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INTRODUCCIÓN
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FORMACIÓN
PROYECTOS DE FORMACIÓN Y COLABORACIÓN CON
CENTROS EDUCATIVOS
WORKSHOPS
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INVESTIGACIÓN
PUBLICACIONES
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PROMOCIÓN Y DESARROLLO
SOSTENIBLE
TRABAJO EN RED
PROGRAMA DE INTERCAMBIO DE
ARTISTAS EN RESIDENCIA
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Tres bloques conforman la estructura principal del programa, Proyectos de Formación y colaboración con
centros educativos, Investigación y un tercero de
Promoción y desarrollo sostenible.
El primer objetivo planteado sigue siendo la formación
y captación de nuevos usuarios de la creación escénica contemporánea -uno de los pilares en la vertiente
más divulgativa de este espacio-.
La investigación y la docencia en las universidades
están siempre muy unidas ya que la mayoría de los
profesores realizan las dos actividades y muchos de
los equipamientos se utilizan para ambos objetivos.
En los últimos años, cada vez es más frecuente oír hablar o leer sobre la I+D+i y la necesidad de promoverla
en el sector de las artes escénicas. La creación de
este plan de acción que se presenta bajo las siglas
I+D+i, nace con la intención de ser un proyecto que
incida en la investigación y fomente la promoción
facilitando el desarrollo sostenible del sector escénico.
Del mismo modo este programa aúna por primera
vez y articula las actividades que ya en temporadas
anteriores se venían realizando y que, al diferenciarlo
claramente de la parte meramente ligada a la exhibición, ocupa un lugar relevante con la importancia y la
dedicación que ha derivado indiscutiblemente en una
mejora sustancial en cuanto a funcionalidad y rentabilidad, así la creación del plan I+D+i supone para el
Centro Párraga una mayor adecuación a la necesidad
del sector y una clara optimización de los recursos
con los que cuenta el área de formación y promoción
del Centro Párraga para la comunidad artística dentro
y fuera de la Región de Murcia.
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Dado que los resultados de la investigación se aprovechan en la docencia y la información y la experiencia adquiridas en la enseñanza se pueden utilizar en la
investigación, es difícil determinar con precisión dónde terminan las actividades de enseñanza y formación
y dónde comienzan las actividades de I+D. La I+D se
diferencia de la docencia rutinaria y del resto de las
actividades por sus elementos novedosos. Realmente
resulta muy difícil saber si hay que incluir en la I+D
las actividades científicas que son subproductos de la
enseñanza o de la formación
En segundo lugar fomentar las Relaciones con Centros Educativos como Estrategia para el Desarrollo
de la Demanda Cultural dadas las peculiaridades que
presentan los productos culturales, tanto en su creación como en su comercialización, ha desembocado
en una fórmula de gestión que, en algunos casos,
se desarrolla de espaldas a la sociedad, sin tener en
cuenta que ésta constituye, en gran medida, su razón
de ser. En este contexto, el trabajo de investigación
desarrollado en España sobre una muestra de 3.010
ciudadanos y 150 entidades escénicas viene a poner
de manifiesto la necesidad de desarrollar planes de
acción con centros educativos como vía para incentivar el consumo de productos culturales. El enfoque
adoptado para el desarrollo de este incipiente plan
en la C.A.R.M. nos lo ofrece el marketing de relaciones, que nos ha permitido desarrollar un modelo de
marketing relacional para entidades de servicios de
exhibición de artes escénicas en el que los centros
educativos ocupan un lugar prioritario como agente
de interés en la gestión.
El sector de la exhibición de las artes escénicas, en
sus distintas modalidades (teatro, danza, lírica y música en vivo), se está situando cada vez más dentro
del punto de mira de disciplinas relacionadas con
la gestión. La explicación de este fenómeno parece
encontrase en una altamente difundida y acertada
concepción de la cultura, que considera compatibles
este tipo de actividades con planteamientos económicos y de gestión. A este respecto, cabría afirmar:
qué las entidades escénicas producen un servicio
ya que cuentan con unos clientes (audiencia) cuyas
necesidades han de satisfacer, siendo los directores
de estos espacios escénicos gestores de personas y
recursos.
El presente trabajo de investigación pone de relieve
la importancia que presenta la educación en el desarrollo cultural de las sociedades modernas. Desde
la perspectiva que nos ofrece su enfoque, se ha desarrollado un modelo adaptado a las peculiaridades
específicas que presentan las entidades escénicas.
Ésta perspectiva reconoce en el Sector Educativo
uno de los grupos de interés clave en la gestión de
las organizaciones culturales para el desarrollo de la
demanda.
En materia de promoción y desarrollo del sector escénico empresarial cabe señalar la intensificación en
nuestra labor de posibilitar la producción y desarrollo
de obra artística escénica, generando, tutelando, apoyando y facilitando la exportación de los productos
escénicos, tanto de la Comunidad Autónoma de la
Región de Murcia como de aquellas propuestas con
las que el Centro Párraga colabora en la coproducción e intercambio de artistas en residencia a través
de un intenso trabajo en red con otras instituciones
del ámbito nacional e internacional.
No hay que olvidar que para la sostenibilidad del sector, además de promover estrategias de adecuación
de tamaño y de profesionalización para conseguir la
competitividad, también es imprescindible apostar
por el I+D+I con inversiones que permitan la rentabilidad a medio y largo plazo. Debemos tomar ejemplo
del sector de la nueva creación escénica que siempre
ha centrado una parte importante de su actividad en
desarrollar lenguajes contemporáneos e interdisciplinares a través de la investigación y los procesos
creativos sin depender de la explotación a corto plazo. La inversión en el corto plazo, no debe impedir
la inversión en el medio y largo plazo que es la única
garantía de futuro.
Juan Nicolás
Director del Centro Párraga
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FORM
ACION
PROYECTOS DE
FORMACIÓN Y
COLABORACIÓN
CON CENTROS
EDUCATIVOS
Con el presente programa el Centro Párraga convoca un espacio que desde la formación, y en estrecha
colaboración con colectivos profesionales e instituciones académicas y docentes, contribuya a la reflexión, la investigación, la creación y la promoción en
artes escénicas. Un programa que intenta contribuir
a la proyección y el desarrollo de las artes escénicas,
por medio, principalmente, de propuestas formativas,
destinadas a la especialización complementaria de
estudiantes y profesionales de la danza, el teatro y
otros oficios vinculados a la práctica escénica y en las
que se cuenta con reconocidos creadores y profesionales. Pero en el que, así mismo, tienen cabida proyectos educativos y divulgativos, en colaboración con
centros de enseñanza artística y de secundaria; así
como otras actividades, con las que difundir experiencias y trabajos realizados por alumnos y estudiantes,
a través de las cuales el Centro Párraga promociona
y contribuye en procesos que refuerzan y amplían el
papel y la importancia de la cultura en la sociedad
murciana actual. En la oferta formativa planteada se
pretende un doble objetivo:
Cumplimentar el curriculum académico de los estudiantes de enseñanzas escénicas y artísticas, y
desarrollar la formación continua, tanto creativa
como técnica, de los profesionales vinculados al
sector.
Promover la participación en procesos creativos y
divulgativos relacionados con las artes escénicas y
contemporáneas.
Formar y captar nuevos públicos y futuros usuarios
de la nueva creación escénica.
010
Las propuestas aquí diseñadas se inscriben en una
programación anual que no se limita a la oferta concreta de este periodo correspondiente a 2010, sino
que recoge experiencias ya iniciadas en años anteriores, a la vez que desarrolla y pone en marcha actuaciones con declarada intención de continuidad y
futuro.
De todas las iniciativas, en cuanto a la formación se
refiere, destacamos especialmente dos. Uno es el
PROYECTO +MÓVILES–INMÓVILES, programa de
iniciación a los nuevos lenguajes artísticos dirigido a
estudiantes de secundaria y que ya va por su tercera
edición. La otra apuesta formativa del Centro Párraga
es el bloque c ompleto de Workhops, con el que se
trata de vincular, y prolongar, la exhibición, en talleres y masterclass impartidos por los mismos artistas
que muestran sus últimas producciones incluidas en
la programación. Es un intento abarcar, en la medida
de lo posible, todos los aspectos del proceso creativo
y de producción, y en el que la representación es sólo
la punta del iceberg.
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+Móviles -Inmóviles.
Programa De Iniciación En Nuevos Lenguajes
Artísticos Y Escénicos Para Centros Educativos
De La Región De Murcia.
TEMPORALIZACIÓN:
Febrero/Mayo 2010
DESTINATARIOS:
Jóvenes de 13 á 17 años,
estudiantes de E.S.O. y Bachillerato.
Tras dos ediciones con excelente acogida, + MÓVILES – INMÓVILES presenta una nueva propuesta,
con el objetivo de continuar siendo un espacio interactivo de creación innovadora, abierto a los y las
estudiantes de secundaria. La metodología elegida
invita a participar en iniciativas y proyectos que recogen y reflexionan sobre el impacto de las nuevas
tecnologías en la vida cotidiana y en los hábitos culturales, tratando de aplicarlas en intervenciones artísticas, y en las que alumnos/as intervienen de forma
activa en los procesos.
El programa está dirigido a los centros de secundaria
que lo soliciten. Consiste en la elección de al menos
uno de los cuatro siguientes proyectos:
MULTIPLAYER. Realizado por Pedro Guirao
HISTORIAS DEL ARTE. Realizado por Clara Boj
LUX DREAMS 2.8. Realizado por Ana Romero
_SCHOOL_SOUND TRACK. Realizado por José Perelló
Estos proyectos dirigidos al alumnado de secundaria
constan de una sola sesión para cada grupo participante, y se realizarán en los propios centros educativos. Además de los cuatro de participación libre, el
programa incluye un proyecto, “La cuestión T”, asumido y desarrollado por un grupo de profesores de
los siguientes institutos : IES La Flota de Murcia, IES
Alquerías, IES Gil de Junterón de Beniel, IES Alfonso
X de Murcia e IES Marqués de los Vélez de El Palmar.
Una vez realizadas la totalidad de las sesiones y concluidos los proyectos se celebrará una muestra con
los resultados en el Centro Párraga. Esta exposición
se inaugurará, y estará abierta al público y a la visita
de los participantes, a finales de mayo de 2010.
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principal premisa, volver no una, sino todas las veces que
sean necesarias, para promover y ayudar a que el pueblo
saharaui pueda ser artífice de su propia expresión cultural
y teatral, para que puedan utilizar estas herramientas tan
útiles a la hora de trabajar con niños, para aportar beneficios a la comunidad y, sobre todo para, que puedan seguir
soñando con la libertad y sean los auténticos protagonistas
de su propio espacio cultural.
UN OASIS DE SONRISAS.
Hechizo Teatro.
A través del proyecto Oasis de Sonrisas, llevado a cabo
en Dajla, realizamos una primera toma de contacto con las
diferentes asociaciones saharauis que llevan a cabo actividades culturales, lúdicas, etc en los campos de refugiados.
En este proyecto cultural, teatral y solidario, se combinaron
representaciones de teatro infantil (especialmente creado
para este contexto), juegos en los colegios para niños de
todas las edades, visitas a las diferentes instituciones educativas y culturales (para recabar información a la hora de
hacer proyectos de continuación), así como talleres formativos en ocio y tiempo libre a mujeres.
Para este proyecto “El Hechizo Teatro” usó como plataforma y nexo con el pueblo saharaui y sus necesidades a la
ONG Amigos de Juan XXIII, sin la cual este proyecto no
hubiera sido posible. Actualmente, seguimos colaborando
con dicha ONG aunque ya hemos establecido nuestros
propios contactos y eso favorecerá la comunicación con
los usuarios, beneficiando y mejorando este nuevo proyecto. En este mismo sentido, hemos creado la asociación
Oasis de Sonrisas, una asociación que canalice todo nuestro trabajo artístico dirigido a la cooperación y el desarrollo.
Es un proyecto que dará continuidad a las iniciativas puestas en marcha en 2009 relacionadas con la educación y la
animación socio-cultural a través de actividades artísticas
en el ocio y tiempo libre de los niños y jóvenes de los campamentos de refugiados del Sáhara. Así mismo, intenta
llevar a cabo una labor cultural acercando el arte y, más
concretamente, el teatro a la población de dichos campamentos. Oasis de sonrisas también es una manera de
escuchar las diferentes propuestas que el pueblo saharaui
tiene respecto a su propia promoción educativa y cultural,
siendo así una plataforma para poner en marcha algunas
de esas propuestas.
Una de estas propuestas ha sido la de participar en el rodaje de una película escrita por un saharaui, en la que se narra
toda la dramática historia de este pueblo. En este momento, la propuesta se encuentra en una fase muy temprana,
pero intentaremos apoyarla para que se convierta en un
proyecto real. Otra de las demandas nos llegó a través de
la dirección del Colegio de Educación Especial de Dajla, la
cual solicitó que hiciéramos allí algún tipo de actividad o taller relacionada con el teatro y que nos daba total libertad y
apoyo para llevarlas a cabo. Esta propuesta se ha incluido
en este nuevo proyecto.
Propuesta de Actividades.
Nuestra propuesta parte desde tres enfoques: campañas
de sensibilización en Murcia, formación en actividades
de ocio y tiempo libre para mujeres y niños saharauis y
representaciones teatrales. SENSIBILIZACIÓN CON EL
PUEBLO SAHARAUI El proyecto Oasis de Sonrisas no tiene sentido si no lo damos a conocer a nuestra sociedad.
Para ello llevaremos a cabo actividades como muestras y
exposiciones audio-visuales, donde daremos a conocer el
trabajo realizado con nuestro primer proyecto de Oasis de
Sonrisas a través diversos medios; una exposición fotográfica, video proyecciones, fiestas temáticas, y diversas
formas de divulgación de nuestro trabajo y la experiencia
vivida a través de los medios de comunicación.
FORMACIÓN EN OCIO Y TIEMPO LIBRE Y ACTIVIDADES
CULTURALES.
Taller de dinámicas teatrales, formación de monitoras de
ocio y tiempo libre.
Se impartirán talleres para continuar la formación de las
mujeres que trabajan en el ámbito infantil y juvenil, para
favorecer su profesionalización y aportarles herramientas
de cara al desarrollo de su actividad laboral. Actividades
lúdicas y educativas para los niños de educación especial.
Las actividades serán: juegos de estimulación, dinámicas
teatrales sencillas, potenciación y estimulación de los sentidos, y diversos juegos adaptados a las necesidades de
los alumnos.
Representación del espectáculo teatral infantil “Oasis de
Sonrisas”.
Si fuera posible, se llevará a cabo la representación del espectáculo Oasis de Sonrisas, para acercar el teatro a aquellos niños que no pudieron verlo en nuestro anterior viaje.
No obstante y, según las necesidades del proyecto y de
los demandantes, esta actividad se podría cambiar por otra
que fuera más versátil, como por ejemplo, un espectáculo de menor envergadura y que requiera menos recursos,
como un cuentacuentos, juegos, etc…
De todo el trabajo realizado a través del proyecto Oasis de
Sonrisas y del que aún nos queda por realizar, tenemos claro principalmente que si a este tipo de proyectos no se les
da continuidad quedarán en meras experiencias pasajeras
que no aportarán más que el placer de haber participado
de ellas en su momento. La demanda que nos han transmitido los participantes, es que necesitan que volvamos,
que sigamos llevándoles teatro y sobre todo formación
para poder trabajar con y para los niños. Esta es nuestra
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y ordenada para dirigirla al espectador, pues en la construcción de ese lenguaje está su autoría.
Plantear cuestiones sobre el espacio, la sensación que
produce y el carácter que transmite; y no su conceptualización, ya que el espacio se dirige más al subconsciente
y a los sentimientos, que al intelecto…
CONTENIDO FORMATIVO
Primera Parte:
INTRODUCCIÓN A LA
DIRECCIÓN DE ARTE:
EL ESPACIO COMO
PERSONAJE.
Víctor Molero, director de arte y escenógrafo teatral.
En colaboración con la Escuela Superior de Arte y
Diseño de Murcia (EASD).
4, 5 y 6 MARZO
1.Introducción: Concepto y definición de dirección de
arte.
2.Desarrollo de la labor técnica en un proyecto audiovisual: Organización de equipo, labores presupuestarias
del departamento, relaciones entre los diferentes jefes
del proyecto, etc.
El conocimiento sobre el oficio de un director de arte
fuera del entorno cinematográfico es muy escaso. Son
pocos los que saben en qué consiste esta labor, tan
necesaria para desarrollar todo proyecto audiovisual.
Conocerla y poder analizarla puede ser muy útil al enfrentarse como espectador o realizador a la obra audiovisual.
OBJETIVOS
Mostrar y familiarizar al alumno con toda la labor técnica
y creativa que desarrolla un director de arte en la realización de un proyecto audiovisual (anuncio, serie, película,
espacio escenico, etc.)
Transmitir al alumnado distintos ejemplos del juego que
se crea en toda narración visual al utilizar el concepto
de la personalización del objeto o espacio, con la que el
autor tiene la libertad de crear una gramática, elaborada
3.Terreno Multidisciplinar del trabajo: Los diferentes ámbitos que abarca el oficio: arquitectura, grafismo, estilismo, historia, diseño, etc.
Segunda Parte:
1.¿Qué espacio habita en la narración?: Comparación
del planteamiento y proceso creativo entre el espacio
cinematográfico y el espacio arquitectónico.
2.Sintaxis de la escena: Algunos elementos de la imagen
van directos al intelecto (significantes) o parte formal del
signo. Relación entre significante y significado.
3.El espacio como personaje. Las escenografias por
las que circulan sus personajes afirman unas señas de
identidad irrenunciables, capaces de integrarse de forma
indisoluble con la personalidad y con las emociones de
quienes las habitan….Por eso sus criaturas dialogan con
los objetos que les rodean.
PROFESORADO
Victor Molero García. Director de Arte cinematográfico y
Escenógrafo teatral. Su experiencia profesional en el cine
incluye, entre sus últimos trabajos, la dirección artística de
las películas “Los abrazos rotos” de Pedro Almodóvar y “The
Way” de Emilio Estévez.
DESTINATARIOS
Personas interesadas en el medio cinematográfico y audiovisual. Profesionales o universitarios del mundo del
arte o el diseño.
METODOLOGÍA DIDÁCTICA
Para desarrollar el programa de este taller se toman en
consideración los siguientes aspectos fundamentales:
La formación y acercamiento de los contenidos a la realidad de las personas destinatarias de la formación.
La aplicación de una metodología participativa, eminentemente práctica, transmitiendo los contenidos a través
de los ejemplos propuestos y las aportaciones de los
asistentes.
PROGRAMA Y HORARIOS
Jueves, 4 de marzo, 17 h.- 18,30 h. Conferencia inicial
Jueves, 4 de marzo, 19 h.- 21 h. 1ª Sesión Curso
Viernes, 5 de marzo, 16,30 h. – 20,30 h. 2ª Sesión Curso
Sábado, 6 de marzo, 10 h.- 14 h. 3ª Sesión y Cierre Curso
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PAISAJES VELADOS.
Ópera de cámara.
10 MAYO
ESPACIO 0
Conservatorio Superior de Música de Murcia
Manuel Massotti Littel. Departamento de Composición.
Con este proyecto pretendemos poner en práctica todos
los conocimientos y experiencias que hemos ido adquiriendo a lo largo de nuestra formación académico-musical.
Pretendemos componer una obra que suponga un ejercicio creativo que nos proporcione un proceso evolutivo respecto a los contenidos musicales compositivos estudiados
a lo largo de nuestros estudios superiores de Composición
Musical. Para ello, compondremos una ópera de cámara
cuyo tema será el cambio climático. Deseamos con este
proyecto realizar una llamada de atención sobre el grave
peligro que corre nuestro planeta y las nefastas consecuencias que pueden sobrevenir si no adoptamos serias
medidas conservacionistas.
Relación del proyecto con el resto de las
disciplinas y ámbitos educativos artísticos.
Los alumnos de composición del Conservatorio Superior pretendemos crear un proyecto que ejemplifique la indisoluble unión de las diferentes disciplinas
artísticas que comparten escena en la representación
de una Opera. Nuestras aspiraciones creativas van
más allá del mero trabajo compositivo, supone realizar
un esfuerzo colectivo donde hacer participe a otros
grupos de trabajo provenientes de escuelas de arte
dramático, diseño, maquillaje, imagen, etc., que trabajen en colaboración con la música adecuándonos
unos a otros y complementándonos en la puesta en
escena de nuestra ópera de cámara.
Presentar una obra de nueva creación fuera del ámbito exclusivo del conservatorio supone una oportunidad única para un alumno de Composición, y más si
se trata de estrenarla en un centro de difusión de arte
contemporáneo, como es el Centro Párraga.
En primer lugar, y quizá la razón más importante de
la consecución de este proyecto, es la adquisición de
una experiencia musical singular para todos aquellos
que participamos en el proyecto. Esta actividad nos
ayudará a afrontar futuros retos creativos que se nos
puedan presentar. Por otro lado, es también una buena oportunidad para dar a conocer nuestro trabajo y el
estilo musical propio de cada uno de los componentes del grupo. La realización del proyecto supondrá
un reto que pondrá a prueba nuestras capacidades
creativas. Este trabajo no será un mero ejercicio de
clase, sino que supondrá una proyección de puertas
afuera ante un público diferente, dispuesto a escuchar
nuestra obra.
Música y libreto:
Javier Pérez Garrido
Marisa Acuña Fuentes
Irene Oliva Andrés
Dirección y coordinación:
Sixto Manuel Herrero Rodes.
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MUESTRA DEL
CONSERVATORIO
PROFESIONAL DE
DANZA DE MURCIA.
Español, clásico y
contemporáneo.
12/13/14 MAYO
ESPACIO 0
21.00h
E/L hasta completar aforo.
Como en años anteriores, Centro Párraga colabora con
el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia en la
muestra final de Danza en las especialidades de Español, Clásico y Contemporáneo. La caja escénica de Centro Párraga (ESP0) se pone a disposición de las jóvenes
propuestas del alumnado del conservatorio, germen y
futuro de la danza de la Región de Murcia.
El conservatorio.
El Conservatorio Profesional de Danza de la Región de
Murcia está situado en el centro histórico de la ciudad,
formando parte de un conjunto histórico-artístico único
formado por la Catedral, el Palacio Episcopal y el Ayuntamiento. Es un centro público dependiente de la Consejería de Educación de la Región de Murcia.
La enseñanza reglada de la danza en Murcia nace a principios de los años cuarenta, formando parte hasta 1982
del Conservatorio de Música y Declamación, y estando
situado en las dependencias anejas al Teatro Romea.
Durante cuarenta años éramos un único centro en el que
estaban aglutinadas la Música, la Danza, el Arte Dramático y el Canto.
En el año 1982 e produce la separación de estas enseñanzas, quedamdo por un lado el Conservatorio
Superior de Música, y por otro la Escuela Superior de
Arte Dramático y Danza, la cual se traslada al antiguo
seminario de San Fulgencio, edificio de gran solera en
nuestra ciudad, construido en el s.XVIII y utilizado como
seminario hasta principio de los años 70.
Cuando se produce la separación de las enseñanzas,
el entonces Ministerio de Educación y Ciencia adquiere
este edificio para albergar nuestra Escuela, y con unas
pequeñas obras de acondicionamiento, comenzamos a
impartir clases en Enero de 1983.
En Noviembre de 1993, fecha en que se separan las disciplinas de Arte Dramático y de Danza académicamente, pero no físicamente, pues seguimos compartiendo
edificio, se produce el traslado al centro sito en la Plaza
Fontes, nº 2 y algunas aulas al Teatro Romea.
Ese mismo año comienza la obra completa de rehabilitación del Seminario de San Fulgencio. Tras cuatro
años, por fin, pudimos disfrutar de un centro con la infraestructura adecuada para las enseñanzas que en él
se imparten.
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TERCERAS
ESADGERACIONES.
Escuela Superior de
Arte Dramático de
Murcia.
17/20 MAYO
ESPACIO 5
21.00h
Este festival mantiene la colaboración entre el Centro
Párraga y la Escuela superior de Arte Dramático de Murcia con el objetivo de seguir ofreciendo la oportunidad a
sus alumnos de mostrar aquellas creaciones que se desarrollan a lo largo del curso académico y se enmarcan
en las asignaturas de carácter eminentemente práctico.
Se continúa así una necesaria relación entre los creadores que actualmente se están formando y este espacio
destinado a fomentar la investigación y el desarrollo de
las artes escénicas. Una de las líneas de actuación del
Centro Párraga es proporcionar los recursos e infraestructuras necesarios para que los artistas escénicos que
se forman en la región puedan dar a conocer sus inquietudes, sus preocupaciones o su particular visión de la
escena contemporánea más incipiente.
Esta iniciativa es fruto de una preocupación común ya
que tanto la Consejería de Educación como la Consejería de Cultura de la Comunidad Autónoma de la Región
de Murcia se hacen partícipes del apoyo y la intervención necesarias para facilitar la proyección y la prolongación en el tiempo de las actuales creaciones artísticas
que los futuros profesionales del sector desarrollan en
los centros superiores educativos.
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NOTA: Será de obligado cumplimiento para todos
los participantes la presentación de originales de
las partituras, así como del acompañamiento obligatorio de la parte pianística.
3.- El tribunal estará constituido por al menos tres personas (siempre número impar) vinculadas al mundo profesional de la música pertenecientes o no al Claustro de
profesores, actuando como Presidente el Director del
Centro o persona en quien delegue.
PREMIO JOVENES
INTERPRETES 2010.
CONSERVATORIO DE
MÚSICA DE MURCIA.
19 ABRIL / Edición Joaquín Riquelme.
2 y 3 JUNIO / Edición Ginés Abellán.
ESPACIO 0
10.00h.
E/L hasta completar aforo.
4.- El fallo del tribunal será único e inapelable, dándose
a conocer al término de la prueba. El tribunal concederá
hasta un máximo de tres premios para todos los participantes.
5.- PREMIOS. Los alumnos premiados obtendrán un
cheque regalo consistente en un lote de partituras, discos, libros o diverso material musical que quedará distribuido de la siguiente forma:
5.1- Primer Premio: cheque regalo por valor de 300€.
5.2- Segundo Premio: cheque regalo por valor de 200€.
5.3- Tercer Premio: cheque regalo por valor de 100€.
5.4- La Vicedirección del centro promoverá para el
próximo curso la realización de conciertos para los tres
premiados con las distintas agrupaciones del conservatorio.
6.- Todo lo anteriormente expuesto estará coordinado y
dirigido por la Vicedirección del centro.
7.- El plazo de inscripción finalizará el 19 de marzo de 2010.
1.- El Concurso está dirigido a todos aquellos alumnos
del Conservatorio de Música de Murcia, tanto en las
especialidades instrumentales como vocal, que hayan
obtenido la calificación en el último curso de las Enseñanzas Profesionales de Música de nueve en su especialidad y de siete como nota media del resto de las
asignaturas realizadas en dicho curso.
2.- En el Concurso se realizará una Audición de carácter
público y consistirá en:
2.1.- Interpretación de las obras o movimientos de las
mismas propuestas por el propio aspirante, en las que
se diferencien claramente al menos tres estilos musicales, hasta completar un mínimo de veinte minutos y
un máximo de treinta minutos.
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WORKSHOPS
Taller basado en el concepto de la formación diaria
en la Finca Internacional de Teatro de estudio de los
actores de THE FARM IN THE CAVE - bajo la dirección
de Viliam Docolomansky.
WORKSHOP FARM IN
THE CAVE.
Expresión como una transmisión de la experiencia
humana con Viliam Docolomansky.
23, 24 y 25 de ENERO.
ESPACIO 5. De 10:00h a 15:00h.
50€
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La formación de los actores de THE FARM IN THE
CAVE ha sido creada por los miembros del estudio,
que han trabajado con la manifestación de las culturas minoritarias (canciones de cante jondo, rituales rutenos, flamenco, etc) Las viejas formas culturales han
inspirado las expresiones modernas y la corporalidad
del actor con un enfoque en la expresión como una
transmisión de la experiencia aquí y ahora. La transmisión entre el espectador y el actor opera directamente: a través
de la vibración de movimiento y de voz.
En el taller, los participantes - a través de ejercicios
físicos y el canto - alcanzará la práctica de las cualidades básicas: tierra, estrechamiento de la tensión de
flujo tobera, saltando y trabajando el acento. Se trata
de la apertura de la calidad de la vibración de la voz
y el movimiento. Entonces, cada él/ella crea su propio
partitura, donde aprenden a fijar tanto la forma externa como la red interna de los impulsos. Por medio de
las estructuras de captura, se comunica con la pareja
en el escenario. A través de “lenguaje corporal”, se
articula la experiencia que
no se puede capturar en palabras.
El ejercicio versa sobre las cualidades básicas, así
como la creación individual en el taller a fin de llegar
a la pura expresión - más allá de las fronteras de la
cultura, más allá de la llamada auto-expresión, más
allá de las fronteras de nuestra propia determinación.
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El proyecto de taller-labOratorio <<El cuerpo próximo>> ha ido surgiendo a través de mis creaciones
escénicas, con la necesidad de construir espacios de
transmisión y formulación, en diálogo in-situ con los
procesos de pensamiento de mi escritura coreográfica y narrativa visual.
Mi interés en proponer la mirada como práctica física
emergente, introduce el cuerpo en un territorio interdisciplinar, vinculado a la experimentación de nuevas
dramaturgias y la construcción de nuevos lenguajes.
EL CUERPO PRÓXIMO (1,2,3…)(SOBRE
LA NATURALEZA DEL
INSTANTE O DIÁLOGOS EMERGENTES
DE LA MIRADA).
Cia. Olga Mesa
(Francia/España)
Association Hors Champ / Fuera de Campo
Acción MOV-HI
15/21 FEBRERO
Taller
10.00-14.00h.
30€
30
<<El cuerpo próximo>>sitúa la presencia como práctica del instante aún sin descifrar, aún no necesariamente visible. Diálogos emergentes de la mirada, en
donde el contenido se imprime a través del cuerpo
humano y la naturaleza de sus decisiones: sus impulsos, sus dudas, sus deseos y transformaciones,
aquello que necesita e intuye, aquello que se le escapa, aquello que experimenta de manera in-voluntaria.
Percepción y fragilidad constante de la memoria, a
partir de la presencia del otro.
Construir un cuerpo próximo identificando los márgenes entre el espacio pre-verbal que lo sitúa, el espacio
de decisión que lo desplaza, y el espacio de observación que lo aproxima a una realidad temporal más
íntima y personal a compartir con el otro, revelando
una presencia de lo visible.
No estar ocupados en producir sentidos e intenciones, sino en hacer consciente la naturaleza de nuestra
mirada y percepción a través del otro: cuerpo espectador, cuerpo desplazado, cuerpo en transición, cuerpo intuitivo, cuerpo al interior de otra mirada, cuerpo
abandonado, cuerpo en espera, cuerpo in-esperado,
cuerpo fragmentado, cuerpo periférico, cuerpo cinemato-gráfico.
Dirigido a:
Este laboratorio está dirigido a estudiantes avanzados, artistas emergentes, y creadores con experiencia, interesados en la investigación y los nuevos
lenguajes del cuerpo, dentro de las artes escénicas,
visuales y performativas. Se utilizará la escritura, y el
soporte vídeo como estrategias de captación, amplificación y difusión de los diferentes planos y mecanismos de articulación puestos en práctica.
Plazas limitadas para participantes: 12
Plazas limitadas para oyente-espectador: 6
Para inscribirse es necesario presentar una carta de
motivación acompañada de un curriculum a la siguiente dirección joaquinmedina@conexioncultura.
com. Se llevará a cabo una selección en función del
número de solicitudes presentadas. Se dejará abierta
la posibilidad de abrir el último día del laboratorio a
personas interesadas en conocer el trabajo desarrollado.
Olga Mesa
Coreógrafa y artista visual.
Olga Mesa nace en Avilés ( Asturias, 1962), en donde
inicia sus estudios de danza ( con Catherine Rezard),
y música clásica (1966-1978). En 1980 se traslada
el Centre International de Danse Rosella Higthower,
Cannes, Francia, en donde comienza a estudiar la
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ción de los ciclos : UVI- La Inesperada, Piezas Cortas
Hechas y Deshechas, Ciclo ¨Desviaciones, Situaciones : Universidad de Bellas Artes de Cuenca, favoreciendo el encuentro entre las diferentes prácticas y
disciplinas artísticas, Madrid (1996-2000)
danza contemporánea. Miembro fundador de la compañía Bocanada Danza dirigida por Blanca Calbo y La
Ribot ( Madrid 1984-1988). Obtiene el segundo premio coreográfico y el premio al bailarín sobresaliente
en el II Certamen Coreográfico de Madrid (1988). Se
traslada a Nueva York con una beca en la Merce Cunningham Dance Studio, ciudad en la que reside durante tres años realizando sus primeras piezas cortas,
y colaborando como intérprete con los coreógrafos
Margarita Guerge y John Jasperse.
Crea su propia compañía a su regreso a Madrid en
1992, con la presentación de su primera pieza larga el
solo Lugares Intermedios. En paralelo a sus creaciones escénicas, realiza sus primeras vídeo creaciones
Lugares Intermedis¨ (1993) y Europas (1995), recibiendo este último vídeo el primer premio del Festival de
Vídeo de Tondela, Portugal. Este víedo será selecionado para formar parte de la exposición itinerante Señales de vídeo : aspectos de la vídeocreación española
de los últimos años (1995), Centro de Arte Reina Sofía.
Posteriormente su producción visual se concentrará
dentro del espacio escénico, en donde la cámara es
una herramienta narrativa constante en su puesta en
escena.
Es invitada en Febrero de 2001 por el Thèatre de la
Ville de Paris, para llevar a cabo la reposición del solo
¨estO NO eS Mi CuerpO¨, iniciando un nuevo periodo
de su creación actúal en Francia. Dirige por primera
vez fuera de la escena, el solo ¨Le dernier mot¨, intepretado por el bailarín Marc Hwang, estrenado en el
Festival de La Batie, en Ginebra, Suiza.
En el año 2005 es invitada como artista residente durante dos años en el Teatro Pôle Sud, de Strasbourg,
abriendo su trabajo de investigación con el intérprete
a través de laboratorios, a partir de los cuales dirige el
dúo ¨La danza y su doble¨ interpretado pos Sara Vaz
y Aude Lachaise, y ¨Cuerpo en escena¨ (o los sueños
no tienen título ?) interpretado por Beatriz Fernández ,
del colectivo Las santas (Barcelona). Crea en ese mismo año la asociación ¨Hors Champ-Fuera de Campo¨
en Strasbourg, ciudad en la que reside actualmente.
partir de las obras de la colección. La exposición llevara el título de su proyecto ¨Práctiques du (non) visible : en avoir le cœur
( corps ) net¨ , presentando por primera vez su trabajo en forma de instalación con su proyecto ¨labOfil :
Práctica1¨, ¨ y la instalación sonora ¨Código Secreto¨.
Estrena su nueva creación escénica en solitario ¨Solo
a Ciegas¨ (con lágrimas azules) en el el Teatro Culturgest de Lisboa en Marzo de 2008.
Actualmente realiza la preparación su nuevo proyecto
¨labOratorio-labOfilm¨, plataforma de creación itinerante (2009-2011).
Sus obras han sido producidas y presentadas a
través de festivales y extructuras de producción
en España, Francia, Suiza, Portugal, Italia, Bélgica,
Alemania,Austria, Gran Bretaña, Nueva York, Uruguay,
Chile. Argentina y Brasil.
Destaca en sus colaboraciones su participación en la
realización del proyecto ¨Travellings¨ de La Ribot presentada en la South London Gallery de Londres, Marzo 2003 , y la realización junto al artista visual Daniel
Miracle y rel ealizador Raúl Alaejos (Neokinok Experimental TV), del filme documental y la instalación ¨ Le
prochaine regard ¨ ( La próxima mirada¨).Strasbourg,
2005-2006.
En el verano 2007 es invitada como artista residente
en el FRAC (Fondo Regional de Arte Contemporáneo)
Metz, Francia, para llevar a cabo un comisariado a
A partir de 1996, sus creaciones se inscriben dentro
de proyectos genéricos y temáticas : la trilogía del
cuerpo Res , non verba¨ (las cosas, no las palabras)
(1996-1999), y el proyecto Más público, más privado
(2001-2008).
En 1996 inicia su colaboración estrecha con el artista visual catalán Daniel Miracle con el solo estO NO
eS Mi CuerpO¨. En colaboración estrecha con las coreógrafas Ana Buitrago, Mónica Valenciano, La Ribot,
Blanca Calvo y Elena Córdoba, forma parte en la crea32
33
MASTERCLASS CON
LA COMPAÑÍA PEEPING TOM.
Joss Baker.
6 MAYO
ESPACIO 5
9.30-14.30h.
5h.
20€
Joss Baker comenzó a bailar a la edad de siete años
con el Oxford Youth Dance. Empezó su entrenamiento
en el Trinity-Laban Conservatorio de Música y Danza y
continuó su formación en Bruselas, en P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) Escuela
que dirige Anne Teresa De keersmaeker. Sus obra de
encargo incluyen la «criatura, el hombre no me digas”
(2008) y un dúo con su padre, titulado “Feedback”
(2009). También ha
realizado en ‘En el proceso de ...’ (Zoi Dimitroi, 2009).
Joss es actualmente un
profesor invitado en el Trinity-Laban.
Sobre el trabajo de Peeping Tom
En Peeping Tom siempre tenemos presente la búsqueda de una cierta narración. Siempre está esa búsqueda de contar algo con esos jóvenes. Hacia dónde
van a evolucionar. El aporte visual es fundamental en
la propuesta de Peeping Tom. La imagen es lo primero
que viene. Una imagen ultrarrealista, fortísima.
34
35
CLOWN VERANO 2010
Bufón y buscando al
Clown. Creatividad y
un Clown en la pista.
21 JUNIO / 9 JULIO
Conservatorio Profesional de Danza – Centro Párraga
ESPACIO 3
INICIACIÓN AL CLOWN
21/ 25 JUN
17:00 – 20:30h
Conservatorio Profesional de Danza de Murcia.
BUFÓN Y BUSCANDO AL CLOWN
28 JUN/ 2 JUL
10:30–13:30h y 16:00h–20:00h
Centro Párraga
CREATIVIDAD Y UN CLOWN EN LA PISTA
5 / 9 JUL
10:30–13:30h y 16:00–20:00h.
Centro Párraga
Según Pavis, “Comediante significa hoy al mismo
tiempo, el trabajo del actor interpretando tragedia, comedia, drama o cualquier otro genero (…) El termino
comediante agrupa a todos los artista de la escena”.
Por lo tanto no solo “actores”, sino saltimbanquis,
mimos, bufones, malabarista, magos… y como no: el
clown.
¿Por qué clown como preparación del comediante?
Sin duda en el encuentro con el clown puede hallarse
gran parte de la verdad en el ejercicio de la práctica
interpretativa y en su búsqueda, el individuo encuentra gran información sobre si mismo como actor. Por
ello, numerosas escuelas de arte dramático y centros
de artes escénicas abren sus puertas a esta asignatura para convertirla en disciplina pedagógica. El clown
basado en la pedagogía del juego es otro camino para
llegar al conocimiento del individuo-actor, fomentando
la espontaneidad y la creatividad. Para apoyarlo, este
año introduciremos el Bufón, aportando así un alto
nivel de juego entre los actores. Parodiaremos nuestra sociedad a través del cuerpo deforme, rompiendo
la ética humana y sus valores. El placer de jugar y la
improvisación, junto con la creación libre de los propios alumnos, serán nuestros pilares de trabajo, para
afrontar con efectividad el encuentro con el público.
INICIACIÓN AL CLOWN
“¿Qué es el Clown? Es imposible definirlo porque un
Clown es tan infinito como nuestros sueños” (Slava
Polunin)
Este curso de iniciación es para aquellos que quieran conocer e involucrarse en el mundo del clown y
atreverse a dar sus primeros pasos. Pero antes comenzaremos el aprendizaje desde la ruptura con el
ridículo, la torpeza,... y aprenderemos a aceptarlo.
Cada ser humano tiene una faz ridícula, casi escondida por el orgullo y la presunción. Para vencer esta
barrera y convertirla en un juego, pongámonos esa
nariz roja que nos llevará a un mundo muy particular y
veamos qué difícil es ser sencillo, ingenuo, vulnerable,
desastroso...Y cómo el fracaso nos revela nuestra humanidad y el deseo de crear y recrear. El clown es un
juego teatral que nos lleva a encontrar la espontaneidad, la libertad de jugar y de ser uno mismo. Va destinado a monitores, profesores, personas con experiencia o que hayan realizado cursos de arte escénica.
BUFÓN Y BUSCANDO AL CLOWN
Sesión de Mañana: Bufón
Cada uno de nosotros se esconde un clown y como
no, un bufón. La diferencia es que el público se ríe del
clown porque esta abocado a la torpeza y al fracaso.
El bufón es lo opuesto, se ríe del público porque todos fracasamos, se burla de la sociedad normal, de
nuestra insignificancia y de nuestros triunfos sin tapujo. Estudiaremos la naturaleza del bufón medieval,
sus cuerpos deformes, otros volúmenes, otras dimensiones y otras articulaciones experimentando la liber-
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37
-Va destinado a personas con experiencia de clown o
hayan realizado el Nivel I
VERANO 2010
CREATIVIDAD Y UN CLOWN EN LA PISTA
21 A 25 JUNIO
Duración 18h. (17:00 – 20:30) Máximo de alumnos
18.
125 €
Sesión de mañana: Creatividad
tad de expresarnos. Jugar con un cuerpo diferente al
nuestro, el goce de la locura, los grotescos, la fantasía, el coro,… Buscar la burla y la parodia más refinada que los alumnos pueden encontrar una dimensión
de juego a la altura de este reto, y se aventurará en el
descubrimiento de lo oculto en él, habiendo vencido
barrera de lo ridículo o lo absurdo, y encontrará por
medio de su cuerpo facetas nuevas en su modo de
sentir, jugar, actuar o interpretar.
“Lo ideal es cuando un actor llega a su punto de tanta
exposición que si da un paso más entra en ridículo,
pero si da un paso meno no llega.” (Stanislavsky).
Sesión de tarde: Buscando al clown
Hay dos tipos de Clown: El primero se fundamenta en
lo que uno tiene dentro de sí. Se proyecta desde el
propio individuo. El sujeto es el germen del juego de
la actuación. Como bien dice Jacques Lecoq “Uno no
actúa como un clown, uno lo es”. En el segundo, el individuo toma al clown como un personaje. Yo apuesto
por el primero, donde la autenticidad y personalidad
del individuo son el fundamento del clown. Explorar
la presencia y la sencillez del clown, buscar la simplicidad mediante el juego y la guasa, estar totalmente
atentos y ser suficientemente modestos para empezarlo todo de nuevo. Veremos cómo de estos juegos
pueden surgir diferentes estilos clownescos, pero antes, consigue reírte de ti mismo y ser sincero con lo
que sientes y lo que haces. Cada individuo debe descubrir y alimentar su propia búsqueda, ese personaje
evolucionará a medida que el alumno le encuentre el
sentido y se acerque, desde él mismo, hacia su propio
clown.
38
El continuo juego de improvisación, desarrollado a nivel individual y colectivo, nos servirá de camino para
despertad la creatividad, herramienta indispensable
para el juego de clown.
HORARIOS y PRECIOS:
28 DE JUNIO A 2 DE JULIO
Sesión de tarde: Un clown en la pista
Duración 35h. (10:30 – 13:30 y 16:00 – 20:00)
Máximo de alumnos 18.
235 €
“Encontrar tu payaso es una cuestión, la otra, saber
qué hacer...”
5 A 9 DE JULIO
Trabajaremos las bases teatrales del clown y la búsqueda de cómo ser efectivos ante el público. Improvisación y espontaneidad son pilares para comenzar el
juego de la presencia escénica, los ritmos, las pausas,
la complicidad con el juego, el compañero y el público. La llamada cuarta pared, no existe en la pista ni
en los diferente espacios escénico donde se posa un
payaso, él estas en contactos directo y permanente
con el público para atrapar un sonrisa.
-Va destinado a personas con experiencia de clown o
hayan realizado el Nivel II
Duración 35h. (10:30 – 13:30 y 16:00 – 20:00)
Máximo de alumnos 16.
235 €
Antón Valén
Se especializa en diferentes facetas teatrales con
Jacques Lecoq, Norman Taylor, Antonio Fava, Philippe Gaulier, Michel Dallaire, Eric de Bont, Angela
de Castro, Leo Bassi, Pierre Byland, Colombaioni,
T.Complicite,… Ingresa en 1993 como profesor de
interpretación gestual en la Escuela Superior de Arte
Dramático de Murcia hasta 2002. Ha sido director de
“Curso Internacional del Comediante” durante siete
años. Dirige a varias compañías teatrales sobre commedia dell´arte y clown. En 2002 fue seleccionado por
Slava Polunin para trabajar como clown en el espectáculo “Alegría” de Cirque du Soléil en una gira mundial
hasta 2007. Creador y dirección de los nuevos números clownesco de “Alegría”. Colaborador artistico de
“Pupaclown” Payasos de Hospital. Actualmente en
preparación de una escuela estable, “Escuela del Comediante” Imparte cursos de técnica actoral, clown
y bufón en diferentes ciudades de España, Portugal,
México, Chile y Marruecos.
+ Información e inscripción: www.antonvalen.com
E-mail: [email protected]
39
conocimientos pluridisciplinares necesarios para ser
competitivos en el mercado laboral pudiendo afrontar
retos de carácter artístico-expresivo en los diferentes
contextos educativos donde la expresión corporal y la
danza es el común denominador.
III EDICIÓN DEL MASTER UNIVERSITARIO
DE DANZA Y ARTES
DEL MOVIMIENTO.
UCAM.
Para ellos contaremos con profesores y especialistas
provenientes de la Corriente Teatral Grotowski – Barba, como Isabel Úbeda o Lluis Masgrau. La influencia
directa de la Escuela de Lecoq con Kostas Philippoglou, profesionales del Cirque du Soleil como Antón
Valén; Maestros del Clown como Erik de Bont, representantes de la Comedia del Arte como el maestro
Antonio Fava y pedagogos de la Danza Contemporánea de la Escuela de Técnica Limon, Release, Contact
Improvisation y del Butoh: Janet Novas, Lucio Baglivo, Joe Alegado, German Jauregui, Asun Noales, Angelique Willkie, German Jauregui, Rasmus Ölme, Pep
Ramis forman parte de este elenco de profesores que
estarán presente en esta Tercera Edición del Master
Oficial en Danza y Artes del Movimiento.
Este master está dirigido a titulados y profesionales
de las artes escénicas y del movimiento, así como
personas relacionadas con la actividad física y cualquier persona titulada universitaria de grado con gran
inquietud artística y creadora.
Para más información contactar con el departamento
de postgrado de la Universidad Católica San Antonio
de Murcia.
Tlf. 968 278710 / 620339160
email: [email protected]
Actualmente las fronteras entre el ejercicio de la danza
contemporánea, la expresión corporal y el teatro del
movimiento se han diluido, puesto que el desarrollo de
los caminos profesionales actuales en estos espacios
requiere la adopción de una perspectiva pluridisciplinar y global. En este contexto, el Master en Danza y
Artes del Movimiento se configura como un curso dirigido a formar a los profesionales del movimiento del
siglo XXI, es decir, con las capacidades, habilidades y
40
41
PREVENCION DE
RIESGOS LABORALES
EN LAS ARTES ESCENICAS
Dirigigo por Juan Bay
Guardiola.
26, 27, 28 OCTUBRE/ 2, 3, 4 NOVIEMBRE
ESPACIO 0
50€
Dado que la actual legislación establece derechos y obligaciones en todas las áreas, el curso cubre un vacío docente que existe a día de hoy. Persigue, por un lado, concienciar y abrir una puerta al mundo de la prevención para
todos aquellos que no se han asomado aún, en un mundo, el de las artes escénicas, tan rico en este área y tan
alejado en la práctica. Por otro, facultar a los asistentes
para las funciones que les otorga la ley una vez realizado
el curso de nivel básico, de acuerdo con el RD 39/1997.
Curso dirigido a todos los profesionales vinculados con
el mundo de las artes escénicas, desde técnicos hasta
empresarios, pasando por actores, productores, etc.
El paquete formativo está integrado por un curso básico
de acuerdo a la legislación vigente y un suplemento de
42
riesgos específicos, ya que el sector posee una idiosincrasia muy específica y amplia a nivel de riesgos laborales.
Curso básico de 30 horas (20 horas presenciales y 10
semipresenciales) de acuerdo al RD 39/1997, Anexo IV,
apartado B. Dentro del mismo hay 5 horas de riesgos específicos del sector.
Certificación oficial de acuerdo al RD citado.
Curso adicional de 10 horas de riesgos específicos del
sector.
Total: 40 horas.
Impartidos por un técnico superior en prevención de riesgos laborales y un técnico especialista en el sector de las
artes escénicas.
Contenido del curso
I.Conceptos básicos sobre seguridad y salud en el trabajo.
II.Riesgos generales y su prevención.
III.Riesgos específicos y su prevención en el sector correspondiente a la actividad de la empresa.
IV.Elementos básicos de gestión de la prevención de riesgos.
V.Primeros auxilios.
El curso de Riesgos es
pecíficos del sector, de 10h, tiene un contenido eminentemente práctico, desarrollado in situ, trabajando con los
materiales propios de la disciplina.
Los asistentes recibirán a la finalización un certificado oficial para el curso de 30h y uno adicional para el de 10h.
Juan Bay Guardiola es Licenciado en Ciencias Químicas
por la Universidad de Murcia y Máster en Prevención de
Riesgos Laborales, especialidades de Higiene y Ergonomía y Psicosociología.
43
Siguiendo las líneas de investigación que se iniciaron con la participación del Centro Párraga en ARCO
2009 con el proyecto Buscando al Señor Goodbar
de Michelle Teran dentro del programa Techformance, el Departamento de investigación, formación y
desarrollo impulsará tres líneas de reflexión y trabajo:
el sujeto virtual, el espacio no convencional y el
cuerpo en movimiento.
INVESTI
GACIÓN
Raquel Labrador con su proyecto sobre el sujeto
virtual “La aventura de la araña” reflexionará sobre la
deriva que la implantación de las nuevas tecnologías
ha supuesto en la identidad. Desde sus orígenes en
el teatro griego, el personaje sólo se mostraba ocultándolo tras una máscara que fijaba y amplificaba
la voz escondida, pero con la desintegración de las
identidades congeladas que ha provocado internet
y la implantación de las redes sociales surge el problema de cómo presentar una ausencia, cómo hacer
audible la polifonía, las metamorfosis y las múltiples
potencialidades que constituyen un sujeto cada vez
más desdoblado, plural y en permanente mutación.
La identidad se articula cada vez más teatralmente,
como un texto coral que está en constante proceso
de reescritura y borrado, como una forma vacía y casi
abstracta. El sujeto ya no es algo oculto ni es otro,
sino un despliegue infinito de sombras, de avatares,
nicks, alias y perfiles. Estratos y capas superpuestas,
instrumentos y aplicaciones que permiten tener una
segunda vida en la red o pocoyizarse hasta que el yo
es poco o nada. La propuesta de Raquel Labrador
en el Centro Párraga quiere abordar la complejidad
de este nuevo escenario e investigar en qué medida
es posible aún representar lo individual –el sujeto- en
medio de esta pluralidad que disgrega pero a la vez
también construye el nuevo ámbito de la identidad.
Pero esta transformación implica también una necesidad de repensar los espacios, de cartografiar territorios inexplorados y borrar fronteras. Esta es la tarea
que abordan Abraham Hurtado y Vania Rovisco
con su proyecto BOAW (bridge on a wall) que desarrolla un trabajo de investigación sobre el espacio no
convencional. Alejado del estatismo de la escena, la
sala, el museo y otros espacios tradicionales, BOW
crea una plataforma, traza un marco o contexto participativo que permite el desarrollo de instalaciones
y de dinámicas de interacción entre los artistas y un
espacio en constante redefinición: un puente sobre
el muro. Pero BOAW no es sólo una crítica sobre las
compartimentaciones rígidas sino una reflexión sobre el espacio creativo como un espacio de transición, no busca pues un lugar al final del camino sino
que entiende que es en el trayecto, en las redes e
intercambiadores de vías, en los puentes y encrucijadas de lo social donde se encuentra ese nuevo
territorio de posibilidades de actuación.
Finalmente Olga Mesa una de las coreógrafas más
relevantes de la escena española contemporánea
abordará la tercera de las líneas de investigación
del Centro Párraga -el cuerpo en movimiento- introduciéndonos en un territorio interdisciplinar en el
que para redefinir una nueva mirada sobre lo corporal
es esencial el contexto de lo audiovisual y la cámara. Entre la escritura coreográfica y la narrativa visual
esta artista parte del concepto de “cuerpo próximo”
-la presencia del otro- como motor de un diálogo.
Es el cuerpo a través de sus impulsos, sus dudas,
sus deseos y transformaciones el que genera un espacio íntimo en el que se revela un nuevo régimen
de visibilidad. Entre el espacio pre-verbal que sitúa
el cuerpo y el espacio de decisión que lo desplaza,
Olga Mesa investiga los márgenes y las conexiones
que constituyen el territorio frágil de la memoria intentando hacer presente el instante y las nuevas formas
de movilidad y de presencia lo corporal.
Javier Castro
talación se muestran las encuestas respondidas por
estos colaboradores, sus fotos y el objeto con el que
se identificaron.
LA AVENTURA DE LA
ARAÑA.
Raquel Labrador.
Comisariado: Ana García Alarcón – ARENA.
4/28 NOVIEMBRE
ESPACIO 5
Con este proyecto me sumerjo en el mundo de las comunidades virtuales, combinando la acción, internet
y la instalación para realizar una investigación sobre
este fenómeno social a través de una propuesta artística. Mi objetivo es el de establecer una comparación
entre la información que los usuarios nos dejan ver en
su perfil virtual y la que nos muestran como personas
físicas en un contexto cotidiano.
En redes como MySpace, la gente construye su perfil,
elaborando una imagen, mostrando datos personales
y presentando sus intereses, gustos y experiencias.
Estos espacios permiten construir modelos de uno
mismo muy específicos y marcados, que rozan en
ocasiones la caricatura y que van a cambiar nuestra
percepción de los modelos identitarios.
Elegí MySpace como plataforma para este trabajo
dado su acceso libre, sin necesidad de registro y por
su flexibilidad a la hora de personalizar los perfiles de
usuarios, lo que proporciona una mayor libertad para
customizar y por lo tanto, construir un modelo con el
que presentarse a los demás.
Esta herramienta me permite además establecer una
conexión directa con los usuarios de estos espacios,
y cumplir así uno de mis objetivos, que es el de abrir
mis trabajos a un público fuera del ámbito artístico,
usando el formato web no sólo como medio de comunicación, sino también como medio de transformación
de los modos de producción y distribución artística.
Observando la gran repercusión que Internet tiene en
nuestra sociedad actual, sobre todo con el impacto
de los nuevos espacios de comunicación virtual; creo
que mi papel como artista está en utilizar los medios
que tenemos a disposición y descubrir sus posibilidades para la difusión y permeabilización del arte en
la sociedad para conocer más a fondo la realidad de
éstos.
www.myspace.com/laaventuradelaaranya
A través del perfil del proyecto que abrí en myspace
he construido una red de contactos con otros usuarios que he ido conociendo personalmente en visitas
que he realizado a sus respectivas ciudades (Barcelona, Madrid, Sevilla y Valencia). Durante la entrevista
contestan una serie de preguntas sobre su relación
con las redes sociales de Internet, les tomo una foto y
les pido que se identifiquen con un objeto. En la ins-
46
47
BOAW
(Bridge on a wall).
Abraham Hurtado
y Vania Rovisco.
8/18 MARZO
ESPACIO 5
Bridge on a Wall (BOAW) es un proyecto creado por
Abraham Hurtado y Vania Rovisco cuyo objetivo es
tanto construir “creaciones en proceso y en directo”
o “Live Installations” como experimentar en colectivo, a través de colaboraciones con artistas y con la
experiencia del público. Proponemos una investigación conjunta con otros artistas, y con el contexto en
el sentido más espacial del término. Al conformarse
nuestro trabajo en un espacio, el cual nos acoge y estructura variadamente en cada intervención, tomamos
ese marco espacial como parte integral de nuestra
presentación.
De esta forma, cada presentación de BOAW resulta
una construcción en vivo y en directo, en proceso y
en espacio, diferente en cada ocasion.
Dentro de cada intervención, los artistas invitados
tienen un objeto sólido (musical, plástico o material)
que puede formar parte de la composición de BOAW.
Nuestra intención no es alterar el núcleo del objeto en
cuestión, sino más bien que los trabajos emerjan en
la plataforma ofrecida por BOAW y que se fusionen
y emanen procesos de ellos así dispuestos uno junto
al otro.
Otro punto central de BOAW es nuestro interés en investigar las formas posibles de una “Live Installation”
o una instalación en vivo y en directo. “Live Installation” significa que los trabajos se componen en secuencias que se repiten. En cada intervención BOAW
provee la dramaturgia o composición a los artistas /
colaboradores, creando así el todo de esta intervención “ Live Installation”
La propuesta de trabajo resulta para BOAW de un interés incomparable. Este proyecto despierta nuestra
curiosidad como artistas, en tanto que representa la
oportunidad para explorar esas condiciones espaciales, y también encarna la oportunidad para realizar un
intercambio: conocer artistas y estudiantes locales,
y compartir con ellos las herramientas que venimos
desarrollando.
En esta intervención en el Centro Párraga contaremos
con artistas que vienen desarrollando una colaboración estrecha con BOAW así como artistas locales y
estudiantes de varios centros de Arte en Murcia.
Bridge on a Wall pertenece a la Plataforma AADK,
Aktuelle Architektur Der Kultur fundada en Berlín en
2009.
48
49
LA MIRADA PRÓXIMA.
Cía. Olga Mesa / Association Hors ChampFuera de Campo
(Francia-España).
Septiembre 2010.
La mirada próxima es un acercamiento al trabajo de
Olga Mesa, que ofrece la posibilidad de conocer dos
de sus solos más importantes pero también de adentrarse en la trayectoria y en la metodología de trabajo
de una de las coreógrafas más relevantes de la escena española contemporánea.
Conferencias
Los solos son dos nodos desde los que es posible
definir sendos períodos de un itinerario creativo que
al mismo tiempo coinciden con dos períodos culturalmente diferenciados. El disfrute sensible e intelectual
derivado de la presentación de los solos se verá así
completado por la posibilidad de leer desde diversos
ángulos la evolución de un lenguaje y de una estética
personal, la transformación de la práctica coreográfica en las últimas décadas y los cambios en el contexto de producción y exhibición español y europeo.
Irene Filiberti, periodista y crítica de danza.
Laboratorio
Taller de trabajo de Olga Mesa con intérpretes de la
Región de Murcia.
Duración: de una semana, 4 horas diarias.
El primer taller está programado del 15 al 20 de febrero de 2010. Según el resultado de esta sesión de trabajo, se decidirá si se harán a continuación 2 ó 3 otros
talleres en los cuales Olga Mesa realizará un seguimiento del proceso creativo del grupo de intérpretes,
para, si resulta oportuno, llevar a cabo en octubre de
2010, dentro de La mirada próxima, una presentación
pública del trabajo de investigación realizado.
50
Conferencia 1. Irene Filiberti
Conferencia 2. Maguy Marín
Conferencia 3. Ana Isabel Santos Strindberg
Maguy Marín, coreógrafa, nació en Toulouse, Francia,
en cuyo conservatorio recibió su formación básica y
se perfeccionó en París. En 1970 ingresó en la Escuela Mudra, que dirigía Maurice Béjart y luego se incorporó a la compañía de éste, el Ballet del Siglo XX.
Creó su propia compañía en 1970, el Ballet-Théatre
de l´Arche. Hasta el momento ha creado 40 coreografías, algunas de ellas para óperas, entre las que
cabe mencionar “Evocation” (1977, Primer Premio de
Nyon), “Contrastes” (1980, para el Ballet de l´Opéra
de Lyon), “Cortex” (1991), “Made in France” (1992,
para el Nederlands Dans Theater), el solo “Soliloque”
(1995, en el teatro Chaillot de París) y, entre otras, la
que le valió su consagración internacional, “May B”,
estrenada en Angers en 1981. En la actualidad dirige
el centro coreográfico de Rillieux-la pape.
Ana Isabel Santos Strindberg (Stockholm, 1968). Entre 1996 y 2003 fue asistente de dirección de Joao
César Monteiro para los largometrajes Le Bassin de
John Wayne, As Bodas de Deus, Branca de Neve y
Vai e Vem. Esos últimos años fue programadora de
los festivales Amascultura Documentary Film Festival en Portugal y Doclisboa, el festival Internacional
de documental de la ciudad de Lisboa. Es también
responsable de la programación del Centro Cultural
Malaposta y miembro del comité directivo del Apordoc, la asociación portuguesa de Documental.
Mesa redondas
Mesa Redonda 1. Mónica Valenciano, La Ribot y Olga
Mesa
Mesa redonda 2. Francisco Ruiz-Infante y Susana
Tambutti (sobre la obra de Olga Mesa)
Susana Tambutti es miembro del Tribunal Académico
del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) en
Argentina. Es coordinadora del Cuerpo de Gestión del
Instituto de Investigación de las Artes del Movimiento
y Codirectora, junto a Margarita Bali, de la Compañía
de Danza Nucleodanza. Es profesora titular de la cátedra Teoría General de la Danza en la carrera de Artes
de la Universidad Buenos Aires y Profesora Titular de
la cátedra Historia Social del Arte y el Espectáculo en
el IUNA. Fue Asesora Artística del Festival Internacional de Teatro y Danza de la Ciudad de Buenos Aires
(2003, 2005, 2007).
Francisco Ruiz de Infante es un videoartista español
nacido en Vitoria-Gasteiz en 1966. Francisco Ruiz de
Infante pertenece a una generación de artistas cuya
sensibilidad está marcada por el encuentro y la confrontación de la tecnología con otros materiales muy
simples. En sus obras combina, sin complejos, dispositivos tecnológicos y bricolaje de urgencia. Casi
siempre efímeras, sus construcciones son el resultado de una experiencia “in situ” llevada al límite. En
su concepción del espacio expositivo, predomina la
noción de “recorrido” o de circuito. Así pues, elabora
pasajes, caminos, túneles, puertas...: rituales físicos
de acceso hacia sus “frágiles arquitecturas” a medio
camino entre la construcción y la ruina.
51
Con Solo a ciegas, Olga Mesa inicia una nueva etapa
en su trayectoria creativa. Un retorno a la teatralidad
en el formato, pero una teatralidad atravesada más
que nunca por referencias extra-escénicas: lo cinematográfico y lo sonoro adquieren una importancia
enorme. La tensión de ambos elementos con el cuerpo arrojado (desnudo, ciego, pero siempre subjetivo)
sitúa a la coreógrafa-intérprete en el lugar donde demostrar su madurez plena.
Actuaciones en vivo
Suite au dernier mot : au fond tout est en surface.
Solo acompañado (2003)
La Suite es un solo en blanco, marcado por la reflexión sobre la mirada y la memoria, atravesado de
referencias cinematográficas y poéticas, pero también de autocitas y autorreferencias.
La obra coloca el cuerpo en un reino de funciones
y aplicaciones designado por Olga Mesa con el término “coreograma”. Más allá del mero significado
de un movimiento, palabra o imagen, Olga explora
cómo estos elementos se conectan, aparecen y llegan a ser visibles. En esta pieza, los textos definen,
de una forma muy sutil, las conexiones entre realidad y ficción, entre representación y confrontación,
permitiéndonos ver un paisaje de situaciones inexistentes. Gradualmente, estos textos construirán una
memoria del momento, una memoria de lo cercano.
Olga Mesa crea un poema documental biográfico en
este espacio intermedio entre la memoria, su experiencia, su expresión y su presentación.
Charlas de Olga Mesa con el público
Después de cada actuación habrá una charla de Olga
Mesa con el público de 30-40 minutos.
Instalación audiovisual
Instalación permanente de obras en vídeo con dispositivo audiovisual Neokinok en bucle. Un conjunto
de piezas reuniendo los solos, piezas de grupo, creaciones para intérpretes y creaciones audiovisuales de
Olga Mesa, para ofrecer un panorama amplio y completo de la trayectoria de la coreógrafa.
Proyección fílmica
Proyección de una película de João César Monteiro,
un director cuya producción tiene una gran influencia
en la obra de Olga Mesa. Con esta proyección la coreógrafa desea homenajear al singular cineasta portugués e ilustrar el estrecho vínculo entre su obra y la
del cineasta.
Queda por definir la obra que se proyectará: Le Bassin de John Wayne
(1997) o Silvestre (1982).
Solo a ciegas con lágrimas azules (2008)
Tras una larga investigación sobre la mirada, Olga
Mesa cierra los ojos. La coreógrafa de los ojos cerrados no puede ver y las imágenes que crea no son
para ser vistas: si en la danza conceptual la visión
imaginaria sustituye la inmediatez estética del cuerpo en movimiento, en la “danza a ciegas” de Olga
Mesa, es el tacto imaginario el único sentido que
permite un vínculo directo entre el espectador y el
artista.
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PUBLICACIONES.
El Centro Párraga inicia una serie de publicaciones
sobre artes escénicas coherente con la apuesta por el
pensamiento y la investigación en este ámbito. Creemos que se trata de una iniciativa necesaria, dada la
muy escasa disponibilidad en castellano de textos
que son referencia para la comprensión de la creación
escénica contemporánea así como la producción de
crítica y pensamiento desde el contexto cultural en
el que trabajamos. Esta línea editorial se suma a las
iniciadas por el Mercat de les Flors, el Centro Coreográfico Galego o la Universidad de Salamanca en el
esfuerzo de aproximar la investigación y la reflexión
sobre la práctica escénica a estudiantes, profesionales, artistas e interesados en los problemas que el
teatro, la danza, el arte de acción y otras artes del
tiempo proponen.
José Antonio Sánchez
SEMINARIO
INTERNACIONAL NUEVAS DRAMATURGIAS.
Centro Párraga
/CENDEAC.
23/24 Noviembre 2009.
Con el apoyo del Instituto Ramón Llull, COAMU,
la Universidad de Murcia y la Escuela Superior de
Arte Dramático de Murcia.
Libro colectivo que recoge algunos textos presentados durante el “Seminario Internacional sobre Nuevas
Dramaturgias” (noviembre 2009), a los que se añaden reflexiones de otros artistas y teóricos sobre el
tema. En el libro se reflexiona sobre el significado del
concepto de dramaturgia y sobre la efectividad de su
práctica en diversos ámbitos artísticos y en su relación con el movimiento, la tecnología o la realidad. Incluye aportaciones de Mario Bellatín, Pablo Caruana,
Juan Domínguez, Adrian Heathfield, Yaiza Hernández,
Hans Thies Lehman, André Lepecki, Angélica Liddell,
Bonnie Marranca, Quim Pujol, José A. Sánchez y Daniel Wetzel.
Fecha prevista de aparición: septiembre 2010.
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TEATRO
POSTDRAMÁTICO de
Hans Thies Lehmann.
El Postdramatisches Theater (1999) del prof. HansThies Lehman es un libro fundamental para la teoría
de las artes escénicas contemporáneas. Su propuesta
consolida un estudio de los fenómenos escénicos que
prioriza la re/presentación (Aufführung) como objeto
central, es decir, el momento de la actuación, de la
acción, de la manifestación sensible y compleja de lo
escénico, pero también, la situación de co-presencia,
la responsabilidad del espectador y del diálogo creador-espectador en la configuración de lo escénico o
lo performativo. Lehman introduce una serie de categorías, a partir del análisis de numerosos trabajos escénicos contemporáneos, que permiten abrir nuevos
campos metodológicos para la comprensión, la crítica,
la producción y la programación de piezas escénicas.
Fecha prevista de aparición: marzo 2011.
José Antonio Sánchez.
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RADIOGRAFÍA.
Mario Bellatín.
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A lo largo del Seminario Internacional sobre Nuevas
Dramaturgias el escritor mexicano Mario Bellatín reunió en Centro Párraga a quince personas que formaron el taller Radiografía. Entre ellos escritores de
novela y poesía, autores de obras teatrales, periodistas y estudiantes, que prepararon durante esos días
los textos que conformarán un libro conjunto con las
directrices que ellos mismos fueron marcando. Según
Bellatín su trabajo en este taller consistió en “dirigirlos
sin dirigir, estar presente sin que se me vea, para que
las iniciativas e ideas de los participantes puedan fluir
de forma natural”.
Mario Bellatín, nació en México DF (1960) de padres
peruanos. Estudió Teología y Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima, donde publicó sus
primeras novelas. Más tarde viajó a México, dónde
edita, entre otras, Flores (Premio Xavier Villaurrutia,
2002) y Lecciones para una liebre muerta (2005). Ha
sido director del Área de Literatura y Humanidades de
la Universidad del Claustro de Sor Juana y es miembro del Sistema Nacional de Creadores de México.
Considerado como un novelista experimental, sus novelas plantean un juego lúdico entre realidad y ficción,
con ninguna referencia biográfica, matizados con protocolos apócrifos, crónicas, biografías o documentos
científicos, provocando así situaciones inverosímiles
e incluso graciosas. Su obra ha sido traducida al alemán, inglés y francés y ha aparecido en varias antologías. La narrativa de Mario Bellatín es estudiada en
diversas universidades de los Estados Unidos y ha
sido motivo de tesis en ese país, América Latina y España. Actualmente, Bellatín dirige la Escuela Dinámica
de Escritores en el Distrito Federal.
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PROMOCIÓN Y
DESARROLLO
SOSTENIBLE
TRABAJO EN RED
Como resulta comprensible, las finalidades del Centro Párraga no se agotan en la de ser mero espacio
programador y exhibidor de espectáculos, sino que
se asume, de manera muy especial y prioritaria, la
responsabilidad, común a otros Centros y entidades
de similares características y vocación pública, en
el ámbito nacional e internacional, de contribuir a
la promoción y consolidación del sector de las artes
escénicas, sin renunciar por ello a unos postulados
estéticos y de calidad artística, claramente comprometidos con la investigación y la innovación. Se trata
precisamente de la puesta en valor del criterio de calidad y excelencia artística como motor de estrategias
de producción y promoción que redunden en el desarrollo y la sostenibilidad de propuestas profesionales
en el ámbito de las artes escénicas, y que respondan
a unas exigencias mínimas de innovación y viabilidad.
En esta idea, desde el Centro Párraga se ha convocado un amplio programa de residencias, abierto a
artistas de múltiples tendencias, y que han confiado,
desde la extensa variedad de sus propuestas estéticas y apuestas personales, en colaborar con nosotros
para el desarrollo de proyectos que consolidan trayectorias y abren otras posibilidades y alternativas de
sostenibilidad dentro del panorama actual de las artes
escénicas, con la finalidad de servir de laboratorio en
el que experimentar, asumiendo los riesgos inevitables, nuevos productos y procesos artísticos.
El otro parámetro desde el que situar un intento serio y continuado de estímulo y fomento de la creación
y competencia escénica, parte de la idea de la cooperación a través de proyectos con entidades que
se hayan planteado objetivos comunes o coinciden-
tes en algunos de los puntos que aquí planteamos.
Es el elemento que hemos denominado TRABAJO EN
RED. Una iniciativa que ha obtenido una respuesta
muy positiva, con la que aportar soluciones imaginativas que contribuyan a la sostenibilidad del sector, y
que de aprovechar las sinergias que impone el imperio
de la globalidad transformándolas en impulso cultural,
descubriendo e inventando lazos, con los que seguir
generando complicidades y estimulando procesos
creativos, que es en definitiva nuestra misión.
Joaquín Medina
recursos, inquietudes y alegrías. Esta cercanía nos ha
permitido avanzar hacia el encuentro con unas prácticas
escénicas cuya vitalidad e inteligencia se evidencian en
el Párraga semana tras semana. A la programación de
la caja escénica, un verdadero lujo por su buen criterio, hay que añadir el estímulo constante que recibimos
del contacto con los diferentes agentes que “ocupan”
cotidianamente el edificio: los talleres, residencias, intervenciones y demás que el Párraga ha sabido promover
y cultivar.
CENDEAC.
Centro de Documentación y Estudios
Avanzados de Arte
Contemporáneo.
Murcia.
Entidad vinculada
El CENDEAC se estableció en el año 2003 como un programa público permanente de conferencias, seminarios
y talleres, una línea editorial y un centro de documentación e investigación sobre la historia, teoría y crítica
del arte desde principios del siglo XX. De este modo
inauguró un singular modelo institucional hasta entonces inexistente en España, tratando de proporcionar
un espacio y un tiempo para la necesaria reflexión que
demanda la recepción productiva del arte. Desde entonces, nos hemos establecido en el mapa del arte contemporáneo español, nuestro centro de documentación se
ha convertido en un espacio dinámico y siempre en uso,
nuestras publicaciones son ya referentes para toda una
generación de investigadores tanto en España como en
Latinoamérica y nuestro programa de actividades atrae
cada vez a más público.
La colaboración entre el CENDEAC y el Párraga no ha
surgido tanto de la negociación como de una complicidad que nos hizo entender la necesidad de dejar de funcionar como si las fronteras antaño establecidas entre
artes escénicas y artes visuales fueran aún sostenibles
y de establecer un contexto común para la reflexión artística. Nuestra colaboración “formal” comenzó con la
publicación en el 2008 de la antología Querido Público
editada por Roger Bernat, cuyo espectáculo Dominio
Público se estrenó en el Párraga ese mismo año. Continuamos con el I Seminario Internacional de Nuevas
Dramaturgias dirigido por José Antonio Sánchez, un
acontecimiento que provocó una respuesta tan abrumadora por parte del público que no sería lícito interpretarla
como otra cosa que una demanda de continuación. En
la actualidad preparamos la publicación no sólo de una
serie de textos producidos en respuesta a dicho seminario, también estamos colaborando en la traducción
y edición del influyente texto de Hans-Thies Lehmann,
Teatro postdramático. Nos queda mucho camino por
recorrer juntos, muchas avenidas por explorar y nuevas
formas de colaboración por inventar. Mientras tanto, los
resultados obtenidos y las ganas de aprender del otro,
nos animan a seguir. Con vecinos así, el trabajo realmente se hace mucho más placentero.
Yaiza María Hernandez
www.cendeac.net
CREAJOVEN.
ARTES ESCÉNICAS
Ayuntamiento
de Murcia.
Concejalía de Juventud
Entidad vinculada
La Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Murcia, con la finalidad de promover, impulsar y canalizar
la creatividad de los jóvenes artistas murcianos convoca anualmente el Certamen Creajoven, como marco prioritario de expresión creativa, tanto en el plano
de la producción como en el intercambio de ideas,
siendo por extensión un escaparate privilegiado de
nuevas formas de creatividad en la estrategia de las
tendencias del arte joven, contribuyendo a reforzar la
idea de que los jóvenes consigan a través del arte una
capacidad de comunicación cada vez más manifiesta.
En este sentido, tendremos la oportunidad de contrastar en el incomparable escenario que ofrece para
tal fin el Centro Párraga, las nuevas realidades escénicas que se desarrollan en nuestra ciudad y que definen tendencias actuales de comunicación, expresión
y diálogo artístico aplicado al teatro, teatro-danza,
danza, performances, monólogos, y en general a todas las propuestas innovadoras susceptibles de ser
representadas en un espacio escénico.
Estos modelos de expresión escénica, se materializarán con la representación de los trabajos seleccionadas en la disciplina de Artes Escénicas y que optan a
los premios establecidos en las bases de convocatoria.
Desde hace unos años, el CENDEAC y el Centro Párraga comparten mucho más que las dependencias
del Antiguo Cuartel de Artillería en el Barrio del Carmen
de Murcia. Compartimos diariamente conversaciones,
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MOM/EL VIVERO.
Barcelona.
Entidad vinculada
EL CENTRO PARRAGA y MOM/ELVIVERO:
TRABAJAR EN RED.
TRABAJAR EN RED - ESTAR EN RED - PERTENECER
A UNA RED : son tres estados diferentes que suponen actitudes diferentes de participación e involucración de los miembros pertenecientes a la misma.
TRABAJAR EN RED exige una capacidad de consenso y aceptación . De saber compartir tus activos y de
proponer tus pasivos por si algún otro miembro de
la RED puede reactivarlos , utilizarlos ,reciclarlos ,
cuestionarlos ...
ESTAR EN RED : es no estar solo , es estar con mucha
gente y que gracias a ello se producen y generan ACTITUDES Y DINÁMICAS DE EXPRESIÓN
PERTENECER A UNA RED es saber seleccionar y
descubrir en donde te vas desarrllar mejor, en donde
vas a poder aportar y recibir ideas , conceptos , proyectos de tu mismo imaginario y nomenclatura
Pero ¿qué es una RED??
Una RED es en donde se comparte, optimiza y se
ha de ser capaz de conceptualizar objetivos/items de
agitación para el sector al que pertenece la RED , para
que éste no se aposente y sea siempre REACTIVO .
UNA RED se mantiene de la energía de los participantes que tienen la responsabilidad absoluta sobre
LA ACTIVIDAD , LA DINÁMICA Y EL CONTENIDO
de la misma.
UNA RED ha de tener una doble UTILIDAD. La
UTILIDAD INTERNA que repercute en los miembros
propios de la RED y UNA UTILIDAD EXTERNA que repercute fuera de sus miembros y de sus coetáneos .
LA RED ha de ser útil y dúctil , ha de tener capacidad
de renovación en términos de participantes y objetivos para no quedar estancada.
LA RED ha de tener repercusión externa porque sus
miembros la dotan de discursos y contenidos que repercuten en sus hábitats.
UNA RED NO ES UN CIRCUITO.
Para mi una RED es un espacio no tangible en donde
se generan proyectos de diversidad cultural , se comparten inquietudes, se establecen puntos de debate ,
de reflexión y en donde por afinidad conceptual una
serie de participantes que tienen un imaginario afín,
cohabitan y se expanden!!
© marta oliveres
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FESTIVAL VEO.
Valencia.
Entidad vinculada
El espectador acompañado
En esta ciudad, como en muchas otras, sólo se había
considerado al espectador como objeto de análisis
desde el punto de vista del marketing, es decir, como
un consumidor. Nuestra intención, en cambio, nació
de la necesidad de “conocer” al público, de acompañarlo. Con este objetivo pusimos en marcha en 2009
el Laboratorio de Espectadores; una línea de trabajo
cercana a la mediación cultural que pone el acento en
la idea de proximidad, de conexión y vivencia cultural,
que tiene en cuenta tanto las personas como las prácticas artísticas. A través de diferentes formatos que se
modifican en cada edición del festival, proponemos
articular una aproximación entre el público y la escena
contemporánea, dotando a cada espectador deinstrumentos de interpretación, facilitando encuentros
e intercambios con los artistas, conocimiento de los
procesos creativos, acercamientos desde el cuerpo y
la experiencia creativa.
El primer Laboratorio de Espectadores se realizó durante el Festival VEO 2009 y se encargó a tres jóvenes
creadores de Valencia (Vicente Arlandis, Marc Martínez y Rocío Pérez). Ellos convocaron y coordinaron un
grupo de crítica formado por 20 personas de perfiles
muy diferentes y llamado “Reflexiones y balidos”. Visionaron todos los espectáculos del Festival y participaron en intercambios abiertos de opinión (tertulias)
y otras actividades de talante más creativo. No todos
los soportes tuvieron la misma fuerza de convocatoria
ni la misma calidad en
su resolución, pero –y a pesar de que sus miembros
iniciales han cambiado-, el grupo sigue funcionando a
través de su blog y se reúnen por su cuenta para ver
espectáculos y concertar encuentros con los artistas,
o debatir sobre el concepto de “espectador”.
En el segundo Laboratorio, realizado en VEO 2010,
se acotó el perfil del participante a espectadores sin
relación profesional con la creación escénica, y especialmente a profesionales de la educación, la formación, la gestión cultural y las políticas de creación y
estimulación de públicos. La propuesta fue un Curso
para espectadores impartido por el diseñador de las
políticas de Mediación Cultural de La Villette (París),
Mehdi Idir. El Curso planteó diferentes módulos: momentos de reflexiones compartidas sobre temáticas
que surgían de la programación (¿Qué es ser espectador? ¿Qué es representar? ¿Qué vínculos hay entre el
espacio de la actuación y el espectáculo?); un repaso
por la memoria de algunos espectadores invitados;
encuentros y talleres con los creadores; visitas a las
áreas técnicas de los montajes más complejos; análisis de los espectáculos.
El propio Mehdi Idir nos aporta esta reflexión: “Estamos convencidos que los aspectos que hacen de las
personas espectadores activos, dispuestos a reconocer y a la vez dar valor a la nueva creación escénica,
van de la mano del conocimiento, del acercamiento
y la interacción con los artistas. Sabemos que para
conocer mejor las claves y los códigos de la creación
contemporánea y, mas allá, para que los públicos alcancen en sus construcciones personales una autonomía cultural, y para disfrutar más las artes en vivo,
hay que transformar las costumbres y proponer nuevas experiencias. Después de haber analizado en el
Curso el espectáculo de Gabi Ochoa, los 25 espectadores decidieron ponerle un final a la historia que nos
contó. Se puede pensar que el ejercicio no es muy
importante. Sin embargo, ya está abriendo el camino
hacia la creación. Más que nada, este Curso fue el enfoque del proceso creativo; su misión era promover la
interpretación de los proyectos artísticos y culturales
presentados en el VEO, aportando las herramientas
simples pero necesarias para la construcción de una
crítica sensible. En este sentido, el Curso trabajaba
la relación entre pasado y futuro, la articulación de lo
social y espiritual, la confrontación entre el individuo
y el mundo”.
Mariví Martín
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Malqueridas.
Lipi Hernández, coreógrafa y bailarina creó en la década de
los 90 Malqueridas, creaciones al límite y desde entonces el
nucleo creativo de la compañía ha ido evolucionando hasta
constituirse en 2008 en una Plataforma de investigación y
Desarrollo (I+D) de nuevos formatos artísticos entorno al lenguaje del cuerpo o el movimiento
MALQUERIDAS CREACIONES AL LÍMITE.
Barcelona.
Unidades de I+D.
Entidad vinculada + Intercambio Residencias
Centro Párraga, Espacio de Investigación y Desarrollo para
las Artes Escénicas y Malqueridas Creaciones al Límite S.L.
colaboran dentro del marco de UNIDADES DE I+D, un producto de investigación a través de residencias y pasantías
que implica:
Cesión de espacios.
Dotación de recursos técnicos adecuados a las pasantías
de acogida.
Alojamientos al equipo artístico.
Aportación económica.
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Entidad vinculada + Intercambio Residencias
La Plataforma de Investigación y Desarrollo (I+D) responde
a la necesidad de los artistas de llevar a cabo una tarea de
investigación sin vincularse explicitamente a la producción y
exhibición de una pieza cerrada y las pasantías son la metodología de trabajo escogida por MALQUERIDAS para poder
llevar a cabo estos procesos de investigación.
La Plataforma MALQUERIDAS trabaja en relación con las
unidades I+D, estructuras que ceden un espacio y/o recursos técnicos adecuados a cada proyecto para que el
pasante pueda profundizar y evolucionar en su proceso de
investigación. Las unidades I+D acogen al pasante y crean
el formato necesario ( aula de danza abierta, taller de dramaturgia...) para estimular y reforzar el estudio del pensamiento
por parte del pasante y por parte de la ciudad o unidad de
acogida.
Así mismo, la plataforma I+D fomenta actividades y acciones programadas para ayudar a la investigación de sus pasantes entorno al lenguaje del cuerpo y el movimiento.
Malqueridas Creaciones al limite S.L. es una plataforma de
investigación y desarrollo (I+D) que responde a las necesidades de los artistas en términos de proceso de investigación
sin vincularse explícitamente a la producción ni exhibición
de piezas cerradas, siendo las pasantías la metodología de
trabajo de la plataforma para llevar a término los procesos
de investigación.
Teatro de la Laboral.
Gijón.
www.malqueridas.com
El Teatro de la Laboral es una de las piezas más sobresalientes de Laboral Ciudad de la Cultura. Abrió
sus puertas en octubre de 2007, y desde entonces
han pasado por su escenario más de cien compañías. Ofrece un programa artístico diferente, que une
exhibición, coproducción y producción. Exhibición y
presentación de piezas tanto a nivel nacional como
internacional; la producción y coproducción de diferentes trabajos, intentando que las obras estén siempre vinculadas a otras estructuras para generar redes
de difusión que apoyen los trabajos seleccionados;
y las residencias, que desde el primer momento han
servido al Teatro de la Laboral como espacio para la
investigación y la creación de trabajos, y suponen un
apoyo a los artistas y a aquellos proyectos que por
sus características son más difíciles de difundir.
Uno de los principales objetivos del Teatro de la Laboral es la creación de lazos que generen redes que
faciliten la movilidad, la generación de vínculos entre
artistas de diferentes disciplinas y países, y la implicación de instituciones y estructuras internacionales en
proyectos de creación. Se trata así, de un proyecto
abierto y plural que responde a la necesidad de dotar
de lo más innovador a una Comunidad plenamente
integrada en el constante avance que vive Europa.
Nos permite contemplar los nuevos lenguajes, que no
son más que un reflejo de la inquietud artística y confluencia de las distintas miradas que acompañan a los
jóvenes creadores, al tiempo que permite trabajar juntos a artistas consagrados con nuevas generaciones,
uniendo energías que hacen posible seguir innovando
y creando desde el ámbito de lo interdisciplinar.
A todo ello se une la peculiaridad del espacio en el que
se encuentra el Teatro de la Laboral, que hace que la
programación se vincule a las particularidades y posibilidades que presenta La Laboral. Son múltiples los
espacios que hacen de La Laboral un lugar único para
programar proyectos de site specific y para generar
trabajos vinculados a la Ciudad de la Cultura y a su
memoria histórica sin reducirnos únicamente al escenario como único lugar de representación.
Queremos de esta forma estimular la actividad artística local y regional construyendo una plataforma capaz de acoger propuestas provenientes de un contexto global, y presentar propuestas abiertas al diálogo
con el público para generar una interrelación entre el
espectador y el creador.
Mateo Feijoó
www.teatrodelalaboral.com
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importante para el desarrollo de la relación con la comunidad artística y creativa. Exposiciones de LABoral
son llevadas a otros espacios artísticos, propiciando
así un intercambio de actividades y un trabajo en común que redunda en beneficio de los creadores.
LABoral Centro de Arte
y Creación Industrial.
Gijón.
Entidad vinculada + Intercambio Residencias
LABORAL Y LA PRODUCCIÓN DE OBRA
La escena creativa actual exige nuevas estrategias
de producción e intercambio que el artista difícilmente puede satisfacer por sí mismo. Cada vez se hace
más necesaria la existencia de apoyos, la oferta de
recursos e infraestructuras profesionales que permitan desarrollar de una manera adecuada el proceso
de creación artística.
LABoral centra su actividad en la obra de aquellos
artistas y creadores que utilizan los más diversos lenguajes para la representación y configuración de la
condición humana. En el desempeño de esa misión,
promueve una visión interdisciplinaria de la creación
artística, que incluye tanto las prácticas ya establecidas, como los nuevos géneros emergentes.
El Centro de Arte y Creación Industrial desarrolla su
área de Producción ofreciendo a los diferentes agentes culturales la oportunidad de presentar propuestas
para su realización y exhibición. Además, en todas las
exposiciones de LABoral se muestra obra producida
específicamente para la ocasión, algo particularmente
Esencial en esa tarea es Plataforma 0-LABoral Centro de Producción, llamada a desempeñar un papel
capital en la evolución y consolidación del programa
de LABoral, ya que propicia la confluencia de la teoría
y la praxis. Se trata de un espacio versátil que permite múltiples usos y está orientado principalmente a la
producción de obras u objetos artísticos obtenidos a
través de un trabajo colectivo multidisciplinar y cuenta
con los últimos avances tecnológicos. Dada la versatilidad de sus instalaciones, Plataforma 0 es capaz de
albergar procesos de producción y prototipado, así
como las actividades que precisen los creadores para
el buen desarrollo de los proyectos. Sus destinatarios
principales son la comunidad artística y científica regional y nacional, y los artistas, creadores o investigadores extranjeros en régimen de residencia y que
participen en las actividades del Centro.
La II Convocatoria de Ayudas a la Producción para
creadores asturianos es una iniciativa que entronca
plenamente con ese carácter de Centro de Producción de obra nueva de LABoral, Centro que, además,
hace del trabajo en colaborativo y en red uno de los
pilares de su actividad. De ahí que, junto a una importante dotación económica, estas ayudas incluyan
un periodo de residencia para la investigación y preproducción de los proyectos seleccionados en GlogauAIR de Berlín y en el Centro Párraga. Espacio de
investigación y desarrollo de las artes escénicas de
Murcia. LABoral se propone así profundizar en la Pro-
ducción y la Investigación, dos de los cinco ejes que
definen su actuación como Centro de Arte junto a la
exposición, la educación y el Programa Público.
En los tres años de existencia como Centro de Arte
hemos firmado convenios y establecido colaboraciones con otros espacios de producción e investigación y laboratorios punteros del mundo. Ejemplo
de ello es esta cooperación con el Centro Párraga,
Espacio de Investigación y Desarrollo para las Artes
Escénicas, al que nos unen objetivos comunes en el
compartido deseo de facilitar el encuentro entre artistas, científicos y técnicos y a dar visibilidad a esa
transversalidad e interdisciplinariedad propia del arte
y de la creación que se practica en nuestros días.
Emprendemos así un paso más en esa línea de trabajo que estamos desarrollando conjuntamente y que
incluye también la muestra de exposiciones coproducidas con LABoral. Este es el caso de Plantas Nómadas, del artista mexicano Gilberto Esparza, que próximamente se expondrá en el Centro Párraga, aunque
otras exposiciones del Centro de Gijón, como Crisálidas, del artista asturiano Fernando Gutiérrez también
han sido exhibidas en Murcia.
Rosina Gómez-Baeza
www.laboralcentrodearte.org
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Museo y Centro
Nacional de Arte
Reina Sofía.
Madrid.
Arte para:
Festival MAPA.
Pontós y Figueres
(Alto Ampurdán).
Entidad vinculada + Intercambio Residencias
lampistas, ciclistas, economistas, activistas, fetichistas, flautistas, equilibristas, interioristas, vocalistas,
alquimistas, maquinistas, futbolistas, sinfonistas,
deportistas, ajedrecistas, ilusionistas, paracaidistas,
taxistas, bromistas, minimalistas, trompetistas, periodistas, surrealistas, futuristas, pianistas, escepticistas, culturistas, nudistas, columnistas, electricistas,
artistas, bandoleristas, guitarristas, baloncestistas,
liricistas, espatulistas, carteristas, humoristas, sincronistas, guionistas, finalistas, catequistas, masajistas,
comentaristas, accionistas, centrocampistas, surfistas, novelistas, modistas, golpistas, tenistas, saxofonistas, bañistas, mayoristas, dentistas, violinistas,
dietistas, ebanistas, contorsionistas, alpinistas, radiofonistas, telefonistas, terroristas, pancartistas, pensionistas, grafistas, solistas.
Organiza:
Cèl·lula
Dirección artística:
Tomás Aragay
Sofia Asencio
Ernesto Collado
www.festivalmapa.com
Entidad vinculada
Artes en vivo.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía lleva
implícito en el nombre su vocación de ofrecer programas que enriquezcan la actividad expositiva a través
de actuaciones de Artes en Vivo (Teatro, Música, Danza y Performance).
El Museo pretende ofrecer una programación de espectáculos teatrales, musicales, coreográficos y de
acción/performance que, por su propia naturaleza, no
encuentran acogida en espacios más convencionales.
La voluntad del Museo no es convertirse en un espacio escénico más de la ciudad sino de ser una plataforma para la creación, experimentación e innovación
en el ámbito de las Artes en Vivo en relación directa
con el discurso teórico del Museo, teniendo muy en
cuenta las difusas fronteras actuales entre estas diferentes disciplinas artísticas.
Asimismo, colabora con los principales festivales de
teatro y danza de creación contemporáneos del país
con el fin de acoger en sus espacios representaciones
provenientes de dichos festivales, en continuo diálogo
con todos ellos y participando en la formación de su
propio discurso.
www.museoreinasofia.es
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NauEstruch es el área de l’Estruch orientada a las artes visuales. Se inicia una nueva y crucial etapa para
convertirse en un espacio para las prácticas performativas y conn el objeto de convertirse en un centro
único en Cataluña y en el estado español.
L’Estruch, Fàbrica de
Creació de les
Arts en Viu.
Sabadell.
Entidad vinculada
MediaEstruch es el nuevo medialab de las artes escénicas y la tecnología, un centro de producción, investigación y formación especializado en la aplicación
de las nuevas tecnologías de la comunicación y de la
información a la creación escénica.
Esta nueva etapa inaugura, en paralelo, un ambicioso
proyecto que no tiene lugar en ningún espaio físico de
la antiga fábrica textil, sino en el espacio virtual de Internet. Conjuntamente con nuestro nuevo portal web,
l’Estruch inicia el proyecto MetaEstruch, un archivo on
line de las artes escénicas y performativas.
EscenaEstruch es toda la actividad de residencias, de
usos del equipamiento, de formación dirigida a profesionales, a colectivos, a centros de enseñanza y a
la programación del teatro que ha representado hasta
ahora toda la actividad llevada a cabo en este espacio
de servicio a la ciudadanía, al tejido creador local y a
los y las creadoras y artistas de todo el mundo.
L’Estruch da, a punto de cumplirse su quince aniversario, otro paso adelante en su presente como una
gran Fábrica de Creación de las Artes en Vivo en
nuestro país.
www.lestruch.cat
L’Estruch, Fàbrica de Creació de les Arts en Viu, situada en las antigüas instalaciones de Ca l’Estruch, en
Sabadell, abre una nueva etapa este 2010.
L’Estruch, un espacio dedicado históricamente a las
artes escénicas de Cataluña y, muy especialmente, al
fomento del tejido cultural sabadellense, inaugura un
nuevo programa de servicios.
L’Estruch se complementa ahora con nuevas áreas
orientadasa los nuevos formatos escénico-performativos y a las nuevas tecnologías: NauEstruch, MediaEstruch, MetaEstruch.
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Instituto Ramón Llull.
Cataluña.
Entidad vinculada
El Instituto Ramon Llull tiene como finalidad la proyección exterior de la lengua y la cultura catalanas en
todas sus modalidades y medios de expresión. Para
cumplir esta finalidad, se ocupa de:
a) Promover la enseñanza del catalán en las universidades y otros centros de estudios superiores, así
como favorecer los estudios y la investigación sobre
la lengua y la cultura catalanas fuera de su dominio
lingüístico.
b) Promover la enseñanza del catalán al público general fuera del dominio lingüístico.
c) Promover la difusión del conocimiento de la literatura catalana al exterior por la vía del fomento y del
apoyo a las traducciones a otras lenguas y de las acciones de promoción exterior pertinentes.
d) Promover la difusión del pensamiento, el ensayo y
la investigación al exterior mediante el fomento y el
apoyo a las traducciones a otras lenguas, la organización de encuentros, seminarios e intercambios, y
otras acciones de promoción exterior dentro d el ámbito académico, intelectual y científico internacional .
e) Promover y apoyar a las sociedades de catalanística en el exterior y a sus iniciativas, proyectos y actuaciones.
f) Promover la proyección exterior de la creación cultural catalana , mediante las acciones y estrategias
de promoción exterior adecuadas , el fomento de la
internacionalización de las manifestaciones artísticas
de excelencia, el apoyo a la circulación al exterior de
artistas y obras y la difusión del conocimiento del patrimonio artístico catalán .
g) Promover las relaciones, los proyectos y las iniciativas conjuntas con instituciones y organismos de
proyección de la cultura, de dentro o fuera del dominio lingüístico, y, especialmente, con las instituciones
homólogas de otros países o culturas.
El IRL realiza sus actividades mediante las áreas de
Lengua y Universidades, Creación y Literatura y Pensamiento.
El Área de Creación difunde la creación artística catalana a través del fomento de su programación en
la escena internacional, el apoyo a la itinerancia de
artistas y obras, y la difusión del conocimiento de la
creación contemporánea y del patrimonio artístico.
Los ámbitos en los que actúa son la música, las artes
escénicas, las artes visuales, el cine, la arquitectura y
el diseño. Asimismo organiza muestras culturales internacionales, promueve acciones estratégicas de difusión de las artes y diseña programas de ayuda para
los agentes culturales con el objetivo de dar a conocer
la creación catalana en la escena internacional.
www.llull.cat
79
jes, sus códigos, sus puestas en escena requieren un
perfil de compromiso de gestión que va más allá de
los procesos reconocidos y convencionales, aquello
de comprar un espectáculo y venderlo en forma de
entradas (localidades numeradas). El creador contemporáneo necesita complicidades y acompañamiento
(compromiso sin numerar).
TEATRE MUNICIPAL
DEL ESCORXADOR DE
LLEIDA.
Compromiso + complicidad = cuando sumar
multiplica.
Entidad vinculada
Es, en este sentido, que las mismas estructuras escénicas que los acogen, necesitan a su vez de otras
estructuras cómplices que permitan desde el compromiso el desarrollo y la continuidad de estos lenguajes.
Hemos encontrado, a lo largo y ancho de esta búsqueda, compromiso y complicidad con otros centros/
teatros/festivales/estructuras para programas y actividades específicas.
En el caso del Premio de Proyectos de Artes Escénicas que convocamos a nivel estatal, el Centro Párraga
de Murcia es un cómplice imprescindible para que los
proyectos ganadores puedan asegurarse tiempo y espacio para la investigación, creación y exhibición de
esas propuestas.
El compromiso ético y estético también forma parte
de los gestores de los espacios y estructuras públicas, una de tantas patas del ciempiés del sector escénico.
www.teatreescorxador.blogspot.com
http://www.facebook.com/pages/Teatre-Municipal-de-lEscorxador/32756063494?ref=mf
www.twuitter.com/teatrescorxador
El Teatre Municipal del Escorxador de Lleida en su
voluntad de servicio público de las artes escénicas
desarrolla programas para favorecer el acceso a las
artes tanto para los usuarios, los espectadores, como
para los artistas, los creadores.
Los artistas de la creación contemporánea necesitan
las estructuras escénicas de investigación y exhibición para poder confrontar sus propuestas como si se
tratara de laboratorios de ensayo-error. Sus lengua80
RADIO3. RADIO NACIONAL DE ESPAÑA.
BROADCASTING ART.
Entidad vinculada
Broadcasting Art es un proyecto orientado a la difusión de disciplinas artísticas relacionadas con el sonido y la música, a la investigación de los modos de
producción en distintos medios y su transmisión a
través de diferentes canales/circuitos.
Broadcasting Art, es un proyecto del programa Fluido
Rosa de Radio 3 (Radio Nacional de España), dirigido
por Rosa Pérez, que busca la colaboración de centros de producción y difusión artística dentro del territorio español. El proyecto tiene carácter itinerante,
como principio fundamental de pluralidad de la radio
pública.
acceso a las tecnologías de carácter digital, se ha producido una revolución en estos campos llevando la
creación sonora a unos niveles de sofisticación técnica y riqueza narrativa desconocidos hasta la fecha. A
esta circunstancia ha contribuido la naturaleza efímera y ubicua de lo sonoro que ha diluido las fronteras
geográficas y políticas entre artistas y comunidades.
Al no ser un arte sujeto a fronteras, ni a especificidades culturales concretas de un país o territorio, se ha
fagocitado el carácter localista referenciador de lo sonoro en base al trabajo y producción artística a través
de networks.
El objetivo de este proyecto:
Es esta una convocatoria de ámbito internacional para
proyectos de creación sonora contemporánea como
es el arte sonoro en su interpretación más avanzada.
Dar a conocer un conjunto de disciplinas cada vez
más relevante dentro del arte contemporáneo, cuyo
espectacular desarrollo ha sido posible gracias a la
revolución de las nuevas tecnologías.
Desde mediados de los años 90 estas disciplinas
están despertando un creciente interés por parte del
público aficionado. Como consecuencia del creciente
Crear una red de trabajo para artistas que desarrollan
proyectos relacionados con el arte sonoro y la música
avanzada.
Seleccionar mediante un jurado tres piezas sonoras y
dotarlas de un premio de 4.500 euros (cantidad sujeta
a la retención legal vigente).
Exhibir las obras en formato tangible en el propio centro colaborador y a través de emisiones transmitidas
por radiofrecuencia.
Posible edición de los trabajos seleccionados en formato digital (CD/DVD).
81
IX JORNADAS DE LAS
ARTES ESCÉNICAS EN
LA REGION DE MURCIA 2010. HACIA UN
MODELO EMPRESARIAL EN LAS ARTES
ESCÉNICAS.
2/5 de NOVIEMBRE. 2010.
MURCIAaESCENA, ASOCIACIÓN DE EMPRESAS
PRODUCTORAS DE ARTES ESCÉNICAS.
Organiza y patrocina
MURCIAaESCENA y CENTRO PÁRRAGA
Con la colaboración de
CONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMO
Dirección General de Promoción Cultural
E.P.R. Murcia Cultural, S.A.
La actual crisis económica obliga a las empresas
productoras de Artes Escénicas, y no sólo a ellas, a
replantear sus estructuras empresariales y su diversificación de actividades y apertura de mercados, y prepararse para las nuevas oportunidades que surgirán
de esta situación. Posiblemente sea el momento más
propicio para el cambio de paradigma, de modelos y
fórmulas, y para el cambio en la forma de intervención
en las políticas culturales.
DEPARTAMENTO DE
BELLAS ARTES.
PLATAFORMA DE
VISUALIZACIÓN.
Universidad de Murcia.
MurciaaEscena, desde la responsabilidad de sus deberes, exige sus derechos, y lo hace desde la experiencia propia de su asociacionismo y la de sus socios, cada vez más preparados para asumir los retos
de futuro.
Entidad vinculada
MurciaaEscena asume los retos de austeridad que
depararán los próximos ejercicios económicos, para
exigir al mismo tiempo el máximo compromiso de las
distintas administraciones (municipales, regionales,
nacionales e internacionales), y la obligación del diálogo productivo entre el sector público y el privado.
Este es el motivo por el que las IX Jornadas de MurciaaEscena pondrán su mirada en los modelos empresariales, para el análisis de los caducos y la expectativa e ilusión que generan los más novedosos.
Esperanza Clares
Presidenta de MurciaaEscena
Febrero, 2010
PROYECTO DE COLABORACIÓN ENTRE EL
CENTRO PÁRRAGA Y EL DEPARTAMENTO
DE BELLAS ARTES DE LA UNIVERSIDAD DE
MURCIA.
PLATAFORMA DE VISUALIZACIÓN es un proyecto
de colaboración entre el Centro Párraga y el Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Murcia
para generar un escenario donde presentar y hacer
visible la producción artística de los alumnos de Bellas Artes.
Con este proyecto quiere darse un impulso a la creación de nuevos artistas que están surgiendo con propuestas de calidad y que necesitan abrirse camino en
la escena artística contemporánea.
La capacidad organizativa y de difusión del Centro
Párraga propicia un soporte idóneo para desarrollar
la producción de proyectos que se encuentran dentro
de las líneas de investigación planteadas por el propio
centro.
Como primer paso se ha propuesto celebrar unas jornadas de difusión y debate (18, 19 y 20 de mayo), en
las que se presentarán los proyectos de los alumnos
de Bellas Artes, a la vez que se desarrollará un ciclo
de conferencias con el tema central de la difusión del
arte emergente.
Mediante este proyecto de colaboración se pretende
generar un contexto que favorezca el diálogo y la comunicación entre los distintos actores que intervienen
en los procesos de creación y producción artística,
dando a la vez la oportunidad de hacer visibles las
propuestas de nuevos creadores.
CAJA DE AHORROS DEL MEDITERRÁNEO
AYUNTAMIENTO DE MURCIA
Concejalía de Cultura.
82
83
PROGRAMA DE INTERCAMBIO
DE ARTÍSTAS EN RESIDENCIA
El Centro Párraga , debido a sus prestaciones estructurales y recursos técnicos lleva cinco años facilitando el desarrollo de los procesos creativos de distintos
proyectos del ámbito local e internacional. La creación de este nuevo PROGRAMA DE INTERCAMBIO
PARA “ARTISTAS EN RESIDENCIA” 2010, supone
una rentabilización y una optimización de las conexiones y vínculos fruto de un elaborado trabajo en red,
que junto a otras instituciones nacionales e internacionales, se está llevando a cabo en el ámbito de las
Artes Escénicas, promoviendo el intercambio de artis-
tas de ámbito local. Con este intercambio se pretende
posibilitar el diálogo interdisciplinario, el diálogo entre
artistas y el diálogo con la obra; investigando, desarrollando e innovando sobre su elemento de partida
en diferentes espacios creados y adecuados para la
óptima evolución de sus proyectos.
La finalidad es dotar de la continuidad y recursos necesarios al proceso de desarrollo de dichos proyectos, con el fin de crear una red estructural que soporte y haga más sostenible la perdurabilidad de los
elementos que conforman el enraizado tejido cultural
escénico de la creación, así como aquellas entidades,
colectivos y artistas que los protagonizan.
El Centro Párraga acogerá a los artistas en residencia
procurándoles un lugar y un tiempo donde investigar,
crear, reflexionar, desarrollar unas ideas y desechar
otras. Arropados por el equipo técnico y humano del
Centro, los artistas harán de sus residencias laboratorios, espacios de búsqueda creativa, rincones de
estudio... en definitiva reafirmarán lo que el Centro
Párraga es: un espacio para la investigación y el desarrollo de las Artes Escénicas.
Mercedes Nicolás Cárceles
Coordinadora, Programa de residencias Centro Párraga
6. después de esta primera toma de contacto sonia
gómez decide con quién va a llevar a cabo la experiencia. eventualmente cabe la posibilidad de trabajar
con más de un cliente
Segundo tramo: proceso de investigación – documentación. Duración: de 4 a 6 semanas
7. estudio del perfil del cliente vía correo electrónico,
skype o teléfono. Cuestionario personalizado. Primeras propuestas de actividades a modo de entrenamiento.
EXPERIENCIAS CON
UN DESCONOCIDO
SHOW DE
SONIA GÓMEZ
Sonia Gómez.
15/28 MARZO
El lugar de destino, festival, teatro o centro de creación busca el perfil de los posibles candidatos para
participar como nuevos clientes desconocidos.
Perfil del cliente:
Varón, proto-solitario, entre 20 y 100 años con ganas
de mantener relaciones creativo/espectaculares con
algo parecido a una puta-escénico-metafísica.
Las actividades con los desconocidos se relacionan
con el movimiento, el vídeo y la performance/acción.
Coordinación entre el lugar de destino y Sonia Gómez:
Primer tramo: posibles clientes.
1. el lugar de destino propone a Sonia Gómez entre
dos y cinco posible clientes.
2. los clientes desconocidos visitan la web, www.
soniagomez.com, apartado: experiencias con un desconocido.
3. escogen el perfil de su práctica entre las siete experiencias que propone el catálogo.
4. si están interesados envían un mensaje a sonia@
soniagomez.com
5. Sonia Gómez responde a cada uno de los posibles
clientes desconocidos.
86
Tercer tramo: desarrollo de la experiencia en el lugar de destino*
Duración: 1semana como mínimo 2semanas como
máximo.
8. encuentro con el cliente en el lugar de destino.
Entrenamiento y preparación para definir la experiencia. Creación de la experiencia. ensayos, grabación y
montage.
*las actividades propuestas por el proyecto se adaptan al día a día del cliente.
Cuarto tramo: presentación de la experiencias. El
cliente decide si quiere hacer pública su experiencia o no.
Formatos que utilizaremos a modo de pieza:
vídeo live performance privado, sin presentación
pública televisivo incluido en “experiencias con un
desconocido tv show”
+ INFO sobre “Experiencias con un desconocido”:
www.youtube.com/experienciasshow
www.soniagomez.com
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AGUJEROS POR MIS
ZAPATOS
Isabel Lavella.
Alguien está mirando...mirandome,pero yo no lo veo,
me observa, me habla y yo ... mas tarde, volveré.
Ellos, los agujeros, testigos de dos mundos que se
franquean continuamente. Lo que sale y lo que entra.
Cuento, hasta 5 o 10, no sé, he perdido la cuenta. No
paro, a veces de dar vueltas en las mismas baldosas.
He aprendido hacer agujeros con el viento, cuanto
más me muevo, mas cerca estoy de no desaparecer.
Estos zapatos los tendré que cambiar algún día y
cuando lo haga quizás ya nada será lo mismo.
88
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culturales del pasado. Por eso queremos enamorarnos y trabajar sobre ello.
Vamos a Murcia a enamorarnos se plantea como un
desafío formal, estético, lingüístico, escénico, ético y
psíquico.
VAMOS A MURCIA A
ENAMORARNOS.
Javier Montero e Isbell.
Vamos a Murcia a buscar el amor. A enamorarnos de
verdad. Rodaremos una película para satisfacer nuestra necesidad de contarlo, porque cuando nos enamoramos somos imparables.
Viviremos las historias que nos montamos en la cabeza, que en la mayoría de los casos son absolutos
delirios, pero que nos llenan de energía y nos permiten
hacer aquello que nos propongamos.
Denominamos película a un trabajo que será realizado
en formatos que van desde la música y la experimentación sonora, a la escritura, las artes escénicas o el
documental. Vamos a Murcia a enamorarnos es un
proyecto de exploración privada y pública. Es importante puntualizar que no pedimos la residencia para
ver si nos enamoramos en Murcia, sino que queremos
llevar a la práctica nuestras indagaciones y experiencias sobre este tema, y abrir un espacio de investigación.
Javier Montero es artista visual, performer y escritor.
Ha presentado los espectáculos escénicos La Oveja
Negra (con Marta Berenguer y Juan Díaz), El Cuarto
Obscuro (con Isbell y Juan Díaz) y Killing Celebs (con
Juan Díaz) en numerosos festivales y teatros por toda
la península. En la actualidad está desarrollando los
proyectos escénicos The Illusion of Choice (con Maite
Dono), Cuernos de Cabra (con Isbell) y La Línea Invisible (con Juan Díaz y otros), de los que ha mostrado
works in progress en Hablar en Arte (Madrid), La Noche en Blanco (Madrid) y Palabras Habladas, (Alicante). Junto a la artista Paloma Calle están escribiendo
el trabajo escénico Los Objetos y las Cosas, tras recibir la beca Iberescena 2009. Dirige el programa de
radio arte La Oveja Negra (Radio Círculo) donde cada
semana realiza sesiones de performances y literatura
sónica en directo, con numerosos artistas, músicos,
actores, escritores, activistas y comisarios invitados.
Muestra su trabajo artístico, visual y sonoro en galerías y realiza intervenciones en espacios específicos.
La última exposición ha sido en el Espacio Menosuno
(Madrid, Marzo 2009). Ha publicado la novela Guerra
Ambiental, de la que también ha hecho la dirección
de arte y el diseño junto a Nacho Montero. Es parte
del dúo de música experimental Los Invisible, que ha
presentado su trabajo en directo en numerosas ocasiones y participado en festivales como el LEM (Barcelona) o Ruidocracia (Madrid).Es comisario del festival antiliteratura. La primera edición se celebró en la
Capella de l’Antic Hospital de Barcelona en Junio de
2005 con la colaboración del SONAR. Diseña talleres
sobre arte, narración, diseño y comunicación para espacios como La Laboral (Gijón) o La Casa Encendida
(Madrid); al tiempo que trabaja como profesor en el
Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y el Istituto Europeo de Design (Madrid).
Isbell
Isabel Espín, es cantante, compositora , músico,
actriz, y performer. Ella y su hermana, Ana, fueron
miembros fundadoras del grupo Iluminados en Bullas,
Murcia, 1989-2009. Participaron en los festival más
importante del panorama español (como Benicasim FIB, BAM, Lemon Pop o La Mar de Músicas) grabaron
varios discos para las compañías BMG Ariola y Jabalina Música.
Durante sus estudios de Interpretación Musical, en
la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia, se
especializó en la realización de música y ambientes
sonoros para obras de teatro, cuentos, performances
y sintonías. En 2003 traslada su residencia a Madrid
para iniciar su trabajo como Isbell. Ella centra su trabajo en la frontera entre la música y el arte de la performance. Uno de sus proyectos más importantes en
Madrid, fue la banda de chicas de electro-punk Darky
Nenas. Colabora con Pola y Pecado Pixelado en el
colectivo audivisual Artistas Desconocidos. Con Código Ákate de la directora Mónica Santamaría realiza la música de las obras y performaces. Durante los
últimos 4 años, trabaja con el artista Javier Montero
en performances de música y spoken word. Se han
mostrado sus obras en varios festivales y espacios
de arte y cultura como La Casa Encedida, el Circulo
de Bellas Artes de Madrid, Radio Circulo programa La
Oveja Negra, o el Festival Alter-arte de Murcia.
Buscamos maneras de narrar nuestro entorno y a nosotros mismos con ojos frescos, porque necesitamos
códigos nuevos para que ‘el aquí y ahora’ adquiera
sentido, y podamos diseñar un espacio con nuestras propias palabras. El amor, los finales felices, la
política, la democracia, la transición, el consumo, la
pasión, los géneros, las identidades, están tan agotadas que apenas significan nada. La palabra amor está
demasiado cargada de condicionamientos sociales y
90
91
Paco muere y renace Paco de Foie. Así presenciamos el desarrollo de una vida que se hace y deshace
constantemente, que se transforma y muta de forma
fragmentaria, que se regenera a lo largo de la acción
dramática igual que el hígado en el ser humano.
PACO DE FOIÈ.
Cia. Bésame Mucho.
Paco Abellán, actor con veinte años de profesión ligado a la revista y a las formas teatrales usualmente
denominadas convencionales, consigue con esta propuesta y a través de su propia ridiculización cuestionar y plantear un análisis sobre las artes preformativas
instauradas en la nueva creación escénica. Probablemente nos encontraremos ante un nuevo género a
medio camino entre lo establecido y lo experimental
donde la ironía y el sentido del humor sirven de soporte reflexivo al pensamiento de la escena contemporánea en el mapa actual. Paco de Foie, alter ego de
Paco Abellán, cuenta la historia de un hombre que –
tras recibir los resultados de una analítica – descubre
que su hígado le ha jugado una mala pasada. Es ahora
el momento en que los excesos y los vicios sostenidos a lo largo del tiempo le pasan factura. A partir de
aquí, a partir del análisis del hígado de Paco y, sabiendo que este órgano tiene la maravillosa capacidad de
regenerarse, el actor pone en escena toda una experiencia vital en la que biografía y ficción se confunden
y se quitan la vez jugando con la lógica temporal. Es
por eso que asistimos, a través de su muerte, a su nacimiento, un juego en el que todos querrán participar.
92
La historia de Paco de Foie es la historia de todos y, a
la vez la de nadie. Es la tragicomedia de una vida, una
tragedia en sí misma que, en cambio, se observa aquí
a través del prisma de la comicidad y del absurdo.
Éstas últimas son las lentes que se han adoptado para
construir el presente espectáculo. Cualquier espectador puede reflejarse en Paco de Foie, un personaje
hiperrealista con el que todos nos reímos. El punto de
vista del personaje es el nuestro, el público es partícipe de ello y el humor es la base de una vida de pena.
Partiendo de la necesidad y el deseo de Paco Abellán de crear un espectáculo en el que él mismo fuera el eje de la acción dramática, éste es un trabajo
absolutamente contemporáneo y orgánico en el que
el público es objeto directo de su construcción. No
es un espectáculo cerrado, sino que en el mismo se
improvisa de acuerdo con el estado de ánimo del artista, el gran Paco de Foie, convirtiéndose su persona
en sinónimo de la operación dramática, principio y fin
de todas las emociones, ideas y pulsiones representadas en la escena. Siguiendo esta línea dramática y
contaminando al equipo de trabajo de su vida, ideas
y currículum emocional y sentimental, los diferentes
participantes en este proyecto han profundizado en
una serie de raíces que poco o nada tienen que ver
con la lógica racional y el pensamiento cotidiano que
dirige nuestras vidas.
Paco de Foie es un análisis conjunto de la vida del artista-hombre donde se suman las habilidades de Paco
Abellán y un conjunto magnifico de artistas multidisciplinares que trabajan junto a él, un espectáculo donde
se suma la tecnología presente y al que tú también
te puedes sumar, querido espectador. Paco de Foie
se propone llevarnos a ese lugar inquietante donde
nos podemos contemplar a nosotros mismos como
en un espejo, ese espacio en que el actor es imagen
(cóncava tal vez) en la que se refleja el público. Todo
esto es lo que vas a ver.
Productor: Bésame mucho teatro
Coproductor:Centro Párraga
Directora:Encarna Illán
EQUIPO
Produce: Bésame Mucho Teatro
Coproduce: Centro Párraga
Paco de Foie: Paco Abellán
Pianista: Arthur May
Asistente: Agustín Vidal
Dirección: Encarna Illán
Dramaturgia: Paco Abellán y Encarna Illán
Dirección de arte: Juan Conesa
Música y letras: Arthur May
Asesor coreográfico: Pedro Cardona
Iluminación: Agustín Martínez
Producción ejecutiva: Bésame mucho
Aydte. Producción y regidor: Agustín Vidal
Diseño gráfico: Sr. Mentekitchen
Audiovisules: Adriana López y Sr. Mentekitchen
Distribuye: Nacho Vilar producciones
93
nezcan al enfrentarse a los demás. Este material personal
son las historias que, junto a los textos de José Antonio
Marina, compondrán el imaginario compartido de este proyecto, las que ayudarán a crear ficciones donde el espectador se reconozca y donde, en ocasiones, incorpore sus
propias historias.
Creación de un “Escondite secreto” para el espectador activo. Un espacio público que se hará secreto y personal para
cada uno de los espectadores.
SOBRE EL MIEDO
AL AMOR Y A LA
MUERTE.
Proyecto Instalación
Audiovisual
Sara Serrano.
Dramaturgias del sonido.
Textos de “Anatomía del Miedo” de J. Antonio
Marina y otros.
Hay dos condiciones humanas que compartiendo la misma esencia nunca se repiten de igual manera: el Amor y la
Muerte. Dos experiencias de carácter universal, que comparten la esencia de lo inaprehensible y que afectan a cada
individuo de una manera única e irrepetible.
Y un factor común que las une y sobre el que centro el interés de mi proyecto: el miedo, ante una y ante la otra. Ante el
Amor y ante la Muerte.
Gráfica. La lectura como acción privada en contraposición
con la audición, de carácter público.
Texto público/texto privado.
Proyección de textos sobre distintas superficies, textos que
reproducen ideas, conceptos y experiencias alrededor de
la idea del Miedo. Textos de carácter muy privado mezclados con premisas teóricas que introducen al espectador en
historias individuales a través de su lectura. Al leer, realizamos una acción más privada que al escuchar algo de forma
colectiva. En la lectura no están marcados los tonos o el
ritmo, dependiendo parte del significado del sujeto que lee,
de su propia experiencia y su forma de entender el mundo.
¿Cómo se reacciona ante un mensaje directo, individual,
personal, cuando lo leemos rodeados de otras tantas personas, para los que el mensaje también pertenece?
Grabaciones vídeo. Personificación de experiencias.
Entrevistas/ grabaciones a distintas personas donde se
encadenan historias compartidas, miedos similares, particularidades, retratos.
Imágenes que abren recuerdos, que activan la máquina de
sueños.
Espacios, objetos, vacíos, retratos que sugieren realidades
posibles, memorias de lo que nos es familiar y aún no siendo así podríamos haberlo vivido.
Sugerencias. Impresiones.
Atmósferas sonoras.
Una herramienta primordial para la creación de ficciones y la
sugestión del espectador.
Acercar lugares muy lejanos o transformar la sensación espacial a través de grabaciones directas de otros lugares y
sonidos construidos. Un elemento que me permite ahondar
en una de las condiciones de las que creo que una pieza
artística no debe carecer, la capacidad de emocionar. A través del sonido pretendo dar un carácter de viaje a la instalación, dejando al espectador/visitante con la sensación de
haber pasado por un historia narrada, con distintas etapas,
de haber formado parte de una microhistoria con múltiples
posibilidades. Y, por un momento, de haberse sentido una
pieza del engranaje.
Sara Serrano
Licenciada en Dirección Escénica e Historia del Arte. Master
en Práctica Teatral por la Universidad de Manchester. Como
extensión a su trabajo en las Artes Escénicas, ha realizado
incursiones en el campo de la instalación y el montaje multimedia.
Cofunda el Colectivo La Fragua y forma junto a Eduardo Balanza el DFH, con el que realiza distintas piezas en los márgenes entre la instalación la performance y el vídeo, entre
ellas “Atta Airlines. Kit de seguridad”, presentada en ARCO
2006.
Además trabaja para la Compañía de Teatro de Altura Puja!,
ganadora del Premio del Público del Festival de Tárrega
2005 para la que ha codirigido su último espectáculo Do-Do
Land y colabora regularmente con Arena Teatro con quien
ha realizado diversos eventos y con la que ha preparado su
última producción “En Un Minuto”/N1m. , sobre un texto de
Inmaculada Alvear, en colaboración con el Centro Párraga
de Murcia.
Escondite secreto.
Todos tenemos un escondite secreto, dentro o fuera de nosotros. Un lugar donde nos escondemos de los demás y de
nuestro yo social, del individuo que hemos construido para
desenvolverse en el sistema de relaciones humanas.
Entre las múltiples cosas que escondemos en nuestro escondite secreto se encuentra el miedo. El miedo racional
y el irracional. Los deseos escondidos. Y las historias más
preciadas que no compartimos por miedo a que se desva94
95
MOURNING ENDS.
Proyecto de acontecepolar para dos actrices,
una bailarina, un bebé, una cuidadora,un director, un ingeniero de luz, un músico, una road
manager, dos amigos que quieren mirar y dos
perros.
Fue algo así como que habían pasado tres años y ella aún era
incapaz de pensar cualquier cosa que no fuera él, y él hacía
tiempo que pensaba en cualquier cosa y, como eran civilizados y modernos, se decidió que lo más conveniente para ambos era tomarse un tiempo de reflexión, y aceptaron ambos
creyendo que sería muy cortito, y se alquilaron pisos distintos,
y cuando habían pasado tres meses todavía se seguía en el
periodo reflexivo y llegaron más personas para alumbrar el
periodo reflexivo, y desaparecieron otras personas, unas muy
importantes, otras menos, pero su desaparición hizo que algo
hiciera clic, y además empezaba a secarse como se llame lo
que se seca cuando se agotan las lágrimas, los románticos
dirán el corazón o el alma, los pragmáticos simplemente el
lacrimal, pero sea lo que sea, duele, y entonces se terminó el
tiempo de reflexión, y no fue tan sencillo decidir que ya estaba
bien de reflexionar sobre nada, porque nunca se reflexiona
sobre si se ama o no, o no se debería reflexionar, simplemente
sentir o no, pero pensar lo jode todo, y mientras, ya se había
venido abajo la familia y se pensó en hacer otra, pero para eso
había que amar y la reflexión dijo que sí se amaba, pero no fue
una reflexión real sino un sentimiento, que es lo importante, y
de pronto ya había pasado cuatro años desde la primera vez
de aquella mirada que lo dijo todo y luego vinieron las palabras a complicar lo que ya era simple, y se descubrieron las
caras, se prometieron otras cosas, más maduras, se planteó
que para crear hay que empezar por uno mismo, quizá una
relación, una familia, una nueva creación escénica, mezclarlo
96
todo con casarse y tener hijos y salir a la escena a desenredar
la amargura o la apatía, y tras cinco años quizá sea posible
mezclarlo todo y aunque sea una locura, aunque nadie crea
en que es posible, ahí estaban todos los que eran, unos salían
a escena a hacer algo con su vida y otros mirarían para ver
qué demonios se creían los primeros que hacían, con esa mirada que ya ensucia lo que se mira, pero daba igual, ninguna
palabra, ninguna canción, y se decidió ir a por todas, con lo
que venga y como venga, porque así es su vida, porque así
han salido las cosas, y ella ahora tiene autonomía pero piensa
en él y él lo mismo pero en ella, y las cosas que les ocurre tienen otro color, no sé, como un color más de estar bien, cinco
años muy intensos pensaba él y ella le sonreía y le decía, hay
que ver cómo me tira la barriga, y él no dejaba de ponerle
crema por las noches y de beber agua para no enfermar, para
no contagiar, porque quería contagiarle otras cosas, como las
ganas por hacer posible el sueño de teatralizar una vida, pero
no gripes ni resfriados, porque no tiene sentido hacer arte sin
contar tu experiencia sobre unos hechos, estos hechos, los
que fueron tristes pero permitieron nacer los alegres, como
armar la canastilla, el cambiador, el moisés, que se llama así
por el personaje bíblico al que cuando era un recién nacido,
colocaron en una cesta en el río Nilo para escapar, pero eso
es otra historia que no nos contarán aquí, o no ahora por lo
menos, y de pronto pensaron, vaya un viaje, hacia nosotros,
con nosotros, todos los que somos, junto con alguno más, alguien de fuera, que tenga mucho ángel, que aunque se hablen
de cosas malas en algunos momentos su cara perdone todo,
como sacada de una obra onírica de la compañía Raffaello
Sanzio, y por qué no directamente sacarla de ahí, por qué
no va a ser posible, todo está en la pregunta, en cómo hacer
la pregunta, a ese rostro que forma parte de esas obras, su
nombre Silvia Costa, y también ella dijo por qué no, y más
tarde la amistad que une a las personas hizo posible noches,
tardes, mañanas de hablar de eso que se habla cuando conoces a alguien o cuando de pronto lo conoces más porque
ocurren cosas iguales, y se unió Eva Torres y quizá más tarde
decidan meterse de lleno en esta vida el colectivo Superamas, quién sabe, nada se sabe, y ella se puso contenta y eso
le alegró a él, y al alegrarse él ella se puso contenta, y pensaron en los cinco años, las familias, los vinos, las cenas, las
noches en vela, los cumpleaños, las vacaciones, las bajas,
las mentirijillas, los sueños, los viajes, los perros, y el tiempo
para decir la verdad, toda la verdad, que aquí está, la realidad
ficción sacada de la realidad real, va por el que vino, Alejandro
Soriano Molina, va por quien se fue, Lola, la exquisita Lola.
97
LENZ RIFRAZIONI
(Parma, Italia)
DIDO_Epidérmica
de Epistulae Heroidum Dido Aeneae de Publio
Ovidio Nasone
98
Lenz Rifrazioni presenta una estancia de investigación sobre Dido, nuevo proyecto 2010 por parte de
visual and performing art, realizando la parte fílmica
en Túnez y España, e inspirado en el Dido Aeneae de
Ovidio.
Tras Radical Change, Chaos y Exilium, creaciones
libres extraídas de Las Metamorfosis y Tristia, Lenz
Rifrazioni inserta la propia poética visionaria sobre las
Epistulae Heroidum, para reelaborar artísticamente la
figura de Dido, icono clásico exaltado en las obras de
Guido Reni, Rubens, Tiepolo, Vouet, Lorrain, pero sobre todo protagonista de la obra de H. Purcell Dido &
Aeneas, obra maestra del barroco musical.
A ella Ovidio dedica una de las veintiuna cartas de
amor imaginarias que componen las Heroides en la
cual imagina la reina que escribe a Eneas en el tentativo vano de convencerlo a quedarse con ella.
La condición del exilio, funda el mito de Dido, llegada
a las costas de Líbia hacia el año 814 a.C., Dido obtiene el permiso de establecerse, tomando tanto terreno
“cuanto podía contener una piel de buey”. Dido escogió la Península, cortó astutamente la piel de toro
en tantas tiras y las dispuso en fila, de manera que
limitase lo que sería el futuro territorio de la ciudad
de Cartago.
Dido representa el cuerpo mítico del África, conquistado, gozado y abandonado por el héroe de occidente
Eneas, fundador de Roma y del nuevo imperio. Y la
misma ciudad fundada por Dido se define y circunscribe por la piel animal, sutil y vulnerable. Piel, cuerpo,
dermis, se enrojecen de pasión, temblores y dolores
bajo la mirada de deseo de la latinidad senescente de
Eneas. En el ámbito del proyecto “Dido” Francesco
Pittito elaborará un nuevo trabajo de video art que se
llevará a cabo en el norte de África, Túnez/Cartago y
en Cartagena, España.
El proyecto de instalación de Dido, pensado para la
ciudad de Murcia, sitúa al centro de la creación la
relación entre el lugar de refugio animal, la Caballeriza y los sujetos performativos, una mujer-niña y una
multiplicidad de hombres-viejos. La física del espacio reelabora el mito del reencuentro de la cabeza de
caballo, considerado elemento fundador de la nueva
ciudad, y la naturaleza epidérmica de la piel de buey
se traduce en la señal de confín de la vulnerabilidad
del cuerpo urbano. Los viejos reunidos y serializados
en un asilo cívico-ideológico, somática residual de la
clasicidad, se heroizan en la pompa ética del pius,
respetuoso de la voluntad divina, de las leyes y de los
deberes hacia el Estado, de frente al cual desaparece
la voluntad del individuo.
La relación entre juventud y vejez, símbolo de África
y Europa, sería restablecida por una joven performer
profesional y por un grupo de ancianos murcianos,
permitiendo la conexión entre la realidad del teatro de
investigación y el territorio, através de la concreta posibilidad de involucrar sujetos tradicionalmente excluidos de los procesos creativos, revelando la avanzada
edad no como un límite a la expresión artística, sino
al contrario, como una posibilidad de sabiduría y de
belleza.
Creación:
Maria Federica Maestri y Francesco Pititto
Traducción/ Dramaturgia/ Imagoturgia:
Francesco Pititto
Instalación/ Elementos plasticos/ Dirección:
Maria Federica Maestri
Música: Andrea Azzali
Performer: Valentina Barbarini
Cura proyecto: Lisa Gilardino
Organización: Mila Rampini
Producción: Lenz Rifrazioni
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dificultades hoy en día para alcanzar éxito y conseguir
ser popular. Pero lo que me parece más interesante de
este fenómeno, es el efecto que está teniendo en el
individuo y en su relación con el mundo que le rodea.
THE PLAYER.
Pedro Guirao.
Videojuegos, sistemas interactivos, vd’js, casas domóticas,…la integración e interacción del individuo
con la tecnología (hardware y software), sobre todo
por la popularización y democratización de ésta y
su uso en la vida doméstica y la industria del ocio,
es un fenómeno cada día más sólido y cotidiano. Un
fenómeno que evidentemente está transformando la
relación con nuestro entorno, el conocimiento, la información, la percepción,…
Al igual que los que pertenecemos a generaciones
anteriores nacimos en la cultura de la televisión, la
prehistoria de los videojuegos (el spectrum o el comodore 64), el radiocassette o el VHS, las nuevas
generaciones están creciendo ya rodeados de interfaces, sistemas operativos, móviles 3G, video consolas,
ADSL, iPOds, videocámaras digitales o coches que
aparcan solos.
El factor interactivo está actuando de puente / enlace en el camino hacia la fisicidad de lo virtual y está
acostumbrándonos a la posibilidad de la participación, control y acción más o menos directa sobre los
contenidos. Se está consiguiendo así una paulatina
aproximación entre el hombre y la tecnología eliminando la distancia y disolviendo los límites en la relación bipolar emisor-receptor, al igual que está modificando nuestra relación y nuestra percepción con el
tiempo y lo real.
El espectador se convierte en agente activo, clave y
determinante, el consumidor en usuario y el receptor
se balancea de un lado a otro del esquema comunicativo pasando por la manipulación directa del propio mensaje. La creación contemporánea, cada vez
de una manera más consciente, se está haciendo eco
de este fenómeno social global, mediante la utilización, tanto en los procesos como en los resultados,
de sistemas interactivos de relación entre el público
y la obra, y encontrando, entre otras cosas, una solución al habitual hermetismo que suele caracterizar las
manifestaciones artísticas más actuales..
La interactividad en el arte está siendo un campo de
investigación y experimentación hacia una reflexión
activa y práctica sobre los límites y la disolución de los
mismos entre lo físico y lo virtual, la autoría individual y
la múltiple, compartida y colaborativa, los contenidos
dinámicos y mutantes, etc.
The Player es un proyecto de investigación y creación
artísticas que fluctúa entre las artes visuales, multimedia y performativas, en torno a las ideas de la interactividad de la obra artística tanto en el proceso
creativo como en el resultado final, de la mutación del
espectador / público / receptor en usuario / jugador /
emisor, manipulador directo de la obra artística Acuño
el término Player, en inglés, por su doble significado
de jugador y de intérprete de una pieza musical, escénica, etc y por su asociación directa al mundo del
juego (y los videojuegos).
El objetivo es la creación de un videojuego artístico
donde el espectador se convierte en manipulador y
compositor de los movimientos del propio artista /
performer por micro espacios sobredimensionados
extraídos de lo real. El proyecto contempla dos vías
de investigación principales: En la primera, circunscrita al periodo del proceso de creación, el artista / performer trabaja en la composición de movimientos que
deben recorrer e interactuar, desde la interpretación
mental y la memoria, con espacios que no se encuentran físicamente presentes, capturados de la realidad
y descontextualizados mediante el encuadre. En esta
fase de investigación tanto el término player como el
concepto de interacción se refieren precisamente a
ese juego de relación de un elemento físico (el cuerpo
del artista) con un espacio inmaterial y no presente.
La segunda vía de investigación se ocupa del diseño
y desarrollo de un sistema interactivo mediante el cual
el público tendrá la posibilidad de manipular y componer el video y los movimientos del artista / performer
dentro de los espacios de ficción. Convirtiéndose así
el espectador en player (jugador y nuevo intérprete) de
este particular videojuego.
En definitiva, aparatos, programas y sistemas que en
su gran mayoría incorporan una característica cada
vez más importante y que se va haciendo casi imprescindible: LA INTERACCIÓN.
Ofrecer la posibilidad y capacidad de acción al usuario
se ha convertido en un elemento clave en la relación
de éste con la máquina, tan importante que un aparato que no posea esta característica tiene grandes
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tidos a procesos de racionalización étnica y estética.
SIN TÍTULO (2010).
Jesús Segura.
En “Sin titulo”(2010) me propongo escrutar la deshumanización que impone la globalización neoliberal
catalizados en el uso y abuso de los sistemas tecnológicos y de producción del sujeto contemporáneo.
Mediante la imagen fílmica y fotográfica, estableceré
un desvelamiento de sus causas-efectos, a través,
de estrategias de visualización y representación.
Para ello, trabajaré con la arquitectura de la ciudad,
construyendo mediante distintas representaciones
suturadas, una arquitectura que no defina plenamente
su estatuto de realidad. De este modo, introduciré
la dualidad de realidad-espacio cibernético haciendo
referencia obvia y directa a la construcción de una red
de interferencias somatizadas con el tránsito de los
individuos. Posicionando la ciudad como instrumental. Del mismo modo, los espacios-tiempos representados en las distintas áreas del contexto urbano
serán modulados asincrónicamente por el sonido de
máquinas de producción de capital que regularán el
movimiento y desplazamiento de los sujetos representados. Esto traerá consigo, una dispersión de la
mirada que hará inaprensible, a “golpe de vista” la totalidad de la pieza. Obviamente, esto es una respuesta forzada, por mi parte, ante la visibilidad que exige
la sociedad espectacular derivada a parámetros de
vigilancia y control. Las claves, aquí serán dadas en la
homogeneización y alienación de los sujetos, some102
Tenemos que pensar, que la pieza no persigue sólo
una voluntad crítica a la deshumanización, donde los
vínculos humanos han devenido provisionales, donde
la degradación de las relaciones afectivas son finiquitadas cuando el beneficio ha sido alcanzado. También,
trata de buscar, una maniobra de desvelamiento que
genere en la mirada del espectador un efecto análogo.
Es decir, la perdida de control y de aprensibilidad de la
imagen, cuyo fin último, establece la comunicación en
términos de frustración.
Sin embargo, este descentramiento de la mirada al
que obligará la pieza, esta articulando una metáfora del sujeto-productor como el verdadero artífice del
espacio global. Podremos identificar en la pieza, áreas
de velocidad, de silencio, de congestión, de colapso,
de ralentización… que hacen referencias obvias a demandas de los flujos de capital presentes en la globalización, configurando una cosmología del sujeto en
su efecto metafórico. Este proceso de maquinización,
representado bajo la acepción humana, interpretarán la encarnación de diferencias y multiplicidades
presentes subrepticiamente en la globalización neoliberal. Y, esa homogeneización étnica y estética dominante, a la que antes me refería, aludirán, directamente, al fin último de las pretensiones neoliberales;
que es la creación de un estado global, concebido al
dictado de sus intereses.
Creo, que hay una conciencia de exclusión ciudadana, latente e implícita en la división y habitabilidad de
la ciudad actual, Y, esto se asume, con demasiada
normalidad. Sin embargo, mi exploración ahonda en
una identidad excluida, donde una de las consecuen-
cias directas de esa exclusión, reside en el diseño
del espacio público y sus relaciones con el individuo.
Pero hay otras.
A este respecto “Sin titulo” (2010) construirá un espacio urbano que no existe, pero que pudiera ser real,
como dije antes…De hecho, en su sentido estructural
de darse la comunicación será real. Lo que se propone con la construcción de un espacio estratificado y
jerarquizado, laberíntico y automático, será configurar
un sistema de relaciones reales, tratados dentro de un
espacio ilusorio. Un espacio ilusorio, que nos acerca
a formas de comunicación degradadas en la sociedad que nos produce como individuos organizados.
En este sentido, el fluido magmático del sujeto en la
urbe, es absolutamente controlado y estandarizado.
La organización y clasificación responden aquí, al estado de control y dominio que verbaliza todo en un
centro. Todo se dirige a él, y consecuentemente, todo
sale de él. Esta matriz es la que cosifica al individuo
y lo desprende de singularidad. En este sentido, el
tránsito, el fluido, subvertirá, su propio concepto direccional, al incorporar varias pantallas confrontadas
entre sí y reguladas en sus tiempos y espacios. Acentuando, esa idea de eco, de circularidad, de la que el
visitante se siente rodeado. Pero, además, evidencia
mediante esta maniobra de confrontación, posiciones
polifocales y entrecruzadas que vienen dadas por movimientos de intercambio y tránsitos de doble sentido.
Es en este giro, en este cruce, es donde se generan
las tensiones y transacciones ambivalentes que ponen en jaque el concepto de identidad multicultural y
por ende de identidad transnacional.
Si, aplicamos una mirada atenta a la formación y configuración de las economias actuales del capitalismo
último, nos daremos cuenta que se estructuran y organizan precisamente alrededor de toda producción
identitaria, generando una estructura de poder como
generatriz.
Por último, la idea de espectador activo, es sumamente importante para mi. Por ello, incorporaré una
estrategia de hipervisibilidad, conjugando movimientos en distintas áreas del espacio dado que lleva al
visitante de mis piezas a una atrofia visual, y por tanto
al fallido intento de control visual total. Esto generará
en el visitante, una contemplación por áreas, capas,
estratos…que lo situarán en lo que yo llamo un “Observador Técnico”.
De este modo, involucraré al visitante observador en
un proceso de vigilancia de la propia pieza. Convirtiendo, al propio visitante observador ,en un vigilante.
Puede ser una trampa visual, pero me parece tremendamente efectivo, situar al visitante en los términos
adecuados para tomar conciencia de que lo que están viendo, está “sujeto” al dominio y control de una
estructura…y todos somos participes….
Pero, quiero hacer una última reflexión, sobre los tejidos políticos presentes en la pieza, y su inserción
en una estructura que darán paso a una experiencia
sensorial, capaz de suscitar una acción perceptiva,
corporal. Creo que el productor artístico, conceptualiza los espacios socio-políticos, pero debe ir un poco
más allá e incorporar las experiencias sensoriales
como elementos activos, para un diálogo eficaz, entre
obra-espectador. Que no olvidemos, es el verdadero
interprete del valor social de la obra.
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OTELO Y
DESDÉMONA.
Teatro Demente.
Asturias.
¡Ah! Ojalá pueda todavía gritar la verdad, aunque sea débilmente, y ojalá podáis escucharla.
Entre el ruido de las malas lenguas y de los bombardeos.
Si la amáis, afinad vuestro oído.
Porque la verdad, como la mentira,
Vive de quienes la escuchan.
Sin oído, no hay verdad.
Sin verdad, no hay teatro.
¿Acaso no estamos todos aquí para poder oírla
Y arrancar lo Verdadero, tan débil, de los furiosos embates
de lo falso?
¿Lo conseguiremos? Lo ignoro, lo deseo, lo creo.
Prólogo de La historia terrible pero inacabada de Norodom
Sihanuk, rey de Camboya.
Y llegados a este punto me pregunto: ¿tan soberbios
somos que nos creemos con la capacidad de encontrar una verdad? Para dar respuesta a esta pregunta
me he acordado de una anécdota de hace algunos
años: un amigo me planteó el dilema de hasta qué
punto cuando le damos una moneda a un mendigo lo
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hacemos para acallar nuestra conciencia o realmente nos mueve un sincero sentimiento altruista; pensé
durante unos días sobre el tema, y llegué a una conclusión: no importa qué es exactamente lo que te impulsa a dar esa moneda, lo único que importa es que
el mendigo reciba la moneda. En definitiva, no se trata
de discutir acerca del arte, porque el arte es una mierda y los que discuten sobre él pierden el tiempo, se
trata de lo que el arte puede aportar a la vida para que
alguien pueda ser más feliz, no durante exposición de
una obra artística, sino a partir de ella viendo cosas de
la luna que no había visto, pero que ya estaban ahí. El
teatro como medio. En el preciso instante en el que tú
estás leyendo esta línea, a los que están comerciando con la mentira, a los que hacen de este mundo
una mentira, no les detiene ni por un segundo ningún
conflicto moral por el estilo, y precisamente por eso
hemos de tratar de caminar hacia la verdad, estampar
en las paredes azules de los cielos la palabra utopía,
para que retumbe en el alma de cuántas sombras vaguen sin rumbo… buscando. No se trata de atacar, se
trata de defenderse.
La finalidad de este proyecto es una persecución de
la verdad de aquel que, como el asesino o el artista,
ya no tiene nada que perder. ¿Existe la verdad? Existe
la mentira, eso está claro. Entonces existe la verdad.
Quizá la única verdad ya está ahí pero hay tantísimas
cosas que dificultan su visión y disfrute que no somos
conscientes de ello. Dice Benjamín Prado que el arte
es decir cosas de la luna que ya estaban ahí, pero
que no habías visto, y que desde entonces te la harán ver de manera distinta para siempre. Según esta
definición cada árbol existe no fuera sino dentro de
cada una de las personas que lo observan –encasillar,
definir, acarrea una pobreza espiritual que sufrimos sin
darnos cuenta-. Si la verdad es un niño contemplando
un árbol, entonces no hay más opción que DESTRUIR
cuantos elementos ciegan al niño: televisiones –demonio del S. XXI-, religiones –El Demonio-, moda, dinero, política, arte, etc. Todos engranajes de una maquinaria social sustentada en la mentira, en la que el
amor –tema que vehiculará nuestra investigación- es
otro valor más con el que se comercia.
Trabajaremos por tanto en dos direcciones:
a) Hacia la mentira: a principios de siglo, a Edward
Bernays, sobrino de Freud, se le ocurrió que donde
había realmente negocio no era en vender aquellos
productos que el ciudadano de a pie necesitaba, sino
en ir un poco más allá adentrándose en su mente para
hacerle creer que había artículos que, aunque no necesitaba, lo harían más feliz. Es el principio de la profesión de “relaciones públicas”, el principio del capitalismo, el principio de la mentira. El principio del fin. Si
nos paramos a pensar, todo en este mundo esconde
un interés; todo el mundo, ya sea profesional o personalmente, trata de “conseguir algo de alguien”: una
mentira (da igual si alguna verdad circula por alguna
vena, la mentira sigue siendo el corazón). Desde el
momento en el que el sistema premia esa concepción
de la vida, se produce el fin del ser humano como lo
que es: un animal –el más imperfecto de todos, como
dijo Nietzsche, porque es el único que va en contra de
sus instintos-. ¿Cómo combatir esa mentira ramificada infinitamente, -armándonos de valor para detectarla, afrontarla y superarla, en primer lugar, en nosotrospara llegar a la verdad primigenia?
b) Hacia la verdad: verdad como sinónimo de belleza.
Partimos por tanto de la premisa de que hoy en día
lo bello es feo, porque es mentira… y lo feo es bello, porque lo feo al menos sabemos que es verdad.
La belleza es una canción, una danza, una mirada,
un grito… No importa cuál sea la forma mientras que
sea verdad: ahí está la forma. No obstante, en Otelo y Desdémona este camino hacia la verdad será el
contraste –eso no quiere decir que no tenga un cierto
protagonismo- con respecto a la dirección que tomaremos decididamente hacia la mentira, para su estudio, denuncia y posterior destrucción.
Es muy importante aclarar que comenzaremos trabajando a partir del texto original “Otelo y Desdémona”,
pero que sólo el proceso (el hacer y hacer) nos llevará a concreciones inimaginables a priori, en las que
el libreto original tendrá una presencia determinada:
desde respetar una sola línea del texto a la representación íntegra del mismo. Lo que sí que tenemos claro
es ese contraste constante entre verdad y mentira,
cada vez más vertiginoso, y que el lenguaje utilizado
será muy diverso: música, danza, teatro, performance, happening, etc. En el que lo bello será muy bello,
y lo feo será muy feo, y/o viceversa. Y siguiendo esta
lógica extrema también desconocemos la duración de
la pieza resultante: desde diez minutos hasta poder
alcanzar las nueve o diez horas. Por tanto ese texto
será, en este afán destructivo, lo primero en ser desestructurado a partir de la investigación en la práctica
para ser convertido en imágenes, suspiros, pero sobre todo, gritos, lágrimas, risas a carcajadas, hostias,
insultos, caricias, danzas, canciones… conformando
así una especie de teatro de la destrucción detrás del
que se esconde el sonido esperanzador de un reguero
tranquilo y anónimo de agua.
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BERNARDA´S
BACKSTAGE.
Alejandra Prieto García
/ The Winged Cranes.
Inspirado en “La Casa de Bernarda Alba” de
Federico García Lorca.
Asturias.
“Bernarda´s Backstage” es un montaje teatral multidisciplinar que incluye la experimentación y mezcla de
varios lenguajes y técnicas escénicas como son los
títeres (títeres de varilla, teatrillo, bunraku japonés y
sombras) el performer como actor y manipulador, la
danza, el uso del vídeo, vídeo proyección y la iluminación. La obra de Lorca “La Casa de Bernarda Alba” es
en realidad una excusa (no se usa el texto), un punto de partida desde donde hablar y situar hoy el enfrentamiento entre Eros y Tánatos; entendiendo Eros
como la vitalidad, la sexualidad, la sensualidad, el
cuerpo y la naturaleza, y Tánatos, como el instinto de
la muerte, del fin y la agresión. Pero sobre todo, esta
pieza es una reflexión sobre la renuncia al verdadero
Eros en nuestra vida y su sustitución por una cultura que presta adoración al consumo, a los aspectos
superficiales de nuestro cuerpo, a una sexualidad vacía… Llenos de miedos, odios y amenazas cada vez
más invisibles, más asimiladas y, por ello mismo, más
eficaces y difíciles de desentrañar todos claudicamos
ante esta cultura, conscientes de que ir en contra supone el aislamiento y el quedarse sol@. Este “desenmarañamiento” y búsqueda de una salida a este tejido
represor es el objetivo de esta propuesta.
La lucha entre Eros y Tánatos se plantea aquí entre
el pequeño microcosmos en el que viven estas mujeres tal y como las retrató Lorca, atrapadas en una
casa (teatrillo) de pequeño tamaño, y el mundo que
está fuera de esta casa, mucho más grande en proporción, que en la obra original de Lorca permanece
invisible, donde la exploración sucede con el muñeco de bunraku, las sombras y videoproyecciones y
la interacción del performer-manipulador-actor. Este
montaje, a través de los títeres y de la interpretación
de los performers de personajes que podemos reco-
nocer en nuestro universo cotidiano, jugando con la
improvisación y el vídeo, traslada la tragedia lorquiana
al momento actual.
Reprimimos bien por miedo a la respuesta y castigo
social, o porque hemos aprendido a buscar la satisfacción en esta represión de manera patológica
(masoquismo, sadismo, instinto de destrucción), o
porque hemos dejado de creer en nosotros mismos,
en nuestra capacidad para asimilar a Eros en nuestra
existencia? Así hemos terminado por incorporar no a
Eros, sino todo un sistema de amenazas, castigos y
miedos que perpetúan precisamente un poder represor y mutilador; que no consiente en la plenitud del
individuo, ni mucho menos trascender hacia una existencia más elevada y cercana a la “idea” de felicidad.
Esta experimentación con varios lenguajes visuales,
con el títere, el performer, la vídeocreación, y la música es la que está en la base de esta propuesta para la
que he buscado la colaboración y participación artística de Ruth García García, diseñadora de escenografía
y coautora del guión (de los textos de nueva creación);
Felipe Lima, diseñador de luces; Tania Arias, bailarina experta en vídeocreación; Eduardo Ros, músico y
compositor; y contaré con uno o dos manipuladoresas performers (posibilidad que crece debido a contar
con dos residencias y que me permitiría estar fuera
en la dirección) para los ensayos con los títeres. Me
interesa contar con ellos porque cada uno ha desarrollado su labor artística en varios campos y de esta
forma el proyecto se puede enriquecer de esta interdisciplinariedad.
Metodología
Este proyecto combina diferentes técnicas del teatro
de títeres –títeres de varilla, muñecos de bunraku,
sombras- el performer como manipulador y actor y
el uso del vídeo (cámara de vídeo y vídeo proyector)
y la iluminación. También la música, los sonidos, son
importantes en esta propuesta como elemento narrativo, y para ello quiero contar con música original
compuesta para este montaje.
Técnicas
Títeres. Los títeres que esta propuesta incluye son
los de varilla, un teatrillo, dos muñecos de bunraku y
sombras. La casi totalidad del teatrillo y de los títeres
de varilla, así como un muñeco de bunraku, han sido
ya construídos, como pueden ver en las fotografías
que incluyo en la solicitud.
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Vídeocreación. Uso del vídeo como técnica visual
para contar la historia, enfocar y enfatizar aquello que
quiero subrayar tanto en el teatrillo como fuera de
él. Uso de las imágenes proyectadas también como
background sobre el que trabajar con el universo de
sombras. Esta técnica audiovisual también ayuda a
acercar esta tragedia a la época actual.
Luces. Iluminar aquellas zonas “oscuras” que quiero
sacar a la luz para explorar, trabajo importante de exploración y experimentación en toda la parte de sombras.
Texto. El texto es de nueva creación y tiene que ver
como antes comentaba con los monólogos o situaciones de tipos modernos que hablarán a cámara exponiendo sus “vivencias” y dejando que sea el público
el que realice la conexión de estos “personajes” con
ellos mismos y con la obra.
Música. La música es un elemento narrativo, su inclusión apoya las escenas pero también cuenta y anticipa los personajes, las situaciones y crea el mundo
exterior que se escucha desde la casa y no se ve, las
voces del pueblo, los sonidos de la naturaleza…
Buceo en el texto de Lorca para extraer aquello que
tiene que ver con la temática de esta propuesta, elaboro una estructura que sirva de apoyo y base al trabajo en la sala de ensayos y al taller y exploro su sentido y su valor actual a través de improvisaciones con
los títeres, el vídeo y la luz. La pregunta es: Cómo traducir en imágenes esta temática de Eros y Tánatos?
Cómo combinar los distintos lenguajes escénicos y
hacer que trabajen juntos?
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Hay una estructura de guión basada en aquello que
no vemos en el clásico de Lorca, pero de lo que sí
hablan los personajes, fundamentalmente visual, que
tiene que ver con las pasiones, deseos, miedos y represiones de estas mujeres. Busco su conexión con
mis propias vivencias y relación con el mundo que me
rodea, como observadora y partícipe, y extraigo así
el material de trabajo, lo pongo en duda, lo pongo a
prueba, busco otro, salgo a la calle, escucho, busco
otros puntos de vista, salgo de mi perspectiva, me
pongo los zapatos de otro-a. Sobre ello planteo improvisaciones y se van fijando movimientos, primero
con los títeres y luego buscando la incorporación de
la cámara y de la luz.
Trabajo con la deconstrucción como metodología, la
de los puntos de vista (Viewpoints) de Anne Bogart,
Marie Overlie y la SITI Company, pero también trato
de fijar el movimiento, los títeres son movimiento, y
tienen su propio código de expresión que ha de ser
creado. Busco la perfección en el movimiento, porque
cada movimiento expresa algo diferente y por ello hay
que ser precisos. En este sentido trabajo con el método de mis maestros de bunraku, Dan Hurlin, Tom
Lee y la compañía británica Blind Summit, con los que
he trabajado dos años en Londres. En el trabajo con
los textos, que son de nueva creación, estoy buscando momentos de desnudez en tipos normales de la
calle, o momentos completamente inesperados que
nos pillan por sorpresa, donde un secreto se revela,
pasa aunque no queramos, se hace “visible” porque
se produce en teatro, mientras que en la vida, en la
rutina diaria, no nos daríamos ni cuenta.
CENTRO PÁRRAGA
COORDINACIÓN DEPARTAMENTO ARTE Y ACCIÓN
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[email protected]
COORDINADOR ÁREA FORMATIVA
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[email protected]
COORDINACIÓN PROGRAMA DE RESIDENCIAS
Mercedes Nicolás / Conexión Cultura
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GABINETE DE PRENSA Y COMUNICACIÓN
Valle Motos Alarcón
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PRODUCCION
Antonio Navarro
[email protected]
COORDINACIÓN GENERAL
Javier Cuevas Caravaca
[email protected]
DIRECCIÓN
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[email protected]
COMUNIDAD
AUTÓNOMA DE LA
REGIÓN DE MURCIA
Ramón Luis Valcárcel Siso.
Presidente de la Comunidad Autónoma
de la Región de Murcia.
AGRADECIMIENTOS
A Yaiza Hernández, Rosina Gómez-Baeza, Mateo Feijoo,
Marta Oliveres, Mariví Martín, Lipi Hernández, Tomás Aragay, Sofía Asencio, Ernesto Collado, Natalia Álvarez Simó,
Meritxell Roda y Oscar Abril Ascaso, Josep Bargalló, Borja Sitjà y Susana Millet, Margarida Troguet, Rosa Pérez,
Esperanza Clares, Francisco Javier Gómez de Segura,
Miguel Baró Bo y Antonio Narejos, Jonathan Rives y Luis
Giménez, Juan Ángel Serrano Masegoso, Pilar Salvador y
Juan Albaladejo.
Para reservas y entradas contactar con:
María Luisa López.
Secretaria General de la Consejería.
Centro Párraga
C/ Madre Elisea Oliver Molina, s/n
Antiguo Cuartel de Artillería
Pabellón n 5, 30002, Murcia
T. 968 351 410
Antonio Martínez López.
Director General de Promoción Cultural.
[email protected]
Pedro Alberto Cruz Sánchez.
Consejero de Cultura y Turismo.
Juan Nicolás Martínez.
Director del Centro Párraga.
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Conservatorio
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