Historia del Arte - ies villa de firgas
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Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 1. LA ARQUITECTURA GRIEGA El arte griego inicia un camino diferente en la evolución de la sensibilidad artística, que sienta las bases de todo el devenir artístico en Occidente. Su nuevo sentido de la belleza, basado en un ideal de medida y proporción, su visión antropocéntrica del arte y la aparición de una serie de artistas, propician uno de los momentos estelares de la historia del arte. Llamamos griegos a los pueblos de lengua helénica que en el siglo VIII a.C. habitaban la Grecia continental, las islas del mar Egeo, las costas de Asia Menor, el sur de Italia y otros lugares del mar Mediterráneo, hasta la conquista romana en el año 130 a.C. la organización política de Grecia se basa en las polis o ciudades-estado, independientes unas de otras pero unidas por su lengua, su religión y sus costumbres, como los Juegos Olímpicos. El ideal político es la democracia ateniense del siglo V a.C., donde el ciudadano participa de los asuntos públicos a través de la Asamblea. Para los griegos, el universo poseía una estructura geométrica y matemática, y el arte debía mantenerse fiel a esa estructura, respetando los principios de proporción y simetría. El secreto de la belleza radicaba en la relación numérica del todo y las partes (armonía). El pensamiento griego es racionalista y está basado en la lógica, no en la mitología, por lo que la cultura helénica es antropocéntrica. Tal como decía Protágoras: el hombre es la medida de todas las cosas. Si consideráramos la arquitectura como una concepción del espacio, la griega tendría entonces un papel secundario en la historia del arte, por lo que se dice que es una arquitectura de valores escultóricos. A partir del siglo VII a.C. es cuando se generaliza la construcción del templo griego tal como lo conocemos. ¿Por qué el templo? Porque la organización política en polis, con su carácter popular, dificulta la construcción de palacios, mientras que los templos son reflejo de una religión común a todas las ciudades-estado griegas. Siguiendo las características que definen el arte griego, podría subrayarse una primera consideración: la arquitectura griega se define por su armonía constructiva. Número, proporción y equilibrio, ideales todos de belleza, formarán la concepción racional y ordenada de la sensibilidad artística griega. De esta necesidad de armonizar los elementos arquitectónicos surgen los órdenes clásicos, que serán soluciones matemáticas entre lo arquitectónico y lo decorativo que marcan el módulo de proporcionalidad de la arquitectura. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas La arquitectura griega hace suya también una verdadera obsesión por la perfección técnica de sus obras, que se manifiesta en múltiples aspectos de la construcción de los edificios, como el perfecto acabado de sus muros, conseguido al ajustar los sillares sin argamasa y sujetos por medio de clavijas. En su construcción se tiene en cuenta además una serie de reajustes ópticos, con el fin de alcanzar un encuadramiento de la obra en su conjunto igualmente perfecto. De esta manera se arquean ligeramente tanto los arquitrabes como los estilóbatos, ya que el ojo humano tiende a combar las líneas horizontales, para dar una sensación visual de absoluta rectitud. Del mismo modo, también las columnas de los extremos se acercan algo más que el resto a sus respectivas compañeras, ya que es en ellas donde la luz incide con más fuerza, lo que les resta nitidez, que de esta forma se recupera gracias al juego de sombras. Estas mismas columnas se inclinan ligeramente en talud para conseguir también de esta manera la máxima verticalidad óptica. Por último, puede hablarse en términos generales de la arquitectura griega como anticolosal, haciendo gala del antropocentrismo típico de la cultura helénica: todos los edificios estarán hechos a la medida del hombre. Como ya se ha comentado, la arquitectura griega busca un módulo de armonía y una solución decorativa a su construcción, lo que explica la aparición de los distintos órdenes. Hacia el siglo VII a.C. surge por primera vez un orden que configura la proporción del edificio. Su carácter severo responde a la mentalidad de los dorios, griegos del interior, agrícolas y de carácter rudo. Sus orígenes se encuentran en unos primeros modelos arquitectónicos de madera, que sirven de base a la configuración de todos sus elementos esenciales. Estos primeros templos se conciben como una columnata y un entablamento de madera, que requieren de un crepidoma que sirva para aislar el edificio de las humedades por medio de un basamento de piedras. Sobre él se levantaban fustes de madera cuyo propio abombamiento natural dará lugar al éntasis, y cuya labor de descortezamiento por medio de azuelas propiciará las estrías características de este orden. La misma disposición de las vigas de madera en el entablamento, transversales a la fachada, crearán el juego de maderas y huecos que dará lugar a la creación de triglifos y metopas. Probablemente por influencia egipcia se dio el paso hacia la construcción en piedra, aprendiendo de ellos las técnicas necesarias y dándole al templo la monumentalidad que requería. Hacia el año 600 a.C., el modelo de orden dórico aparece ya completo en templos como los de Hera en Olimpia o Artemisa en Corfú. Los elementos principales de dicho orden serían por tanto los siguientes: Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Crepidoma con tres escalones Estereóbatos (los dos inferiores) Estilóbato (el superior) Fuste Estriado en arista viva Éntasis en su parte central Capitel Collarino (pieza que lo separa del fuste) Equino (moldura convexa semicircular) Ábaco (pieza rectangular sobre la que descansa el entablamento) Entablamento Arquitrabe (siempre liso) Friso - Triglifos (parte con molduras verticales) - Metopas (partes lisas Cornisa Frontón (decorado con programas escultóricos) Hacia mediados del siglo VI a.C., aparece una nueva ordenación arquitectónica en territorio de Jonia, de ahí su denominación. Nace como una construcción en piedra y contiene valores simbólicos, vinculados a tradiciones orientales y egipcias, especialmente al concebir el templo como el bosque de la divinidad, de ahí su mayor acumulación de columnas y sus capiteles de volutas, que parecen ser las plantas que florecen en dicho bosque al contacto con Dios. Sus características más importantes en comparación con el orden dórico son las siguientes: Resulta más esbelto y responde a una mentalidad más refinada y orientalizante, procedente de Asia Menor y el mar Egeo Adquiere además dimensiones mucho más notables, tendiendo hacia una monumentalidad grandilocuente que vuelve a emparentarlos con influencias de Egipto Y en cuanto a sus elementos más característicos: Crepidoma: sigue el esquema del orden dórico, aunque en este caso entre el estilóbato y la basa de la columna presenta un plinto paralelepípedo Basa: se confecciona a partir de dos toros (molduras convexas) y una escocia (moldura cóncava) Fuste: presenta acanaladuras y carece de éntasis, siendo por tanto más esbelto Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Capitel Collarino: presenta tabas o astrágalos (decoración en relieve en forma de cuentas, imitando el aspecto de huesecillos) Equino, con decoración en ovas y dos volutas Ábaco de forma rectangular Entablamento Arquitrabe con tres bandas en saledizo Friso (liso o decorado) Cornisa en saledizo Frontón En la primera mitad del siglo IV a.C. aparece otro orden: el corintio. Sus diferencias respecto al jónico se concentran en el capitel. El primer templo conocido donde aparece este modelo es el templo de Apolo Epicurio en Basas, edificio construido por Ictinos. Capitel: con astrágalo y ábaco rectangulares, pero con diferente equino respecto al jónico. Está formado por varias filas de hojas de acanto: las inferiores muy curvadas hacia afuera y las superiores enroscadas (caulículos) En cuanto a los aspectos formales que pueden considerarse en un templo griego destacan los siguientes: Presenta una planta rectangular y uniforme que evoluciona muy poco a lo largo del tiempo Se localiza en un lugar aislado y sagrado (Temenos) al que se accede por unas puertas monumentales (propileos) Todo el templo se asienta sobre un basamento escalonado (crepidoma) que realza y distingue al edificio sobre el terreno División del espacio interno en tres salas Pronaos (estancia de acceso) Naos (sala principal donde se venera a la divinidad) Opistódomos (estancia para guardar los objetos de culto) A su vez y según la distribución de sus columnas, los templos se clasifican de la siguiente manera: 1. In antis: presenta sólo dos columnas en la fachada principal, flanqueadas por los muros laterales 2. Próstilo: sólo presenta columnas en la fachada principal y los muros laterales no se prolongan Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 3. Anfipróstilo: con columnas en los dos frentes 4. Períptero: cuando la columnata rodea todo el edificio 5. Díptero: cuando la columnata rodea todo el templo con doble fila de columnas Por otro lado, según el número de columnas que contenga la fachada del edificio, podremos hablar de templo dístilo (si tiene dos), tetrástilo (si tiene cuatro), octástilo (si tiene ocho), decástilo (si tiene diez), etc... El teatro va a ser la otra gran tipología de la arquitectura griega. Su origen se encuentra en las danzas y pantomimas de los campesinos en torno a la figura de los dioses. Se solía situar en una colina inclinada para ubicar las gradas y aprovechar la acústica natural. Consta de varias partes: Auditórium: lugar dividido en gradas que se apoyan en la falda de una colina. Los pasillos generan un espacio en cuñas o triángulos Orchestra: espacio de forma circular situado en el centro del teatro, destinado a acoger los coros Proskenion: está compuesto por dos salas destinadas a almacén Skenae: el escenario es el lugar destinado a las representaciones. Una vez vistas las principales tipologías de la arquitectura griega, deberían mencionarse al menos los tres ejemplos más ilustrativos de la misma: el templo de Atenea Niké, el Partenón y el Erecteion. El primero fue concebido en el año 427 a.C. por el arquitecto Calícrates, uno de los que también colaboraría en la construcción del Partenón. Situado en un rincón de la Acrópolis de Atenas, es un templo de orden jónico, tetrástilo, anfipróstilo, con columnas de fuste monolítico. Sus pequeñas dimensiones obligaron a fundir la naos y la pronaos, cerrándose el acceso al templo por medio de una verja, lo que le otorga una falsa apariencia in antis que se adapta mejor visualmente a la estrechez del lugar y le permite conservar toda su armonía y belleza. Otro gran ejemplo es el Partenón de Atenas, en cuya planta se advierte su disposición octástila y períptera. En toda la construcción se mantiene constante un canon de proporcionalidad basado en el número de columnas y la proporción de las medidas del rectángulo: ocho columnas en los lados cortos, y el doble más una en los lados mayores, siendo sus medidas también proporcionadas: 30 x 69 x 10 m. Sus dependencias son las típicas de un templo (pronaos, naos y opistódomos), si bien la naos está dividida en tres, con lo que sostiene la techumbre plana y permite la existencia de tribunas. En el centro de la naos se hallaba la gran escultura de la diosa Atenea. Arquitectónicamente responde a todos los particularismos técnicos conocidos, Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas incluidos sus reajustes ópticos, su proceso constructivo y su módulo de proporción. Por ello, aún siendo un edificio de enormes dimensiones, tiene una total armonía, convirtiéndose en paradigma del ideario arquitectónico del clasicismo. Próximo al Partenón se halla el Erecteion, que se amoldó a las irregularidades del terreno muy hábilmente. Presenta dos zonas claramente diferenciadas, que además se dedican a cultos diferentes: la parte oriental, más alta, se dedica a Atenea Poliás (diosa de culto agrícola), mientras que la zona más baja está dedicada a Poseidón Erecteo. El pórtico oriental y principal es jónico hexástilo y daba acceso a la cella de la diosa, donde originalmente se hallaba su estatua, hecha de madera de olivo. En la parte occidental, al ser una zona sobre elevada, abre en sus lados norte y sur sendos pórticos. El norte resulta más alto al arrancar de la parte más baja del terreno, disponiendo de seis columnas jónicas, colocadas cuatro de frente y dos en los lados laterales. La sur es sin duda la más famosa y conocida, ya que su sistema de apoyo utiliza cariátides con una intención ornamental. Son obra del escultor Alcámenes, discípulo de Fidias, capaz de dotar a sus piezas de un virtuosismo técnico no exento de la gracia y la elegancia heredada de su maestro. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 2. EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA El arte griego inicia un camino diferente en la evolución de la sensibilidad artística, que sienta las bases de todo el devenir artístico en Occidente. Su nuevo sentido de la belleza, basado en un ideal de medida y proporción, su visión antropocéntrica del arte y la aparición de una serie de artistas, propician uno de los momentos estelares de la historia del arte. Llamamos griegos a los pueblos de lengua helénica que en el siglo VIII a.C. habitaban la Grecia continental, las islas del mar Egeo, las costas de Asia Menor, el sur de Italia y otros lugares del mar Mediterráneo, hasta la conquista romana en el año 130 a.C. la organización política de Grecia se basa en las polis o ciudades-estado, independientes unas de otras pero unidas por su lengua, su religión y sus costumbres, como los Juegos Olímpicos. El ideal político es la democracia ateniense del siglo V a.C., donde el ciudadano participa de los asuntos públicos a través de la Asamblea. Para los griegos, el universo poseía una estructura geométrica y matemática, y el arte debía mantenerse fiel a esa estructura, respetando los principios de proporción y simetría. El secreto de la belleza radicaba en la relación numérica del todo y las partes (armonía). El pensamiento griego es racionalista y está basado en la lógica, no en la mitología, por lo que la cultura helénica es antropocéntrica. Tal como decía Protágoras: el hombre es la medida de todas las cosas. La escultura alcanza una importancia extraordinaria dentro del arte griego, tanto por las novedades que introduce como por servir de referencia universal a toda la estatuaria posterior. En primer lugar, es una escultura antropomórfica que exalta el ideal del hombre perfecto, buscando por ello la armonía y la belleza proporcionada del cuerpo humano, a lo que añade una perfección espiritual que se manifiesta en la idealización expresiva. La escultura griega, al ser antropocéntrica, convierte al cuerpo humano en objeto de arte. Tiene los siguientes rasgos comunes: 1. El tema central será la figura humana: es una escultura antropomórfica que exalta el ideal de belleza (armonía y proporción) de todas las partes del cuerpo 2. Plasman el movimiento: en los ángulos de los frontones, los artistas aprenden a doblar la figura y acomodarla con otros grupos Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 3. El volumen: la escultura es un estudio de volúmenes. Ahora la escultura puede verse desde diferentes puntos de vista, cuidando así todas las perspectivas Respecto a su periodización, sigue el esquema típico de la evolución arquitectónica. Su origen es difuso porque no se han conservado apenas restos, pero se trataría de pequeñas estatuillas de madera (xoanas) con una función votiva, germen de las primeras estatuillas de piedra. La escultura monumental inicia su desarrollo en los triglifos y metopas de los templos, si bien se trataba de obras lógicamente en relieve. Posteriormente aparecen los dos modelos característicos de la primera estatuaria griega en piedra: los kurós (imágenes masculinas) y las korés (imágenes femeninas). Buenos ejemplos de esta escultura arcaica son los gemelos kurós Cleobis y Bitón (590 a.C.) y la xoana Dama de Auxerre (650 a.C.) Kurós y xoanas aparecen en torno a principios del siglo VII a.C., y les define una tendencia característica a la rigidez, al sentido de bloque del que no parecen querer desprenderse todavía y una composición de tipo frontal. Predominan los elementos geométricos en las soluciones anatómicas, imponiendo a la vez una estética de músculos poderosos y ojos almendrados, así como una sonrisa forzada muy típica del arcaicismo. En la primera mitad del siglo V. a.C. se asiste a una evolución de la escultura, que va a liberarse progresivamente de la rigidez y el estatismo del período arcaico, desarrollando pautas y criterios más ágiles y dinámicos que anticipan ya lo que habrá de ser el pleno clasicismo de la mitad de siglo. También habrá mayor diversidad temática (atletas, dioses, aurigas...) y de materiales (piedra, mármol, bronce...). De este “período severo” nos ha llegado El auriga de Delfos (474 a.C.), un monumento encargado por Polyzalos de Gela para conmemorar su victoria en una carrera de cuádrigas. Su autoría nos es desconocida, aunque se barajan nombres como Pitágoras de la Región, Hegias de Atenas, Sotades... En la figura de bronce se advierten algunos rasgos que nos hacen ver claramente su evolución al clasicismo: tendencia al dinamismo en los pliegues, cabello tratado con mayor naturalismo, esfericidad del cráneo... La expresión sigue el camino de la idealización, al no existir conexión entre la acción real y la expresión. A pesar de ello se trata de un semblante amable, transmisor de una sensación de calma y serenidad que está ya en la línea de armonía idealizada que caracterizará la escultura clásica. A mediados del siglo V a.C. tiene lugar el momento de mayor esplendor de la escultura griega, tanto en el número como en la calidad de las obras y sus autores. Es Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas el llamado Siglo de Pericles, que engrandece a Atenas, pero también es la etapa de artistas como Mirón, Fidias y Policleto, que fueron discípulos de Hagélades de Argos. La obra cumbre de Mirón es el Discóbolo (450 a.C.), elaborado inicialmente en bronce, hoy perdido, por lo que únicamente lo conocemos a través de copias romanas. Esta obra posiblemente represente al héroe Hyakinthos, pero simbólicamente estamos ante la representación del Hombre, no de una divinidad. La disposición de la figura es muy atrevida, ya que inmortaliza el momento justo en que el atleta impulsa el disco hacia atrás para voltearlo con rápidos giros. Ello obliga a una composición curvilínea en espiral, contrapesada con las líneas quebradas de brazos y piernas, lo que a su vez multiplica los puntos de vista y consigue transmitir una sensación de instantaneidad que acentúa el dinamismo de la obra. A pesar de todos estos elementos novedosos, la obra aún no está en el umbral del clasicismo, ya que todavía arrastra la inconexión entre la acción representada, de gran tensión, y la inexpresividad de su rostro, lo que no deja de ser paradójico en un momento de gran esfuerzo físico. Un paso más allá lo dará Policleto, en su obra Doríforo (440 a.C.), también esculpido originariamente en bronce. Esta figura, posiblemente, Aquiles, es un perfecto ejemplo de la idealización del cuerpo humano y por tanto del Hombre, haciendo gala del antropocentrismo típico de la cultura griega. Destaca en su composición el equilibrio conseguido con el contraposto, una ligera inclinación del eje pélvico a medio camino entre el estatismo que requiere su ideal de armonía física y espiritual y el dinamismo propio de cualquier escultura que pretende llenar el espacio circundante y multiplicar sus puntos de vista. El Doríforo es además un perfecto estudio anatómico, donde se subraya con énfasis ese ideal de belleza basado en el cuerpo humano perfecto y armónico, basado a su vez en el canon de proporcionalidad de siete veces el tamaño de la cabeza. De Fidias, tal vez el más extraordinario de los escultores clásicos, sabemos muy poco, como mucho que era ateniense y que desarrolló su trabajo entre 470 y 430 a.C. Su estrecha vinculación a Pericles le convirtió en el principal coordinador y supervisor de la obra del Partenón, donde se concentran sus mayores logros artísticos. Sin embargo, de sus obras nos han quedado restos escasos y dispersos. Su trabajo en el Partenón está íntimamente ligado a Pericles: la estatua de Atenea Parthenos (hoy desaparecida) y la decoración del friso, las metopas y los frontones del templo. Las 92 metopas decoradas están repartidas temáticamente: Gigantomaquia (parte oriental), Amazonomaquia (parte occidental), la guerra de Troya (parte septentrional) y Centauromaquia (parte meridional). Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas En los frisos, a lo largo de sus 200 metros de perímetro, se representa la procesión de las fiestas Panatheneas, cuando toda la ciudad desfilaba en pos de las doncellas que llevaban al templo un peplo tejido por ellas mismas. Y en los frontones se representa el nacimiento de Atenea (parte oriental) y la disputa de la diosa con Poseidón por el dominio del Ática (parte occidental). En todos estos relieves queda patente el genio de Fidias: la armonía de sus figuras, el equilibrio de sus composiciones, el respeto a los cánones proporcionados y el tratamiento psicológico de los personajes. Especial mención merece el tratamiento del ropaje de las figuras, donde Fidias domina la técnica de los “paños mojados”, con los cuales acentúa el juego de luz, dinamiza las figuras y acentúa la sutilidad de las mismas. Superado el momento álgido del clasicismo pleno se produce una tendencia a la barroquización de las formas, a la estilización de los cánones, a la acentuación del movimiento, y la pérdida de la férrea ortodoxia al absoluto equilibrio, armonía y proporción. El fenómeno es paralelo al momento en que la democracia ateniense entra en crisis, en vísperas de la guerra del Peloponeso (431 – 404 a.C.). Scopas va a ser el primer gran escultor de este período, entre cuyas obras destacan la decoración del Mausoleo de Halicarnaso (350 a.C.) y Ménade. En esta última nos representa a una bacante de los ritos dionisíacos, arrebatada por la ebriedad y la danza. La propia temática (distorsión del módulo anatómico por el baile) ya rompe de por sí el concepto clásico de la armonía. Plásticamente, la sensación trémula se acentúa gracias al trabajo de los paños, que crea violentos contrastes de luz y sombra, así como el vigor expresionista de los movimientos. Tampoco sabemos demasiado de Praxíteles, que entre 380 y 330 a.C. realizará el grueso de su obra, en bronce y en mármol. Una de sus piezas más famosas es Hermes con Dionisos niño (330 a.C.), una de las pocas piezas originales que se conservan de la escultura griega, hallada en el Heraion de Olimpia en 1887. La obra representa al dios Hermes transportando a Dionisos desde el Olimpo hasta la mansión de las ninfas, encargadas de su crianza. Hermes hace un alto en la ruta y ofrece un racimo de uvas al niño (hoy perdido). Su textura, su difuminado y pulimentado es muy difícil de encontrar en copias posteriores. Desde el punto de vista compositivo hay que insistir en un elemento característico de la obra de Praxíteles: el contrabalanceo acusado del contraposto, algo que aumenta la sensación de dinamismo. Hay además una tendencia creciente al naturalismo, como puede apreciarse en el tratamiento de los detalles y en la actitud espontánea de Dionisos, que contrasta con la cierta sensación de lejanía de Hermes. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Una de las obras más importantes del que podemos considerar como el último escultor clásico, Lisipo, es el Apoxiomeno (siglo IV a.C.). Esta obra, realizada originalmente en bronce, fue trasladada en el siglo I a.C. por Marco Vipsanio Agripa, que la colocó en las termas de Roma. El nombre de la obra coincide con la acción que realiza la figura: limpiarse con un strigilis la piel cubierta de polvo y aceite. En esta escultura se aprecia un nuevo canon de proporciones, que pasa de siete a nueve, dando como resultado una estilización del cuerpo y una reducción del tamaño de la cabeza. Compositivamente también rompe con criterios clásicos, pues al adelantar el brazo derecho hacia el espectador rompe la armonía frontal, multiplicando los puntos de vista de la pieza. Tampoco psicológicamente el Apoxiomeno responde a los postulados puramente clásicos, ya que no hay idealización, sino el “pathos” característico de un atleta cansado y taciturno. Esta obra es importante porque con ella Lisipo anuncia el realismo expresionista del período helenístico. La etapa que denominamos “Helenismo” es un período complejo y difícil de sistematizar, no sólo porque cubre un periplo de tres siglos, sino porque además incluye un amplio mosaico de territorios distantes entre sí. El helenismo es consecuencia directa de la herencia dejada por Alejandro Magno, por lo que abarca desde su muerte en el año 323 a.C. hasta la conquista romana en el 31 a.C. Esta circunstancia otorga al período una cierta unidad, aunque en la realidad hubo una influencia mutua entre las ideas artísticas griegas y las orientales. En lo que a escultura se refiere, se va a dejar de lado la idealización y el canon tan propio de épocas anteriores con el fin de reforzar la expresividad y el realismo, lo que afectará a la temática, que igualmente será muy variada, tendiendo hacia lo cotidiano, lo intrascendente o incluso lo negativo. La obra que mejor resume los rasgos del helenismo será el Laocoonte. Se trata de una obra original realizada por artistas pertenecientes a la escuela de Rodas. El grupo escultórico describe un pasaje de La Eneida de Virgilio, cuando Laocoonte se opone a la entrada del caballo en la ciudad de Troya, por lo que él y sus hijos son castigados por los dioses a ser devorados por serpientes. La obra es de una gran espectacularidad dramática, en la que influye mucho la disposición de las figuras, retorcidas hasta el paroxismo, y el efectismo gestual de los rostros. Los tres personajes están perfectamente interrelacionados a través de la línea sinuosa de las serpientes. La influencia dramática de la obra influiría en el futuro en Miguel Ángel y en su característica terribilitá. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 3. LA ARQUITECTURA ROMANA Y SU FUNCIONALIDAD Roma comenzó siendo una ciudad-estado situada en el centro del Mediterráneo que empezó a expandirse a partir del año 509 a.C. al tiempo que, artísticamente, iba asumiendo gran parte de las pautas culturales griegas: su estética, su pensamiento, su lógica y su raciocinio. Roma se siente cautivada por el refinamiento y la belleza del arte griego, y de hecho, cuando se expande por Oriente a partir del siglo II a.C., cargamentos enteros de esculturas y de elementos arquitectónicos griegos se trasladan a Roma, y con ellos llegarán también muchos artistas. Gracias a las copias que realizarán estos artistas nos han podido llegar hasta nuestros días magníficas réplicas de originales ya desaparecidos. Sin embargo, el arte romano también tiene vida propia, ya que incorpora elementos arquitectónicos nuevos (cúpulas, bóvedas...), introduce nuevos materiales (hormigón), nuevas técnicas constructivas y novedosas tipologías de edificios. Respecto a la arquitectura, se impondrá el espíritu práctico del pueblo romano, donde se funden los sistemas arquitrabados griegos con las soluciones en arco y bóveda. Estamos ante una arquitectura funcional que se manifiesta en la ingeniería de obras públicas: carreteras, acueductos, puentes, baños públicos, teatros, anfiteatros, circos... Ya en época imperial se desarrollará también una arquitectura conmemorativa que represente el poder de los emperadores: foros, arcos de triunfo, columnas conmemorativas, mausoleos... Como ya se ha señalado, los elementos más importantes de la arquitectura romana son los siguientes: Arco: Utilizado en puentes, acueductos, puertas y ventanas, donde predominan los arcos de medio punto. El arco es una pieza curva que sirve como elemento sustentante u ornamental, y está formado por dovelas, cuya pieza central se denomina “clave”. Bóveda: En todos los grandes espacios se usaron la bóveda de medio cañón, la bóveda de arista y la cúpula. La bóveda de medio cañón es una construcción arqueada que cubre un espacio y que se crea a partir de la proyección de un arco de medio punto a lo largo de su eje longitudinal. La bóveda de arista se origina por el cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón. Hormigón: Para la construcción de las formas abovedadas, los arquitectos romanos utilizaron hormigón. Este material, una vez seco, se convertía en Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas algo tan duro como la piedra. Su aspecto, poco noble, se oculta mediante el revestimiento con mármol, mosaicos, pinturas al fresco, etc. Uso de los órdenes griegos: Dórico, jónico, corintio y toscano (fuste liso y más esbelto que el griego, sobre basa, con capiteles variantes del dórico), y surge el orden compuesto, que es una combinación de los capiteles jónico y corintio. Respecto a la amplia tipología de edificaciones romanas, podemos agruparlas en varias clases: 1. Obras públicas de ingeniería: La gran expansión colonial de Roma requería excelentes vías de comunicación para asegurar el paso de las legiones y los transportes de mercancías, lo que obligaba a la proliferación de calzadas. De igual manera, aumentó la construcción de puentes y acueductos, donde se utilizará mucho el arco. Buenos ejemplos son el Puente de Mérida y el Acueducto de Segovia. 2. Edificios públicos: La civilización romana es, ante todo, una civilización urbana, y será precisamente en la ciudad donde los poderes públicos fomenten la construcción de numerosos edificios destinados a funciones concretas, entre los cuales destacan los siguientes: Basílica: La basílica es un edificio público polivalente (lugar de encuentro, sede mercantil, sala de justicia...). Su planta es rectangular y está dividida en tres naves mediante columnas, siendo la nave central más alta y ancha que las laterales, lo que permite abrir vanos en la parte superior para iluminar el edificio. El fondo de la nave central suele ser semiesférico y está cubierto con una media cúpula. Este modelo arquitectónico se empleará más tarde en las iglesias cristianas. Un buen ejemplo es la Basílica de Constantino. Termas: Los baños públicos tenían una función social, ya que eran centros de reunión y además disponían de bibliotecas, salas de juegos, gimnasio... Solía constar de piscinas de agua fría (frigidarium), y de agua caliente (caldarium), siendo un buen ejemplo las Termas de Caracalla. Teatros: Los teatros romanos, a diferencia de los griegos, son edificados de manera exenta, sin excavarlos en la ladera de un monte, y por ello aprovechan el espacio que hay debajo de las gradas para construir galerías y vomitorios. El teatro romano constaba de tres partes: cávea (gradería semicircular), orchestra (de menor dimensión que en Grecia) y proskenio (fachadaescaparate formada por tres cuerpos adintelados). Un ejemplo, el Teatro romano de Sagunto. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Anfiteatros: Este edificio destinado a espectáculos estaba formado por la unión de dos teatros enfrentados. Su forma es elíptica y bajo la arena se abren numerosos corredores y dependencias al servicio del anfiteatro, como ocurre en el Anfiteatro Flavio o Coliseo de Roma. Circo: Es un edificio donde se celebraban carreras de caballos y cuádrigas. Su planta en forma de U disponía de una espina decorada en el centro ricamente decorada. 3. Monumentos conmemorativos: Este tipo de edificaciones son instrumentos de propaganda al servicio del Estado, que los usaba para narrar o celebrar diversos acontecimientos. Entre ellos destacan: Arco de triunfo: Es un espacio ideal para ilustrar a través de relieves las distintas campañas militares. Los hay de un solo arco (Arco de Tito) o de tres (Arco de Constantino). Columna conmemorativa: Su decoración en relieve sigue un sentido helicoidal, como ocurre en la Columna Trajana. 4. Templos: Los templos romanos se basan en los griegos, pero con modificaciones: planta rectangular, tetrástilo, pseudoperíptero... Se asientan sobre un podium y únicamente se accede a su interior por una escalinata única situada en la fachada principal. Suelen tener dos o tres intercolumnios de profundidad, y sólo hay pórtico en la entrada (La Maison Carrée de Nimes). En cuanto a la escultura, en Roma su principal característica es su gran sentido realista, muy de acuerdo con el pragmatismo del pueblo romano. Pero tampoco hay que olvidar la influencia griega hacia la abstracción y la idealización. De este modo, en la escultura romana nos encontraremos con dos corrientes: una popular y realista, de tradición etrusca, y otra aristocrática e idealista, de tradición clásica griega. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 4. CULTURA ISLÁMICA Tras la muerte del profeta Mahoma en el año 632, se produjo una expansión política y religiosa de la civilización islámica más allá de la península arábiga, tanto hacia Occidente (norte de África y Península Ibérica) como hacia Oriente (Palestina, Persia y la India). Todo ello determinó una cultura homogénea en lo religioso, pero heterogénea en lo artístico, ya que los pueblos conquistados ejercieron su influencia. La capacidad de adaptación y de síntesis que tenía el Islam, dio como resultado un arte ecléctico, el cual, en su parte más meridional, Al-Andalus, produjo un arte islámico plagado de elementos clásicos, bizantinos, griegos, visigodos... El arte islámico se debe interpretar desde un punto de vista religioso, propio de una sociedad teocéntrica donde el poder político y el religioso se concentran en la misma persona: el califa. La cultura musulmana está impregnada de religiosidad, hasta el punto de no diferenciar lo sagrado de lo profano. Esta mentalidad se refleja en la expresión artística que deja ver la fe y su concepto de divinidad, así como el influjo que sobre la vida se encuentra el hecho de que el arte islámico es iconoclasta: no es posible conocer la imagen de Dios, y por ello su representación es imposible, e intentarlo sería blasfemo. Tampoco se conciben otras imágenes porque en el Islam únicamente Dios es la esencia de la religión. Por lo tanto, estamos ante un arte idealizado y simbólico que no pretende reflejar la realidad. El arte islámico pretende acercarse al misticismo, a la experiencia religiosa, y por ello deforma la realidad en forma de imágenes geométricas, en el uso de formas estilizadas o esquemáticas, pero nunca reales ni figurativas. La arquitectura islámica, al igual que el resto de su producción artística, es ecléctica. Los edificios suelen tener poca altura y están en armonía con el paisaje. Los materiales más utilizados en las construcciones son pobres: ladrillo, yeso y estuco (mezcla de cal, polvo de mármol y yeso). Es una arquitectura en la que se aprecia un gran contraste entre la pobreza exterior sencilla y simple, y el interior ricamente decorado. Hablar de arquitectura islámica es hablar preferentemente de espacios cúbicos en los que sobresalen cúpulas. Para ello se utiliza como elemento sustentante la columna y el pilar delgado, ya que las techumbres son ligeras. Asimismo, se utilizan diversas bóvedas (de crucería, gallonadas, caladas...) y diversos tipos de arcos (herraduras, lobulados, apuntados, peraltados...). Respecto a la ornamentación, ya mencionamos que es un arte iconoclasta que prohíbe la representación figurativa. La realidad se deforma en imágenes geométricas, Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas en formas estilizadas, y epigráficas (versos del Corán escritos con trazos rectos o cursivos) pero nunca reales ni figurativas. Todo ello produce un gran desarrollo de los recursos ornamentales, especialmente los juegos de luces y sombras a través de las celosías y brillos logrados a través de la cerámica. De igual manera, también es muy típica la disposición repetitiva de los elementos decorativos que se multiplican hasta el infinito. La repetición, unida a la gran diversidad ornamental (horror vacui) produce un efecto de movilidad y agitación espacial de formas abstractas. Los elementos básicos de esta decoración son la caligrafía, los motivos vegetales y los geométricos, diferenciándose dos tipos de escritura: la cúfica (signos angulosos y sobrios) y la nasjí (rasgos más libres y cursivos). La mezquita es el edificio más característico de la arquitectura musulmana, puesto que es el lugar de reunión de la comunidad. Sus partes fundamentales, inspiradas en la casa de Mahoma, son las siguientes: Patio (sahn), a cielo descubierto y rodeado de arquerías. En su centro está el sabil, una fuente para las abluciones. A uno de los lados del patio se encuentra la torre (alminar) de formas variadas (cuadrada, octogonal o circular), desde cuya cima el muecín llamaba a la oración. Sala de oración (haram), dividida en numerosas naves perpendiculares al muro del fondo (quibla) y que se encuentra orientado hacia La Meca. En este muro se abre un pequeño nicho (mihrab), considerado el lugar más sagrado de la mezquita, y por tanto es donde se concentra el mayor lujo decorativo. Cerca del mihrab se sitúa el mimbar, un púlpito escalonado desde donde el imán dirigía los rezos. A veces las mezquitas también eran escuelas coránicas (madrasas), y alrededor del patio solían disponerse las diferentes dependencias. En el año 711, los árabes conquistaron e islamizaron la Península Ibérica. La Hispania romana y visigoda se transformó en Al-Andalus, una provincia más del imperio omeya. La arquitectura islámica española tuvo una gran importancia como creadora de formas originales y como difusora de formas y técnicas orientales en la arquitectura cristiana occidental. En el siglo X, Abderramán III convirtió Al-Andalus en un califato independiente, alcanzando sus mayores cotas de esplendor político y artístico, materializados en la mezquita de Córdoba y el palacio de Medina Azahara. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas La mezquita de Córdoba fue construida en diferentes fases desde finales del siglo VIII al X a través de sucesivas ampliaciones y reformas. La novedad más importante es el sistema de soportes, formado por dos niveles o pisos. En el primer nivel encontramos columnas en la parte inferior unidos por arcos de herradura. En el segundo hay pilares situados sobre las columnas y apeados sobre una pieza cruciforme de modillones de rollo, unidos por arcos de medio punto. Este sistema de soportes permite ganar altura y luminosidad, resaltando el efecto decorativo mediante la alternancia de dovelas rojas y blancas. Entre el siglo XI y el XIV, Al-Andalus pasó por una etapa de inestabilidad que se tradujo en la desintegración del califato en diferentes reinos de taifas y en la unificación momentánea a los imperios almorávide y almohade. El único territorio musulmán que sobrevivió a la reconquista del siglo XIII fue el reino nazarí de Granada, canto de cisne del arte islámico en España. El arte nazarí se caracteriza por su sobriedad en el exterior y por la densidad decorativa en el interior. Emplean materiales pobres como la mampostería. El arco de herradura es sustituido por un arco peraltado de silueta acampanada que realza los edificios. Las columnas que utiliza son de fuste cilíndrico y los capiteles corintios son sustituidos por otros de dos cuerpos, uno cilíndrico con decoración en cintas y otro sobrepuesto, de forma cúbica. El mejor ejemplo es la Alhambra de Granada. Construida a lo largo del siglo XIV, la Alhambra está formada por un conjunto de edificios, siendo a la vez palacio y fortaleza. Tiene una función militar (alcazaba, torres, murallas...), una parte destinada a las viviendas de los servidores, y otra para residencia del soberano y la corte. Junto a la parte residencial se ubica la residencia del Generalife, con jardines, estanques y huertos. Dentro de la Alhambra destacan sus fuentes y sus patios, como por ejemplo el Patio de los leones. Aparte de estas dos obras mencionadas, hay en España muchos más ejemplos del arte hispanomusulmán, que además se reflejará en el arte mudéjar, un arte cristiano pero con claras influencias artísticas musulmanas. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 5. EL ARTE ROMÁNICO Alrededor del año 1000, Europa entró en una nueva fase de su historia. Es la época en que se impone definitivamente el poder feudal y la Iglesia consolida su primacía económica y cultural. Estamos ante una sociedad teocéntrica, donde todo gira en torno a Dios. Ello explica que la Iglesia tenga una gran influencia social y poder, tanto religioso como político. En una sociedad como esta era lógico que la iglesia fuera considerada como el edificio más importante. Al mismo tiempo que se consolidaba este modelo de sociedad feudal, se produjo un renacimiento de la actividad artística, que tiene como particularidad su unidad formal, en medio de un continente políticamente dividido: es el arte románico, el primer estilo internacional que se desarrolla en Europa tras la desaparición de Roma, desarrollándose entre los siglos XI y XII, si bien en algunas zonas pervivirá hasta 1250. Esta unidad de criterios artísticos se debe tanto a la existencia del feudalismo, que era un sistema social fuertemente jerarquizado, como a la expansión de los monasterios, auténticos vehículos de difusión cultural; además, el fervor por las reliquias permitió el auge de las iglesias de peregrinación, que a su vez contribuyeron al desarrollo de las ciudades. La arquitectura románica es, ante todo, una arquitectura religiosa, definida por dos principios: la monumentalidad y la perdurabilidad. Se pretende que sea perdurable puesto que la religión cristiana se considera una religión eterna, por lo que sus edificios también han de serlo. El románico construye en piedra, lo que obligará a adoptar nuevas técnicas constructivas para poder sostener sus techumbres pesadas. Es por tanto una arquitectura sólida y duradera. También es una arquitectura monumental, pues responde al interés por imitar los grandes edificios romanos. Como planta más común tenemos la basílica, con o sin crucero destacado y cabeceras de ábsides semicirculares. Progresivamente, este modelo de planta basilical irá agrandando el crucero hasta configurar la planta de cruz latina, tan típica de la arquitectura medieval. El auge de las peregrinaciones afectará a la evolución de las plantas, obligando a la construcción de girola o deambulatorios que permitieran el tránsito de los fieles y la multiplicación de capillas y altares para realizar varias misas a la vez. Todo el conjunto mira hacia la cabecera, orientada hacia el este, lugar donde se celebra la Eucaristía. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas En la planta vamos a distinguir cuatro partes principales: 1. La cabecera donde se sitúan los ábsides, que encabezan las respectivas naves. En las iglesias de peregrinación pueden aparecer girolas o deambulatorios y capillas radiales. 2. Las naves (una, tres o cinco), cubiertas con bóvedas de piedra. 3. El crucero, un espacio cuadrado en el que se cruza la nave mayor con la transversal, el transepto. Este espacio se cubre con una cúpula semiesférica apoyada sobre pechinas (triángulos esféricos) o trompas (pequeñas bóvedas semicónicas) y rematada por una linterna. 4. A los pies se encuentra la puerta principal flanqueada por dos torres. En estas fachadas es donde se concentra la decoración escultórica. A veces aparece el claustro adosado a la iglesia (un gran patio cuadrado rodeado por arquerías de medio punto, formando una zona de recogimiento general). Respecto al alzado, todo el edificio se asienta sobre robustos cimientos. Los muros son muy gruesos para así poder soportar el peso de las cubiertas de piedra, y se encuentran reforzados por contrafuertes en el exterior, lo que impedía la apertura de grandes vanos. La escasez de vanos lleva a un dominio de la penumbra. Con el tiempo aparecen las tribunas sobre las naves laterales, especialmente en las iglesias de peregrinación. Estas tribunas servían tanto para iluminar la nave central como para servir de refugio a los peregrinos, y se cubrían con medias bóvedas de cañón, que trasladan el peso de la bóveda central hacia el exterior. Utilizan el arco de medio punto, muchas veces decorado con molduras. En cuanto al sistema de soportes internos, la principal novedad es que la columna ya no es suficiente por sí sola para sostener el enorme peso de las bóvedas de piedra, por lo que se emplean pilares, mucho más robustos. El pilar románico es cuadrado o rectangular, pero se le adosan semicolumnas que recogen el peso de los arcos fajones y los arcos formeros (arcos que dividen transversalmente las naves y soportan el peso de la misma). El tipo de bóveda más utilizado es la bóveda de cañón reforzada por arcos fajones y utilizados sobre todo en las naves centrales y en las cabeceras. Se prefiere la bóveda de arista en las laterales para cubrir los espacios cuadrados. También se utiliza la cúpula sobre trompas o sobre pechinas para cubrir el crucero. Las torres, otro elemento importante, son visibles desde cualquier punto del entorno. La torre es a la vez campanario y testimonio del poder de la Iglesia. Suelen situarse flanqueando la fachada, pero también en el centro del crucero, o en las extremidades de los brazos del transepto. Sus formas son variadas: cuadradas, octogonales, circulares, etc. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Por último, las fachadas, tanto a los pies como en los extremos del transepto, es donde se concentra la decoración escultórica. Estas fachadas reflejan la disposición interna del edificio y suelen enmarcarse por torres. Un fenómeno muy importante en este período medieval fueron las rutas de peregrinación, que favorecieron la construcción de iglesias con una estructura determinada. Se busca un espacio amplio que permita el tránsito continuo de los peregrinos. Esto explica el número de naves en el transepto, la existencia de una girola y la deambulatorio y la multiplicación de capillas radiales tanto en la girola como en los brazos del transepto, para realizar varias misas a la vez. Suelen tener plantas de cruz latina de tres o cinco naves. El crucero se encuentra cubierto por una cúpula en el interior, mientras en el exterior se sitúa el cimborrio o torre de planta cuadrada. Finalmente existe una amplia tribuna sobre las naves laterales, cuya función era albergar a los peregrinos. El mejor ejemplo de las iglesias de peregrinación lo vamos a encontrar en la catedral de Santiago de Compostela. Presenta tres naves incluso en el transepto. La nave central es más alta y más ancha que las laterales. Encontramos girola en la que se abren capillas radiales. El crucero se cubre con un cimborrio. Las naves se encuentran separadas por arcos formeros de medio punto que enlazan los pilares situados a lo largo de las naves. Encima de las naves laterales encontramos la tribuna abierta a la nave central, con la finalidad de acoger a los peregrinos. En los pies de la iglesia se sitúa la portada principal (Pórtico de la Gloria), una de las mejores muestras de la decoración escultórica del románico. Precisamente, la escultura románica tiene dos claros objetivos: embellecer el edificio y tener una misión docente. En una población analfabeta, la escultura sirve para enseñar la doctrina cristiana a través de las imágenes, plasmando un arte-relato cuya finalidad no es estética sino didáctica, propia de una sociedad sumamente religiosa. La escultura románica se incorpora plenamente al edificio, integrándose y subordinándose al mismo, por lo que las figuras se deformarán para ajustarse a los capiteles, a las jambas o a las dovelas de un arco. Así, sus principales características se pueden resumir en: Las figuras se adaptan al marco arquitectónico, de ahí que aparezcan desproporcionadas y antinaturales Horror vacui, lo que redunda en una gran densidad ornamental Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Tendencia a esquematizar, ya que al anteponerse la función narrativa a la estética, no se plantea un estudio de las proporciones Fuerte carga simbólica y antinaturalismo, que se detecta en lo siguiente: Ausencia de tridimensionalidad Perspectivas jerárquicas de las figuras Deformaciones intencionadas Volúmenes planos Hieratismo y composiciones yuxtapuestas En la escultura románica distinguimos las portadas y la escultura exenta. Las portadas se convierten en el principal marco donde se sitúa la escultura, ya que representa la puerta del Cielo, diferenciándose estas partes: Tímpano: en este lugar, el más importante de la portada, se representa el Pantocrátor (Cristo en hierática majestad), triunfante, severo y rodeado por una mandorla. A su alrededor, el Tetramorfos Parteluz y arquivoltas: se decoran con motivos geométricos y escenas del Antiguo o del Nuevo Testamento Jambas y capiteles En España, el mejor ejemplo va a ser el Pórtico de la Gloria, en la catedral de Santiago de Compostela, realizado por el maestro Mateo en el siglo XII. Tiene dos objetivos: embellecer el edificio y ejercer una función didáctica. La escultura está integrada y subordinada al edificio (figuras largas que se ajustan a las jambas o al parteluz, y figuras enanas que se adaptan a las arquivoltas). Presenta una fuerte carga simbólica y ausencia de tridimensionalidad. Sin embargo, la talla de esta portada se adelanta a su tiempo y anuncia un nuevo estilo. Un mayor naturalismo, acentuado por su cromatismo y por la liberación de las esculturas, que comienzan tímidamente a desembarazarse del marco arquitectónico. Las figuras gesticulan y conversan entre sí y se van desajustando de las columnas a las que se adosan. El tratamiento anatómico es más realista y el trabajo de los pliegues es más natural. El volumen es mayor y la sonrisa les da un tono más humano. Respecto a la escultura exenta románica, son característicos los Cristos crucificados y las Vírgenes en actitudes inexpresivas, asiento de Cristo Rey. El Cristo crucificado se halla sujeto a la cruz con cuatro clavos; los brazos están rígidos y pegados al travesaño de la cruz; la corona de espinas es sustituida por una corona real en honor de su condición. Es un Cristo hermético, no experimenta dolor ni sufrimiento. En cuanto a las Vírgenes sedentes, éstas no presentan ningún tipo de relación con su hijo, al que se le representa más como un Dios diminuto que como un simple niño. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas La pintura románica también está supeditada a la arquitectura. La pintura debe ilustrar sobre el contenido de las Sagradas Escrituras de forma clara y expresiva. La imagen sustituye a la palabra escrita y de esta manera se decora el interior de las iglesias con un objetivo didáctico y narrativo. Al igual que la escultura, no pretende reproducir la realidad sino transmitir y enseñar la palabra de Dios. Las características principales de la pintura románica se pueden resumir en lo siguiente: 1. Puede ser pintada al fresco o sobre tabla 2. El dibujo es grueso, siendo el conjunto un dibujo coloreado con tintas planas y una total ausencia de volúmenes 3. Color puro sin mezclas y poco variado, pero de gran efectismo 4. Carencia de profundidad y de luz, ya que las figuras se disponen en posturas paralelas que resaltan sobre un fondo monocromo sobre franjas horizontales de diversos colores. La ausencia de contrastes de luz acentúa las formas geométricas de las formas 5. Composición yuxtapuesta, manifestada en la preferencia por las figuras frontales. La profundidad se transmite por medio de la superposición de las cabezas 6. Antinaturalismo, por lo que se da más importancia al mensaje que a la plasmación de la realidad. Este antinaturalismo lleva a la ausencia de paisaje o su representación esquemática, ya que prevalece el valor expresivo y simbólico sobre el estético 7. Dios se representa con una perspectiva jerárquica 8. Expresionismo a través del color, del tratamiento de los pliegues y sobre todo de unos ojos abiertos y severos Un magnífico ejemplo de la pintura románica en España es el Pantocrátor de San Clemente de Tahull. Es una pintura al fresco que decora el interior de la iglesia, encontrándose por tanto supeditada a la arquitectura. El predominio del macizo sobre el vano en la arquitectura románica facilita la decoración del interior de las iglesias con sus pinturas. Al igual que ocurre con la escultura, nos encontramos ante un arte-relato cuya finalidad es instruir a un pueblo analfabeto sobre las Sagradas Escrituras de una forma clara. No se pretende reflejar la realidad, lo que nos lleva a una pintura caracterizada por su antinaturalismo y por una fuerte carga simbólica. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 6. EL ARTE GÓTICO El gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del XVI, salvo en Italia, donde el Renacimiento da sus primeros pasos a principios del XIV. El siglo XII produjo importantes transformaciones: se produce un aumento de la producción agrícola gracias a los avances técnicos y a la extensión de las roturaciones. La generación de excedentes agrarios reactiva el comercio, y por tanto, el crecimiento de las ciudades. El gótico se ve favorecido por una intensa actividad urbana y comercial, que convertirá a las ciudades en potentes focos culturales. Es aquí donde aparecerán las universidades, que poco a poco se liberarán de la tutela de la Iglesia y se abrirán a todos los ciudadanos. La actividad comercial es potenciada a partir del siglo XIII, tras las Cruzadas, que abrieron nuevas rutas comerciales hacia oriente, hasta entonces en manos musulmanas. Se desarrolla un comercio creciente y una industria artesanal que se concentra en las ciudades, donde se van configurando los gremios y los burgos. Poco a poco va apareciendo una burguesía urbana, una nueva clase social que desarrollará un arte urbano, de una sensibilidad más realista y naturalista, siendo la catedral el edificio más representativo. Además, paralelamente, al desarrollo de las ciudades aparece una arquitectura civil: palacios, ayuntamientos, lonjas... La catedral gótica se va a caracterizar por su verticalidad y su luminosidad. En las catedrales las columnas ganan altura gracias a los nuevos avances técnicos. Estas nuevas técnicas constructivas permiten abrir grandes huecos en el muro y sustituirlos por vidrieras de colores, que tendrán la doble función de aislar y de iluminar. Con ellas se crea una atmósfera irreal y extraña que acentúa el efecto de ingravidez y elevación de la catedral. El vano prevalecerá sobre el muro, por lo que el gótico será considerado la arquitectura de la luz. Así, irá desapareciendo la pintura mural, tan típica del románico, y en su lugar se desarrollará la pintura sobre tabla y los tapices. Respecto a los principales elementos constructivos cabe destacar los siguientes: Aparece el arco apuntado y la bóveda ojival o de crucería. El arco apuntado proporciona esbeltez al edificio, y al mismo tiempo lo hace más racional. La bóveda de crucería deriva de la de arista del románico, pero formada por arcos ojivales o apuntados. Con este sistema se concentran los empujes de la bóveda en los ángulos, lo que permite abrir amplios ventanales y ganar altura. Se encuentra reforzada por arcos que trans- Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas miten los empujes a los arbotantes y éstos a los contrafuertes y finalmente a la tierra. Aparece el pilar fasciculado, evolucionado también del pilar románico En la planta sigue utilizándose la planta de cruz latina, con tres o cinco naves, crucero destacado en planta y una cabecera con girola y capillas radiales. Las naves, siempre en número impar, presentan la central más ancha y alta que las laterales. Terminan a los pies con una monumental fachada flanqueada por dos torres. En el alzado encontramos tres niveles 1. Arquería: utiliza arcos apuntados que descansan sobre pilares gruesos a los que se adosan columnillas para recibir la descarga de los arcos formeros y fajones y los nervios de la bóveda 2. Triforio: galería estrecha abierta en el muro de la nave central, que se abre al exterior mediante vidrieras y al interior con arquerías 3. Claristorio: muro rasgado por ventanales de tracería (decoración a base de formas geométricas) cerradas por vidrieras, coronándose con un rosetón En las fachadas se disponen grandes torres coronadas por chapiteles y una decoración exterior cada vez más abundante y recargada. Junto a los contrafuertes o arbotantes, aparecen nuevos motivos ornamentales (pináculos, gárgolas, doseletes...). El pináculo, torrecilla de forma piramidal puntiaguda que desempeña una doble función: estética (embellece y acentúa la verticalidad exterior), y estructural (sirve de contrapeso al empuje del arbotante). En el gótico español no se generalizan las excesivas alturas ni los ventanales inmensos del resto de Europa. Tampoco en las dimensiones de la planta y alzados de los edificios se pueden comparar. La arquitectura gótica española se caracteriza por una menor altura y de dimensiones más pequeñas, característica más acusada en Cataluña, Valencia y Baleares, donde la línea predominante es la horizontal. En Castilla destaca la catedral de León, iniciada en el siglo XIII, que posee un impresionante conjunto de vidrieras de ricos colores (azules, rojos, verdes, ocres y amarillos). La catedral de Burgos, comparada con las francesas, le falta altura, mientras que la catedral de Toledo se caracteriza por su gran anchura. En la Corona de Aragón (Cataluña, Valencia y Baleares) también se busca más la horizontalidad que la verticalidad. Apenas hay diferencia de altura entre las naves, lo que permite prescindir de los arbotantes. Entre los contrafuertes se establecen capillas laterales, de manera que aquéllos no suelen asomar al exterior y los muros resultan lisos. Las ventanas son esbeltas y muy pequeñas, destacando las catedrales de Barcelona y de Palma de Mallorca. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas La catedral de Burgos, paradigma de la arquitectura gótica española, tiene una planta de cruz latina de tres naves, la central más alta y ancha que las laterales. Presenta un transepto bastante corto que se encuentra casi a la mitad de la nave central. Este transepto consta de una sola nave de la misma anchura y altura que la nave central. La cabecera consta de girola en la que se abren capillas radiales. Las naves se cubren con bóvedas de crucería incluso en la girola, adaptándose a su forma semicircular. Aparecen bóvedas estrelladas en el crucero y alrededor del mismo. En el exterior, el crucero se cubre con un cimborrio. La bóveda de crucería contrarresta mucho mejor los empujes y permite ganar altura al edificio. Las naves se encuentran separadas por los arcos formeros apuntados que enlazan los pilares situados longitudinalmente a lo largo de las naves. Encima de las naves laterales se sitúan el triforio y el claristorio decorado con vidrieras. A los pies de la catedral encontramos dos torres que flanquean la entrada principal, donde se sitúa la portada ricamente decorada con esculturas. Adosado a la catedral aparece un claustro: patio cuadrangular rodeado de galerías porticadas con arquerías que se apoyan en columnas y se encuentran cubiertas con bóvedas de crucería. Es un lugar de recogimiento donde se puede pasear o leer y que da acceso a diversas dependencias. Respecto a su sistema de soportes, los pilares son gruesos y se les adosan columnillas para recibir la descarga de los arcos formeros y fajones y de los nervios de la bóveda. Parte del peso lo reciben los arbotantes que apuntaban y refuerzan el edificio contrarrestando el empuje de las bóvedas y transmiten el mismo a los contrafuertes en el exterior, y éstos, a la tierra. Algunos arbotantes se utilizan como canales de desagüe de las lluvias y terminan en gárgolas. La catedral está realizada en piedra, bien trabajada en sillares. Es una arquitectura sólida y duradera. La fachada se organiza en tres cuerpos y tres fajas verticales que se rematan en agujas con plementería calada de remate piramidal de influencia germánica. Las agujas que rematan las torres de la fachada y el cimborrio están ricamente decoradas y acentúan el verticalismo de la fachada, en la que se distingue el rosetón y vanos a ambos lados con una rica decoración en tracería, así como una galería con estatuas. En Las Palmas de Gran Canaria, la catedral de Santa Ana es uno de los edificios más representativos del arte canario, presentando varias etapas en su construcción que le otorgan un carácter peculiar propio. Las primeras se prolongarían a lo largo del siglo XVI y ofrecen un repertorio de elementos góticos y renacentistas. Su plano inicial fue obra de Diego Alonso de Montaude, pero resulta evidente que la catedral se concibe en consonancia a la catedral de Sevilla, de cuyo arzobispado dependía el canario. La primera etapa es obra suya, levantándose entonces el núcleo principal del edificio, es decir, las tres naves principales, la central más alta que las laterales y las distintas capillas. Pero las obras se interrumpen hacia 1520 por falta de presupuesto, Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas hasta una década más tarde. En la segunda fase se elevarían los muros de las naves laterales, re-elevándolas hasta la medida de la nave central, convirtiendo así lo que en un principio iba a ser una planta basilical en una planta de salón. Igualmente es entonces cuando se levantan las columnas con decoración de arandelas y bolas que servirían de soporte a las bóvedas. Algunas décadas más tarde se vuelve a dar un nuevo impulso constructivo a la catedral, ahora bajo la tutela del maestro vasco Martín de Nerea, que terminó de cerras las bóvedas a base de crucerías estrelladas muy propias de aquel momento. En conjunto, catedral de Santa Ana resulta un edificio de referencias diversas, debido a la época en que se construyó, pero es propiamente gótica en los arcos apuntados que abren las capillas laterales, en los pilares fasciculados que se adosan a los muros laterales, en los vanos ojivales del primer nivel, en las primeras bóvedas de nervios que se levantan, y por supuesto, en la fachada principal, diseñada en tres cuerpos, cuyos dos laterales se remataban con sendas torres poligonales y hacían las veces de contrafuertes. De tradición renacentista ya serán las columnas centrales de la nave, los arcos de medio punto de la nave central o las bóvedas de crucería estrellada. En la arquitectura gótica española del siglo XV los avances ya no serán técnicos sino estilísticos y decorativos. La renovación de la arquitectura gótica que se había realizado en el siglo anterior dará lugar al llamado “estilo hispano-flamenco” o “gótico flamígero”. Es el resultado de la fusión del gótico de caracteres flamencos con la tradición del arte hispano-musulmán. Técnicamente, este estilo se va a caracterizar por la compilación infinita de las nervaduras en las bóvedas y la utilización de todo tipo de arcos (carpanel, conopial, escarzano, mixtilíneo...). Las catedrales de Sevilla, Salamanca y Segovia serán los últimos grandes ejemplos del gótico español. Todas ellas de grandes dimensiones, más espaciosas e iluminadas, pero continúa el predominio de la horizontalidad, disimulada en el exterior por la abundancia de pináculos. Centrándonos ya en la escultura, en el siglo XIII todavía seguirá ligada al marco arquitectónico, pero ganando en movimiento. Se aprecia un mayor volumen y poco a poco se va abriendo paso una mayor riqueza gestual y naturalismo, plasmado en el empleo de una sonrisa medio esbozada. Este mayor naturalismo se consigue rechazando la esquematización geométrica propia de la escultura románica, y a unas figuras más proporcionadas que adquieren un mayor volumen. También encontramos una imaginería simbólica típica del pensamiento bajomedieval que alude a lo sobrenatural y fantástico: seres fabulosos y diablerías se hacen omnipresentes en las gárgolas y remates de las catedrales. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas La portada seguirá siendo el lugar preferente para colocar la escultura: la temática varía, aunque sigue adoptando una intención didáctica. En el tímpano suele situarse el Juicio Final, el Cristo Triunfante o la Virgen María; en las arquivoltas, los coros de ángeles o el Apocalipsis; y en las jambas, figuras de santos. En general, las figuras se alargan y se perfeccionan técnicamente. Y en lugar del Pantocrátor severo del románico, aparece un Cristo más humanizado o una Virgen con el Niño, sonriente. Quizá el mejor ejemplo lo tengamos en la Portada del Sarmental, situada en uno de los brazos del transepto de la catedral de Burgos, en el siglo XIII, donde se cumplen todas las características típicas de la escultura gótica. En otro orden de cosas, la utilización de las vidrieras contribuye a la desaparición de la pintura mural en el interior de las iglesias, dando lugar a la aparición de los retablos. En el Trecento (siglo XIV), el pintor más representativo fue Giotto, perteneciente a la escuela florentina y que representa una auténtica revolución en la pintura de la época. Se le considera uno de los precursores de la pintura moderna en cuanto que su objetivo es construir el espacio a través de la Razón. Rompe con el estilo bizantino (fondos dorados con figuras planas) y realiza una pintura más naturalista. Giotto es un pintor muy preocupado por la técnica, lo que se refleja en las siguientes características: Construye un espacio según cierta perspectiva lineal a través de distintas gradaciones de colores dispuestas en función de la luz Sus personajes son estables y poseen cierta expresividad a través de los gestos Sus trazos son robustos y sus volúmenes sólidos y gruesos, lo que aumenta el expresionismo y el vigor de las figuras La luz modela las figuras y se convierte en un elemento esencial de su pintura Los colores son claros y vivos Hay un cierto tinte dramático conseguido a través de ojos de mirada penetrante y la interrelación psicológica obtenida a través de la misma La evolución de la obra de Giotto la podemos seguir a través de los frescos de la basílica de Asís (ciclo de San Francisco), los de la capilla Scrovegni de Padua (episodios de la vida de la Virgen) y los de la capilla Bardi, en Santa Croce. Por otro lado, en pintura destacan los primitivos flamencos. La gran actividad comercial de Flandes crea una burguesía sólida en las ciudades que se convertirá en la principal promotora del arte. La fuerte organización gremial hace que los artistas se agrupen en ghildas, en las que se exige una perfección técnica muy completa. La ma- Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas yoría de las obras son de pequeño tamaño para poder ser ubicadas en las casas más que en templos o palacios. Con frecuencia, la pintura se realizará sobre tabla (dípticos o trípticos). Sus rasgos fundamentales son claramente perceptibles: Minuciosidad: las tablas están pintadas para poder ser contempladas de cerca. Se reflejan todos los detalles, por mínimos que sean Naturalismo: representan la realidad sin ningún tipo de idealización física Valoración del paisaje, que siempre tendrá cabida en las pinturas Uso de la tabla como soporte Perfeccionamiento de la técnica del óleo (uso de aceite para aglutinar los colores), lo que permite conseguir un mayor grado de brillo y minuciosidad Los pintores más representativos serán los hermanos Van Eyck (Matrimonio Arnolfini), Roger van der Weyden, Bouts, Memhing y El Bosco (El jardín de las delicias). Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 7. LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO El concepto de “Renacimiento” hace referencia al fenómeno cultural que, en los inicios de la Edad Moderna, retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través del Humanismo, sin renunciar a la tradición cristiana, aunque sustituyendo la visión religiosa del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre. El Humanismo es el movimiento intelectual del Renacimiento, que revaloriza la dignidad del espíritu humano, enlazando la cultura de la época con las de la antigüedad clásica. Estamos ante una cultura antropocéntrica. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad, como en el arte medieval, sino la expresión de un orden intelectual y profano basado en la medida, el número y la proporción. La naturaleza será estudiada en sí misma, al margen de lo divino, y encontrará en la perspectiva el modo adecuado a su representación. Se estudiará el cuerpo desnudo, buscando la perfección como reflejo del antropocentrismo humanista. Estamos pues en la época (finales del siglo XV y principios del XVI) en la que el mundo medieval comienza a llegar a su fin. Es el tiempo de los grandes descubrimientos geográficos (ruta hacia la India llegada a América), de la invención y difusión de la imprenta, del surgimiento de los estados-nación, y del fin de la unidad religiosa de Europa. En el aspecto artístico, el Renacimiento supone la introducción de elementos novedosos: 1. La reutilización de las formas características del arte clásico grecorromano, buscando en ellos unas definiciones matemáticas de las ideas de belleza y armonía 2. La aplicación de la perspectiva, la representación racional del espacio con el fin de construir la realidad natural, con lo que de paso se recupera la importancia del paisaje 3. Redescubrimiento de las proporciones, basadas en principios matemáticos 4. Transformación del concepto de artista, que ahora dejará de ser un mero artesano para erigirse en un científico caracterizado por su capacidad de creación, patrocinado y financiado por los mecenas 5. Estudio de la anatomía y el movimiento El Renacimiento se origina en Italia en el siglo XV, y desde allí se proyectará hacia el resto de Europa, pero con matices locales y diferencias que en algunos puntos serán bastante profundos. Tomando como referencia el arte italiano, el Renacimiento se divide en dos grandes períodos (Quattrocento y Cinquecento), si bien muchos artis- Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas tas participarán en ambos. En el siglo XV el núcleo será la Florencia de los Médicis, mientras que en el XVI será la Roma papal. El Quattrocento será una etapa de profunda experimentación artística, mientras que el Cinquecento evolucionará hasta romper el lenguaje clásico, desembocando en el Manierismo a partir de 1530 y en el Barroco a partir del siglo XVII. ¿Por qué surge el Renacimiento precisamente en Italia? Ante todo por la persistencia de la tradición clásica, por el mecenazgo de sus cortes principescas y por la existencia de una burguesía rica y ávida de cultura. La nueva visión renacentista del mundo cristaliza en el urbanismo. La ciudad gótica crece sin ordenamiento previo, pero la ciudad renacentista responderá a una planificación concreta. El plan urbano obedecerá a esquemas geométricos ortogonales o radiocéntricos. Las novedades urbanísticas se plantean en la remodelación de los centros urbanos de las grandes ciudades. Los edificios (ayuntamientos, lonjas y palacios) financiados por la burguesía, los monarcas y la Iglesia, cambiaron la fisonomía de las urbes. En general prima la idea de predominio del edificio sobre el entorno, creándose un escenario urbano para acoger la obra arquitectónica o escultórica. Además, se escribieron tratados teóricos acerca de cómo debía ser la ciudad ideal, proyectos que sí se llevarían a cabo en América, donde se construyeron ciudades con criterios de regularidad y ordenación racional de la trama urbana. La arquitectura renacentista supone una clara ruptura con la arquitectura medieval, organizándose en torno a dos principios: 1. Utilización de elementos constructivos de la antigüedad: bóvedas de cañón con casetones, cúpulas de media naranja, entablamento, pilastras con órdenes clásicos... pero siempre usados libremente en lo decorativo 2. Consecución de la unidad espacial a través de cálculos matemáticos, por lo que se exigirán plantas centralizadas y longitudinales, cúpulas semiesféricas y ojivales... todo dentro de los mismos patrones de racionalidad y proporción. El muro, una vez más, recupera su función de soporte, aunque recubierto con mármoles de colores o aparejos rústicos, predominando la libertad decorativa a base de grutescos (seres fantásticos entrelazados). Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Grosso modo, la arquitectura renacentista italiana se puede sintetizar en tres etapas: 1. Arquitectura del Quattrocento (siglo XV): De este período sobresale como arquitecto Filippo Brunelleschi, que basará toda su obra en los principios de medida, orden y proporción. Es arquitecto, pero también un científico que cultiva las matemáticas, la música y la filosofía. Entre sus obras se encuentran el Hospital de los Inocentes, la Iglesia de san Lorenzo, y especialmente la cúpula de la catedral de Santa María de las Flores, en Florencia. Otro arquitecto representativo será Alberti, con obras como Santa María Novella o el Palacio Rucellai. 2. Arquitectura del Cinquecento (1500-1530): Desde finales del siglo XV, la importancia artística va pasando de Florencia a Roma, en torno a la corte pontificia de Julio II y León X. A Roma llegan artistas procedentes de distintos lugares, atraídos por la actividad artística y el jugoso mecenazgo papal. En arquitectura se desarrollará un estilo solemne y monumental basado en la medida y el equilibrio. Un papado humanista hace del clasicismo su cultura oficial con la intención de transmitir la grandeza de la Iglesia católica, máxime en una época en la que entró en escena la Reforma protestante. El Cinquecento es el período del Renacimiento pleno, pero apenas durará hasta 1530. Sigue existiendo un modelo antropocéntrico que lo inundará todo y se potenciará en el carácter científico y de investigación de la obra de arte. Destaca Bramante como el gran representante del clasicismo arquitectónico, con obras como el claustro de Santa María de la Paz y San Pedro in Montorio. 3. Arquitectura del Manierismo (desde 1530): A partir de 1530 se abandona la severidad, la claridad y el equilibrio del clasicismo. Aparecen elementos de tensión y se rompe el sentido unitario del Cinquecento. El vocabulario clásico se empleará de modo libre y caprichoso: ruptura de ritmos, órdenes gigantes, gran desarrollo del entablamento, frontones inacabados, esculturas en cornisas... El primero en romper el lenguaje clásico será Miguel Ángel, que someterá los elementos clásicos a su propia interpretación personal. Miguel Ángel, que ante todo se siente escultor, tratará a la arquitectura como si fuera una escultura, lo que se verá reflejado en la Basílica de San Pedro del Vaticano, donde transformará el proyecto inicial de Bramante y construirá la cúpula que cubra el crucero. Además, realizará otras obras como la Biblioteca Laurentiana y la tumba del papa Julio II. Otros arquitectos importantes fueron Vignola y Palladio. Como ya señalamos, el Quattrocento va a estar dominado por dos arquitectos: Brunelleschi y Alberti. Filippo Brunelleschi protagoniza una auténtica revolución artística en el campo de la arquitectura, si bien fue además un reconocido escultor. Su formación se orienta hacia los trabajos de orfebrería, pero su pasión por la antigüedad y Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas su fracaso en un concurso para realizar los relieves escultóricos de la puerta del baptisterio de Florencia le hicieron dedicarse por completo a la arquitectura. En 1423 inicia su labor en la cúpula de la catedral de Florencia, actividad que le ocupará toda su vida (hasta 1446), pero que marcará un hito en la arquitectura renacentista al introducir claras referencias al arte antiguo, al establecer un sistema de proporcionalidad y armonía a la medida del Hombre, y también al convertir al viejo maestro medieval en un proyectista, en un creador de amplia formación intelectual. A partir de su obra en la catedral de Florencia se sucederán sus obras maestras: el Hospital de los Inocentes, la Basílica de San Lorenzo y la Basílica del Santo Espíritu. Volviendo a su obra cumbre, ésta fue un auténtico reto desde el punto de vista técnico, ya que la cúpula debía cubrir un diámetro de 42 metros mediante un sistema de autosostén durante su construcción. La solución de Brunelleschi fue construir una cúpula de perfil apuntado que cabalga sobre un tambor octogonal. Técnicamente, la obra recuerda en su alarde y relevancia a la obra del Panteón de Agripa, sin olvidar además que como ésta, constituye un símbolo cosmológico, lo que permite hablar de una nueva era del arte, definida por la revolución técnica y la referencia clásica. La cúpula se construye por medio de dos casquetes separados entre sí por un espacio hueco que alivia el peso de la obra sobre el tambor. Ambas paredes se traban por medio de listones de madera y ladrillos engarzados, de manera que Brunelleschi lo que hace en realidad es ir construyendo la cúpula por medio de anillos concéntricos, que van autososteniéndose mientras se eleva. En el exterior, cada uno de los paños del tambor octogonal presenta un amplio óculo (reminiscencia clásica) y placas de mármol coloreadas. Los ocho plementos en que se divide la cúpula propiamente dicha están divididos por nervios de mármol y horadados por los mechinales que quedaron como residuo de los sucesivos anillos de construcción. Como remate se construye una linterna, cuya forma circular y su contraste cromático actúan como coronación de la cúpula. El alter ego de Brunelleschi hay que buscarlo en León Bautista Alberti. Realizó sus estudios en Padua y Bolonia, pero su formación artística transcurrió en Roma, donde descubre la grandeza del arte clásico. Al llegar a Florencia en 1434, conocerá y colaborará con el que fue su gran maestro, Brunelleschi. Y en Florencia quedarán sus obras más conocidas, como el Palacio Rucellai y la fachada de Santa María Novella. En Roma trabajará también como arqueólogo y restaurador de edificios antiguos, pero sin olvidar su principal actividad como teórico, dando lugar a su obra básica arquitectónico al Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas modo de Vitrubio, De re Aedificatoria. Algún tiempo después trabaja también en Rimini, donde realiza el Templo de Malatesta, y en Mantua, donde construyó las iglesias de San Sebastián y de Sant’Andrea. Fue, por tanto Alberti un típico humanista y hombre del Renacimiento. Poeta, teórico del arte, arquitecto, urbanista, estudioso, encarna el ideal del hombre-artista polifacético del Quattrocento. Su gran obra, el Palacio Rucellai de Florencia (1446) fue una clara muestra de la renovación urbana que se produce en el Renacimiento y de la propiedad de las familias urbanas más pudientes. Los palacios son emblema y orgullo de esta nueva sociedad, de forma que ya no serán casas fortificadas, sino palacios abiertos a la ciudad e integrados en su urbanismo. El palacio de Alberti es pues el resultado de un lenguaje diferente al de los palacios anteriores. En la fachada se advierte una mayor plenitud en su almohadillado, con sillares rehundidos en sus aristas, lo que permite que luces y sombras remarquen el sentido geométrico del conjunto. Para establecer la diferencia formal entre los tres pisos, Alberti no opta por la gradación de relieve en los paramentos (superposición de órdenes) a imitación del modelo romano del anfiteatro Flavio. Otro elemento muy personal de Alberti son las ventanas: bíforas, rematadas en sendos arcos de medio punto englobados a su vez en uno mayor, en cuyo tímpano se integra un óculo muy característico. Durante el Cinquecento (1500-1530) se mantuvieron ciertos aspectos característicos, propios del primer Renacimiento, aunque también se produjeron ciertas alteraciones que alteraron el universo general del arte: intervenciones militares de Francia y España en los territorios italianos, decadencia de Florencia y Milán, recuperación política del papado... Será, pues, Roma la que cuente con los mejores mecenas (Julio II, León X y Clemente VII), lo que atraerá a la ciudad a grandes artistas como Bramante o Miguel Ángel. En 1503, el papa Julio II decidió sustituir la antigua basílica paleocristiana de San Pedro por una iglesia nueva, acorde con la importancia monumental que debía tener el centro de la cristiandad. En 1506, Bramante fue nombrado como superintendente general de las obras vaticanas, y será el que realice el primer proyecto del nuevo templo. La planta ideada por Bramante era de tipo centralizado, de cruz griega inscrita en un cuadrado, y por ello, con varios ejes de simetría en sentido lateral y diagonal. En su centro estaba ideado levantar una cúpula, así como otras cuatro en los codos de la cruz. A ello se añadirían cuatro torres en los ángulos del cuadrado y cuatro pórticos en los extremos de los brazos, que se remataban además por medio de exedras. Las torres eran cuadradas y de prismas escalonados, y los brazos de la cruz se abovedaban Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas en cañón. Por su parte, la cúpula central de 40 metros de diámetro, contaría con una columnata rodeando el tambor, idea que siglos después recogería Wren en la catedral de San Pablo en Londres. Esta planta ideada por Bramante revolucionaba el sentido de la arquitectura del momento, que recupera el valor de la masa y los volúmenes externos. Pero este proyecto se frustró a poco de iniciados los trabajos, debido a la muerte del papa Julio II en 1503 y del propio Bramante un año más tarde. Tras el paso por la construcción de Rafael Sanzio y San Gallo el Joven, la labor de culminar San Pedro recayó finalmente en Miguel Ángel, a quien el papa Pablo III le encomendó la tarea en 1546. Miguel Ángel recupera en su pureza la idea original de Bramante y respeta la planta plenamente centralizada, manteniéndose en cruz griega, si bien abre ahora una sola entrada principal (no como las cuatro que ideara Bramante), y coloca en el centro de la misma cuatro enormes pilares ochavados que sirvieran de soporte a una cúpula aún mayor que la original. Ésta, de 42 metros de diámetro requiere además para su sostén del contrarresto de otras cuatro cúpulas menores detrás de los pilares, tal y como se había concebido en su día para Santa Sofía de Constantinopla. La cúpula propiamente dicha se asienta sobre un tambor circular que presenta parejas de columnas gemelas, destacadas del plano de muro. Sobre el tambor se eleva un sobrecuerpo o segundo tambor con decoración de guirnaldas, y sobre éste la cúpula en sí, apuntada, de nervios destacados. Sobre la cúpula se eleva una linterna abierta a la luz, también entre pares de columnas. Todo ello dentro ya de un lenguaje claramente manierista. La cúpula del Vaticano se convierte así en un símbolo universal, de un enorme efectismo tectónico, tanto el interior, que se llena de luz creando una concepción espacial diáfana e ingrávida, como el exterior con su perfecta concepción de volúmenes. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 8. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO La escultura renacentista, al igual que la arquitectura, nace apoyada en los modelos clásicos. Se advierte un gusto por el desnudo, por la utilización de materiales nobles (mármol y bronce) típicos de la Antigüedad y por un gran interés por lo monumental y lo severo. Esta fidelidad al clasicismo hace que se aplique un esquema racionalista de proporción y simetría, con un detallado estudio anatómico que se fundamenta en un gusto por el desnudo. Al mismo tiempo se amplía la temática, y además de la religiosa surge una temática profana que se manifiesta tanto a través de la escultura funeraria como a través del retrato. Se exalta al individuo, algo muy propio del Humanismo, y progresivamente se va sustituyendo la narrativa religiosa medieval por un arte que busca la belleza de las formas y el placer estético. El Hombre y la Naturaleza serán los protagonistas, reapareciendo el desnudo, y los temas religiosos se presentarán con tipos figurativos paganos. La escultura renacentista es idealista y naturalista, y utiliza composiciones caracterizadas por la curva. Los materiales utilizados serán diversos: piedra, mármol, terracota, madera, yeso y bronce. Los principales escultores del Quattrocento fueron dos: Ghiberti y Donatello. Ghiberti, como buen humanista, es un claro ejemplo del nuevo artista que se diferencia del maestro medieval. Fue arquitecto, pintor y escultor. Entre sus obras destaca Las puertas del Paraíso, realizada en bronce. En estas puertas logra la perspectiva al trabajar el bronce como si se tratara de una pintura, utilizando el bajorrelieve para obtener así la profundidad. Por su parte, Donatello va a ser el escultor más significativo del Quattrocento. Cultivó la orfebrería y supo de arquitectura y pintura. Su escultura oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza, y el cultivo de un cierto expresionismo, de valores dramáticos. Con Donatello se introduce el elemento popular en la escultura. Dos serán sus obras claves: David y El Condottiero Gattamelata. En el David, Donatello interpreta al personaje bíblico desde un punto de vista humanista, acorde con los nuevos tiempos. Con esta obra, Donatello representa el triunfo de la lógica y de la razón sobre la fuerza bruta, representada por Goliat. David tiene a sus pies la cabeza de su enemigo y se apoya sobre su pierna derecha al tiempo que dobla su cuerpo hacia la derecha, formando suavemente una S, conforme al estilo clásico de Praxíteles. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Así, la escultura broncínea del David, presenta, a través del naturalismo y del naturalismo, un gran interés por la figura humana, mediante esquemas de composición basados en la unión y contraposición de las curvas. Por su parte, El Condottiero Gattamelata es una escultura ecuestre de 3’40 metros de altura, que se levanta sobre un doble basamento con relieves incrustados. Está situada enfrente de la basílica de San Antonio de Padua. Esta escultura en bronce es de temática profana, ya que estamos ante la exaltación del individuo, algo característico de la ideología humanista. Sus principales características serán su naturalismo y el realismo en la representación del personaje y del caballo. Igualmente se detecta una clara tendencia a la monumentalidad, y su tamaño y perspectiva responden al lugar donde se ubica. Se aprecia un movimiento contenido y apacible, equilibrado y armonioso con los valores clásicos. En el Cinquecento continúa el sentido clasicista de equilibrio y armonía, pero poco a poco surge una tendencia a la agitación en la composición, a la búsqueda constante del movimiento y a la monumentalidad. A partir de 1520-1530 la tendencia será la búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico, la volumetría frente a la gracilidad y la expresividad frente al idealismo. En resumen, inquietud, sorpresa y zozobra frente al orden clásico. El siglo XVI está marcado por la figura de Miguel Ángel, máximo representante del clasicismo y al mismo tiempo pionero del lenguaje manierista. Miguel Ángel es el prototipo de hombre renacentista: arquitecto, escultor, pintor... Su obra es variada y compleja, pero donde destaca es en la escultura. Utiliza siempre el mármol blanco de Carrara. Su fuerte personalidad queda reflejada en la escultura más que en otro campo. Dota a la escultura de una fuerza y viveza excepcionales, conseguidas a través del dominio de la técnica. Sus figuras son grandiosas, verdaderos titanes que tienen una gran fuerza contenida que surge del interior y aplasta al espectador: es la terribilitá. De entre sus grandes obras destacan especialmente la Piedad del Vaticano y David. La primera es una obra maestra de equilibrio entre la concepción monumental de volúmenes puros y cerrados, y el acabado detallista y delicado. El Cristo yacente es un perfecto ejemplo de realismo y dominio anatómico, mientras la Virgen representa una adolescente, señal de su virginidad eterna. Ambos personajes se conciben bajo una composición piramidal. El estudio de las telas, cuidadosamente trabajadas con abundantes efectos de claroscuro, se ajusta a las formas anatómicas de la Virgen María. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Respecto al David, Miguel Ángel trata el mismo tema que tratara Donatello en su día, solo que en esta ocasión el personaje demuestra una enorme fuerza contenida no exenta de belleza. Es más bien un héroe mitológico que un personaje bíblico, lleno de tensión y con una mirada que refleja agresividad y determinación. Es una escultura abierta y ligera. Se trata de una obra descomunal de 4’10 metros de altura con una enorme fuerza contenida, concentrada en la mirada y en la tensión de sus miembros. Es una figura realista y naturalista, destacando el estudio anatómico de un cuerpo humano vigoroso que nos lleva a la búsqueda de la belleza del desnudo clásico. Destaca también su imponente musculatura y su expresión firme y segura. Ningún miembro del cuerpo se encuentra relajado, pues los músculos están en tensión y se aprecian incluso los tendones y las venas, muestra del detallismo propio de Miguel Ángel. No obstante, la musculatura resulta algo plana debido a la estrechez del bloque de mármol, de ahí que Miguel Ángel se viera obligado a desarrollar una visión casi exclusivamente frontal sin poder permitirse ninguna contorsión del cuerpo. Otras obras escultóricas destacadas en la obra de Miguel Ángel fueron el Moisés, la Tumba de los Médicis y la Piedad Rondanini. La primera, pensada como una más de las que debían ubicarse en el mausoleo del papa Julio II, está representada en un momento de plena furia, al bajar del monte Sinaí con las Tablas de la Ley y advertir la traición idólatra de su pueblo. En la segunda, se manifiestan ya rasgos manieristas: formas retorcidas que rompen el equilibrio, partes sin terminar ni pulir, tratamiento erótico de las imágenes... Por último, en la Piedad Rondanini, Miguel Ángel culmina su interpretación manierista. Estamos ante un artista octogenario, preso de una profunda crisis espiritual. La obra se encuentra inacabada debido a su propia muerte, pero sus rasgos son claros: alargamiento de las figuras, ligereza, inexistencia de terribilitá... La composición no tiene ya ese equilibrio renacentista, las figuras parecen resbalar entre sí, acentuando el dinamismo. Igualmente, el tratamiento diverso del mármol (partes pulidas y partes sin pulir) conlleva una doble interpretación: la despreocupación de la belleza externa y el misterio de su expresividad sin concretar. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 9. LA PINTURA DEL RENACIMIENTO La pintura italiana renacentista participa también de las nuevas ideas. Hay un regreso a la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada en el número, la medida y la proporción. Se trata de una pintura preocupada por la representación de la realidad de la Naturaleza. Por ello, aporta un nuevo sistema visual: la perspectiva tridimensional, lineal y aérea que hace posible la representación de lo real en dos dimensiones. Hay un claro interés por la representación naturalista, por la percepción de los volúmenes y por la psicología de los personajes. La temática es predominantemente religiosa en los frescos que decoran iglesias y en las tablas de altares y oratorios, pero se cultivan temas mitológicos y profanos. La pintura se practica sobre muro, tabla y lienzo, y las técnicas más comunes son el temple, el óleo y el fresco. Después de Giotto (siglo XIV), habrá que esperar hasta el siglo XV para que la pintura se inspire en el mundo clásico, en la observación de la naturaleza y en el estudio de la perspectiva. Durante algún tiempo, aún predomina un gusto por lo lineal y cromático, un gusto cortés propio del gótico internacional. Pero pronto se impone una reacción contra este estilo, para dar paso a la investigación del movimiento, la anatomía y el espacio. Las dos figuras clave del Quattrocento serán Masaccio y Boticelli. La importancia de Masaccio en este período es enorme, si aparte de su capacidad innovadora consideramos que murió antes de cumplir los treinta años. Su labor pictórica, que apenas dura una década, resulta revolucionaria y solamente comparable a la de su compatriota Giotto. Su formación tiene como maestro al pintor Masolino, pero en realidad los verdaderos inductores de la nueva pintura de Masaccio serán Brunelleschi y Donatello. Masaccio es capaz de combinar la idealización del gótico tardío con la armonía en la composición como consecuencia de la referencia clásica, coronándolo todo con la aportación personal de una pintura robusta, solemne, y una enorme fuerza expresiva. Masaccio revolucionará la pintura aportando soluciones nuevas. Le preocupan las proporciones, la perspectiva y la consecución del espacio racionalmente estructurado, según las leyes de las matemáticas. En este espacio racional coloca las figuras, buscando la construcción de un espacio perfecto desde el punto de vista técnico, pero añadiendo un sentido humanista a sus personajes. Entre sus obras destacan El tributo de la moneda (1424-1427) y Adán y Eva expulsados del Paraíso. Por su parte, Sandro Boticelli encarna una vía de plena idealización platónica en medio de la experimentación renacentista. De hecho es uno de los seguidores del neo- Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas platonismo desarrollado por Pico della Mirandola en la corte florentina de los Médicis. Esta corriente filosófica era una corriente estetizante, lo que influirá de lleno en Boticelli, que practicará una pintura delicada, sutil, de líneas definidas, luces diáfanas y tonos cristalinos que convierten sus cuadros en puro lirismo. Su formación se produjo en los talleres de Filippo Lippi y Andrea Verrochio, donde coincidiría con un joven Leonardo da Vinci. De su amplia trayectoria van a destacar La Primavera (1478) y El nacimiento de Venus (1485). Ambos son cuadros de temática mitológica en los que Boticelli plasma su formación neoplatónica y humanista. En La Primavera se ve claramente a través de la representación de figuras alegóricas (Amor, Pasión, Contemplación...), todo englobado en un ambiente nostálgico y melancólico creado a través de líneas suaves y un detallismo minucioso. También pervive la composición triangulada de perfecto equilibrio, la luz blanquecina y el color suave con predominio de verdes y rojos. En El nacimiento de Venus vemos de nuevo el tema mitológico, idealizado platónicamente. Otra vez observamos el esquema triangular, que equilibra armónicamente la obra. La luz acentúa la sensación de inmaterialidad, al igual que el color. Es igualmente importante subrayara la recuperación del desnudo como imagen de la belleza espiritual, una muestra más de la aproximación de Boticelli al mundo clásico. En el siglo XVI, encontramos dos tendencias: la clasicista y la manierista. A lo largo de esta centuria, la pintura evolucionará desde el puro clasicismo renacentista hacia una pintura más dinámica y menos monumental, caracterizada por un mayor juego de luces y sombras y más volumen. La composición es clara y las figuras se relacionan entre ellas. El lenguaje característico del Quattrocento se distorsiona y pierde claridad, entrando así en el Manierismo. De esta época (Cinquecento y Manierismo) van a destacar los siguientes pintores: 1. Leonardo da Vinci es un ejemplo de síntesis entre la personalidad del artista y el científico. Es un hombre de ciencia puramente renacentista: inventor, ingeniero civil y militar, anatómico, botánico, matemático, escultor, pintor, diseñador de decorados... en suma, uno de los grandes talentos de toda la Historia. Leonardo propondrá un nuevo sistema de perspectiva. Para él, la perspectiva lineal da una sensación falsa de la Naturaleza y de las cosas. En la Naturaleza todo cambia, todo es fugaz, por lo que ha de reflejarse en la obra. La consecuencia es la perspectiva aérea: perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, dando una impresión muy real de la distancia. Es una pintura de aire Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas misterioso, aparentemente inacabada y de perfiles difuminados (esfumato) que recrea el aire entre los objetos. Desde el punto de vista estrictamente pictórico, la aportación de Leonardo supondrá varios aspectos fundamentales: La utilización sistemática del esfumato La difuminación de los colores Variedad cromática según se trate de primeros o segundos planos Acumulación de azules en los fondos, consecuencia de la existencia de aire entre los objetos Utilización de una luz tibia y difusa en los cuadros, de contrastes suaves De la obra pictórica de Leonardo destacan los retratos (La Gioconda, La dama del armiño) y los temas religiosos (La Virgen de las Rocas, La Última Cena...). 2. Rafael Sanzio representa el ideal humanista y se le ha considerado el mejor equilibrio clásico del Cinquecento: medida, belleza ideal, asimetría axial, claridad compositiva y armonía. También es un retratista innovador, de gran penetración psicológica (El cardenal). Entre sus obras destacan La Escuela de Atenas, El triunfo del Sacramento y La Transfiguración. 3. Miguel Ángel, además de escultor y arquitecto, también fue pintor. Realiza figuras poderosas y monumentales, casi siempre en actitudes difíciles y desequilibradas, remarcando escorzos y movimiento. Su obra principal será la bóveda (1508-1512) y el testero (1546) de la Capilla Sixtina, donde resume el Génesis y el Juicio Final. Divide la bóveda en compartimentos, utilizando arquitecturas fingidas en las que las figuras parecen flotar. No hay ni equilibrio ni serenidad, y los cuerpos se alejan del concepto de belleza clásica. No trata de representar la belleza de las figuras sino la fuerza que emana de ellas, por lo que el lenguaje es más manierista que clásico. 4. Giorgione: Con Giorgione podemos seguir hablando del lenguaje clásico, aunque introducirá importantes novedades (uso de luz cristalina, aplicación del color directamente sobre el lienzo...), con lo que su pintura adquirió frescura y espontaneidad. Su colaboración con el joven Tiziano terminará de abrir las puertas del protagonismo para la pintura veneciana, que supo renovar sin perder la referencia del sustrato clásico. Entre sus obras destacan las mitológicas (Venus dormida), las cotidianas (Concierto campestre) y los paisajes (La tempestad). 5. Tiziano culminará la labor de Giorgione y se convertirá en el máximo representante del clasicismo en el Cinquecento veneciano, llevado a su máxima expresión a Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas través de los colores suntuosos y brillantes, destacando los cuadros mitológicos (Venus de Urbino), la pintura alegórica (Amor sagrado y amor profano) y especialmente los retratos (Carlos V en la batalla de Mülhberg). Tiziano es el perfecto ejemplo del uso del color con plena libertad y de un cierto expresionismo que acabará influyendo en la pintura española del Siglo de Oro. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 10. EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA El Renacimiento español va unido a los logros políticos de los Reyes Católicos: el establecimiento de las bases del imperio, la unidad política peninsular, el fin del poder islámico tras la conquista del reino de Granada y el patronato regio hacia las obras artísticas y culturales. Es un fenómeno complicado, donde conviven diversas influencias y tradiciones varias, y pocas veces puede hablarse de un clasicismo puro. El Renacimiento español se caracteriza por la escasa influencia clasicista, al contrario de lo que ocurría en Italia. Al primer Renacimiento se le denomina “estilo plateresco” y se caracteriza por su densidad decorativa, que en la segunda mitad del siglo XVI deja paso a un clasicismo más acorde con las modas del momento. El Plateresco (1500-1530) es un estilo que hace de puente desde las últimas realizaciones del gótico hasta la consolidación de las formas clásicas renacentistas. La duración afectará a toda la fachada arquitectónica, y se caracterizará por: Profusión decorativa: columnas abalaustradas, medallones, emblemas heráldicos... Empleo del grutesco, es decir, decoraciones en bajorrelieve con temática de figuras humanas entrelazadas con animales y tallos formando figuras fantásticas El remate de las fachadas a base de candeleros y columnas abalaustradas Aparece la fachada-retablo, que se desarrollan verticalmente con decoración en bajorrelieve Las obras más destacadas serán la fachada de la Universidad de Salamanca y la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares. Durante el reinado de Carlos V, el arte se fue inclinando hacia gustos más clásicos, debido a la mayor influencia italiana. Se utilizan bóvedas de cañón con casetones y cúpulas y arcos de medio punto. La decoración profusa, tan típica del plateresco, irá disminuyendo progresivamente, por lo que estamos ante una arquitectura más sobria. El emperador, proclive a que el arte tuviera una mayor dimensión propagandística, se rodeó de artistas como Machuca o Covarrubias, con obras como el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. Con la subida al trono de Felipe II, el clasicismo se implanta oficialmente como un vehículo de propaganda imperial. El proyecto más importante es el monasteriopalacio de San Lorenzo de El Escorial, construido por Juan de Herrera. Este arquitecto Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas es el creador de un nuevo estilo, el estilo herreriano, que se caracteriza por la ausencia decorativa, la búsqueda de proporciones matemáticas entre los distintos elementos constructivos, el empleo de órdenes gigantes, el predominio de las líneas horizontales y cubiertas exteriores de pizarra. Estas características las encontramos en El Escorial, simbiosis de monasterio, palacio, templo y panteón real. El Escorial se concibió como un gran palacio rectangular articulado por diversos patios de distintas dimensiones, que iban ordenando sus funciones, y centrado por el eje de la basílica y su atrio, que definía su entrada principal. Uno de sus rasgos es la austeridad clasicista que impregna todo el edificio, despojando a la piedra de todo ornamento. Busca así la esencia de la arquitectura potenciando al máximo la monumentalidad y la grandeza de la construcción. Entre las construcciones que se levantan en esta época en Canarias destaca un aspecto singular y típicamente insular: la utilización de techumbres de madera de tradición mudéjar en la mayoría de las iglesias, tradición que se prolongará hasta el siglo XVIII. En Efecto, son numerosos los edificios religiosos que se cubren con techumbres en forma de artesa para las naves, y octogonales y ochavadas en las capillas. Lazos, rosetas y pinjantes, igualmente de madera, completaban la decoración de las mismas. Desde el punto de vista puramente arquitectónico, los templos siguen en su mayoría un mismo esquema constructivo a base de plantas de una sola nave o de tres naves y cruz latina, separándose en este caso las naves por medio de columnas y arcos de medio punto, en parte debido a la influencia renacentista que también presentan estas construcciones, como ocurre en la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción (San Sebastián de La Gomera), la de San Juan Bautista (Telde) o la de El Salvador (Santa Cruz de La Palma). Durante un amplio período posterior a la conquista de las islas, la producción escultórica de la época gótica y renacentista que se realiza en Canarias para decorar iglesias y conventos proviene del exterior. Durante el siglo XVI se trata en su mayoría de imágenes marianas de madera policromada, entre las que destacan las imágenes de Nuestra Señora de la Peña en Fuerteventura; la Virgen de la Candelaria en Tenerife; o la Virgen del Pino, en Gran Canaria. El panorama pictórico del archipiélago canario entre los siglos XVI y XVIII presenta una etapa en la que las manifestaciones renacentistas y manieristas son escasas, poco conocidas y donde destaca fundamentalmente la presencia de piezas de origen flamenco, en gran medida debido a las relaciones existentes con los Países Bajos. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas En la Península, en el terreno de la pintura, Doménico Theotocopuli, El Greco, es considerado uno de los grandes maestros de la pintura española. Aunque nacido en Creta, se afincó en Toledo desde 1576, por lo que es considerado un pintor de raigambre española. Paradójicamente, a pesar de su talento y sus éxitos profesionales, El Greco nunca del agrado de Felipe II, debido a lo revolucionario de su pintura. Tres grandes influencias deben considerarse a la hora de estudiar su evolución pictórica: 1. La bizantina, característica de su origen griego, lo que explicaría el carácter rígido de sus figuras 2. La veneciana (lugar donde recala el pintor antes de afincarse en Toledo) y que permite enlazar su pintura con las de Tiziano y Tintoretto, explicando la utilización de colores ácidos, mórbidos, de tonos fatuos y encendidos 3. La hispánica, que inunda su obra de cierto misticismo, así como de un expresionismo dramático típicamente español Entre su extensa obra, cabe mencionar las siguientes pinturas: El expolio (1579), El martirio de San Mauricio (1582), La Trinidad (1579) y El entierro del señor de Orgaz (1588). Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 11. EL BARROCO ITALIANO El arte barroco supone un cambio formal con respecto al arte renacentista y los valores clásicos, ya que el equilibrio va a ser sustituido por el movimiento y la libre expresión de los sentimientos. Este nuevo estilo responde a un cambio de mentalidad en la Iglesia (Reforma protestante y Contrarreforma católica) y en los Estados (consolidación de las monarquías absolutas). A lo largo del siglo XVI, las ideas protestantes se fueron extendiendo por gran parte de Europa, por lo que Roma perdió su hegemonía política y religiosa. La división que se produce en el seno de la Iglesia requería una afirmación de la Iglesia católica y el arte barroco será el instrumento de propaganda del dogma, y lo mismo ocurrirá con las monarquías europeas, que transmitirán la sensación de poder a través del lujo en el arte. El Barroco es, pues, un arte de propaganda que se extenderá entre 1600 y 1750: su monumentalidad, la riqueza y el lujo no es sino la expresión del poder y de la autoridad, tanto del monarca como de la nación y del catolicismo. El urbanismo barroco hereda los esquemas teóricos del Renacimiento, racionalismo y una concepción conjunta de arquitectura y urbanismo. Aparecen espacios de disfrute público como paseos, plazas y jardines, edificios de servicios (hospitales, escuelas, universidades), etc. A finales del siglo XVI por lo tanto, el predominio de la lógica renacentista es sustituido por el barroco, partiendo de la ruptura del equilibrio clásico. El material más utilizado es la piedra sillar, aunque para algunos edificios y sobre todo para las interiores, se usa el mármol de varios colores. Además aparece todo un repertorio de curvas infinitas: elipses, parábolas, hélices... que sustituyen a la obra equilibrada y racional del Renacimiento; ahora las columnas se retuercen en hélices salomónicas, los frontones son curvos y mixtilíneos. Los muros se curvan a la búsqueda de nuevas perspectivas y efectos luminosos. Siguen utilizándose la planta basilical y central, pero con predominio ahora de la línea curva: plantas elípticas, circulares y mixtas. La escultura y la pintura se aliarán con la arquitectura creando un todo, en el que la percepción visual no sabrá distinguir donde empieza lo uno y dónde termina lo otro. El arco utilizado es el de medio punto y las bóvedas de cañón y de arista, pero también se experimenta con bóvedas estrelladas y se multiplican las cúpulas exteriores. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas La cúpula, uno de los máximos logros del Renacimiento, seguirá usándose en su apariencia externa, pero en su interior quedará oculta su superficie semiesférica pura, por la profusión de figuras que parecen ascender al infinito. La arquitectura ocultará las estructuras fundamentales mediante enlucidos y relieves, quebrando las cubiertas con fingidos cielos. Las fachadas de las iglesias se van haciendo más movidas y ricas en claroscuro, fachadas cóncavas y convexas, que se relacionan con el espacio urbano y que se edifican teniendo en cuenta el ángulo bajo el que van a ser vistas, buscando efectos de perspectivas fugadas y de ejes diagonales; las fachadas se llenan de esculturas; las columnas se desprenden del muro y el efecto en general es de mayor riqueza y movimiento. El arquitecto barroco por excelencia es Bernini, que también domina la escultura, la pintura, la decoración y el urbanismo. Educado por los jesuitas, Bernini capta a la perfección las pretensiones de poder de la Iglesia., Bernini utiliza la arquitectura como un escultor, siempre con fines expresionistas. Su conocimiento de la arquitectura clásica le hace usar con frecuencia los pórticos de columnas coronadas por un frontón, pero su gusto por los contrastes hace que muchos de estos pórticos se adosen a muros curvos y cóncavos. Su obra cumbre es la Plaza de San Pedro en Roma, de forma elíptica y con una gran columnata. Las columnas nacen de la fachada de la basílica como dos grandes brazos que acogen a la Humanidad en el seno de la Iglesia católica. Traza dos brazos rectos desde los extremos de la fachada y que convergen hacia el eje, produciendo así un engaño óptico que da mayor dimensión a la fachada principal. A partir de ahí, la columnata se curva formando una elipse de cuatro hileras de cuatro órdenes distintos (en total 296 columnas), coronándose con 140 estatuas de santos. La visión de la fachada de la basílica desde el eje central queda truncada por el obelisco egipcio situado justo en el centro de la elipse. Borromini fue el otro gran arquitecto italiano del barroco. Su estilo supone la libertad absoluta en la utilización del lenguaje clásico. Su obra más audaz es la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes, donde distorsiona el lenguaje clásico de acuerdo con el nuevo lenguaje barroco. Los frontones se curvan, y toda la fachada se ondula, incluidos los entablamentos y las cornisas. No encontramos ninguna línea recta en todo el edificio; plasticidad y movimiento impregnan toda la obra. La escultura barroca es ante todo una escultura en movimiento, en contraste con el equilibrio y reposo del Renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Las figuras adoptan posiciones teatrales y los gestos son más Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas expresivos, apareciendo las composiciones en aspa, los paños flotantes en el viento y la gesticulación expresiva de brazos y manos. Los giros en espiral y escorzo dan dinamismo a las obras, enriquecidas por el uso de bronce y mármol. La luz resbala sobre las superficies lisas y descubre la calidad de la carne o la transparencia de las telas. Es una escultura naturalista que expresa emociones. En muchas ocasiones se buscará la policromía a través del uso de mármol de colores o de madera pintada. En Italia nuevamente destaca Bernini que concentrará en sus esculturas los principales rasgos de la escultura barroca: naturalismo, movimiento exaltado, violencia expresiva... visibles en sus obras cumbre: David y Apolo y Dafne. Finalmente, en pintura, encontraremos dos direcciones fundamentales: naturalismo y clasicismo. El poder del absolutismo monárquico y la contrarreforma católica se verán reflejados en las pinturas de los palacios y las iglesias: grandes telas, techos, pintados, etc. Así, los principales rasgos de la pintura barroca los podemos resumir de la siguiente manera: 1. Realismo: se plasma la vida en su totalidad, reflejando el dolor, la vejez, la tristeza, la alegría, la fealdad, la belleza... 2. Aparecen nuevos temas, y con frecuencia, el paisaje es el argumento exclusivo del cuadro (bodegones, naturalezas muertas...) 3. Predominio del color sobre el dibujo, ya que es la mancha la que define la forma 4. Profundidad continua, puesto que se acentúa la selección delante-detrás y la pintura parece tener tres dimensiones 5. Hegemonía de la luz: al plasmarse pictóricamente la luz, la sombra jugará un importante papel (tenebrismo). La forma se subordinará a la luz, que cambiará en función de su intensidad 6. Composición asimétrica y diagonal: Se pierde la simetría en favor del desequilibrio. Las figuras y las formas se cortan para sugerir que la escena continúa más allá del cuadro 7. Movimiento: Obtenido mediante las composiciones en diagonal por las cuales se obtiene dinamismo; las figuras son inestables y desequilibradas, apareciendo escorzos y ondulaciones que dan vida y ritmo al cuadro. 8. Diversificación de las técnicas (óleos, retablos, frescos...) Entre los pintores italianos destaca Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio, cuya pintura parte del tenebrismo. Esta técnica consiste en presentar los personajes y objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta, como un foco de teatro. En este estilo se aprecia como un potente foco de luz cruza en Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas diagonal la escena pintada y resalta ciertos aspectos, mientras que otros se mantienen escondidos en la penumbra. Ya no se trata de una luz suave, sino de violentos contrastes de luces y sombras. Caravaggio pinta la realidad sin someter a sus modelos a ningún tipo de idealización (El entierro de la Virgen, El entierro de Cristo, La vocación de San Mateo...). Sus personajes religiosos (Santos, Vírgenes, Ángeles...) son personajes de la calle, de los bajos fondos, a veces retratados con excesiva vulgaridad dando la sensación de falta de respeto a algunas de sus obras y escandalizando a la sociedad de su época. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 12. EL BARROCO ESPAÑOL El barroco alcanza un gran desarrollo en España como país que se convierte en la punta de lanza contra la Reforma protestante. El arte está al servicio de la fe católica, reflejando el lujo y la fantasía. En España, las condiciones son muy favorables para ello: enorme poderío económico de la Iglesia católica y control de la moral por parte del Estado y de la Iglesia a través de la Inquisición. Esto explica que las características de la arquitectura barroca española se concentren en las siguientes: Abundancia de edificios religiosos, reflejo del poder de la Iglesia Gran riqueza ornamental Mantenimiento de una relativa unidad formal inspirada en el clasicismo En el barroco español, arquitectura y urbanismo van juntos de la mano. Aparece una nueva idea de ciudad: se desarrollan espacios públicos como paseos, plazas y jardines. Elementos como la calle mayor y la plaza mayor adquirieron gran importancia en las ciudades españolas del barroco. Las plazas mayores españolas se caracterizan por la forma del claustro que adquieren al encajarse en la trama viaria. Destaca, pues, Churriguera y la Plaza Mayor de Salamanca. Se trata de una plaza de planta cuadrangular rodeada completamente por una arcada continua, dando la apariencia de claustro y con viviendas sobre los pórticos. Es por tanto un espacio público que sirve no solamente para el encuentro de la población de la ciudad, sino también para la realización de concentraciones como autos de fe o corridas de toros. El poder se refleja así en este espacio urbano. Es también el centro comercial y social de la ciudad. Esta plaza se caracteriza por la exquisitez de las proporciones, así como el acertado juego de arcos y el profundo subrayado de la horizontalidad. Todas estas características le hacen ser una plaza humana, perfectamente acabada y sin duda una de las más hermosas de España. En Canarias, será en las postrimerías del siglo XVII y los inicios del XVIII cuando el Barroco alcance su plenitud. El pleno Barroco impone definitivamente la utilización de bóvedas y cúpulas, y un modelo de fachada que se convertirá en un sello personal de la arquitectura religiosa canaria: sobre las paredes encaladas se contrapone la fachada realizada en piedra sillas, flanqueada por pilastras y rematada por frontones. Ejemplos destacados será la Parroquial de Nuestra Señora de la Concepción, en La Orotava. En arquitectura civil, también son múltiples los ejemplos: Casa Nava en La Laguna, Casa Salazar, también en La Laguna... Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas En cuanto a la escultura, estará realizada fundamentalmente en madera policromada. Se inspira en la realidad, algo que queda patente en las ricas vestiduras, en la utilización del cabello natural, ojos y lágrimas de cristal. Además, destaca por su expresionismo, que da rienda suelta a los sentimientos: dolor, angustia, muerte y éxtasis. Su temática será casi exclusivamente religiosa. Los temas mitológicos y profanos estarán prácticamente ausentes. Su objetivo es despertar la devoción en los fieles. Destaca el campo de la imaginería: figuras exentas para iglesias y conventos, así como pasos para las procesiones de Semana Santa. Se distinguen dos escuelas: 1. Escuela castellana: Realismo violento y exagerado. Se plasma el dolor y la crueldad, algo que se refleja en la abundancia de sangre. Son obras dinámicas y fuertemente expresivas. Hay una tendencia a la caricatura en los personajes malvados. Sus centros más importantes y activos serán Madrid y Valladolid, donde destaca Gregorio Fernández. Su arte, de cuidada técnica, se inspira en el estudio al natural. En su temática predomina el sentido patético y doloroso de la imagen religiosa. Podríamos definir su realismo como patético pero sin caer en la vulgaridad, tal y como podemos ver en su Cristo yacente. 2. Escuela andaluza: Hace más hincapié en la belleza y la melancolía. Es muy sosegada, buscando siempre la belleza correcta, huyendo de la exageración de la escuela castellana. Estamos pues ante un realismo idealizado que se caracteriza por la serenidad. A diferencia de la escuela castellana, la andaluza sigue usando la técnica del estofado (aplicación de pan de oro sobre la imagen). El escultor Martínez Montañés reúne lo mejor de esta, destacando su serenidad y fidelidad al clasicismo, lejos del expresionismo patético de los castellanos, algo que queda claro en el Cristo de la clemencia. También son autores destacados Pedro de Mena, Alonso Cano y Francisco Salzillo. En Canarias, en escultura va a destacar claramente José Luján Pérez, cuya formación es plenamente barroca, y cuya producción se dirige casi exclusivamente al tema religioso (La Dolorosa), vinculado a los pasos de Semana Santa, alternando sus obras entre piezas de madera policromada (la labor de pintar la delegará en sus discípulos) y las imágenes de vestir, de un claro realismo. Respecto a la pintura española del Barroco, distinguimos una predilección por un equilibrado naturalismo, una composición sencilla, un predominio de la temática religiosa y una ausencia de sensualidad. Destacan entre todos, tres grandes pintores: Francisco de Zurbarán, Bartolomé Murillo y Diego Velázquez. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas Francisco de Zurbarán fue un pintor esencialmente religioso, aunque realizó alguna obra mitológica como Los trabajos de Hércules para el Palacio del Buen Retiro. Hacia 1626 comienza a pintar sus cuadros más importantes. La mayor parte de sus obras fueron encargadas por órdenes religiosas: La vida de San Pedro Nolasco, o las pinturas del Monasterio Jerónimo de Guadalupe, hoy repartidas por varios museos. Hacia 1639, su situación económica se complica y se ve obligado a hacer cuadros que tendrán América como destino; también hacia este período irrumpe con fuerza la figura de Murillo que le hace la competencia, de tal modo que Zurbarán dará un importante giro a su manera de pintar. Sus temas cambian considerablemente y se aproxima a una religiosidad más dulce (El Niño de la espina, La Virgen-niña...) y a la pintura de bodegones, en los que demuestra la devoción que sentía por los objetos sencillos que emergen silenciosamente de la oscuridad, por la simplicidad que en definitiva presidió toda su obra. El bodegón de Zurbarán ejercerá gran influencia en el Cubismo, al mismo tiempo que contribuyó a una mejor valoración de su producción artística. Bartolomé Esteban Murillo llevó a cabo un arte centrado en el filtro de la realidad por medio de una grácil interpretación de los tipos naturales, con el fin de acercar al máximo las escenas religiosas al pueblo. Esta gracilidad se materializó en unos temas inspirados sobre figuras infantiles o de bellas mujeres, que constituyeron exquisitos modelos para sus escenas religiosas. Su estilo fue experimentando una evolución desde sus primeros trabajos tenebristas hasta desarrollar un arte maduro de gran luminosidad y figuras vaporosas. Sus primeros cuadros, pintados para el convento de los franciscanos de Sevilla muestran un ambiente de oscuridad que irá desapareciendo paulatinamente. En su cuadro Niños comiendo fruta (1650), observamos un giro hacia las escenas de género. Este mismo tipo infantil, pero de mayor altura moral y con más dignidad, es utilizado para componer escenas religiosas, como en el Niño Jesús como pastor, de conformación más vaporosa. Su otro tema favorito fue el de las Inmaculadas, de paños ampulosos al viento e idealizada belleza andaluza, colocadas siempre sobre un cúmulo nimboso elevado por angelillos con fondos evanescentes, como se constata en la Inmaculada, del Museo de Bellas Artes de Sevilla. Por último, Diego Velázquez, uno de los pintores más grandes que ha dado el arte español. Nacido en Sevilla en 1599, desde niño comenzó a formarse en diversos talleres, y en esa ciudad es donde inició su trayectoria como pintor, caracterizándose por el naturalismo, el gusto por las tonalidades terrosas, la pintura de género, los bo- Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas degones y la elección de personajes de la calle para protagonizar sus obras (Vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla...). En 1621 va a Madrid y se aproxima a la vida de palacio. Uno de sus primeros encargos en este nuevo ámbito será un retrato del joven Felipe IV. A partir de este momento inicia su trabajo para la corte, que habría de durar toda la vida. Una vez allí comienza a desarrollar su evolución artística, ya que entra en contacto con las colecciones reales de pintura: Rubens, Tiziano, Veronés y Sánchez Coello, lo que motiva que se aclare su paleta y la técnica sea más suelta y vaporosa. En 1629, aprovechando una misión diplomática, Velázquez viaja a Italia, donde pudo conocer in situ a los grandes artistas del Renacimiento, y pintó obras importantes como La túnica de José o La fragua de Vulcano. También hizo retratos del príncipe Baltasar Carlos, del conde-duque de Olivares, y cuadros de caza del rey Felipe IV. También pintó retratos de bufones en los que se hace patente su humanidad (Sebastián de Morra), al reflejar sin burla la triste condición de estos personajes. En La rendición de Breda vuelve a los temas históricos, al reflejar la victoria del general Ambrosio Espínola al frente de los Tercios. En 1648 vuelve a Italia, donde pinta un retrato del papa Inocencio X y el de Juan de Pareja, magníficos por la forma que tiene de plasmar su fuerza interior. En cuadros como la Villa Médicis es donde se nota que su paleta se hace más suelta todavía, precursora lejana de lo que sería el Impresionismo. En la Venus del espejo vuelve a retomar el tema mitológico, notándose una clara influencia de la pintura veneciana. Sus últimas pinturas serán Las hilanderas y Las Meninas, donde la pincelada es totalmente suelta y emplea mayor cantidad de masa pictórica. Es clarísimo su intento de captar el movimiento. De cerca, el espectador apenas puede vislumbrar manchas de colores, que adquieren forma y sentido a medida que se aleja del cuadro. Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas 13. LA PINTURA BARROCA EN FLANDES Y HOLANDA Los Países Bajos, que hasta mediados del siglo XVI habían gozado de una cultura común, quedarán divididos tras la Reforma en dos territorios: Flandes y Holanda, dando lugar durante el siglo XVII a dos modos de pintura totalmente distintos. Flandes, bajo dominio español hasta 1668, es un territorio católico, con un enorme peso de la nobleza. Abundan los temas religiosos en grandes lienzos para las iglesias. La corte y la nobleza se interesan por la mitología para la decoración de sus palacios y por los retratos. En Holanda, república burguesa y protestante, desaparece la pintura de iglesia y los lienzos religiosos se tornan pequeños para ser contemplados en las casas. La mitología pierde importancia y el retrato se convierte en el tema más importante, tanto individual como colectivo. Otros temas representados serán el paisaje puro, los interiores burgueses y los bodegones. De este panorama pictórico, cada región tendrá su máximo representante artístico. En Flandes, destacará Pedro Pablo Rubens, y en Holanda, Rembrandt van Rijn. Pedro Pablo Rubens, viajó a Italia en 1600, donde se formó y realizó algunos trabajos para la familia Gonzaga de Mantua, los cuales lo enviaron como embajador a España. En 1618 alcanza su madurez como pintor con la obra El rapto de las hijas de Leucipo. Su gran número de viajes realizados le permitió conoce ampliamente el panorama pictórico y aunar múltiples influencias para crear un estilo personal en el que distinguimos la preferencia por los colores cálidos, las anatomías femeninas generosas de pieles nacaradas, características también de la pintura veneciana. Se convirtió en uno de los puntos de referencia más importantes para los futuros pintores del Romanticismo. Cultivó con igual maestría la pintura religiosa y la mitológica, de la que se desprende una extraordinaria sensación de sensualidad. También fue un hábil retratista, como podemos ver en su propio autorretrato y en los de El duque de Lerma y de Helena Fourment, en los que, además de permitirnos conocer la situación social del retratado, nos permite penetrar en su psicología. De sus cuadros de temática religiosa destacan El descendimiento de la cruz, en la catedral de Amberes, en el que la luz se concentra en el cuerpo de Cristo y en la sábana con que se le va a envolver, al tiempo que describe una clara línea diagonal que Historia del Arte 2º Bachillerato IES Villa de Firgas se convierte en el eje compositivo del cuadro. Se trata de una escena plena de dramatismo, de tensión y de emoción que busca conmover y exaltar la fe de quien lo observa. Su obra La Anunciación está influida por las obras de Caravaggio y de Tintoretto. Fue muy hábil pintando temas de carácter mitológico, en los que repite el mismo esquema femenino que tanto se habría de popularizar: mujeres rubias de anatomías generosas y de pieles sonrosadas. Las tres Gracias es una de las obras que mejor ilustra esta idea y una de las más conocidas de Rubens. Por su parte, Rembrandt es un pintor tan polifacético que merece la pena analizarlo a través de los distintos campos que cultivó. El retrato es una de las facetas en las que más destreza mostró, especialmente en el retrato colectivo. En 1632, el doctor Tulp le encargó un retrato que él tituló Lección de Anatomía del doctor Tulp. Este cuadro sobrepasa la simple galería de retratados que eran otras obras de las mismas características, y se convierte en una escena en la que los retratados aparecen realizando una actividad habitual para ellos: diseccionar un cadáver. En Ronda de Noche, otro retrato colectivo, Rembrandt pinta a la compañía de milicianos comandada por Franz Banning Cocq, donde no existe una jerarquía determinada de los personajes. El propio pintor se autorretrató un sinfín de veces. El denominador común de todos ellos es la plácida y al tiempo penetrante mirada que intenta atrapar al espectador, le involucra y le interroga. Juega con los contrastes lumínicos, pero sin la violencia de Caravaggio. Su luz es dorada y envuelve los objetos con dulzura, los acaricia creando ambientes misteriosos y acogedores. También realizó obras de carácter mitológico como El rapto de Ganímedes y Dánae. También cultivó las de carácter religioso (La adoración de los pastores). Hizo paisajes (Paisaje con castillo) de naturalezas desbordadas e inhóspitas. Hizo algunas naturalezas muertas (El buey desollado), donde se adelanta al Impresionismo. Además, Rembrandt es uno de los más importantes autores de grabados, una de las facetas que mayor popularidad le daría posteriormente. Fue un gran incomprendido en su época, ya que comenzó a despertar auténtico interés y a ser valorado como merecía en el siglo XIX, por autores como Daumier o Delacroix.
