Homenaje a Picasso

Pablo Picasso
Siglo XX
El siglo XX se caracterizó por el prolífico desarrollo de diversos movimientos y tendencias artísticas, que tuvieron como principal antecedente el
Impresionismo de fines del siglo XIX. Estos movimientos, conocidos como
“Vanguardias” se suceden entre sí, en ocasiones se superponen y en otras
se contradicen; pero mantienen un común denominador en la subjetividad y
libertad creadora. Los artistas se agruparon y, en varios casos, escribieron
manifiestos en los que dejaron testimonio de sus ideas.
Conocidos como las “Primeras Vanguardias”, movimientos como el Expresionismo, Surrealismo, Cubismo, Dadaísmo, Fauvismo y Abstracción, se
ubican dentro del período que comprende principios de siglo XX y los años
entre las guerras mundiales. En ellas, el arte se aparta de lo establecido
con una idea de cambio y renovación. Luego de la Segunda Guerra Mundial
y hasta 1970, tienen lugar las “Segundas Vanguardias”, caracterizadas por
traspasar los límites del arte. Un importante antecedente de este período
se encuentra en el Dadaísmo de principios de Siglo XX. El Expresionismo
Abstracto, Arte Conceptual, Informalismo y Pop Art son algunos de los
movimientos más representativos de estos años.
Durante las últimas décadas del siglo XX, en la escena postmoderna se
desarrolló un arte que unió elementos de las vanguardias con nuevos componentes, y elaboró un lenguaje visual marcado por la libertad con que cada
artista elaboró su obra, produciéndose un eclecticismo estilístico.
"El cubismo no es ni una semilla ni un feto, sino un arte en el que el tema principal es
la forma y, una vez creada, la forma existe y vive su propia vida".
Artista español nacido en Málaga el 25 de octubre de 1881,
desarrolló su obra principalmente en París desde 1901. Su
influencia en el arte del siglo XX se basa fundamentalmente en
sus propuestas estéticas y temáticas que rompen con la tradición
clásica de representación del espacio, la naturaleza y el desnudo.
En 1907 ejecuta y presenta su obra Las Señoritas de Avignon.
Esta pintura da inicio al Cubismo, que luego, desde 1908,
desarrollará junto a Georges Braque. Se trata de una propuesta
pictórica centrada en la descomposición de las formas,
fragmentándolas y estructurándolas a través de líneas cortantes
y ángulos. Uno de los aportes técnicos de Picasso fue el collage;
por medio de la combinación de diversos materiales (papel de
diario, hule, pintura) sobre la tela, propuso una forma de expresión
artística que significó el desplazamiento de la tradicional relación
entre pintura y lienzo. Esta técnica fue muy usada por los
surrealistas y los dadaístas.
Al mismo tiempo, establece una nueva relación con la obra de
importantes artistas europeos como Ingres, Coubert, Delacroix,
Manet y Velásquez. Ejecuta estudios y ensayos de sus obras, bajo
nuevas propuestas técnicas que surgen desde su mirada.
Su obra, desde mediados de los años ’20, se orientó por nuevos
caminos que lo ligan al Surrealismo. Sin embargo, Picasso sólo
acompañó a los surrealistas en su exposición de 1925, nunca se
vinculó formalmente con este grupo.
Homenaje a Picasso
25 de octubre de 2007 al 20 de enero de 2008
El mundo español se hace presente en la obra de Picasso
desde 1935, cuando regresa a su país natal. Aparecen en él las
influencias taurinas, los grabados Minotauromaquia y obras donde
el minotauro y las corridas de toros son su tema principal.
El 1° de mayo de 1937 inicia Guernica, uno de sus lienzos más
emblemáticos. A través de una paleta cromática restringida
representa el horror del bombardeo a dicha ciudad vasca, ocurrida
el 27 de abril del mismo año.
Además de la pintura, Picasso trabajó el grabado y la cerámica.
En 1947 realizó cerca de 2.000 piezas. Al mismo tiempo, hizo importantes esculturas. En 1968 creó series de grabados con los
que retornó temáticamente el circo y los toros.
Pablo Ruiz Picasso murió el 3 de abril de 1973. Pablo Picasso
Material elaborado por la Unidad Docente del Museo Nacional de Bellas Artes.
Surrealismo
Movimiento inaugurado y definido por André
Breton, en su primer manifiesto de 1924.
Se trató de un movimiento que buscó liberar
el inconsciente del control de la razón y de
cualquier observación moral o estética. Las
técnicas surrealistas de representación fueron,
entre otras, el automatismo psíquico y el
onirismo.
Arte Informal
o Informalismo
Pintura abstracta y gestual que se desarrolló
desde mediados de los años ´40 hasta fines
de la década del ´50 del Siglo XX en Europa.
El término fue acuñado por el francés Michael
Tapié, para denominar aquella obra donde el
artista desarrolla imágenes que representan sus
inquietudes y vida interior. La ejecución de obras
de carácter informal comprometían emocional y
físicamente al artista.
Espacio ArteAbierto
Apoquindo 3457, Metro El Golf. Las Condes
Horario: Lunes a viernes, de 9 a 14 hrs.
Contacto: 2-686.05.61 / 2-686.05.70
[email protected]
Pop Art (Arte Pop)
Término acuñado en 1958 por el crítico
holandés Lawrence Alloway para referirse al
movimiento artístico que surge en Inglaterra y
Estados Unidos con el fin de representar temas
contingentes a la cultura popular, a través de
imágenes que representan el consumismo,
el poder de los medios de comunicación
masiva y la tecnología. Uno de sus máximos
exponentes, el estadounidense Andy Warhol,
trabaja sobre la base de la seriación de
imágenes que extrae principalmente del mundo
de la moda y la publicidad.
M USEO
NACIONAL
B ELLAS
ARTES
Museo Nacional de Bellas Artes
Parque Forestal S/Nº
Horario: Martes a domingo, de 10 a 18:30 hrs.
Reserva de visitas guiadas: 2-638.40.60
[email protected]
www.mnba.cl
Roy
Lichtenstein
Inspirado en Guernica de Picasso,
este grabado cita varios elementos
del lienzo emblemático del artista
español. Las figuras que utiliza
Matta son deformes y bestiales. De
una ventana emerge un hombre
que en su mano derecha sostiene
una especie de antorcha, citando a
lámpara y a la vela de Guernica. A
cada lado del grabado, una madre
sostiene a su hijo fallecido. Al lado
derecho un animal con cuernos,
asemejando un toro, se contorsiona
herido, al igual que el caballo
situado al centro. En la zona inferior,
en posición horizontal, una figura
humana sostiene un cuchillo roto,
reproduciendo el que aparece en
Guernica. Varias figuras tienen la
boca abierta, como dando alaridos
hacia el cielo. Al centro, una mano
se levanta en medio de los cuerpos,
contrastando por su color negro y
bermellón con la austeridad
cromática de la obra.
(1923 – 1997)
Richard Hamilton, Picasso’s Meninas.
Grabado y aguatinta, 57 x 49 cm.
© Richard Hamilton. All Rights Reserved, DACS 2007.
Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
Richard
Hamilton
Nacido en Nueva York, desde 1957
reinterpreta las imágenes de los comics
publicadas en los envoltorios de goma
de mascar y las funde con obras de
arte de otros autores, imitando a mano
las técnicas de impresión económicas.
Utiliza como un recurso estético las
tramas y los puntos de dichas imágenes,
ampliándolos al máximo. Aplica colores
planos y brillantes, delineando los
contornos con gruesas líneas negras.
Aprovecha la banalidad de las imágenes
de reproducción masiva de la estética
popular, para realizar una parodia en torno
al arte tradicional y, al igual que otros
artistas miembros del Pop Art, rechazar
la seriedad, la angustia y el elitismo
asociados al expresionismo abstracto.
(1922)
Artista británico considerado uno de los
principales impulsores del Pop Art en su
país. Su obra se caracteriza por poseer
un lenguaje cargado de códigos, y por la
utilización de la técnica del collage, donde
combina recortes y materiales sintéticos.
En 1956 realiza un collage titulado
“¿Simplemente, qué es lo que hace tan
diferentes, tan acogedores a los hogares
de hoy en día?”, donde incorpora diversos
elementos de la cultura de masas, como
personajes populares y objetos de
consumo, e incluyó la palabra “pop” dentro
de la composición, creando así la obra que
sería considerada un punto de partida para
el Pop Art en Inglaterra.
Roy Lichtenstein, Still life with Picasso, 1973.
Serigrafía a colores, 77 x 57 cm. Creaimagen, 2007.
Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
David Hockney, The Student, 1973.
Grabado y aguatinta, 57,5 x 44,3 cm.
Lugar de exhibición: Espacio ArteAbierto.
David
Hockney
(1937)
Artista británico vinculado al Pop Art,
debido al colorido y soluciones visuales
que poseen algunas de sus pinturas
acrílicas. Durante los años ´80 desarrolla
series de collages fotográficos a partir
de la unión de grandes cantidades de
pequeñas tomas hechas a través de una
cámara Polaroid, donde el resultado es
una escena o paisaje con una realidad
fragmentada, que en más de una ocasión
ha sido comparada con el imaginario
cubista. Hockney trabaja pintura, dibujo,
collage y grabado. Dentro de las temáticas
de su obra destaca la permanente
autoreferencia a su homosexualidad.
Roberto Matta, Hommage à Picasso.
Aguatinta a colores e impresión en relieve, 62 x 68 cm. Creaimagen, 2007.
Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
Roberto Matta (1911 – 2002)
El artista chileno apenas termina sus estudios de arquitectura viaja a París, donde participa activamente del movimiento surrealista
y traba amistad con artistas europeos como Picasso. Con el estadillo de la II Guerra Mundial viaja a Nueva York, donde toma contacto
con miembros del Expresionismo Abstracto. Tras romper con ellos regresa a Europa, desde donde ejerce influencia sobre artistas
del Informalismo, el Grupo Cobra y el “Art autre”, entre otros.
Matta conjuga el automatismo al recuperar la actividad lúdica de la mano en su paso por el soporte, entendida como un juego libre
y expresivo de líneas y formas que inventan sus propias reglas. Prolífico creador de neologismos y metáforas al momento de explicar
su obra y el rol del arte, él se definía no como un pintor, sino como un vertor que representa paisajes del ser humano, llamándolos ser-saje.
Para él dibujar y pintar era develar e iluminar la visión sobre el hombre y el mundo; abrir lo herméticamente cerrado para descubrir
lo que se oculta; mostrar la otra cara, la que nunca vemos, para poner en evidencia todas sus capacidades.
Antoni
Tàpies (1923)
Joan Miró, Pablo, 1971.
Grabado a colores, 57 x 76 cm. Creaimagen, 2007.
Lugar de exhibición: Espacio ArteAbierto.
Joan
Miró (1893 - 1983)
Artista catalán miembro del grupo Surrealista,
trabaja sus obras a partir de signos. Utiliza
formas orgánicas y geométricas como la
combinación de colores puros para representar
el mundo de las tradiciones y leyendas de Cataluña. Es uno de los representantes de
la técnica automatista de ejecución de obras
surrealistas, basada en los impulsos del
inconsciente por sobre la razón. A partir de los
años sesenta, depura aún más signos, formas
y colores, con la clara voluntad de conseguir
la máxima intensidad de la obra con el mínimo
de medios, incluso en determinados casos el
signo mismo llega a desaparecer. Utiliza una
perspectiva jerárquica, en la cual el grado de
importancia deriva de la escala de los elementos.
Dentro de sus elementos más recurrentes
figuran la mujer, la luna, el sol, las estrellas y los
pájaros. Anhela que su pintura no se constituya
en un fin en sí mismo, sino que propicie
un determinado estado de espíritu, o bien,
predisponga a la meditación.
Pintor y escultor, nacido en Barcelona,
considerado uno de los líderes del
Informalismo español. Partícipe de una
sensibilidad generalizada que afecta a los
artistas a raíz de la II Guerra Mundial y del
lanzamiento de la bomba atómica, en su obra
expresa su preocupación por temas filosóficos
inspirados en su lectura de místicos catalanes
medievales, científicos contemporáneos y
autores clásicos del pensamiento oriental.
Tàpies utiliza elementos heterogéneos
ajenos a la expresión plástica tradicional
o académica, como tierra, cuerdas, paja,
piedrecillas y polvo de mármol, entre otros,
los que mezcla con la pintura, aplicada
directamente del tubo, en forma de empastes
gruesos y granulosos, sobre los que realiza,
con los dedos y otros medios, incisiones
y surcos, a la manera de grietas, huellas,
cruces y grafismos. El objetivo final, es una
pintura de relieves y texturas rugosas, en la
que prima la materia por sobre la forma.
Antoni Tàpies, Picasso.
Litografía a colores, 57 x 75,5 cm. Creaimagen, 2007.
Lugar de exhibición: Espacio ArteAbierto.
Jiri Kolár, Hommage à Picasso III (tríptico), 1972.
Serigrafía a colores, 35 x 63 cm.
Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
Jirí
Kolár
(1914 –2002)
Nacido en Bohemia el poeta, pintor y
fundador del Grupo 42, movimiento
de vanguardia checa de orientación
surrealista, plásticamente trabajó y
ejecutó el rollage, variante del collage
picasiano y surrealista. El rollage consistía
en recortar en tiras, conocidas obras de
arte para reconstruirlas desde una óptica
contemporánea y personal. Estas obras
fueron expuestas por primera vez en
Praga en 1937. En 1950, bajo el régimen
comunista, es encarcelado por publicar
un texto considerado ofensivo para el
realismo socialista. Su lucha contra la
censura y las violaciones a los derechos
humanos (fue uno de los firmantes del Acta
77) causan el retiro de su nacionalidad,
debiendo exiliarse en París en 1980.