La edición en español de la revista Dance Europe Nº 3 Diciembre 2009 5.50€ David McAllister, Ann Sholem, Irena Pasaric, Martin Schläpfer y Sharon Watson ¿Qué buscan? Festival de Danza de Córdoba John Neumeier y Roberto Bolle Fernando Alonso Paul Liburd Danielle Rowe Dancing City San Petersburgo 12 9 772041 884000 Gente Reportajes 22 30 42 ¿Qué buscan? 14 Paul Liburd 48 Fernando Alonso 56 Danielle Rowe DEBORAH WEISS les pregunta a otros cinco directores qué bailarines se llevarán los puestos de trabajo más codiciados Dancing City: San Petersburgo MIKE DIXON reporta sobre una nueva iniciativa del Teatro Mikhailovsky y recorre la ciudad Festival Danza de Córdoba EMMA MANNING visita la edición mexicana del Youth America Grand Prix y tiene una gran impresión Actualidad 6 8 51 78 82 John Neumeier y Roberto Bolle Contenido 10 Entre Nous Carta Audiciones y Trabajos Calendario Internacional Página de personalidades La portada: Anais Bueno y Daniel Camargo en el pas de deux paysan de Giselle en el Festival Danza de Córdoba. Foto: Jorge Coria DEBORAH WEISS le pregunta al director y al bailarín principal sobre su nueva creación MARY BRENNAN conoce a uno de los nominados al Critics’ Circle National Dance Award de este año TOBA SINGER habla con el legendario director cubano que cumple 95 años este mes PHIL CHAN se encuentra con la bailarina principal tomando un descanso con Morphoses Funciones 18 Muerte y Amor 26 Festival de Danza de Holanda 36 El lago de los cisnes de Greve 38 De Siberia a Moscú 40 Comedy of Change EMMA MANNING escribe sobre Mary Vetsera de Melissa Hamilton y el retorno de Cojocaru a Aurora ALI MAHBOUBA asiste las funciones que dieron el pistoletazo de partida al festival de La Haya DEBORAH WEISS evalúa una fusión de estilos convencionales con algunas adiciones intrigantes MARGARET WILLIS analiza un ballet eestrenado después de un centenario de olvido DEBORAH WEISS reflexiona sobre el homenaje a Darwin de Mark Baldwin Fotos: Holger Badekow, Bill Cooper, Andrew Ross DANZA EUROPA diciembre 2009 3 the School of The Royal Ballet and Birmingham Royal Ballet Director: Gailene Stock AM Founder: Dame Ninette de Valois OM CH DBE A Dream Team Photo: Johan Persson Your talent. Our training. 46 Floral Street · Covent Garden · London WC2E 9DA Website: www.royalballetschool.co.uk Tel: +44 (0)20 7836 8899 Fax: +44 (0)20 7845 7080 Email: [email protected] Pictured: Elisa Badenes (Graduate 2009) and Joseph Caley (Graduate 2005, now First Soloist of Birmingham Royal Ballet) Funciones continuación 59 Limen 60 Morphoses 63 EMMA MANNING está desencantada con el último estreno del Royal Ballet. DEBORAH WEISS y DONNACHADH McCARTHY estudian los estrenos y reestrenos en Sadler’s Wells América Suzanne Farrell Ballet Apollo/La Sonnambula/The Unanswered Question... DANZA EUROPA P.O. Box 12661, London E5 9TZ,UK Tel: +44 (0)20 8985 7767 Fax: +44 (0)20 8525 0462 www.danzaeuropa.net http://dropbox.yousendit.com/DanceEurope Editora Emma Manning [email protected] Tel: +44 (0)20 8533 7815 Editora en español Elia Luyando Jefe de Publicidad Naresh Kauldhar [email protected] Tel: +44 (0)20 7682 1733 mobile: +44 (0)7981 945320 skype: nareshdanceeurope Washington Ballet Don Quixote Gerente de anuncios Maria Teresa Del Real [email protected] skype: mariadanzaeuropa Boston Ballet World Passions Paris Advertising NETA +33 (0)1 43 87 08 68 Lucinda Childs Dance/Concerto Largo Editora del Calendario Internacional de Actuaciones Deborah Weiss [email protected] Gala Transicicón para bailarines en Nueva York 67 Críticas Independent Ballet Wales Qué verde era mi valle Traductores españoles Damián Rafael Donéstevez de Mendaro González Justine Tania Bayod Espoz Fotógrafo Asociado Bill Cooper Consultora Editorial Clare Taylor Sangre Nueva, Jóvenes Flamencos Ballet Real de Flandes La evolución del ballet Ballet du Capitole Maestros del siglo XX Vanemuine Theatre Ballet Kevade (Primavera) Wendy Houstoun Keep Dancing Dutch National Ballet Concerto Mark Morris Dance Group Bedtime/V/Empire Garden Tanz Theater Braunschweig Geschlossene Gesellschaft English National Ballet Giselle Fabulous Beast/ENO La consagración de la primavera Ballet Nacional de Estonia Los tres mosqueteros The Young Dancers’ Company Esperanza Northern Ballet Theatre Cumbres borrascosas Queensland Ballet Steps for Strings/ Chant d’Amour/Nineteen 75 Asia Danscross en Beijing DONALD HUTERA reporta sobre una nueva iniciativa coreográfica Administradora Katie Harrington [email protected] Sumario japonés Yuki Nagano Críticos de danza y escritores Gloria Benedikt, Natalie Axton, Mary Brennan, Phil Chan, Judith Delme, Mike Dixon, Claire Dommett, Justine Bayod Espoz, François Fargue, Maggie Foyer, Alessandra Gallone, Jane Hackett, Patrick Hurde, Donald Hutera, Jamaludin Bin Jalil, Alison Kent, Tim Martin, Ali Mahbouba, Donnachadh McCarthy, Aoife McGrath, David Mead, Bruce Michelson, Mia Nadasi, Yuki Nagano, Catherine Pawlick, Marina Radina, Malcolm Rock, Nicholas Rowe, Toba Singer, Kate Snowden, Stuart Sweeney, Iva Visak, Deborah Weiss, Viki Westall. Dance Europe fue fundada en noviembre de 1995 y Danza Europa fue lanzada en octubre de 2009. Son publicadas 11 veces al año y distribuidas a todo el mundo por: Comag Specialist Division, Londres y sus asociados. Suscripciones individuales, ejemplar sencillo, pasadas ediciones y versiones digitales, se encuentran disponibles online en www. danceeurope.net. Solicitar precios para Bibliotecas e Institutos. Ninguna parte de esta revista deberá ser reproducida sin el consentimiento escrito del editor. Contribuciones por cuenta propia son bienvenidas, especialmente de escritores que han trabajado como bailarines profesionales. Nuevos escritores deberán, en primera instancia, someter a consideración una reseña corta o artículo acompañado por un CV. Fotos enviadas por e-mail o vía nuestro dropbox, necesitan ser 300dpi y deben ser claramente capturadas en Photoshop File Info. © Dance Europe 2009 Hamburgo y Londres Reseña Japonesa por Yuki Nagano Fotos: Carol Pratt, Jani Renajera, Erin Baiano, Teatro Español, Wei Bing DANZA EUROPA diciembre 2009 5 Entre Nous Monaco P ocos lugares del mundo pueden afirmar tener un enlace tan fornido con los Ballets Russes como Mónaco - Diaghilev pasó casi dos décadas en el principado – y para celebrar el centenario, el Fórum de Danza de Mónaco y los Ballets de Monte-Carlo han concebido un ambicioso programa que tendrá lugar entre el 9 de diciembre y el 18 de julio. Acertadamente titulado Act I (Acto I), la primera parte (9 de diciembre - 3 de enero) se enfoca en las nuevas adaptaciones del repertorio de los Ballets Russes, incluyendo la versión de Shéhérazade de Alonzo King; dos versiones diferentes de Faunes de Nijinsky, Momboye, Chouinard, Kylián, Malandain y Maillot; Cía. Marie Chouinard y Cia. Georges Momboye, ambos ofreciendo sus diferentes producciones de Prélude à l’Après-midi d’un Faune y Le Sacre du printemps; el Ballet de Hamburgo con Nijinsky de John Neumeier; Rite of Spring - Summer of Love de Karole Armitage; y In the Spirit of Diaghilev (En el espíritu de Diaghilev), que se presentó recientemente en Sadler’s Wells, con Dyad 1909 de McGregor, Faun de Cherkaoui, Eternal Damnation de De Frutos y el radiante Afterlight de Russell Maliphant. www.balletsdemontecarlo. com. En la foto - Alonzo King LINES Ballet - Laurel Keen and Brett Conway in Shéhérazade. Photo: Marty Sohl Move It MOVE IT, el evento británico programado entre el 12 y el 14 de marzo del 2010, busca concursantes para su competición de danza en línea ‘Get On Stage’. La búsqueda se ha iniciado para tratar de encontrar los bailarines y compañías de danza más sensacionales del Reino Unido, las que serán invitadas a actuar sobre un escenario de Londres enfrente de un público de 5,000 personas. El jurado incluye a Erin Boag y Matthew Bourne. Los aspirantes tienen que completar un formulario de inscripción en www.moveitdance.co.uk y subir su vídeo en www.moveitdance.co.uk/ getonstage. 6 DANZA EUROPA diciembre 2009 Vladimir Vasiliev Youth America Grand Prix Abiertas a jóvenes bailarines de todo el mundo, las finales del Youth America Grand Prix 2010, la mayor competición de estudiantes de ballet del mundo, tendrá lugar en Nueva York del 21 al 25 de marzo. A las finales seguirán dos extraordinarias galas en el City Center: Stars of Today meet the Stars of Tomorrow (Estrellas de hoy conocen a las estrellas de mañana), en la que concursantes seleccionados de la competición tendrán la oportunidad de bailar junto a artistas internacionales invitados, el 26 de marzo; y Vladimir Vasiliev: a Gala Tribute to a 20th century Dance Legend (Vladimir Vasiliev: una gala de tributo a una leyenda de la danza del siglo XX), un tributo ejemplar al famoso bailarín del Bolshoi el 27 de marzo. Dance Europe entregará una vez más un premio de US$ 1,000 a un Bailarín Sobresaliente - un premio ganado previamente por Sergey Polunin (que ahora es primer solista en el Royal Ballet) y Elisa Badenes Vázquez (ahora con el Ballet de Stuttgart). Bailarines que desean competir para las varias becas que se ofrecen (escuelas participantes incluyen la Escuela del Royal Ballet, la Escuela John Cranko, la Escuela del Ballet de Hamburgo, la Academia Princess Grace de Danza Clásica, la Escuela de Danza de Nueva Zelanda y muchas más) y que no puedan asistir a las semi-finales (la última tiene lugar en Osaka este mes), pueden enviar una aplicación en vídeo a YAGP Regional Office, 212 Bloomsbury Avenue, Catonsville, MD 21228-5222, USA. Foto: Bill Cooper NBT Romeo El Northern Ballet Theatre (NBT) ha sido nominado al más importante de los Premios de Teatro del Manchester Evening News (MEN) por su producción de Romeo y Julieta, que interpretó en el Teatro de la Opera de Manchester del 27 al 30 de mayo del 2009. Otros nominados son Carlos Acosta en el Lowry; Rambert Dance Company, A Linha Curva en el Lowry; English National Ballet en Manon en el Teatro Palace y Birmingham Royal Ballet, Triple Bill en el Lowry. El ganador será anunciado en una ceremonia deslumbrante a la que asistirán estrellas del escenario y la pantalla el 8 de diciembre en el Midland Hotel de Manchester. En la foto - Victoria Sibson de Señora Capuleto y Darren Goldsmith de Teobaldo en Romeo & Julieta de Northern Ballet Theatre. Foto: Merlin Hendy. British Dance Edition British Dance Edition es una iniciativa celebrada cada dos años, por DanceExchange de Birmingham para perfilar obras nuevas o ya existentes de los principales artistas, compañías de danza y coreógrafos afincados en el Reino Unido. Bajo la dirección artística de David Massingham, BDE 2010 promete adoptar una nueva postura con “un enfoque a la conservación del dialogo y del discurso creativo”. La lista de obras incluye God’s Garden (El jardín de dios), la nueva producción de Arthur Pita y una exclusiva mundial, Yesterday (Ayer) de Jasmin Vardimon Company, If We Go On (Si seguimos) y In the Spirit Of Diaghilev (Al espíritu de Diaghilev). También programado está Breakfast with Akram Khan (Desayuno con Akram Khan), un evento de estudio con desayuno que presentará extractos de la próxima obra de Khan Vertical Road (Calle vertical), Sitting Room Circus (El circo de la sala de estar) de Wildwood Productions de Will Tuckett, The Body Is The Frontline (El cuerpo es la línea de fuego) de Rosie Kay Dance Company, LOL Lots of love (LOL Mucho amor) de Protein y Under Glass (Bajo vidrio) de Clod Ensemble (foto de Manuel Vason). BDE 2010 tendrá lugar del 3 al 6 de febrero 2010 y ahora delegados extranjeros pueden inscribirse de gratis. www.bde2010.co.uk DANZA EUROPA diciembre 2009 7 Carta Seasonal Fare Amigos Británicos del Ballet Nacional de Cuba E n octubre del 2004 un grupo de aficionados británicos al ballet asistimos al Festival Internacional de Ballet de La Habana. Todos quedamos sumamente impresionados por el increíble estándar de baile a todos los niveles del Ballet Nacional de Cuba. Es de primerísima clase. Al final de nuestra visita, nos juntamos para discutir cómo podríamos apoyar a esta compañía que baila bajo circunstancias muy difíciles. Hay escasez de todo, desde zapatillas a maquillaje. A petición de Alicia Alonso, financiamos la restauración del Estudio Anton Dolin para que tuvieran un estudio nuevo con aire acondicionado, que usan principalmente para trabajar con niños. Se abrió formalmente en el festival de 2006. Después del festival del 2006, formamos British Friends of Ballet Nacional de Cuba (Amigos británicos del Ballet Nacional de Cuba) para recaudar fondos para apoyar a la compañía, y en octubre del 2008 conseguimos el estatus de organización benéfica. Alicia Alonso, la gran prima ballerina, fundadora y directora del Ballet Nacional, es nuestra Patrona y Miriam Vila y Loipa Araujo son las Presidentas. El año pasado hicimos una donación de más de £14,000 para pelucas, vestuario, etc. para su nueva producción de La bella durmiente, que se estrenó en el festival del 2008. Nuestro número de socios es limitado debido a que el Ballet Nacional no ha bailado en el Reino Unido desde el 2006, pero va a venir la primavera próxima, y bailarán en el London Coliseum así como en Manchester, Birmingham y Cardiff. Alicia Alonso ha preguntado si los British Friends podrían financiar el nuevo vestuario y los decorados para su producción de Magia de la Danza, que traerán al Reino Unido. Magia contiene fragmentos de una variedad de ballets clásicos y requiere una gran cantidad de trajes. El coste de llevar esta nueva producción al escenario es desalentador para nuestros pocos y relativamente humildes socios, así que buscamos contribuciones de otros fuera de la organización. El Ballet Nacional de Cuba valora enormemente el apoyo de sus amigos británicos. Si desean información adicional sobre nuestras actividades o sobre la Petición Magia de la Danza, el Director y Sub-director tendrán el gusto de contestar sus preguntas. Si desean hacerse miembros de British Friends of Ballet Nacional de Cuba (Afiliación anual mínima £10) o si desean hacer una donación para el proyecto Magia de la Danza, envíen un cheque (a cobrar por BFBNC) y su información personal a Janet Radenkovic, Secretary BFBNC, 13 Oakley Close, London W7 3BQ, Reino Unido. Una declaración de donativo se mandará a todos los donantes, para que el BFBNC obtenga un reembolso de los impuestos. Los British Friends esperamos poder organizar algunos eventos durante la gira de la compañía por el Reino Unido, y algunos viajaremos al Festival Internacional de La Habana el próximo octubre para una gran celebración de danza. Norman Vaughton, Chairman BFBNC, [email protected] David Bain, Deputy Chairman BFBNC, [email protected] 8 DANZA EUROPA diciembre 2009 Kenta Kura como Mr Jeremy Fisher en Tales of Beatrix Potter del Royal Ballet. Foto: Johan Persson M Paris Opéra en L’Après-midi d’un faun. Foto: Christian Leiber ientras que el Cascanueces sigue dominando la programación navideña, hay muchas alternativas para escoger. El Royal Ballet vuelve a estrenar el 14 de diciembre su obra apta para niños Tales of Beatrix Potter (Los cuentos de Beatrix Potter) con Les Patineurs en un programa doble de Ashton (www.roh.org.uk); La Opera de Paris tiene un programa de los Ballets Russes que incluye Le Tricorne de Massine, Petrushka y Le Spectre de la Rose de Fokine; y L’Après-midi d’un faun de Nijinsky a partir del 12 de diciembre (www.operadeparis. fr); Berlín Staatsballett reestrena Caravaggio de Bigonzetti desde el 2 de diciembre (www.staatsballett-berlin.de); y en Escocia, la Directora Artística Morag Deyes ha creado un programa estrambótico, Off Kilter (Descentrado), para Hogmanay (la celebración escocesa del año nuevo), que se puede ver en el Teatro del Festival en Edimburgo desde el 29 de diciembre al 2 de enero (www.festivaltheatre.org.uk). Deyes ha agrupado a un diverso elenco de coreógrafos, bailarines, músicos y artistas para un programa de danza tradicional del Highland escocés, hip-hop y danza india, además de danza Berlin Staatsballett en Caravaggio. clásica y contemporánea. Foto: Enrico Nawrath El espectáculo incluye Gemmel’s Goal (El gol de Gemmel), una pieza inspirada en el espectacular gol del futbolista Archie Gemmel para Escocia en la Copa Mundial de 1978 y coreografiada por el Director Artístico de Y-Dance Andy Howett; Small Street (Calle pequeña), un solo creado por Janet Smith del Scottish Dance Theatre y bailado con la canción Nae Regrets de Martyn Bennett; y nuevas obras de Mark Morris y Ashley Page. Después de sus funciones en Edimburgo, Off Kilter irá en gira a Glasgow, Aberdeen, Perth e Inverness en enero. Tony Mills en Off Kilter. Foto: Douglas Robertson 22, rue de la Paix www.repetto.com Softness More comfortable Carlotta the Repetto pointe shoe Silence 60% less noisy For 60 years, the Repetto Company has been coming on stage with dancers throughout the world. Marie-Agnès Gillot, Prima Ballerina of the Paris Opera Ballet 10 DANZA EUROPA diciembre 2009 Hélène Bouchet y Roberto Bolle en un ensayo de Orpheus. Foto: Holger Badekow John Neumeier, Hélène Bouchet y Roberto Bolle en un ensayo de Orpheus. Foto: Holger Badekow John Neumeier Roberto Bolle DEBORAH WEISS le pregunta al director de Hamburgo y al bailarín principal de La Scala sobre su nueva creación John sobre Orfeo y Roberto “L a idea original de hacer un ballet basado en Orfeo vino de Jürgen Flimm, director del Festival de Salzburgo. Teníamos la intención de que fuera una coproducción entre el Ballet de Hamburgo y el Festival. Hablamos sobre eso durante dos años y medio. Tuve la idea de pedirle a Roberto que se involucrara en ello. He hecho Orpheus dos veces anteriores: cuando fui director en Frankfurt hice la coreografía de la ópera; luego dirigí e hice la coreografía para una producción aquí en Hamburgo hace unos veinte años. Pero ésta es la primera vez que lo hago sólo como ballet. “Siempre iba a ser para Roberto. Tenía que tener una idea en mi propia imaginación creativa acerca de quién era esa persona y una estructura básica de qué versión de la historia trataríamos de seguir, digamos, una conceptualización DANZA EUROPA diciembre 2009 11 John Neumeier y Roberto Bolle en un ensayo de Orpheus. Foto: Holger Badekow instintiva de la historia. Pero no comencé la creación hasta realmente empezar a trabajar con Roberto. Aunque ha hecho muchas grandes obras, en realidad nunca ha tenido una obra hecha para él, así que trabajé con él muy cuidadosamente. Usualmente con mi compañía hubiera tenido dos o tres elencos en el salón al mismo tiempo, pero sentí, porque sólo ha trabajado conmigo en La Dama de las Camelias, que debía trabajar con él solo. El es un bailarín tan famoso; ha hecho tantos grandes papeles; tiene una técnica fantástica, habilidad física, un cuerpo y un rostro hermosos, todo, pero lo que me llamaba la atención desde el principio era su sentido casi infantil de la humildad. Todos los elementos que conforman a una estrella, o sea ser un príncipe, ser algo que realmente no es parte de él, parecían desaparecer. Lo que más me gusta son sus momentos de más sencillez, en que se ve más muchacho. Me ha ayudado a desarrollar mi concepto sobre Orfeo. “Lo más importante del argumento para mí es la combinación entre alguien con un talento dado por Dios, una vocación, pero al mismo tiempo es un ser humano. 12 DANZA EUROPA diciembre 2009 Encontrarse con Eurídice, y luego su horrible muerte, es un accidente. La combinación entre destino y accidente es tan conmovedora porque es absolutamente una condición humana. El clímax del ballet ciertamente será su viaje al otro mundo. El es un artista con cualidades únicas, pero es un ser humano capaz de enamorarse perdidamente. Y después, sin razón lógica alguna, se ve privado de esta mujer y es irreconciliable; está perdido. Al mismo tiempo, realza su arte y, a través de este sufrimiento, su arte es único e intenta todo lo anormal, yendo al otro mundo para recuperar su amor y, a través de su humanidad, no lo consigue. “Utilizo las dos obra griegas de Stravinsky, Orpheus y Apollo. Habrá alguna otra música, porque creo que es importante que Orfeo logre una voz única en términos de que era músico y he utilizado un violín, en vez de una lira. Lo que quise cuando utilicé el violín fue para hacerlo tocable, para hacerlo moderno: un mito en un contexto realista. Uso una obra para violín del compositor alemán Heinrich Ignaz Franz Biber, un compositor del siglo 17 que escribió la música más extraordinaria para este instrumento, que está siendo redescubierto ahora. “Mi método (de creación) es investigar algo profundamente, particularmente algo como Orfeo, porque hay mucha literatura sobre él. Yo desarrollé un esquema musical, lo que significa, lo que expresa en el tiempo, pero lo coreografía en sí solamente sucede en el salón. Ese momento, en que uno trata de olvidar todo lo que uno sabe, escucha la música como si fuera por primera vez, y el elemento de improvisación, yo improviso y trato de dárselo a los bailarines. La inmediatez y la tensión justo antes de que uno comienza es importante y luego sólo sé hacia dónde voy una vez que he comenzado. El texto coreográfico debe llevarte al próximo sitio. Y la música es más importante. Es como el piso para mí. Sin él no podría moverme. Y hay días que son más difíciles que otros. Uno tiene días en que fluye a través de uno y días en que uno tiene que utilizar su destreza. Si continúo trabajando, entonces encuentro el próximo filón. “Yo sí (cambio cosas). Creo que la danza es un arte vivo, no como la pintura o la escritura. La ventaja de ser director y coreógrafo, porque veo cada actuación, es que soy libre de cambiar cosas en todo momento. Uno sí crece y, a través de la experiencia, pienso que uno mejora. Admita eso y permítase mantener la obra viva. A mis bailarines les encanta porque constantemente contribuyen a lo que es el tiempo presente del ballet. Y es tan importante juzgar tu propia obra de forma crítica que al final tú dices, ¿es verdad eso? ¿Creo en eso? ¡O es algo ante lo que, por unos cuantos minuto, cierro mis ojos!” Roberto sobre John y su papel como Orfeo “E “Para mí, en Orfeo puedo encontrar partes de mí mismo, en la sensibilidad del personaje, la profundidad, especialmente cuando está perdido.” ste es el primer papel que han creado para mí. Es algo extraordinario porque he bailado tantos roles, clásicos, modernos, por todo el mundo y con diferentes parejas, así que es una gran oportunidad. (John) es uno de los grandes coreógrafos del mundo, especialmente en los ballets narrativos. Es un momento maravilloso para mí, para mi experiencia y mi carrera. “Estaba nervioso, muy nervioso, especialmente al principio, cuando empezamos en septiembre. Es un ballet completo, un gran papel, aunque había trabajado con John en La Dama de las Camelias, nunca lo habíamos hecho en una nueva producción, así que tuvimos que ver cómo trabajaríamos juntos. Durante la primera semana, ¡tengo que decir que ambos estábamos un poco nerviosos! Uno planea un importante proyecto, pero si nunca has trabajado con el artista, no sabes cómo va a ser. Estaba un poco tenso. Pero John estuvo muy complacido al final de la primera semana y sentimos que emocionalmente estábamos pensando en la misma frecuencia. “John absolutamente encabezaba mi lista, si alguna vez alguien iba a crear algo para mí, especialmente después de La Dama de las Camelias. Ese fue el primer momento en que había trabajado con él y me encantó. Me encantó la intensidad del papel (Armand), el significado de cada gesto, cada paso, la musicalidad, las emociones. Tenía un gran deseo de trabajar con él de nuevo. Lo más extraordinario de laborar con él es su habilidad para encontrar significado en cada paso y la investigación de cada aspecto, la musicalidad, el uso de la música de Stravinsky, así como alguna otra música electrónica que usamos para el otro mundo. De cada paso él es capaz de crear un sentimiento que es muy intenso. También es muy difícil para mí, porque no estoy acostumbrado (al proceso creativo). Estoy acostumbrado a prepararme a partir de videos o viendo funciones. Es un gran reto. Veo que en su compañía, están listos, conocen su vocabulario y son mucho más rápidos que yo. ¡Trato de ser tan rápido como puedo! ¡Soy sincero, puedo decirle a John que voy a dar un 100%, pero no es fácil! “He descubierto algo en mí mismo emocionalmente. Trabajando con un coreógrafo tan bueno como John, él es capaz de mirar todos los aspectos, las posibilidades físicas, el artista. Siento que crezco todos los días; es capaz de dar más y yo puedo dar más, es algo realmente especial. “Al comenzar los ensayos, John nos leyó un libro sobre Orfeo que, para él, fue muy inspirador. Quiso que nosotros conociéramos cuáles eran las partes particularmente conmovedoras. Así que de alguna manera nos estaba inspirando, aún cuando era sólo escuchar pasajes de música, tales como el largo solo de violín de Biber. Un día sólo escuchamos eso. En un sentido nos guió. Para mí, en Orfeo puedo encontrar partes de mí mismo, en la sensibilidad del personaje, la profundidad, especialmente cuando está perdido. Algunos segmentos son muy emotivos y me gusta cuando hay tristeza que uno puede expresar. El rango emotivo es realmente grande, pero siento que soy capaz de expresar mucho. Todavía no hemos terminado el ballet, pero cuando regrese, sé que va a haber un período de ensayos en el escenario, y me he preparado para eso y sé que va a ser muy difícil, John me dijo: ‘toma muchas vitaminas’, así que ¡estoy listo para ello! “Me ha dado una sed de trabajar con otros coreógrafos. Es muy importante como artista y es algo que siempre quise hacer, pero no ha habido tiempo. Me encantaría hacer más, descubrir cosas que no puedo descubrir si estoy haciendo siempre las mismas cosas.” DANZA EUROPA diciembre 2009 13 Paul Liburd MARY BRENNAN conoce al cautivador bailarín principal del Ballet Escocés M ayo de este año, el Ballet Escocés partía para una gira a China ansiosamente esperada - Paul Liburd, con su maleta empaquetada y pasaporte en mano, no estaba de humor para empezar a abrir el correo. Sin embargo, un sobre decía “A servicio de su Majestad” grabado en la parte superior. “Recuerdo haber pensado ‘¿qué es esto? Estoy a punto de irme, ¿hay algún problema?’ Y empiezo a ponerme algo nervioso. Y cuando lo abrí, me quedé mudo. Estaba impactado. Realmente impactado.” Liburd se ríe, acordándose de cómo – una vez que había digerido la noticia de que su nombre aparecería en la Lista de Honores del Cumpleaños de la Reina 2009 – tuvo que permanecer mudo, hasta la China y de vuelta, pues no podía decirle a nadie de la compañía que iba a ser honrado por su servicio a la danza con un MBE. No fue hasta junio, cuando las listas se publicaron oficialmente, que la noticia de su ‘gong’ se hizo pública. 14 DANZA EUROPA diciembre 2009 Paul Liburd como Mercutio y Ballet Escocés en Romeo y Julieta de Pastor. Foto: Andrew Ross. Paul Liburd. Foto: Andrew Ross DANZA EUROPA diciembre 2009 15 Hitos Nacido el 11 de octubre de 1968 en Leeds Estudios de danza: London School of Contemporary Dance Compañías: London Contemporary Dance Theatre, Irek Mukhamedov & Dancers, Rambert Dance Company, Scottish Ballet (solista) Repertorio en el Ballet Escocés: De Page El cascanueces, 32 Cryptograms, Refurbished Behaviour, The Pump Room, Room Of Cooks, La Cenicienta (El maestro de danza), Fearful Symmetries, La bella durmiente (El rey y el príncipe rumano), Pennies From Heaven y Cheating, Lying, Stealing. De Balanchine Agon, Los Cuatro Temperamentos (Melancólico/ Flemático), Rubíes y Episodios. De Forsythe Artifact Suite y Workwithinwork. Façade de Ashton, La siesta de un fauno de Robbins, For M.G.: The Movie de Brown, In Light And Shadow y Romeo y Julieta (Mercucio y Fray Lorenzo) de Pastor, MiddleSexGorge y Ride The Beast de Petronio, Chasing Ghosts y Lull de Loosmore, Träume de Dean, Petrushka de Spink y Carmen (Escamillo) de Alston. Premios: Cosmopolitan/Scholl Award en 1985; BBC Yorkshire Black Achievers Award en 1992; Critics’ Circle Award por Mejor Bailarín (Contemporáneo) 2005; MBE por su servicio a la danza en los honores del cumpleaños de la Reina 2009. Nominado al Critics’ Circle National Dance Award 2009 - The Dancing Times Award por Mejor Bailarín con Federico Bonelli y Colin Dunne. 16 DANZA EUROPA diciembre 2009 Paul Liburd en The Pump Room de Ashley Page. Foto: Bill Cooper. A Liburd todavía le parece imposible. “Es un honor tan grande,” dice calladamente. “Que me den esto por algo que quiero tanto – trabajar de bailarín...” El amor por la danza empezó durante su juventud en Leeds. Sólo que también tenía un don para los deportes. “Si, estaba indeciso sobre cual de los dos le gustaba más. Me acuerdo de cuando tenía 14 años y tuve que tomar una decisión – o el equipo de deporte de la escuela o una función de danza con el grupo juvenil.” Su sonrisa dice que no lamenta que la danza haya ganado. Los públicos que le han visto sobre el escenario – con el London Contemporary Dance Theatre, Rambert Dance Company y últimamente con el Ballet Escocés – aplaudirían la decisión que le sacó del camino de los deportes y le llevó a la interpretación de repertorio que suena como una lista de los grandes e influyentes coreógrafos del siglo XX. En 1985, cuando un joven Liburd saltó por las paginas satinadas de Cosmo – ganó el Premio Cosmopolitan/Scholl ese año – no había nada que sugiriera que Balanchine, o cualquier cosa remotamente conectada con el ballet clásico figuraría en su futura carrera. Simplemente parecía y se movía como la salvación de la escena de danza contemporánea del Reino Unido. Se podría decir, por supuesto, que en ese momento en que había muy pocos bailarines negros en nuestras compañías profesionales, Liburd se hubiera notado. En realidad lo que siempre le ha hecho notable a los críticos y al público, es su calidad como bailarín: su elegancia y fuerza, y también su presencia carismática sobre el escenario. Después de devorar acres de espacio con una energía fina y feroz, Liburd fascina al público de pie en el escenario con una quietud total, nunca arrogante pero de alguna manera innatamente noble. ‘Majestuoso’ es, de hecho, una palabra que se repite frecuentemente en las críticas de su trabajo con el Ballet Escocés. Ah si – el Ballet Escocés. Después de entrenar en el London School of Contemporary Dance, Liburd se unió al ahora difunto y muy lamentado London Contemporary Dance Theatre (LCDT) antes de cambiarse, en 1992, a Rambert Dance Company (que estaba bajo la dirección de Richard Alston en ese momento). Se quedó ahí durante 12 años, manteniéndose leal con Rambert durante un tiempo de considerable agitación – no sólo echaron a Alston de Rambert, sino que el LCDT dejo de existir por completo. Liburd todavía se siente perplejo y triste por lo sucedido. “No me lo podía creer. Ya estaba en Rambert, y sabía que eran compañías muy distintas. Cada una tenía una identidad propia, un repertorio distinto, un estilo único. London Contemporary se basaba más en Graham, Rambert en ese momento se basaba más en Cunningham. Había sitio para las dos compañías. Fue una pérdida terrible, una sorpresa para todos”. Liburd hizo sus propias olas cuando empezó a bailar con el Ballet Escocés en otoño del 2004. Sus últimos meses con Rambert le trajeron el elogio de Bailarín Sobresaliente (Contemporáneo) en los Premios Nacionales de Danza del Círculo de Críticos (2004) – ¿Por qué cruzar la frontera a Glasgow? ¿Y a una compañía clásica? Liburd se ríe y admite que quería hacer algo diferente antes de dejar la danza - y, seguramente lo encontró cuando entró en la sede del Ballet Escocés en Glasgow West End. “Llegué muy temprano por la mañana,” dice “y había varias bailarinas con sus zapatillas de punta... Nunca había vivido algo semejante. ¿Te dio miedo? Absolutamente. ¡Creo que me quedaba en el rincón cuando dábamos clase durante el primer par de meses!” Sin embargo, pronto estaba de nuevo en el centro del escenario. Ashley Page, Director Artístico de la compañía, creó Pump Room para Liburd, un cuarteto humeante e intensamente físico donde exhibió su proeza junto a Jarkko Lehmus, Diana Loosemore y Sophie Martin. Siguieron otros roles hechos especialmente para él. Cuando Krzysztof Pastor montó su In Light and Shadow (En la luz y la sombra) con el ballet, cambió parte de la coreografía para que destacase Liburd. En 2008, cuando volvió Pastor para crear un nuevo Romeo y Julieta para la compañía, vistió a Liburd muy diferente: aunque en la primera obra había aparecido con pecho al aire, fundido y majestuoso en un sarong metálico, ahora llevaba el traje de lino de Mercucio, tan aseado como un dandi pero peligrosamente travieso – hasta un poco amanerado y coquetón – mientras mofa al rígido Teobaldo. Liburd obviamente aprecia mucho la experiencia. Paul Liburd y Patricia Hines en Room of Cooks de Ashley Page. Foto: Andrew Ross “Una de las cosas mejores y más gratificantes que he hecho en el Ballet Escocés es trabajar con Krzysztof. Y se lo agradezco muchísimo. Para Mercucio – acababa de operarme de la rodilla izquierda por culpa de un desgarro de cartílago, y él esperó hasta que me hubiese recuperado y estuviese de vuelta en el estudio...” Surge que, a pesar de todo – las críticas estáticas, los premios prestigiosos, los papeles importantes - Liburd se pone nervioso a menudo. “En realidad, muy nervioso. Siempre cuestiono lo que hago – y aquí, en el Ballet Escocés, no importa cuántas repeticiones hago, los nervios no siempre se calman. Porque siempre cuestiono si estoy haciéndolo igual de bien que los bailarines clásicos. Digo de vez en cuando que estoy en tierra de nadie. Ni entrenado clásicamente, ni como bailarín contemporáneo, aunque esa sea mi trayectoria profesional hasta ahora. Pero bailar Balanchine, las piezas de Forsythe, ballets de Ashley – y tener que no sólo bailar sino también usar accesorios e interpretar a personajes como El cascanueces o La Cenicienta – creo que lo único que se puede hacer es intentar ser fiel a la visión del coreógrafo”. Sin embargo, hay otra sorpresa. Aunque Liburd mantiene un cuerpo sano, ahora habla de frenar un poco su carrera. “Tengo unas cuantas molestias en el cuerpo, pero supongo que es por la edad – tengo 41 años. Estoy muy agradecido por el cuerpo que tengo, pero estoy consciente de que no puede seguir siempre al nivel de danza que hacemos aquí. Así que ya he hablado con Ashley, y he decidido que abandonaré la compañía el año que viene. No, no sé lo que haré. A lo mejor me dedicaré a la fotografía que me encanta. A lo mejor estudiar gerencia de artes. A lo mejor bailar para otra compañía. Pero ya es hora de hacer ese cambio”. Este puede ser el único cambio que Liburd haga que no nos deje aplaudiendo... DANZA EUROPA diciembre 2009 17 18 DANZA EUROPA diciembre 2009 Melissa Hamilton en Mayerling. Foto: Bill Cooper Muerte y Amor EMMA MANNING evalúa la actuación de Melissa Hamilton en el papel de Mary Vetsera y el regreso de Alina Cojocaru en el role de Aurora Melissa Hamilton y Rupert Pennefather en Mayerling. Foto: Bill Cooper E l hecho de que el Royal Ballet, citando escasez o alguna otra razón, ahora pueda sólo asignar boletos para un elenco en cada producción nos pone en un dilema serio: ¿debemos asistir a la noche de prensa y ver un elenco seguro, frecuentemente integrado por bailarines que ya han interpretado anteriormente los papeles principales, u optamos por una función que ofrezca un debut o algo de particular significación? Para las reposiciones de Mayerling y Bella que abrieron la nueva temporada, la promesa de ver a Melissa Hamilton en su debut como Mary Vetsera, y a Alina Cojocaru asumiendo el papel de Aurora en Londres por primera vez desde su prolongada lesión, me impulsó a abandonar las noches de prensa con el objetivo de observar elencos alternativos. Ningún otro ballet comienza de forma más deprimente que Mayerling de Kenneth MacMillan. Su prólogo desolador en el cementerio Heiligenkreuz, con las sombrillas negras y la caída de la lluvia, nos indica que la historia que sigue no va a ser un cuento de hadas. Rastreando un periodo notoriamente escandaloso de la historia europea, durante el cual se le dice al público que el Príncipe heredero de la Corona ha muerto de un infarto en vez de suicidarse con su joven meretriz, resulta incuestionable que es uno de los ballets más impresionantemente dramáticos de todos los tiempos. También exige del bailarín masculino uno de los más grades retos, o sea que éste no sólo necesita un vigor físico inhumano sino que también tiene que ser un actor verdadero. David Wall fue el primero en hacer el papel del Príncipe Rudolf, heredero de la Corona, en 1978, y aunque muchos lo han sucedido, pocos han podido emular su escalofriante DANZA EUROPA diciembre 2009 19 Carlyle Building Hortensia Road London SW10 0QS T. 020 7376 7076 F. 020 7376 3404 E. [email protected] AnnounCing Michael corder AS DiRECToR oF DAnCE auditions Applications for entry in September 2010 are now available to download from our website. uK auditions London and Leeds. international auditions Photo © Peter Teigen France, Germany, Italy and Sweden, Ballet training for the 21st century onE YEAR gRADuATE CouRSE 18 – 19 Years THREE YEAR CouRSE 16 – 19 Years www.enbschool.org.uk interpretación. En años recientes los Príncipes Rudolf más destacados han sido Irek Mukhamedov y Carlos Acosta. Rupert Pennefather, un nuevo competidor, todavía no nos hace sentir escalofríos en la columna vertebral. Aunque, técnicamente, su interpretación está lograda, haciendo quintas perfectas y sosteniendo sus arabesques extendidos con corrección, su diálogo físico todavía no es convincente. Cuando abraza a una de las muchas mujeres que tiene en la vida, los brazos no son más que ramas decorativas carentes de emoción, y con toda su angustia facial, el Rudolf de Pennefather no retrata a una persona destruída por su adicción a la morfina. Sospecho que no fue por el Rudolf de Pennefather que se llenó la sala, sino por el debut de Melissa Hamilton en el papel de Mary Vetsera. El primer golpe de Hamilton lo dio cuando ganó el YAGP de Nueva York en el 2007. En aquel momento para mí no estuvo seguro, posiblemente porque me perdí las primeras vueltas de la competencia y sólo vi su variación menos que perfecta en las finales. Poniendo a un lado tales inconvenientes propios de los comienzos, la joven irlandesa es hermosa en su conjunto, y su físico expresivo fue bendecido con una cualidad innata, para no mencionar sus empeines verdaderamente eróticos. En Londres, primero llamó la atención en Infra de Wayne McGregor. Su apariencia de Lolita de niña, la convierte obviamente en candidata para la Mary Vetsera de 17 años, adolescente infatuada con el prestigio de morir con el Príncipe heredero de la Corona, más que con el pobre diablo en el que se convirtió. Si hubiera sabido que su destino era un entierro de poca monta, a muchas millas de la tumba real, no habría caído tan vulnerablemente en la pesadilla de plan diseñado por él. Hamilton captura la pilla curiosidad de Vetsera por las pistolas y el sexo con una convicción aterradora, y su cuerpo dúctil es pura sensualidad fundida, movida por la dilución. Verla constituye un sueño absoluto y un crédito a sus estudios con Masha Mukhamedov. De los otros personajes del ballet, Elizabeth Harrod asumió hábilmente el abrumador papel de la Princesa Stephanie, aunque un poco tentativamente, mientras que la Larisch de Marianela Nuñez fue perfilada con más confianza. El virtuosismo de la noche estuvo a cargo del exuberante Bratfisch de Brian Maloney. E n total contraposición con el drama oscuro de Mayerling, La Bella Durmiente satisface paladares que buscan finales de “y fueron felices por siempre”, dentro del marco del ballet clásico del siglo 19. La producción actual de la compañía es atribuida a Monica Mason y Christopher Newton, quienes regresaron a la versión histórica de Valois y Sergeyev. Con los diseños originales de Oliver Messel, suplementados con adiciones nuevas a cargo de Peter Farmer, de forma general la producción complace desde el punto de vista estético, por lo que es insondable la razón por la que los físicos de los bailarines no fueron tomados en cuenta al seleccionar el elenco. Es verdad que el Hada Lila requiere ser imperativa, pero Laura McCulloch, quien se eleva ridículamente como una torre por encima de su séquito de pequeñas hadas, estuvo totalmente mal seleccionada. Una cosa es vanagloriarse de tener una compañía Alina Cojocaru y Johan Kobborg en La Bella Durmiente. Foto: Bill Cooper con diferentes físicos y tallas, y otra ponerlos todos juntos en el escenario sin tener en cuenta como se complementarán unos con otros. McCulloch puede ser una fuerte bailarina, pero es muy obvio que no da el papel del Hada Lila, menos en una compañía que evidentemente tiene otras danzantes mejor equipadas para bailar este papel esencial. En la comitiva de hadas, la Fuente de Cristal de Yuhui Choe fue especialmente deliciosa, sus brazos hermosos acarician el aire como hebras de seda, y Hikaru Kobayashi en el Jardín Encantado estuvo igualmente impresionante. Sin embargo, toda la atención de Bella recae absolutamente sobre Aurora, cuyo Adagio de la Rosa es uno de los pilares del ballet. Todavía no he visto a una Aurora caer de nariz en el piso, pero sí he sido testigo de algunos momentos aterradores en algunas funciones, donde el atrevimiento de la bailarina, si no un tobillo tambaleante, la ha hecho caer. No hubo ninguna presión sobre una de las bailarinas más estimadas del mundo, en su retorno al papel de Aurora en su escenario, luego de una seria lesión. No nos preocupemos: Cojocaru estuvo absolutamente radiante, totalmente en equilibrio y su interpretación no fue otra cosa que un milagro de perfección. Tiene una empatía innata con la música, juega con ella, pero nunca abusa, y su fraseo es realmente celestial. Cojocaru, como sucintamente dijo mi acompañante, “todavía lo logra”. Los dos suspiramos con alivio. Partneando a la maravillosa princesa estuvo Johan Kobborg, quien nos ofreció un Príncipe Desire seguro, sus propias variaciones estuvieron hechas a mano y ejecutadas con limpieza. También estuvieron bien Laura Morera, como una de las hermanas de la Floresta, así como Yuhui Choe y José Martin como ejemplares Pájaros Azules. DANZA EUROPA diciembre 2009 21 segundo parte ¿Qué buscan? Irena Pasaric - foto: Aleksandar Sasa Novkovic; Martin Schläpfer - foto: Gert Weigelt; David McAllister The Australian Ballet DEBORAH WEISS les pregunta a otros cinco directores qué bailarines se llevarán los puestos de trabajo más codiciados 22 DANZA EUROPA diciembre 2009 La musicalidad es la primera cosa que me atrae de alguien en una audición. La confianza en sus capacidades y la seguridad en la técnica. Con esto no quiero decir confianza de competencia sino una fuerza interior y calidad en la base que llame la atención, más que una actuación como un faro. [Pero] el que no pueda captar los ejercicios y tenga dificultad con el material técnico básico perderá mi atención rápidamente y cualquiera que baile fuera de música definitivamente no está destinado para un contrato. Audicionamos por invitación luego de recibir un currículo y preferiblemente un DVD. No hacemos audiciones públicas. Me fijo en dónde son entrenados y quien les enseñó. Si han tenido algun empleo previo o alguna otra experiencia en la escena. Deben estar vestidos con pulcritud y sencillez. No trate de usar cosas que usted crea que esconden sus puntos débiles porque éstas sólo las resaltan. La audición se hace con la compañía en una clase de ballet clásico, las muchachas dan la clase en puntas. Si existe una oportunidad es bueno ver a los bailarines después de unos días. El contrato inicial tiene al principio un periodo de prueba para que tengamos la oportunidad de evaluar las habilidades del bailarín en varios estilos del repertorio y sus habilidades en el trabajo de pareja durante este tiempo. Como la audición se hace durante la clase de la compañía siempre están ahí hasta el final. Pienso que es importante ver la capacidad del Sharon Watson. Foto: Richard Moran “Pienso que hay una línea muy fina entre la confianza y la arrogancia” Ann Sholem - foto: Roy Campbell-Moore. danzante en todas las etapas de la clase. Supongo que siempre me decido por los más talentosos, pero eso viene en varios paquetes. El Australian Ballet está formado por un grupo muy diverso de bailarines y me gusta que los miembros de la compañía tengan su propias habilidades artísticas, pero que compartan el espíritu de apertura y libertad de movimiento. ¡Si un bailarín es muy alto o muy pequeño tiene que ser muy talentoso! Tenemos la tendencia a captar a la mayoría de los miembros de la compañía de la Australian Ballet School, donde podemos monitorear el desarrollo de éstos en un periodo de tiempo largo. Llegan a trabajar junto con la compañía en muchas funciones y tienen el sentido del estilo y la calidad de ésta. Sharon Watson Phoenix Dance Theatre Hay algo en permitir que la personalidad aflore. Busco un físico entrenado, un “look” bien físico. Pero algunas veces la personalidad es lo que hace que uno quiera ver a un individuo y que te llame la atención desde un inicio. Pienso que hay una línea muy fina entre la confianza y la arrogancia. Eso se puede detectar bien temprano. En una audición reciente esto se hizo muy evidente y en un espacio de tiempo muy corto. No escuchan y pierden mucho. Enviamos invitaciones para las audiciones, usualmente en dos locaciones. Recibimos los currículos y pedimos un mínimo de tres años de entrenamiento profesional, la experiencia es un dividendo. A partir de ahí, hago una selección entre escuelas vocacionales, algunos independientes, y aquéllos que están en compañías, los invitas porque uno espera que haya algo creíble en ellos. Me fijo en los bailarines que han sido recomendados, si no pudieron asistir a la audición. Lo que veo es particularmente importante para mí, porque si estoy haciendo una inversión, necesito ver lo que estoy comprando. Les permito que usen sus ropas holgadas para que calienten. Luego les pido que se las quiten. En leotardo y mallas, pullover a la medida y shorts o con las piernas descubiertas para yo poder ver lo que ese cuerpo me está diciendo. Hacemos una clase de dos horas, en la que comenzamos en la barra y luego David McAllister. Foto: James Braund “La musicalidad es la primera cosa que me atrae de alguien en una audición.” DANZA EUROPA diciembre 2009 23 Central School of Ballet Professional Performers Course A full-time three year course leading to a BA (Hons) degree in Professional Dance and Performance. Applications for September 2010 entry are now open. Preliminary auditions 12 December - Central School of Ballet, London 7 February - Northern Ballet Theatre, Leeds 21 February - Central School of Ballet, London Please visit www.centralschoolofballet.co.uk to download an application form. Central Dance Days Central hosts a series of workshops to give young dancers from 12 to 16 a chance to learn more about life in full-time dance training. You’ll learn a variety of ballet, contemporary dance, musicality and performance skills to encourage and inspire your current dance training. Visit www.centralschoolofballet.co.uk for details of upcoming Dance Days, and application forms. . Become the best possible dancer you can and want to be Central School of Ballet 10 Herbal Hill Clerkenwell Road London EC1R 5EG Tel: 020 7837 6332 [email protected] www.centralschoolofballet.co.uk Central School of Ballet is an affiliate of The Conservatoire for Dance and Drama hacemos un centro contemporáneo. En esas dos horas les doy la oportunidad de que se comprometan con ese maestro y sean capaces de posicionarse en ese mercado, que se cuestione su pericia. A la mayoría de ellos les damos la oportunidad de ver sus habilidades creativas. Hacemos algo creativo con una gran libertad. Diseñamos una estructura y luego comenzamos a improvisar, les damos criterios y permitimos que los desarrollen. En ese momento decimos que tenemos que hacer un corte. Esa es sólo la primera parte de la audición. Después los llevamos de regreso a nuestra sede en Leeds. En cuanto a la imagen de la compañía, tenemos bailarines increíblemente altos, con líneas estupendas, tenemos gente pequeña, mucha amplitud y diversidad, yo quiero tener en ella todo ese rango cultural. Irena Pasaric Ballet del Teatro Nacional Croata de Zagreb Creo que todo director hoy en día inicialmente se fija en las habilidades físicas del bailarín. Es un ideal que no existe. Lo más importante para mí es la buena coordinación, la musicalidad, alguien que aprenda rápido y que tenga lo que yo llamo “inteligencia para el ballet”. Hoy es muy difícil de encontrar, porque tenemos muchos buenos físicos pero, quizás, menos personalidad. Pero la personalidad es más importante que la técnica. Me gustan los bailarines que trabajan duro, que son disciplinados y que dedican sus vidas a la profesión. Nunca tenemos grandes audiciones, así que sólo lo hacemos por invitación. Yo hago una preselección teniendo en cuenta el currículo, veo las fotos y es bueno si mandan un video, porque con frecuencia la gente tiene fotos bellas, pero cuando uno los ve en clase son otra cosa. También veo su educación y experiencia. Hacemos una clase de ballet clásico y las muchachas tienen que ponerse las zapatillas de punta después de la barra. Me gustaría que tomaran más de una clase, pero la primera impresión es muy importante para mí. Deben estar adecuadamente vestidos para que podamos ver su físico. Si estoy haciendo una audición para solistas, entonces les pido que hagan una variación. Eso me brinda una mayor oportunidad de verlos como artistas íntegros. Pienso que selecciono el mismo tipo de bailarín, porque si quiero desarrollar mi compañía tengo que tener una cierta imagen. Mi repertorio es muy clásico aunque hacemos obras contemporáneas nuevas en cada temporada. A veces, aunque no tengan cuerpos perfectos, se pueden mover bien. Prefiero muchachos más altos y muchachas ligeramente más pequeñas pero hoy en día, por línea general, ¡es todo lo contrario! La selección es una decisión difícil y sé que todo el mundo comete errores, pero usualmente tiene que ver con la personalidad, con no tener suficiente tiempo para ver cómo se van a desarrollar. Pero generalmente yo creo que una clase es suficiente, porque mi decisión es instintiva. Me gusta hablar con ellos después, conocer sobre sus vidas, porque entonces tengo una imagen más clara de quiénes son. Martin Schläpfer Ballett Deutsche Oper am Rhein Musicalidad y una buena técnica, casi por encima de la media. Yo me inclino hacia lo clásico, aunque eso lo rompo con mi coreografía. Lo que realmente me atrae es si hay libertad y coraje en el movimiento; un bailarín con curiosidad, pasión y psiquis abierta. A veces puede que esté escondido, pero yo siento que está ahí. Me gusta ver muchos “colores” diferentes en mi compañía, hablando metafóricamente. Me gustan los extremos técnicos académicos, pero “la persona” siempre tiene que estar por encima de ello. La actitud y la imagen escénica de lo que es y no es la danza son criterios de selección para dejar a alguien fuera. O cuando siento que la educación ha sido tan machacada en el sentido de que solamente hay una forma de danza presente en esa persona. En mis quince años como director sólo he hecho una audición pública. Siempre hago que la gente tome clases. Cuando pienso que él o ella y yo podemos colaborar, entonces les pido que vuelvan. Cuando doy la clase, me da un sentido inmediato. Si un currículo es sobresaliente, puede interesarme, pero la mejor forma sigue siendo venir y tomar clases. En mi decisión tiene influencia la forma de vestir, el porte. Si alguien es desgarbado puedo vacilar, porque es un reflejo de cómo son como personas. Tu apariencia refleja tu estado interior. Me gusta ver el trabajo de punta. No tanto en la barra sino en el centro. Se los dejo un poco a ellas. Les hablo por un tiempo y les pregunto por qué bailan, cómo se ven a sí mismos, qué esperan de la profesión y de mí. Pienso que es importante que el bailarín decida sobre mí y sobre nosotros, no se trata sólo de mi decisión sobre éste. Uno puede reconocer a un buen danzante pero, darse cuenta de cuanta pasión pone o si quema a fuego lento o no, eso toma un poco más de tiempo. Cuando las colaboraciones no tienen éxito, es debido a estas razones, no a una caída de un pirouette. Irena Pasaric. Foto: Aleksandar Sasa Novkovic “Pero la personalidad es más importante que la técnica” Ann Sholem National Dance Company Wales Busco un bailarín con fuerte técnica, pero cuya personalidad y carisma sean igualmente importantes. Necesito que tengan una buena técnica clásica y contemporánea, que calienten la pista y se muevan en el espacio. Y con eso, quiero a alguien que realmente llame la atención. Ese carisma, ese factor X, no hablamos suficiente sobre la importancia de eso. Cualquier bailarín técnico que luzca como un robot o no esté metido en el proceso, no me interesa. Usualmente me doy cuenta, después de haber visto a alguien durante unos diez minutos, que mi intuición era correcta. Permitimos que cualquier bailarín profesional venga y tome clases. Me gusta la gente interesada en la clase, en ver los ensayos, que tenga un sentido de quiénes somos. Es importante que la persona a la que contrate encaje en el equipo, sea parte del carácter distintivo de nuestro grupo y esté conciente de por qué existimos. Me fijo en dónde fueron entrenados, en sus antecedentes y experiencias. Generalmente buscamos personas que al menos tengan dos o tres años de experiencia en escena, antes de hacerles una invitación para audicionar. Cuando hacemos audiciones, tenemos una hora y media o dos horas de clase de danza contemporánea. Luego trabajamos durante un día o dos días en varios fragmentos del repertorio actual. Tenemos una gran gama de coreógrafos que trabajan con la compañía, tienen que ser capaces de hacerlos todos, no permito versiones diluídas. Se necesita un bailarín con confianza y autonomía. Yo no quiero estar cuidando niños. Podemos comenzar la clase con cuarenta bailarines e ir haciendo cortes eliminatorios. El segundo día tenemos un grupo de gente a las que realmente miro con cuidado. Vemos cómo trabajan, cómo responden a las correcciones. Siempre hacemos improvisaciones para ver si son bailarines con creatividad. Al final hago una pequeña entrevista a todos los que quedan, en la que hablan sobre el tipo de giras que hacemos. Espero que los bailarines nos hayan visto bailar y hayan hecho su estudio individual. En lo que estoy interesada es en la persona. Lo peor para mí es tener un grupo homogéneo de danzantes que luzcan intercambiables. Mientras más tipos diferentes de figura y grupos étnicos, mejor. DANZA EUROPA Martin Schläpfer. Foto: Gert Weigelt “ Si alguien es desgarbado puedo vacilar, porque es un reflejo de cómo son como personas.” Ann Sholem Foto: Roy Campbell-Moore “Ese carisma, ese factor X, no hablamos suficiente sobre la importancia de eso” diciembre 2009 25 26 DANZA EUROPA diciembre 2009 ALI MAHBOUBA ve la 101ª pieza de Kylián y otros programas inaugurales del festival de este año en La Haya “E l hecho de que nosotros como compañía podemos mirar al futuro es porque estamos subidos en los hombros de gigantes. Y esos gigantes son ustedes.” Palabras emotivas de Jet de Ranitz, Director Ejecutivo del Nederlands Dans Theater, cuando se dirigió al público en la Fiesta de Reunión del Cumpleaños Cincuentenario de NDT – esta audiencia tan especial de (ex-) bailarines, coreógrafos, y personal del teatro y de detrás del escenario, que vinieron de todos los rincones del mundo para reunirse con viejos amigos y compañeros. El nuevo Director Artístico Jim Vincent, también un antiguo bailarín del NDT, continuó hablando de la evolución de esta extraordinaria compañía, y como Jirí Kylián, cuya asociación de 36 años como coreógrafo de la compañía termina este año, ha sido instrumental en redefinir la compañía una y otra vez. La 101ª pieza de Kylián, que se acaba de estrenar en la actuación inaugural del Festival de Danza de Holanda, tiene, sin lugar a dudas, un sentido de despedida, dado su título Mémoires d’Oubliettes. Aunque llena de persistentes memorias fracturadas, esto no es solamente un viaje nostálgico por la memoria. Es una pieza que tiene una vida propia y tenaz, y que plantea sus propias preguntas existenciales: ¿Somos lo que recordamos? ¿Somos lo que olvidamos? ¿Hasta qué punto manipulamos lo que recordamos para definir quiénes somos? Tres parejas lidian con esto en una lucha valerosa entre ellos, en la que intercambios turbulentos y frenéticos alternan con pasajes más meditativos y a veces melancólicos. El dueto ferozmente bailado por Aurélie Cayla y Kenta Kojiri tipifica esto; en un momento ella se tira sobre las espaldas DANZA EUROPA Holland Dance Festival NDT II - Carolina Mancuso, Marne van Opstal y Riley Watts en Studio 2. Foto: Rahi Rezvani Nederlands Dans Theater - Aurélie Cayla y Kenta Kojiri en Mémoires d’Oubliettes. Foto: Jason Akira Somma diciembre 2009 27 Northern School of • Foundation Course in Contemporary Dance (Access to HE Diploma) Northern School of Contemporary Dance is a unique dance training institution offering a select group of students the opportunity to develop and excel as dance artists in a conservatoire environment. Accepting applications now for entry in September 2010 - auditions held in the UK (Leeds), Denmark and Italy. • BPA (Hons) Degree in Contemporary Dance Contemporary Dance 98 Chapeltown Road, Leeds, UK, LS7 4BH t: +44 (0)113 219 3050 e: [email protected] www.nscd.ac.uk www.youtube.com/northernschool • Postgraduate Diploma in Contemporary Dance (PGDip) offering three distinct pathways: – the Postgraduate Company, Verve, which operates as a touring dance company – the Graduate Apprenticeship Scheme, which includes an extended work placement with a professional dance company – and the Advanced Training Scheme, which provides intensive technical training and performance opportunities • Postgraduate Diploma /MA in Choreography Photo: Judith Clijsters performing her final year solo assessment. Photographer: Chris Nash 28 DANZA EUROPA diciembre 2009 de él y cubre su cara, y en el siguiente él está acostado sobre ella, y ella se agarra a él. Unas latas aplastadas se barren como si fueran memorias no deseadas, y después caen encima de los bailarines como memorias que vuelven rápidamente para abrumarlos. Telones de largos cordones en el perímetro de repente se inclinan diagonalmente, deformando el espacio e insinuando una memoria sesgada. A lo largo oímos voces grabadas de Kylián Leigh Warren and Dancers en Shimmer. Foto: James Knowler y su mujer Sabine Kupferberg recitando al existencialista del NDT de su primera década creadas por Glen Tetley y Anna famoso Samuel Beckett en tonos susurrados y absurdamente Sokolow – una verdadera revelación de lo moderno que ya era el distorsionados. En total, es una obra inolvidable con el poder de NDT en esos tiempos. realmente emocionar y estimular el intelecto. Lionel Hoche, bailarín del NDT en los ochenta, también vino Parece ser el momento de celebrar aniversarios, ya que el desde Francia con su compañía para interpretar Pan!, una obra siguiente trabajo, Studio 2, es para los bailarines más jóvenes inspirada en la filosofía de los Indios Hopi sobre cómo todo en de NDT II, y se refiere al estudio en el teatro de la compañía nuestro entorno tiene su uso y merece su sitio – incluso todas donde durante exactamente veinte años Lightfoot- León han las baratijas en nuestras vidas que aquí llenan el escenario y estado creando sus obras. Estos han vuelto a producir una obra cuelgan en el aire como si congeladas en medio de una explosión. muy dramática cuya danza intensamente expresiva hace que los Absurdo y colorido, fue difícil saber qué opinar de la obra. ¿Es el protagonistas y sus relaciones nos importen. Un personaje central, equivalente de danza de Arte Naïf? O simplemente es un juego ese maravilloso bailarín Riley Watts, se siente un extraño que de niños: una función de circo con criaturas extrañas, como un está tratando de comunicarse con los otros bailarines que van y monstruo de hojas verdes, una bestia de botellas de plástico y dos vienen en grupos de dos o tres. El no poder comunicarse con ellos payasos con pelucas verdes peleándose. No se puede culpar a los es debido posiblemente a que sólo son una memoria ilusa en su cinco bailarines que tenían una técnica excepcional: observa los mente. Un decorado impresionante tiene una rampa al fondo de la cinco minutos de coreografía de grupo que mostró gran promesa, que cuelga un espejo grande de estudio de danza que gira para pero el resto de la hora fue principalmente caos improvisado – a ofrecernos reflejos de trompe l’œil de los bailarines: por ejemplo, veces entretenido pero nunca logrando ser más que baratijas en cuando están acostados sobre la rampa, parecen estar bailando movimiento. de pie. También fue increíble ver a Paul Lightfoot de nuevo sobre Una sorpresa totalmente encantadora del festival fue Leigh el escenario, interpretando a un bailarín lesionado, y brillando en Warren and Dancers de Adelaide, Australia, una compañía su dueto con Astrid Boons en una de las partes destacadas de la refinada y con clase, que elevó la danza a un arte de verdadera pieza. Ella es muy expresiva y ya demuestra su talento en esta su calidad. Inteligencia y musicalidad incisiva caracterizan las dos primera experiencia con el NDT. obras que se presentaron, ambas de Warren, que también es un La obra Dissolve in this (Disuelve en esto) de Johan Inger, antiguo bailarín del NDT de los años ochenta. La estética de la dramatúrgicamente es menos consistente que las otras obras danza es algo reminiscente de Anne Teresa De Keersmaeker: el y pierde un poco el enfoque, parece tratar de cómo nos podemos mismo rigor intelectual a la hora de usar música seria para el baile disolver en nuestro entorno “como un movimiento pasado que y usar el espacio de forma creativa, pero también sensibilidad ronda por la niebla de la memoria”. Sin embargo, la obra ofreció capturando los distintos tonos de la música. El uso de la gravedad imágenes notables (como la excitante sección donde los bailarines y el movimiento suspendido contrarrestado con cambios de rápidamente ruedan por el escenario mientras que otros bailarines dirección abruptos crean una dinámica excitante. Además, hay los pisotean mientras caminan en la dirección opuesta) y un un intercambio gracioso entre los bailarines y los músicos del baile excepcional de todo el elenco, aunque Fernando Hernando Zephyr Quartet, que participan en su propia danza del juego de Magadan e Iván Pérez merecen mención especial. Todo el crédito es del Festival de Danza de Holanda por dedicar sillas musicales en Impulse (Impulso), interpretado con el segundo cuarteto para cuerdas de Michael Nyman. En Shimmer (Relucir), se este festival a la celebración de los 50 Años de Danza Desafiante invoca un ambiente misterioso mientras las tres parejas se pasan de NDT, mientras que otras compañías con afiliaciones importantes manzanas entre ellos, en un decorado reminiscente de un establo, con el NDT también presentaron obras sobresalientes, como: la que es algo apropiado teniendo en cuenta los elementos populares Compañía Nacional de Danza de Nacho Duato, Batsheva Dance de la música de Graeme Koehne. Añade a esto la presencia Company de Ohan Naharin, IT Dansa de Catherine Allard, Cullberg risueña y carismática de los bailarines, y tienes una función Ballet y Hubbard Street Dance Chicago. Introdans también merece encantadora. crédito por revivir vívida y amorosamente dos obras seminales DANZA EUROPA diciembre 2009 29 El Teatro Mikhailovsky y dos estudiantes de la Academia Vaganova en El Cascanueces Dancing City San Petersburgo 30 DANZA EUROPA diciembre 2009 Mikhailovsky Grand Prix y Gala E MIKE DIXON reporta sobre una nueva iniciativa del Teatro Mikhailovsky y recorre la ciudad n los jardines del Palacio Mikhailovsky de los árboles caen miles de hojas cada vez que una ráfaga de viento ártico agita el aire. El otoño es una estación breve en San Petersburgo antes de que comience el largo y crudo invierno ruso, de esta manera la estoica población local necesita algo radiante y optimista para levantar el ánimo. El Grand Prix del Teatro Mikhailovsky felizmente cumple ese objetivo. Idea de Vladimir Kekhman, gerente general del teatro, el concurso del Grand Prix es para alumnos destacados de las academias estatales, pero también constituye un modo de apoyar al personal docente de esas instituciones. El Sr. Kekhman expresa que desea desarrollar “… una iniciativa encaminada a apoyar al personal pedagógico de las principales escuelas de ballet de Rusia…” y, a través de esta competencia, ha encontrado una forma novel e inspiradora de realzar su trabajo. Un aspecto mágico del evento ha sido reunir a escuelas y compañías importantes para que bailen juntas por primera vez y, en opinión nuestra, echar abajo viejos prejuicios y muros protectores en este proceso de llevar a escena elementos desiguales en formas inusuales tanto en el concurso como en la Gala subsiguiente. Los premios son generosos: cada escuela participante obtiene 10 000 dólares estadounidenses para que sean utilizados por el personal; el Grand Prix son 10 000 dólares norteamericanos, la medalla de oro 7,000, y le siguen más premios generosos en cada nivel. A todos los ganadores se les transfiere dinero directamente a sus cuentas sin intermediarios. Todos los costos de viaje y alojamiento son cubiertos por el Teatro Mikhailovsky. Los competidores pasaron por un sorteo para ocupar lugares en el programa del Grand Prix; la primera pareja que apareció fue Daria Bochkova y Klim Efimov, de la Academia Estatal de Moscú, en el pas de deux de Le Corsaire. Ambos bailarines tienen proporciones perfectas, son atractivos y poseen una técnica fuerte. En otras circunstancias habrían ganado ampliamente el concurso. Efimov es un primer danseur noble natural, alto y elegante, pero el esclavo Ali, un papel demi-caractere, no es para él: en este personaje no empleó todas sus cualidades. Unas cuantas fallas técnicas de ambos bailarines, quienes naturalmente estaban haciendo hasta lo imposible, le quitó brillo al impacto que pudo haber tenido la pareja. No tengo absolutamente ninguna duda de que los dos danzantes continuarán hasta llegar a ser estrellas de nivel mundial. También de Moscú, Anastasia Soboleva bailó la variación femenina de Paquita. Fuerte bailarina con personalidad vibrante, todavía no ha aprendido a moldear la coreografía al ritmo de la música en este solo notablemente difícil. Técnica no es sinónimo de arte y la musicalidad es la esencia del éxito de esta variación. Olga Smirnova, de la Academia Vaganova de San Petersburgo, acompañada por Kirill Safin, del Ballet Mariinsky, presentó el soñado Vals en Do menor sostenido de Les Sylphides, con sus largas cargadas que descienden en picada. Sería difícil imaginar una selección menos glamorosa o competitiva, pero la pareja mostró perfección estilística en este pas de deux. Safin no estaba en competencia, por supuesto, pero el lirismo y control de Smirnova fueron de una artista madura. Raramente he visto este pas de deux mejor bailado en compañías profesionales. Causó una gran impresión: el gusto, la forma, la musicalidad y el estilo. Anna Pigalkina, del Colegio Estatal de Novosibirsk, ejecutó la variación de la Princesa Florina de La Bella Durmiente. Estuvo correcta técnicamente, pero le faltó la alegría y la exuberancia características del personaje y la coreografía de Petipa. Dmitry Pimonev, de la Academia Vaganova, sometió a consideración del jurado una obra coreográfica corta con la música de Poulenc, perteneciente a Les Biches, como homenaje a Nijinska, que funcionó bien. No resultó particularmente original, pero estuvo bien estructurada, y respondió inteligentemente a la música. Margarita Soldova, de Novosibirsk, bailó la famosa variación de Gamzatti de La Bayadère; estuvo técnicamente segura pero le faltó glamour y poder de seducción. Un rasgo DANZA EUROPA diciembre 2009 31 La Academia Vaganova en El Cascanueces constante que emerge de la experiencia de ver tantos bailarines jóvenes y talentosos es que los aspectos interpretativos de los papeles son casi totalmente ignorados. Las coreografías de Petipa siempre fueron moldeadas con una idea subyacente, un tema coreográfico que dictaba la selección de un vocabulario apropiado. Estas variaciones han resistido la prueba del tiempo, pero tienen algo que decir, ¡no porque son una serie de bonitos enchaînements! Cuando Anastasia Soboleva regresó para bailar Prelude, con coreografía de Marina Nikitina y música de Rachmaninov, desechó esa tendencia e hizo una interpretación dramática, apasionada y musical del famoso preludio. La iluminación fue buena y el largo vestido negro de gasa resultó muy apropiado para el espíritu de la obra. Fue como ver a una bailarina diferente a la que había bailado Paquita anteriormente. Sentí instintivamente, como en el caso de Bochkova y Efimov, que una correcta selección de la coreografía es una parte importante en la obtención de un Grand Prix. En el recinto del jurado, aunque se había tomado la decisión mutua de llamarnos comité artístico, discutimos los méritos de los jóvenes bailarines que habíamos acabado de ver. Presidido por el legendario danzante y coreógrafo Nikita Dolgushin, el comité estuvo integrado por Farukh Ruzimatov, estrella por mucho tiempo del Mariinsky y actualmente asesor artístico del Ballet Mikhailovsky; Mijail Messerer, maître en jefe del Mikhailovsky y descendiente de la más grande dinastía danzaria de Rusia; Yuri Burlaka, director artístico del Ballet Bolshoi; Igor Stupnikov, crítico bien conocido y profesor de la Universidad de San Petersburgo; y yo, como presidente del Critics’ Circle National Dance Awards. Los debates del jurado son siempre confidenciales, pero en esta ocasión todos estuvimos de acuerdo al instante en que Olga Smirnova debía recibir el Grand Prix y rápidamente decidimos el orden en que los otros alumnos debían recibir sus premios. Antes de la competencia, yo creía que Bochkova y Efimov serían los bailarines más destacados, pero no existe ley alguna que regule lo que va a pasar en el escenario frente a un público numeroso. Una vez 32 DANZA EUROPA diciembre 2009 alcanzada una decisión unánime, nos dirigimos al palco real para presenciar una deliciosa ejecución del El Alto de la Caballería con Anastasia Lomachenkova, Olga Semeyonova y Anton Ploom. Este encantador ballet de Petipa, rescatado de la oscuridad por Pyotr Gusev, es una comedia romántica que funciona en muchos niveles, con una destacada actuación de carácter de Andrey Bregvadze en el papel del Coronel que convierte la bravura militar en una serie de tirones y sacudidas coreografiadas que causan un gran efecto cómico. El director de orquesta del ballet y del concurso fue el muy adaptable Pavel Bubnikov, quien es un maestro en su oficio. De regreso al recinto del jurado, las ulteriores y detalladas discusiones en relación con nuestras conclusiones individuales, sólo sirvieron para dar fuerza a nuestra creencia de que habíamos tomados una decisión justa y correcta. Luego regresamos al palco real para ser testigos de un momento histórico. El Concierto de Clase de Asaf Messerer, con una puesta de Mikhail Messerer, constituye un exitazo del Ballet Bolshoi que lo clava a uno en el asiento, ya que los trucos y habilidades técnicas desplegadas en el escenario sorprenden y emocionan con niveles ascendentes de virtuosismo. El Bolshoi mostró a toda una galaxia de sus más grandes estrellas: Maria Alexandrova, Anna Antonicheva y Natalia Osipova, Ruslan Skortsov e Ivan Vassiliev, quienes integraron el más fuerte elenco que yo haya visto en este ballet. La obra fue impresionante y de gran crédito para Mikhail Messerer. Las expresiones de aprecio del público ruso variaban entre frenéticos gritos de “¡Oof! ¡Aagh! !Aiyi!” en medio de jadeos de incredulidad a medida que eran ejecutados más pasos virtuosos. Otras expresiones de deleite incluyeron “¡Bravos!” del Sr. Kekhman que eran como los de alguien que golpea las tapas de dos latones de basura cerca del oído de uno. Este hombre es un verdadero promotor de la danza, ¡pero mis tímpanos no se han recuperado todavía! El momento histórico se produjo cuando los alumnos de la Academia Vaganova salieron al escenario para bailar con el Bolshoi. Esto nunca ha sucedió con anterioridad y marcó una alianza entre las dos instituciones, cuyo responsable es Vladimir Kekhman. Fue una experiencia emocionante ver a los bailarines de estas dos grandes instituciones saludando juntos después de una impresionante exhibición danzaria. Misha Messerer fue muy amable al invitarme a ver la clase de su compañía para el Ballet Mikhailovsky la siguiente mañana. En el gran salón lleno de luz, situado en la última planta del teatro, sin esfuerzo demostró por qué es un maestro tan reconocido. Facialmente impasible, con un andar ágil y dispuesto, describe los enchaînements rápidamente sin alzar la voz. Parece estar en todas partes al instante, corrigiendo enérgicamente, casi sin pasión, pero con sentido de urgencia. Es de una astucia seca y su maravillosa sonrisa ilumina su rostro brevemente, pero es un hombre con un nivel de concentración intenso. Los bailarines sudan copiosamente en la barra. Su clase es muy rápida y las combinaciones de pasos son joyas coreográficas en sí mismas. Parece componer cada serie de pasos para extender la agilidad mental y física de los danzantes en la ejecución de combinaciones inusuales, y da la clase como un coreógrafo que intenta un vocabulario nuevo. La compañía Mikhailovsky está afilada y en gran forma. Después de finalizar la clase, Irina Perren, Marat Shemiunov, Mikhail Sivakov y otros vinieron a tomarse fotos conmigo. Unos días más tarde se dieron los premios en el escenario del Teatro Mikhailovsky, donde de nuevo bailaron los ganadores. Esta vez Smirnova encabezó un numeroso elenco de la Academia Vaganova en una larga selección de Cascanueces, confirmando totalmente la decisión de concederle el Grand Prix. Bochkova y Efimov bailaron el pas de deux de la versión moscovita de Fille mal gardée, lamentándonos de que no lo hubieran bailado en el concurso. La segunda parte de la noche incluyó 11 pas de deux con bailarines invitados de compañías rusas, del Royal Ballet, del English National Ballet y de la Opera de París. Natalia Krapivina, del Moscow Stanislavski, y Victor Dik, del Teatro Musical Nemirovich-Danchenko, bailaron el dúo de Briantsev de The Phantom Ball. El pas de deux de la más reciente producción del Royal Ballet, a cargo de Alastair Marriott, Sensorium, hizo una aparición sorprendente, ejecutado por Irina Perren y Marat Shemiunov, del Ballet Mikhailovsky, aportándole una sensibilidad rusa y una perspectiva nueva a la obra con una fuerte coreografía británica. Perren regresó para bailar el pas de deux de Don Quixote con Mijail Lobukhin, del Ballet Mariinsky, demostrando que es una coqueta deliciosa, al tiempo que su partner hizo espectaculares cargadas con un brazo. La incansable Perren también bailó en Spring Waters con el increíblemente alto Marat Shemiunov, del Mikhailovsky. Su partneo es excepcional y también es rápido en el escenario, así que esta obra causó una gran impresión, particularmente en su clímax cuando creímos que éste podía haber corrido con Perren en su elevada cargada hasta el Río Neva, si lo hubiera deseado. Begoña Cao, del English National Ballet, y David Makhateli, del Royal Ballet, ejecutaron el pas de deux final de Manon, causando un gran impacto. El contraste con las obras virtuosas tuvo una buena acogida e introdujo un elemento de drama y pasión que proporcionó un momento de sobriedad coreográfica al curso de la acción. Cao utilizó sus bellos ojos como una gran ventaja y mostró su ataque en los “dives” con descenso en picada y en las cargadas. Makhateli es un buen partner e igualó la pasión de ella en cada pulgada del pas de deux. Isabelle Ciaravola y Stéphane Bullion, de la Opera de París, bailaron un fragmento de La Dame aux Camelias de Neumeier y el pas de deux de la tumba de Giselle con integridad y pureza clásica; Lomachenkova y Ploom repitieron el encantador pas de deux del Alto de la Caballería; y Maria Alexandrova, del Bolshoi, deslumbró en el Grand Pas Classique de Gzovsky con Dmitri Gudanov, del Bolshoi, y en el pas de deux de El Talismán con Mijail Sivakov, de la compañía Mikhailovsky. Alexandrova tiene técnica para calentar la escena, y hubo un atrevido elemento de competencia con Sivakov, pero tanto en su partneo como en sus solos éste se mantuvo más que firme. Resultó emocionante, de la misma manera que la pareja de Osipova y Vassiliev en Le Corsaire. Impresionante y todo como fue, su ejecución resultó ocasionalmente chapucera, pero con los saltos elevados de ella y la infinita capacidad de él para desplegar trucos técnicos con feliz indiferencia, resultó un gran final para la noche. Tener tantos bailarines en parejas tan poco usuales fue un regalo de primer orden y constituyó un testamento de la obra maestra de organización que fue llevar a feliz término todo este evento. RESULTADOS DEL GRAND PRIX Grand Prix Medalla de Oro Medalla de Plata Medalla de Bronce Diploma Premio Especial Olga Smirnova, Vaganova Academy Anastasia Soboleva, Moscow State Academy Daria Bochkova/ Klim Efimov, Moscow State Academy Kristina Shapran, Vaganova Academy Anna Pigalkina, Novosibirsk Academy Margarita Solodova, Novosibirsk Academy Dmitry Pimonov Olga Smirnova y Diana Vishneva. DANZA EUROPA diciembre 2009 33 northern ballet school Professional Dancers Diploma Course* Incorporating the National Diploma in Professional Dance, validated by Trinity College, London; 3 years full time, (1 or 2 years full time for applicants with accredited prior learning). A comprehensive curriculum of core subjects, with either Classical Ballet or Jazz Theatre Dance focus and Dance Teaching options. *A number of Government funded tuition fee awards are available to applicants from the UK & from EU member states, available in order of merit at audition & interview at NBS discretion. The NBS Professional Dancers Diploma Course is accredtied by the Council for Dance Education and Training. The National Diploma in Professional Dance is rated by the QCA as equivalent to an Honours Degree. Northern Ballet School is an ISTD approved Dance Centre. Call now to visit The Dancehouse, request a prospectus or confirm audition dates. The Dancehouse, 10 Oxford Road, Manchester. M1 5QA Tel: 0161 237 1406 Fax: 0161 237 1408 E-mail: [email protected] www.northernballetschool.co.uk Dancing City Diaghilev: El Principio Una exhibición oportuna dedicada a los primeros años de la carrera de Diaghilev se ha abierto en el ala Benois del Museo Ruso. La entrada se encuentra cerca de la Iglesia del Salvador sobre la Sangre Derramada (construida sobre el lugar del asesinato del Zar Alejandro II) a las orillas del Canal Griboedov. El cartel al frente de la entrada al museo es un boceto al óleo del joven empresario realizado por Serov. Como los Ballets Russes de Teatro Mariinsky Diaghilev nunca actuaron en Rusia, los artículos que se muestran reflejan su colaboración temprana con Benois, Somov, Bakst y muchos otros Un agujero enorme ocupa la orilla del Río Moika al lado opuesto del artistas rusos mayormente desconocidos en el occidente. Los visitantes Teatro Mariinsky. Esta zona derelicta, con grúas y excavadoras, rodeada son recibidos con el retrato famoso de Bakst del joven Diaghilev de pie, de vallas de metal y un pesado portón, ha estado ahí desde hace unos lleva un traje americano, y se da la vuelta momentáneamente para mirar al observador. Su vieja niñera está sentada pasivamente sobre una silla en cuantos años y se supone que es el sitio de un nuevo teatro para las el trasfondo. La inclusión de la mujer que le había servido compañías de ballet y ópera mientras que desde su nacimiento refuerza el estatus de Diaghilev de en un futuro se restaure y modernice el barin (aristócrata). Ex-libris de Mir isskustva, caricaturas de gran antiguo teatro. Los residentes de San Diaghilev y su círculo y algunas fotos poco interesantes, se Petersburgo hacen gestos de incredulidad intercalan con artículos famosos como el cuadro al pastel y atestiguan que esta zona siempre ha de Benois pintado por Bakst y el retrato sensacional de sido propensa a la filtración de agua del Somov, también pintado por Bakst, en el que destaca la cara, Moika y que todos los antiguos pilotes de camisa y corbata pintados en color, mientras que el resto madera tendrán que reemplazarse para de la obra consiste de unas económicas líneas negras que que los cimientos sean seguros antes de indican los hombros y solapas del modelo; es un tour de force que merece el precio de admisión (350 rublos). Hay construir un nuevo edificio. Cuando uno una reconstrucción parcial de la exhibición de retratos rusos contempla las joyas arquitectónicas de Obra próxima al Mariinsky que organizó Diaghilev poco antes de conquistar Paris con San Petersburgo es fácil olvidar que la ciudad se construyó sobre una su ballet y ópera, pero los cuadros no incluyen ninguna obra maestra, ciénaga con pilotes de madera erigidos por los soldados de Pedro el excepto el conocido cuadro de Catalina la Grande en un vestido de viaje Grande, muchos de los cuales murieron durante la construcción de la rojo. Un DVD al final de la exhibición, muy bien editado, contiene nueva ciudad antes de 1703. El Moika se junta con las aguas poderosas imágenes transpuestas e interesantes efectos visuales, pero el sesenta del gran Río Neva, por lo tanto no es exactamente agua estancada. Para por ciento del filme es dedicado a Nijinsky. Uno sale con la impresión edificar un teatro nuevo se requiere un acto masivo de voluntad y un de que la carrera de Diaghilev en Londres y Paris se entiende de manera sinfín de recursos monetarios. Un cínico podría imaginar que el lugar imperfecta en su país de origen, y El principio no logra predecir las glorias de construcción permanecerá en su actual estado (de parálisis) hasta el que llegarían más tarde. Teatro Mariinsky futuro previsible. MIKE DIXON anda suelto en San Petersburgo Grand Hotel Europe Grand Hotel Europe Unos días antes de mi llegada, El Grand Hotel Europe fue votado el Mejor Hotel de Lujo en Europa en el decimosexto World Travel Awards. La decoración de los salones públicos, las habitaciones y los siete restaurantes son del más alto estándar y el servicio es excelente. El hotel ocupa una manzana entera desde Nevski Prospekt hasta la plaza enfrente del Teatro Mikhailovsky y anteriormente fue una fila de grandes casas adosadas, tres de las cuales se usaron para construir el hotel original de 1830. Este hotel señorial tiene una historia de danza impresionante: Petipa y Diaghilev se hospedaron en él y también Anna Pavlova e Isadora Duncan. Compositores de ballets como Stravinsky, Prokofiev y Tchaikovsky son algunos de los músicos importantes que han disfrutado de las delicias del hotel. De hecho, Tchaikovsky pasó aquí su desastrosa luna de miel después de su poca prudente incursión en el matrimonio. El Grand Hotel Europe combina la arquitectura original elegante con toques modernos de última generación. Desayunar bajo una bóveda de vidrio de colores de estilo art nouveau y murales es una experiencia realmente emocionante. Bajo la gerencia de Thomas Noll, este hotel se ha convertido en un símbolo de la elegancia. Una arpista toca durante el desayuno y durante el día en el airoso Mezzanine Café ; su repertorio es ecléctico y sorprendente, pero la primera vez que me senté a tomar un té, tocaba una versión hechizante de El cisne de Saint Saëns. ¡A Pavlova seguramente le hubiera encantado esta experiencia! www.grandhoteleurope.com DANZA EUROPA diciembre 2009 35 Lago de los Cisnes Ballet Nacional de Finlandia en El Lago de los Cisnes de Kenneth Greve. Foto: Sakari Viika DEBORAH WEISS evalúa una fusión de estilos convencionales con algunas adiciones intrigantes 36 DANZA EUROPA diciembre 2009 K en Helsinki enneth Greve, el Director Artístico del Ballet Nacional de Finlandia, se vio algo ansioso en la premier del Lago de los Cisnes, su primer proyecto para la compañía como coreógrafo. Mantuvo muchas de las escenas tradicionales, aunque con sus propios pasos, pero con el objetivo de hacer a los personajes principales más asequibles al público contemporáneo, con menos cuentos de hadas y relaciones más complejas. En lo que conocemos como el Primer Acto, en el que Greve fundió el Primero y el Segundo, seguido de una combinación del Tercero y el Cuarto, von Rothbart se nos presenta como un noble, no como una criatura mitad pájaro-mitad hombre, que se interesa por cortejar a la Reina Madre para obtener poder. Greve le da a Rothbart mucho más baile, incluyendo solos durante todo el acto y pasajes adicionales de danza en los actos blancos. También desarrolló el personaje de Benno; resulta evidente que su amor por el Príncipe no es platónico, aunque en definitiva es un amor no correspondido. El Primer Acto también le da a Sigfrido muchas oportunidades de bailar, así que durante la primera hora asistimos a un convite de buena danza masculina, en lugar de los usuales estereotipos de princesas y cisnes. Samuli Poutanen como Benno, junto a Linda Haakana y la exquisitamente delicada Eun-Ji Ha, están muy bien en el pas de trois. El Vals de Greve es un reto para el cuerpo de baile, que es asumido con cálido entusiasmo y muestra el estiramiento de algunos pies hermosos. La transición hacia el lago resulta adecuadamente mítica. El próximo cambio de Greve se produce cuando nos presenta a su Reina de los Cisnes en la piel de una mujer desnuda, arrojada a la orilla del lago y recogida por un Príncipe enamorado, y ¿quién lo puede culpar por prendarse de ella al instante? El cuerpo débil se recupera rápidamente y danza hasta el punto de que lo hechiza. Le sigue un Segundo Acto casi convencional, con Odette en forma de cisne, no obstante, el momento más memorable se produce con la entrada de los cisnes. El lago, situado en la parte trasera del escenario, como es usual, se convierte en rampa de lanzamiento de estas criaturas seductoras que se Salla Eerola y Andrew Bowman en El Lago de los Cisnes de Kenneth Greve. Foto: Sakari Viika arrojan hacia arriba y sobre el borde del lago, en una neblina de hielo seco y drama. Realmente parece como si nadaran, saliendo del agua cristalina y descendiendo, con perfecta precisión. Cuatro cisnes sincronizados hacen lo suyo bien y con seguridad, pero Greve ha reducido sustancialmente la danza de los cuatro cisnes a favor de otro solitario gran allegro para Sigfrido. El Tercer Acto, con sets que nos recuerdan a William Morris, también ha sido cercenado, lo que trae como resultado que sea menos épico de lo que estamos acostumbrados a ver. Hay una española, la vibrante Tiina Myllymäki y sus secuaces, Czardas, una hermosa rusa interpretada por Maki Nakagawa, y está Rothbart, que una vez más tiene una presencia importante. El pas de deux del Cisne Negro es más o menos como esperamos. Es la escena final del lago la que causa gran impresión. En la tormenta Rothbart da vueltas violentas por entre el grupo de Cisnes, mientras que el pas de deux final entre Sigfrido y Odette realmente nos rompe el corazón. Benno se sacrifica por Sigfrido, para apaciguar al malvado Rothbart, al tiempo que el Príncipe emerge del lago, rescatado por su princesa humana desnuda. Salla Eerola interpreta una Reina de los Cisnes que siente el compromiso con sensibilidad extrema. Resulta técnicamente fuerte en cada una de sus formas, con líneas y pies hermosos, pero es en los momentos finales del ballet en que parece pasar por encima de la línea transparente de la batalla técnica contra la criatura sobrenatural, y encontrar la esencia de la frágil ave. Resultó una verdadera aparición alada con el corazón roto. Su Príncipe, Andrew Bowman, resume al “danseur noble” desde su primera entrada hasta el rescate final, con una buena interpretación y pirouettes hermosamente controlados y emocionantes. La otra “estrella” Greve produce presenta a su Reina de los Cisnes en la piel de una mujer desnuda, arrojada a la orilla del lago y recogida por un Príncipe enamorado... de la función fue Wilfried Jacobs como von Rothbart. Su ejecución danzaria tiene un sabor musical, pero con la ventaja de una técnica excepcionalmente precisa y limpia. También convenció totalmente desde el punto de vista dramático. Greve lo premió al promoverlo a primer bailarín antes de la función, promoción bien merecida. Quizás los cambios que Greve hizo a la historia irriten a los puritanos, que pueden decir que la ha complicado demasiado, pero personalmente encontré sus ideas refrescantes. Y, como versión más corta, éste es un Lago de los Cisnes más digerible para aquellos que se sienten menos cómodos cuando ven variaciones y danzas de carácter interminables, y para que al final no se sientan derrotados ante el drama. DANZA EUROPA diciembre 2009 37 El Ballet Estatal de Georgia en De Siberia a Moscú. Fotos: El Ballet Estatal de Georgia De Siberia a Moscú MARGARET WILLIS opina sobre un ballet de Bournonville devuelto a la vida después de un sopor de una centuria. 38 DANZA EUROPA diciembre 2009 L uego de permanecer dormido por un periodo de 105 años, un ballet danés, situado en la Rusia del siglo 19, fue resucitado en la República de Georgia, país muy distante del lugar donde nació la obra y sus tradiciones. De Siberia a Moscú fue el último trabajo de August Bournonville, cuyo estreno tuvo lugar en 1876 en Copenhague, donde se siguió bailando hasta 1905. Luego desapareció completamente del repertorio. En octubre, en la ciudad de Tbilisi, se produjo un renacimiento interesante y destacado de la obra, gracias a la colaboración y la larga amistad entre Frank Andersen, ex director del Ballet Real de Dinamarca, y Nina Ananiashvili, prima ballerina y directora artística del Ballet Estatal de Georgia. Con la conservación de muy pocos detalles del ballet original, Andersen, con la ayuda de la especialista en Bournonville, Dinna Bjørn, reconstruyó la obra utilizando la destreza de la técnica danesa para crear, no una obra de museo, sino un trabajo vivo para el público de hoy. Se produjo un éxito inmediato con su estreno el 24 de octubre en el hermoso teatro blanco y oro Paliashvili, con capacidad para 1064 personas, de la ciudad de Tbilisi. Nina Ananiashivili, georgiana de nacimiento, formada en el Bolshoi y una de las más grandes bailarinas del mundo, asumió el mando del Ballet Estatal de Georgia en el 2004. En los últimos cinco años ha mejorado, en grado sumo, la calidad danzaria de la compañía, ha llevado a escena un promedio de cinco nuevas producciones al año, e invitado a jóvenes coreógrafos, tales como Alexei Ratmansky, Trey McIntyre y Yuri Possokhov, a crear obras para su agrupación. Su repertorio ofrece obras nacionales, rusas e internacionales, incluidas piezas de Ashton, Balanchine, Kylian y Bournonville. Tiene 83 bailarines, la mayoría georgianos, aunque esta temporada un muchacho joven de Kazajstán, otro de Nueva Zelanda y dos del Reino Unido se incorporaron al cuerpo de baile de la compañía. August Bournonville se interesó por las tradiciones folklóricas de Rusia, y por su ballet, así que en 1869 visitó San Petersburgo y Moscú, donde se reunió con Marius Petipa. Este encuentro resulta el marco propicio para que Andersen haga su re-creación, combinando hechos con ficción. El ballet comienza cuando Petipa le está contando a Bournonville sobre un noble que se exilia en Siberia con su hija y como finalmente regresan a Moscú, donde la joven baila en la corte frente al Gran Duque Alexander y su esposa, Maria Feodorovna, princesa danesa a la que Bournonville le había dado lecciones privadas de danza cuando era niña. Otra relación con Dinamarca resultó la música que Andersen escogió para la obertura, la poco conocida Overtura Festiva sobre el Himno Nacional Danés, compuesto por Tchaikovsky en 1866 para el compromiso de la pareja real. La orquesta, enérgicamente dirigida por David Mukeria, tocó esta larga introducción con pasión, de la misma manera que lo hizo con la vivaz y folklórica partitura original de Carl Christian Moeller. El ballet incluye mucha acción y fuerte mímica. El primer acto se sitúa en una choza de madera en Siberia, donde el miembro de la nobleza Smirnov se gana la vida ahora como comerciante de pieles, aunque es muy proclive a introducir las ideas de la Revolución Francesa en Rusia. Su joven hija Natalia está enamorada del oficial exilado, Kipiani, quien recibe el perdón gubernamental y hace una fiesta para los aldeanos. Esta resulta una oportunidad perfecta para mostrar exuberantes danzas folklóricas rusas “a la Moiseyev” con movimientos de barriles, giros extremadamente masculinos, altos splits en segunda y flexiones de rodillas. Hasta nos regalan una danza georgiana ejecutada por niños pequeños de 5 años, cuyo veloz trabajo de pies y rápida técnica de giros resultó impresionante. Echaron el teatro abajo con su lograda seriedad y profesionalismo. El Segundo Acto tiene lugar en el Palacio Imperial de Moscú. Petipa ha creado un divertimento para el baile en la corte real e invita a Bournonville para que lo vea. La escena cobra vida en el impresionante set de David Monavardisashvili, con el deslumbrante diseño de luces de John B. Reed. Los nobles, con sus suntuosos trajes y uniformes elegantes, diseñados por Alexandre Vassiliev, observan a los bailarines de ballet representando cinco ríos de Europa: los pescadores del Ródano; danzas andaluzas para el Guadalquivir; Jockey Dance para el Támesis, aunque bailada en esta oportunidad por dos mujeres coquetas; y en el caso del Rin son incluidas alegres celebraciones con vino por la cosecha. Estas danzas le dieron a la compañía la oportunidad de exhibir su técnica Bournonville, de la cual pudo verse un muy buen trabajo de pies. Natalia luego aparece en la corte y los bailarines ejecutan una danza rusa persistente y hermosa que representa al Neva. Nino Gogua como la heroína mostró lirismo y belleza, alargando su fraseo y exhibiendo buenas líneas y trabajo de pies. Bailó en las dos funciones que vi debido a una lesión en el tobillo de Ananiashvili. El primer Kipiani de Nino fue Vasil Akhmeteli, quien posee saltos ligeros y pies estirados, pero en la segunda noche Irakli Bakhtadze nos ofreció un personaje más convincente al bailar el papel con delicadeza. DANZA EUROPA diciembre 2009 39 Comedy of Change 40 DANZA EUROPA Rambert Dance Company en Comedy of Change. Foto: Hugo Glendinning Rambert Dance Company DEBORAH WEISS reflexiona sobre el homenaje a Darwin de Mark Baldwin diciembre 2009 E l estrellato de Rambert relumbra aun más resplandeciente después de haber traído dos estrenos a Londres y un increíble reestreno a Sadler’s Wells. Tread Softly (Anda con cuidado) de Henri Oguike, su primera creación para el Rambert Dance Company, es una obra tan explosiva y energética que uno se maravilla del aguante y la lucidez de los bailarines y su dedicación a seguir el ritmo acelerado de la música. El título hace referencia a un fragmento de un poema de Yeats y, en una secuencia llamativa pero tranquila, un niño brevemente pisa el estómago de una niña postrada. La intensidad aumenta rápidamente, guiada por la gloriosa música La muerte y la doncella de Schubert – un cuarteto de cuerdas (arreglado para orquesta por Mahler) que es perfecto para el baile. Pienso que en la primera parte, las chicas hicieron demasiados giros de pelvis, pero en cuanto la acción pasó a un lírico pas de deux, la coreografía mejoró. Después de esto – los bailarines parecen no mirar hacia atrás y la pieza evoluciona hasta llegar a un clímax triunfante. Hay múltiples entradas y salidas en las que Haciendo esto, extrae actuaciones magníficas del elenco y, juzgando por la recepción estática, logra dejar al público pidiendo más. . el elenco va volando por el aire a una velocidad envidiable. Al mismo tiempo, manipulan sus cuerpos haciendo contracciones extraordinarias, que hubieran sido lo suficientemente difíciles con dos pies sobre la tierra. Puestos en fila cada bailarín tiene su momento de gloria, usando tanta energía que me imaginé que estarían a punto de desplomarse (sin embargo siguen dando más). El increíble ‘treading softly’ se repite mientras que el magnífico Pieter Symonds corre, como si estuviera rozando ligeramente la superficie, sobre tres barrigas tensas. Oguike empuja hasta el límite en sentido musical, como si estuviera tratando de ver hasta dónde pueden llegar los bailarines en términos de velocidad y precisión. Haciendo esto, extrae actuaciones magníficas del elenco y, juzgando por la recepción estática, logra dejar al público pidiendo más. Carnival of the Animals (El carnaval de los animales) de Siobahn Davies no pudo haber sido mejor colocado en el programa, entre dos piezas de coreografía más apremiantes. Davis reestrenó y actualizó su versión original de 1982 para Rambert el año pasado y fue un gozo absoluto. La simplicidad y el humor tierno corren a través de la pieza, ya que Davies usa hábilmente cada una de las piezas evocativas de Saint Saëns para contar una historia. Convierte la música en baile con tanto atractivo que es difícil dejar de sonreír. De nuevo, el elenco fue ejemplar, pero fue Alexander Whitley, en el conmovedor y melancólico pas de deux El cucú en el fondo del bosque con Lucía Barbadillo el que me hizo subirme al escenario y darle un abrazo. Como siempre, Mark Baldwin aporta inteligencia con su coreografía Comedy of Change (Comedia de Cambio) – un homenaje a Darwin y el 150º aniversario de la publicación de El origen de las especies - es una obra de mucha complejidad. Igual que en sus obras previas con temática científica, sus colaboradores son eminentes en sus respectivos campos, y el resultado es una pieza que combina con éxito todos los elementos de la producción. Con una partitura comisionada de Julian Anderson, el asesoramiento del Profesor de Cognición Comparativa de la Universidad de Cambridge Nicola Clayton, y un vestuario precioso diseñado por Georg Meyer-Wiel, Baldwin crea una pieza visualmente interesante y que invita a la reflexión. Empieza en silencio, con crisálidas ingeniosas (también diseñadas por MeyerWiel) adornando el escenario y mostrando señales de movimiento. Según los cuerpos emergen, la calidad del vestuario se hace aparente inmediatamente. Baldwin usa las teorías básicas de Darwin de igual/diferente, pasado/futuro, mostrar/encubrir. Es con esta última teoría que los “cuerpos” blanco y negro (espaldas negras, frentes blancos) de MeyerWiel funcionan tan bien – porque ofrecen un tipo de camuflaje. Los bailarines desaparecen y reaparecen con iluminación eficaz (Michael Mannion). Los movimientos hacen referencia al comportamiento de los animales o de los pájaros, y mientras evoluciona la pieza, parece que hace un argumento sobre la supervivencia de los más aptos. La partitura de Anderson tiene varias texturas, pero la encontré difícil de apreciar. Sus notas de programa explican claramente cómo desarrolló la música, pero no es fácil de digerir. Sin embargo, esto no debería disuadir al público interesado. Merece la pena volver a a ver y descubrir Comedy of Change, y los bailarines de Rambert son excepcionales en todo lo que hacen. Rambert Dance Company en Comedy of Change. Foto: Hugo Glendinning DANZA EUROPA diciembre 2009 41 42 DANZA EUROPA diciembre 2009 Festival Danza de Córdoba Joseph Gorak ©Guillermo Galindo DANZA EUROPA diciembre 2009 43 44 DANZA EUROPA diciembre 2009 Festival Danza de Córdoba EMMA MANNING visita la sucursal mexicana de YAGP y queda profundamente impresionada Andrea Salazar en Don Quixote. Foto: Jorge Coria F undada por los españoles en 1618 y situada entre los cerros de Matlaquiahitl y Tepixtepec en Veracruz, la ciudad mexicana de Córdoba se encuentra raramente en el circuito de galas internacionales. Es uno de esos lugares tremendamente encantadores, donde los policías paran el tráfico si uno quiere tomar una foto y donde bailar de forma improvisada en los restaurantes es parte de la cultura. Sin embargo, la Noche de Estrellas que concluyó el Festival de Danza de Córdoba de este año, asociado al Youth America Grand Prix (YAGP), fue una de las galas del YAGP más edificantes a las que haya asistido y, también, una noche milagrosamente libre de los problemas musicales y de iluminación que con tanta frecuencia han empañado las galas neoyorquinas de la organización. Cada segmento de la función comenzó con bailarines jóvenes y talentosos que se habían destacado en anteriores vueltas de la competencia, que en realidad no es tanto un concurso en el sentido de que no hay primero, segundo ni tercer lugar, sino un jolgorio de danza supervisado por un jurado encargado de otorgar becas para escuela internacionales. A diferencia de los concursos de ballet, que dividen a los participantes en grupos de edades, los programas de Danza de Córdoba son más diversos, una linda niña de nueve años que finge ser una margarita en una maceta puede ser seguida por una Kitri de 17 años y después por un grupo contemporáneo. Aunque tal desorden hace que la tarea de comparar a los bailarines sea menos fácil, de hecho produce una noche más vívida para aquéllos como nosotros que nos hastiamos de ver 20 Auroras seguidas. El nivel también varía grandemente, ¡hay algunos pies que no deberían usar zapatillas de punta! Pero hay también algunos bailarines excepcionalmente talentosos. Un aspecto negativo es el excesivo énfasis que se le da a las argucias técnicas y a los ejercicios de clase laboriosamente ejecutados al compás de una música con la que no tienen nada que ver. Por tanto, prepárese para ver un niño pequeño sacando un lazo y dos pistolas al compás de Zorba el Griego y un adagio académico propio de un examen de la RAD con música latina sensual. La obsesión por alzar la pierna hasta los hombros, o hacer a la seconde extensiones hechas torpemente, también resulta tediosa. No obstante, como aspecto positivo, hay algunas actuaciones destacadas que compensan en gran medida los aspectos negativos. Entre las candidatas más jóvenes, Jazmín Martínez estuvo encantadora en Dominique Mombrun en Esmeralda. Foto: Guillermo Galindo. DANZA EUROPA diciembre 2009 45 WORLD’S LARGEST STUDENT BALLET SCHOLARSHIP COMPETITION Under the auspices of CID/UNESCO. Member, International Dance Council. YAGP 2010 NEW YORK CITY FINALS March 21-25, 2010 “STARS OF TODAY MEET THE STARS OF TOMORROW”: YAGP 2010 GALA New York City Center March 26, 2010 “VLADIMIR VASILIEV: A GALA TRIBUTE TO A 20TH CENTURY DANCE LEGEND” New York City Center March 27, 2010 For info and registration, visit WWW.YAGP.ORG Photo by Hideaki Tanioka. su solo de Mariposa, y Dominique Mombrun nos dejó boquiabiertos con su Esmeralda. Algunos, sin embargo, podrían argüir que una niña de 11 años no debería ser sometida a tales extremos. La anteriormente mencionada Noche de Estrellas comenzó con la Danza Húngara de Coppélia bailada con gusto por alumnos de Prover y Fomento Artístico Cordobés, ofreciendo el entrée para Paulina Guraieb y Francesco Gabrielle Frola, que bailaron el pas de deux. Aunque Guraieb hizo algunos rápidos fouettés, fue Frola, prometedor bailarín italiano de la Scuola di Danza de Parma, Italia, que perfecciona sus estudios en México, el que realmente llamó la atención con su magníficos jetés y fuerte partneo. Otra atracción del primer acto fue el pas de deux de Arlequinada, hábilmente presentado por Luana Correa y Gustavo Carbalho del Conservatório Brasilero de Dança, ofreciendo un poco de humor ligero al estilo de la commedia dell’arte. Los divertimentos para bailarines jóvenes del segundo acto incluyeron un sorprendente pas de deux de Baile de Graduados ejecutado por Ivana Bueno y Miguel Ángel Cano, aunque siempre resulta extraño ver a niños tratando de emular con los adultos, y un dúo contemporáneo, Involución, con coreografía de Lidia Luna, bailado con estilo por Gabriela Lugo y un bailarín realmente interesante, Moisés León (pensemos en Carlos Acosta a los 17 años), de la Escuela Nacional del Ballet de Cuba. La pareja, ambos altos y con largas extremidades, también había presentado Paquita anteriormente en el festival pero, aunque sus giros fueron lo suficientemente espectaculares, su actuación no correspondió con la expectativa que había creado su presencia en clase. Durante el festival tuve el placer de ver varias de ellas, incluidas las de Rosario Murillo. Destacada maestra de ballet de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey, Murillo es una profesora fabulosa y su clase es maravillosamente musical, un don que claramente insufla a sus estudiantes, muestra de ello es la variación de Don Quixote de Andreas Salazar en la gala, que no debe ser pasada por alto. Ver a Salazar fue una alegría total, así como también lo fue Esteban Hernández, hermano menor de Isaac Hernández del San Francisco Ballet, en su variación de Llamas de París. Hernández, alumno de The Rock School y ganador del grand prix en la categoría “junior” en el YAGP 2009 de Nueva York, es uno al que incuestionablemente hay que ver. Le siguieron los artistas invitados. Joseph Gorak, ganador del grand prix en la categoría “senior” del 2006 y actualmente bailarín del American Ballet Theatre, presentó dos variaciones contrastantes. Primero fue Nocturno, con coreografía de Kirk Peterson, que exalta la hermosa fluidez de Gorak, y después el solo del Príncipe de Bella, cuya ejecución fue inmaculada y hecha a mano. Y qué maldad de pies, cualquier bailarina mataría por tener sus empeines. Dos solos más fueron bailados por Carlos Pinillos del Ballet Nacional de Portugal, quien realmente es español: la variación con velocidad de cohete, Five Tangos, de Hans van Manen y la emotiva Paramos a Tango al compás de un fado portugués. También ofrecieron buenas actuaciones Drew Jacoby y Rubinald Pronk, que volaron de noche luego de bailar en Nueva York con Morphoses para sumergir sus cuerpos inarticulados en la obra B. Sonata de Leo Muijic y para bailar One de Anabelle López Ochoa y mostrar su acostumbrado carisma. Su presencia causó gran sensación. Elisa Carrilo y Mikhail Kaniskin en Le Grand Pas de Deux. Foto: Jorge Coria Más fado acompañó a Elisa Carrilo y Mijail Kaniskin del Berlin Staatsballett en su conmovedora ejecución de Transparente de Ronald Savkovic, pero la pareja se divirtió mucho más con el indispensable boleto de la gala, Le Grand Pas de Deux, de Christian Spuck, que desternilló de risa a los mexicanos. Más humor llegó por cortesía de Stanton Welch con su inteligente pieza Mostly Mozart, pero Melody Herrera y Connor Walsh, ambos del Houston Ballet, se mostraron mejor en el pas de deux de Manon. Ligera y pequeña, tiene que ser un sueño para cualquier bailarín cargar a Herrera, lo que Walsh aprovechó ampliamente, lanzándola de un lado a otro con gusto apasionado. El Stuttgart Ballet estuvo representado por la encantadora Anais Bueno, quien de hecho creció en Córdoba y estudió en Fomento Artístico, y Daniel Camargo en un vigoroso Pas de Paysant de Giselle, aunque uno se pregunta por qué Camargo, quien tiene un salto admirable y baterías precisas como navajas, no estaba interpretando a Albrecht. Culminando la gala, Gillian Murphy y Sascha Radetsky volaron desde el ABT para ofrecer un Corsaire que enloqueció al Auditorio Dr. Manuel Suárez. Murphy posee uno de esos centros de hierro fundido que podría resistir un terremoto, y sus fouettés triples con brazos en quinta son absolutamente algo digno de ver. Mientras tanto Radetsky, con el pecho descubierto y sin pudor alguno, tuvo que utilizar un cuerpo de seguridad para sacarlo del edificio. DANZA EUROPA diciembre 2009 47 Fernando Alonso TOBA SINGER habla con el director cubano quien celebrará su 95º cumpleaños el 27 de diciembre. 48 DANZA EUROPA ¿C diciembre 2009 Fernando Alonso está enseñando a la clase en Cuba uáles son los peligros que pueden afectar a una compañía cuando está en gira? Siempre cuando se está de gira, de alguna manera se pierde técnica porque hay que apresurarse de acuerdo con los horarios de viaje y de los trenes. No hay suficiente tiempo para el calentamiento, y terminas dando clase en todo tipo de sitios, sean o no sean estudios buenos. Todo esto afecta la técnica apropiada y serena de cada día que se desarrolla cuando se trabaja en el ambiente cotidiano. Creo que ser autónomo es una equivocación porque uno no tiene el reto y la presión de los hábitos de trabajo continuo que son tan necesarios cuando se baila ballet, por eso creo que un bailarín debería formar parte de una compañía, trabajar en ésta y sentir y absorber el estilo de la compañía para poder seguir desarrollándose. Se necesita algo concreto con qué trabajar. Sin un director artístico y una compañía, el trabajo de un bailarín tiende a hacerse demasiado ecléctico. Un director artístico ayuda a desarrollar una relación con el público. Por ejemplo, cuando se baila un solo, realmente es un pas de deux con el público, y esta relación con el público es casi imposible conseguirla sin el ancla que nos ofrece una compañía. ¿Cómo preparaba a los bailarines para evitar las trampas que pueden surgir durante una gira? La mayoría de las veces los bailarines mismos creaban sus propias soluciones. Por ejemplo, hicimos un viaje a Inglaterra en un barco que no tenía un teatro. Pues cuando viajábamos en barco hacíamos las clases sobre la cubierta. Cuando se está en medio del Atlántico, las olas pueden ser bastante grandes, pero nos apañábamos. Cuando se llega a tierra firme, se tiene pie marino durante unas horas. Tuvimos una serie de funciones en Covent Garden y tuvimos tiempo para trabajar en el ballet que estábamos representando, en el siguiente y tiempo para hacer clase. Nunca olvide que se toman clases de ballet para mejorar y no solamente para mantener la técnica. Nos gusta que lo tuvimos que hacer sin zapatos. Tiramos Coca Cola por todo el suelo pero no nos sirvió de nada. Teníamos resina pero no funcionaba con ese tipo de suelo. A veces llegábamos a un sitio y descubríamos que justo estaban entregando el vestuario y los baúles. Usábamos el tocadiscos para hacer el calentamiento, y los bailarines se colgaban de las paredes y de las puertas mientras se montaban los decorados. ¿Cual diría que ha sido su peor experiencia de gira? Bailar sin zapatillas fue la peor experiencia. Oh, pero también hubo esa vez que bailábamos Helena de Troya y tocaron la música equivocada. Todos perdieron el control y empezaron a inventarse cosas. ¡Fue tan divertido! ¿Qué otras experiencias entretenidas recuerda? Durante la guerra no siempre era posible procurar una reserva de hotel, así que los bailarines que tenían habitación nos invitaban a quedarnos. Me acuerdo de un caso en el que Rosella Hightower y su compañera tenían una reserva. Nos invitaron a quedarnos. Entramos a escondidas. Había tanta escasez en aquellos tiempos. Alguien llegó y anunció, “Hay Kleenex en la droguería de la esquina”. Se fueron a la droguería, y yo me quedé dormido en la cama. Dormí como una piedra. Después de un par de horas, ¡sentí un dolor horrible en la espalda! ¡Todos habían vuelto y decir que tomamos clases de mejorar en vez de clases de mantenimiento. Siempre tenía a alguien a mi lado copiando mientras dictaba. No teníamos todos los aparatos que tenemos ahora. Me sentaba y dictaba todo lo que pasaba sobre el escenario y lo colgábamos sobre un tablón detrás del escenario. Si no tenía suficiente tiempo para hablar individualmente con todos los bailarines, nos sentábamos en corro y dábamos correcciones los unos a los otros para así ayudarnos todos. Alguien siempre hacía de regisseur aunque la persona habitual no estaba de gira con nosotros. Los horarios siempre se preparaban. Los bailarines tenían que llevar sus maillots, zapatillas y zapatillas de punta en su bolsa por si las maletas no llegaban a tiempo o se perdían. No importa lo bien que uno se prepara, siempre surgirán problemas para los que no se está preparado. Una vez, llegamos al auditorio de una universidad y teníamos que bailar Interplay de Jerome Robbins. Habían pulido los suelos tan bien “¡Cuando se dio la vuelta y vio a dos John Kriza tuvo que confiar en sí misma y hacer un acto de fe esperando que encontraría el verdadero John!” se acostaron encima de mí! Hubo una vez cuando vivíamos en el mismo edificio que Rosella. Todos los bailarines encontramos ese sitio – muy barato –. Era su cumpleaños y tenía el día libre. Había estado bebiendo y bebiendo y estaba algo contentilla. De repente, alguien en el teatro se puso enfermo y vinieron por Rosella. Le dimos una ducha fría y café y tuvo que bailar Don Quixote. Fue graciosísimo porque tuvo que hacer un arabesco y después darse la vuelta y hacer un saut de basque sobre el hombro de John Kriza. Cuando se dio la vuelta y vio a dos John Kriza tuvo que confiar en si misma y hacer un acto de fe esperando que encontraría el verdadero John! ¿Cómo escoge a un acompañante? El acompañante tiene que tocar como si estuviera dando un concierto. No debe estar traqueteando sobre el piano para transmitir el ritmo como si estuviera golpeando un tambor. No hay música en eso. No permite que la persona sienta la música y la asocie con la danza, lo cual es muy importante porque en la música hay que tener retardando, accelerando, tiene que ser más fuerte o más suave; todo esto es parte de la música, y la danza es un arte musical, aunque no se necesite un piano o música para bailar. Se puede bailar solo sintiendo el movimiento; así, uno tiene que crear su propia música en el movimiento. ¿Cómo puede un bailarín superar un periodo en el que está bloqueado? Cuando se encuentra que algo va mal y que no se logra rectificar porque hay algún fallo en alguna parte, tiene que mirarlo desde otro ángulo. Volviendo al principio encontrará donde está el fallo. Por ejemplo, si uno se cae haciendo piruetas, tiene que hacer primero una sola pirueta, se prueba eso y lo otro y varias otras cosas para descubrir que está causando el problema. No se hacen cinco. Se hace una. Se presta atención a la pierna de soporte. La gente suele creer que el problema es con la pierna que trabaja, pero siempre se deben tener en cuenta las leyes de la física, la inclinación del cuerpo, la fuerza del empuje. ¿Y qué se hace si uno está teniendo problemas con su pareja de baile? El hombre no puede culpar a la mujer. Siempre hago responsable al hombre. Él tiene que saber decirle las cosas teniendo en cuenta la psicología. Hay que saber como aproximarse a cada pareja dependiendo de su personalidad, ¡y todos somos únicos! Siempre hacer que el hombre se sienta más caballeroso y, por lo tanto, más en control. El chico tiene que seguir el ritmo de la chica. Cuando se encuentra el ritmo de la chica todo funciona. Haz el plié con ella, un poco antes. Si haces Romeo y Julieta acuérdate de que el chico que no pertenece a este periodo, a la casa de su familia, con Julieta, sobre el mismo escenario, no puede bailar Romeo, ¡y no se puede hacer Romeo y Julieta! Tienes que entender la relación entre tú y los personajes, y sobre todo con tu personaje en la ciudad de Verona durante esa época. Sin los Capuleto y un Romeo, ¡no hay historia! DANZA EUROPA diciembre 2009 49 dance_europe.qxd:Advertising 11.11.2009 9:06 Uhr Seite 1 AUDITION for the School of THE HAMBURG BALLET School year 2010/2011 Sunday, April 25, 2010 Junior and Intermediate Classes 11-16 years (for boarding school) Theatre Classes (Advanced) 16-18 years At the Ballet School of THE HAMBURG BALLET, established in 1978, young people from all over the world are trained for a professional dance career. All classes are given in the Ballettzentrum Hamburg – John Neumeier. Boarding facilities are also available within the building for 34 pupils. The syllabus gives priority to classicacademic dance as well as the techniques of modern and folk dance. Students of the Theatre Classes take part in performances of THE HAMBURG BALLET. Director John Neumeier Pedagogical Director Marianne Kruuse Pedagogical Supervisor Irina Jacobson Ballet Teachers Brita Adam, Carolina Borrajo, Ann Drower Marianne Kruuse, Beatrice Schickendantz-Giger Kevin Haigen, Lloyd Riggins, Christian Schön Stacey Denham Enrollment and Information Ursula Ziegler Ballettzentrum Hamburg – John Neumeier Caspar-Voght-Strasse 54 | D-20535 Hamburg Tel.: +49 40 21 11 88 -31/-30 Fax: +49 40 21 11 88 88 [email protected] www.hamburgballett.de 50 DANZA EUROPA diciembre 2009 The Finnish National Ballet (Artistic Director Kenneth Greve) is a classical ballet company of 76 dancers and 10 apprentices based in Helsinki, Finland. Our repertoire includes full-length classical ballets and contemporary works (Fonte, Forsythe, Ek, Elo, Kylian, Naharin, etc.) The Company is seeking new male and female talents to join the company (apprentices, corps de ballet, soloists and principal dancers) for season 2010-2011. AUDITIONS in Prague State Opera (Statni Opera) on Saturday, January 9th 2010 at 4.30 p.m. and in Finnish National Opera, Helsinki, Saturday, January 16th 2010 at 2 p.m. To participate in the auditions, please send written application (by mail or email) in English to:Finnish National Opera, Helsinginkatu 58, PO Box 176, FI-00251 Helsinki Finland. The applications should be sent before December 7th 2009. With the application you should send us also: short cv (education, work experience, roles);three photos: face portrait, body portrait, performance picture (if available); weight, height,contact information: address, telephone and e-mail The applications will not be returned. All applicants will be informed about the decision before December 15th 2009. Further information: Timo Sokura, Producer tel +358 50 309 8808 [email protected] audiciones y trabajos Fecha límite para la revista de enero listado en la página Web es el 5 de diciembre. Inclusión en los listados dependerá del espacio disponible. email: [email protected] Boston Ballet – Director Artístico: Mikko Nissinen – tendrá audiciones para todos los niveles de la compañía y para BBII entre febrero y abril del 2010 en Ámsterdam, Roma, Boston y Nueva York. El repertorio del Boston Ballet incluye obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas de coreógrafos que como Ashton, Balanchine, Bournonville, Caniparoli, Childs, Cranko, Dawson, Elo, Forsythe, Kudelka, Kylián, Martins, Morris, Nureyev, Petipa, Pickett, Tharp, Tudor y Wheeldon. Información adicional se publicará en www.bostonballet.org. No llamar por favor. COMPANY AUDITIONS Northern Ballet Theatre – Director Artístico: David Nixon – tendrá audiciones en Londres el domingo 24 de enero del 2010 para bailarines masculinos y femeninos para la temporada 2010 - 2011. Los candidatos deben ser bailarines técnicamente y físicamente fuertes y creativos. Por favor manden su CV (que debe incluir su altura, peso, fecha de nacimiento y nacionalidad), fotos recientes de baile clásico de cuerpo entero y DVD si lo tiene por correo postal a: David Nixon, Artistic Director, Northern Ballet Theatre, West Park Centre, Spen Lane, Leeds LS16 5BE, Reino Unido. Fecha límite para solicitudes: Viernes, 15 de enero del 2010. Ballett Nürnberg - Director Artístico: Goyo Montero – busca solistas masculinos y femeninos. La audición tendrá lugar el 10 de enero del 2010, a las 10:30 (inscripción desde las 9:00) en el Staatstheater Nürnberg – entrada por la puerta de artistas en Richard-Wagner-Platz 2 -10. Se requiere un excelente nivel de técnica clásica y experiencia con danza contemporánea. La audición incluirá un entrenamiento clásico y talleres (para las mujeres trabajo en zapatillas de media punta y zapatillas de punta). Los asistentes deberan inscribirse por adelantado mandando por email su CV, foto de danza y foto de primer plano antes del 18 de diciembre: [email protected]; por fax: +49 911 231 8238; o por correo postal a Staatstheater Nürnberg, Dorothea Mosl, Richard-Wagner-Platz 2 -10, D-90443 Nürnberg, Alemania. Por favor tome nota de que su inscripción tiene que ser confirmada. Le notificaremos a través de correo o email. www.staatstheater.nuernberg.de Bern:Ballett - Director Cathy Marston – busca bailarines con mucha experiencia en danza clásica y contemporánea y con interés en trabajos narrativos y abstractos. Creatividad, buena habilidad clásica y de apareamiento por contacto son ventajas adicionales. Las audiciones, sólo por invitación, se harán en Bern el 13 de febrero 2010, con la segunda fase el 14 de febrero. Para aplicar por favor mande su CV y una foto a: [email protected]. Fecha límite para aplicar: 29 de enero del 2010. www.stadttheaterbern.ch Das Leipziger Ballett – Director de Ballet Designado Mario Schröder – busca bailarines masculinos y femeninos con una técnica clásica y contemporánea solida para la temporada 2010 - 2011. Las audiciones se harán en el Teatro de la Opera de Leipzig el 6 de diciembre 2009 y el 10 de enero el 2010 a las 12:00 (inscripción a las 11:00). Por favor mande su aplicación con CV y foto a: Oper Leipzig, Leipziger Ballett, z.Hd. Mario Schröder, Augustusplatz 12, D - 04109 Leipzig, Alemania. Fax: + 49 (0) 341 1261-376. [email protected] www. oper-leipzig.de Theater Augsburg tendrá audiciones para bailarines con técnica clásica solida, que incluya trabajo de zapatilla de punta, y experiencia en interpretación contemporánea (experiencia profesional preferida) el 16 de enero del 2010, a las 12:00, en el Ballettsaal del Teatro Augsburg. Participación sólo por invitación. Por favor mandar su CV y fotos al Theater Augsburg, Ballettbüro, Kasernstrasse 4 - 6, D-86152 Augsburg, Alemania, o por email a: [email protected] AUDITION 2010 16th january 2010 | 12.00 a.m. | Ballettsaal Theater Augsburg. 2010–2011 SEASON BOSTON BALLET COMPANY AND BBII AUDITIONS Boston Ballet Artistic Director Mikko Nissinen will hold auditions for all Company ranks and BBII during February – April, 2010 in Amsterdam Rome Boston New York City Boston Ballet maintains an internationally acclaimed repertoire of classical, neo-classical and contemporary works from choreographers including Ashton, Balanchine, Bournonville, Caniparoli, Childs, Cranko, Dawson, Elo, Forsythe, Kudelka, Kylián, Martins, Morris, Nureyev, Petipa, Pickett, Tharp, Tudor, and Wheeldon. Additional information at Strong classical technique including point work and contemporary performing experience required | professional experience preferred | participation by invitation only Please send your CV and pictures until january 8th to: Theater Augsburg, Ballettbüro | Kasernstrasse 4-6 | D-86152 Augsburg or: [email protected] www.bostonballet.org No phone calls, please. Photo of Larissa Ponomarenko by Gene Schiavone DANZA EUROPA diciembre 2009 51 DanceEurope_186x90.qxp:Layout 1 10.11.2009 17:20 Uhr Seite 1 “... one of Britain’s most important companies ...” THE OBSERVER, Spring 2009 Northern Ballet Theatre is the UK’s leading touring company giving over 160 performances each year in the UK and abroad. Our repertoire is a varied and imaginative mix of classic ballets and newly commissioned works. We are holding an audition in London on Sunday 24th January 2010 and are looking for the following dancers for our 2010/11 seasons: Male & Female Dancers You will need to be technically and physically strong, creative dancers. Please submit full CV by post (which must include height, weight, date of birth, nationality) and recent full-length classical dance photos and DVD if available to: David Nixon, Artistic Director, Northern Ballet Theatre, West Park Centre, Spen Lane, Leeds LS16 5BE Closing date for applications: Friday 15 January 2010 Photo: Bill Cooper AUDITIONS HEINZ SPOERLI’S ZURICH BALLET 12 December 2009, 1 February 2010, 14.00 h ZURICH BALLET is offering positions for young female/male dancers with strong classical technique; female: 1.68 m / male: 1.75 m The Auditions will be held at the Zurich Opera House. Please, send your application and CV with photo to: Zurich Ballet, Heinz Spoerli, Falkenstrasse 1, CH-8008 Zurich, Phone +41 44 268 64 63, [email protected] Bern:Ballett For further information on the Company go to: www.northernballettheatre.co.uk FEBRUARY 7, 2010 Audition Cathy Marston, Director of the Bern:Ballett, Stadttheater Bern, Switzerland, is seeking dancers for the 2010/11 season. Applicants should have strong classical and contemporary experience with an interest in narrative as well as abstract work. Creativity, good classical and contact partnering skills would be additional assets. Audition Bern: February 13th 2010 / call back: February 14th, 2010 By Invitation Only! To apply please email a CV and photo to: [email protected] Application deadline: January 29th, 2010 Current/previous choreographers include Cathy Marston, Hans van Manen, Jiří Kylián, Karole Armitage, Hofesh Shechter, Alexander Ekman, Medhi Walerski, Mark Bruce, Doug Varone, Andrea Miller, Guilherme Botelho, Corinne Rochet, Teresa Rotemberg. www.stadttheaterbern.ch 52 DANZA EUROPA diciembre 2009 IVAN LIŠKA – ARTISTIC DIRECTOR We are looking for dancers with strong classical technique. Please send your CV indicating height and date of birth, together with full-length body photo in leotard and portrait to below mentioned address. Incomplete applications cannot be processed. LADIES GROUP 11 am / minimum 1.65 m / 5’ 5’’ GENTLEMEN GROUP 2 pm / minimum 1.80 m / 5’ 11’’ NATIONALTHEATER MÜNCHEN Stage Entrance – Maximilianstrasse Bettina Kräutler Platzl 7, 80331 Munich, Germany T +49.(0) 89.21 85 17 01 F +49.(0) 89.21 85 17 03 [email protected] www.staatsballett.de SeaSon : 2009/2010 artistic Director goyo Montero is looking for male and female soloist dancers audition on Sunday, 10th January 2010, 10:30 a.m. (inscription starts at 9:00 a.m.) Staatstheater nürnberg / stage entrance, richard-Wagner-Platz 2-10, D-90443 nürnberg Please note that your registration must be confirmed. it will be notified by mail or email. an excellent level in classical technique and experience in contemporary dance is required. the audition will be a classical training and workshops (for women both soft and point shoe work). inscription with cv, dance picture and headshot until latest Dec 18: email: [email protected] fax +49-911-231-8238 Staatstheater nürnberg Dorothea Mosl richard-Wagner-Platz 2-10 D-90443 nürnberg www.staatstheater.nuernberg.de 0180-5-231-600 maxi dsl 14 Cent/min Managing Director: Peter Theiler Ballet Director: Goyo Montero Zurich Ballet – Director Artístico Heinz Spoerli – ofrece posiciones a jóvenes bailarines masculinos y femeninos con una técnica clásica solida. Bailarinas 1.68 m; bailarines - 1.75 m. Las audiciones se harán en el Teatro de la Opera de Zurich el 12 de diciembre del 2009 y el 1 de febrero del 2010 a las 14:00. Por favor mande su aplicación con su CV y una foto a: Zurich Ballet, Heinz Spoerli, Falkenstrasse 1, CH-8008 Zurich, Suiza. Tel: +41 44 268 64 63. zuercherballett@ opernhaus.ch Bayerisches Staatsballett. El Director Artístico Ivan Liska realizará audiciones a bailarines con fuerte técnica clásica el 7 de febrero de 2010 en el National Theater München. Damas (talla mínima 1.65m / 5’ 5”) a las 11:00; caballeros (talla mínima 1.80m / 5’11”) a las 14:00 horas. Por favor, envíe su currículo, indicando estatura y fecha de nacimiento, junto con una foto de cuerpo entero con leotardo y un retrato a: Bettina Kraütler, Platz 7, 80331 Munich, Alemania. Tel: +49 (0)89 21 85 17 01. Fax: +49 (0)8921 85 17 03 [email protected] www.staatsballett.de. Las solicitudes incompletas no serán procesadas. Rambert Dance Company está buscando un bailarín o bailarina para la premier de la compañía contemporánea en el Reino Unido. Candidatos deben haber entrenado en una escuela o conservatorio reconocido y tener una fuerte técnica contemporánea y clásica. Idealmente se requiere experiencia de 3-5 años de trabajo en una compañía profesional de danza, y estar listo para empezar a trabajar el lunes 4 de enero de 2010. Para información completa de solicitud, por favor mirar en la sección “oportunidades de trabajo” de la página web de la compañía www.rambert.org.uk Cierre de solicitudes 4 diciembre 2009. La Palucca Schule Dresden busca contratar a un Profesor de Danza Contemporánea a partir del año escolar 2010-2011. El puesto incluye enseñar danza contemporánea en los Programas de Entrenamiento de Maestros, Coreógrafos y Bailarines Profesionales. Las solicitudes con la inclusión de foto, currículo, experiencia profesional y educación, además de copias de todos los diplomas y calificación, deberán enviarse antes de la fecha de cierre, el 31 de diciembre de 2009, a: Palucca Schule Dresden - Hochschule für Taz, Personbüro - Frau Christine Gölker, Basteilplatz 4, 01277 Dresden, Alemania. Tel: +49 (0)351 25906-18. email: [email protected] www.palucca.eu Victor Ullate Ballet Comunidad de Madrid - una audición para 4 bailarines solistas (dos hombres y dos mujeres) con experiencia profesional y alto nivel clásico. Edad minima: 18 años. Día: 9 de enero de 2010, a las 11 horas. Lugar: DANZA EUROPA diciembre 2009 53 Dance Europe 12.11.2009 13:08 Uhr Seite 1 Teatros del Canal, Calle Cea Bermúdez 1 (metro Canal o Río Rosas), 28002 Madrid. Enviar CV con foto de danza actualizada y DVD o Video a: [email protected]. La admisión para la audición se comunicará por correo electrónico. Das Leipziger Ballett Designierter Ballettdirektor und Chefchoreograph Mario Schröder sucht Tänzerinnen und Tänzer für die Spielzeit 2010/2011 mit hervorragender klassischer und moderner Technik. Termine: 6. Dezember 2009 und 10. Januar 2010 Anmeldung: 11:00 | Vortanzen: 12:00 | Ballettsaal der Leipziger Oper Designated Ballet Director Mario Schröder is looking for male and female dancers for the season 2010/2011 with strong classical and contemporary technique. Dates: December 6th, 2009 and January 10th, 2010 11:00 to register | audition at 12:00 at the Leipzig Opera House Bitte senden Sie Ihre Bewerbung mit Foto an: Please send your application and CV with photo to: Oper Leipzig | Leipziger Ballett | z.Hd. Mario Schröder Augustusplatz 12 | D - 04109 Leipzig | Fax: + 49 (0) 341 1261-376 [email protected] www.oper-leipzig.de K-Ballet Group. El Director Artístico Tetsuya Kumakawa busca un maestro de ballet y un asistente. Se tendrán en cuenta experiencia, edad y aptitudes para puestos bien pagados, los empleados a tiempo completo reciben seguro social y un plan de pensión. También se necesitan algunos alumnos maestros para el Curso de Entrenamiento de Maestros de la agrupación. Para hacer su solicitud, por favor, envíe su currículo y foto a: Ballet Staff o Teachers Training Course, según el caso, K-Ballet Group, 3-22-6-309, Koishikawa, Bunkyo-ku, Tokyo, Japan 112-0002. Tel: +81 (0)3 5805 8812. www.k-ballet.co.jp Scapino Ballet Rotterdam. El Director Artístico Ed Wubbe realizará audiciones a bailarines, hombres y mujeres, con fuerte técnica clásica, contemporánea y de punta, el 23 de enero de 2010. La audición es por invitación. Por favor, para más información visite el sitio web www.scapinoballet.nl. Ballet West (Scotland). La compañía necesita primeros bailarines para la producción de Cascanueces, que hará una gira de primavera por China en 2010. Se recibirán solicitudes individuales y en pareja. Envíe su currículo y un DVD de audición a Ballet West, Ichrachan House, Taynuilt, Argyll, Scotland PA35 1HP. Para mayor información, contacte a Gillian Barton en el +44 (0)1866 822641. [email protected], www.balletwest.co.uk Les Grands Ballets Canadiens de Montréal. El Director Artístico Gradimir Pankov realiza audiciones a bailarines profesionales con fuerte técnica clásica y experiencia en danza contemporánea el 20 de febrero de 2010, a la 1:00 p.m., en la siguiente dirección: 4816, Rivard Street, Montréal (Québec), Canada H2J 2N6. Repertorio: clásico, neoclásico y contemporáneo. Contacte a Michelle Proulx, email: [email protected] Tel: +1 514 849 8681, ext. 243. Planilla de Información y Acreditación: www.grandsballets.com New English Contemporary Ballet busca animadores de danza para impartir talleres con el fin de reclutar y dar residencias como parte de su activo programa de educación, en conexión con su producción de El cascanueces este otoño e invierno y durante las giras con NECB y NECB2 en la primavera de 2010. Por favor mande su CV a Jamie Thomson por correo electrónico - [email protected] Vevey Youth Ballet School en Vevey, Suiza, busca un Nuevo director/administrador/maestro de ballet. Fecha de inicio 10 de enero 2010. Debe tener experiencia enseñando a niños y tener un pasaporte de la EU. Por favor póngase en contacto con Kim White o Sheryl Zen Ruffinen en [email protected] EYB Performance Experience AUDITIONS AND PERFORMANCES 2009/10 AN INNOVATIVE THEATRE PERFORMANCE EXPERIENCE PRESTON PERFORMANCES Giselle - Charter Theatre 12th, 13th March 2010 SOUTHPORT PERFORMANCES Nutcracker - 1st, 2nd December 2009 Julianne Rice-Oxley. Foto: Patrick Baldwin An exciting opportunity for young dancers ages 8 - 18 years (boys and girls) to perform in productions of Giselle, The Sleeping Beauty, The Nutcracker and Coppélia 54 The English Youth Ballet’s policy is to present full-length classical ballets in regional theatres and to give more opportunities to young dancers outside London to rehearse and perform within a professional setting. For further details and audition registration forms please contact the Kent Office, English Youth Ballet, Appledowne, The Hillside, Orpington, Kent BR6 7SD. Tel/Fax 01689 856747 DANZA EUROPA WIMBLEDON LONDON AUDITION 14th January 2010 PERFORMANCES Giselle Wimbledon Theatre 16th, 17th April 2010 LEAMINGTON SPA AUDITION 4th February 2010 PERFORMANCES Sleeping Beauty Royal Spa Centre 11th, 12th June 2010 WOLVERHAMPTON AUDITION 15th February 2010 PERFORMANCES Giselle Grand Theatre 17th, 18th September 2010 BROMLEY AUDITION 10th February 2010 PERFORMANCES The Nutcracker 20th, 21st August 2010 NORWICH AUDITION 17th March 2010 PERFORMANCES The Sleeping Beauty 2nd, 3rd July 2010 NOTTINGHAM AUDITION 24th March 2010 PERFORMANCES Coppelia 30th, 31st July 2010 diciembre 2009 Tanztheater des Staatstheaters Darmstadt is looking for experienced and creative male and female dancers for vacancies in the season 2010/11. Applicants should be creative and have a strong classical and contemporary technique with improvisation skills. The audition is by invitation only and is to take place in the Staatsheater Darmstadt’s ballet studio at 11 o’clock, Saturday, 9 January 2010 with call back Sunday, 10 January. Please send your CV to tanztheater@ staatstheater-darmstadt.de. Closing date: 14 December 2009. Tanztheater des Staatstheaters Darmstadt busca bailarines masculinos y femeninos para vacantes durante la temporada 2010/11. Los candidatos deben ser creativos y tener una técnica clásica y contemporánea solida con habilidades de improvisación. La audición es sólo por invitación y tendrá lugar en el estudio de ballet del Staatsheater Darmstadt a las 11:00 el sábado 9 de enero 2010 con la segunda fase el domingo 10 de enero. Por favor mande su CV a tanztheater@ staatstheater-darmstadt.de. Fecha límite: 14 de diciembre del 2009. escuelas de verano 2010 Curso de Verano de la School of American Ballet - paquetes de audición internacionales para estudiantes interesados en asistir al Curso de Verano 2010, deberán someterse entre el 1 de diciembre 2009 y el 1 de marzo 2010. Estudiantes internacionales podrán audicionar en persona en cualquier ciudad de la Gira de Audición Nacional o en SAB. wwwsab.org/summercourse American Academy of Ballet Escuela de Verano de Excelencia. Cursos disponibles desde 1, 2, 3 ,4, 5 y 6 semanas entre el 27 de junio- 8 de agosto. También Curso de Maestro. Bienvenidas audiciones por video/DVD. www. american-academy-of-ballet.com Boston Ballet Programa de Danza de Verano. Audiciones europeas, en Florencia 23 enero, Paris 24 enero, Oslo 26 enero,Estocolmo 27 enero, Helsinki 29 enero y Hamburgo 30 enero. www.bostonballet.org/school Moscow’s Bolshoi Ballet Academy Verano Intensivo en Nueva York y Connecticut. Registro para audiciones en Nueva York el 9 enero y subsecuentemente a lo largo de USA. www.BolshoiBalletAcademy.com American Academy of Ballet Mignon Furman, Director Summer School of Excellence 2010 at Purchase College, SUNY, Westchester, NY Summer School 1 Week – June 27th – July 2nd 2 Weeks – July 4th – July 18th 3 Weeks – July 18th – August 8th 5 Weeks – July 4th – August 8th 6 Weeks – June 27th – August 8th TEACHERS’ COURSE July 28th - August 1st Junior Non-Residential Programs PHOTO BY: COSTAS One – July 6th – July 10th For Ages 7 - 9 Two – July 12th – July 23rd For Ages 10 & 11 AUDITIONS FACULTY Susie Cooper Olga Dvorovenko Mignon Furman David Howard Jay Jolley Lucia Kuimova Sean Lavery Janet Lindup Brian Loftus Lonné Moretton Megan Richardson Anuschka Roes Steve Rooks Stephanie Saland Galina Samsova Merle Sepel Bettijane Sills Marion Tonner Rebecca Tsivkin Violette Verdy Dean Vollick Heather White January 9th Silver Springs, MD January 10th Purchase, NY January 16th Mahwah, NJ January 17th Saratoga Springs, NY January 22nd Dallas, TX February 13th Boston, MA January 29th February 20th San Francisco, CA Long Beach, CA January 30th Santa Monica, CA February 7th New York, NY February 21st Chicago, IL March 14th Inverness, FL Video/DVD Auditions Welcome • For Further Information Contact: www.american-academy-of-ballet.com 250 West 90th Street, #3A • New York, NY 10024 Tel: 212-787-9500 • Fax: 212-787-8636 [email protected] Danielle Rowe y Edwaard Liang en Continuum con Morphoses/The Wheeldon Company. Foto: Erin Baian Danielle Rowe PHIL CHAN se encuentra con la bailarina principal del Ballet Australiano tomando un descanso con Morphoses 56 DANZA EUROPA diciembre 2009 ¿C ómo fue que inicialmente te conectaste con Morphoses/ The Wheeldon Company? Trabajé con Chris antes en el Australian Ballet (hicimos tres de sus ballets) y vino y trabajó con nosotros en su obra After the Rain. Después de eso, me contactó hace un año para ver si yo estaba disponible para trabajar en la compañía. ¿Cuál es la mayor diferencia entre trabajar con el Australian Ballet y con Morphoses? ¡Es mucho más pequeña! También hacemos muchos ballets con Morphoses en un periodo de tiempo corto. ¡Pienso que me aprendí siete ballets en cinco semanas! En el Australian Ballet, nos aprendemos un programa de tres obras y luego hacemos 21 funciones, por ejemplo, así que tengo la oportunidad de sentirme muy cómoda. Actuamos en grande. También viajamos mucho con Morphoses, ¡no es sólo trasladarte a un teatro diferente sino trasladarte a un país diferente! ¿Y cómo te adaptaste a eso? Al principio fue un gran shock. Admito que en realidad he disfrutado estar siempre en el límite, es verdaderamente emocionante. ¡Puedo decir que no me he aburrido ni una sola vez! ¿Cómo se trabaja con todos los otros bailarines afiliados a la compañía? Ha sido realmente una inspiración trabajar con ellos. Los otros bailarines y artistas vienen de todos los sectores y todos tienen diferentes procedencias. Todos tienen su propia forma de trabajar y enfrentarse a los ballets, la forma en que toman clases. Resulta verdaderamente refrescante. ¿Quiénes son algunos de los otros bailarines que tú admiras? Bueno, Wendy [Whelan] obviamente. ¿Qué admiras de ella? Su experiencia, conoce tan bien su cuerpo, y sabe lo que se ve bien en ella y cómo hacer que un movimiento funcione para sí. También conoce cómo controlar su ritmo para hacer la mejor función que pueda. Y luego cuando está en el escenario, irradia algo realmente muy especial. “ Con los ballets contemporáneos, casi me siento como si hiciera algo por primera vez y fuera lo mejor, siento que es más natural. Mientas más lo repito, más orgánico se comienza a sentir.” ¿Qué te llevas de regreso al Australian Ballet de tu experiencia con Morphoses? Espero poderme llevar a casa la habilidad de adaptarme y captar la coreografía muy rápido, y también esa cosa especial que hay en ello. Estoy segura que me va a resultar raro cuando me vaya, ¡no puedo creer que ya hayan transcurrido dos meses y medio! ¿Qué consejo puede darle a alguien que trabaje para convertirse en un artista multifacético? Que se esfuerce y sea lo más abierto que pueda al enfrentarse a diferentes estilos de movimiento, a diferentes correcciones que le hagan sus maestros. Mientras más abierto sea más podrá lograr en la vida. Esto le da a uno profundidad como artista y como persona. Danielle Rowe y Robert Curran en After the Rain con The Australian Ballet. Foto:David Kelly ¿Cuán diferente resulta tu preparación para un ballet clásico completo en comparación con un programa contemporáneo? No hay mucha diferencia para mí. Exige el mismo nivel de concentración. Con papeles más clásicos, necesito mucha repetición. Tengo que hacer mis variaciones todos los días para sentirme completamente cómoda. Con los ballets contemporáneos, casi me siento como si hiciera algo por primera vez y fuera lo mejor, siento que es más natural. Mientas más lo repito, más orgánico se comienza a sentir. ¿Cuál es el ballet favorito que has trabajado para esta temporada de Morphoses? Tendría que decir que la nueva obra de Chris [Rhapsody Fantaisie]. Pienso que es realmente especial, pero eso también podría tener que ver con el hecho de que fue una maravillosa experiencia ser parte del proceso. ¿Cómo se trabaja con Chris? Chris es asombroso, es una persona tan hermosa, y eso es lo que marca la diferencia. Me ha hecho esforzarme, y tiene una gran confianza en lo que estamos tratando de lograr. Me siento mucho más confiada cuando trabajo con él, eso es verdaderamente especial en un director artístico. ¡También es un coreógrafo asombroso! ¿Cómo fue Londres, y cómo se compara con tu estancia en Nueva York por primera vez? He estado en Londres unas cuantas veces, me gusta más cada vez que regreso, pero en Nueva York… no puedo cerrar un ojo. Ni siguiera sé por dónde empezar, me siento como un niño en una tienda de caramelos. Me encanta la energía del lugar, su asombrosa vitalidad. Es una ciudad eléctrica. Estoy entusiasmada con esta experiencia de actuar aquí en Nueva York, en el City Center. Estoy entusiasmada por estar aquí. DANZA EUROPA diciembre 2009 57 Royal Ballet School of Antwerp Artistic Director Alexandra Koltun New International Summer Program in Antwerp — Belgium Dance • all styles, all levels, for all ages Auditions 2010 USA Los Angeles Orlando New York March 13 March 14 March 21 August 9 - August 20 — 2010 Ages 12-19 Japan February 14 February 20 Osaka Tokyo INTERNATIONAL STUDENT VISA PROGRAM Europe Paris Antwerp January 23 May 9 Authorized under Federal Law to enroll non-immigrant alien students 3, 6 & 12 month programs For further information and applications visit us at www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en or contact Elsy Van der Beeuren at [email protected] or by telephone at +32 3 202 83 17 www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en RUDOLF NUREYEV INTERNATIONAL BALLET COMPETITION RNIBC - Edition 6 BUDAPEST - HUNGARY March 3-8, 2010 The Competition is open to all professional dancers between 15-27 years old Deadline: January 31, 2010 For more information please contact: EuroDance Foundation (RNIBC) H-1431 BUDAPEST 8, Po.Box:122 Fax: (+ 36-1) 3331836 email: [email protected] www.nureyevibc.com 58 DANZA EUROPA diciembre 2009 Veronika Buder; Steps Repertory Ensemble by Jaqi Email: [email protected] or visit www.stepsnyc.com Celebrating 30 years of service to the dance community STEPS ON BROADWAY • THE SCHOOL AT STEPS • STEPS BEYOND Carol Paumgarten, Founder/Artistic Director • Diane Grumet, Co-Artistic Director 2121 BROADWAY, NEW YORK, NY 10023 PH: 212-874-2410 • FX: 212-787-2449 • www.stepsnyc.com Limen EMMA MANNING está desencantada con el último estreno del Royal Ballet. A Sarah Lamb y Eric Underwood en Limen. Foto: Bill Cooper unque con una historia que se extiende por 50 y tantos años, los ballets escogidos para el primer programa triple de la temporada del Royal Ballet pertenecen a la misma familia, en el sentido de que todos dependen de una narración abstracta o tema, en oposición a una historia definitiva. Quizás el más vago de ellos es la fuerza motriz del estreno mundial de Wayne McGregor, Limen, sobre el que argumenta su interés en explorar “la idea de la transición, los umbrales de la oscuridad y de la luz, la presencia y la ausencia, la vida y la muerte”. Ciertamente, como en sus anteriores trabajos, Chroma e Infra, McGregor lleva a sus bailarines a extremos físicos, las piernas dan vueltas cruelmente más allá de los 180 grados y los cuerpos se deforman en posiciones tortuosas, pero cualquier mensaje psicológico resulta tan espartano como oscuro. De hecho, Limen es tan carente de emoción que nos deja observando un embrollo de inhumanidad robótica al compás del concierto de cello Notes on Light del compositor finés Kaija Saariaho. Las manipulaciones complejas del coreógrafo son amortajadas en decorados y videos de Tatsuo Miyajima. Estos incluyen un lienzo que parece un refrescador de pantalla translúcido con números que nadan sin dirección sobre los bailarines por un corredor de entrada, y una exhibición de bombillos azules con aspecto comercial que, como sudoku, se encienden uno a uno hasta que la rejilla se completa. Los topes con colores llamativos de Moritz Junge son desechados parcialmente a través del ballet, dejando a todos en un beige indescriptible. El elenco de ocho mujeres y siete hombres comprende a varios bailarines regulares de McGregor, tales como Leanne Benjamin, Sarah Lamb, Eric Underwood y Edward Watson, quienes han figurado en los elencos de sus obras anteriores, junto a neófitos en sus coreografías, como la brasileña Leticia Stock, que integró la compañía en esta temporada después de graduarse en la Royal Ballet School. Están todos milagrosamente flexibles, y se prestan gustosos a las fluidas formas de McGregor. Pero, aunque aquellas formas raras que adoptaban las extremidades resultaron sorprendentes la primera vez que impactaron la escena del Royal Opera House en Chroma y la vitoreamos por ver a los bailarines de la compañía en un nuevo camino, el efecto esta vez es menos fascinante. La imagen más memorable fue sin dudas dada por dos de los bailarines norteamericanos de la compañía, la delgada primera bailarina nacida en Boston, Sarah Lamb, y el solista negro nacido en Washington, Eric Underwood. Una pareja similar también resultó el principal atractivo de Agon de Balanchine, que abrió el programa. Frágil, femenina y rubia, Melissa Hamilton resultó el contraste perfecto para la musculatura masculina del cubano Carlos Acosta en el pas de deux principal, en que la pareja rindió merecido homenaje a Diana Adams y a Arthur Mitchell, el primer bailarín afro-norteamericano que alcanzó estatus de primer bailarín en el New York City Ballet, quien creó los papeles en 1957. Más obvio que en cualquier otra parte del ballet, el dúo se inspira en el título del mismo (agon significa concurso en griego) en el sentido de que pone a prueba los nervios de acero de cada bailarín; la necesidad de mantener una concentración feroz y un equilibrio firme es esencial, cualquiera sea la atracción sexual. Agon también incluyó la ejecución danzaria más fogosa de la noche con el pas de trois en el que Johan Kobborg, Yuhui Choe y Hikaru Kobayashi estuvieron muy parejos. La nueva adquisición de Sphinx de Glen Tetley, dados los limitados fondos del Royal Ballet, constituye una compra dudosa. Aunque una vez fue una obra prominente del repertorio del English National Ballet, el ballet luce mucho más añejo que los 32 años que tiene, y es un decrépito recordatorio de una era en que los ballets mitológicos estaban muy de moda. Transitando el camino del mito de la esfinge que ignora la advertencia de que morirá si sucumbe al amor, el ballet tiene el acompañamiento musical de la bien cargada partitura de Martinu y la escenografía de Rouben Ter-Arutunian es dominada por una plataforma de pasarela. Como la atolondrada esfinge, Marianela Núñez está impresionante pero no encuentra electricidad en el Edipo de Rupert Pennefather que, aunque bien bailado, le falta sensualidad. Como Anubis, Edward Watson estuvo irreconocible en un traje poco halagüeño. No solamente la obra Sphinx parece ser una compra desafortunada, sino que también, con el empleo de sólo tres bailarines, hace un mal uso de la larga nómina de bailarines de la compañía. DANZA EUROPA diciembre 2009 59 Royal Ballet School of Antwerp Artistic Director Alexandra Koltun New International Summer Program in Antwerp — Belgium Dance • all styles, all levels, for all ages Auditions 2010 USA Los Angeles Orlando New York March 13 March 14 March 21 August 9 - August 20 — 2010 Ages 12-19 Japan February 14 February 20 Osaka Tokyo INTERNATIONAL STUDENT VISA PROGRAM Europe Paris Antwerp January 23 May 9 Authorized under Federal Law to enroll non-immigrant alien students 3, 6 & 12 month programs For further information and applications visit us at www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en or contact Elsy Van der Beeuren at [email protected] or by telephone at +32 3 202 83 17 www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en RUDOLF NUREYEV INTERNATIONAL BALLET COMPETITION RNIBC - Edition 6 BUDAPEST - HUNGARY March 3-8, 2010 The Competition is open to all professional dancers between 15-27 years old Deadline: January 31, 2010 For more information please contact: EuroDance Foundation (RNIBC) H-1431 BUDAPEST 8, Po.Box:122 Fax: (+ 36-1) 3331836 email: [email protected] www.nureyevibc.com 58 DANZA EUROPA diciembre 2009 Veronika Buder; Steps Repertory Ensemble by Jaqi Email: [email protected] or visit www.stepsnyc.com Celebrating 30 years of service to the dance community STEPS ON BROADWAY • THE SCHOOL AT STEPS • STEPS BEYOND Carol Paumgarten, Founder/Artistic Director • Diane Grumet, Co-Artistic Director 2121 BROADWAY, NEW YORK, NY 10023 PH: 212-874-2410 • FX: 212-787-2449 • www.stepsnyc.com Limen EMMA MANNING está desencantada con el último estreno del Royal Ballet. A Sarah Lamb y Eric Underwood en Limen. Foto: Bill Cooper unque con una historia que se extiende por 50 y tantos años, los ballets escogidos para el primer programa triple de la temporada del Royal Ballet pertenecen a la misma familia, en el sentido de que todos dependen de una narración abstracta o tema, en oposición a una historia definitiva. Quizás el más vago de ellos es la fuerza motriz del estreno mundial de Wayne McGregor, Limen, sobre el que argumenta su interés en explorar “la idea de la transición, los umbrales de la oscuridad y de la luz, la presencia y la ausencia, la vida y la muerte”. Ciertamente, como en sus anteriores trabajos, Chroma e Infra, McGregor lleva a sus bailarines a extremos físicos, las piernas dan vueltas cruelmente más allá de los 180 grados y los cuerpos se deforman en posiciones tortuosas, pero cualquier mensaje psicológico resulta tan espartano como oscuro. De hecho, Limen es tan carente de emoción que nos deja observando un embrollo de inhumanidad robótica al compás del concierto de cello Notes on Light del compositor finés Kaija Saariaho. Las manipulaciones complejas del coreógrafo son amortajadas en decorados y videos de Tatsuo Miyajima. Estos incluyen un lienzo que parece un refrescador de pantalla translúcido con números que nadan sin dirección sobre los bailarines por un corredor de entrada, y una exhibición de bombillos azules con aspecto comercial que, como sudoku, se encienden uno a uno hasta que la rejilla se completa. Los topes con colores llamativos de Moritz Junge son desechados parcialmente a través del ballet, dejando a todos en un beige indescriptible. El elenco de ocho mujeres y siete hombres comprende a varios bailarines regulares de McGregor, tales como Leanne Benjamin, Sarah Lamb, Eric Underwood y Edward Watson, quienes han figurado en los elencos de sus obras anteriores, junto a neófitos en sus coreografías, como la brasileña Leticia Stock, que integró la compañía en esta temporada después de graduarse en la Royal Ballet School. Están todos milagrosamente flexibles, y se prestan gustosos a las fluidas formas de McGregor. Pero, aunque aquellas formas raras que adoptaban las extremidades resultaron sorprendentes la primera vez que impactaron la escena del Royal Opera House en Chroma y la vitoreamos por ver a los bailarines de la compañía en un nuevo camino, el efecto esta vez es menos fascinante. La imagen más memorable fue sin dudas dada por dos de los bailarines norteamericanos de la compañía, la delgada primera bailarina nacida en Boston, Sarah Lamb, y el solista negro nacido en Washington, Eric Underwood. Una pareja similar también resultó el principal atractivo de Agon de Balanchine, que abrió el programa. Frágil, femenina y rubia, Melissa Hamilton resultó el contraste perfecto para la musculatura masculina del cubano Carlos Acosta en el pas de deux principal, en que la pareja rindió merecido homenaje a Diana Adams y a Arthur Mitchell, el primer bailarín afro-norteamericano que alcanzó estatus de primer bailarín en el New York City Ballet, quien creó los papeles en 1957. Más obvio que en cualquier otra parte del ballet, el dúo se inspira en el título del mismo (agon significa concurso en griego) en el sentido de que pone a prueba los nervios de acero de cada bailarín; la necesidad de mantener una concentración feroz y un equilibrio firme es esencial, cualquiera sea la atracción sexual. Agon también incluyó la ejecución danzaria más fogosa de la noche con el pas de trois en el que Johan Kobborg, Yuhui Choe y Hikaru Kobayashi estuvieron muy parejos. La nueva adquisición de Sphinx de Glen Tetley, dados los limitados fondos del Royal Ballet, constituye una compra dudosa. Aunque una vez fue una obra prominente del repertorio del English National Ballet, el ballet luce mucho más añejo que los 32 años que tiene, y es un decrépito recordatorio de una era en que los ballets mitológicos estaban muy de moda. Transitando el camino del mito de la esfinge que ignora la advertencia de que morirá si sucumbe al amor, el ballet tiene el acompañamiento musical de la bien cargada partitura de Martinu y la escenografía de Rouben Ter-Arutunian es dominada por una plataforma de pasarela. Como la atolondrada esfinge, Marianela Núñez está impresionante pero no encuentra electricidad en el Edipo de Rupert Pennefather que, aunque bien bailado, le falta sensualidad. Como Anubis, Edward Watson estuvo irreconocible en un traje poco halagüeño. No solamente la obra Sphinx parece ser una compra desafortunada, sino que también, con el empleo de sólo tres bailarines, hace un mal uso de la larga nómina de bailarines de la compañía. DANZA EUROPA diciembre 2009 59 Boston Ballet School offers unparalleled professional training for the serious ballet student. SDP students are instructed in classical ballet through a comprehensive curriculum designed to develop versatile and well-rounded dancers. • Residential accommodations are available for female and male students • Requests for partial program attendance will be granted in cases of academic schedule conflicts 2010 Europe Auditions • All interested SDP students will be considered for year-round training Firenze, Italy, Jan 23 Oslo, Norway, Jan 26 Hamburg, Germany, Jan 30 Paris, France, Jan 24 • For audition details and fees, please visit www.bostonballet.org/school Helsinki, Finland, Jan 29 Stockholm, Sweden, Jan 27 Khio Kunsthøgskolen i Oslo Ballettschule des Hamburg Ballett Suomen Kansallisoopperan Balettioppilaitos Sabi Varga ©Varga Images Ballet Centre Le Conservatoire de Paris Kungliga Svenska Balettskolan Official School of Sponsor of Boston Ballet School’s Annual Audition Tour SUMMER DANCE PROGRAM 2010 J u ne 26–July 31 617.456.6269 62 DANZA EUROPA diciembre 2009 • Ages 10–19 www.bostonballet.org/school [email protected] américa Suzanne Farrell Ballet Zellerbach Hall, Berkeley, CA En contra de las incontables compañías de danza moderna que bailaron este otoño en San Francisco Bay Area, la compañía Suzanne Farrell Ballet apareció sorprendentemente como la única oferta neoclásica. La presencia refrescante de la agrupación distinguió al público sólo durante dos noches, revelando momentos de inspiración y belleza, y devolviendo a la escena mucho de lo que el ballet norteamericano ha perdido en años recientes: profundidad emocional y significado. Farrell es quizás más conocida como la musa de George Balanchine, papel que abarcó veinte años de colaboración entre ellos. El Suzanne Farrell Ballet ahora es un vehículo para mostrar las obras de Balanchine, presumiblemente como deben bailarse. El programa de la primera noche utilizó el tema cohesivo y simbólico del pas de deux como punto de partida. Antes de comenzar la función, Farrell ofreció sus propias consideraciones acerca de los antecedentes, retos y significado potencial de cada dúo. Comenzó con la inteligente respuesta de Balanchine cuando se le preguntó qué significaban sus ballets: “No se le pregunta a una rosa que se explique a sí misma.” No obstante, las explicaciones de Farrell acentuaron la presentación, adicionándole un contexto considerable. Señaló tres puntos específicos e inseparables de cualquiera de los pas de deux de Balanchine: la técnica visual, la música visual y el simbolismo visual, y agregó que a menudo el dúo fue la razón por la que surgió el ballet, y que en el pas de deux el Sr. B frecuentemente “rompió las reglas” del ballet. Como prueba, las líneas esbeltas y empeines de Natalia Magnicaballi tallaron las formas intermitentemente angulares de Apollo, con brisés ligeros y aparentemente sin preparación, mientras que Michael Cook resultó un Dios Sol poderoso en cuya espalda la deidad “nadó”, indicando uno de los momentos más misteriosos de la coreografía. Como ejemplo del cambio del Sr. B hacia “el esclarecimiento Sara Ivan y Momchil Mladenov en Romeo y Julieta. Foto: Paul Kolnik a través de la limitación”, nos deleitamos con Kendra Mitchell como la imparable caminante nocturna de La Sonnambula, impulsada en su interminable sucesión de bourrées por un espíritu, un sueño, o por Ian Grosh, el pretendiente confundido que intercepta su paso. La genialidad de Sonnambula incita a cuestionamientos no sólo de la heroína, sino de las estructuras coreográficas, impresionantes en la habilidad de la pareja para interactuar a pesar de su ciega movilidad en punta. La ambigüedad calculada de The Unanswered Question de Ivesiana dejó un sello definitivo de duda. Cuatro hombres sostienen en alto a una mujer, Elisabeth Holowchuk, mientras que Andrew Shore DANZA EUROPA diciembre 2009 63 Washington Ballet - Viengsay Valdés y Jonathan Jordan en Don Quixote. Foto: Carol Pratt Kaminski intenta alcanzarla. Pero el verdadero misterio reinó en el pas de deux de La Valse, bailado por Sara Ivan y Ted Seymour. En este pas de deux se hicieron gestos de barrido repentinos de manera diferente a la que, por ejemplo, los hace el Mariinsky; los bailarines parecían halados por fuerzas invisibles. Ver a los danzantes que Farrell entrena personalmente es nada más y nada menos que una revelación. Siguiendo las líneas bien definidas de Kenna Draxton y Momchil Mladenov en Agon, el mundo de amor y pérdida fue representado de forma experimentada por Magnicaballi con Michael Cook como su partner en Meditation, el primer pas de deux que Balanchine creó para Farrel cuando tenía 18 años de edad. Más que ningún otro dúo de la noche, esta pareja no sólo dio cuerpo, sino un profundo sentido de alma a la danza. Las piernas exquisitas y brazos delgados de Magnicaballi fueron adornados con 64 DANZA EUROPA diciembre 2009 rizos oscuros sueltos; la atención de Cook fue tanto noble como viva. Juntas sus habilidades artísticas rayaron en la pericia sobre la cual se fundó la tradición de Balanchine y que, evidentemente, en algunos pequeños bolsillos del mundo todavía florece. Qué bien si estuviera más extendido. Elisabeth Holowchuk y Andrew Kaminsky aparecieron en el pas de deux de carácter Mauresque del Don Quixote de Balanchine. La estrella de Sonnambula, Mitchell junto a Ian Grosh flotó en un fragmento de Chaconne, y la noche culminó con el pas de deux Stars and Stripes, presentando a una Violeta Angelova algo tiesa con un Mladenov vigorizante. El Suzanne Farrell Ballet ya ha probado sus méritos como componente estimado y necesario del ballet norteamericano. Catherine Pawlick Washington Ballet Don Quixote Kennedy Center’s Eisenhower Theater El Don Quixote del Washington Ballet, que subió a escena en el Eisenhower Theater del Kennedy Center del 14 al 18 de Octubre, fue una lluvia de balances, tour jetés, y virtuosismo español. La producción de Anna-Marie Holmes, experta en crear versiones de los clásicos, se movió rápido y utilizó a la compañía completa, a la segunda compañía, a muchos alumnos de la Washington School of Ballet y también a la marcada sensación cubana Viengsay Valdés en su debut como solista en los Estados Unidos. Con su sonrisa a lo Judy Garland y su estilo de Carmen Miranda, Valdés ofreció una actuación inspirada, alternando entre el fuego apasionado de una muchacha celosa y enamorada y la aparición delicada de la fantasía del Don. Cuando sus sobrenaturales balances la sacaban de la partitura grabada, ella sólo lanzaba una sonrisa inocente, y corría para alcanzar a su partner. Jonathan Jordan resultó un Basilio fuerte y humorístico, y brindó una interpretación carismática del barbero herido de amor. El Espada de Brooklyn Mack echó abajo el teatro con sus grandes saltos y pulidos y desacelerados giros. Maki Onuki en Cupido demostró su fuerte técnica de allegro. Finalmente, Luis R. Torres nos ofreció una buena mezcla de esperanza y locura en su representación del papel titular. En una parte crucial del ballet, las danzas españolas de carácter fueron claras y estuvieron bien ensayadas, aún cuando de alguna manera les faltaba la fogosidad que requiere este ballet. El Director Artístico Septime Webre ha desarrollado a un buen cuerpo de bailarines con los que puede trabajar. El problema mayor de esta producción fueron los cortes incoherentes y descuidados de la música. Es una vergüenza que no contara con una orquesta en vivo, ya que resultaba obvio que los bailarines querían jugar con el fraseo y la musicalidad, pero la partitura grabada dificultó el brillo de sus habilidades artísticas. Esta producción evidenció que, si se asignaran fondos adicionales para tocar música en vivo y para una puesta en una sede de mayores dimensiones, la compañía podría comenzar a ofrecer programas que rivalicen con los de otras compañías nacionales. Phil Chan allá. Pickett utiliza diferentes culturas y recursos como influencia, no obstante, evita caer en el camino narrativo. Se crearon grandes expectativas luego de la premier en el 2007de la impresionante obra con influencia India, Eventide. 月夜 Tsukiyo también es una obra fascinante, pero tiene algunas pequeñas fallas. La partitura repetitiva de Pärt exige una coreografía que siga totalmente o rompa consecuentemente este patrón. Pickett no hace ninguna de las dos cosas, y en este sentido no logró encontrar su voz. Sin embargo, resultó interesante y hermoso presenciar los movimientos de su obra. A diferencia de muchos coreógrafos, sus piezas continúan siendo muy diferentes unas de otras. Lia Cirio y Sabi Varga bailaron con delicadeza y devoción. El pas de deux de Victor Plotnikov, Rhyme, originalmente encargado para el Boston Ballet en el 2008 y con el acompañamiento de la pieza musical Largo de la Sonata para Cello y Piano Opus 65 de Chopin, fue la obra más contemporánea de la noche. Los bailarines Heather Waymack y Altan Dugaraa se perdieron en la fluidez de sus movimientos y llevaron al público a su mundo; algo raro y refrescante de ver en estos días. La noche cerró con la readaptada versión de Carmen del coreógrafo residente Jorma Elo, que se estrenó como ballet completo en el 2006 y que volvió esta vez en una versión reducida de un acto. En comparación con el último trabajo de Elo para la compañía, Le Sacre du printemps, Carmen resultó más clásica en su vocabulario, no obstante, el estilo distintivo de Elo era claramente visible. Su mayor logro en Carmen fue eliminar los usuales clichés españoles, para utilizar un enfoque fresco, y en la versión nueva, para hacer el ballet más corto sin perder el argumento. Su Carmen, Kathleen Breen Combes, estuvo sexy y segura sin demasiado divismo, y Lia Cirio, como Micaela, fue particularmente expresiva. Las secciones de conjunto fueron emocionantes, aún cuando no todos los bailarines se sentían cómodos con el complejo vocabulario de movimientos de Elo. En general, la compañía estuvo mucho más fuerte en Carmen que al principio de la noche, una clara señal de en qué dirección debe ir el Boston Ballet en el futuro. Gloria Benedikt Lucinda Childs Boston Ballet Dance/Concerto/Largo Joyce Theater En octubre se estrenó un versátil programa de cuatro obras, World Passions, del Boston Ballet, y a Miko Nissinen debe dársele crédito por continuar promoviendo nuevos coreógrafos. No obstante, la noche comenzó con la más floja, la reposición del Tercer Acto de Paquita, a cargo de Pino Alosa, lo que nos sugirió que la compañía estaba calentando para asumir los desafíos más artísticos que vendrían después. Lorna Feijoo estuvo cómoda, limpia y controlada en el grand pas de deux, pero estaba ausente la emoción y la determinación de asumir riesgos. Jaime Díaz y Erica Cornejo en el pas de trois, y Melissa Hough en su variación, se destacaron como los bailarines más refrescantes y carismáticos. 月夜 Tsukiyo, el tercer encargo de Helen Pickett para la compañía, es un dúo con la infame pieza musical Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt, e inspirado en el Cuento del Cortador de Bambú de Japón. En un momento en que demasiados coreógrafos insisten en confiar solamente en la música escogida como inspiración, fue bueno ver a alguien que fue más Dance de Lucinda Childs se estrenó en el Brooklyn Academy of Music en 1979, que siguió a su trabajo innovador con Philip Glass Einstein on the Beach (Einstein en la playa) en 1976. Dance tiene una partitura de Philip Glass y presenta un filme de danza de Sol LeWitt. El reestreno de Dance este año fue comisionado por el Richard B. Fisher Center for the Performing Arts de Bard College, con apoyo adicional de The Yard. La pieza de 60 minutos fue interpretada en el Joyce Theater con Concerto (1993), un baile para siete, y Largo (2001), un solo para Childs. Dance transporta al público al Nueva York de la época de Judson cuando el minimalismo era lo más popular. Dance fue un éxito rotundo en 1979. Desafortunadamente, dado el elenco actual de bailarines de Childs, Dance ya no se puede apreciar más que como un documento histórico. Dance está estructurado en tres movimientos. La primera y tercera pieza son “bailes” de grupo compuestos de 4 o 5 frases de movimiento. El segundo es un solo, originalmente bailado por Childs y ahora por Caitlin Scranton. Graduada recientemente de Smith College y el Ailey School, Scranton es una World Passions Boston DANZA EUROPA diciembre 2009 65 momentos importantes de la tradición danzaria norteamericana. Los homenajeados de este año fueron Lawrence Herbert, Llyod E. Rigler, y el finado Patrick Swayze. Aunque resultó un programa ágil y diverso, estuvieron notablemente ausentes representaciones de las leyendas norteamericanas de la danza Martha Graham, Alvin Ailey, o Merce Cunningham. Al mostrar muchos estilos de danza, el tono de la noche no sólo fue de diversidad y celebración, sino también de una respuesta imperativa para apoyar la etapa de transición en la carrera de los bailarines. El programa comenzó con un explosivo pas de deux de Stars and Stripes, interpretado por Ashley Bouder y Andrew Veyette del New York City Ballet. Los centelleos juguetones entre los bailarines estuvieron a la par de la fuerza técnica pura, entusiasmando al público y demostrando por qué la coreografía de Balanchine todavía sigue bien viva y vigente entrado el siglo 21. La obra siguiente, sin embargo, tuvo el efecto opuesto: The Dance of the Furies, creada en 1904 por Isadora Duncan, parecía anticuada y le faltó el brillo necesario Natalie Axton para una gala. Los gemelos Lombard bailaron una fusión de tap, “popping”, y danza lírica, al compás de un sensual tango de New York City Center Astor Piazzolla. Desafortunadamente, en la transición hacia la sección más lírica de la obra, perdieron la claridad y precisión La Gala Career Transition for Dancers de este año que tuvo que los caracteriza. Seguidamente se bailó un dramático pas lugar el 2 de noviembre conmemoró el aniversario 24 de de deux del Cedar Lake Contemporary Ballet, como tributo la organización con el tema America Dances, incluyendo a Duke Ellington, y un emocionante ejemplo de “Parkour”, ejecutado por el grupo multiAshley Bouder y Andrew Veyette (New York City Ballet) en Stars and Stripes. Foto: Richard Termine media Bullettrun de Nueva York. Una de las mayores atracciones fueron Alexandra Gutkovitch y John Gaylan, de 10 y 14 años respectivamente. Estos dos pequeñines campeones interpretaron una danza impactante, rigurosa y carismática, que hizo saltar de sus asientos al público; todavía veremos a estos dos talentos emergentes hacer mucho más. Representando a los profesionales del baile de salón, Adealani Malia y Mark Stuart Eckstein ejecutaron un dúo que fue sensual y agresivo al mismo tiempo, y mostró tanto las posibilidades técnicas como dramáticas del baile de salón de exhibición. El programa concluyó con una débil readaptación de Dancin de Bob Fosse, a la que le faltó el “sex appeal”, la precisión y el fuerte trabajo vocal acompañante que exige la obra de Fosse. El único momento brillante del popurrí fue la actuación estelar de Robert La Fosse, ex primer bailarín tanto del American Ballet Theatre como del New York City Ballet, quien le agregó un detalle a la coreografía y trajo su especial elegancia. Todavía es capaz de brillar sobre el escenario. El segmento más conmovedor de la noche fue el de los testimonios de ex bailarines acerca de cómo Career Transition for Dancers los ayudó en su transición hacia otras carreras, así como detalles sobre los recursos que existen hoy para los bailarines. bailarina llamativa, igual que Childs. Tiene la soltura y distancia emocional apropiada para este solo, pero esta sección es demasiado larga. El filme de LeWitt, proyectado sobre un telón transparente enfrente de los bailarines, es una grabación del elenco original bailando la misma coreografía sobre un suelo dividido en una red cuadricular. Los mejores momentos de la pieza son cuando LeWitt juega con la perspectiva, y los bailarines del elenco original aparecen más grandes o moviéndose en una dirección distinta a la de los bailarines en vivo. La diferencia que hacen 30 años. El elenco del ‘79 es ligero y elástico mientras que el elenco del 2009 es musculoso y obvio. (A los hombres del 2009 no les favorece la comparación; uno era categóricamente corpulento.) El vídeo también revela un cambio de vestuario: el elenco del 2009 lleva zapatillas de jazz en vez de las originales zapatillas deportivas blancas. ¿A lo mejor el elenco actual no es lo suficientemente deportivo? Transition for Dancers Gala Phil Chan 66 DANZA EUROPA octubre 2009 críticas Independent Ballet Wales en Cuán Verde Era Mi Valle. Foto: Jani Renajera Independent Ballet Wales Cuán Verde Era Mi Valle Lilian Baylis Theatre, Sadler’s Wells En su último ballet, el director artístico Darius James asume la novela de Richard Llewellyn, Cuán Verde Era Mi Valle, que tiene lugar en una pequeña comunidad minera de Gales del Sur a finales del siglo 19, un libro que inspiró la película de 1941, dirigida por John Ford. La historia trata acerca de los Morgan, una familia minera encabezada por Gwilym, interpretado por Oliver Eastwood, y Beth, bailada por Lauren Poulton, y los variados conflictos que afectan sus vidas, incluyendo la disputa por los derechos de los obreros entre Ianto, el padre, y Ianto, el hijo, así como sus romances y desventuras. La hija Angharad, por ejemplo, se siente atraída por el cura local, el Sr. Gruffydd, asumido por Richard Read, pero termina haciendo un casamiento infeliz con Iestyn, el hijo de un propietario de minas, mientras que su hijo menor Huw, bailado por Olga Petiteau, queda incapacitado de sus piernas en un accidente. El argumento no es de los más fáciles de seguir, pero tampoco lo es el de Mayerling de MacMillan. Quizás sería útil un análisis escena por escena para un público no familiarizado con la historia. La partitura de atmósfera de Thomas Hewitt Jones, incluído un solo de cello en vivo, le da realce al ballet, y el Coro Masculino de la Ciudad de Newport le incorpora un sabor galés auténtico. La escenografía de Daniel Anderson, que emplea proyecciones en un telón de fondo y dos pantallas angulares, resulta particularmente eficaz y nos traslada a varias locaciones, incluída una iglesia con vitrales. Anderson también es el responsable de los espléndidos trajes de la era Victoriana. La coreografía de James asume el ballet, las mujeres están todas en punta, a partir de un elemento teatral físico exuberante, ejemplo de lo cual es la pelea entre los hombres que es ejecutada con rudo fervor. La frontal confrontación entre el Ianto de Mandev Sokhi y el Iestyn de Daisuke Muira es muy impresionante. Pero quizás no es buena idea que los hombres se paren con los pies para afuera, obviamente en primera posición, entre las danzas, ya que esto entra en contradicción con los personajes. Los numerosos dúos son osados en sus exigencias físicas, con muchas cargadas engañosas, las cuales fueron ejecutadas de forma competente. En términos de creatividad, ésta es, aunque no del todo, la más fuerte obra de James hasta la fecha y mi única crítica en ese sentido es que tiende a sobrecargar algunas secciones, especialmente durante la primera parte del ballet en que todos luchamos por delinear a los personajes. El actual conjunto de bailarines es el grupo más fuerte de la historia de la compañía, incluída Emily Pimm, quien estuvo excelente. No sólo desde el punto de vista de su buen desempeño técnico, sino que capturó el romántico anhelo de Angharad Morgan con credibilidad conmovedora Emma Manning DANZA EUROPA diciembre 2009 67 gestos faciales y movimientos son a la vez intrigantes y distanciadores. Aunque la danza y figura poderosa que representa Lugo es impresionante, uno se pregunta si una sonrisa o dos no serían mala idea. David Morales fue el único bailaor del ciclo, y probablemente el de más experiencia, ya que ha creado y girado con sus propias producciones. Morales es el prototípico bailaor canónico. Con una escena de flamenco que tira hacia la fusión y la modernidad, es refrescante ver a un bailarín que hace que el flamenco tradicional lata con energía pura. Su zapateo increíblemente preciso y rápido hizo que la representación estallara de energía, a pesar de ser una coreografía que podía haber sido algo más distintiva. Y guardamos lo mejor para el final. Selene Muñoz fue sin lugar a dudas la reina de las representaciones de danza del ciclo. Cuando esta bailaora mitad española, mitad danesa sale al escenario, su cuerpo largo y espigado parece incompatible con los bailes que está a punto de interpretar, pero las apariencias engañan, porque en cuanto Muñoz empieza a bailar es todo fuerza y encanto. Su ritmo y agilidad notables hacen que sus coreografías muy estilizadas y variadas sean emocionantes, al igual que su excelente relación con el público, que se gana con las sonrisas y guiños que le dispara a lo largo de sus secuencias más festivas y ligeras. Muñoz muestra gran promesa de convertirse en la próxima gran bailaora de flamenco, y si tenemos suerte, el público español podrá volver a verla muy pronto Justine Bayod Espoz Royal Ballet of Flanders La Evolución del Ballet Antwerp Selene Muñoz. Foto: Teatro Espanol Sangre Nueva Teatro Español, Madrid El ciclo Sangre Nueva, Jóvenes Flamencos, organizado por los productores y representantes de artistas Paco Ortega y Eugenio Gurumeta, consistió de cinco galas presentando a jóvenes, y relativamente desconocidos, instrumentalistas, cantaores y bailaores flamencos. Los instrumentalistas eran todos músicos de primerísima clase, los cantaores dejaron mucho que desear y los bailarines fueron una combinación de dos representaciones desastrosas y tres fascinantes. Al leer la biografía de Miryam “La Arquilleja” Reiumúndez, uno tiene altas expectativas, ya que la bailaora ha estudiado con flamencos de renombre y ha bailado con la compañía de Sara Baras. Sin embargo, el público se quedó estupefacto al ver una representación que sólo se puede comparar a un rinoceronte desorientado en estampida. Describir esta interpretación como poco 68 DANZA EUROPA diciembre 2009 elegante y torpe es ser bondadosa, así que dejémoslo así. La representación de Asunción Demartos, una ex-bailarina de la Compañía de Rafael Amargo y una bailaora conocida en los tablaos de Madrid, no fue un descarrilamiento de tren tan horrible como el de Reiumúndez, pero Demartos todavía no está ni lo más mínimamente preparada para embarcar en una prometedora carrera de solista. Intentó revestir sus coreografías poco inspiradas con una selección de artículos flamencos, como el mantón, castañuelas y el sombrero cordobés, una decisión que finalmente dificultó más que ayudó a su interpretación, lo cual se hizo evidente en un momento incómodo cuando intentando maniobrar diestramente el mantón se le envolvió accidentalmente en la cara y la cabeza. Una sorpresa grata vino en forma de la bailaora mexicana Karen Lugo, que tiene un estilo bien definido y contemporáneo, que enfatiza movimientos angulares y una rigidez casi aplastante. La severidad de sus Como apertura de la temporada 2009 -2010, el Ballet Real de Flandes escogió un programa de estilo documental diseñado en parte como homenaje a los Ballets Rusos y, por otra, como un recorrido histórico muy compacto que puso de relieve el desarrollo del ballet. Fue desilusionante ver que, aparte de la proyección de unas cuantas fotos, hubo poco en el programa que retratara el brillo y originalidad impresionantes de los Ballet Rusos de Diaghilev. ¿Dónde se hizo referencia a Michael Fokine, seguramente uno de los coreógrafos más grandes de ese periodo y cuyas ideas y ballets innovadores cambiaron de forma tan radical el rumbo del ballet? Los periodos románticos tempranos y tardíos estuvieron representados por dos pas de deux; uno de La Sylphide, con coreografía atribuida tanto a Taglioni como a Bournonville; y otro del Segundo Acto de Giselle. Guilia Tonelli bailó una sílfide deliciosa. Delicada, coqueta y con pies ligeros, fue igualada muy bien por su James, Sonny Kleef, quien mostró una batería precisa y abundancia de ballon, mientras que la interacción de la pareja de Aki Saito y Wim Van Lessen fue ideal para mostrar el romanticismo de Giselle. La limpieza con la que bailó él y la ligereza como de pluma de la muchacha brilló en todo momento. No obstante, la tensión en el cuello estropeó algo su trabajo. De la era de Marius Petipa, fueron escogidas dos emblemáticas piezas de danza fuerte, el pas de deux de Don Quixote, y el del Grand Pas Hongrois del último acto de Raymonda. La primera solista Yurie Matsuura puede igualarse a las bailarinas cubanas de hoy con sus brillantes fouettés y balances interminables, pero a su Kitri, de todas maneras, le faltó fuego. Mientras que ella y su Basilio, Garrett Anderson, hicieron buena pareja, obviamente les faltó más tiempo de ensayo para poder realmente relacionarse el uno con el otro en escena. También sucedió en el divertimento de Raymonda. Eva Lombardo es una bailarina con una fuerte técnica, pero su osadía estuvo totalmente en contradicción con el carácter del periodo que su papel exigía. A sus palmadas en el solo les faltó ataque y, por momentos, parecía perdida dentro del cuerpo de baile. Para hacerle justicia a estos ballets, la compañía parece que necesita trabajar en ellos más tiempo. La primera noche el cuerpo de baile fue técnicamente capaz, aunque estuvo un poco irregular; y el solista Eugéniy Kolesnik debería haber perdido la peluca roja, que se veía y, creo, le resultaba incómoda. Las cosas mejoraron en la segunda mitad. En una evocación breve de L’Aprèsmidi d’un Faune de Nijinsky, Kolesnik verdaderamente se batió con el personaje y su muy angular estilo, y en el pas de deux de Apollo de George Balanchine, Courtney Richardson bailó una Terpsícore ligeramente seductora, mientras que Ernesto Boada se vio ansioso. La compañía pisó terreno más seguro en las coreografías modernas. Herman Schmerman de Forsythe fue bailada por Geneviève Van Quaquebeke y Alain Honorez con brillo y humor desbordante. Las tres últimas obras fueron totalmente del gusto del público. Dos solos cortos de los jóvenes coreógrafos Maxime Quiroga y David Jonathon mostraron originalidad, musicalidad y gran estilo. Jonathon también fue el coreógrafo responsable de Evolution, el ballet final de la noche. Incorporando motivos de las obras precedentes, fue rápida, singular y alegre, ejecutada con gusto y precisión por la compañía que dirige Eva de Waele. mantenido a su compañía de 35 bailarines en perfecto estado y, aunque se lamente la pérdida de Bruno Bittencourt, el genio del Brasil – que abandonó Toulouse por Essen, el programa Maestros del Siglo XX demostró que la compañía todavía puede presumir de solistas admirables. El programa empezó con el elegante Thème et Variations con un vestuario plateado y eau-de-nil. Como ex -solista de Balanchine, Glushak tiene, por supuesto, un fetiche por las obras del coreógrafo, y su compañía hizo justicia a la pieza magníficamente. La solista Magali Guerry baila con estilo y una técnica cautivadora. Su pareja, el armenio Davit Galstyan, no tendrá la altura y los muslos que requieren los estándares de hoy en día, pero es un bailarín de ballet consumado con excelente balón, assemblés y tours en l’air. Son la pareja perfecta. La única decepción del programa fue la siguiente pieza, Ángeles Caídos de Kylián, un ejercicio en sincronía repetitiva y solos bailados al tamborileo primitivo de Steve Reich. Con la excepción de unos momentos potentes, las ocho mujeres parecían demasiado flojas de piernas como para infundir suficiente fuerza, física o espiritual, en la pieza. La compañía se mostró mucho más inspirada en The Vertiginous Thrill of Exactitude (La emoción vertiginosa de la exactitud) de Forsythe, que fue interpretada por todos con el apropiado vigor virtuoso. La principal solista Maria Gutierrez reinó suprema con Kazakh Kazbek Akhmedyarov, un joven con una agilidad felina sorprendente. Valerio Mangianti, un chico alto y fuerte, estuvo muy bien, aunque es difícil sobrepasar a Akhmedyarov. La noche terminó agradablemente con Sinfonía en re, una de las primeras piezas de Kylián, creada en 1976, que él casi rechaza. La pieza es una sátira del mundo del ballet y, un coqueteo abierto con la farsa. Sinfonía en re es irresistible, y tuvo a los pequeños muy divertidos. Sin embargo, como con casi todo lo que hace Kylián, el humor es muy sutil. François Fargue Vanemuine Theatre Ballet Kevade (Primavera) Tartu, Estonia Tartu es la segunda ciudad de Estonia, que se ufana de tener dos buenas instituciones: la Ballet du Capitole - Isabelle Brusson y Gaëlle Riou en The Vertiginous Thrill of Exactitude. Foto: David Herrero Judith Delme Ballet du Capitole Maestros del Siglo XX Halle aux Grains, Toulouse Hija de padre francés, la americana Nanette Glushak dice que siempre quiso vivir y trabajar en Francia. Su deseo se cumplió en 1996 cuando fue nombrada Directora Artística de Le Ballet du Capitole en Toulouse por el Director General, Nicolas Joel, que se fue a la Opera de Paris este año. Si no fuera por él, la compañía de ballet simplemente ya no existiría, dice Glushak. Sólo había una compañía de opereta antes de que él viniera. Sin embargo, cuando se le pregunta sobre su posterior relación con Nicolas Joel, Nanette corre un tupido velo sobre el tema. “Digamos que también trabajó aquí como director de escena lo cual no le dejaba mucho tiempo para pensar en el ballet”. El ballet, de todos modos, siempre ha sido la Cenicienta de las artes, y Toulouse tiene el orgullo de ser una de las pocas ciudades en Francia con compañía de ballet. Puede que sea aun peor este año con las crisis. Las actuaciones de danza han disminuido a 17 y, debido a las reparaciones importantes que necesita el Théâtre du Capitole, la compañía tiene que adaptarse a espacios más pequeños. Pero Glushak ha DANZA EUROPA diciembre 2009 69 Vanemuine Theatre Ballet en Kevade (Primavera). Foto: Max Prohhorov principal universidad del más norteño estado Báltico y el Teatro Vanemuine, que acoge cerca de una docena de estrenos todos los años en géneros como la ópera, el teatro musical y el teatro, así como de su compañía de ballet de 38 miembros, quizás una cifra récord para una compañía de danza de una ciudad de sólo 100,000 habitantes. Al ofrecer programación tanto para un público más tradicional como para audiencias más jóvenes y radicales, el Ballet del Teatro Vanemuine lleva a escena una amplia gama de obras, desde la clásica Giselle hasta lo más revolucionariamente contemporáneo. Kevade, pieza por encargo del 2009 para celebrar el 70 aniversario de la compañía, puede atraer a ambos grupos, con una visión contemporánea asequible de una de las obras más famosas de la literatura estonia. Oskar Luts escribió su novela justamente antes de la Primera Guerra Mundial, la que describe las vidas, sueños y primeros amores de un grupo de escolares y de los adultos que los rodean. Stepanov nos cuenta en las notas del programa: “Tengo que renunciar a la imaginería utilizada por Oskar Lutz y crear mi propio mundo estético”. Lo que vemos en escena es un viaje de descubrimiento del personaje principal, Arno, en que gana y pierde a una muchacha, e interactúa con aquéllos de su propia generación y con los mayores. Stepanov utiliza la danza folklórica, la contemporánea y una sección corta de ballet para ofrecer visiones fugaces de este recorrido espiritual, más que presentar una narración lineal. La variedad visual se logra con una secuencia de sueño y tres escenas con una danza lenta y sensual que representa la primavera. Ardo Ran Verres se refiere a su partitura como “una producción sonora”, y utiliza el equipo de audio de tecnología de punta de la sala principal del Vanemuine para crear sonidos callejeros y ruidos de áreas de juego, así como una música armoniosa inspirada en varias épocas. Takuya Sumitomo representa a Arno con sinceridad y su ejecución danzaria proyecta 70 DANZA EUROPA diciembre 2009 la naturaleza frecuentemente melancólica de las lecciones que la vida le da. Hayley Jean Blackburn convence como Teele, la muchacha de la que se enamora, que luego le rompe el corazón cuando el impositivo Toots se interpone entre ellos. En este último papel, Guy William Burden discutiblemente logra sus mejores pasos y utiliza toda su velocidad y calidad de movimiento para causar una fuerte impresión. Como la pareja mitológica primaveral, Saori Nagata y Vladimirs Latishonoks se ven impresionantes cuando se enroscan el otro con el otro en prístino movimiento. En los 90 minutos de función sin un intermedio, Kevade mantuvo mi atención durante todo ese tiempo y merece que se le vea por otros públicos más allá de su patria. Stuart Sweeney Wendy Houstoun Keep Dancing BAC, London Un amigo teatralmente astuto, muy familiarizado con (y favorablemente inclinado hacia) el trabajo solista de Wendy Houstoun, descartó su último esfuerzo, clasificándolo como el trabajo de “una minimalista de mediana edad que se ha convertido en un objeto de perduración”. No hay duda de que Keep Dancing exige mucho del público, sobre todo en la sección final. Acompañada de un montaje ingenioso, hiperactivo e hipnótico de raras secuencias filmadas de archivo – todas de dominio público y exhibiendo de todo, desde policías desfilando, a boxeadoras, a jugadoras de baloncesto bajo el agua – la cada vez más sudada Houstoun repite el mismo movimiento espasmódico y ondulante. Estos fantasmas de blanco y negro de una época antigua del mundo del espectáculo y de momentos de ocio, se proyectan sobre el ser vivo enfrente de nosotros mientras conduce su propio maratón de danza. Sugiere, tal vez, lo fina que es la línea entre el agotamiento y el éxtasis, o entre el pasado y el presente, o el artificio y la realidad. El espectáculo de una hora está lleno de acción – mucha de ésta no suya sino la que se ve en las imágenes - y, sobre todo en partes del principio, salpicadas de texto hablado que trata de las falsedades y expectativas engendradas por la interpretación. De acuerdo con la tecnología estética de baja calidad, partes del guión parecen ser un diálogo entre Houstoun y su ordenador en el escenario. Como dice al principio, intenta combinar “todos los grandes temas del mundo, con unos cuantos chistes”. Lo esencial de la pieza es, en mi opinión, un intento de construir un argumento metafórico sobre la persistencia, no sólo en términos de la interpretación sino en términos de la vida. Es una temática que explora Vincent Dance Theatre en la nueva obra de la compañía, If We Go On, y no sorprendentemente – esa producción fue escrita en mayor parte por Houstoun. En este solo trata los asuntos que actualmente le preocupan con más balance y levedad. Y uno sale con un maremágnum de imágenes nadando por la cabeza, y un entendimiento de la elegancia (inquieta o agitada, elige) que Houstoun encarna. Donald Hutera Dutch National Ballet Concerto Stadsschouwburg, Amsterdam Ballet Nacional Holandés Concerto Stadsschouwburg, Ámsterdam El programa de gira del Ballet Nacional Holandés, Concerto, es notable por su Nuevo ballet de Krzysztof Pastor y las emocionantes interpretaciones de los bailarines. Dumbarton Dances, de Pastor, usa el nombre y la música del Concerto en Mi Bemol de Stravinsky y también hace buen uso de texturas hábilmente tejidas. Igual que Men Y Men de Wayne Eagling, fue escrita como vehículo para el talento masculino emergente: un género nuevo muy esperado. Es un trabajo corto y bailaron furiosamente. Ygnace, recipiente de del Golden Swan de este año (el premio de danza más importante de Holanda), demostró ser todo un ganador. En la segunda aria, Herd fue la pareja de Anu Viheriärante. Ella dio un sentido elegante a cada movimiento difícil y está cada vez mas cómoda interpretando papeles principales. Maggie Foyer Mark Morris Dance Group Bedtime/V/Empire Garden Sadler’s Wells Theatre abstracto, con elementos de competitividad, pero su éxito es debido a la gama expresiva de la coreografía y a los bellos y fluidos movimientos, no simplemente a su bravura masculina. Hábiles transiciones a trabajo de suelo, piruetas y saltos descentrados fueron ejecutados con elegante desparpajo y clara definición. El elenco de ocho hombres fue admirable individualmente y en unísono. Concertante de Hans van Manen, creado para NDT2 en1994, adquirió otro sabor con un elenco más maduro. Bailado con una partitura muy rítmica de Frank Martin, demuestra su aptitud intuitiva por la estructura pero siempre con un filo innovador. Parece algo ordinario hasta que uno se da cuenta de que van Manen es original y que esto es algo inteligente y novedoso. El segundo dueto bailado por Charlotte Chapellier y Alexander Zhembrovskyy fue totalmente fascinante. Ningún coreógrafo usa el espacio abierto entre dos personas de forma tan elocuente como van Manen y esta pareja encrespada de libido; cada toque era tan electrizante como un cable vivo. El programa culminó con Balanchine. Su Concerto Barocco de 1941 es la obra de un maestro joven, firmemente dedicado a lo tradicional pero demostrando señales tempranas del inimitable estilo Balanchine. La precisión clásica está presente, en el cuerpo de baile con líneas prístinas, pero esta presentación fue memorable por la interpretación de Larissa Lezhnina, que irradiaba calor. Sus brazos eran pura poesía; cada gesto fluía hasta llegar a las yemas de sus dedos, todo debido a su técnica excepcional. Vera Tsyganova, que apareció en ambos ballets de Balanchine, mostró líneas fuertes y limpias, pero fue algo eclipsada por la intensa competición. Concerto Barocco ofrece solamente un personaje masculino poco interesante, interpretado estoicamente por Casey Herd. Herd tuvo mejor oportunidad en el Concerto de Violín, en el que Balanchine es tan deslumbrantemente moderno como Stravinsky. Junto a Cédric Ygnace, los dos Un sentido consciente de lo ridículo caracteriza el trabajo de Mark Morris, que crea danzas joviales que tienen un gran atractivo por su levedad y música en vivo. Los bailarines de Morris no son tan pulidos como los de otras compañías de ballet. Son singularmente humanos, de todos los tamaños y formas, y se deleitan en dar saltos con la boca abierta, y, en el caso de una de las piezas, se montan unos encima de otros como cangrejos copulando. El programa de otoño de Morris en Sadler’s Wells incluye reestrenos de Bedtime y V, bailados con música de Schubert y Schumann respectivamente, y el estreno en el Reino Unido de Empire Garden, en el que 15 bailarines, son acompañados por un violoncelista, un pianista y un violinista que tocan la música de Charles Ives. Empire Garden se deriva directamente de las Olimpiadas de Beijing. La diseñadora Elizabeth Kurtzman ha diseñado una colección de chándales, camisas jockey y camisetas polo en un desorden de colores que recobran el orden en los elegantes patrones de Morris y que se disuelven tan rápido como aparecen. Los rojos se convierten en amarillos y estos en azules y estos en verdes, siguiendo los giros de los bailarines. El vestuario – esta vez de Martin Pakledinaz –es una vez más fundamental en V. Un grupo en pantalones cortos azules y batas cortas flotantes es desplazado abruptamente por otro grupo en camisetas y pantalones ondulantes verdes. Las dos facciones se unen en un baile de intersecciones y ángulos reflejados en el que los bailarines acechan el escenario a cuatro patas o vuelan desde las bambalinas del escenario sobre los hombros de sus contrapartes. La mezzo-soprano Margaret Bragle canta una secuencia de canciones de Schubert como un rezo del ocaso en Bedtime. Sobre el escenario, los bailarines de Morris hacen el papel de coro griego, rodeando una historia compartida de sueños y pesadillas de infancia. Para Morris, el escenario es una zona de recreo para adultos. Su curiosidad sobre el cuerpo natural y (a menudo obscura) la música en vivo es impresionante y probablemente debería ser emulado por más creadores de danza. Si llegarían a tener el mismo éxito, es debatible: Morris es único. Malcolm Rock Tanz Theater Braunschweig Geschlossene Gesellschaft Braunschsweig Eva-Maria Lerchenberg-Thöny originalmente creó Geschlossene Gesellschaft (Sociedad Cerrada) para Tanz Theater Munich – donde también bailó en la obra. Después de su éxito allí, la obra se presentó en numerosos festivales internacionales y ganó amplio reconocimiento y varios premios. Ahora en su tercer año de directora y coreógrafa del Tanz Theater Braunschweig, Lerchenberg-Thöny ha reestrenado esta dramática pieza con sus bailarines de Braunschweig. Geschlossene Gesellschaft está basada en la obra Huis Clos de Jean-Paul Sartre e incluye sus personajes: Garcin, que siente placer al acosar a su mujer; Inés, una lesbiana que mató al marido de la mujer que desea; y Estelle que, casada con un rico pero sin amor, ahoga al bebé que tuvo con su amante. Tanz Theater Braunschweig en Geschlossene Gesellschaft (Sociedad Cerrada) DANZA EUROPA diciembre 2009 71 Fabulous Beast Dance Theatre - Daphne Strothman en La consagración de la primavera. Foto: Johan Persson Todos terminan encerrados juntos en una habitación, donde las puertas dobles cerradas no permiten el escape – están condenados al infierno personal de su propia compañía. Garcin es el primero en llegar a este espacio sombrío, estéril y con sélo tres sillas enredadas. Este decorado austero y el vestuario de la producción están diseñados por Peter Jeremias. Inés entra poco después, elegante y arrogante con un vestido negro sencillo y tacones, y es seguida un poco más tarde por Estelle, bonita, seductora y vestida de forma parecida. Cuando las puertas se cierran con un portazo, la reacción es pánico y luego resignación. Cada uno coge una silla para acomodarse y marcar su territorio. Se quitan los zapatos y comienza el drama. Lerchenberg-Thöny astutamente maniobra sus bailarines instigando el deseo, la pasión y una agresión creciente entre ellos. La atmósfera es opresiva y claustrofóbica. La música para cuerdas de Peter Ludwig (interpretada por el Tango Mortale Ensemble) subraya cómo va cambiando la tensión. Aunque hay momentos de descanso mientras se filtra un tango o un vals, la pauta predominante es una espiral de conflicto y violencia sin fin, a lo largo de la cual los personajes usan sus sillas como armas. Hasta los momentos de silencio están cargados de tensión y dominados por la respiración fatigada de los tres personajes implacables. Cuando las luces se apagan al final todavía siguen cruelmente entrelazados, aparentemente incapaces de parar su rumbo hacia la autodestrucción. Jiri Kobylka de Garcin, Jana Ritzen de Inés y Mariella Argay de Estelle hicieron un papel excelente, envolviéndose íntimamente en sus exigentes personajes, física y 72 DANZA EUROPA diciembre 2009 mentalmente y con total convicción. Claire Dommett English National Ballet Giselle Empire Theatre, Liverpool La tradicional producción de Giselle de Mary Skeaping es una de las mejores versiones de este ballet, que actualmente cuenta con el valor agregado de tener como asesora artística a Dame Beryl Grey, que la conoce mejor que nadie. Los grandes valores de la versión de Skeaping son la transparencia y la lógica teatral. En su debut en el papel titular, Begoña Cao interpreta a una heroína suave y vulnerable, pero con cierto elemento de ansiedad, así que sentimos que no confía completamente en su encantador enamorado, representando una Giselle más inteligente que lo usual. Cao tiene ojos enormes y una sonrisa maravillosa, pero también tiende a bajar los ojos en el Primer Acto, lo que priva al público de que lo cautiven sus sentimientos. Interpreta la emoción de su personaje sin énfasis y esto rinde dividendos múltiples en la escena de la locura, en la que evade el histrionismo a favor de una conducta natural, llena de dolor y desesperación, que ella proyecta con gran claridad. Lo que hace es casi la antítesis de la actuación y luce inquietantemente honesta. En el Segundo Acto emplea con elocuencia brazos líricos sin ningún elemento de exageración romántica. Resulta una lectura limitada y pertinente del personaje que podría beneficiarse de un realce hiperbólico ocasional para poner de relieve la coherencia general de su enfoque, pero como primera lectura resulta destacada. Uno nunca hubiera supuesto que James Forbat haría su debut como Albrecht. Cuando entra corriendo al escenario, su personaje ya está completamente formado como un joven romántico, testarudo e imprudente, y domina la escena con su habilidad para permanecer erguido sin moverse y sin hacer gestos superfluos. Cuando el Hilarión de James Streeter le ofrece la empuñadura de la espada fatídica, hace de la inmovilidad una virtud absoluta, echándole a su rival una mirada fija e intimidante que parece durar una eternidad, antes de lanzarse inesperadamente hacia su presa como una pantera. En toda mi experiencia de ir al teatro, nunca he visto mejor trabajado este dramático momento. He comentado anteriormente acerca de cómo Forbat aterriza suavemente después de los saltos y de su rápida carrera, ambas virtudes son empleadas a fondo en este ballet. Su reacción en la escena de la locura de Cao es buena y generalmente acompaña a su Giselle sensiblemente en ambos actos; los dos parecen tener un rapport musical que funciona bien. Esta es una pareja que tiene un futuro interesante. Laura Bruna como Myrtha, quien también debuta en el personaje, tiene un bourrée de libro de texto, perfecto para el papel, pero con la desventaja de una apariencia de camarera que no sugiere una reina de las wilis con hielo en las venas. Con una buena actuación y ejecución danzaria, esta es una Myrtha con potencial, pero no una caracterización completamente estructurada. Los movimientos del cuerpo de baile lucen maravillosamente ensayados, mientas que Jung ah Choi y Anjuli Hudson hacen una Zulma y Moyna eficaces. Men Y Men de Wayne Eagling merece la cálida respuesta de crítica que ha generado. Como exitazo y contraste de Giselle, la obra es muy efectiva, creando oportunidades técnicas para nueve hombres de la compañía. El segundo elenco que presencié se vio fuerte y confiado, pero algunos de los compases en el trabajo de conjunto todavía no fueron bailados con precisión. Esta es una obra tan buena que uno desearía que durara más tiempo. Mike Dixon Fabulous Beast/ENO La consagración de la primavera London Coliseum La consagración de la primavera de Michael Keegan-Dolan se ha convertido instantáneamente en una de las mejores interpretaciones de la partitura de Stravinsky en el repertorio completo de la danza. Sus poderosas imágenes hacen juego con las exigencias monumentales de la música, y, en mi experiencia, esto raramente sucede, y es la razón por la cual la mayoría de las producciones de La consagración son sátiras aburridas. La obra tiene lugar en un entorno rural no especificado, aunque la estatua de la virgen de un blanco impoluto al fondo del escenario sugiere Irlanda, las actividades vulgares del elenco masculino son impredecibles y raras. Tres mujeres y un niño (Nicholas Attard), que funciona como un acólito de la Vieja Cailleach, completan el elenco y crean un suave equilibrio en la sociedad agresiva, patriarcal y centrada en la tierra. La primera imagen presenta a la implacable Olwen Fouéré, la peliblanco Cailleach en el centro del escenario y en medio de una caída de nieve. El Sabio (Bill Lengfelder) y un elenco grande de hombres están sentados, abrigados por chaquetas gruesas y gorros de invierno, con cajas de cartón sobre sus rodillas. La Vieja enciende un cigarro y comparte el humo con otros para iniciar el proceso mágico. Es el momento musical famoso cuando por primera vez la orquesta toca los acordes urgentes y repetidos (en una actuación brillante dirigida por Edward Gardner) los hombres saltan y dan vueltas cambiando de dirección repentinamente, en este conjunto magníficamente ensayado. Lo que sigue es un torrente de imágenes tan complejas y contradictorias que uno está al borde de su asiento hasta el momento final, que no es un sacrificio, sino un triunfo del principal femenino eterno. Los eventos ritualistas incluyen el repentino desnudar de un hombre que al principio parece ser una probable víctima; cuchillos grandes se blanden y se clavan en el suelo; los hombres con los pantalones por los tobillos hacen el amor a la tierra; la personificación de las mujeres como liebres y los hombres como perros, todos con gorros ritualistas; la imagen impresionante de tres tótems compuestos de mujeres con cabezas de liebre subidas a los hombros de tres hombres – la impresión de poder de este momento es casi imposible de borrar de la memoria. Un rollo largo de material aparece y se destroza para revelar una colección de vestidos primaverales de mujer. Los hombres se desnudan y se visten para la escena final, mientras que la maravillosa Daphne Strothman toma el control como La Elegida y guía al elenco en una danza orgiástica intensa de celebración que la deja como la fuerza dominante. Vestida de ropa interior blanca, asume el poder con la fuerza de su danza y la autoridad de sus gestos, sin embargo su cara se mantiene en blanco, como si fuera el recipiente para una fuerza mayor. Entre el elenco masculino están los magníficos bailarines de Fabulous Beast que son reconocidos de producciones previas: tal como Milos Galko, Angelo Smimmo y el poderoso Jarkko Lehmus. Esta Consagración es un trabajo coral de la mejor calidad, una coproducción de Fabulous Beast Dance Theatre y la Opera Nacional Inglesa. KeeganDolan merece alabanzas por la eficacia de sus bailarines pero más aun por el poder poético y perturbador de su imaginación, que da credibilidad coreográfica y dramática a las intenciones musicales de Stravinsky. Mike Dixon Ballet Nacional de Estonia Los Tres Mosqueteros Teatro de la Opera, Tallinn La famosa novela de Alexander Dumas es un simple cuento de los Buenos contra los Malos. Pero espera un momento: la Reina de Francia está envuelta en una aventura amorosa traicionera, por el hecho de que su amante ilícito, Lord Buckingham, es de la tradicional patria enemiga de Francia. Entonces, los que intentan descubrir a la reina errante - Richelieu, Milady de Winter y otros – descritos como los personajes más oscuros, ¿no deberían ser en realidad los buenos? La adaptación de David Nixon, con el argumento de David Drew y la partitura armoniosa de Malcolm Arnold, sigue el lema original de que el amor lo conquista todo, pero entre tanto con muchas matanzas. Nixon relata la narrativa claramente y con mucho humor. Con tanto retozo, los chistes se pueden hacer pesados, pero el brío de la escenificación estonia, me ayudó a no hacer juicios hasta el telón final. La coreografía llega a su cima con los elegantes duetos románticos entre la Reina y Buckingham, en comparación con el joven y a veces torpe amor entre d’Artagnan y Constanza. Nixon también emplea la ambientación histórica para crear la impresión de los orígenes del ballet en la corte francesa, y las mascaradas que tuvieron un papel importante en establecer la danza como profesión. Esta producción se estrenó la temporada pasada, antes de que Thomas Edur se encargara de la compañía, pero según la evidencia de esta interpretación, el Ballet Nacional de Estonia está en plena forma bajo su liderazgo. Los saltos y entusiasmo juvenil de Artjom Maksakov le da una vida vibrante a d’Artagnan, y la diminuta Olga Malinovskaja de diecinueve años es la perfecta Constanza, con su danza expresiva crea un personaje con una voluntad fuerte suavizada por su cálida presencia. Marina Chirkova normalmente interpreta heroínas angelicales, pero claramente disfruta su papel de tentadora fogosa, Milady de Winter.Con lo cual, si buscan una aventura de capa y espada, Los Tres Mosqueteros es muy apropiada, y esta producción estonia del ballet de David Nixon ha obtenido un éxito muy merecido. Stuart Sweeney Ballet Nacional de Estonia - Olga Malinovskaja and Artjom Maksakov en Los Tres Mosqueteros. Foto: Harri Rospu DANZA EUROPA diciembre 2009 73 The Young Dancers’ Company Esperanza Estocolmo Los miembros del Young Dancers Company, bajo la dirección de Marie Brolin-Tani, son un grupo afortunado. Por ser una compañía de transición, todavía no ganan un sueldo profesional pero trabajan bajo las reglas del sindicato y tienen un repertorio que puede ser la envidia de muchas compañías establecidas, éste incluye piezas de Mats Ek y Didy Veldman. El programa actual, Esperanza, comienza con Tetractys de Virpi Pahkinen, cuyas formas extraordinariamente inventivas deleitaron a los jóvenes bailarines. Es una obra que timbra los cambios en dinámica y humor y tiene una fuerte esencia del Este en el detalle de los gestos de las manos y el trabajo de los pies, acompañados por un vestuario exótico, música original e iluminación eficaz. La intensidad propia de Pahkinen fue adoptada por los bailarines, que bailaron con una concentración impresionante. El dueto de Brolin-Tani se titula aptamente One (Uno), ya que retrata la relación reacia de dos individuos fuertes. Matilde Wendelboe Dresler y Erik Nyberg presentaron una interpretación que equilibró el vigor juvenil con la introspección de la madurez. Este tipo de obra que depende más de una interpretación honesta que de habilidad técnica no es fácil para bailarines jóvenes, y hay que dar crédito a estos dos jóvenes que se metieron dentro de la piel de los personajes. Adam’s Dilemma (El dilema de Adán) de Tim Rushton presentó una idea realmente astuta. ¿Qué pasaría si Eva decidiera no compartir la manzana del árbol de la ciencia con Adán como relata la Biblia? Nasim Meki encabezó un equipo hábil de Evas jóvenes mientras que Björn Nilsson, un bailarín dramático talentoso, sacó el máximo provecho de un gran papel cómico. Yo apostaría que ambos, Rushton y la compañía, se divirtieron mucho creando esta obra y ese placer se comunicó al público. Mención especial para Riina Turunen, que se involucró en la obra con increíble gusto. Esta compañía es patrocinada por los gobiernos de Dinamarca y Suecia para ayudar a los jóvenes bailarines a encontrar trabajos profesionales, y ha demostrado estar haciendo exactamente eso. Maggie Foyer Northern Ballet Theatre Cumbres Borrascosas Woking Kate Snowdon Cumbres Borrascosas es una de las contribuciones coreográficas de David Nixon al Programa de la Cuadragésima Temporada del NBT. Aunque originalmente destinada al ENB, la partitura de Claude-Michel Schönberg fue en última instancia dejada a Nixon para su interpretación. Resulta quizás gracioso saber que, gracias a la osadía de dos extranjeros, fue abordada posiblemente una de las novelas más monumentales de la literatura inglesa. No obstante, aunque en la obra existen visos de la representación fílmica de Laurence Olivier, el ballet es refrescantemente original, dependiendo de motivos característicos de la música para apoyar los estados de ánimo y 74 DANZA EUROPA las emociones de la historia de Emily Brontë más que de un estilo narrativo. La fortaleza de Nixon como coreógrafo reside en sus pas de deux y su habilidad para retratar la esencia de sus personajes a través de sutiles matices físicos. Una criada nerviosa, un juego de badminton y Cathy y Edgar tomando té en medio de su crisis, le dan hermosos toques de humor a la relativamente oscura historia. Uno nota visos del segundo acto de Onegin de Cranko, cuando los que van a la fiesta interrumpen la dramática reunión de los dos amantes, y a través de una superposición interesante de los personajes de Cathy y Heathcliff, niños y adultos, durante toda la historia. Sólo resulta desilusionante que se omita la imagen icónica de Cathy y la ventana para los que como nosotros hemos leído el libro ocho veces y creemos que nos deben tales ingredientes esenciales. Chris Hinton-Lewis captura la pasión casi bárbara de Heathcliff de forma brillante, lo que queda más acentuado por su Isabella, bailada por la encantadora Hannah Bateman, de la que fluyen formalidad y corrección durante toda su ejecución. Martha Leebolt es una bailarina hermosa, no obstante, uno siente que quizás tiene que desarrollarse más artísticamente en el papel de Cathy. El elenco restante es fuerte sin excepción alguna. Martin Bell exige atención como Hindley y Pippa Moore y Ashley Dixon, como los jóvenes Cathy y Heathcliff, manejan su mutua atracción infantil de forma admirable. El cuerpo de baile, mientras tanto, se ve perfecto y Nixon indudablemente ha equiparado el nivel de la técnica clásica con el de la actuación en el NBT. Lo único realmente desilusionante en esta obra es la escenografía. Aunque la desolación de Yorkshire Moors se presta mucho para un escenario casi vacío, la casa y la habitación están simplemente demasiado peladas, a pesar de las profusas maniobras de sostén ejecutadas por los bailarines al estilo del NBT. Afortunadamente, la rica y enigmática partitura de Schönberg compensa la falta de mobiliario, inspirando algunos momentos hermosos, tales como cuando Heathcliff se arrodilla en la nieve, sumiso, y cae el telón final. Uno espera que la recesión no obligue al NBT a caer en la trampa repetitiva de su reputación como compañía de giras. De hecho, con tal potencial y mejoría, podríamos concluir que una buena cantidad de patrocinadores, y posiblemente un Teatro de la Opera, serían este año el regalo más apropiado por el 40 aniversario de la compañía. diciembre 2009 Queensland Ballet Steps for Strings/Chant d’Amour/Nineteen/ The Gathering/Timeless Dances CCH, Hamburgo Fundado en 1960, el Queensland Ballet ha ido de éxito en éxito desde que François Klaus se encargó de la dirección hace dos años. Con un repertorio de más de 60 obras, la compañía se ha convertido en un imán cultural en Brisbane y este otoño hizo su tercera gira europea, visitando Dinamarca, Suiza y Alemania. Las actuaciones en Hamburgo fueron una vuelta a casa para Klaus que pasó muchos años de bailarín principal con el Ballet de Hamburgo de Neumeier. Aunque hay excelentes escenarios para la danza en Hamburgo, por desgracia, la compañía tuvo que bailar en el CCH – un enorme y desalmado centro de congresos con un escenario demasiado estrecho y menos posibilidades técnicas que las que ofrecen muchas escuelas. Esto significa que parecía que le faltaba espacio a muchas de las coreografías, pero eso no disuadió a 22 jóvenes y talentosos bailarines de presentar una animada y pulida función. Steps for Strings (Pasos para cuerdas) de Klaus fue un buen comienzo - una pieza de danza alegre y pura al estilo neoclásico para toda la compañía y acompañada de música de Dompierre y Morricone. Llevaban trajes negros y rojos diseñados por Noelene Hill, cuyos diseños adornaron todas las danzas con un vestuario llamativo, y el elenco mostró su excelente y limpia técnica. A esto le siguió un pas de deux, Chant d´Amour, bailado con la música melancólica e intrigante de los fados portugueses de Trinidade. La coreografía engañosamente sencilla de Klaus fue bailada sensualmente por Rachael Walsh y Alex Wagner. Kim McCarthy, una australiana que también bailó con el Ballet de Hamburgo de Neumeier, creó Nineteen (Diecinueve) con el allegretto del 19º piano concerto de Mozart. Obviamente inspirada por Kylián, es un flujo continuo de pasos, alzadas, giros y vueltas, demasiado ajetreado con un movimiento en cada pulsación y sin un momento tranquilo. Sin embargo, la obra fue interpretada líricamente por Clare Morehen y Christian Tatchev, dos excelentes solistas. La música de Hans Zimmer de la película Gladiator fue el dinámico trasfondo de The Gathering (El encuentro), coreografiado por Natalie Weir, que ha creado un total de 16 ballets para la compañía. El ballet trata procesos ritualistas de forma abstracta; grupos se forman y se dispersan mientras que individuos parecen tomar el liderazgo. Es una pieza de danza contemporánea con una atmósfera misteriosa. La pieza más destacada de la noche fue sin lugar a dudas Timeless Dances (Bailes eternos) de Klaus, una obra realmente australiana inspirada en las antiguas leyendas aborígenes, en las que la diosa del sol, decepcionada con las criaturas rígidas que ha creado les castiga con el ciclo de vida y muerte, creando así la humanidad. William Barton, que es descendiente de los aborígenes Kalkadunga, ha actuado por todo el mundo, y es el intérprete de didgeridoo más famoso de Australia. Barton compuso la partitura para un cuarteto de cuerdas, didgeridoo y guitarra. La presencia imponente de Barton sobre el escenario se equilibró con el toque fino del Sonoris Quartett (B.Dumitrescu, P.Pujanek, T.Ruhl y T.Bloos). Con este trasfondo de sonido tan original y un decorado diseñado por el hermano de Barton, Robert, más un diseño de iluminación espectacular de Matt Scott, Klaus combinó la danza de los aborígenes tradicional con su propio estilo contemporáneo para producir una obra única y fascinante. Claire Dommett asia Danscross Yuan Jia, Huang Dongmei, Guo Jiao y Wu Shuai en Ghost Money. Foto: Wei Bing en Beijing Donald Hutera reporta sobre una nueva iniciativa coreográfica establecida para hospedar colaboraciones creativas entre Este y Oeste. L as negociaciones para fundar Danscross, un intercambio cultural entre la Academia de Danza de Beijing (BDA) y ResCen del Reino Unido, tomaron tres años. BDA fue fundada en 1955, y se describe a menudo como la cuna de la danza china. Está situada en el noroeste de Beijing, y ofrece instrucción en la gran variedad de danza clásica y folklórica del país además de ballet. ResCen es el apodo del centro de investigación multidisciplinaria de la Universidad de Middlesex que actúa como un puente entre el mundo académico y la práctica artística, con un enfoque más inclinado al proceso que al producto. A lo largo de un periodo de seis meses, las dos organizaciones se unieron para hospedar la creación de ocho obras nuevas de danza cuyo lema era Danza en un Mundo Tembloroso. El resumen coreográfico era relativamente sencillo. Cada artista – cuatro de China (todos menos uno formaban parte del personal de la BDA), tres del Reino Unido y uno de Hong Kong vía Australia – fue invitado a pasar once días en la BDA para crear un ballet que no durara más de diez minutos y utilizara hasta seis miembros de la compañía de danza de la BDA. Cada periodo de creación fue totalmente documentado, no sólo filmado, sino también contó con la presencia en el estudio de un grupo cambiante de académicos e investigadores de la China, del Reino Unido, de los Estados Unidos, de Australia y Singapur. Estos últimos han estado blogging en las páginas Web de ResCen y la BDA. Adicionalmente, se organizó una conferencia de un día que permitió a los participantes que asistieron ser los primeros en compartir sus hallazgos y DANZA EUROPA diciembre 2009 75 rapidez es el lema del estilo de Jeyasingh. El impulso admirable y perturbador de la pieza, sin embargo, fue socavado por la partitura (de Andy Cowton y Ryoji Ikeda) tocada a un volumen ensordecedor. Cleave de Kerry Nicholls fue igualmente rápida y frenética y un ejemplo adecuado de la temática del mundo tembloroso. Nicholls trabaja de cerca con el coreógrafo británico Wayne McGregor, y se nota. Eso no es malo, y probablemente muy bienvenido generalmente en el contexto de ambas la BDA y la danza china. Cleave mostró mucha habilidad y complejidad cinética pero, desde mi perspectiva occidental, fue escrita con un vocabulario demasiado conocido. Temperamentalmente, me sentí mucho más cercana a Water Mark (Filigrana) de John Utans, una pieza líquida de improvisación estructurada entre una versión de la conocida canción americana Stormy Weather y la vibrante Song to the Siren de Tim Buckley. Marcada por un sentido fino de la quietud y una corriente subyacente de melancolía romántica, Filigrana fue uno de los bailes más poéticos y elusivos de la noche, y probablemente igual de difícil para los bailarines que los ejercicios más agresivos de Jeyasingh y Nicholls. Las danzas de los otros coreógrafos chinos fueron, no sorprendentemente, muy distintas a las de sus compañeros extranjeros y del mismo efecto variable. Trust or not (Fiarse o no fiarse) de Zhao Ming usa la gripe A como inspiración tópica para un estudio bastante obvio de la dinámica de grupos, y tiene un final esperanzador que funciona a su favor. El punto de partida para The brightest light in the darkest night (La luz más brillante en la noche más oscura) de Zhang Yunfeng fue Liu Yan, una bailarina del BDA lesionada durante las últimas preparaciones para las Olimpiadas Wang Zihan, Wu Weifeng, Li Nan y Liu Yan en The brightest light in the darkest night. Foto: Wei Bing del 2008 y que ahora usa una silla de ruedas. Con un reflexionar sobre el proyecto en su totalidad. decorado de dos niveles, este baile de sentimientos Yo fui el único periodista del Reino Unido invitado a observar exteriorizados fue su primera vez sobre el escenario desde su parte de Danscross. Mi visita a Beijing coincidió con la parte final accidente. Como una presencia exquisita de brazos largos y con del proyecto, durante la cual se estaban añadiendo los toques vestido de gala rojo, ocupó la plataforma alta al lado derecho del finales a las ocho coreografías. Éstas se presentaron juntas en escenario. Hasta el tableau final, sus tres compañeros masculinos cuatro diferentes ocasiones a principios de Noviembre en el teatro bailaron con una sensibilidad expansiva debajo de ella. Y ahora de lujo Poly de Beijing. le toca a la pieza más rara del programa. Una adaptación de En el mejor de los casos, las piezas diseñadas para Danscross la suite para violonchelo de Bach, What a golden autumn (Que funcionaron como cuentos cortos que se expresaban con el otoño dorado) de Wang Mei incluía cinco bailarines disfrazados idioma del cuerpo. Y eso significa sobre todo cuerpos chinos. de conejos. La coreógrafa se ha descrito como la Pina Bausch La Compañía de Danza BDA es una entidad muy capaz y china. No puedo comentar sobre la comparación. Sólo sé que sus atractiva, bien versada en estilos chinos clásicos; en términos de infelices conejos fueron la pieza menos exitosa y tal vez la más habilidad y energía juvenil, se ha descrito acertadamente como el original de Danscross. equivalente chino de NDT2. Parece que el grupo se adapta bien ¿Y ahora qué? Parece que algunas, sino todas estas piezas a los rigores de la danza contemporánea ofrecida por coreógrafos se presentarán en el Reino Unido el año que viene. En el mejor extranjeros. Del mismo modo, los creadores occidentales tuvieron de los casos, la próxima fase de los proyectos tendrá lugar aquí que acostumbrarse a un sistema diferente de circunstancias y también, con bailarines británicos para los coreógrafos británicos y disciplinas que probablemente no conocían con anterioridad. chinos. Pero como modelo de un intercambio cultural, Danscross ¿Y el resultado? Tal vez no inesperado, fue una mezcla se probablemente funcionaría en cualquier lugar del mundo. bailes desde la abstracción occidental hasta el emocionalismo chino. Tuve la suerte de que las dos obras que vi crearse en el estudio terminaron siendo entre las mejores del programa. Wang Yabin, Wang Lei, Zhao Zhibo y Wu Shuai en Cleave. Foto: Wei Bing Bailada al ritmo penetrante del dúo electrónico americano Matmos, Beijing Man (Hombre de Beijing) de Jonathan Lunn es un sexteto masculino que astutamente combina una filigrana gestual casi caligráfica con un vigor atlético perspicaz. Era excéntrico, sexy y divertido pero bailada con una seriedad de propósito que hábilmente equilibró sus cualidades más juguetonas. En total contraste, Ghost Money (Dinero fantasma) de Zhao Tiechun es una conmovedora y bellamente expresada contemplación de la Tierra y el cielo, de la vida y la muerte, creada en torno a un núcleo familiar de cuatro personas vestidas vagamente de campesinos. Según los que saben, el coreógrafo se soltó, redefiniendo su conocimiento y uso del ondulante pero limitado estilo folklórico yuxtapuesto con el Kyrie (Andante Moderato) de Mozart. Es una gran música sin lugar a dudas, pero la obra estuvo a su altura. El programa empezó con Detritus de Shobana Jeyasingh, un intento atrevido de capitalizar la naturaleza híbrida del entrenamiento de los bailarines de la BDA. Perspicacia y 76 DANZA EUROPA diciembre 2009 12月号の主な記事 ――ハンブルク、ロンドンより サラ・ラムとエリック・アンダーウッド 『リメン』 より 写真:Bill Cooper 『オルフェウス』 リハーサル中のノイマイヤーとボッレ 写真:Holger Badekow ミラノ・スカラ座のロベルト・ボッレといえば、世界中のバレエ た。『リメン』からは、感情がとことん排除されていたため、私たち 団に客演して数えきれないほどの役を踊ってきたスター・ダン は、フィンランドの作曲家カイヤ・サーリアホの荒涼としたチェロ サーです。その彼のために作られた役がこれまでなかったの 協奏曲『光についての備忘録』に乗せて繰り出される非人間的 は、意外といわざるをえません。そこに現れたのがハンブルク・ でロボットのような動きを、見つめつづけるしかなかったのでし バレエ芸術監督のジョン・ノイマイヤーでした。目下ボッレのた た。 めに『オルフェウス』を創作中です。「この作品をボッレのために マグレガーの複雑な作舞を包み隠したともいえるのが、宮島 作る用意は、常にありました。」ノイマイヤーは語ります。「それ 達男による装置と映像でした。オープニングの部分では、半透 でもなお、創造を始めるためにはオルフェウスとは誰なのか、そ 明のスクリーンセーバーを思わせる紗幕の上で、いくつもの数 してこの物語の様々な異本のうちどれをバレエの構成の根幹に 字がダンサーの身体の上をあてどなく泳ぎ、商業主義的な雰 据えるのかを、明確にしなくてはならなかった――つまり、私自 囲気の青いライトがます目を全部埋めるまで次々と点灯してゆ 身が物語を自然に思い描けるようになる必要があったのです。 く様子は、数独を連想させました。衣装はモリッツ・ユンゲ。けば 振付に着手したのは、実際にロベルトと仕事をするようになって けばしい色彩のトップスをダンサーたちが途中で脱ぎ捨てると、 からです。私にとってこの物語の中で最も重要なのは、神から その先は全員がかわりばえのしない肌色一色でした。 与えられた才能、すなわち天職を持つ人物が、同時に一人の 人間であったという、その組み合わせの妙なのです。」 キャストは、マグレガー作品にこれまでも出演してきた常連の リヤーン・ベンジャミン、サラ・ラム、エリック・アンダーウッド、エド 一方ボッレは、こう語ります。「僕はすごく神経質になっていま ワード・ワトソンに、初めて彼の振付を踊るブラジル出身のレテ した。九月に振付を始めた頃には特に。全幕バレエで、大きな ィシア・ストック(ロイヤル・バレエ学校を卒業し今シーズン入団 役ですからね。確かにジョンとは『椿姫』で仕事をしたことがあっ したばかり)らを加えた、女性八人男性七人。全員が奇跡のよう たけど、新作は初めて。だから、まず仕事のやり方を見つけなく な柔軟性を示し、流動的な造形を嬉々としてこなします。マグレ てはいけなかった。最初の週は、二人ともちょっと神経質でした ガー一流の一種異様な四肢の用い方は、ロイヤル・オペラハウ よ!何か重要なプロジェクトが企画されても、初めての相手と組 スで『クロマ』が初演され成功を収めたときには衝撃的でした。 むのだったら、どんな風に進んでいくか分からないでしょう。だ ダンサーたちが新たな方向へと能力を伸ばしたことに私たちも からちょっと緊張していたんだ。でもジョンは最初の週の終わる 賞賛を贈ったものですが、その魔力ももはや色褪せた感があ 頃にはとても満足してくれて、考え方を共有していると感じられ ります。異論はあるでしょうが、『リメン』でもっとも心に残ったの るようになっていました。 は、透けるような白い肌をしたボストン生まれのプリンシパルの 「自分の中にも、何かエモーショナルなものを発見できた気 がします。ジョンは、ダンサーのあらゆる特徴や身体能力を見 サラ・ラムと、褐色の肌のワシントン生まれのソリスト、エリック・ア ンダーウッドという二人のアメリカ人ダンサーでした。 抜く、すぐれた芸術家です。そんな振付家と仕事をしてみて、 僕は自分が日々成長していると感じました。彼は僕からもっと多 同時に上演されたのは、ジョージ・バランシンの『アゴン』再 くを得ることができるようになり、僕は彼により多くを与えることが 演と、グレン・テトリー振付の『スフィンクス』。限られた予算の中 できるようになる――ほんとうに特別なことでしたね。」『オルフェ でロイヤル・バレエが買ったのがなぜ後者だったのかについて ウス』は、十二月にハンブルクで世界初演の予定です。 は、疑問を呈さざるをえません。確かにかつてはイングリッシュ・ ナショナル・バレエの主要レパートリーだった名作ですが、今で ロンドンでは、ロイヤル・バレエがトリプル・ビルを上演しまし は三十二年前の初演というよりはるかに古くさく見えます。非情 た。そのうち、ウェイン・マグレガー振付の『リメン』は、今シーズ なスフィンクスを演じたマリアネラ・ヌニェスは印象的でしたが、 ンに初演される新作第一号です。マグレガーによれば、このバ オイディプス役のルパート・ペニファーザーとの間に電流が走ら レエは「liminality、すなわち光と闇、存在と不在、生と死の境 ず、彼の方も巧みに踊ってはいたものの官能的な魅力に欠き 界という理念から、着想した」とのこと。確かに『クロマ』や『イン ました。山犬の頭をしたアヌビスも、あの気の毒な衣装では、そ フラ』同様、彼は今回もダンサーたちを身体能力の限界まで踊 れがエドワード・ワトソンだと分からないほど。作品としての質が らせていますが――百八十度を超える手加減なしの開脚、拷 残念だっただけでなく、出演者がわずか三人というのも、大所 問のようにねじ曲がった胴のポジション――、そこに込められた 帯のこのバレエ団向きとはいえません。 心理的なメッセージは、簡素ではあるのに伝わりにくいものでし DANZA EUROPA diciembre 2009 77 Calendario internacional Recopilado por Deborah Weiss Por favor enviar la información con los listados a [email protected] Fecha limite para enero: 3 diciembre ARGENTINA + 54 BUENOS AIRES Teatro Coliseo 11 4816 5943 [email protected] Teatro Colón Ballet The Nutcracker 18, 19, 23/12, 20:30; 20/12, 17:00. Teatro San Martin 11 4371 0111 www.teatrosanmartin.com.ar Compañía Nacional de Danza Castrati/Por vos muero/White Darkness 3 - 6/12; Gnawa/O Domina Nostra/Cobalto 9 - 13/12. [email protected] [email protected] [email protected] [email protected] AUSTRALIA + 61 Ballet de Santiago The Nutcracker 16 - 19/12, 19:00. CROATIA / CROACIA + 385 ZAGREB National Theatre www.hnk.hr Croatian National Theatre Ballet The Nutcracker ch: Orlykovski 3, 4/12, 19:30; 5/12, 18:00; 9 - 11/12, 19:30; 12/12, 18:00; 14, 21, 23, 29, 30/12, 19:30; 4 Reasons ch: Clug 9/01, 18:00. CZECH REPUBLIC / REPÚBLICA CHECA + 420 SYDNEY Sydney Opera House 02 9250 7777 www.sydneyoperahouse.com.au Australian Ballet The Sleeping Beauty ch: Welch 4, 7 - 11, 15, 17, 18, 22, 23/12, 19:30; 5, 12, 16, 19/12, 13:30 & 19:30; 14, 21/12, 18:30. PRAGUE National Theatre www.nationaltheatre.cz Prague State Opera Ballet Cinderella ch: Smok, Dumbala 20/12, 14:00 & 17:00; 27/12, 19:00; Swan Lake pr: Dumbala 26, 29/12, 14:00 & 19:00. AUSTRIA + 43 DENMARK / DINAMARCA + 45 LINZ Landestheater 0732 76 11 400 or freephone in Austria 0800 218 000 www.landestheater-linz.at Linz Ballet Ich tanze mit dir in den Himmel hinein ch: Ulrich, Jucquois 5/12, 15:00; 15/12, 19:00; Kafka Amerika ch: Schwertsik, Ulrich 2/12, 19:30; The Sleeping Beauty ch: Ulrich 27/12, 15:00. VIENNA Wiener Staatsoper www.staatsoper.at Vienna State Opera Ballet Swan Lake pr: Nureyev 2/12, 19:30; Die Fledermaus ch: Petit 4, 11/12, 20:00; The Nutcracker ch: Harangozó 17/12, 19:30; 20, 25, 28, 30/12, 19:00. Tanzquartier Wien 15 81 35 91 www.tqw.at Boris Charmatz 50 Years of Dance ch: Charmatz 3, 4/12. BELGIUM + 32 BRUSSELS Wolubilis www.wolubilis.be Ballet National de Marseille Métapolis II ch: Flamand, Hadid 16 - 19/12. CANADA + 1 TORONTO Four Seasons Centre 416 345 9595 or out of town 1 866 345 9595 www.national.ballet.ca/performances/boxoffice/ National Ballet of Canada The Nutcracker ch: Kudelka 12/12, 14:00 & 19:00; 13/12, 13:00 & 17:30; 16 - 18/12, 19:00; 19/12, 14:00 & 19:00; 20, 22, 23, 27, 29, 30/12, 13:00 & 17:30; 28/12, 13:00; 2/01, 13:00 & 17:30; 3/01, 13:00. CHILE + 56 SANTIAGO Teatro Municipal 463 8853 www.balletdesantiago.com 78 DANZA EUROPA AARHUS Musikhuset Aarhus 89 40 40 40 www.musikhusetaarhus.dk Peter Schaufuss Ballet Tommy ch: Schaufuss 3 - 12/12, 19:30. ENGLAND / INGLATERRA + 44 BIRMINGHAM Birmingham Hippodrome 0870 730 1234 www.birminghamhippodrome.com Birmingham Royal Ballet The Nutcracker ch: Wright/Redmon/Ivanov 1, 3, 8, 10/12, 14:00 & 19:30; 2, 4, 9, 11/12, 19:30; 5, 12/12, 14:30 & 19:30; 6, 13/12, 13:00. HIGH WYCOMBE The Swan 01494 512000 www.wycombeswan.co.uk Richard Alston Dance Company To Dance and Skylark ch: Lawrance/ Movements from Petrushka ch: Alston/ Overdrive ch: Alston 1/12, 19:30. LEEDS Grand Theatre 0844 848 2701 Northern Ballet Theatre A Christmas Carol ch: Moricone/dr: Gable 1 - 10/12, 19:00; Alumni performance 5/12, 19:00; 3, 9, 10/12, 14:00; 6/12, 16:00; 40th Anniversary Gala, 12/12, 19:00; Peter Pan ch: Nixon 17 - 27/12, 19:00; 18, 19, 22 - 23/12, 14:00; 20, 27/12, 16:00; no perfs 21, 25/12 or eve perf 24/12. LONDON Barbican Theatre 0845 120 7553 www.barbican.org.uk Boy Blue Entertainment Pied Piper ch: Asante, Sandy 10/12 - 3/01. London Coliseum 0871 472 0600 www.eno.org English National Ballet The Nutcracker ch: Hampson 16/12, 19:30; 17, 18, 19/12, 14:30 & 19:30; 20/12, 14:30; 22, 23/12, 14:30 & 19:30; 24/12, 13:00; 26/12, 14:30 & 19:30; 27/12, 14:30; 28, 29, 30/12, 14:30 & 19:30; diciembre 2009 31/12, 13:00 & 17:00; 2/01, 14:30 & 19:30; 3/12, 14:30; The Snow Queen ch: Corder 8/01, 19:30; 9/01, 14:30 & 19:30; 10/01, 14:30; 12, 13/01, 19:30; 14/01, 14:30 & 19:30; 15/01, 19:30; 16/01 14:30 & 19:30; 17/01, 14:30; Giselle ch: Skeaping 20/01, 19:30; 21/01, 14:00 & 19:30; 22/01, 19:30; 23/01, 14:30 & 19:30; 24/01, 14:30. People Show Studios www.cloud-dance-festival.org.uk Cloud Dance Festival 5/12, 19:30; 6/12 , 15:00 & 19:30. Royal Opera House 020 7304 4000 www.roh.org.uk The Royal Ballet The Nutcracker ch: Wright 2, 9, 11, 16, 28/12, 19:30; 5, 23/12, 12:00; 12, 29, 30/12, 14:00 & 19:00; 31/12, 18:30; 1/01, 17:00; Les Patineurs/Tales of Beatrix Potter ch: Ashton 14/12, 19:30; 17/12, 19:00; 18, 19, 22/12, 12:00; 21/12, 12:30. Sadler’s Wells Theatre 0844 412 4300 www.sadlerswells.com Carlos Acosta Apollo ch: Balanchine/A Suite of Dances/Afternoon of the Faun ch: Robbins/Young Apollo ch: Hougland (premiere) 1 - 5/12, 19:30; New Adventures Swan Lake ch: Bourne 10/12 - 24/01, 19:30 (excl. 24, 25, 31/12); Sat & Sun Mats, 14:30 (excl. 26/12); 22 - 24/12, 30, 31/12, 14:30. Sadler’s Wells Peacock Theatre 0844 412 4322 www.sadlerswells.com The Snowman ch: North 5, 6, 12 - 15, 18 - 24, 27 - 31/12; 2 - 4, 9, 10/01, 11:00; 5 - 7, 9, 12 15, 18 - 24, 26 - 31/12, 2 - 5, 7 - 10/01, 14:30; 2 - 5, 11 - 13, 29, 30/12, 2, 8, 9/01, 19:00. NORTHAMPTON Royal and Derngate Theatre 01603 630000 www.royalandderngate.co.uk Rambert Dance Company Comedy of Change ch: Baldwin/Carnival of the Animals ch: Davies/ Tread Softly ch: Oguike 2 - 4/12, 19:30; Intro to Comedy of Change/Carnival 3/12, 14:30. SOUTHPORT Southport Theatre English Youth Ballet The Nutcracker 1, 2/12. STOURBRIDGE Town Hall 01384 812 812 Independent Ballet Wales How Green Was My Valley ch: James 5/12, 20:00. ESTONIA + 372 TALINN Estonian National Opera 683 1214 or 1215 Estonian National Ballet Snow White and the Seven Dwarfs ch: Harangozó 13, 20/12, 12:00; Ballet Evening 2, 10/12, 19:00; The Three Musketeers ch: Nixon 6/12, 15:00; 22/12, 19:00; Swan Lake ch: Härm 3, 16, 18/12 19:00. FINLAND / FINLANDIA + 358 HELSINKI Finnish National Opera 09 40 30 22 11 Finnish National Ballet The Nutcracker and the Mouse King ch: Eagling 5, 7, 9, 15, 17, 22, 28, 31/12, 19:00; 12, 19/12, 14:00 & 18:00; 26/12, 15:00. FRANCE / FRANCIA + 33 BIARRITZ Gare du Midi 05 59 24 67 19 Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 22, 23/12, 20:30. BOULOUGNE-BILLANCOURT Carré-Belle Feuille www.boulognebillancourt.com Blanca Li Les Jardins de Délices ch: Li 11/12. MARSEILLE Studios of the Ballet National de Marseille 4 91 32 72 72 www.ballet-de-marseille.com Ballet National de Marseille Justament Pas ch: Guizerix/Té TO Té ch: Endo/Sextet ch: Malandain 10 - 12/12, 20:30; mixed programme ch: Bo, Nosibor 17, 18/12. NANCY Opéra de Nancy et de Lorraine www.ballet-de-marseille.com Ballet National de Marseille Le Cité Radieuse ch: Flamand, Perrault 2, 3/12. NARBONNE Le Théâtre www.letheatre-narbonne.com Blanca Li Les Jardins de Délices ch: Li 2/12. PARIS Théâtre des Champs-Elysées 01 49 52 50 50 www.theatrechampselysees.fr Sara Baras Flamenco Ballet A Propos de Sara ch: Baras 19, 21, 22, 23, 26 - 31/12, 2 - 6, 8 - 11/01, 20:00; 20, 27/12, 3, 10/01, 17:00. Palais Garnier 08 92 89 90 90 or 01 72 29 35 35 from outside France.www.operadeparis.fr Ballet de l’Opéra Le Tricorne ch: Massine/ Le Spectre de la Rose ch: Fokine/L’Aprés midi d’un Faun ch: Nijinsky/Petrouchka ch: Fokine 12/12, 19:30; 13/12, 20:00; 15, 16, 18, 19/12, 19:30; 20/12, 20:00; 22, 23, 26, 28, 31/12, 19:30. Opéra Bastille 08 92 89 90 90 Ballet de l’Opéra The Nutcracker ch: Nureyev 11/12, 19:30; 13/12, 14:30; 14, 16, 17/12, 19:30; 19/12, 14:30 & 20:00; 22, 23, 25, 26, 28/12 - 1/12, 2, 5,8/01, 19:30; 9/01, 14:30 & 20:00. Théâtre de la Ville 01 42 74 22 77 www.theatredelaville.com Merce Cunningham Dance Company Nearly Ninety ch: Cunningham 2 - 12/12, 20:30; Jérôme Bel Cédric Andrieux ch: Bel 14 - 16/12, 20:30. Les Abbesses 01 42 74 22 77 Gilles Jobin Black Swan ch: Jobin 1 - 5/12, 20:30; Boris Charmatz 50 Years of Dance ch: Charmatz 8 - 12/12, 20:30. QUIMPER Très Tôt Théâtre (Théâtre de Cornouaille) 02 98 64 20 35 Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 16/12, 15:00 & 19:30; 17/12, 10:00 & 14:30; 18/12, 14:30 & 20:00; 19/12, 15:00 & 20:00. SAINT-ETIENNE GERMANY / ALEMANIA + 49 BERLIN ada Studio and Stage www.ada-studio.de Nah Dran XVIII 5, 6/12, 20:30. Halle Tanzbühne Berlin Jo Fabian Department Independent Swan 12, 13, 16 - 20/12, 20:00. Staatsoper Unter den Linden 030 20 60 92 630 www.staatsballett-berlin.de Staatsballett Berlin Caravaggio ch: Bigonzetti 2, 15, 17/12, 19:30; 5, 19, 23/12, 19:00; 27/12, 18:00; Swan Lake pr: Bart 3/12; The Nutcracker ch: Bart 11, 15/12, 19:30; 26, 29/12, 15:00. &19:00. KunsthausTacheles 30 28 261 85 http://super.tacheles.de Clint Lutes and Tommy Noonan Brother Brother ch: Lutes, Noonan 12, 13/12, 20:00. BRAUNSCHWEIG Staatstheater Braunschweig (Small Theatre) 05 31 12 34 567 www.staatstheater-braunschweig.de Tanztheater Eva-Maria Lerchenberg-Thöny Geschlossene Gesellschaft ch: LerchenbergThöny 3, 11, 18/12; 21/01. DRESDEN Sächsische Staatsoper 0351 4911 0 www.semperoper.de Dresden Semperoper Ballet Swan Lake pr: Watkin 8, 12, 14/12, 19:00; The Nutcracker ch: Neumeier 20/12, 19:00; 25/12, 3/01, 14:30 & 19:30; 30/12, 14:00 & 19:00; 1/01, 16:00. DUSSELDORF/DUISBERG FFT Kammerspiele Doris Uhlich Spitze ch: Uhlich 5/12, 22:00. Opernhaus Düsseldorf 211 89 25-211 www.ballettamrhein.de Ballett am Rhein Kunst der Fuge ch: Schläpfer 19, 21, 23, 26, 28, 30/12, 19:30; (Duisberg) 5, 10, 12, 13 /12, 19:30; 6/12, 15:00. FRANKFURT AM MAIN Jahrhunderthalle www.deag.de Malakhov and Friends Ballet Gala 12/12, 20:00. GIESSEN Stadttheater Giessen 641 7957 14 www.stadttheater-geissen.de Giessen Tanztheater Clandestino ch: Assam 11 - 27/12, 19:30; C’est La Vie ch: Assam, Williams, 13/12 (studio stage), 20:00. HALBESTADT Nordharzer Städtebundtheater 040 35 68 68 www.harztheater.de Nordharzer Ballet The Sleeping Beauty ch: Jurasz (Quedlinburg) 1, 10, 14/12, 10:00; 25/12, 19:30; (main house, Halberstadt) 3, 8, 18/12, 10:00; 12, 26/12, 19:30; Hamlet ch: Jurasz 29/12, 19:30. HAMBURG Hamburg State Opera 040 35 68 68 www.hamburgballett.de Hamburg Ballet Orpheus ch: Neumeier 6/12, 18:00; 8 - 10/12, 19:30; 7, 15, 16, 21/01, 19:30; The Nutcracker ch: Neumeier 22, 30/12, 9/01, 19:30; 26/12, 9/01, 14:30 & 19:30. MANNHEIM National Theater Mannheim 621 1680 150 www.nationaltheater-mannheim.de Kevin O’Day Ballett Mannheim (Opernhaus) Beethoven ch: O’Day 7/12; (Schauspielhaus) MA/NY for the love of it... ch: O’Day 4, 15/12; Poetic Play (mixed bill) ch: Dumais/O’Day/ Tharp 9, 19, 29/12. MUEHLHEIM Ringlokschuppen Doris Uhlich Spitze ch: Uhlich 4/12, 19:00. MUNICH Nationaltheater 089 21 85 19 30 www.bayerische.staatsoper.de Bayerisches Staatsballett Die Kamelienedame ch: Neumeier 3/12, 19:30. NÜRNBERG Staatstheater 91 12 31 35 23 www.staatstheater-nuernberg.de Staatstheater Ballett Nürnberg The Sleeping Beauty ch: Montero 5/12, 11:30; 12, 19/12, 19:30; 15, 28/12, 20:00; 26/12, 17:00; 30/12, 18:00. SAARBRÜCKEN Saarländisches Staatstheater 68 13 09 20 www.saarlaendisches-staatstheater.de Ballett des Saarländischen Staatstheaters Donlon Dance Company The Nutcracker ch: Donlon 6/12, 11:00; 13/12, 18:00; 3/01, 11:00 Swan Lake ch: Donlon 20, 26/12. Alter Feuerwache Ballett des Saarländischen Staatstheaters - Donlon Dance Company Casa Azul ch: Donlon 3, 8, 22/12. STUTTGART Liederhalle www.deag.de Malakhov and Friends Ballet Gala 9/12, 20:00. Staatsheater Stuttgart 71 12 02 090 www.staatstheater.stuttgart.de Stuttgart Ballet Onegin ch: Cranko 18, 21, 25/12; Song of the Earth ch: MacMillan 1, 5, 6 (mat/eve), 9, 11/12; Orphée et Euridice ch: Spuck 22, 29/12. Theaterhaus Stuttgart Gauthier Dance MM & More 3, 4, 5, 6, 29, 30, 31/12. ULM Theater Ulm 731 161 4444 Ballett Ulm Cinderella ch: Scafati 10/12, 20:00; 27/12, 19:00: 4, 6, 8, 13, 17, 20/01 20:00. HONG KONG + 852 KOWLOON Grand Theatre, Hong Kong Cultural Centre 2734 9009 www.urblix.hk or www.hkballet.com Hong Kong Ballet The Nutcracker 18 - 20, 22 26/12, 19:30; 19, 20, 25 - 27/12, 14:30. HUNGARY / HUNGRIA + 36 BUDAPEST National State Opera House 13 32 79 14 www.opera.hu Hungarian National Ballet The Nutcracker ch: Vajnonen 2, 3, 9, 10, 16, 17, 27, 29/12, 18:00; 5, 6, 13, 25, 26/12, 11:00. IRELAND / IRLANDA + 353 BLANCHARDSTOWN Draiocht 01 885 2622 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 3/12. DANZA EUROPA diciembre 2009 79 [email protected] [email protected] Opéra Théâtre de Saint-Etienne 04 77 47 83 47 Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 30, 31/12, 20:00. SÈTE Théâtre Molière www.opisline.com Blanca Li Les Jardins de Délices ch: Li 4/12. ● independentballetwales How Green Was My Valley ● BRAY Mermaid Arts Centre 01 272 4030 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 4/12. CASTLEBAR Royal Theatre 0818 300 000 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 1/12. COOKSTOWN Burnavom Arts Centre 028 867 69949 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 5, 6/12. DUNDALK An Tain Theatre 042 939 2919 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 9/12. ENNIS Glore Irish Music Centre 065 684 3103 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 10/12. NAVAN Solstice Arts Centre 046 909 2300 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 11, 12/12. TALLAGHT Civic Theatre 01 4627 477 Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella ch: Runacre-Temple 2/12. JAPAN + 81 TOKYO Tokyo Bunka Kaikan 3 5721 8000 http://www.thetokyoballet.com Sylvie Guillem and Akram Khan Company Sacred Monsters ch: Khan 18/12, 19:00; 19, 20/12, 15:00; The Tokyo Ballet La Sylphide ch: Lacotte 17/01, 15:00; 18, 19/01, 18:30. MEXICO CITY Sala Miguel Covarrubias UNAM www.danza.unam.mx Compañia Nacional de Danza www.companianacionaldedanza.com Balanchine/Avis evening 4/12, 20:00; 5/12, 19:00; 6/12, 18:00; The Nutcracker 16, 18/12, 20:00; 19/12, 16:00 & 19:00; 20/12, 12:30 & 17:00. MONACO + 377 Photo: Matt Wright [email protected] [email protected] MEXICO + 52 80 Also “A Midsummer Night’s Dream” - see listings for dates www.welshballet.co.uk DANZA EUROPA diciembre 2009 MONTE-CARLO Grimaldi Forum www.grimaldiforum.com Alonzo King’s Lines Ballet Shéhérazade/ Rasa ch: King 9, 10/12, 20:30. Cie Marie Chouinard Prélude à l’Après-Midi d’un Faune/ Le Sacre du Printemps ch: Chouinard 12/12, 20:30. Cie Georges Momboye Prélude à l’Après-Midi d’un Faune/Le Sacre du Printemps ch: Momboye 15/12, 21:00. Hamburg Ballet Nijinsky ch: Neumeier 13, 14/12, 20:30. Xavier Le Roy Le Sacre du Printemps 16/12, 19:00. In the Spirit of Diaghilev Dyad 1909 ch: McGregor/Faun ch: Cherkaoui/AfterLight ch: Maliphant/Eternal Damnation to Sancho and Sanchez ch: De Frutos 16, 17/12, 20:30. Cie Beau Geste - Dominique Boivin La Danse, une histoire à ma façon 19/12, 16:00; 20/12, 15:00. Shen Wei Dance Arts Le Sacre du Printemps/Re-(Part III) ch: Wei 19/12, 20:30. Les Ballets de Monte-Carlo Le Sacre du Printemps ch: Nijinsky/Prodigal Son ch: Balanchine/Shéhérazade ch: Maillot 26, 28/12, 20:30; 27/12, 16:00; Le Spectre de la Rose ch: Goecke/Silent Cries ch: Kylián/Les Noces ch: Kylián/Shéhérazade ch: Maillot 31/ 12, 1, 2/01, 20:30; 3/01, 16:00. Salle Garnier Soirée Faunes I ch: Nijinsky. Momboye, Chouinard, Kylián, Malandain 11/12, 20:30; Soirée Faunes I ch: Nijinsky. Momboye, Maillot, Kylián, Malandain 12/12, 16:00. Karole Armitage Rite of Spring - Summer of Love ch: Armitage 15/12, 19:00. Les Ballets Trockadero Ballets Russes programme 18/12, 21:00; 19/12, 18:00. Théâtre des Variétés Maritime Marionettes Petrouchka 11/12, 19:00; 12/12, 15:00. Groupe Grenade Josette Baïz Homage à Forsythe/Duo ch: Baïz 19:00. Cie Ariadone - Carlotta Ikeda & Ko Murobushi Haru No Saïten: Un Sacre du Printemps ch: Ikeda/Murobushi 18/12, 18:00. Gala du Centenaire des Ballets Russes 20/12, 20:30. NETHERLANDS / PAÍSES BAJOS + 31 ARNHEM Schouwburg Arnhem 026 443 73 43 www.mssa.nl Introdans Christmas Gala 26 - 28/12, 20:15. AMSTERDAM Het Muziektheater 0206 255 455 www.hetmusiektheater.nl Dutch National Ballet Coppélia ch: Brandsen 11/12, 20:15; 12/12, 14:00 & 20:15, 13/12, 14:00; 18/12, 20:15; 19/12, 14:00 & 20:15; 21, 22/12, 20:15; 24/12, 14:00; 27/12, 14:00 & 20:15, 29/12, 20:15; 30/12, 14:00 & 20:15; 31/12, 14:00. DEN HAAG Lucent Danstheater 070 88 00 333 www.ldt.nl Promenade ch: Battle/Double/Single ch: Forsythe/Susto ch: Lightfoot, Léon/In the Future ch: van Manen/Bate ch: Melo 20/12,14:30. HENGELO Rabotheater 74 2556 789 www.rabotheaterhengelo.nl Introdans Promenade ch: Battle/Double/ Single ch: Forsythe/Susto ch: Lightfoot, Léon/ In the Future ch: van Manen/Bate ch: Melo 4/12, 19:30. TRECHT Stadsschouwburg 30 230 2023 www.stadsschouwburg-utrecht.nl Introdans Promenade ch: Battle/Double/ Single ch: Forsythe/Susto ch: Lightfoot, Léon/ In the Future ch: van Manen/Bate ch: Melo 13/12,14:00. POLAND / POLONIA + 48 WARSAW Teatr Weilki - Opera Narodowa 22 826 50 19 www.teatrwielki.pl Polish National Ballet Kurt Weill ch: Pastor, 4/12, 19:00; The Nutcracker ch: Glegolski 17, 19/12, 18:00; 22, 23, 27/12, 12:00 & 18:00. RUSSIA / RUSIA + 7 ST. PETERSBURG MikhailovskyTheatre 812 595 4305 www.mikhailovsky.ru/en/tickets Mikhailovsky Ballet Romeo and Juliet pr: Vinogradov 3, 4/12; Le Corsaire pr: Ruzimatov 6/12 (mat), 9/12; Swan Lake ch: Petipa 11/12; Dance Europe.NK.dec09:Adv.Paramount.DanEur.mrt05 SCOTLAND / ESCOCIA + 44 ABERDEEN Her Majesty’s Theatre 01224 641 122 Off Kilter 14 - 16/01 EDINBURGH Festival Theatre 0131 473 2099 Off Kilter 29/12 - 2/01 Scottish Ballet The Nutcracker ch: Page 6 - 9/01, 19:30; 7, 9/01, 14:00. GLASGOW Theatre Royal 0870 060 6647 Scottish Ballet The Nutcracker ch: Page 12, 15 - 19, 21 - 23, 29, 30/12, 19:30; 17, 19, 23, 24, 31/12, 14:30. Off Kilter 6-9/01. SPAIN / ESPAÑA + 34 Dream ch: Spoerli 24, 27/01. Tanzhaus Zurich 044 350 26 11 www.tanzhaus-zuerich.ch Piccoli Productions Brief Encounters 11, 12/12, 20:00; 13/12, 18:00. URUGUAY + 598 MONTEVIDEO Teatro Solís Compañía Nacional de Danza Castrati/ Por vos muero/White Darkness 17 - 19/12. USA / LOS E.E.U.U. + 1 BROOKVILLE, NY Tilles Center www.tillescenter.org Rasta Thomas LLC Rock the Ballet ch: Thomas 11/12 . HOUSTON Wortham Theater Center 713 227 2787 or 800 828 2787 www.houstonballet.org Houston Ballet Jubilee of Dance 40th Anniversary Celebration (mixed programme) 4/12, 19:30. The Nutcracker ch: Stevenson 5, 6, 10, 11 - 13, 16 - 23, 26, 27/12, 19:30; 5, 6, 12, 13, 19 - 24, 26, 27/12, 14:00; NEW YORK David H. Koch Theater 212 870 5570 www.nycballet.com New York City Ballet The Nutcracker ch: Balanchine 1 - 4/12, 18:00; 5/12, 14:00 & 20:00; 6/12, 13:00 & 17:00; 8 - 10/12, 18:00; 11/12, 20:00; 12/12, 14:00 & 20:00; 13/12, 13:00 & 17:00; 15 - 17/12, 18:00; 19/12, 14:00 ALICANTE Teatro Principal Corella Ballet mixed bill 15, 16/12. LOGRONO Teatro Bretón Corella Ballet Who Cares? ch: Balanchine/ Clear ch: Welch/String Sextet ch: Corella 19, 20/12. MADRID Teatros del Canal www.teatrosdelcanal.org Momix Bothanica 2/12 - 10/01; Faraute Producciones Fedra 13 - 31/01. Teatro Fernán Gómez Centro de Arte http://teatrofernangomez.esmadrid.com XXIII Certamen Coreográfico de Madrid 3, 4, 5/12, 20:00; 6/12, 19:00. SAN SEBASTIEN Teatro Victoria Eugenia 943 48 11 60 Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 12, 13/12 20:00. VITORIA Teatro Principal Corella Ballet Who Cares? ch: Balanchine/ Clear ch: Welch/String Sextet ch: Corella 22, 23/12. & 20:00; 20/12, 13:00 & 17:00; 21/12, 18:00; SWITZERLAND / SUIZA + 41 Balanchine/Dances at a Gathering ch: Robbins/ BASEL Theater Basel 061 295 11 33 www.theater-basel.ch Basel Ballet Crescendi ch: Be’er, Inger, Wherlock 4/12, 20:00; 13, 26/12, 19:00. ZÜRICH Kongresshaus www.deag.de Malakhov and Friends Ballet Gala 14/12, 19:30. Opernhaus 44 268 64 00 www.opernhaus.ch Zürcher Ballett Goldberg Variations ch: Spoerli 11/12, 21, 31/01; A Midsummer Night’s Ballet Noir Marco Goecke 22, 23/12, 14:00 & 18:00; 24/12, 15:00; 26/12, 14:00 & 20:00; 27/12, 13:00 & 17:00; 28, 29/12, 18:00; 30/12, 14:00 & 18:00; 31/12, 15:00. The Joyce Theater 212 242 0800 www.joyce.org Rasta Thomas LLC Rock the Ballet ch: Thomas 15/12 - 3/01. New York City Center 212 581 1212 www.citycenter.org Alvin Ailey American Dance Theater Best of 20 Years ch: various 2/12 - 3/01. PITTSBURGH, PA Benedum Center 412 456 6666 www.pbt.org Pittsburgh Ballet Theatre The Nutcracker ch: Orr 11/12, 11:00 & 19:00; 12/12, 14:00 & 19:00; 13/12, 12:00 & 16:30; 18/12, 19:00; 19/12, 14:00 & 19:00; 20/12, 12:00 & 16:30; 22, 23/12, 19:00; 26/12, 14:00 & 19:00; 27/12, 12:00 & 16:30. WASHINGTON DC John F. Kennedy Center for Performing Arts 202 467 4600 www.kennedy-center.org New York City Ballet Mozartiana ch: Stravinsky Violin Concerto ch: Balanchine 9, 10, 12/12, 19:30; Concerto Barocco ch: Balanchine/Liturgy ch: Wheeldon/Les Goecke’s ‘ballet noir’ is like a dark mystery set to the music of Tsjaikovsky. From his own perspective and with uncompromising dance he tells the original story of the Nuttcracker. Tue. 1 Dec. Deventer, Deventer Schouwburg Fri. 4 Dec. Nijmegen, Stadsschouwburg Thu. 10 Dec. Tilburg, Theaters Tilburg Sat. 12 Dec. Arnhem, Schouwburg Arnhem Thu.17 t/m zo 20 Dec. Rotterdam, Rotterdamse Schouwburg Tue. 22 and Wed. 23 Dec. Amsterdam, Stadsschouwburg Fri. 25 and Sat. 26 Dec Den Haag, Lucent Danstheater Gentilhommes ch: Martins/Liebeslieder Walzer ch: Balanchine 11/12, 19:30; 12/12, 13:30. Play period till 27 January throughout the Netherlands WALES / PAÍS DE GALES + 44 artistic director: Ed Wubbe // business director: Harald Moes information and bookings: Scapino Ballet Rotterdam tel. + 3110 4142414 // [email protected] ABERYSTWYTH CARDIFF Wales Millennium Centre 08700 40 2000 www.wmc.org.uk National Dance Company Wales Youth Dance www.scapinoballet.nl Gala 5/12, 14:00 & 16:00 & 19:00. DANZA EUROPA diciembre 2009 81 [email protected] [email protected] La Sylphide ch: Bournonville 13/12 (mat); The Nutcracker pr: Boyarchikov 24, 25, 26 (mat), 27, 29, 30/12. Parsons Dance mixed bill, 13, 14/12. Mariinsky Theatre 812 326 4141 www.mariinsky.ru Mariinsky Ballet La Sylphide ch: Bournonville 1, 3, 28/12, 19:00; Les Sylphides/Le Spectre de la Rose/Dying Swan/Carnival ch: Fokine 6/12, 11:30; Ballet Gala, 8/12, 19:00; The Fountain of Bakhchisarai ch: Zakharov 11/12, 19:00; The Nutcracker ch: Simonov 13/12, 11:30 & 19:00; Prodigal Son/Apollo/La Valse ch: Balanchine 20/12, 11:30; mixed bill inc. excerpts from La Bayadère and Paquita 30, 31/12, 19:00. 12-10-2009 gente L os premios del Bonnie Bird Choreography Fund del 2009 fueron presentados en el Southbank Centre de London por el Director Ejecutivo de The Place, Kenneth Tharp, en octubre. Los ganadores fueron Fernanda Amaral y Zoi Dimitriou, que recibieron el Premio Nueva Coreografía de £1500 para apoyar de forma financiera sus prácticas coreográficas o investigación, y Katy Pearce, que fue la recipiente del Marion North Mentoring Scheme. Los bailarines de la Compagnie Marie Chouinard, Kimberley de Jong, Danny Desjardins, Mark Eden-Towle, Chi Long, Carla Maruca, Lucie Mongrain, Carol Prieur, Gerard Reyes, Manuel Roque, Dorotea Saykaly, James Viveiros y Won Myeong Won fueron honrados con los Premios Gemini Canadienses en la categoría de “Mejor Interpretación en un Programa o Serie de artes interpretativas” por sus interpretaciones en el filme de Chouinard bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS. Mathias Heymann en Rubies. Foto: Agathe Poupeney El bailarín principal del Het Nationale Ballet, Cédric Ygnace, ganó el premio anual ‘Zwaan’ por su logro en danza más impresionante con su personaje en El hijo prodigo, mientras que el premio ‘Gouden Zwaan’ de este año se presentó a Shirley Esseboom. El Dancer’s Prize 2009 se otorgó a la coryphée Rachel Oomens en la entrega de premios del Musiektheater de Ámsterdam el 12 de octubre. Para celebrar el 25º aniversario de los Amigos americanos de la Ópera y el Ballet de Paris, se organizo un intercambio de bailarines. Solistas Ashley Bouder y Gonzalo García del New York City Ballet fueron invitados a bailar Rubies con la Opera de Paris el 12 de noviembre, mientras que los étoiles Aurélie Dupont y Mathias Heymann de la Opera de Paris fueron invitados a bailar los mismos personajes en la gala que se celebró para estrenar la nueva temporada del New York City Ballet el 24 de noviembre. Manuel Legris volverá como estrella invitada para bailar en Petrushka durante el programa Ballets Russes de la Opera de Paris en diciembre. Gleidson 82 DANZA EUROPA diciembre 2009 Vasconcelos, que se crió en las calles de Minas Gerais en Brasil, ganó la medalla de oro en la competición Mundial de Ballet con su solo contemporáneo, Excerpt from My Captive Life (Extracto de mi vida cautiva). Actualmente es solista en el Cuban Classical Ballet de Miami. Anna Grip es la nueva Directora Artística del Cullberg Ballet, y empezará un contrato de tres años el 1 de enero de 2010. Grip has sido la gerente de conjunto de la compañía desde el 2006 y Directora Artística Interina desde la primavera del 2008. Farukh Ruzimatov ha decidido enfocarse más en su propia carrera en danza y ha abandonado el cargo de Director Artístico del Mikhailovsky Ballet, pero ha acordado continuar como Consejero Artístico de la compañía. Nacido en San Fulgencio, España, Gustavo Ramírez Sansano de 31 años ha sido nombrado Director Artístico de la compañía Luna Negra Dance Theatre. Sucederá al fundador de la compañía Eduardo Vilaro en junio del 2010. El Birmingham Royal Ballet ha nombrado a Koen Kessels su nuevo Director musical para suceder a Barry Wordsworth, que se ha cambiado al Royal Ballet. BRB también ha nombrado a Simon Harper su nuevo Director de Comunicaciones y RRPP. Robert Gouazé ha abandonado su puesto de Administrateur Général du Théâtre et de l’Orchestre National du Capitole. Corrección: En la crítica de Workwithinwork del Ballet Escocés en el Festival de Edimburgo (Danza Europa Octubre 2009), Viki Westall alaba la interpretación de Amy Hadley porque un compañero le dijo que era el nombre de la bailarina. En realidad, Hadley no bailó en esa presentación, la bailarina que Westall había admirado era Brenda Lee Grech. Pedimos excusas a las dos bailarinas. Cumpleaños en diciembre: 1 PierreFrançois Vilanoba 38; 6 Wendy Ellis 58; 14 Pete Shenton 42; 17 Caroline Miller 39, 19 Jeanetta Laurence 60; 22 David Leonard 66; 24 Davide Bombana 51; Mikhail Messerer 61; 27 Fernando Alonso 95; 29 Gelsey Kirkland 57; 30 William Forsythe 60; 31 Itzik Galili 48. S O U S L A P R É S I D E N C E D E S . A . R . L A P R I N C E S S E D E H A N O V R E 09 DÉCEMBRE 2009 / 03 JANVIER 2010 MONACO LES DANCE BALLETS DE FORUM MONTE-CARLO DIRECTION ARTISTIQUE JEAN-CHRISTOPHE MAILLOT ACTE 1 ALONZO KING’S LINES BALLET TRANSE EXPRESSMARITIMES MARIONETTES NIJINSKY,MOMBOYE,CHOUINARD,KYLIAN,MALANDAIN,MAILLOT COMPAGNIE MARIE CHOUINARD TRAFIC DE STYLES SEBASTIEN LEFRANÇOIS BALLET DE HAMBOURG JOHN NEUMEIER GROUPE GRENADE JOSETTE BAIZ COMPAGNIE GEORGES MOMBOYE ARMITAGE GONE ! DANCE XAVIER LE ROY CHERKAOUI, DE FRUTOS, MALIPHANT, MCGREGOR LES BALLETS TROCKADERO CARLOTTA IKEDA ET KO MUROBUSHI COMPAGNIE BEAU GESTE DOMINIQUE BOIVIN SHEN WEI DANCE ARTS NDT ARTISTS, GUIZZO, DUBREUIL FORSYTHE ARTISTS BALDY, SCHARAFALI, ZABALA LES BALLETS DE MONTE-CARLO BALANCHINE, GOECKE, KYLIAN, NIJINSKY, MAILLOT ... EXPOSITIONS, INSTALLATIONS, CONFÉRENCES, MASTERCLASSES graphiste Gilles Nifenecker n Ph dessi i Fav pe p i l i er MONACO : GRIMALDI FORUM / SALLE GARNIER / THÉÂTRE DES VARIÉTÉS TEL 00 377 97 70 65 20 / www.monacodanceforum.com / www.balletsdemontecarlo.com france