doctorado en creación y teorías de la cultura
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DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Síntesis de tesis presentadas para obtener el grado de Doctor en Creación y Teorías de la Cultura 1. Arquitectura con una visión femenina: El cuerpo como nueva centralidad sensible. Kurjenoja Lounassaari, Anne Kristiina. (Generación 2006). ……………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág. 2 2. Prolegómenos para una teoría del cine fantástico. Mendiola Hernández, Carlos Andrés. (Generación 2006). ……………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág. 7 3. Fronteras porosas re-imaginando tendencias de análisis musicológico. Ismael Simental, María Emilia. (Generación 2006). …………………………………………………………………………………………………………………………………… Pág. 9 4. El Teatro del Oprimido: Una práctica estética donde el sujeto se hace visible. Fernández Vazquez, Laura. (Generación 2006). ……………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág.10 5. Piramidal funesta. Sobre la posmodernidad mexi-cana. Perez Maldonado, Miguel Ángel. (Generación 2006). ……………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág.14 6. Mecanismos de legitimización y auto legitimización del poder de la enseñanza uno a uno de la música clásica. La perspectiva del estudiante. Rodríguez Luna, Saúl. (Generación Agosto 2007) ……………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág.17 7. Las mediaciones de la digitalización: narración, autor y espectador en la práctica cinematográfica contemporánea. Reyes Vazquez, Juan Carlos. (Generación Agosto 2008) .…………………………………………………………..……………………………………………………………………… Pág.20 8. Consideraciones generales sobre la fijación del precio de la pintura contemporánea. Arrazola Bonilla, Yahel Mariela. (Generación Agosto 2009) .…………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág.21 9. ¿Cuál realidad? Interacciones en la frontera sur de México como proyección de una práctica de creación artística. Quiroga Garza, Marcela. (Generación Agosto 2009). ………………………………………………………………………………………………………………………………… Pág.26 0 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA 10. Apuestas literarias en el Caribe Colombiano: Apuestas literarias en el Caribe colombiano: Luis Carlos López, Oscar Delgado y Jorge Artel. Poesía y periodismo en contrapunteo con el provincianismo nacional (1900-1948). Rodríguez Gonzalez, Hortencia Naizzara. (Generación Agosto 2009). ……………………………………………………………………………………………………………………………………. Pág.27 11. INDUSTRIAS CREATIVAS EN MÉXICO. Expansión económica de la creatividad: caso Batallón 52/ Kaxán Media Group. Posada Ávila, Héctor Homero. (Generación Agosto 2009). ………………………………………………………………………………………………………………………………… Pág.31 1 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Arquitectura desde una visión femenina: El cuerpo como nueva centralidad sensible Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctora en Creación y Teorías de la Cultura Anne Kristiina Kurjenoja Lounassaari Fundamentación La teoría y la historia de la arquitectura han explorado poco la concepción y la expresión espacial femenina. En parte, esto de debe a que son pocas las obras realizadas por mujeres que han logrado colocarse dentro del canon de la disciplina. Por largos periodos de tiempo, siglos, a la mujer se le ubicó dentro de la domesticidad, a un mundo interior, ya que la ciencia, la filosofía y la sociología que han influenciado a la teoría arquitectónica, han históricamente enfatizado lo masculino. Por ejemplo el Movimiento Moderno del siglo XX hizo de la mujer un exponente de la automatización del hogar, en otras palabras, un sujeto que exhibe los beneficios y los logros del racionalismo moderno dentro del escenario cotidiano (Espegel Alonso 2). En el campo profesional, el siglo XX permitió el acceso de las mujeres a los equipos de creación arquitectónica, pero obstaculizó que ocupasen lugares protagónicos en estos. La mujer ha aparecido como pareja y colaboradora, pero sin exigir reconocimiento. Hasta los años 80´s y 90´s, las figuras femeninas independientes empezaron a tener mayor presencia en el escenario de la arquitectura mundial, abriendo camino dentro del quehacer arquitectónico androcéntrico. Así, la presencia cada vez más visible de la mujer en la arquitectura contemporánea, sugiere explorar nuevos acercamientos a la creación de espacios habitables a partir de una visión femenina relacionada con el cuerpo, con los sentidos, con la vida cotidiana, con la identidad, con la experiencia y la vivencia, y con la memoria. Objetivo general Explorar desde una óptica femenina nuevas aproximaciones a la arquitectura, desde la vida cotidiana y desde el cuerpo como una nueva centralidad sensible. Objetivos particulares 1) Explorar el impacto de las mujeres y de sus ideas en la arquitectura del Movimiento Moderno y de la Postmodernidad, tomando como referencia las carreras de Julia Morgan, Aino MarsioAalto y Charlotte Perriand. 2 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA 2) Comparar la lectura de espacios habitables convencionales de la Arquitectura Moderna y Postmoderna según los métodos de análisis establecidos por Geoffrey Baker/ LeCorbusier, Roger H. Clark y Michael Pause, y Francis Ching, con las posturas feministas y femeninas trazados en los distintos artículos en la publicación Astragalo, y en los ensayos de Shirley Ardener, Craig Owens, Susan Rubin Suleiman, Naomi Schor y Patricia Waugh. 3) Explorar el carácter del escenario globalizado de la arquitectura como contexto del surgimiento de lo femenino. 4) Visualizar las posibilidades de una arquitectura diferente y diferenciable centrada en lo femenino y en el cuerpo sensible. Delimitación del tema Arquitectura contemporánea de vanguardia, tomando como referencia histórica el Movimiento Moderno y la Arquitectura Postmoderna. Marco teórico El marco teórico parte de las ideas de Homi Bhabha (The Location of Culture; 2007) acerca de los espacios liminales de “in- between”. La “diferencia” y la “diversidad”, los espacios liminales y los “Otros” disonantes, la performatividad de la cultura y la práctica de la teoría, tienen la potencialidad de producir complejas figuras de diferencias y estrategias culturales y políticas de identidad. Estos espacios liminales se caracterizan por sus límites porosos y elásticos por lo cual ofrecen sitios innovadores de colaboración y de contestación para la redefinición de la cultura y con ello, de la arquitectura. El espacio liminal que pone en evidencia las discontinuidades es, según Bhabha, el espacio en que se generan la nueva teoría, la cultura y la crítica, y en que se transforma y se innova la visión sobre el pasado y sobre la performatividad del presente. En estos nuevos espacios liminales se ubican el feminismo y lo femenino en su tarea de reconfigurar la conceptualización y la participación de la mujer en los espacios privados, públicos y de poder. Así también podemos pensar que la arquitectura, como una disciplina que se desliza entre lo práctico, lo performativo y lo teórico, buscando generar híbridos orgánicos; puede también colocarse en este espacio liminal para negociar y definir su relación entre lo funcional y lo fenomenológico, entre lo físico y tecnológico y el cuerpo sensible, y entre lo teórico y lo práctico. Las negociaciones pueden conducir a la generación de los híbridos culturales mencionados por Bhabha, pero el resultado puede ser también un equilibrio de fuerzas dialogantes, basado en el contraste. Para visualizar los contextos arquitectónicos y culturales anteriores a las ideas de Bhabha, se aplicarán los textos de Charles Jencks (Modern Movements in Architecture; 1973) y los de Susan Rubin Suleiman y Craig Owens (Jencks, Charles; The Postmodern Reader; 1992). En Modern Movements in Architecture, Jencks traza la historia del Movimiento Moderno desde los años 20´s hasta principios de 70´s, aplicando un análisis crítico 3 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA de la obra de los arquitectos de renombre de la Modernidad. Jencks hace la crítica de la Arquitectura Moderna desde una óptica postmoderna, y en su momento hasta polémica, que vale la pena revisar a pesar de que su antigüedad. Susan Rubin Suleiman a su vez, inicia la exploración de la especificidad feminista y femenina y de la crítica feminista, en relación con el Postmodernismo y con el Deconstructivismo en especial. Owens por su parte estudia la crisis de la autoridad cultural Occidental y de sus instituciones y la relación de ésta con el movimiento feminista, analizando los conceptos de los “Otros” y de “difference within” dentro del contexto postmoderno. La exploración de los escenarios de lo femenino se complementa a través de los textos de Rita Felski, The Gender of Modernity, 1995, y Doing Time: Feminist Theory and Postmodern Culture, 2000, en los cuales la autora estudia la relación compleja entre la mujer, la modernidad y la postmodernidad, y examina los significados de la nostalgia, del consumismo, de la escritura feminista, de la evolución, de la revolución y de la perversión. Posteriormente, se explorará el contexto contemporáneo globalizado y mediático a partir de tres ángulos distintos. Primero, el de Jean Baudrillard (Cultura y Simulacro; 1987), enfocado en la sociedad de espectáculo y en la evidente escenificación de la ciudad y de los espacios de la vida cotidiana, para disimular y fingir no tener lo que se tiene y tener lo que no se tiene, y cuestionar la diferencia entre lo “verdadero” y lo “falso”, lo “real” y lo “imaginario”. Segundo, se analizará la sociedad del espectáculo mencionado a base del texto de Néstor García Canclini (Consumidores y ciudadanos; conflictos multiculturales de la globalización; 1995), acerca de la recepción mediática y del consumo cultural. Según Canclini, la cultura se produce y circula a base de las reglas de las innovaciones y de la obsolescencia periódica, porque las manifestaciones culturales han sido sometidas a los valores que “dinamizan” el mercado y la moda; el consumo incesantemente renovado, el efecto sorpresa y el entretenimiento. El marco general de este consumo dentro de las sociedades del espectáculo, es la transnacionalización de las expresiones culturales. Tercero, se proyectarán las dos posturas anteriores contra las ideas de Frederick Jameson (The Cultures of Globalization; 1998), para hablar de la masificación de la cultura, de la estandarización cultural, y de la desaparición de las diferencias a través de “productos culturales”, y de la manera en que lo cultural se convierte en lo económico y lo económico en lo cultural. Paralelamente se abordarán dos puntos de vista postmodernos como respuesta a las posturas pesimistas de los tres primeros autores y como alternativas a lo moderno y a lo tardomoderno mediático: la de Michel Maffesoli y la de Michael Hardt. Maffesoli (Postmodernidad; 2007) promueve su “razón abierta” y una antropología de la vida cotidiana, como una estrategia para unir la razón a lo sensible, a lo afectivo y a lo emocional. Lo que importa es la vivencia y la experiencia en este preciso momento, en interacción con otros y en este lugar específico. Es necesario generar una nueva sociología, “una sociología comprensiva”, enfocada al estudio de una socialidad subterránea multiforme en un más allá epistemológico de cualquier tipo de resonancia racional. Hardt a su vez (Trabajo afectivo; 1999) trae al escenario postmoderno el concepto del trabajo afectivo que constituye directamente y en sí mismo la creación de comunidades y de subjetividad 4 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA colectivas. El circuito productivo dentro del que se mueven los afectos y los valores se ha visto en gran medida como un circuito autónomo de creación de subjetividad, una alternativa al proceso de valoración capitalista. Lo anterior nos ofrece el contexto para el análisis tema del género y del cuerpo como generadores de una arquitectura alternativa como respuesta a la espectacularización y mecanización del entorno construido contemporáneo. La búsqueda de la “otra” arquitectura diferente y diferenciable, parte del Astragalo: espacio y género; 1996, editado por Angelique Trachana, en el cual varios autores hablan de la relación entre el género, el poder, la arquitectura y la ciudad, reflejados en distintas concepciones espaciales. Los autores estudian la relación del concepto “espacio” con el del “dominio” o el del “poder” y como, la categoría del espacio viene a constituir un paradigma mental que marca pauta del pensamiento y de la acción en las sociedades y en la cultura Occidental. La colección de ensayos Feminist Theory and the Body, 1999, editado por Janet Price y Margrit Shildrick, conecta la teoría feminista con el concepto de la corporeidad. En estos textos, diversos autores analizan la ausencia del cuerpo en la tradición intelectual occidental y proponen incluirlo en las teorías postmodernas. Los temas tratados extienden desde los estudios de la identidad y el cuerpo femenino, hasta la relación entre este y las ciudades y los espacios de la vida cotidiana, Finalmente, los textos de Juhani Pallasmaa (Encounters: Architectural Essays; 2005 y The Eyes of the Skin: Architecture and the Senses; 2005), y su idea de que “la tarea de la arquitectura es defender la autenticidad de la experiencia humana” nos ofrecen la guía para la búsqueda de una arquitectura que nace de una autocomprensión de las situaciones vividas, de experiencias y de su asimilación. El enfatiza que mientras nuestras experiencias acerca del mundo son siempre formadas a través de los cinco sentidos, la arquitectura se produce considerando únicamente uno de ellos: la vista. La consecuencia de la supresión de las otras áreas sensoriales, es el empobrecimiento de nuestro medio ambiente generando sensaciones de enajenación e indiferencia. Para Pallasmaa, es indispensable integrar a los otros sentidos en las experiencias arquitectónicas para hacerlas auténticas y así, señala el camino hacia una nueva arquitectura multisensorial con capacidad de generar una sensación de pertenencia e integración. Nuestro contacto con el mundo sucede en el límite entre el cuerpo y el espacio a través de partes especializadas de la membrana que nos envuelve, la piel. El cuerpo es un verdadero centro del mundo humano, un lugar de referencias, de memorias, de imaginación y de integración. El significado final de cualquier edificio o espacio construido va más allá de la arquitectura; conduce nuestra consciencia hacia el mundo y hacia el sentido de nuestro propio ser. La arquitectura con significado nos permite explorar nuestras experiencias y nuestro propio ser, como seres físicos y espirituales. Referencias históricas y casos de estudio 1) La primera mitad del siglo XX como contexto de una esencia femenina desapercibida: la relación con el grupo hegemónico arquitectónico y aportaciones al quehacer profesional y a la expresión arquitectónica (Julia Morgan, Aino Marsio- Aalto y Charlotte Perriand). 5 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA 2) Arquitectas de la cultura globalizada: la presencia en la vanguardia postmoderna arquitectónica, la relación con el “establisment” mundial y la feminidad (Eva Jiricná, Zaha Hadid y Martha Scwartz). 3) Lectura arquitectónica según el canon moderno/ postmoderno del siglo XX, que sigue vigente como base de la enseñanza de diseño arquitectónico: (Geoffrey Baker/ LeCorbusier, Roger H. Clark y Michael Pause, y Francis Ching) Premisa Las diferentes fuentes mencionadas nos conducen a pensar en una posibilidad de considerar el espacio arquitectónico como una continuación orgánica del cuerpo humano, y al contenedor construido como una segunda piel. Dentro de ellos, el cuerpo como una centralidad sensible, como “inventor” de espacios habitables, provoca un movimiento espacial en expansión en el cual la función, el afecto, los sentidos y las interrelaciones humanas pueden tener la oportunidad de generar un nuevo tipo de arquitectura y una espiritualización y humanización de los escenarios arquitectónicos de la vida y de la actividad humana. La premisa es entonces, explorar desde una perspectiva femenina aquel nuevo in- between entre el cuerpo y el contenedor arquitectónico, para generar una lectura y una estructuración diferente del espacio arquitectónico, a partir de los sentidos, sentimientos, memorias y experiencias 6 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Prolegómenos para una teoría del cine fantástico Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctor en Creación y Teorías de la Cultura Carlos Mendiola Hernández Debido a la estrecha relación entre cine y literatura y a que esta investigación toma como base lo dicho por la teoría de la literatura fantástica, este trabajo consiste precisamente en establecer de manera más clara aquello que los vincula. Para ello se utiliza principalmente la teoría de la narratología con la intención de analizar las similitudes y diferencias que tienen al construir un relato, y que curiosamente han venido a destacarse a causa de la constante adaptación de obras literarias al séptimo arte. La adaptación o traslación de textos literarios al cine ha tenido frutos diversos que necesariamente han venido a resaltar las distintas formas que tienen para presentar las historias, desarrollarlas y articular sus elementos. Aún más, como medios de transmisión de un mensaje, está implícito en ellos que tanto la producción como la recepción del mensaje obedece a sus características inherentes. También se revisa lo que se ha dicho sobre lo fantástico en la literatura, iniciando por su raíz: lo siniestro o unheimlich. El término, su significado e implicaciones no sólo para el arte sino para la vida misma (incluida, desde luego, la psique como eje de balance) fue explorado por Sigmund Freud. El psiquiatra vienés desentraña de manera efectiva sus orígenes, contradicciones y ramificaciones. Es ese carácter ambiguo, incierto e inquietante de lo siniestro lo que alimenta lo fantástico. Con ello como punto de partida y con miras a lograr una definición que funja como brújula para encontrar lo fantástico en el cine, el segundo capítulo, se dedicado a revisar lo que han dicho sobre lo fantástico literario algunos de sus teóricos más importantes: Roger Caillois, Louis Vax, Tzvetan Todorov y Flora Botton Burlá. El apartado no se confina a delimitar lo fantástico. Se abordan sus fronteras con lo maravilloso y lo extraño, campos con los cuales comparte significativamente y de los cuales la separación, aunque nimia, es substancial. Así mismo, en busca de un retrato más fiel y detallado sobre lo fantástico se incluye una revisión de sus características, los temas que regularmente toca, los procedimientos que lo separan de otros relatos y los juegos o mecanismos que utiliza para generar el artificio que precisamente distingue a lo fantástico. Los juegos, propuestos por Botton Burlá, son una herramienta de gran valía para divisar los elementos con los cuales se juega con el lenguaje y las alteraciones que se crean con ello en el tiempo, el espacio, la personalidad de los personajes y la materia, en el texto literario. Además se analiza brevemente el concepto de género, entendido como conjunto de categorías en las cuales se pueden clasificar las obras, para la teoría del cine. El tema es de 7 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA relevancia ya que a diferencia de lo que ocurre en la literatura, en el cine el género opera bajo ópticas distintas que resultan de su condición de medio-arte-industria. Continúo con una radiografía del séptimo arte. El corpus que se presenta, obedeciendo a las prácticas de los estudios de género, es heterogéneo e inclusivo pues tiene como eje principal la presencia de lo fantástico en la obra en cuestión (no han sido discriminados filmes por pertenecer a un periodo, autor o país específico). Una discusión en torno a la lejanía o cercanía de los términos “cine de arte”, “experimental” o “avantgarde”, “cine independiente” y “cine comercial”, regularmente considerados como opuestos, ha venido a demostrar que no lo son en todos los casos. En muchos, y a causa misma de los mecanismos de la industria, han acabado insertos en ella –lo contrario vendría a significar su extinción o bien una inaccesibilidad al público-. El cine de arte no necesariamente está peleado con el cine comercial: una película puede resultar en un gran éxito de taquilla, sin por ello perder su propuesta artística. Es un tema complejo, sumamente interesante, y por demás importante para entender los mecanismos que han venido funcionando desde la década de 1980 a causa, principalmente, de la fundación del Festival de Cine Independiente Sundance y de la distribuidora –y después productora- Miramax. Desde luego salta a la vista la pregunta de qué tan independiente puede ser un filme producido por un estudio. Ésa, entre otras muchas, es una de las preguntas que se pretende abordar. Con base en el esquema presentado sobre lo fantástico literario se define lo que es el cine fantástico, sus fronteras, diferencias con lo literario (en cuanto a temas y procedimientos) y particularidades resultantes principalmente de la articulación propia del lenguaje cinematográfico. Utilizando la tipología de juegos que propone Botton Burlá como eje orientador para el análisis de las cintas, se observa que cada uno de los filmes seleccionados busca ilustrar la presencia de uno o varios de los juegos. Para ello se realiza un análisis de la película en cuestión y se soporta con la presencia de otras cintas donde el juego esté presente. En algunos casos, con la intención de ejemplificar de manera más clara, se analizan películas que tienen una clara presencia de lo fantástico pero cuyo final las coloca en lo extraño o en lo maravilloso, uno de los elementos esenciales para colocar una historia en el campo de lo fantástico. 8 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Fronteras porosas re-imaginando tendencias de análisis musicológico Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctora en Creación y Teorías de la Cultura Ismael Simental, María Emilia La inquietante coexistencia del bien contra el mal ha sido un trompo recurrente en la interpretación del repertorio del compositor ruso Alfred Schnittke. Esta aproximación crítica invita a reconocer en el discurso musical los roles narrativos de cada representación musical y unidad estilística. Sin embargo, más allá de identificar las fuentes musicales, la temporalidad occidental y moderna implícita en las herramientas de análisis de estas plataformas musicológicas parecen obscurecer procesos más sutiles de interacción estilística e intervención cultural. Si bien la fórmula posmodernista asociada frecuentemente con Schnittke justifica el pluralismo de estilos, las modulaciones estructurales que hacen posible la interacción de estos estilos no han sido investigadas de manera efectiva todavía porque los marcos metodológicos utilizados para el análisis (ej. el bien contra el mal) operan con valores que no se comunican precisamente con la obra y su contexto cultural. La presente tesis investiga formas de conocimiento, sistemas de representación cultural, y los estereotipos que rodean a Schnittke, y cómo todos estos afectan la interpretación de su repertorio. Discutiré y analizaré específicamente la cantata “Seid Nüchtern und Wachet…” (Historia von D. Johann Fausten), investigando cómo se construyen las unidades estilísticas en la obra. Así, trataré de explicar el proceso de hibridación que ocurre entre estilos para acercarme un paso más a lo que Schnittke reconocía como “modulación estilística”. El objetivo es revelar en ella los momentos en los que la temporalidad histórica -heredada en las formas y estilos musicales como dispositivos interpretativos de la modernidad europea- es cuestionada y desarticulada dentro de la pluralidad musical de este compositor, arrojando nuevos significado para nuestro entendimiento de las estructuras musicales, e invitándonos a reflexionar la propia disciplina musicológica. 9 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA El Teatro del Oprimido: Una práctica estética donde el sujeto se hace visible Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctora en Creación y Teorías de la Cultura Laura Fernández Vásquez El Teatro del Oprimido (TO), método creado por el teatrólogo brasileño Augusto Boal (19312009), se caracteriza por buscar la ampliación de las formas y las experiencias de conocimiento que tienen su base en las prácticas materiales, sensibles y corpóreas de los individuos. Permite que, a través de la práctica escénica, el cuerpo muestre y exprese su particular relación con su realidad social y su subjetividad: permite hacer visible su estado. Pero no queda en eso, sino que además se ofrece, se despliega, como un espacio para la transformación del sujeto, en la medida en que dialoga con sus opresiones internas y reinventa sus relaciones con los opresores externos. El TO es un método y un proceso de reflexión colectivo que busca la transformación social y política de los individuos. Su principal actividad consiste en facilitar la proyección hacia el exterior, hacía los demás, de los deseos interiores de vivir de otro de modo, de no tolerar o soportar la condición de sujeción social. Utiliza el trabajo artístico, el diálogo, la propia estética del espectador, y el apoyo colectivo de quienes son testigos de esa proyección subjetiva. La gran cantidad de practicantes de este método en el mundo habla de las resonancias, agencias y convergencias que tiene con diferentes áreas, como la lucha por la equidad de género y el respeto a la diferencia sexual, o la lucha contra el VIH, el trabajo con enfermos mentales, discapacitados, presos y campesinos, y otros. Esta atracción se puede explicar porque, como método, presupone que los artistas, como intelectuales, deben ceder su voz y sus herramientas a los que necesitan cambiar su realidad. El compromiso no es con el arte en sí, sino con la realidad social. Después de todo, preguntan los practicantes del TO, ¿quién ha hablado siempre por estas personas, quiénes tienen voz y quiénes no, qué papel juega el intelectual, el artista, el pedagogo? Esta tesis tiene la finalidad de argumentar que el TO es una “práctica estética”, es decir, una forma de visibilidad, como lo argumenta Jaques Rancière en La división de lo sensible. Estética y política (3). En este sentido, sugiero que a través del TO se abre la posibilidad de que el sujeto hable e irrumpa los espacios destinados a quienes 10 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA históricamente han tenido la competencia y el derecho de acallar ciertas manifestaciones de subjetividad. ¿Cómo acalla el Estado a los sujetos? ¿Por qué no se quiere o no se puede hablar de ciertas cosas? ¿Quiere el sujeto hablar? ¿El miedo a expresarse es proporcional al peligro real? ¿Todo ocurre a través de las palabras o hay otras posibilidades de manifestación? ¿Cómo hacer que la gente se dé cuenta de que es oprimida, y para qué? Y si así fuera, si este método permitiera la transformación de los sujetos, ¿es este proceso una oportunidad para relacionar teoría y práctica, para trasladar las discusiones académicas a las realidades sociales? Este conjunto de preguntas me han inquietado a lo largo de todo mi proceso de reflexión doctoral y me han llevado a reconocer que el proyecto de Boal puede ser analizado, considerado y discutido desde diferentes perspectivas y bajo distintas aproximaciones. Pero además, como objeto de estudio, como campo de prácticas teatrales y políticas se llevan a cabo una serie de prácticas de TO en el contexto inmediato: desde el ejercicio del teatro independiente, hasta el trabajo con mujeres, todo ello principalmente en la ciudad de Puebla, pero no sólo en esa ciudad. En consecuencia, esta tesis contiene no sólo una parte analítica, crítica, documental, sino también un recuento de mis experiencias prácticas con TO, las cuales se han transformado y reacomodado en la confrontación con mi trabajo académico. Es decir, las discusiones emprendidas, los cuestionamientos a la cultura y al arte, me han impulsado a desplazar de su lugar mis reflexiones sobre el método del TO, ampliando y cuestionando por ejemplo la dicotomía opresor-oprimido planteada por Boal, para dar cuenta de que los intersticios que existen en las relaciones de poder son los que permiten a los sujetos potenciar su capacidad de agencia. Ello sucede a través del TO, pero esta acción puede ser posible cuando, siguiendo lo dicho por Homi K. Bhabha en The Location of Culture, es activado el poder de enunciación del sujeto (51). Si bien lo planteado por Boal pareciera que se queda sólo en la dicotomía, en los casos concretos, y en las diferentes experiencias que se registran en esta tesis, que en realidad el método del TO funciona a partir de localizar las fisuras, las alternativas, lo que Michel Foucault explica en Tecnologías del Yo, cuando se refiere a que no hay relaciones de poder sin en la que no exista una rebelión en potencia (139). De esta manera, lo que se busca es precisamente evitar la victimización del sujeto, o su condición radicalmente determinada. Este método es, dicho de otro modo, una manera de orientar el trabajo artístico hacia la responsabilidad y el compromiso político social de transformación de las condiciones de vida contemporáneas. Y es un quehacer que se comparte con otros artistas 11 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA e individuos, por lo que deviene en un aprendizaje colectivo, intersubjetivo, solidario. En la medida en que uno transforma algo, también se transforma a sí mismo. Para los participantes, lo mismo que para los facilitadores, abandonar la actitud de espectadores y asumir su propia inventiva, su creatividad, como un quehacer legítimo, dentro de las posibilidades de expresión y transformación social, política, artística que el TO ofrece, los afirma no sólo como artistas –a todos–, sino también como sujetos capaces de asumir su propia condición y por lo tanto de construir su transformación. En el artículo “Funçao ritual, comercial e política da arte”, Boal, siguiendo a Walter Benjamin, explica que el aura, que envolvía al arte antes de la era de su reproducción mecánica es, además de la energía única que emana de su originalidad, un modo ritual de producción cuya finalidad era el ocultamiento y la mistificación; y este oscurecimiento fue convertido con frecuencia en una fuente de poder y persuasión. El aura vuelve opacos los significados. Boal considera que el aura creativa, lo que emana de la expresión individual de todos y cada uno de los seres humanos, de su voluntad y unicidad, debe tener una correspondencia con un tipo de arte en el que el saber no sea un misterio. No obstante, es necesario decir que la relación del TO con la academia no es sencilla, ni tampoco concatenada. Se puede decir que su campo de acción se ubicó más bien en las esferas de la educación informal. Es decir, a pesar de la amplia producción bibliográfica, especialmente de Boal, el TO parece estar más interesado en los procesos de divulgación del método y en incentivar las prácticas reflexivas, que en promover una discusión académica de su proceder. Pero claro, en términos generales, cuando se habla de teatro es difícil hacer esta distinción. Teoría y práctica son mundos complementarios e interdependientes, sin embargo, es frecuente pensar lo contrario, como lo apunta Josette Féral El campo de la investigación teatral, como el de otras disciplinas artísticas (artes plásticas, música) lleva dentro de sí una separación, una ruptura que pone en oposición el mundo de la práctica y el de la teoría. Por un lado aparece el universo del artista y sus lugares de referencia; por otro el del investigador y sus categorías epistémicas. Entre ambos la corriente comunicacional es escasa, difícil de lograr, o simplemente no se logra. Hay que reconocerlo: esta separación está presente. Aún evitada por unos u otros –artistas o investigadores–, no deja de aparecer tan pronto como cada una penetra en la lógica de su propio camino intelectual. (15) Es necesario acercar los posicionamientos teóricos a la manifestación de los cuerpos y los sujetos en la vida. Es desde esta perspectiva que intento desarrollar mi posicionamiento 12 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA frente al TO. El entusiasmo de Boal reside en que permite a los individuos involucrarse en procesos de recuperación, de reconstitución, de reconfiguración. Sus palabras, sus textos y sus seminarios llenan de esperanza hasta al más incrédulo. No obstante, es pertinente actualizar su discurso, confrontarlo con otros. ¿Hasta qué punto este método de transformación del sujeto rebasa las buenas intenciones? ¿Cómo funcionaría un sujeto más problematizado, menos definido? Judith Butler dice: “Si tengo alguna agencia es la que se deriva del hecho de que soy constituida por un mundo social que nunca escogí. Que mi agencia esté repleta de paradojas no significa que sea imposible. Significa sólo que la paradoja es la condición de su posibilidad” (Deshacer el género 16). Son precisamente las contradicciones, las paradojas, los desencuentros de mi propia experiencia con el TO, lo que me ha permitido darme cuenta de la complejidad de los procesos de desujeción. En esta tesis pongo a consideración que el TO es un mecanismo para generar agencia, en lo político y en lo social, capaz de aprovechar el riesgo de la crisis como oportunidad para confrontar las enormes contradicciones de la cultura actual. El punto de partida es el suceso público llamado el teatro. Según Butler: Para luchar contra la opresión se necesita comprender que nuestras vidas se sostienen y se mantienen de forma diferencial, ya que existen formas radicalmente diferentes de distribución de la vulnerabilidad física de lo humano en el mundo. Algunas vidas estarán muy protegidas y sus exigencias de inviolabilidad bastarán para movilizar a las fuerzas de la guerra. Otras vidas no tendrán un amparo tan rápido ni tan furioso, y ni tan sólo serán consideradas como merecedoras del duelo. (44) Esta desigualdad es uno de los síntomas comunes de cualquier tipo de opresión. Esta investigación se concentra en dos problemáticas: la opresión que se ejerce sobre las mujeres y la opresión ejercida sobre la diferencia sexual. Esta decisión está relacionada, primero, con preocupaciones y posicionamientos académicos y personales, y segundo, por el interés que han expresado algunas organizaciones no gubernamentales por probar y utilizar el potencial de transformación del TO. 13 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Piramidal funesta. Sobre la posmodernidad mexi-cana Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctor en Creación y Teorías de la Cultura Miguel Angel Pérez Maldonado Esta investigación estudia las relaciones que existen entre los preceptos posmodernos y la cultura mexicana —por “cultura mexicana” siempre se referirá al discurso sobre lo mexicano y sus prácticas—. Se demostrará que la nueva corriente de pensamiento llamada posmodernidad y los fenómenos posmodernos se vinculan con los rasgos de la mexicanidad, a pesar de que el discurso sobre la cultura mexicana actual se enfoque en resaltar los vicios y defectos del mexicano y a señalar que México no ha desarrollado su ser “verdadero” ni está a la altura de los principios de la cultura occidental. En particular, se demostrará la obsolescencia de la categoría moderna de “progreso” al momento de interpretar la cultura mexicana, pues dicha interpretación oponía o distanciaba nuestra cultura de la cultura occidental, hoy día son más las afinidades que las diferencias. En esta investigación se estudia en especial los conceptos de tiempo y espacio posmodernos, los cuales se comparan con el discurso sobre la cultura mexicana, se intenta demostrar la cercanía del discurso sobre la cultura mexicana con las nociones posmodernas de tiempo y espacio. Algunos autores sostienen que la posmodernidad no es sino el regreso de una vieja sensibilidad. Si esto es cierto y se muestra que la cultura mexicana coincide en sus rasgos con el pensamiento posmoderno, entonces podría afirmarse que la cultura mexicana también es la continuación de una vieja sensibilidad posmoderna. Se describirá los elementos discursivos característicos de las distintas épocas históricas de México y así hacer ver que son parejamente antiguos que los de la sensibilidad posmoderna. La concepción moderna de “progreso” es extensiva a distintos ámbitos, en el área de la filosofía de la historia, defiende el “progreso de las naciones y las culturas”, este postulado cataloga a los países de primer mundo o de tercer mundo, o bien en vías de desarrollo o “emergentes”, con ello se marca el avance o el retraso, el nivel de emergencia o de sumergimiento de cada nación. Esta concepción se funda en una idea lineal de la historia y del tiempo, comprende que si se obedece la consecución de ciertos procesos, iguales para todos, las naciones desembocarían, supuestamente, en el mismo estadio del progreso. Sin embargo, los fenómenos posmodernos muestran rasgos distintos y contrarios a las ideas modernas del tiempo, del espacio y del progreso. Los nuevos rasgos de la posmodernidad, en lugar de distanciar a las culturas, las acercan. En este sentido, ante lo que se considera un cambio en los conceptos y categorías elaborado por el discurso posmoderno, se cree importante vincular el paradigma posmoderno con los principios y discursos de la cultura mexicana. 14 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Hasta donde se ha revisado la bibliografía del tema, no existe una investigación que se refiera a la posmodernidad mexicana. Existen investigaciones que tratan los rasgos discursivos de la mexicanidad o bien los de la posmodernidad, pero no se conocen publicaciones o investigaciones que analicen el correlato de ambos. Es llamativo que los estudios que han intentado vincular la cultura mexicana con el discurso de la modernidad se refieran a la incompatibilidad de los dos discursos; estos estudios concluyen que nuestra cultura contiene un conjunto de elementos que poco o nada se asemejan a la modernidad y que, más bien, son un obstáculo para alcanzarla. Es decir, son investigaciones realizadas desde la frustración comparativa. La presente investigación se dirige en sentido contrario, cuando se compara a la cultura mexicana con la posmodernidad, no se hace ningún hincapié en las diferencias discursivas que las oponen o en los aspectos “negativos” de la mexicanidad. La Metodología incluye el análisis del discurso y analogía. El objeto de estudio de la presente investigación se refiere a tres discursos, a saber: el discurso de la modernidad, el de la posmodernidad y el de la cultura mexicana. El análisis del discurso se funda en los preceptos vertidos por Michel Foucault en su libro L´ordre du discours. En este importante texto, Foucault señala en su hipótesis que el discurso es a la vez controlado, seleccionado, organizado y distribuido a través de un cierto número de procedimientos que tienen la finalidad de conjurar los poderes y los peligros, así como de controlar los eventos aleatorios y lograr esquivar la pesada y temible materialidad (11). Me fundo en estos preceptos para explicar la manera en la que el discurso moderno del progreso fue usado con el objetivo de conjurar el poder de otras culturas, así se justificaba ante el mundo que Occidente debía colonizar y “llevar” el progreso y la “civilización” a culturas “salvajes” o “sub-desarrolladas” (Bauman, Ética posmoderna 48). De este modo, se analiza la manera en que algunos exponentes de los tres discursos (el de la modernidad, la posmodernidad y el de la cultura mexicana) se relacionan entre sí, en particular a partir de la discontinuidad de los rasgos de la posmodernidad en Occidente y los de la cultura mexicana, desde la época prehispánica hasta nuestros días. Otras dos herramientas metodológicas son los conceptos y categorías de la posmodernidad descritos por Michel Maffesoli (lo cual no significa que no se describan las nociones de otros autores interesados en la posmodernidad); por otro, como técnica de estudio será importante el método analógico, también desarrollado por Maffesoli que no es únicamente una herramienta de estudio, también es una cualidad que se encuentra en los fenómenos posmodernos actuales. Los fenómenos aquí estudiados permiten que la investigación contenga elementos, conceptos o cualidades, emanados del propio objeto de estudio; para ello, mediante un ejercicio de contaminación (o si se prefiere de contagio), en este trabajo el método se origina de los fenómenos observados, sobre todo de aquellos fenómenos relativos a la posmodernidad. Al seguir esta lógica, no sólo la analogía sirve como recurso de análisis, también así se crean esquemas de investigación que toman en cuenta otros rasgos de la posmodernidad como los afectos, los humores, los 15 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA ambientes, el aspecto lúdico y onírico de la realidad social y se intenta así realizar una investigación que recurra al juego, a los afectos y los humores como recursos de estudio (Maffesoli, Le rythme 41). Finalmente, en esta investigación los eventos comunes y corrientes, las nimiedades y banalidades del diario vivir, son igual de importantes que los discursos sobre la cultura mexicana y sobre la posmodernidad. Del mismo modo que la posmodernidad entroniza la experiencia personal y las situaciones de la vida concreta, para este trabajo las experiencias habituales no serán menos sorprendentes que las ideas y la imaginación de la cultura mexicana. Una vez más, las cualidades de nuestro objeto de estudio nos apoyan como herramientas de conocimiento. 16 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Mecanismos de legitimación y auto legitimación del poder en la enseñanza uno a uno de la música clásica. La perspectiva del estudiante. Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctor en Creación y Teorías de la Cultura Saúl Rodríguez Luna La música es una expresión de la naturaleza humana, su aprendizaje y transmisión es parte integral del legado cultural de cada civilización. En el ámbito de la música clásica occidental, la educación instrumental es un elemento básico para la transmisión y ejecución musical. Este aprendizaje musical se realiza principalmente, mediante clases individuales entre un profesor y un estudiante de instrumento. La relación se asemeja al vínculo del maestroaprendiz, presente en múltiples actividades humanas de transmisión de conocimiento. La forma en que se ha dado este vínculo maestro-aprendiz ha ido cambiando a lo largo del tiempo, siendo que originalmente fue privada. La educación musical instrumental uno a uno es un campo escasamente explorado (Nerland 399), el estudio de las relaciones que se dan en este mundo intelectual y musical tan específico son un campo abierto para la investigación y el descubrimiento. Los profesores de instrumento dirigen sus clases libremente, y sin embargo, se rigen por tradiciones musicales y culturales que hacen de esta educación un espacio para confrontaciones y negociaciones no solamente musicales sino sociales y personales (Nerland 400). La falta de estudios específicos en esta área de las relaciones uno a uno exige más investigación como lo explicita Triantafyllaki en su artículo del 2005 “A call for more instrumental music teaching research”, reforzando la necesidad de nuevos estudios. Este acercamiento es relevante porque puede arrojar luz sobre los mecanismos que dan forma al aprendizaje musical, a la educación uno a uno y a sus interrelaciones con otros campos de influencia que se alejan de la mera transmisión del conocimiento musical, abriendo un nuevo panorama de interdisciplinaridad a estas relaciones y matizándolo en la heterogeneidad de factores que en ellas intervienen. Un acercamiento a este fenómeno socioeducativo podría ofrecer además una nueva visión de la realidad múltiple e interdisciplinaria en que el aprendizaje se da, y permitir la revisión 17 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA de los procesos educativos no sólo en la música clásica, sino en otras áreas donde las relaciones uno a uno, están siempre presentes. La investigación se centra en Latinoamérica y específicamente en México para delimitar un marco institucional, cultural y social sobre el cual trabajar, sin que el estudio se expanda a otros contextos y perspectivas que abrirían el estudio en otras direcciones. La búsqueda incorpora el pensamiento sobre poder, educación y conocimiento, desarrollado por varios autores como: Michel Foucault, Paulo Freire, Basil Bernstein, entre otros, ya que será necesario plantear un marco teórico-filosófico y utilizar una terminología específica. El camino para volverse instrumentista es arduo y azaroso, donde mucho es exigido y demandado del estudiante por el maestro y el medio musical, y muy pocas las satisfacciones que muchos de ellos son capaces de narrar. El poder está constantemente moviéndose en esta relación, legitimándose, silencioso, muchas veces escondido, los estudiantes están atrapados en un sistema de poder que no sólo desconocen sino que incluso niegan que existe. Los gritos, las descalificaciones y las actitudes negativas no son valorados en una dimensión completa. La legitimidad de la relación impone silencio a mucho de lo que los estudiantes sienten en clase y años después son capaces de reconocer como equivocado. Pero no es solamente en la figura del maestro donde hay que buscar las respuestas a lo que pasa en la legitimación del poder, al contrario, uno de los descubrimientos más relevantes de esta investigación está ubicado en el terreno de lo que el estudiante cree que es o puede llegar a ser, un terreno que pareciese ajeno a la técnica del instrumento o a las decisiones de continuar con la profesión o no, y que sin embargo, creo que es el punto focal desde el que muchos mecanismos del poder se afirman. Controlando lo que sucede en la relación, sin importar si se da dentro o fuera de la institución, (como espacio físico), ya que la institución musical erigida por la tradición y el discurso social imperante parece tener todo el peso necesario para codirigir los esfuerzos del estudiante y su autopercepción. El poder se mueve así, en un sistema de control visible, lo que se dice, lo que se hace y dónde se realiza, y en un sistema de control invisible al interior de la mente y las emociones de quienes participan en él, en este caso, confirmado en la experiencia de los estudiantes presentes y pasados. Este sistema de control invisible se auto legitima a cada paso, dando 18 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA peso a términos como talento o edad, a recuerdos que descalifican o enaltecen las posibilidades de los estudiantes, a emociones intensas, cicatrices pequeñitas basadas en la experiencia vivida en el salón entre dos individuos. Creo que es tiempo de abrir nuevas puertas, nuevos caminos de interrelación en el uno a uno, una forma de acceder a la música sin miedos, sin exclusiones, sin el peso del deber ser que parece una carga constante, buscando la realización personal de alumnos y maestros mediante la relación, a través de la relación, construyendo vínculos no sólo en el plano sensible y crudo, sino en la emotividad y los afectos para con el otro y para consigo mismos. 19 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Las mediaciones de la digitalización: narración, autor y espectador en la práctica cinematográfica contemporánea Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctor en Creación y Teorías de la Cultura Juan Carlos Reyes Vázquez La tesis doctoral “Las mediaciones de la digitalización: narración, autor y espectador en la práctica cinematográfica contemporánea” plantea que, si las nuevas prácticas ligadas a los dispositivos digitales están mostrando la incapacidad de los conceptos de la Teoría Clásica Cinematográfica para dar cuenta de las prácticas que ocurren en torno al cine digital, es necesario re-conceptualizar ciertos conceptos de la teoría para que se pueda entonces develar el nuevo funcionamiento del cine que la digitalización trae consigo. Partiendo de esto, sostenemos que el acercamiento más adecuado para ello necesita partir del concepto de las mediaciones, para que de esta manera se dé cuenta de las nuevas prácticas que se articulan desde la digitalización en torno a tres principales conceptos: narración, autoría y espectador. Se trata así de entender el cine como un medio expandido, como un conjunto de mediaciones que permita superar las concepciones de la Teoría Cinematográfica Clásica. Así, llegaremos a discernir que estamos en el proceso de la construcción de una nueva episteme respecto al cine, la cual da claras muestras del potencial creativo, epistemológico y cultural de la digitalización. 20 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Consideraciones generales sobre la fijación del precio de la pintura contemporánea Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctora en Creación y Teorías de la Cultura Yahel Mariela Arrazola Bonilla Esta investigación parte de una problemática que acontece en la práctica cultural contemporánea: las ventas de pinturas en las casas de subastas, problemática a atender pues a partir del precio de las obras se están redefiniendo los valores artísticos y simbólicos de los artistas que produjeron esas obras, así como de los movimientos a los que pertenecieron. Usualmente, se argumenta que el mercado del arte es un juego de ricos estafando a otros ricos y que por ello no vale la pena prestarle siquiera atención. Lo que esta investigación revela no es solo cómo se da este juego: la compra en subastas; sino cómo funciona el mundo del arte, en particular el mercado del arte. Esto se hace a partir de los Estudios Culturales porque este ámbito permite una investigación interdisciplinar y, además, porque su finalidad es que es más bien una práctica. La práctica aquí consistió en insertarse dentro del mundo del arte por excelencia, la ciudad de Nueva York, para tratar de entender los mecanismos pero al mismo tiempo constituye una reflexión que apunta a cuestionar al mundo del arte: el mercado, el museo y la academia. Entre estas tres instituciones del arte, se determina la calidad de lo artístico y esto obedece en muchas ocasiones a factores económicos macro y micro, a intereses personales, intereses nacionales y corporativos. De tal manera que las cualidades o valores intrínsecos de las obras de arte radican más bien en cuestiones extrínsecas. A lo largo de esta tesis se analizan los casos particulares de 3 subastas: van Gogh, Picasso y Damien Hirst para evidenciar sus repercusiones. Los Estudios Culturales se caracterizan por no contar con una metodología propia y recurrir a varias disciplinas para examinar el objeto de estudio. Ahora bien, ¿qué sucede cuando el objeto de estudio requiere de un tratamiento interdisciplinario? Es decir, ¿qué pasa a la hora de que el investigador tiene que poner a colaborar a varias disciplinas para aportar algún tipo de conocimiento integral sobre un objeto y no sólo unidimensional? Al comenzar el proyecto de investigación, que se centra en los debates sobre las implicaciones del mercado del arte en la valoración artística y simbólica de las obras de arte, 21 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA se hizo evidente que uno de las preguntas científicas a responder incluso antes de llegar al objeto de estudio era qué metodología sería la apropiada. Esto por distintas razones. Primero porque el mercado del arte no es un objeto de estudio tangible. Es más, el término mercado en sí es problemático porque hay varias maneras de definirlo. No obstante parece haber coincidencia en que es un conjunto compuesto de entidades de varias índoles: El mercado es el conjunto de 1) compradores reales y potenciales que tienen una determinada necesidad y/o deseo, dinero para satisfacerlo y voluntad para hacerlo, los cuales constituyen la demanda, y 2) vendedores que ofrecen un determinado producto para satisfacer las necesidades y/o deseos de los compradores mediante procesos de intercambio, los cuales constituyen la oferta. Ambos, la oferta y la demanda son las principales fuerzas que mueven el mercado. (Thompson) Para complicar aún más las cosas, el mercado en particular del que se pretende trazar un panorama es un mercado opaco que se caracteriza del resto de los otros mercados por tener prácticas únicas donde prevalece la centralidad del conocimiento del experto y que es difícil de comprender del todo dado que no hay datos cuantitativos (McAndrew 1) y esto obedece a que no hay un órgano que lo regule como sí sucede en otros mercados. No obstante, lo que sí es certero es que dentro del mercado del arte encontramos una serie de convenciones y tradiciones que persisten y que de alguna manera hacen de este mercado un negocio en el que es necesario entablar una relación de respeto, confianza y lealtad entre galeristas y coleccionistas, galerías y casas de subastas, coleccionistas y artistas y donde no jugar siguiendo las reglas del juego no sólo no es bien visto, sino que es reprobable. A esto hay que añadir que el mercado del arte no opera bajo los mismos principios que cualquier otro mercado porque se trata en última instancia de un mercado de mercancías únicas por lo que no habría posibilidad de comparación entre precios y por ello mismo hay quienes argumentan que no puede considerarse un mercado (Glimcher cit. En Lindemann 79). Sin embargo, hay también quienes arguyen todo lo contrario y consideran que el mercado del arte es un negocio global en términos del alcance que tiene, o más bien, que ha cobrado en las últimas décadas (Wirth citado en Lindemann 118). Como si estas posturas contradictorias no fueran suficientes, el mercado del arte está inscrito dentro del mundo del arte, definido por Dickie como la totalidad de los sistemas del mundo del arte y esto a la vez hace alusión a la idea de un marco que sirve para presentar obras de arte: museos, galerías, revistas especializadas, organismos estatales, artistas, 22 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA público, instituciones académicas, etc. Incluso, dentro de estos sistemas están también toda una serie de actividades colectivas y convenciones compartidas. Es decir, el término mundo del arte también es problemático por sí mismo; pero eso no es todo. En todo caso, me parece que el problema es salvable si pensamos en que tanto el mercado del arte como el mundo del arte están conformados por una serie de prácticas muy particulares. Ante estas circunstancias, fue más que evidente que se tendría que hacer uso de varias metodologías para abordar el problema científico. Aeron Davis señala que en el ámbito de los estudios culturales, en particular al investigar la producción cultural uno puede hacer uso de tres aproximaciones: la economía política, el análisis textual y el trabajo sociológico o etnográfico. Para Davis, la primera aproximación, la economía política es una manera indirecta de investigar la producción cultural que permite construir un macro panorama de la industria y es útil para determinar de qué manera las condiciones de producción moldean el contenido cultural. Por otro lado, también una aproximación indirecta, el análisis textual se utiliza para hacer deducciones acerca de condiciones sociales específicas, locales o más amplias en las que la producción cultural se lleva a cabo. Ayuda a definir qué tipo de textos se obtendrán, cuántos y si su análisis será de índole cuantitativo o cualitativo. Finalmente, el trabajo sociológico o etnográfico investiga directamente y a un micro nivel. Es un trabajo casi siempre cualitativo que implica entrevistar y observar individuos (52-67). A pesar de que estas metodologías son ya conocidas se tiene también que tomar en cuenta que se estará conduciendo un estudio interdisciplinar donde el tema central es el mundo del arte y en este sentido, para Barber debemos recordar que los mundos del arte son quijotescos y a menudo no se subsumen bajo estructuras institucionalizadas que predisponen resultados ya sean educativos o de otra índole (54). La cuestión es que si el mundo del arte es quijotesco, con todo lo que el término implica, una investigación sobre tal conlleva inmediatamente a la posibilidad de que algunas de las formulaciones que puedan plantearse no sean ciertas en todos los casos o que por el contrario algunas que se tomen por irrelevantes repercutan más en otros aspectos no contemplados. Luego entonces, ¿cómo se puede superar este asunto? Barber, sugiere que la interdisciplinariedad, al emplear componentes distintos de dos o más disciplinas puede ser vista como un rizoma y es que incluso arguye que la European Graduate School reconoce que el trabajo interdisciplinario es endémico y complejo en áreas relacionadas con el arte y asegura que “… given the heavily matrixed character of contemporary social life, the Deleuzian rhizome trope is appropriate to the character of this interdisciplinary research with a cross-disciplinary perspective.” (53-54) 23 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Ahora se presenta el problema del rizoma. Me parece que la manera en que debe plasmarse la discusión sobre la creciente influencia del mercado del arte en la valoración económica, artística y simbólica del arte es a manera de rizoma. Pero esto a su vez requeriría más que un texto un hipertexto, pues éste permite romper con la secuencialidad típica de la escritura. Así, la teoría del rizoma desarrollada por Deleuze y Guattari brinda un modelo para desarrollar la tesis, es el cómo y si pensamos que la investigación debería ser innovadora, lo innovador está en hacer una cartografía del mundo del arte. Afirman Deleuze y Guattari que una multiplicidad tiene determinaciones, tamaños, dimensiones que no pueden aumentar sin que ella cambie de naturaleza. En un rizoma no hay puntos, solo líneas. El rizoma puede ser roto o interrumpido por cualquier parte. Un rizoma es mapa no calca porque experimenta sobre lo real construyendo un inconsciente cerrado. La forma mapa es conectable en todas sus dimensiones, desmontable, alterable y puede modificarse, así se conserva el carácter endémico de las investigaciones sobre arte. Pero además el rizoma no tiene por qué ser precisamente un texto verbal puede incluso ser una obra de arte, una acción política, un performance y una de sus características más importantes es que tiene múltiples entradas. Para presentar el mapa del mercado del arte en el postfordismo se requiere precisamente el modelo cartográfico de múltiples entradas y tal vez lejos de poder brindar proposiciones concluyentes se estará sólo brindando un terreno para ser explorado por otros. Como conclusión puede afirmarse provisionalmente que este trabajo de investigación presenta una cartografía de cómo opera un sector muy específico del mundo del arte: el mercado de la pintura contemporánea. Así, se expondrán las formas no escritas, el juego de la compra venta de arte y esto es relevante toda vez que el proceso de adquisición de prestigio institucional, el pase directo a la historia del arte hoy día poco o nada tiene que ver con condiciones intrínsecas de la obra; sino con la compleja coyuntura que subsume al mundo del arte. Así, debe en primera instancia entenderse que se está cartografiando una práctica humana. Por ello, los Estudios Culturales son el área que permite cobijar esta investigación toda vez que se examinará una práctica cultural desde el punto de vista de su intrincación con el poder. No obstante, se busca más que simplemente trazar un mapa del mercado del arte. Los estudios culturales implican cierta articulación -proceso de creación de algo nuevo a partir de la dispersión de elementos al ofrecer nuevos significados, valores, etc.- y esta conlleva a que la propia performatividad de los intérpretes construya nuevos modelos de comunidad (Zylinska 19). Es decir si bien las prácticas institucionales y los protocolos de los contextos donde ocurre la interpretación están delimitados, quien interpreta no es sujeto 24 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA pasivo (Bowman ix), la identidad se modifica como resultado de la práctica articulatoria misma y de esta manera es necesaria una constante re significación y así se sustituye un signo por otro nuevo. La interpretación tendría así un carácter contingente e histórico que impedirían cerrar el objeto de estudio, o sea, brindar una verdad absoluta. Así, la deconstrucción resulta una estrategia fundamental puesto que permite poner de manifiesto de qué manera nuestras identidades, nuestro imaginario político y nuestro mismo ser está constituido a partir de oposiciones violentas en las que para caracterizar y elevar algo hay que denigrar al otro (Zylinska 7-9). A fin de cuentas, la elaboración de este trabajo permitiría ver cómo se ha construido en el imaginario la superioridad del arte estadounidense y europeo a costa del arte de otras regiones que no participan en el mercado. 25 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA ¿Cuál realidad? Interacciones en la frontera sur de México como proyección de una práctica de creación artística. Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctora en Creación y Teorías de la Cultura Marcela Quiroga Garza El proyecto de investigación tiene como objetivo la creación y análisis de una práctica artística como forma de entender y generar conocimiento a partir de las manifestaciones y acontecimientos sociales y culturales en diversos lugares de la frontera sur de México. Lo que se busca es reflexionar acerca de las fronteras, no sólo como lo que delimita el fin o el principio de los territorios de estados nacionales o geográficos, sino como productoras simbólicas de las diferencias entre las personas, recalcando todo aquello en lo que no son iguales por encima de lo que tienen en común. Los espacios geopolíticos que delimitan el territorio de un estado-nación son el repertorio palpable de la movilidad de personas, cosas y acontecimientos. Estas prácticas son efectuadas de manera más o menos visible y demuestran que existen y han estado ahí constantemente redes de comunicación y formas de acción común, que tienen como fin procurar bienestar y elevar la calidad de vida de los partícipes. El proyecto ¿Cuál realidad? en su materialidad y visibilidad fue planteado como una serie de intervenciones en sitio, tales como esculturas públicas, instalaciones, acciones participativas, fotografía y video, a partir de la interacción en algunas ciudades fronterizas en los estados de Chiapas, Tabasco y Quintana Roo y su colindancia con los países de Guatemala y Belice. La producción ha girado en torno a las siguientes tres líneas de búsqueda temática: La línea fronteriza, el espacio físico, el paisaje; las personas y grupos que confluyen en estos territorios; el contrabando de cosas y el trasiego de las personas entre los países o en el interior del territorio nacional (entre ciudades del mismo estado, inmigrantes rurales etc.). Los lugares seleccionados son significativos de la frontera sur y tanto las esculturas como las intervenciones han sido construidas con objetos y/o procesos que funcionen simbólicamente para los grupos o habitantes de la zona y en colaboración con ellos: objetos útiles para el trabajo, procesos de transformación de materiales, técnicas de fabricación artesanal, ropa, donaciones, entre muchas otras construcciones. www.cualrealidad.org www.marcelaquiroga.net 26 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Apuestas literarias en el Caribe colombiano: Luis Carlos López, Oscar Delgado y Jorge Artel. Poesía y periodismo en contrapunteo con el provincianismo nacional (1900-1948) Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctora en Creación y Teorías de la Cultura Hortencia Naizzara Rodríguez El panorama crítico literario colombiano es aún un territorio inexplorado en muchos sentidos. Esta afirmación no hace referencia a la inexistencia de consolidadas líneas de investigación o estudios sobre autores, obras y temáticas de la producción escrita nacional. Por el contrario, son numerosos los avances que esta disciplina ha tenido en los últimos años, tal como lo demuestran las diversas producciones de encuentros, seminarios, artículos, libros, grupos de investigación, entre otros. No obstante, persisten algunas limitaciones en áreas determinantes para completar el mapa del canon literario colombiano. El análisis aquí expuesto –en el que se utilizaron diversas fuentes historiográficas, la teoría de los campos de poder e intelectual de Bourdieu, el estudio de la poesía de las negritudes y las investigaciones culturales–, pone de manifiesto la importancia de perspectivas teóricas que se complementan y abren paso a estudios de carácter transversales y postestrucurales cuando se valora la flexibilidad lingüística, y el espíritu de resistencia que hoy es más influyente en los estudios sociales y culturales del Caribe colombiano. Un caso particular de la situación expuesta ha sido estudiado en esta investigación. El Caribe colombiano aparece como un territorio en el cual pocas veces se realizan estudios profundos de sus problemáticas y circunstancias. La lista del gran número de autores y de obras puede considerarse como incompleta, y no sólo porque haga falta una lectura de sus obras, sino porque ciertas circunstancias históricas han hecho que, en el ámbito de la investigación académica, sean tenidos como autores de menor importancia. Esta última afirmación se sustenta en el hecho de que, por ejemplo, en el caso de López, Delgado y Artel, sus producciones poéticas y periodísticas no son tenidas en cuenta como sí lo pueden ser las de otros autores contemporáneos. Aunque es considerable que una obra literaria no debe ser loada por unanimidad, este mismo hecho no hace que la obra pierda su valor artístico y su importancia para el desarrollo histórico de la literatura y las ideas de una sociedad. El estudio que ahora concluye tuvo como uno de sus fines primordiales el 27 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA establecer una lectura de estos autores para reivindicar su importancia en el panorama literario colombiano. Se trata de autores que han recibido diversos grados de atención: desde el amplio reconocimiento de López, el discreto estudio de Artel y el casi nulo conocimiento de Delgado. Esta diversidad en la extensión y profundidad de sus reconocimientos y de sus estudios, no obstante: 1. No se había profundizado en algunas de las problemáticas centrales de sus obras. 2. No se había hecho un estudio comparativo entre las obras de los tres autores. 3. No se había realizado el análisis de sus producciones poéticas con sus producciones periodísticas. Las anteriores circunstancias implicaron, en primer lugar, un reto metodológico que permitiera abarcar la ambiciosa tarea de establecer las relaciones entre tres autores del Caribe colombiano que permitiesen aportar luces al estudio de las producciones literarias de esta región del país. En segundo lugar, también comprendió una aventura en la cual fue necesario recurrir a archivos particulares, a personas que tuvieron algún contacto con los autores –como en el caso de Carlos Alemán, editor de la obra de Delgado–, a la revisión de textos y estudios adelantados por académicos y literatos de diversas épocas. Además, los tres elementos expuestos, implicaron el desarrollo de un estudio particular en el cual fuese necesario desprenderse de algunas nociones preliminares y estudiar de manera consciente y consecuente el período histórico en el cual los tres autores desarrollaron gran parte de sus obras. A partir de los retos señalados, fue necesario establecer una forma de avanzar sobre el estudio de los tres autores a un mismo tiempo. Esto implicaba delimitar el corpus de la investigación. Al tratarse de tres autores bastante prolíficos en el ámbito de la literatura y del periodismo, era necesario encontrar un criterio que permitiese vincular sus obras. Luego de considerar que se trataba de tres autores de vital importancia para comprender el desarrollo de las letras del Caribe colombiano, fue necesario encontrar un período de tiempo que permitiese restringir el espectro de la búsqueda. Por ello se consideró el período comprendido entre 1908 y 1948, ya que marcan el período comprendido entre la publicación de Mi villorio, de López, hasta el inicio del exilio de Artel, con el comienzo del período conocido como ‗la violencia‘. En este período se encuentran algunas de las producciones más trascendentales de los autores: el ya mencionado poemario de López, su paso por La Unión Comercial, el inicio de la vida periodística de Artel así como la publicación de su emblemática obra Tambores en la noche. 28 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA Con respecto a Oscar Delgado, el estudio de su obra parecía el más complicado, ya que se trata de un autor bastante desconocido en el ámbito literario y académico nacional. Este hecho parece explicarse en la brevedad de su vida, la cual fue cortada por la violencia bipartidista en 1937. A pesar de que su poemario Campanas encendidas sólo fue publicado de manera póstuma en 1982, su obra –tanto literaria como periodística– fue producida durante el período de estudio señalado. La necesidad de abordar tanto la obra poética como periodística de estos autores se explicaba en el hecho de que entre las dos era posible establecer el pensamiento de los autores con respecto a las problemáticas propias a sus preocupaciones estéticas y a la sociedad de su época. Este presupuesto fue afortunado, ya que en el estudio adelantado se pudo establecer una perfecta correlación entre las ideas expuestas en sus obras poéticas y en sus obras periodísticas. Así, exponiendo los elementos sobresalientes de cada una de estas formas de escritura, se pudo consolidar un análisis profundo de algunas de las problemáticas planteadas por los autores. El proyecto de investigación planteó la necesidad de abordar las apuestas literarias de López, Delgado y Artel, específicamente en la primera mitad del siglo XX, para identificar el impacto que tuvieron sobre el ámbito sociocultural del Caribe colombiano y del país en general. Esto implicó analizar las construcciones estéticas y críticas que tenían sobre la creación artística, así como las prácticas políticas y culturales de la sociedad colombiana del momento. El anterior postulado permitió considerar que las obras de estos autores contienen no el influjo o el reflejo de la sociedad colombiana de los años en cuestión, sino que se nutre de sus fuerzas, de sus ―valoraciones sociales vivas‖. De modo que resulta posible afirmar que las obras de López, Delgado y Artel consiguen captar la fuerza viva de su época; transformaron este material en obras poéticas y en contribuciones periodísticas. Una vez establecida la relación de los autores con sus momentos históricos concretos, al evidenciar que efectivamente mantuvieron una perspectiva dialógica con los hechos sociales, resultó necesario ver de qué manera, al ser creadores verbales, establecieron esta misma perspectiva dialógica con la tradición de las letras colombianas. Si bien puede pensarse que se tratan de dos perspectivas completamente diferentes, es necesario considerar que las obras literarias de los autores abordados valoran las realidades sociales –incluida las realidades culturales como la tradición literaria–, desde una perspectiva que les permiten considerar los elementos de los cuales han sido resultantes, para poder efectuar la creación de su poesía y de sus contribuciones periodísticas. Toda esta perspectiva permitía consolidar la idea y el propósito de establecer un estudio con el cual la voz de estos autores pudiese ser integrada a la historia literaria e intelectual colombiana. Esta tarea permite trabajar en la tarea de descolonizar el pensamiento en el 29 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA país. Si se tiene en cuenta que la perspectiva del pensamiento enmarcado en los estudios postcoloniales permite desentrañar algunos relatos de la historia, algunas líneas de pensamiento, que no son usualmente contemplados en el canon y las historias oficiales o tradicionales. Por lo cual, este trabajo se estableció con la necesidad de configurar la historia local del Caribe colombiano en su literatura, con lo cual se pueda nutrir y fomentar nuevas lecturas de la literatura en la reciente historiografía literaria de Colombia. La anterior ambición posibilitó que, con el desarrollo de esta investigación, se partiera de algunas deficiencias en el estudio de las obras de López, Delgado y Artel para reconsiderar su aporte a la literatura y la sociedad nacionales. Se encontró que los autores establecieron procesos de resistencia cultural, consolidaron posturas y desarrollaron apuestas literarias que contribuyeron a la percepción de la identidad caribeña del momento. Lo cual supone una toma de conciencia de la realidad particular de su cultura y hacer un contrapunteo con la historia y con otras culturas, como la andina o del centro del país. 30 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA INDUSTRIAS CREATIVAS EN MÉXICO Expansión económica de la creatividad:caso Batallón 52/Kaxán Media Group Síntesis de la tesis para obtener el grado de Doctor en Creación y Teorías de la Cultura Héctor Homero Posadas En los últimos cinco años en México se observa un interés creciente por el tema de las Industrias Creativas y se han generado expectativas de crecimiento económico en torno a ellas, desde los tres niveles de gobierno: Municipio, Estado y Federación, hasta la Iniciativa Privada. De igual manera, el tema de las industrias creativas es sujeto, cada vez más frecuente de trabajos académicos y de investigación, mismos que lo consideran como un fenómeno emergente caracterizado entre otras cosas, por redefinir el concepto de creatividad como insumo de la economía. Esta relación creatividad-economía o creatividad/industria produce a nivel conceptual una mezcla terminológico en la cual oposiciones y contradicciones -al menos aparentes se entrelazan abonando a la confusión. Así, se encuentran múltiples términos adjetivados tales como: el proceso creativo, producto creativo, ciudad creativa, vitalidad creativa, sujeto creativo, espacios creativos, economía creativa, clase creativa, entre otros; estos conceptos parecen de comprensión universal entre los profesionales relacionados con el tema, pero el análisis aún superficial de la literatura y discursos relativos al tema, ponen de relieve una torre de Babel conceptual. Se suma a esto las diversas concepciones de la relación entre la creatividad, el diseño y la innovación en los diferentes espacios de la economía global. Construir un estado de la cuestión respecto al tratamiento teórico-operativo de las industrias creativas, así como de los principales conceptos asociados a ellas, y aplicarlo a un ejemplo de industria creativa, a fin de proporcionar un documento de referencia para la investigación y trabajos académicos sobre el tema. La construcción de un estado de la cuestión sobre industrias creativas posibilita además proponer y construir definiciones, esquemas o modelos que constituyan referencias documentales para futuros trabajos académicos que profundicen en los tópicos relacionados. Dicho estado de la cuestión permite un análisis de las correspondencias entre 31 DOCTORADO EN CREACIÓN Y TEORÍAS DE LA CULTURA/ ESCUELA DE ARTES Y HUMANIDADES /UNIVERSIDAD DE LAS AMÉRICAS, PUEBLA los aspectos teóricos de industrias creativas y los atributos reales de una industria creativa, que se constituye en caso de estudio. Importa entonces abordar el tema de las industrias creativas, incidiendo en un primer momento en un trabajo de sistematización documental y análisis conceptual que permita clarificar en parte el tejido teórico que apunta a las practicas del diseño y la innovación a favor de la industrialización de la creatividad y que en las primeras incursiones documentales se presenta con planteamientos desarticulados y contrastantes; y en las cuales la creatividad, siendo un concepto central, se constituye en una especie de reservorio lingüístico donde todo es creativo, donde la adjetivación del concepto lo banaliza al grado de convertirse en un concepto de moda cuyo uso carece de verdadero significado. Esta misma situación se observa cuando se analiza la relación entre industrias creativas e industrias culturales a nivel conceptual y a nivel de las políticas públicas, por lo que se ha incluso planteado la conveniencia del término economía cultural. Metodológicamente se planteó una primera etapa de búsqueda de información que sumado a la recopilación de fuentes documentales permitiera un contexto discursivo para la sistematización y clarificación conceptual inicial. Por otra parte, se establecieron vínculos con la incubadora de industrias creativas y culturales INCUBARTE y con dicenJalisco Consejo Promotor de Innovación y Diseño de ambas de la ciudad de Guadalajara, Jalisco; y además, se asistió a las primeras reuniones de trabajo para el proyecto “Puebla Capital del Diseño” en el Ayuntamiento de la Ciudad. Una primera evidencia derivada de estos foros, es que el concepto creatividad es central en el debate sobre industrias creativas y culturales así como la relación entre ambas. Tomando en cuenta que las industrias creativas son emergentes ligadas al contexto económico-político del lugar donde se desarrollan, se consideró pertinente seleccionar un caso de estudio que permitiera la observación de procesos, actores, factores en general, que en México perfilan el surgimiento y desarrollo de este tipo de industrias. Se seleccionó a Batallón 52/Kaxán Media Group, por la gran cantidad de creativos (aproximadamente 150) que posibilita la calidad y celeridad de la producción, porque corresponden al sector de las industrias de la animación y videojuegos que generan mayores ingresos en la actualidad, situada en la ciudad de Guadalajara se configura como una Ciudad Creativa Digital y del Diseño a nivel nacional e internacional. 32
