voluntarios

año 15 número 155 octubre 2O13
voluntarios
CONTENIDO
OCTUBRE 2O13
PRESIDENTA DEL CONSEJO DE DIRECTORES
DEL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
HOY EN MARCO
1
Nina Zambrano
GERENCIA DE EDUCACIÓN
Indira Sánchez
La Colección del Museo de Arte Moderno
Un siglo de crítica
COORDINACIÓN DE VOLUNTARIOS
Aleyda Viornery
ENTREVISTA A
10
COORDINACIÓN DE EDICIÓN
Margarita Rodríguez
Edna Catalina Cano
Mauricio Limón
CORRECCIÓN DE ESTILO
Edna Catalina Cano
DISEÑO
Sarahí Lara
Luis Carlos López
Luis Frías
Vanessa Cantú
HABLEMOS DE
16
Danza / Carlos Mérida
CONSEJO EDITORIAL
Edna Catalina Cano
Margarita Rodríguez
Sarahí Lara
Luis Carlos López
Luis Frías
Vanessa Cantú
PORTADA
DAVID ALFARO SIQUEIROS
The Revolutions Gives Back Culture, 1958
Piroxilina sobre tela sobre triplay
200 x 200 cm
Acervo Museo de Arte Moderno,
INBA/CONACULTA
DISEÑO PORTADA
Sarahí Lara
En marco Voluntarios
Es una publicación bimestral del Comité de
Comunicación de Voluntarios del Museo de
Arte Contemporáneo de Monterrey.
Registro de reserva en trámite.
Los artículos son responsabilidad de los autores.
Contacto: [email protected]
INFORMARCO
19
ESPECIAL
25
EnMARCO Voluntarios
¡Inicia el año 15!
COLABORACIÓN
33
JAZZ: Una mirada a nuestra escena
ENTRE VOLUNTARIOS
37
HOY EN MARCO
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
M a r g a r i t a
R o d r í g u e z
Desde que abrió sus puertas al público, el
28 de junio de 1991, el Museo de Arte
Contemporáneo de Monterrey ha
cumplido con creces uno de sus propósitos
primordiales: presentar en sus salas
diferentes aspectos del arte
contemporáneo y sus antecedentes, con
especial énfasis en el arte latinoamericano
y en especial el que se ha consolidado y
sigue desarrollándose en nuestro país. Así,
se han presentado un gran número de
exposiciones, colectivas e individuales,
referentes a diferentes periodos, técnicas
y temáticas de artistas mexicanos, como
ejemplo tenemos las muestras: México:
Esplendores de 30 siglos (1992); Manuel
Álvarez Bravo (1998); Diego Rivera.
Epopeya mural (2008); y Siglo XX: Grandes
Maestros Mexicanos, magna muestra
presentada en 4 módulos a lo largo de los
años 2001, 2002 y 2003.
Es por ese motivo, que el público de
marco conoce la obra y trayectoria de
varios de los artistas que se presentan en
La Colección del Museo de Arte Moderno: Un
siglo de crítica, muestra que, partir del 11 de
octubre, se presenta en las Salas 6 a la 11 de
la Planta Alta, en la que se aborda la
producción artística en México durante el
siglo XX y principios de XXI, desde la
postura crítica de sus creadores hacia la
problemática social y política, y la violencia
ya sea institucional, del Estado o entre
sectores de la sociedad.
A través de 54 obras que pertenecen a la
Colección del Museo de Arte Moderno de la
ciudad de México, la muestra presenta las
distintas etapas del devenir histórico del
país a las que aluden los 41 artistas que la
conforman. Los artistas, como testigos del
entorno y la época que les ha tocado vivir,
Salas de la exposición Un siglo de crítica en marco
1
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Salas de la exposición Un siglo de crítica en marco
reflejan en sus creaciones las
problemáticas de ese periodo y en muchas
ocasiones, dada su gran sensibilidad,
inclusive se adelantan y muestran, de
alguna manera, los acontecimientos
futuros.
En general los artistas, además de ser
multidisciplinarios, abordan muy diversos
temas y no se limitan a la crítica. Esto lo
vemos muy claramente por ejemplo, en el
caso de los muralistas, artistas que, en su
mayoría, con estudios y experiencia previa
en Europa y Estados Unidos, regresan a
México en las postrimerías de la
Revolución y son comisionados por el
gobierno para crear grandes murales
didácticos, históricos, y de estimulación
para llegar a la consolidación de un país
dividido por las luchas internas, con la
finalidad de lograr una identidad nacional
basada en la idealización de los diversos
estratos de la sociedad, sobre todo los
indígenas, los obreros, los campesinos y
los estudiantes. Por supuesto que varios
de esos murales incluyen también una
crítica al capitalismo y a las condiciones de
vida de esos mismos grupos; sin embargo,
es en la obra de caballete donde el artista
puede realmente plasmar su visión crítica
con mayor libertad y, asimismo, abordar
otros temas y estilos, tales como retratos,
autorretratos, escenas de la vida
cotidiana, fiestas populares, etcétera,
como podemos encontrar al revisar la
trayectoria, por ejemplo, de Diego Rivera y
de David Alfaro Siqueiros, autor éste
último de numerosos retratos,
autorretratos y obras con íconos y
simbolismos religiosos, entre ellas su
famoso El que Crea en Cristo que lo Pinte,
1968, busto de un Cristo agonizante, sin
corona de espinas ni cruz, triste y al
parecer resignado a morir, y el bellísimo
cuadro María Asúnsolo bajando la escalera
(1935), considerado por muchos autores
una de las más hermosas obras del arte
mexicano. Comentarios similares se
pueden emitir sobre la obra del gran
fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo
y sobre la trayectoria de Rafael Coronel y
de Raúl Anguiano, entre otros.
Sin embargo, como su nombre lo indica, la
presente exposición se centra en obras del
arte moderno y contemporáneo de la
Colección del Museo de Arte Moderno en
las que el artista se cuestiona y nos llama la
atención sobre diversos problemas
s o c i a l e s , e n t re e l l o s d e m a n e ra
2
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
una interesante conferencia. La exposición
se acompaña de un folleto editado por el
museo ya mencionado, y en torno a ella se
tienen programadas en marco diversas
actividades en los programas para niños y
adultos, además de charlas y películas
relacionadas con el tema de la exposición,
la cual permanecerá en el Museo hasta el 9
de febrero de 2014.
Juan O'Gorman
La ciudad de México , 1949
Temple sobre masonite
66 x 122 cm
Acervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA
fundamental sobre la violencia física y/o
psicológica ejercida tanto en las guerras y
revoluciones, como la realizada, de
manera abierta o disimulada, por
individuos con poder derivado de su
pertenencia a instituciones religiosas, del
Estado, empresariales o educativas, por la
delincuencia y el narcotráfico. En algunas
obras se hace una denuncia del
crecimiento urbano desmedido y sin
regulación, y en otras se alude a la pobre
respuesta de las autoridades a desastres
naturales, como el temblor de 1985 en la
Ciudad de México. Algunas obras tocan
temas como la discriminación, la violación
a los derechos humanos y la violencia
ejercida de diferentes maneras en contra
de la infancia. Si bien estos problemas se
abordan a partir de las condiciones que se
han presentado –y desafortunadamente se
siguen presentando- en México, no son
ajenas, en diversas medidas, al resto de los
países, por lo que en realidad son un reflejo
de eventos comunes a nivel global, a los
que se pueden agregar nuevos flagelos,
como el terrorismo, por mencionar uno de
los más importantes.
La muestra, organizada por el Museo de
Arte Moderno de la Ciudad de México, bajo
la curaduría de Daniel Garza Usabiaga,
llega a marco después de su exhibición en
ese mismo museo desde septiembre de
2012 hasta mediados del año en curso,
presenta pintura, escultura, fotografía y
arte objeto. La museografía estuvo a cargo
del Museo de Arte Contemporáneo de
Monterrey. El 10 de octubre, durante la
inauguración exclusiva para miembros del
Museo, el Maestro Rodrigo Ledesma dictó
La muestra, presentada en forma
cronológica -no estricta- permite hacer un
recorrido por las diferentes etapas
históricas del país y por ende por las
diferentes problemáticas abordadas por
los artistas de acuerdo al periodo que les
ha tocado vivir, aunque podemos
constatar que, desafortunadamente,
después de un siglo, persisten muchas de
las condiciones de violencia, pobreza,
injusticia y dificultad de gran parte de la
población para acceder a la educación y
mejores condiciones de vida. Al mismo
tiempo, al margen de las temáticas,
podemos disfrutar de los diferentes estilos
y técnicas de los artistas, algunos de ellos
considerados entre los más importantes
de nuestro país.
Varias de las obras presentan sus temas a
partir de representaciones
arquitectónicas, tal es el caso de la obra del
arquitecto, pintor y escritor Juan
O'Gorman, La Ciudad de México, 1949, la
cual obtuvo el primer lugar en el concurso
La Ciudad de México interpretada por sus
pintores, organizado en 1949 por el
periódico Excélsior con apoyo de la Galería
de Arte Mexicano, de Inés Amor. Esta obra,
en la que el espectador toma el lugar del
personaje que tiene en sus manos el mapa
de la plaza de la Ciudad de México
atribuido a Alonso de Santa Cruz (1540),
3
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
sincretismo cultural al representar un
edificio moderno al lado de un
“tzompantli” -soporte en el que se
conservaban y exhibían los cráneos de los
cautivos sacrificados en honor de las
deidades, en las antiguas culturas
mesoamericanas- llevado a la escala del
edificio. Es también una visión crítica a la
migración del campo a las ciudades,
ocasionando un crecimiento urbano
caótico y numerosos problemas sociales.
Festival histérico en honor a los niños
prodigio de Afganistán, 1968, de Pedro
Friedeberg, premio de adquisición de la
Exposición Solar organizada en 1968 por el
Instituto Nacional de Bellas Artes,
representa un edificio barroco imaginario,
recargado de símbolos que, de manera
irónica -acentuada por el título de la obrase opone a las corrientes arquitectónicas
de moda en esa época, en las que se
evitaba cualquier ornamentación.
Mardonio Magaña
La cieguita, s/f
Talla en madera
43 x 16 x 19 cm
Acervo Museo de Arte
Moderno, INBA/CONACULTA
muestra, como lo indica la cenefa, el
paisaje urbano visto desde lo alto del
Monumento a la Revolución. A pesar de
que se le consideró un testimonio del
progreso, en realidad encierra varias
críticas: llama la atención sobre la figura
del personaje que, migrando del campo a
la ciudad, proporciona mano de obra
barata para levantar los edificios
modernos; asimismo proyecta una crítica a
la arquitectura de grandes edificios
cubiertos de cristal, de estilo
internacional, que impiden disfrutar del
paisaje natural, a diferencia de las
construcciones prehispánicas. En la parte
superior de la pintura se encuentran el
símbolo de Quetzalcóatl, un águila y dos
figuras femeninas, una blanca y la otra
morena, sosteniendo una cenefa tricolor,
símbolos éstos de los orígenes del pueblo
mexicano. Esta crítica fue compartida,
entre otros, por Diego Rivera, y
posteriormente por el gran arquitecto
mexicano Luis Barragán.
José Chávez Morado, pintor, escultor y
caricaturista, es otro artista que expresó
sus ideas por medio de la arquitectura en
varias de sus obras, como en Tzompantli,
1961, óleo sobre tela en el que muestra el
Personajes de pastorela, 1959, también de
Chávez Morado, es una obra que, como
otras que se encuentran en la exposición,
hace referencia al deseo de recuperar las
tradiciones, la cultura y el ar te
precolombinos. En este mismo tenor se
encuentran The Revolutions Gives Back
Culture, 1958, de David Alfaro Siqueiros,
obra en la que una mujer de apariencia
indígena se abraza a la cabeza de un ídolo
prehispánico; y La cieguita, s/f, talla en
madera de Mardonio Magaña, artista
guanajuatense que en el periodo postrevolucionario emigró a la Ciudad de
México, en donde, ya con más de 50 años
de edad, trabajando como conserje en la
Escuela al Aire Libre de Pintura, en
Coyoacán, Alfredo Ramos Martínez, Inés
Amor y Diego Rivera notaron su talento en
4
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
la realización de trabajos en barro y en
madera, sin contar con estudios en arte,
trabajados en forma tradicional. En 1930,
Diego Rivera lo apoyó y pudo presentar su
primera exposición individual en el Palacio
de Bellas Artes de la Ciudad de México.
Historia de la religión (Azteca) I, 1950,
Historia de la religión II, s/f; e Historia de la
religión IV, 1950-1957 son tres óleos que
forman parte de la serie que con ese tema
realizó Diego Rivera, en la que, con su
estilo característico, de manera didáctica y
con colores fuertes muestra diversas
costumbres prehispánicas en las que se
i n c l u ye n s i m b o l i s m o s y d i ve r s a s
actividades, tales como la escritura y los
sacrificios; una crítica a las religiones
antiguas occidentales, y a la religión
católica, plasmando el hecho de que todas
ellas han sometido y explotado a la
población más vulnerable.
Algunos artistas representan iconos y
costumbres religiosas para presentar una
alegoría de diversos problemas sociales,
primordialmente la distinción de las clases
sociales y el sojuzgamiento del poder
político sobre la población en general.
Entre ellas están: El tirano, 1947, de José
Clemente Orozco Flores, gran muralista
mexicano y creador de numerosas obras de
caballete siempre con una visión crítica de
la política y los eventos bélicos nacionales e
internacionales. En esta obra
expresionista, la figura central es un militar
desnudo ejerciendo un control total desde
la nube en la que se sienta, en una alusión a
la figura religiosa conocida como Padre
Eterno, portando un quepí como corona,
las cadenas de la esclavitud como cetro, y
la trompeta para llamar a la guerra. En la
parte superior se encuentran los escogidos,
un conjunto de militares, mientras que
debajo de él están los que son arrojados
como los condenados en algunas obras de
corte religioso sobre el purgatorio. Aquí,
Orozco se burla tanto de la figura de los
militares como del tirano, al
caricaturizarlos, inclusive pintando al
tirano con sus calcetines sostenidos por
tirantes.
El diablo en la iglesia, 1947, de David Alfaro
Siqueiros, otro gran muralista conocido
por experimentar con nuevas técnicas y
por sus posturas ideológicas radicales. En
esta obra hace una crítica a la debilidad de
la iglesia y los feligreses, en los que se hace
evidente su división entre las clases altas y
el pueblo frente al poder simbolizado por
la figura del diablo que entra a través de la
bóveda. Esta obra es muy interesante por
la técnica de doble perspectiva esférica.
La manda, 1942, una de las pocas obras
sobre tradiciones populares de Carlos
Orozco Romero, pertenece a los últimos
años de su periodo como pintor
académico, cuando empezaba a adoptar la
síntesis geométrica de las formas por
influencias cubistas. Este óleo, que
Salas de la exposición Un siglo de crítica en marco
5
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
algunos críticos han clasificado como
surrealista, está basado en fotografías de
los peregrinos de San Juan de los Lagos, de
Enrique Díaz.
Cabezas religiosas, 1950, de Guillermo
Meza, gran conocedor de las tradiciones
religiosas mexicanas, En esta obra resalta
el misticismo y teatralidad de las escenas
de duelo de la Semana Santa, acentuados
por las cabezas cubiertas por paños
blancos que contrastan con los colores
utilizados para los torsos, los cuales están
situados en forma rítmica.
Entre las obras que toman los temas de las
guerras, revoluciones, represiones de los
gobiernos en contra de la población, y
violencia que la delincuencia ejerce sobre
los individuos, se encuentran, entre otras,
la impresionante fotografía de Manuel
Álvarez Bravo, Obrero en huelga asesinado,
1934, que da testimonio de las terribles
represiones a los obreros que buscaban
mejores condiciones de trabajo en un
México que aspiraba al progreso. La
muerte de Zapata, 1937, obra de gran
simbolismo, de Luis Arenal, colaborador y
admirador de la obra de Siqueiros,
muestra personajes del pueblo acudiendo
a despedir al héroe de la Revolución, en un
paisaje árido. Otra obra de Guillermo
Meza, Marcha de los trabajadores, 1951,
muestra en primer plano un gran maguey,
planta que utiliza con frecuencia como
imagen del país, en esta ocasión
fragmentada, seca y a punto de morir,
simbolizando la miseria y penurias del
pueblo, representado por la marcha de
obreros en el fondo. La intriga, 1963, óleo
del artista español Antonio Rodríguez
Luna, exiliado en México en 1939 por la
dictadura de Franco, como muchas de sus
Manuel Rodríguez Lozano
El holocausto , 1944
Óleo sobre tela
123.5 x 178 cm
Acervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA
obras, alude a la Guerra Civil española. Es
notable el dibujo geométrico, algo barroco
y con tendencia al tenebrismo. Con estos
mismos temas se presentan otras obras de
la exposición, como El holocausto, 1944,
del artista mexicano Manuel Rodríguez
Lozano, pionero en la tendencia de alejarse
de la pintura de corte nacionalista para
adoptar personajes de corte universal, es
una obra perteneciente a la llamada etapa
blanca, la última de su trayectoria,
caracterizada por escenas con personajes
que reflejan soledad, angustia, muerte y
tristeza; y el Díptico a Francisco de Goya
“Sobre los desastres de la guerra”, 1981, del
artista coahuilense Oliverio Hinojosa, cuya
obra se basa fundamentalmente en el
cuerpo humano.
En la muestra encontramos dos obras muy
importantes del artista de origen japonés
Luis Nishizawa Flores: La eterna causa I,
1966, óleo sobre triplay, obra de gran
textura; y un acrílico sobre tela De la serie
Los caines, 1966. Ambas aluden, a través de
imágenes de cuerpos desmembrados, a las
torturas y asesinatos que han cometido las
tiranías latinoamericanas, en el caso de la
segunda obra, específicamente en
Colombia. Desafortunadamente esas
6
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
mismas escenas son frecuentes en la
actualidad por la violencia de
paramilitares, guerrillas y cárteles del
narcotráfico. Otros trabajos que también
hacen referencia a la violencia entre
individuos son: Las poquianchis, 1966, de
Francisco Corzas, artista mexicano, autor
de extraordinarios desnudos femeninos.
En esta obra aborda un sonado caso de
complicidad entre tres hermanas de
Guanajuato y las autoridades en una red de
prostitución y explotación femenina que
llegó al asesinato. Aquí se encuentran
algunos de los elementos característicos
del quehacer de Corzas, como son, el ya
mencionado desnudo femenino, las
vestimentas y tocados de las figuras al
estilo de las pinturas del Renacimiento
italiano, fondos luminosos, en este caso en
tonos rojos que añaden dramatismo al
ambiente etéreo creado. Ajuste de cuentas
15, 2007 y Rosario de ajuste de cuentas,
2007, joyería en oro y cristales de la autoría
de Teresa Margolles, artista originaria de
Culiacán, Sinaloa, cuya trayectoria, desde
su participación en el Grupo SEMEFO hasta
la actualidad, ha girado en torno a la
violencia contemporánea, en este caso a la
ejercida por el narcotráfico. Estas dos
piezas emulan las que portan los capos e
integrantes de los cárteles haciendo
ostentación de su riqueza y de su
religiosidad, por medio de
representaciones de la Virgen de
Guadalupe y del santo de los narcos Jesús
Malverde.
Varias obras las podríamos agrupar por la
denuncia que hacen, a través de la
representación de personajes del pueblo y
escenas cotidianas, sobre las condiciones
persistentes de rezago social y económico con todas sus consecuencias en educación,
Salas de la exposición Un siglo de crítica en marco
salud, y oportunidades de progreso
personal- de gran parte de la población; a
la constante violación a los derechos
humanos; y al abandono y abuso de los
niños. Entre ellas podemos mencionar: la
litografía de Diego Rivera, El sueño de los
pobres (Madre proletaria), 1932; El hijo
muerto, 1943, de Raúl Anguiano, que
plasma la miseria de una pareja que debe
sepultar a su hijo, al cual cargan entre los
dos, en una casa vacía y colores ocres;
Indígenas, 1924, del artista Jean Charlot,
nacido en Francia, muralista, pintor y
dibujante de personajes y costumbres
mexicanas y de las ruinas mayas; Casa
furgón, 1932, obra del insigne fotógrafo,
mencionado anteriormente, Manuel
Álvarez Bravo, que retrata la adaptación de
un furgón de ferrocarril como casa
habitación para una familia; y Los niños
héroes, 1982, collage del Taller de
Documentación Visual (TDV), asociación
de distintos artistas, entre otros Enrique
Méndez Castro, Antonio Salazar y Gabriel
Castro, que inició en 1984. Durante sus 15
años de permanencia, sus integrantes
denunciaron, a través de pintura, collage,
fotografía y montaje, las violaciones de los
derechos humanos en el país, destacando,
en su momento, en su producción artística
a las minorías sexuales y la pandemia de
VIH y SIDA. Este collage, que toma por
título uno de los episodios más
emblemáticos de la mitología nacionalista,
es en realidad una crítica al abandono de la
infancia, reforzada por la presencia del
logotipo Hecho en México, el cual se incluía
en los productos nacionales en los
ochenta, con intención de promover el
orgullo nacional.
7
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Son también muy interesantes las obras
que abordan problemas comunes a nivel
global, que muestran la insensibilidad y la
degeneración, en cierta medida, del ser
humano debido al avance de la
industrialización y la cultura de consumo,
así como sus consecuencias, En este
sentido se encuentran; el impresionante
acrílico sobre tela Ratas comiendo
lombriz, 1973, Esta obra forma parte de
una serie muy importante en la
trayectoria del excelente artista
mexicano Rafael Coronel, ya que fue el
primer artista contemporáneo que utilizó
ese animal como tema único; en su caso,
haciendo una analogía del ser humano
con ese roedor que habita en las cloacas.
Podemos notar que inclusive hay una
representación antropomórfica del
animal, cuyas patas son muy semejantes
a las manos humanas, además de ser
representaciones hechas para incomodar
al espectador, como mencionó el artista
durante su estancia en marco en la
presentación de Retrofutura, muestra que
ocupó las salas del Museo de septiembre
del 2012 a enero de 2013, con las que
quiso introducir algo de terror a la pintura
en la buena época de los filmes de terror.
El rapto de las sabinas No 1, 1973, de
Arnold Belkin, artista nacido en Canadá
de padres inmigrantes rusos. Llegó a
México a los 18 años y diez años después
adoptó la nacionalidad mexicana. En los
setenta produjo una serie de pinturas
basadas en obras clásicas de la historia
del arte, en este caso de la obra del mismo
nombre del artista francés Jacques-Louis
David, con la cual se alude por una parte a
la agresión en contra de las mujeres
mediante el secuestro, por parte de los
primeros pobladores de Roma, y por la
otra, a la robotización del ser humano,
Xavier Esqueda
Monolito No 6, 1990
Óleo sobre tela
120 x 120 cm
Acervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA
representada por una especie de figuras
cibernéticas, producto de la
industrialización y pérdida del sentido
humanista; y Contaminación , 1973,
i nt e re s a nt e o b ra d e l p ro l í f i co y
multidisciplinario artista mexicano
Zalathiel Vargas, quien en gran parte de su
producción hace una crítica a la sociedad
de consumo y el desarrollo tecnológico sin
control. En este óleo representa una
especie de nube compuesta por productos
industriales que efectivamente causan
8
ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
contaminación, tales como partes de
automóviles y diversas maquinarias, así
como la personificación de un voceador de
periódicos en una figura híbrida parcialmente humana, parcialmente
máquina- con las noticias sobre el
incremento del militarismo y desastres
nucleares, como sucede en la actualidad.
Éste es un ejemplo de cómo los artistas se
adelantan en muchas ocasiones a los
acontecimientos futuros. Es también
importante la obra de Xavier Esqueda:
Monolito No 6, 1990, en la que simboliza,
por medio de una estructura prehispánica
atada, situada en un ambiente árido y
rodeada de piedras, el desinterés por
conservar la cultura y las construcciones
arquitectónicas valiosas, en aras de un
supuesto progreso en el que predomina el
interés económico.
En la muestra hay también obras que
constituyen un documento gráfico de
desastres naturales que han tenido honda
repercusión en las condiciones sociales,
políticas y económicas del país, exhibiendo
la ineficacia e indiferencia de las
autoridades y afectando de manera
preponderante, a corto y largo plazo, como
siempre, a los sectores más desprotegidos
de la población. Entre esas obras están:
dos fotografías de Manuel Álvarez Bravo
de la serie Cuatro del ángel del temblor,
1957, testimonio del temblor magnitud 7.7
conocido como el Temblor del Ángel,
ocurrido el 28 de julio de 1957 en la Ciudad
de México, con un saldo de 700 muertos y
gran número de damnificados; y Sin título
(Hotel Regis, en el Centro de la Ciudad de
México, 19 de septiembre de 1985), 1985, de
Enrique Metinides, oportuna fotografía
tomada en el momento en que dicho hotel
se derrumbó durante el gran sismo de
magnitud 8.1 que ocasionó más de 10 mil
decesos y miles de damnificados. Para
honrar a las víctimas de ese suceso, en el
sitio donde se encontraba ese hotel se
encuentra la Plaza de la Solidaridad con la
escultura monumental del artista
mexicano Javier Campuzano ReyesRetana.
Una obra muy interesante en la muestra,
que exhibe el desencanto por el rumbo del
país es el óleo sobre tela De la serie
República mexicana, 1998, de Gustavo
Monroy, cargada de simbolismos, entre
ellos una escalera que no conduce a nada,
con la bandera mexicana en el final, y una
figura de Cristo sufriendo por el destino
incierto de México.
Como podemos darnos cuenta, La
Colección del Museo de Arte Moderno: Un
siglo de crítica es una exposición
polisémica que nos da la oportunidad de
conocer un selecto grupo de obras
producidas desde principios del siglo
pasado hasta la actualidad, de las cuales
hemos mencionado sólo algunas. Es
realmente una exposición interesante que
amerita más de una visita y que
seguramente despertará el interés del
espectador por ampliar sus conocimientos
sobre los artistas y los acontecimientos
históricos a los que alude.
Fotos: Cortesía MARCO
Salas de la exposición Un siglo de crítica en marco
9
ENTREVISTA A
HOY EN MARCO HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
L u i s
F r í a s
Foto: Cortesía MARCO
Mauricio Limón
El pasado viernes 6 de septiembre
contamos en el Museo con la presencia del
artista mexicano Mauricio Limón, autor de
las piezas Crepusculitos (2004-2008) y
Híkuri (Regiones electroencefalografías)
(2013) que se exhiben en la exposición
Mesocosmos. Mauricio ofreció una
conferencia para un grupo de estudiantes
de artes de la UANL, y por la tarde ofreció el
taller Manos al arte, en el cual junto con los
asistentes trabajaron una pieza de video
basada en un proceso de recolección de
círculos en video.
Durante la conferencia Mauricio comentó
que, en su obra, intenta explorar mundos
con lo que sabe hacer: video, dibujo,
pintura y fotografía. La inspiración para su
obra viene de las relaciones que puede
establecer con la gente que vive al día,
como los limpia-parabrisas y los
merolicos; pues en el proceso de
relacionarse con los sujetos descubre los
problemas a tratar en la obra artística.
Comentó también sobre los procesos de
trabajo para realizar la obra Bizco merolico
chorus (2006) y el cuerpo de trabajo
alrededor del video El primero que ría
(2013). En el primero, tuvo que adentrarse
en el hermético y frío mundo de los
vendedores ambulantes del metro de la
Ciudad de México para realizar un video en
el cual los cantos de los vendedores de
convierten en la posibilidad de coros
barrocos. El segundo, contiene su
producción más reciente que incluye
videos, dibujos, animaciones, hasta
camisetas, todo a partir de la relación con
un grupo de franeleros de Ixtapalapa
Mauricio Limón
Crepusculitos, 2004
Video SD en 16 canales simultáneos
20´ en loop
Colección Galería Hilario Galguera
y el mundo violento en el que viven. El
modo de relacionarse con ellos le ha
permitido el desarrollo de diferentes
piezas que nacen de la misma evolución de
su relación. Al ir creciendo la relación, los
proyectos han logrado ser más cercanos,
pues ellos abren más su mundo. Lo cual
está en el interés de Mauricio, “mostrar sus
vidas sin necesariamente pasar por un
exotismo”, sino atravesar la violencia de
sus vidas y descontextualizarlas. Comentó
cómo a partir del juego, y acciones
simbólicas fue ganando su confianza y el
acceso a sus mundos. Los asistentes a la
conferencia se mostraron muy interesados
por los procesos para relacionarse con las
personas que se convierten en sus obras de
arte.
Durante su visita a marco, entre sus
actividades, Mauricio tuvo la amabilidad
de contestar algunas preguntas para esta
publicación, de las cuales se presentan
enseguida una selección.
Respecto a “los chicos del barrio” que
aparecen en el video El primero que ría,
¿crees hay cierta conciencia de estar
10
HOY EN MARCO HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Mauricio Limón y Tom King durante la charla a estudiantes de la Facultad de Artes Visuales de la UANL
dentro de una “obra de arte”? ¿Ellos
tienen preguntas al respecto de tu
trabajo, dónde se expone, qué pasa con
él?
Sí. Las primeras preguntas son siempre “¿y
todo esto para qué?”, les explico que es
para un museo, que se va a exhibir en tal
lado, que es un proyecto personal, un
proyecto de arte. Lo que me ha servido
mucho para convencerlos es que de
repente les enseño mis dibujos y me dicen
“sí, está rifado. Porque no te paso la foto de
mis sobrinos y me dibujas al centro con
ellos y me haces una playera”. A mí se me
hace increíble, es muy fácil y es muy
divertido y además genero este vínculo. Se
van acostumbrando a “que están
trabajando” con alguien, que en un dibujo
pueden plasmar ideas que ellos tienen,
pero que ellos también tienen que entrar
en juego a desarrollar ideas que yo tengo
en los videos. La verdad no sé, creo que
tendrían que estar ellos para contestar. Me
queda claro que, en el mundo en el que
viven, el arte nunca va a ser algo que les va
a cambiar sus vidas. Para ello tendrían que
tener una voluntad muy fuerte y salir de
donde están.
¿De algún modo te puedes alejar de las
relaciones con estas personas al llegar a
casa? Algo así como ¿separar mundos?
Es bastante difícil, de todas maneras se
v a a m i c a s a . Lo t e n g o e n m i s
pensamientos. Simplemente hay que
estar muy atento a entender mi mundo
interno. Al principio estaba muy
sorprendido con la cámara, y estar
grabando a las personas, pero luego de
algún modo se sublima, ya lo hice, ya está
plasmado. Lo que me permite ya no
querer grabar y simultáneamente
llevarlo a la obra, sino me da la
posibilidad de analizar lo que me dicen, y
desarrollarlo de acuerdo a mi
circunstancia, y ya no tanto con ellos. Hay
una búsqueda personal, querer saber de
esos submundos. Al preguntarme ¿por
qué se da esa violencia? Que de alguna
manera a todos nos pega. ¿En qué
momento se da esa violencia? ¿En qué
momento crece su poder?
Comentaste (en la conferencia previa)
que tu siguiente proyecto involucra a
una comunidad huichol.
Estoy trabajando con ellos desde
octubre del año pasado, siento que voy
empezando porque el proyecto va lento.
Empecé en la ciudad de México, pero
a h o ra e s t oy t ra b a j a n d o co n u n a
comunidad de San Andrés Cohamiata,
Jalisco. Está en la sierra que divide
Nayarit y Jalisco.
¿Cuándo hiciste el video de Híkuri
(Regiones electroencefalográficas)
(2013) ya estabas trabajando con
ellos?
No, esto es algo nuevo, porque de hecho
nunca había trabajado con un maestro
de ceremonia. Comí peyote y fue una
manera de conocerlos diferente. El
tema del peyote es muy importante, es
parte de su cultura, pero quiero que
quede fuera. Lo que estoy buscando en
esos videos es que sea lo menos obvio
posible, casi que si no aparece mejor,
pero no puede no aparecer.
11
HOY EN MARCO HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
¿Por qué no hacerlo evidente?
Porque ya está muy revisado y muy
manoseado. Lo cual está bien, hay algunos
documentales increíbles, pero a mí no me
interesa mostrar el mundo del ritual, y que
“si hacen esto”, “van por allá”, y el
peregrinaje. Me interesa más sus vidas
personales… Y hasta hacer una especie de
crítica, de qué tanto el peyote… Es un
pueblo que desde niños consumen peyote,
entonces mal que bien, condiciona el modo
de adaptarse a la sociedad, y es lo más
pesado. Están las creencias de que pierden
su tradición, lo cual es muy importante y
tiene su sentido, pero de entrada son gente
la cual su comunicación verbal es muy
diferente, no sólo por el idioma, sino
porque piensan muy dogmáticamente y
jerárquicamente. Está el Marakame1 y la
relación a Híkuri2 con respecto a todo. No
les permite salir de su cosmovisión. De
algún modo están dogmatizados en torno
al peyote, no solo sicológicamente, sino
desde su sistema nervioso, que está
afectado desde niño. De cierto modo son
un pueblo drogado desde niño, y es como
han vivido su historia. Lo traen en su
sangre. Aún no lo puedo desarrollar bien,
pero es por donde va mi interés.
Es una visualización muy fuerte, “la
dualidad del acto ritual”. Tengo mucho
interés en los modos que construimos
significación, y cómo la legitimación del
conocimiento se convierte en un modelo
que refuerza el modo que construimos la
realidad. Por lo que se me hace atractivo
cómo una comunidad indígena puede
pertenecer a otra realidad, otro modo de
hacer las cosas, pero a la vez estar en el
margen se convierte en algo peligroso,
quedas fuera.
Es un tema muy difícil. Desde un punto
social y político es un desorden la relación
de la sociedad con los pueblos indígenas.
Es un gran problema. Ellos quieren y no
quieren. Está el caso de los que se meten a
vivir con ellos, a entender sus usos y
costumbres, pero al final tampoco te dicen
nada nuevo. Hay muchos casos de gente
que se introduce en comunidades
indígenas y muestran un lado documental
y, a la vez, desde la percepción externa. A
mí me gustaría hacerlo más delicado, no
caer en eso, pero a la vez no quiero caer en
la exacerbación de “Wow, los Huicholes, los
Tarahumara”, el rollo Hippie en el que todo
es aceptado porque son indígenas.
Has mencionado que tu obra no es
Documental, tampoco es una denuncia.
¿Qué es? ¿Estás tratando de explorar,
investigar, es la obra de arte por sí
misma?
Es mi mundo subjetivo a través de un
contexto específico que me interesa, tanto
como a cualquiera que se pone a hacer un
Documental. Lo que me puede diferenciar
y lo que busco es no caer en lugares
comunes. Siento que lo que me puede
ayudar a no caer en eso es partir de lo
absurdo, crear situaciones donde se
rompen las formas convencionales. Si
hacen artesanía, hacer todo menos
artesanía. Por ejemplo, están
acostumbrados a hacer artesanía sobre un
Charla en marco a estudiantes de
la Facultad de Artes Visuales de la UANL
plano, sobre un bocho, sobre cualquier cosa,
y además resulta que todo lo que se decora
con chaquira y motivos Huichol se ve bien, y
sí, el bocho se ve increíble. Pero es una
exageración, ¿una lata de refresco la puedes
forrar de eso y se va a ver genial? Partiendo
de que tienen un issue con la artesanía,
¿cómo puedes lograr que a través de la
chaquira hagan otra cosa? Pero absurda, por
ejemplo que no la apliquen como siempre,
sino que hagan otra cosa. Por ejemplo, y lo
digo como una exageración, una idea
fantástica, enterrar a un Huichol en chaquira
y de repente que se levante, ya cambia, la
chaquira sobre el cuerpo se vuelve polvo.
1
En la tradición Huichol, el Marakame es un vivo muerto, el intermediario entre el mundo de los muertos, el intermediario entre el mundo de los hombres y el de los
espíritus, pero es también todo aquel hombre y mujer que está en la búsqueda del conocimiento. En otro sentido, el Marakame es el chamán más realizado, considerado
“el que sabe” y funge como un gobernador dentro de la comunidad.
2
El Híkuri es el nombre ceremonial de los Huicholes para el peyote. “El rostro del divino”, es la planta sagrada del desierto y maestro de la forma correcta de vivir de los
brujos perdidos en el tiempo.
12
HOY EN MARCO HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
estuvieran listos. Alguna vez me aventé un
día entero sin dormir por pintar, para
terminar una pintura. Ahora me queda
claro que no hay necesidad, y te queda
mejor si descansas.
Charla en marco a estudiantes de
la Facultad de Artes Visuales de la UANL
Cuéntanos tu experiencia con la
Videonale143.
Sorprendente el nivel de presentación,
tipo de exposición, montaje impecable,
estuvo muy bien curada. Muy buena expo.
Ahorita está en la feria ArtMoscú, se
llevaron una selección de la Videonale a la
feria y también va a estar en un museo de
Moscú.
¿Cómo iniciaste en el video?
Un amigo me prestó una camarita, todavía
era una Handycam, pero era muy buena
porque trabajaba con el sistema Pal4, tenía
un lente más grande de lo normal. Era una
edición especial europea de Handycam. De
repente vi unos caracoles en el jardín del
edificio donde vivía, bajé a agarrarlos,
tenía una mesa con luz, ahí los puse y
e m p e c é a g r a b a r. C o m o s o n
translúcidos, los caracoles se convirtieron
en una especie de lámparas móviles.
Además estaban puestísimos, un caracol
normalmente, a lo mucho recibe la luz del
sol y desde arriba, aquí tenían la luz abajo;
siempre están en lo obscuro, y aquí en la
luz directa, estaban híper-excitados.
Entonces se hizo como una orgía en el
video. Es un video increíble, quedó bien
bonito. Los grabé, me aventé como ocho
horas editando de un jalón. Estaba muy
chavo y aguantaba ese estilo de
actividades laborales corridas. Ahorita no
hago sesiones de trabajo tan largas,
ahorita tengo treinta y tres años, en ese
entonces tenía veintidós. Hace once años.
Antes, siempre pensaba que era mejor
entrar en el proceso creativo y dejarte
llevar, no solo hasta que el cuerpo diera,
sino hasta que el objetivo y el resultado
¿Crees que el arte es una búsqueda
narrativa o mística?
Ninguna de las dos, son dos extremos. La
exploración mística al final es tan subjetiva
que puede quedarse en las meras fantasías
de cada quien, que solo se explican y tienen
sentido para quién las vivió. Cuando alguien
te cuenta que tuvo una experiencia
espiritual, una de dos, o el otro entra en la
fantasía del que la está contando pero a
través de su propia fantasía, como una
relación espejo, o simplemente te aburres y
te da un bostezo tremendo porque es
incompatible. ¿Cómo puedes describir una
revelación espiritual de una manera
práctica y reveladora? Quizás si eres un
buen escritor, pero si eres un buen escritor
generalmente vas a saber que lo que estás
diciendo es un invento total de la realidad.
Muchas veces las personas que están muy
clavadas en lo místico lo que están
buscando es no estar clavados en la
realidad. La narrativa es como lo más
formal. Es caer demasiado en la técnica y las
estructuras, y es lo que uno trata de romper.
¿Qué artistas te llaman la atención?
Van cambiando, te llenas de tantas
referencias que es difícil. Lo último que
realmente me conmovió y me dejó
ilusionado para seguir haciendo más cosas
fue la película El caballo de Turín de Béla
Tarr. Es de ese cine con planos y secuencias
3
La Videonale es uno de los foros más destacados y longevos del video arte. Inició en 1984 y su cede es Bon, Alemania. Se caracteriza por su formato bienal y su enfoque
por la investigación y difusión del video arte. Mauricio Limón fue seleccionado para participar en la Videonale14 con su video El primero que se ría (2012).
4
Sistema de codificación de luz utilizada en la trasmisión de señales de televisión analógica, utilizada en la mayor parte de Asia, África, Australia, Nueva Zelandia y
Europa. Deriva de la incorporación de algunas mejoras técnicas al sistema NTSC que es el que se utiliza principalmente en Centro y Norte de América.
13
HOY EN MARCO HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Desarrollo del video El primero que ría a
partir de fotos | Galería Hilario Galguera
http://www.galeriahilariogalguera.com/
largas, de tomas largas, con muy poco
diálogo, muy pictórico, en blanco y
negro. Increíble película. Hace una
fusión de lo que estoy viendo que está
pasando en el cine y el video arte.
Cuando ya video-artistas tienen una
exigencia de hacer más una película que
un video y los cineastas se dan más el lujo
de hacer video-arte al hacer películas.
Entonces, Béla cuenta una historia a
partir de una anécdota, pero la forma
cómo la desarrolla es de una calidad y
maestría en ese género. Es muy buena.
Lo que pasa en la película es un
campesino y su hija viviendo en su casa,
comiendo papas durante siete días.
Haciendo las actividades básicas mínimas,
alrededor de todo esto está la introducción
de la película y el porqué se llama “El
caballo de Turín”. Es la anécdota de cuando
Nietzsche 5 queda loco, resulta que
Nietzsche sale caminando por Turín un día
y ve a un campesino maltratando a su
caballo, y Nietzsche se lanza a abrazar al
caballo diciendo “perdona madre, he sido
un torpe”, después de esto se desvanece y
se desmaya. Dos días después recupera el
conocimiento pero queda loco, de hecho
son los últimos diez años de su vida y se
acaba su legado, ya no produce. Esa
anécdota ha dado pie a muchas
interpretaciones e historias, pero siempre
a partir de Nietzsche. En su película Béla
Tarr dice “¿Qué pasó con el caballo y el
dueño del caballo y su hija?”. La película
empieza cuando el campesino entra con su
caballo a la caballeriza, y de ahí entra la
película en un nihilismo. O sea entra a
hablar Nietzsche, pero a partir de la
historia del caballo y la familia.
En la conferencia hablaste de tu pieza
Bizco merolico chorus6 (2006),
mencionaste que en ese tiempo estabas
escuchando música barroca.
En ese tiempo escuchaba mucha música
clásica en general. Estaba con la idea de
cultivar el oído.
5
Federico Nietzsche fue un destacado filólogo, filósofo, crítico cultural, poeta y compositor alemán del siglo XIX. Entre su obra destacada están “Así habló Zaratustra”,
“Más allá del bien y del mal”, “Ecce Homo” y “El anticristo”, por mencionar algunos.
6
Bizco merolico chorus, 2006. http://www.youtube.com/watch?v=zTjC6LfUeol
14
HOY EN MARCO HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Fotos: Cortesía Luis Frías
Y ¿cómo vas?
Bien, fantaseo con tener un oído bien
adiestrado para la música. Escucho de
todo. Por momentos te clavas con algunos
grupos, pero después me abro a escuchar
géneros distintos. No me gusta el HeavyMetal, no lo odio, pero no me gusta. Música
clásica en sus momentos. Me gusta mucha
música, pero estamos tan bombardeados y
hay tanta cantidad de música producida
que ya como que clavarse mucho con un
artista deja de ser especial.
He tocado en algunos grupos de rock, y
me interesa la parte del desdoblamiento
de la personalidad que parece suceder en
el acto de tocar en vivo.
Yo también tengo una banda, toco la guitarra
y canto, bueno canto tres rolas y las otras las
canta otro cuate. La banda es muy
polifacética, es muy divertido, y es muy padre
la onda del escenario. La banda se llama
Nohoch7.
¿Qué significa Nohoch?
Es una palabra Maya que puede significar
gordo, pesado o grande. Dependiendo donde
lo usas.
De las obras que están expuestas en
marco ¿Hay alguna pieza que te llame la
atención?
La pieza de Gerard Byrne (1984 and Beyond,
2007, que forma parte de la exposición El
mañana ya estuvo aquí), el video de los
escritores, es una pieza de las que te dejan con
ganas de seguir haciendo cosas. Supercasting,
superlocación y buen contexto. El pretexto
para hacer la pieza es muy bueno. Sí, es una
buena idea publicar esas conversaciones que
aparecieron en la revista Playboy. Para mí, el
video lo lleva más lejos, porque en la revista se
banalizan por su contenido inminente. Me
encanta. Además, los actores son buenísimos.
Durante la charla, Mauricio mostró interés por
la situación de la ciudad y su cultura,
señalando que en Monterrey se valora mucho
la pintura, reconoce que la pintura es un
medio que permite más acceso a los
coleccionistas que el video.
7
Puedes escuchar al grupo de Mauricio en: http://soundcloud.com/nohoch
15
HABLAMOS DE
HOY EN MARCO ENTREVISTA INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
A d e l a
M a n c i l l a
Foto: Archivo EnMARCO Voluntarios
DANZA / CARLOS MÉRIDA
Adela Mancilla
EL MAESTRO CARLOS MÉRIDA: UN RECUERDO Y UN SUEÑO
16
Foto: Cortesía Adela Mancilla
HOY EN MARCO ENTREVISTA INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Adela Mancilla durante una presentación de danza folklórica
17
HOY EN MARCO ENTREVISTA INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
18
INFORMARCO
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
M i r n a
G a r z a
El Café Campana
Foto: Mirna Garza
Los visitantes del Museo d'Orsay en París, encuentran una cálida sorpresa justo entre la galería de Impresionismo y el área de exhibiciones
temporales: una cafetería cuyo diseño integra delicadamente un elemento contemporáneo a la arquitectura del museo de estilo BeauxArts. Con sus motivos acuáticos, los hermanos Campana crearon este espacio llamado el Café Campana, con elementos inspirados en la
obra del artista Émile Gallé, y sirviendo como un tributo al movimiento artístico Art Nouveau de finales del siglo XIX.
Aludiendo temas marinos, los hermanos Campana captan con tonos azules, cobres, dorados y anaranjados contrastes similares a los
reproducidos por Émile Gallé en su trabajo en vidrio. Por ejemplo, las sillas parecen sugerir lirios, los cuales el artista francés evocaba por
medio de su vidrio soplado de múltiples capas.
Acompañando a estos elementos, encontramos pantallas de cable anaranjado de formas orgánicas que distinguen áreas y establecen
flujos. Mientras, bajando suavemente de la estructura de metal, podemos ver pantallas doradas que asemejan campanas.
19
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Foto: Mirna Garza
El proyecto de los hermanos Campana fue inaugurado en octubre del 2011 junto con otras renovaciones que se hicieron al museo.
Durante décadas, el área que ahora ocupa el Café Campana era conocida como el Café del Reloj por el imponente reloj a través del
cual se ilumina el espacio. La existencia de este reloj que mira al río Sena, está en el propósito original de la creación de la estructura.
La arquitectura que aloja al museo fue creada para servir como estación de trenes en 1900 para la Feria Mundial; y desde 1986, año
en que abrió al público, alberga el Museo d'Orsay.
El espacio creado por los hermanos Campana se puede traducir como la perfecta integración del arte contemporáneo que reconoce
sus orígenes. Por medio de la adaptación de elementos del movimiento artístico francés Art Nouveau y haciendo honor a uno de sus
principales exponentes, los hermanos Campana logran ofrecer a los visitantes, no sólo un área de reposo, sino incluir un elemento
de inspiración que, en conjunto con la arquitectura y las obras que se albergan en el museo, generan una experiencia
enriquecedora.
20
INFORMARCO
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
M a r í a
C r i s t i n a
C o r r e a
D .
TIPOLOGÍAS MUSEOLÓGICAS
Foto: Claudia Ortiz
El pasado 25 de septiembre se presentó en
marco la charla entre el curador Gonzalo
Ortega y su colega Willy Kautz, curador del
Museo Tamayo.
El diálogo entre los dos expertos sobre su
experiencia curatorial en museos de arte
contemporáneo y la manera en que los
espacios museográficos son pensados y
transformados de acuerdo a los diferentes
p roye c t o s , o f re c i ó a l p ú b l i c o l a
oportunidad de aprender a disfrutar
mucho mejor un recorrido por las salas de
exposición.
Como ejemplo, Willy Kautz habló de tres de
sus más importantes trabajos, a través de
los cuales señaló que las nuevas
tendencias del hacer del curador se basan
en un trabajo conjunto con el artista.
Ahora el arte se piensa como un todo
institucional, que se divide en la poética que
es la producción, y la estética que es la
exhibición y recepción. El curador trabaja en
principio desde la poética para después
revisar la estética.
La exhibición del arte contemporáneo
conlleva ideas de tipologías museológicas en
las que artistas y curadores se vuelven
colaboradores. El artista puede producir
“arte” desde el “no arte”, sin embargo, el
curador solo puede trabajar con arte.
En la exposición Yo uso perfume para ocupar
más espacio (2009), presentada en el Museo
Carrillo Gil, el curador propuso una
exposición circular, a la que integra también
un espacio de consulta.
En el caso de la exposición Pobre artista rico
(2012), exhibida en la Casa del Lago, se
entregó a cada artista invitado una cantidad
de dinero para desarrollar su obra, de esta
manera el artista se apoya en la museografía,
y a su vez se convierte en parte de la pieza.
En síntesis, la curaduría contemporánea
genera un enlace entre el artista y el arte en
la tipología museográfica. El curador
institucional se permite una auto reflexión,
donde el curador se convierte en el artista y
el artista en el curador.
21
INFORMARCO
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
M a r g a r i t a
TIPOLOGÍAS MUSEOLÓGICAS
R o d r í g u e z
Ron Mueck
RON MUECK
A la deriva, 2009. Detalle
Técnica mixta
118 x 96 x 21 cm | Ed. 1/1
Colección John y Amy Phelan
El artista de origen australiano, radicado
en Londres desde 1986, uno de los
escultores contemporáneos de mayor
re co n o c i m i e nt o a n i ve l m u n d i a l ,
actualmente presenta una muestra de
sus excelentes esculturas hiperrealistas
en la Foundation Cartier pour l'art
contemporain, en París, Francia. La
permanencia de esta muestra, en el
elegante edificio diseñado por Jean
Nouvel, que se está presentando desde el
16 de abril del año en curso, estaba
programada para finalizar el 29 de
septiembre; sin embargo, debido a la
gran aceptación por parte del público, su
estancia se prolongó hasta el 27 de
octubre.
La obra de Ron Mueck es ampliamente
conocida por el público de marco , ya
que en 1999 participó en la interesante
exposición colectiva Casa de la
Escultura, y en 2011 se presentó en la
Planta alta del Museo la muestra Ron
Mueck, un conjunto de excelentes obras
logradas en diferentes escalas, que
hacían referencia de una manera
impactante a las diferentes etapas en
la vida del ser humano. En la muestra de
París se encuentran varias de las piezas
que pudimos admirar en marco ,
además de tres obras nuevas, creadas
para esa exhibición, en las que alude a
las relaciones entre dos personas, en
las que también refleja experiencias
d e l s e r h u m a n o e n l o s d i ve r s o s
p e r i o d o s d e s u v i d a : u n a m a d re
cargando a su bebé, una pareja de
adolescentes paseando, y una pareja
de personas de edad avanzada
tomando el sol bajo una sombrilla de
playa.
La muestra Ron Mueck, presentada en
marco de marzo a julio del 2011, fue la
primera gran muestra del artista en
América Latina, con gran aceptación
d e l p ú b l i c o re g i o n a l , n a c i o n a l e
internacional que acudió a visitarla. Al
término de su presentación en París, la
muestra se presentará en Argentina y
Brasil.
22
INFORMARCO
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
M a r g a r i t a
R o d r í g u e z
EXPOSICIONES
Foto: Cortesía Francisco Larios
Varios de nuestros artistas -artistas que radican y trabajan en Monterrey, y guardan una estrecha relación con marco- presentan
actualmente muestras de sus obras en la ciudad y fuera de ella. Entre ellos se encuentran:
Francisco Larios, artista originario de
Sonora, pero con muchos años de radicar
en Monterrey, ha incursionado en diversas
disciplinas, tales como dibujo, pintura,
fotografía, litografía y medios digitales, en
una trayectoria cada vez más consolidada.
Su obra se ha presentado en varios países,
entre otros: Italia, España y Ecuador. En
Monterrey su obra es muy reconocida y
forma parte de importantes colecciones
institucionales y particulares, y ha
recibido numerosos premios, entre ellos:
en la Bienal del Museo de Monterrey de
1997; en la Bienal de Cuenca, Ecuador; y en
la Bienal Tamayo 2004. Además,
recientemente se pudo observar una
muestra de su obra en la exposición
Mesocosmos presentada en marco,
desde el pasado mes de junio.
A partir del 16 del mes de octubre de este
año, presenta La Paradoja del Arquero en la
Galería Hilario Galguera, importante
galería de la Ciudad de México, que en su
casona porfiriana muestra la obra de
artistas contemporáneos, la cual difunde
también por medio de su oficina en Berlín,
Alemania. Esta muestra permanecerá
hasta diciembre 2013.
23
Foto: Cortesía Elisa Pasquel
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ESPECIAL COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Elisa Pasquel, originaria de Monterrey, es
una ceramista y pintora destacada, su obra
se ha presentado en México, Estados
Unidos y El Salvador. En Nuevo León ha
expuesto en el Museo Metropolitano de
Monterrey, en el Museo El Centenario, de
San Pedro, y en varias galerías del área
metropolitana. A partir del 22 de agosto y
hasta finales del mes en curso, se presenta
una muestra de su obra reciente en pintura
y escultura cerámica en la sala de
exposiciones de la Cámara de la Industria
de la Construcción, Delegación N.L.
Luis Frías, joven artista originario de
Monterrey, cuya gran inquietud y energía
le han permitido incursionar en diversas
disciplinas como: pintura, collage,
dibujo, escultura, multimedia, música,
poesía, animación y video, desde hace
cuatro años es además voluntario de
marco , en donde se ha desempeñado
como diseñador de esta revista, y a partir
de este año colabora también como
escritor.
Foto: Cortesía Luis Frías
Elisa forma parte, desde hace varios años,
del cuerpo docente de marco,
impartiendo cursos y talleres de cerámica,
muy solicitados por el público del Museo.
Su obra se ha expuesto en México,
Estados Unidos e Italia, logrando paso a
paso un reconocimiento a su trayectoria.
Actualmente su trabajo se presenta: en
forma individual en la muestra Cognición
en la Galería Pedro Martínez, en el ISEM
Monterrey; en Voz con voz, junto a Diana
Olarte, en la Galería Olarte, ambas
situadas en el Centro de Monterrey; y en
la Expo-Venta de la Cruz Roja, en el
Centro Banamex, de San Pedro, Garza
García.
24
ESPECIAL
El pasado mes de septiembre se
cumplieron 14 años de la publicación
ininterrumpida de la revista EnMARCO
Voluntarios, con esta edición se llega al
número 155 de este medio de
comunicación innovador y único en su
género como publicación cultural
preparada por voluntarios de un museo, el
cual contribuye a ampliar el prestigio de
m a r c o , i n s t i t u c i ó n c o n s i d e ra d a
actualmente uno de los museos de arte
contemporáneo más importantes a nivel
internacional.
EnMARCO Voluntarios es una publicación
elaborada y editada por los voluntarios
que integran el Comité de Comunicación, el
cual se formó, en julio de 1999, con 7
voluntarios entre los cuales siempre se ha
contado con uno o más diseñadores; los
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
demás integrantes han sido voluntarios de
diferentes profesiones no relacionadas
directamente con la preparación de
publicaciones de arte. Se ha contado
siempre con el apoyo del Museo durante
todo el proceso de preparación de cada
n ú m e ro, m u y e s p e c i a l m e n t e d e l
Departamento de Educación, del cual
depende directamente, y del
Departamento de Comunicación e Imagen.
EnMARCO Voluntarios se integra con la
contribución de voluntarios y
colaboradores invitados, a partir de un
Consejo Editorial, sobre temas
relacionados a las diversas actividades de
la institución, con énfasis en las
exposiciones vigentes y en las entrevistas a
artistas plásticos, curadores, escritores,
fotógrafos, cineastas, logrando un
acercamiento más personal con los
protagonistas del arte contemporáneo en
sus diversas manifestaciones. La
diversidad de disciplinas, estilos y países
habla de la oferta tan amplia que ofrece el
Museo. Entre los entrevistados podemos
recordar al importante pintor australiano
Imants Tillers, cuya entrevista apareció en
l a p r i m e ra e d i c i ó n d e E n M A RCO
Voluntarios en octubre de 1999; Jesús
Rafael Soto, destacado artista venezolano
cuya obra forma parte de las colecciones
de museos tan prestigiosos como el Centro
de Arte Georges Pompidou, de París,
Francia; David Salle, artista
norteamericano del posmodernismo;
Gabriel Orozco, en la actualidad el artista
mexicano con mayor reconocimiento
internacional; la norteamericana Jenny
Holzer, cuya propuesta, por medio del
25
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
lenguaje escrito, se presenta tanto en
museos como en espacios públicos de
numerosos países; el fotógrafo checo de
fama internacional Josef Koudelka; el
escritor mexicano Carlos Monsiváis,
cronista de nuestro tiempo; el cineasta
Juan Carlos Rulfo, cuyos documentales
han sido premiados en el país y en el
extranjero; Ery Cámara y Victor Zamudio
Taylor, curadores y maestros de Historia
del Arte; y el escritor chileno Antonio
Skármeta, entre otros.
Para la elaboración de las diversas
secciones de la revista se cuenta con un
Manual de Estilo y un Manual de Normas
para el Diseño, preparados por los
integrantes del comité. La mejora continua
en la calidad del contenido y la edición, han
contribuido a lograr que esta publicación
sea reconocida por los voluntarios como
un elemento clave en su preparación e
integración; y por los artistas, curadores,
escritores, historiadores y críticos de arte
como un medio adecuado para la difusión
del arte, por lo cual se cuenta cada vez con
mayor frecuencia con su colaboración por
medio de artículos de su autoría, en su
mayor parte inéditos, elaborados
específicamente para la revista, en donde
se han publicado artículos de los artistas
Abraham Cruzvillegas, Paula Santiago y
Gerardo Azcúnaga; los escritores Jaime
Moreno Villarreal, Rosaura Barahona y
Gerardo Puertas Gómez; los maestros de
historia del arte Rodrigo Ledesma, Esther
Leal y Giampiero Bucci, entre otros
igualmente importantes. Además, desde
2007 el contenido de la revista se ha
enriquecido con la constante colaboración
de Omar Tamez, destacado jazzista de
reconocimiento internacional, fundador e
integrante principal del grupo Non Jazz y
maestro de música.
En noviembre del 2007, Margarita
Rodríguez y Edna Catalina Cano,
coordinadoras de edición de EnMARCO
Voluntarios presentaron una ponencia
sobre difusión del arte a partir de una
revista preparada por voluntarios de un
museo en el Congreso de Difusión del Arte
organizado por la Universidad de
Monterrey (UDEM), en el que se
presentaron reseñas y propuestas de
diversas instituciones del país y de Cuba.
Al iniciar el decimoquinto año, la revista ha
cumplido con éxito los objetivos iniciales, a
través de la integración de un equipo
26
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
comprometido con tesón en el arduo trabajo
que requiere, no obstante los cambios en sus
integrantes. Actualmente, el Comité de
Comunicación del voluntariado de marco
lo integran Edna Catalina Cano y Margarita
Rodríguez, quienes lo han coordinado desde
sus inicios en forma ininterrumpida, y los
diseñadores Sarahí Lara, Luis Carlos López,
Luis Frías y Vanessa Cantú; y Mirna Garza,
quien antes colaboraba en diseño y ahora,
que radica en el extranjero, continúa
apoyando con artículos sobre los artistas y
exposiciones en marco.
A lo largo de estos años la revista ha
mejorado paulatinamente, pasando de una
edición inicial con fotocopias a impresión
digital en 2003, posteriormente se pasó a
impresión en offset. En 2008 se agregó a la
edición impresa, la edición digital en color
para su publicación en la página de internet
de marco. A partir de enero de 2009 se
eliminó la versión impresa, publicándose a
partir de esa fecha su edición digital en la
sección de Programas/Voluntarios del sitio
web del Museo. A partir de enero de 2012 la
revista pasa de ser mensual a bimestral,
publicándose los meses pares del año.
Aunado a estos cambios, se fue ampliando la
cobertura de la revista, llegando actualmente
a nivel global al público interesado.
Ésta es una excelente oportunidad para
agradecer el apoyo de directivos y personal
del Museo y de todas las personas que han
contribuido a que EnMARCO Voluntarios
haya logrado esta meta, y de manera muy
especial a los voluntarios que en algún
momento han formado parte de este
proyecto.
EL DISEÑO DE LA REVISTA
Aprovechamos esta ocasión para presentar
al equipo que está detrás de las luces en la
realización de esta publicación bimestral.
Con este motivo hemos pedido a los
compañeros voluntarios que participan en el
diseño que contestaran a las siguientes
preguntas, sus respuestas seguramente les
permitirán conocerlos mejor.
- ¿Tiempo de colaborar en MARCO y en la
revista?
- De las portadas que has diseñado, ¿alguna
es especial para ti y por qué?
- ¿Alguna anécdota especial con artista,
curador o de este trabajo que quieras
compartir?
- Estos años de colaboración en la revista,
¿qué te han dejado?
27
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
SARAHÍ LARA
Soy voluntaria desde marzo de 2005,
colaboro en el diseño de la revista
EnMARCO Voluntarios. Durante el tiempo
que he sido voluntaria, he recorrido casi
todas las exposiciones que se han
presentado en marco, durante esos
recorridos con los artistas o curadores, he
a p re n d i d o a va l o ra r d e s d e o t ra
perspectiva el arte. Hay dos momentos que
me han sorprendido notablemente; uno es
el mes en que coincidieron la exposiciones
de Julio Galán y Frida Kahlo, en septiembre
del 2007, con el Museo abarrotado en toda
la extensión de la palabra; y el otro, el
recorrido con Spencer Tunick, en enero del
2010, al ver de cerca al artista y reconocer
su poder de convocatoria en el mundo,
simplemente obtiene mi respeto y me
gustaría que hubiera más artistas con ese
poder de convocatoria para hacer arte, o
hacerte parte del arte.
Como voluntaria de la revista trabajas en
horas no hábiles, casi siempre en la noche
y con un sentido de urgencia
impresionante. Las actividades de los
diseñadores se van rolando, cada boletín,
a veces diseñas: Portada y Hoy en MARCO,
otras veces te toca compaginar (término
usado en el diseño que significa unir todos
los artículos en un mismo archivo), o te
toca diseñar artículos como Colaboración,
o Entre Voluntarios. En fin, nosotros somos
una pequeña familia que nos damos la
mano cuando lo necesitamos, todo con el
objetivo de tener la revista en tiempo para
ustedes.
LUIS CARLOS
LÓPEZ
Ser voluntario de marco es una de las
cosas que llegaron a mi camino de
sorpresa y sin esperarlas, de esta misma
manera inesperada y sorprendente
llegan a mí gratos recuerdos que durante
6 años como voluntario he vivido,
buenas y malas experiencias son lo que
hacen de esta jornada algo único, así
como únicas son las personas,
compañeros y amigos que uno va
teniendo durante este camino en el
Museo. El ser voluntario me permite
estar conectado a mi lado artístico y
seguirlo desarrollando.
28
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
Me incorporé al grupo del boletín
colaborando en la elaboración del boletín
mensual del mes de DIC 2006, con la ayuda
de una gran amiga y ejemplo a seguir
(Mirna Garza), voy empapándome del día a
día como voluntario y de las actividades
como diseñador del boletín, la manera en
que se trabaja y el proceso de revisiones
previas a la publicación del mismo; no pasó
mucho tiempo para dominar estas
actividades gracias a la paciencia y
capacitación de mis compañeras Caty
Cano, Margarita Rodríguez y Sarahí Lara.
Son muchas las cosas por decir de la
experiencia en el boletín, pasamos del
papel a la WEB y seguimos
actualizándonos. Una de las actividades
como Diseñador del Boletín es el diseño de
la portada, pues es la imagen del boletín y
con ella tenemos que impactar a la
audiencia e invitarla a conocer su contenido.
En lo particular, el diseño de la portada es
algo que como diseñador disfruto, pues es
en ese diseño que puedo imprimir parte de
mi personalidad, ya sea con los colores,
formas y la selección de imágenes a mostrar;
trato de mantener una línea y diseño en mis
portadas, dándole énfasis a la imagen
representativa de la exposición vigente,
disfruto mucho de imágenes obscuras en
mis portadas, detalles de obras, contrastes
de colores, Willie Doherty, Frida y Foster +
Partners son algunos ejemplos que pueden
mostrar parte de mi estilo y gusto gráfico.
Son pocas las ocasiones en las cuales puedo
asistir a los recorridos guiados ya sea por
horarios o trabajo, puedo decir que esa es
una de las cosas que más me llenan como
voluntario, el tener acceso a la obra y conocer
su significado, que en muchas de las
ocasiones es transmitido por el mismo autor
de la obra. PIXAR, Dominique Lemieux, Ron
Mueck, Frida, Betsabeé Romero, Loretta Lux y
Annette Messager son algunas de las
exposiciones y recorridos que he disfrutado
al máximo, que me dejan un buen sabor de
boca, y crearon un impacto que va más allá
de lo visual.
Estos 6 años como voluntario han
enriquecido mi persona en el ámbito cultural,
el estar en contacto con las obras y con el
Museo te permite abrir tu panorama y la
manera en la cual percibimos las cosas que
nos rodean y de alguna manera aprendemos
a apreciar todo tipo de expresión cultural,
nos hacemos críticos en base a lo vivido y
aprendido, creo que el observar obras, acudir
29
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
a talleres y pláticas de arte por más de 6
años deja en uno un conocimiento, el cual
no necesariamente tienen que compartir
los demás, en cuestión de arte todos
tenemos una opinión y es válida, el hecho de
crear una reacción en el espectador es
suficiente, con ello el arte cumple su
función.
Las tecnologías y medios de comunicación
nos llevan a seguir cambiando, a
evolucionar adaptándonosos a las nuevas
generaciones y medios para continuar con
la difusión del arte y posiblemente veremos
un boletín web, algo en redes sociales, un
post, etc. nuestra labor como diseñadores
seguirá siendo el darle un toque artístico a
la información publicada, un orden y una
continuidad a las publicaciones; seguiremos
al pie del cañón el tiempo que sea necesario.
LUIS FRÍAS
Llevo colaborando en el diseño de la revista
desde la edición de octubre 2009 y a partir
de abril de este año también he colaborado
escribiendo algunos artículos. De las
portadas que he diseñado hay varias que
me han gustado, recuerdo mucho las de
Sze Tsung Leong (2010) y la de Dominique
Lemieux (2011) porque eran muy blancas y
limpias; quizás la que más me ha gustado
fue la de ¿Neomexicanismos? (No.
145/2012), pues la foto de Graciela Iturbide
de la señora con las iguanas en la cabeza,
como de sombrero, me parece hipnótica e
impresionante. Hay otras que me gustan
mucho, como la de Beuys (No. 134/2011)
que realizó Luis Carlos López, me parece
que la elección de la imagen fue más que
acertada. Recuerdo también una de antes
que yo entrara a la revista, la de la
exposición Antony Gormly (No.111/2008),
realizada por Sarahí Lara, porque saca de
escala las figuras de barro, parecen ser
enormes y yo recuerdo que en la exposición
eran muchas pero pequeñas.
Tengo muchas anécdotas en el Museo y las
exposiciones, principalmente mi interés en
convertirme en voluntario era estar cerca
del edificio en sí mismo. Ahí estudié en los
primeros cursos de verano que hicieron,
recuerdo mucho a Javier Marín y a Segundo
Planes. Luego realicé aquí mi servicio social
y aprendí mucho. En la faceta de voluntario
he conocido gente muy linda y he
disfrutado mucho la cercanía con las
exposiciones, especialmente los recorridos
con los artistas y/o curadores; y la
30
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
posibilidad de visitar el Museo en casi
cualquier momento. Quizás de los
recuerdos más recientes son las
convivencias con los artistas Ignacio
Salazar y Mauricio Limón para escribir los
artículos de la revista. Con Mauricio he
conversado ya en varias ocasiones y he
encontrado muchas afinidades, atención
de su parte y una sensación muy relajada.
Con el maestro Ignacio me sentí muy
motivado, contento de ver que la pintura
en ese nivel tan profundo y espiritual que
él maneja sigue teniendo espacio.
Cuando conversé con él me di cuenta que
la vida espiritual se nota hasta en la
velocidad en que habla. Me di cuenta de lo
acelerado que yo estaba, a pesar de
también tener mis propias aspiraciones
espirituales. Ambos me motivan a seguir
trabajando en mi propia obra. Recuerdo
mucho la exposición de Dr. Atl (2012), tal
vez la que más he visitado, creo que fui
una vez a la semana, su pasión
investigadora se notaba en la obra.
También recuerdo que me quedé con
ganas de seguir viendo más la obra de
Paula Rego.
Creo que he aprendido mucho en el
Museo. Es un lugar que desde mi infancia
ha participado en diferentes niveles de mi
aprendizaje, desde los talleres a las
capacitaciones o, simplemente, con las
exposiciones. Me gusta participar en el
Museo porque me gusta aprender. En el
Museo se descubren realidades, entre las
p e r s o n a s y l a s o b ra s , e n t re l a s
sensaciones que vibran por los pasillos y
los sonidos internos que hacen eco en
nuestros corazones.
VANESSA
CANTÚ
Comencé a colaborar con el Museo y la
revista en mayo de 2010, hace poco más de 3
años. De las portadas que me ha tocado
diseñar, las que más me han gustado son las
del artista Ron Mueck (abril y mayo de 2011,
número 136 y 137 respectivamente), ya que
esta exposición me causó gran asombro por
el realismo de las obras, que inclusive se
podía admirar a través de las fotografías
utilizadas en la revista.
Alguna anécdota… Durante el recorrido para
voluntarios de la exposición de esculturas La
voz de mis manos a cargo del artista Jorge
Elizondo, yo me encontraba embarazada de 7
31
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO COLABORACIÓN ENTRE VOLUNTARIOS
meses de mi primer hijo, recuerdo que al
final, el maestro caminó entre la gente para
alcanzarme, me tomó del brazo para decirme
lo muy hermosa que me veía, lo cual causó mi
asombro y sonrojamiento; supuse que para
él, yo estaba esculpiendo la más hermosa de
las esculturas, una vida humana. Decidí
pedirle que se tomara una fotografía con
Sarahí, Caty y conmigo y aproveché para
darle las gracias por tal cumplido, a lo que
contestó que era de admirar ver a una joven
en mi estado. Esa tarde, me fui esbozando
una gran sonrisa al salir del Museo.
Estos 3 años y contando que he tenido la
oportunidad de colaborar con la revista, me
han dejado la satisfacción de poder
acercarme al arte que se expone en el Museo,
y la oportunidad de conocer y colaborar con
gente muy agradable y con intereses afines.
MIRNA GARZA
He colaborado en el boletín por
aproximadamente 8 años. La portada de
Henri Moore (Dic. 2005, No. 75) tiene un
valor especial para mí, dado que fue la
primera portada que diseñé, el proceso de
diseño fue más largo y aleccionador. Aún
recuerdo los nervios y emoción de verla
publicada. De las exposiciones, recuerdo
en particular la de Frida Kahlo, que marco
presentó en 2007. La exposición, en solo un
mes, impuso récord de entrada con más de
100 mil personas que asistieron al Museo
para conocerla. Así que para apoyar, acudí
un sábado para dar visitas guiadas a los
visitantes; fue un día agotador, pero lleno
de mucho aprendizaje y satisfacciones por
lo que compartí con los asistentes.
Colaborar en la revista me ha dado la
oportunidad de aprender sobre arte y los
contextos que las obras nos comparten.
Además, me ha dado la oportunidad de
trabajar con un equipo de personas que
admiro por su pasión por la divulgación del
arte.
32
COLABORACIÓN
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
O m a r
T a m e z
JAZZ
Una mirada sobre nuestra escena
33
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL ENTRE VOLUNTARIOS
34
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL ENTRE VOLUNTARIOS
35
Fotos: Cortesía Omar Tamez
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL ENTRE VOLUNTARIOS
Concierto en Berlín, Omar Tamez y Conny Bauer
36
ENTRE VOLUNTARIOS
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN
P o r
E d n a
C a t a l i n a
C a n o
LA COLECCIÓN DEL MUSEO DE ARTE MODERNO
UN SIGLO DE CRÍTICA
Capacitación
Fotos: Sofía Ortiz
El pasado 9 de octubre tuvo lugar el recorrido de capacitación para voluntarios y servicio social por la nueva exposición, que desde el
viernes 11 de octubre se exhibe en las salas de la Planta Alta del Museo. El recorrido fue conducido por el maestro Rodrigo Ledesma, quien
comentó sobre las características de las obras y las circunstancias históricas que dieron origen a las mismas.
37
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN
CONVIVIO PARA BERTHA ELIZONDO
Con motivo de su próxima boda, el pasado 30 de septiembre se llevó a cabo una convivencia de voluntarios con Bertha
Elizondo, quien apoya a Aleyda Viornery en la coordinación de voluntarios. Los detalles de la decoración con influencia de
Andy Warhol pusieron de manifiesto la creatividad de los voluntarios organizadores del evento. Los mejores deseos para
Bertha en esta nueva etapa de su vida.
38
Fotos: Amaira Zamora
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN
39
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN
Visita al Tec de Monterrey
El jueves 12 de septiembre, el grupo de voluntarios visitó la exposición México Moderno/México Contemporáneo. Colección
Femsa en la Biblioteca del TEC Campus Monterrey. La visita por la primera fase de esta exposición (México Moderno) fue guiada
por Margarita Fernández, catedrática del Departamento de Arte y curadora de la exposición, quien extendió una invitación
cordial para visitar la segunda fase de esta muestra (México Contemporáneo) en esa misma sede a partir del 17 de septiembre.
Foto: Amaira Zamora
40
HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN
Fotos: Amaira Zamora
CAPACITACIÓN DE VOLUNTARIOS
Las sesiones de capacitación del 30 de agosto y el 20 de septiembre estuvieron a cargo del maestro Alejandro Suárez, quien mediante la
revisión de los nuevos planteamientos en la historia del arte, ha ido recorriendo las diferentes etapas de la producción artística analizando
los elementos socio-culturales y las características evolutivas del arte.
41