda a transmitir lo que queremos. El arte de componer está en saber no sólo cómo colocar los objetos, sino qué elementos añadir y qué elementos dejar de lado. Esto es muy importante, ya que nos puede ayudar a situar una imagen en un contexto o en otro. Ley de tercios En un retrato vertical de un encuadre tan cerrado. Debemos trata de colocar la mirada del sujeto en uno de los tercios laterales. El resto de puntos visuales principales deberían ser espacios conde colocar elementos importantes del sujeto. Ley de tercios, el objeto principal se sitúa en uno de los tercios laterales, las intersección son los puntos de mayor interés visual. No colocamos el objeto en el centro sino en un tercio lateral. La regla de los tercios es la forma sencilla de aplicar la sección áurea a la fotografía. La sección áurea es una proporción material que los griegos (en 400 ac) descubrieron cuando buscaban la armonía, la proporción perfecta en el orden de las bellas artes, escultura, arquitectura. Esa proporción se ha aplicado después con efectividad a los mismos campos, asi como al diseño. En el caso de la fotografía ha derivado en la ley de tercios. Es la norma más básica en composición fotográfica. En primer lugar tenemos que olvidarnos de eso de hacer fotos con el sujeto centrado. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán Ley de tercios Para aplicar la regla de los tercios dividimos hipotéticamente el espacio de una foto en tercios tanto vertical como horizontalmente y haremos que las líneas y los elementos más importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios. Así, los horizontes y los elementos más importantes de una foto los colocaremos en los tercios. Los vemos en los siguientes ejemplos. Las intersecciones son los puntos más fuertes de interés visual, en ellas deberemos colocar aquellos elementos que queramos destacar por encima del resto. Las intersecciones es un lugar muy apropiado para situar la mirada del sujeto, la boca, una silueta en un paisaje... Este ejemplo es perfecto para definir el uso de la ley. El centro de la cara esta colocado en una intersección visual clave. A partir de este posicionamiento podemos construir una imagen equilibrada y dinámica. En este caso observamos menor fuerza en la imagen, la cara está muy centrada, además su mirada se dirige a un punto fuera de campo (es decir fuera de la imagen) y tenemos poco espacio en ese lado. Observamos como la primera composición define con fuerza al personaje, la segunda se pierde en el recorte y en el espacio lateral. No debemos preocuparnos si la toma fotográfica no es perfecta, siempre podremos reencuandrar en posproducción. La mayor parte de las cámaras reflex están provistas de un indicador que marca los tercios en nuestro visor, de ese modo es más sencillo calcular donde debemos ubicar a los sujetos que queremos destacar en la fotografía. Se ha colocado la línea del horizonte en el tercio inferior, tenemos reflejo de nubes en ese tercio y nubes en los dos superiores, además los árboles se sitúan en su mayoría a ambos lados del cuadro, eso nos proporciona equilibrio. Componer es decidir, mostrar criterio. Esta foto también es perfecta para definir la ley de tercios. La pareja esta colocada en el espacio más sensible, perfecto para lograr un equilibrio. Además se ha definido en el tercio superior la linea del horizonte. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán colocar la linea del horizonte De nuevo la composición nos obliga a elegir en aras de lograr una buena imagen. La pregunta que debemos formularnos es ¿qué es más importante en nuestro encuadre cielo o tierra?. Se acabó lo de poner le línea del horizonte en el medio de la fotografía, se trata de un elemento de gran fortaleza visual y hay que tratarlo con criterio. Sirva este ejemplo. La primera imagen tiene la linea del horizonte en medio del cuadro, no destacamos ni cielo, ni tierra, es una composición plana. En el segundo el fotógrafo ha encuadrado la linea en el tercio inferior, tenemos la información necesaria de tierra para situarnos y un gran protagonismo de un cielo con nubes. En el tercer caso, más arriesgado dadas las imágenes colocamos la linea en el tercio superior, el protagonismo es la montaña, su manto de hierba, la información del cielo es sólo la necesaria para contextualizar. debemos saber: En condiciones normales un horizonte no se mueve, por lo tanto, debería ser sencillo fotografiarlo describiendo una línea recta, un horizonte inclinado transmite inseguridad y rompe todo equilibrio. Si nos hemos equivocado en la toma, podemos rehacerlo en postproducción, pero nunca presentemos a un cliente un horizonte inclinado, en tal caso es probable que nos devuelva el trabajo. Lo ideal es trabajar previamente con una idea de composición. Determinar que zonas del paisaje nos interesan más y tratar de encuadrarlas en los puntos fuertes visuales tal y como vimos en la ley de tercios. Por lo general no se tratará de una fotografía que requiera inmediatez, con lo que el arte compositivo es más sencillo de trabajar. A B Excepciones evidentes A) Bajo mi punto de vista estético y creo que también es un criterio general si que hay excepciones que determinan que la línea del horizonte debe estar en mitad del encuadre. Se trata de aquellas composiciones en las que fotografiamos un reflejo. En tal caso, es tan importante el objeto/sujeto en si mismo como la imagen que produce al reflejarse sobre una lámina de líquido una superficie pulida. B) También podemos tener la intención de buscar la simetría en una composición y en ese caso deliberado sería admisible colocar la linea del horizonte en mitad del cuadro, pero deberemos proporcionar elementos a la imagen que justifiquen esta composición, de modo contrario no funcionará visualmente. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán Si nos hubieran contratado para fotografiar gaviotas volando en un entorno natural. Seguramente acudiríamos a una playa. Antes de llegar podremos tener una idea aproximada de lo que queremos fotografiar, pero sólo cuando lleguemos sabremos con certeza qué tenemos a nuestro alcance. Si nada más llegar decidimos que queremos captar a la gaviota iniciado el vuelo con las alas desplegadas y al fondo mar y arena, habremos realizado un paso esencial en composición y si ha sido rápido mucho mejor. El primer paso es elegir el motivo, depsués buscaremos el modo de ejecutarlo de una forma más acertada. identificar que queremos contar Es una cuestión de criterio personal que después tiene un desarrollo formal. Como fotógrafos cuando llegamos a un espacio debemos observar con rapidez e identificar que imágenes o qué cuadros definen con mayor precisión el trabajo que tenemos que ejecutar. Si vamos a una convención de mimos tendremos que trasladar esa imagen al espectador. Para ello debemos pensar cuál es el punto de interés visual más narrativo, gráficamente más relevante. Una vez hemos hecho esa discriminación podremos buscar la mejor composición, pero sin esa identificación previa (a menudo basada en información previa del acto y lugar) lso fotógrafos se pierden en el espacio y el tiempo y tardan mucho tiempo en captar una imagen de interés. En fotografía como en el resto de artes, el tiempo es oro. Para trabajar rápido, evitar fotografiar de un modo indiscriminado que después ralentiza la selcción es esencial, definir nuestro centro de interés nada más llegar y después abrir el círculo. menos es más... Es habitual, especialmente en fotógrafos no profesionales tener miedo al vacío. Pensamos que la sencillez no puede construir una buena imagen, cuando es justamente al contrario. El lema es ‘menos es más’. Si observamos bien las grandes fotografias, las que perduran en nuestra memoria, muestran habitualmente un sólo elemento o la combinación de varios que determinan un sólo tema. Debemos evitar rellenar el encuadre de elementos que finalmente sólo estorban a la mirada del espectador. La foto de la izquierda sólo incluye a dos personas en unas escaleras, además de la composición exacta en la colocación de sujetos según la ley de tercios y en la diagonal que se forma entre ambos fortalecida por las miradas, chico mira a chica, chica mira fuera de campo (fuera del encuadre). Hay un elemto de éxito más, la sencillez, sólo dos personas y el contexto, unas escaleras, no necesitamos nada más para saber qué sucede, para imaginar que sucederá cuando no estemos allí para verlo, crea inquietud y fija nuestra mirada. En la segunda imagen tenemos una piscina llena de gente. No hay criterio compositivo y el fotógrafo ha incluido a gente de un modo masificado y sin criterio, probablemente para llenar el encuadre. Esta imagen no aporta nada, tal vez si hubiéramos encuadrado a una sola pareja con un fondo de más gente en desenfoque, incrementaríamos la sensación de masificación de la piscina y fortaleceríamos la imagen. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán En la primera foto tenemos líneas diagonales que recorren todo el encuadre y se repiten y una línea horizontal que recorre todo el cuadro, en el punto donde hay un vacío (no hay repetición) enmarco a los sujetos y se crea una direccionalidad, la mezcla de elemenos repetidos y líneas es eficaz para lograr una buena composición. En el ejemplo del mago son las luces las que que crean una diagonal que de arriba hacia abajo nos conduce al mago. En la foto del bailarín estático una serie de haces de luz marcan no sólo líneas superpuestas sino también convergentes, crena un punto de fuga que focalizan la mirada del espectador de un modo ineludible al sujeto, nos hace obviar casi el resto de elementos del cuadro. En la segunda imagen todo son líneas, las diagonales forman un marco uniforme por su repetición en todo el cuadro y las horizontales construyen. Podría ser una fotografía con una composición simétrica y resultaría igualmente armónica. La escalera son líneas y una dirección, apoyarse en una línea proporcionará equilibrio o su contrario según nuestra intención. En el segundo caso, las líneas horizontales y verticales encuadran, casi encarcelan al sujeto principal, nos dan una idea de afixia por el motivo que fotografié, un ave enorme en un recinto aparentemente muy reducido. Las líneas están reforzando la composición y además transmitiendo una idea incrementada quizás por el uso del blanco y negro. PUNTOS DE FUGA. En la foto de Bresson tenemos dos puntos de fuga, pero uno, la calle, es esencial para marcan la dirección del sujeto y trazar una compoción armónica, aqui la foto está recortada. Fijas la mirada en el hombre que camina y en el gato y cuesta observar que hay otra persona. La segunda imagen es un punto de fuga simétrico que por si mismo construye una composición equlibrada y eficaz. líneas verticales, horizontales, diagonales, punto de fuga Las líneas son un elemento de importancia esencial, nos aportan formas y contornos y nos permiten conducir la mirada del espectador de un punto de la fotografía a otro. De ese modo construimos una direccionalidad deliberada e incrementamos el tiempo de permanencia visual. Es un elemento muy eficaz que rellena el encuadre. La vida está llena de líneas, horizontales, verticales, diagonales, debemos aprovecharlas para componer. PUNTOS DE FUGA. Las líneas convergentes en el infinito imaginario forman puntos de fuga. Por si mismos ya suponen una composición perfecta aunque tiendan a la simetría. Colocar a nuestro sujeto apoyado en un punto de fuga siempre proporcionará profundidad, dinamismo y volumen. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán En la foto de la izquierda tenemos una niña que juega en medio de un charco en el tercio horizontal y lateral superior, pero es el reflejo el que se encuentra en el punto fuerte visual de la ley de tercios porque es el elemento que destaca en la imagen. En la segunda composición toda en si misma es reflejo, líneas que son rectas, pero que procesadas a través de la curvatura del cristan donde se reflejan se vuelven curvas e imprecisas, producen una mirada inestable de uno de los edificios de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, una visión que podría tener un componente crítico. Vemos el banco y la tarima de madera medio destrozada, pero las montañas invertidas nos desorientan porque no sabemos qué hacen de ese modo, en un plano más abierto descubriríamos un lago y todo tendría sentido, un reflejo en un plano corto contiene más sorpresa. En la segunda imagen la mujer, los perros y las luces producen un reflejo alargado en la playa húmeda, los reflejos apoyados por las líneas de la arena y paseo se contextualizan y son más armónicos. La primera foto es un reflejo caótico, sin control y sin referencia, no sabemos qué es, ni para que se muestra, sólo encontramos un punto de orientación en las letras invertidas. En la imagen siguiente la botella forma una diagonal clara con la piedra que recorre todo el campo visual, además nos da un punto de proporción y brújula,por eso esta imagen del edificio reflejado funciona a nivel compositivo mejor que la anterior. reflejos Fotografiar reflejos supone componer imagenes que sorprender al espectador, lo desubican y generan incetridumbre. Debemos controlarlos y tratar de trabajar sin dejar de lado las leyes de composición, especialemente la ley de tercios. Bajo mi punto de vista es conveniente aplicarla siempre que tengamos reflejos en el cuadro ya que el desiquilibrio del reflejo queda de algún modo corregido y la sorpresa no supone un caos visual en el que nadie se siente cómodo. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán repetición de elementos La repetición de algún elemento conectan partes de la imagen entre sí y crean líneas, equivalencias y direcciones. Toda foto buena contiene un factor psicológico añadido en este caso pueden aportar un valor de compañerismo, solidaridad, pertenencia a un todo. un buen encuandre con elementos repetidos construirá un espacio simétrico, cuya ruptura en alguna parte de la imagen producirá sorpresa en el espectador y fijará su atención en el punto que decidamos. La repetición de elementos refuerza la composición de la fotografía y articula una imagen equilibrada y al tiempo dinámica por la diferencia de colores de los pigmentos. Si repetimos todos los elementos y variamos uno de ellos, Muchos elementos en desorden puede dar una idea de la composición se fortalece, dirigimos la mirada del espec- caos, de composición desdibujada, debemos procurar tador y proporcionamos sorpresa. que la repetición sirva a un propósito establecido. enmarcado natural Es un modo de colocar al sujeto que queremos fotografiar. El marco natural es cualquier elemento que aparezca en el encuadre y que nos permita dotar al objeto que vamos a fotografiar de un marco en el que habitar. Estos elementos cierran el interés visual en una zona concreta, dirijen la mirada del espectador y dotan de mayor fuerza a la composición si se emplean de un modo correcto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán curvas en ‘ese’ Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada. Tienen una cualidad hipnótica si sabemos componerlas con precisión. En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía. espacios vacios, negros o blancos Un amplio espacio vacío en el encuadre colocado a uno de los dos lados del sujeto o incluso con el sujeto centrado nos sirve para componer una imagen con una gran fuerza expresiva. El espacio vacío puede ser blanco, negro o un fondo neutro o paisajístico. En cualquier caso, transmitimos, generalmente, sensación de calma, de sosiego, de una profunda tranquilidad. Siempre que no haya elementos que amenacen la tranquilidad del sujeto principal, fotografiar con amplios espacios vacios es una apuesta que narrativamente tiene un gran valor y que añade mucha calidad fotográfica a nuestras imágenes. lineas de enfoque En si misma una línea de foco frente al resto del cuadro desenfocado constituye un modo de composición. En función del tema puede ser muy interesante e incluso necesario y operar de forma independiente al resto de normas de composición. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán búsqueda de ángulos distintos en temas recurrentes A menudo fotografiamos temas tan repetitivos y poco visuales por si mismo que aun cumpliendo todas las normas posibles la imagen no funciona. La solución es buscar ángulos distintos cuando se puede. En otras ocasiones un angulación nadir o cenital también logararán captar la imagen del espectador, siempre que respetemos las leyes de composición formaremos una imagen sorprendente y bien trazada. En la presentación en rueda de prensa normalmente se hace foto frontal que aporta la información precisa. Decidí cambiar el ángulo sin perder información. altura precisa para cada tema Tenemos que buscar siempre el punto de vista adeucado para nuestro objetivo, cuanod trabajemos con niños es importante ponernos a su altura para captar una imagen aceptable. Sucede lo mismo si fotografiamos con cualquier tema, no es lo mismo fotografiar una carretera a pie de asfalto que a una altura de dos metros. contextualizar y proporcionar La fotografía de paisaje tiene sus propias normas, pero si nuestra intención es mostrar la magnitud de un edificio, montaña o cualquier objeto debemos dar al espectador una referencia cuyas dimensiones conozca. Un objeto es grande en función de con qué lo comparemos. Por eso simpre que busquemos ese efecto deberemos integrar en el encuadre elementos que trabajen en fortalecer esta idea, personas, casas, animales... cualquier objeto sirve a modo de referencia y además ayuda a contextualizar al espectador. Apuntes taller fotográfico Las nubes, la tierra, el sol... forman por su colorimetría una composición de líneas que armonizan la imagen. El gris y el verde forman en si mismo una composición generada únicamente por la diferencia de color. Profesor: Maximiliano Roldán Las gamas de color en el agua y en el ecielo refuerzan la composición en tercios horizontales. COLORES Y COMPOSICIÓN El color puede crear por si mismo y aislado del resto de normas de composición una imagen armónica y visualmente atractiva, asimismo refuerza las construcciones compositivas que el fotógrafo quiera reflejar, también ofrece volumen y profundidad. Un buen uso del color aplicado a la composición nos permitirá realizar fotografías de una enorme belleza. Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos. Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición. En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto. grupos de sujetos, especialmente impares Aunque no tiene un explicacición de una lógica aplastante, esta teoría que reproduzco tiene a mi juicio una validez aceptable en términos visaules y es aplicable a nuestra cultura y, en consecuencia útil para nuestros fines como fotógrafos. Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir. Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés. Pero también es preferible trabajar con números impares. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán A B D C dirección de miradas... E La mayor parte de manuales que he visto no incluye las miradas de los sujetos como norma de composición. Por lo tanto, lo explico desde un punto de vista personal. El juego de miradas entre los sujetos que intervienen en una imagen crea direcciones y desplaza la atención del espectador, nos permite jugar con quien nos mira y de algún modo hacerle partícipe de ese juego. En el primer ejemplo el vigilante y la mujer del cuadro miran fuera de campo, mientras que el sujeto del cuadro nos mira a nosotros que a su vez le devolvemos la mirada para después fijarnos en el resto, creamos complicidad. En el segundo caso, dos sujetos miran fuera de campo, crean una dirección y una inquietud ¿qué miran?. La imagen impacta. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán RAREZAS PERSONALES A) Bajo mi punto de vista estético y creo que también es un criterio general si que hay excepciones que determinan que la línea del horizonte debe estar en mitad del encuadre. Se trata de aquellas composiciones en las que fotografiamos un reflejo. En tal caso, es tan importante el objeto/sujeto en si mismo como la imagen que produce al reflejarse sobre una lámina de líquido una superficie pulida. B) También podemos tener la intención de buscar la simetría en una composición y en ese caso deliberado sería admisible colocar la linea del horizonte en mitad del cuadro, pero deberemos proporcionar elementos a la imagen que justifiquen esta composición, de modo contrario no funcionará visualmente. Apuntes taller fotográfico Profesor: Maximiliano Roldán PRÓXIMOS TEMAS Composición, retrato, retrato de estudio, fotografía nocturna, Rango dinámico clave alta, clave baja, horquillado, medición por incidente, programas manuales, puntos de enfoque, balance blancos personalizado, histograma, flash, distancia hiperfocal...
