Rembrandt Van Rijn CONTEXTO: Situación de los pintores
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Rembrandt Van Rijn CONTEXTO: Situación de los pintores holandeses mucho más difícil que el del resto de europos No existía pintura cortesa debido a la dominación española. Pintores realizaban obras bajo pedido (retratos, cuadros de género, escenas de interiores, paisajes) BIOGRAFÍA: Nacido en 1606 en Leyden, Holanda Rembrandt vive toda su vida y realiza su obra en su ciudad natal y Armsterdam, en contraste con otros artistas que viajan por Europa Desde niño muestra talento innato para pintura, retrata a sus familiares. Cuando se muda a Ámsterdam y se casa con Saskia en 1634. Goza de un corto periodo de fama y popularidad que le permite contar con encargos importantes e incrementar sus ganancias materiales. Al no estar dispuesto a hacer concesiones con su pintura, sus encargos y sus clientes disminuyen. Se suma un escándalo por un juicio iniciado por su ama de llaves, quien denuncia la convivencia del pintor con una campesina con la que no se casa para no perder la herencia de Saskia, destinada a su hijo Tito. La muerte de sus seres queridos, la soledad, el aislamiento y la nostalgia de un pasado mejor, lo convierten en un protagonista de la era de contrastes en la que le toca vivir. ESTILO: Manejo extraordinario de la luz y la oscuridad en sus pinturas, maestro del claroscuro. Influenciado por Rubens, alcanza su maestría cuando se libera de esata influencia y convierte sus formas en lineales. Estilo peculiar, ajeno a los parámetros de la época. Gana un rechazo importante del público. Rembrandt se pinta a si mismo vestido con colores brillantes y joyas, cuando la gente quiere ser retratada en ropas oscuras y serias. Reproduce escenas de la Biblia en las cuales los personajes visten ropas modernas y coloridas, rompiendo con los esquemas convencionales de una sociedad conservadora como la de Ámsterdam Su estilo lo obliga a dedicarse, hacia el final de su vida, a autorretratarse constantemente. EL PINTOR EN SU ESTUDIO Artista: Rembrandt Ubicación: Museo de Bellas Artes Tamaño: 25,5 centímetros de alto y 32 cm de ancho Técnica: Pintura al aceite Fecha de creación: 1629 Descripción: En este cuadro, Rembrandt, que aún vivía en Leyden, parece aludir a la importancia de la creación de la obre de arte. Se retrata delante del caballete, en una actitud meditativa frente al lienzo. De esta manera consigue elevar el estatus del pintor, sobre la base de su propia experiencia. Aparece elegantemente vestido con un gabán que parece quedarle grande y no con el habitual atuendo de pintor, pero si con los pinceles en la mano, haciendo gala de su oficio. Tecnica: El lujo de sus ropajes contrasta con la sencillez y austeridad del estudio. Detalles: griestas de la pared, clavos del caballete y los otros escasos objetos que hay en la habitación. La luz se concentra en el cuadro que Rembrandt ha pintado. Con este motivo, Rembrandt inicia la serie de autorretratos que habría de hacer hasta su muerte. LECCION DE ANATOMIA DEL PROFESOR TULP Autor: Rembrandt Año: 1632 Técnica: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Tamaño: 169,5 cm × 216,5 cm Localización: Mauritshuis, La Haya, Holanda Descripción: Rembrandt se instala en Amsterdam y recibe un encargo que contribuirá mucho a consolidar su fama. Los artistas holandeses encontraban fascinantes las lecciones de anatomía dictadas por cirujanos de Armsterdam. En ocasiones eran públicas y el cuerpo de un criminal ejecutado era disecado ante una gran audiencia que pagaba para asistirá a la clase. En “La lección de anatomía del profesor Tulp”, todos los observadores están involucrados, en distinta medida, en un acto de gran significado humano. El efecto es dramático y la penetración psicológica del doctor Tulp, cuya autoridad queda resaltada por el sombrero que lo dota de mayor investidura, es de tal grado que se impone ante los otros cirujanos. Aparece totalmente compenetrado con su labor: sujeta unas peinzas en la mano derecha y muestra a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. Detrás de él, sus discípulos escuchan atentamente la lección, expresando sorpresa, desconcierto y admiración. Técnica: Los personajes agrupados alrededor del cadáver son una innovación de Rembrandt. Lo habitual era colocarlos en fila, pero al hacerlo asi el artista logra impregnar la escena de realismo. El manejo del claroscuro es asombroso. La luz ilumina al cadáver y a los médicos que participan en la lección. La sombra se percibe detrás de estos, hacia la derecha, en la habitación donde tiene lugar la escena. La oscuridad de los trajes contrasta con la blancura de los puños y cuellos. Con esta obra Rembrandt logra, a sus 25 años, la admiración y el respeto del público, lo que le valdrá otros encargos de retratos. Asi se convierte en uno de los artistas más reconocidos de Ámsterdam. LA RONDA DE NOCHE Artista: Rembrandt Ubicación: Rijksmuseum Tamaño: 3,6 m x 4,4 m Fecha de creación: 1642 Período: Siglo de oro neerlandés Técnica: Pintura al aceite Obra más importante y audaz, erróneamente llamada “La ronda de noche”, título que no revela las intenciones del artista ni está de acuerdo con la idea original del cuadro. Se debe más bien al efecto atenuado de la luz tan característico de su obra y al oscurecimiento de las diversas capas de barniz debido al paso del tiempo. Contexto: La maestría de Rembrandt transforma un acto trivial en una escena épica. Sin embargo, la obra no fue bien acogida por la milicia que le había encargado, ni por el público en general, lo que afecto al artista profundamente. El exceso de espontaneidad en el cuadro es la causa principal de su rechazo. Saskia, su esposa, había muerto el año anterior. Aquello precipitaría su decadencia ocasionada por la falta de compresión de su dramatismo y teatralidad extraordinarios. Rembrandt no claudica y sigue fiel a su estilo personal dotado de una originalidad que sus contemporáneos no comprenden. “Dibujaba porque le gustaba el dibujo. Era un recordatorio diario de lo que lo rodeaba. La pintura en particular en la segunda mitad de su vida- era para el algo muy diferente: era una búsqueda de una salida de la oscuridad. Quizás los dibujos –con su extraordinaria lucidez- nos han impedido ver la manera como realmente pintaba”. (Berger 2001: 105) Descripción: Retrato colectivo distinto a los que producían otros artistas holandeses. Fue conocido hasta el siglo XIX como “la milicia del capitán Frans Cocq” quien aparece vestido con un uniforme oscuro en el momento en el que da una orden a su teniente. Tras estos dos personajes se ve al resto de los integrantes de la compañía, quienes habían pagado alrededor de 100 florines al artista por el privilegio de mostrarse entre las tropas integrantes de la milicia encargada de proteger la libertad y el bienestar de los ciudadanos holandeses. Tecnica: Con la excepción del capitán y su teniente, los otros personajes no recibieron la prominencia al a que habían aspirado. Se vieron a sí mismos dentro de un inmenso trabajo barroco, una expresión revolucionaria de color y movimiento a la que no estaba acostumbrados. El realismo con el que Rembrandt recrea la escena, la expresión con la que dota a sus personajes, la individualidad de cada actitud, el asombroso enfrentamiento de la claridad y la oscuridad con resplandores de oro, fueron cualidades que lo convertirían en el más grande pintor barroco de todos los tiempos y que sus contemporáneos no lograron percibir. El conflicto entre luz y sombre queda manifiesto por el oscuro colorido de los trajes, con la excepción de los del teniente y el arcabucero, vestido de rojo con cuello y puños blancos. La originalidad no radica solo en el manejo del claroscuro, sino también en el hecho de que Rembrandt no retrata a sus personajes en una actitud hierática y severa. Por el contrario, reconoce la individualidad de cada uno y los recrea representando su propio papel, casi como si se tratara de una obra teatral. AUTORRETRATO A LA EDAD DE 63 AÑOS Nombre: Autorretrato Año: 1669 Localización: National Gallery, Londres (Reino Unido) Técnica: Óleo sobre lienzo Medidas: 86x70.5 cm Contexto: A lo largo de su vida, Rembrandt habría de retratase infinidad de veces. Se conocen más de 60 autorretratos suyos, cada uno de los cuales señala una etapa de su apasionada existencia. Se retrata porque ve en su rostro un objeto de estudio que con el paso de los años testimonia los contrastes tan típicos del barroco que se dan en su vida. En 1640 es el artista más popular de Ámsterdam, diez años más tarde su rostro reflejara la tristeza por la muerte de su mujer. Más adelante transmitirá la preocupación por la inminente bancarrota y, hacia el final de su vida, la soledad y el aislamiento. Descripción: El autorretrato pintado el mismo año de su muerte es una radiografía de sí mismo. Ya no mira a la muerte con angustia, sino con un humor filosófico, con resignación y escepticismo. Con su sonrisa irónica parece desafiar a su destino. Los antiguos adornos han desaparecido y el artista se encuentra enfrentado a su soledad y su miseria. Técnica: El contraste entre luz y sombra, que dota de una espiritualidad mágica a su obra, no es más que una intensa búsqueda de su propia alma. Un alma cuyo reflejo se lee en su rostro, al que no cesó de interrogar a lo largo de su vida llena de éxitos y fracasos, alegrías y vicisitudes, gloria y miseria, fiel a la época que le toco vivir.
