El dibujo como oficio: Ilustración, estampación y grabado

El dibujo como oficio: Ilustración, estampación y
grabado
.
Grabando sobre madera. De Bloody-libu en wikimedia bajo licencia cc.
Como has leído en la historia inicial, las inquietudes por el dibujo se pueden concretar de
muchas maneras cuando las llevamos a la realidad: Artes gráficas y decorativas, ilustración,
moda, cómic, etc.
En este tema queremos que conozcas un poco más el campo de la ilustración. Es muy
amplio, te daremos una visión general y nos acercaremos algo más a la ilustración infantil y
el cartelismo, dos mundos en los que el dibujante puede desarrollar toda su creatividad.
Y cuando hablamos de ilustración tenemos que hacerlo también sobre la imagen impresa,
que siempre ha estado relacionada con el trabajo del ilustrador. Las técnicas sobre las que te
vamos a hablar son del grabado y la estampación, que de por si constituyen un terreno
artístico independiente. En estos apartados vas a ver no solo los trabajos acabados, sino
también los procesos completos mediante vídeos explicativos, para que te familiarices con
los materiales y los distintos procedimientos.
1. La ilustración
Entendemos por ilustración una imagen que
acompaña a un texto, una noticia, o que anuncia un
evento. En definitiva, ayuda a crear una imagen
mental (una imagen vale más que mil palabras),
que pone en situación al lector, anima al futuro
espectador a asistir un espectáculo o es la imagen
que ayuda a la venta de un producto.
Sin embargo, esa funcionalidad de la imagen no le
resta en absoluto importancia como obra de arte. El
estilo personal del ilustrador se desarrolla en este
campo al igual que en otros, no olvidemos que
muchas de las grandes obras de la pintura o la
escultura también han sido encargos privados, de la
iglesia o del estado.
Si hablamos del aspecto técnico, los medios de los
que dispone el ilustrador han ido evolucionando:
Dibujos, grabados, pinturas, utilización de
fotografías, y actualmente la incorporación de los
medios informáticos, que no solo han ampliado sus
posibilidades creativas, sino que han supuesto un
nuevo ámbito en el que trabajar.
En la imagen un dibujo de 1907, de Arthur Rackham
para Alicia en el País de las Maravillas. Para verla a
mayor resolución pulsa aquí .
De Obakeneko en wikimedia bajo dominio público
1.1. Breve historia de la ilustración
Códice (1584). De St. Brigit en wikimedia bajo dominio público
Algo de historia
La ilustración se remonta a la Antigüedad, los libros manuscritos ya eran acompañados
por imágenes. Esas ilustraciones eran obras únicas hechas a mano, aunque posteriormen
se les hicieran copias, también a mano.
Con la llegada de la imprenta , en el siglo XV, gracias al alemán
Gutemberg, las nuevas técnicas de impresión permitieron
reproducir textos en serie y acompañarlos con imágenes. Había
nacido una nueva época para el mundo de la cultura y, por
extensión, de la ilustración.
En el siglo XVII es importante la figura de Comenio (Jan Amos
Comenius). Considerado el padre de la pedagogía moderna,
comprendió y dio gran importancia al libro de texto ilustrado, y a la
imagen como medio para amenizar el aprendizaje del niño y
estimular su imaginación. A la hora de repasar lo aprendido, es
más fácil recordar y entender un texto si lo relacionamos con una
ilustración.
Fragmento de la Biblia de Gutenberg. De Axelboldt en wikimedia bajo dominio público
En el siglo XIX se vive la primera época dorada del ilustrador,
gracias a la Revolución Industrial y las nuevas técnicas de
impresión, que posibilitan grandes tiradas y la comercialización
en serie de libros y revistas, que eran uno de los grandes
medios para el entretenimiento de la sociedad. La litografía, de
la que te hablaremos más adelante en otro apartado de este
tema, fue clave para la reproducción de imágenes gráficas. En
1851, con la invención de la cromolitografía, las imágenes se
llenaron de color y propiciaron la llegada del cartel publicitario,
coincidiendo a finales de siglo con un auge de las artes
decorativas y el nacimiento del Art Nouveau.
Durante el siglo XIX son nombres destacados en el mundo de la
ilustración: William Blake, Gustavo Doré, Arthur Rackham,
Aubrey Beardsley, Jules Chéret, Alphonse Mucha, TolouseLautrec, etc.
En el cartel de la derecha, de 1899, aparece la bailarina Jane
Avril, retratada en varias ocasiones por Tolouse-Lautrec, una
obra que destaca por su simplicidad y dinamismo, que
curiosamente no agradó mucho al empresario de la artista.
De Paris 16 en wilimedia bajo dominio público
A finales del siglo XIX la fotografía se había incorporado como recurso para la reproducción
de imágenes y a lo largo del Siglo XX se desarrollaron aún más las técnicas de impresión, lo
que acabó por dar una libertad total al ilustrador, que ya no se hallaba limitado por las
posibilidades de unos cuantos procedimientos gráficos, ya que fuera cual fuera la naturaleza
del diseño, era fácilmente reproducible de forma fácil y en gran cantidad.
Temáticamente, fueron muy relevantes las dos Guerras
Mundiales, sin olvidar la Guerra Civil en España, para las que se
diseñaron infinidad de carteles. Por otro lado, el desarrollo y la
producción industrial aumentaron la demanda publicitaria, y la
gran variedad de productos exigía una diferenciación de cara al
público mediante la imagen y la tipografía específica para cada
marca. Avanzando el siglo, se multiplicaron aún más los
mercados para el diseño, por ejemplo el mundo de la música,
los cientos de revistas y finalmente, los nuevos medios más allá
del papel: La televisión, la era digital e internet en el que nos
hayamos inmersos, en la que no solo las grandes empresas,
sino cada persona, de forma individual, puede expresarse y
mostrar su propio mundo fantástico y creativo.
Estéticamente, el agitado comienzo y evolución del siglo XX dio
alas a los creadores. El mundo visual se enriqueció con las
propuestas del cubismo, surrealismo, expresionismo,
abstracción geométrica, Pop, etc. En los años sesenta la
psicodelia aportó un mundo de imágenes del que estamos
bebiendo aún hoy en día.
Cartel de 1935-36. De MultichillT en wikimedia bajo dominio público
1.2. Ilustradores con mucho cuento
Dibujo de Raúl Nieto Guridi . Imagen cedida por el autor
En este apartado queremos acercarte al papel de la ilustración en la literatura, pero hemos querido
resaltar muy especialmente el de la literatura infantil y juvenil. Si hay un mundo en el que el
ilustrador se encuentra a gusto, es en el del niño, en el que la fantasía, la inocencia y la magia son
habituales.
La imagen tiene la función de hacer más entendible o recrear artísticamente un pasaje concreto
del relato, amenizar la lectura del niño y ayudarle en la construcción de ese lugar imaginario...
Hacer realidad lo imposible.
Un dibujo expresivo
La principal cualidad del dibujo que ilustra el cuento es la expresividad, no tiene por qué ser
académico. Jugar con la desproporción, lo inusual, la simplicidad y un buen uso del color son
recursos a tener en cuenta.
Un buen ejemplo de ello es el trabajo del ilustrador
andaluz Raúl Nieto Guridi . Sus dibujos tienen ese
"algo" que nos hace sonreír, una gracia especial sin
dejar de ser elegantes. Es un gran dibujante con
mucha imaginación. Nos gusta la reflexión que hace en
su blog:
El flautista de Hamelin, por Raúl Nieto Guridi.
Imagen cedida por el autor
"Lo que más me gusta como ilustrador es mirar todo e
proceso y relacionarlo con momentos, estados,
pensamientos, es muy parecido a ver crecer un hijo;
frustraciones, miedos, alegrías, días buenos, días
malos, reconocerlo, reconocerte, saber de él,
aportarle, que te aporte, en fin, ser padre de una
criatura que después se enfrentará por sí misma a los
demás, con mucho de ti y mucho de los demás.
Los demás verán el resultado, pero el proceso... se
queda en ti." Raúl Nieto Guridi
Para ver sus trabajos visita estos enlaces:
Blog de Raúl (lo actualiza frecuentemente),
En primera persona
Siempre que te mostramos un campo artístico, intentamos acercarte no solo a la técnic
también a la manera de trabajar de los creadores, sus recursos, a cómo surgen las ideas y a los
momentos clave en la gestación de la obra.
La ilustradora vasca Elena Odriozola , premiada por el Ministerio de Cultura en 2006 por su
trabajo en "La princesa que bostezaba a todas horas" opina sobre la vinculación entre la imagen
y el texto:
"Intento transmitir lo que veo en el texto y algo más. Dar mi punto de vista sin limitarme a dibujar
literalmente lo que está escrito".
Debajo a la izquierda te mostramos un catálogo de una exposición de dibujos suyos (pu
la imagen para verlo ampliado). A la derecha, una breve entrevista en la que nos habla de su
trabajo.
Observar, dibujar
Otro momento importante, el del boceto . La ilustradora británica Sarah Dyer trabaja para
hacer un libro del Zoo de Londres para niños. Fíjate en el proceso, ¿recuerdas cuando te
hablábamos de la importancia de la observación mediante el dibujo del natural? Pulsando sobre la
imagen inferior izquierda o aquí accederás al vídeo. Aunque está en inglés lo comprenderás, la
verás haciendo bocetos dentro del zoo, y posteriormente en el estudio llenando cuader
dibujando y haciendo anotaciones, seleccionando ideas y desechando otras, hasta que f
presenta el trabajo al editor.
Si te interesa, en este otro enlace de la misma página puedes ver otros vídeos sobre las técnicas
de trabajo de esta artista.
Y aún más, en el apartado activities abrirás picture book maker , una aplicación interactiva en la
que puedes editar tu propio libro infantil, ilustrado con los dibujos de Sarah Dyer. Hay distintos
fondos, animales escalables y con distintas posturas a seleccionar, además de objetos y plantas
para completar la escena. Una vez finalizado puedes enviar el resultado por correo o imprimirlo.
Es una aplicación para niños, pero es divertida y verás las interpretaciones de los distintos
elementos bajo la mirada de Sarah.
Proceso de trabajo de Sarah Dyer. Captura del vídeo
Captura de Picture Book Maker
Enlaces de interés
Enlaces de interés
Hay muchos enlaces interesantes en los que puedes ver buenas ilustraciones. Te
recomendamos que si tienes un ratito visites estas páginas:
Pencil ilustradores . Es una agencia, te enlazamos la página en la se ven los portafolios
de los ilustradores.
El blog de ilustrarte . Un blog con noticias, artículos interesantes, entrevistas y enlaces
a páginas de ilustradores (apartado amigos).
Directorio de ilustradores . Directorio de ilustradores profesionales. Ilustración infantil,
juvenil, cómic, editorial… Portafolio y biografía del ilustrador. Ilustraciones de to
técnicas y estilos.
Directorio de webs de ilustradores de OpticksMagazine
1.3. El cartel
Vista de Times Square en Nueva York. De Tm en wikimedia bajo licencia cc.
El cartel es uno de los grandes campos de la ilustración y el diseño, de la imagen difundida para
masas. Además, es el símbolo de cada sociedad en la que se ha realizado, del mundo de
imagen, de la evolución en el consumo y del papel de la publicidad dentro de la sociedad. Fíjate en
la fotografía superior, tomada en Nueva York, inundada de carteles luminosos.
«‹›»
Presentación sobre el cartel y su evolución desde sus orígenes
Los dos elementos que componen el cartel son la imagen y el texto. Un buen cartel es
ambos aspectos funcionan conjuntamente haciendo un todo atractivo y útil para el espe
La imagen
La imagen lleva el mayor peso en la parte estética, la de hacer atractivo el conjunto, pero también
tiene una función informativa, es el símbolo que resume la idea.
¿Y cómo se consigue esto...? Pues hay que buscar imágenes que sean atractivas y que t
relación con lo que se quiere contar. Y deben ser originales, por supuesto. No vamos a entrar de
lleno en lo que sería el mundo de la publicidad, pero si es interesante que conozcas algunos
recursos.
Una buena forma de entrar en materia cuando necesitamos ideas es hacer un listado de
que estén relacionadas con la temática en la que trabajamos. Por ejemplo, imagina que
hacer un cartel sobre fútbol, el listado podría ser: Balón, césped, portería, equipo, rivalidad,
árbitro, equipos, colores, multitud, etc. Son diferentes conceptos, unos más concretos y otros má
abstractos, y cada uno te llevaría a seleccionar una imagen diferente.
La metáfora se establece cuando representamos un concepto sustituyéndolo por otro porque
existe una característica o cualidad común entre ambos. Es como cuando hablamos en do
sentido, por ejemplo, cuando decimos que una persona tiene "cabellos de oro" lo que q
decir es que es rubia. Esto es muy útil en el mundo de la imagen publicitaria ya que debe ser
sugerente, jugar con el espectador, hacerle un guiño para captar su atención y entablar un diálogo
con él. Si contamos la idea de la manera más evidente no conseguimos la sorpresa.
De Jedudedek en wikimedia bajo d. público
De Hux en wikimedia bajo dom. público
De Herederos de Rowan en Flickr bajo licencia
creative commons
En las tres imágenes superiores se han utilizado distintos recursos.
La primera es un cartel de Jules Chéret, de los principios del cartelismo. Es una imagen muy
artística basada en el dibujo y la pintura. En cuanto al significado, nos cuenta el mensaje sin
muchos rodeos, muy literalmente.
La segunda es una llamada al ejército. Se ha utilizado el recurso de la personificación
(Estados Unidos) se representa mediante una persona, el Tío Sam. Fíjate también en el
imperativo del mensaje, un recurso muy publicitario, el Tío Sam no te ruega que te alistes en el
ejército, te lo exige y te señala con el dedo. La imagen sigue siendo muy pictórica.
En la tercera imagen pertenece a una campaña publicitaria de nuestra época. Existe un
metáfora , se han comparado las preocupaciones a un peso material, y a la vez es una
hipérbole (una exageración). En cuanto al tipo de imagen, se ha utilizado la fotografía y se h
hecho un montaje con medios digitales.
El texto
La función del texto es completar la información y concretar el mensaje, pero también tiene una
función estética y el tipo de letra debe estar en conexión con la temática. El poder visual de la letra
es tan fuerte que a veces asume también el papel de la imagen y el cartel prescinde de la imagen y
está compuesto solo de letras.
Actualmente, cualquier procesador de texto o programa de retoque fotografico dispone
gran variedad de letras. En Internet también hay multitud de páginas en las que puedes encontrar
diferentes tipos. Una de ellas es Publispain (si navegas un poco en el mismo sitio irás viendo
muchas más).
En la asignatura de Diseño puedes encontrar más información sobre tipografía, en este enlace
recomendamos muy especialmente el apartado 3.
2. Grabado
El grabado es una técnica de impresión. El dibujo no se realiza
directamente sobre el soporte, sino que se hace previamente
sobre una superficie rígida llamada plancha o matriz . Sobre
esta matriz se deja una huella y posteriormente se entinta y se
estampa sobre la superficie a la que queramos transferir el
dibujo.
El tratamiento que se da a la plancha condiciona el modo de
entintado. Un proceso que se debe tener en cuenta en la
concepción del dibujo, ya que cada técnica tiene unas
posibilidades gráficas diferentes.
Autorretrato. Rembrandt. Grabado al
aguafuerte. De Dmitry Rozhkov en wikimedia
bajo d. público
Cuando tenemos la matriz grabada, podemos obtener varias
copias del dibujo, la obra es seriada . Según la naturaleza de
la plancha se pueden imprimir distinto número de copias sin
que haya un desgaste que no proporcione una reproducción
fiable.
El grabador no sabe cuál va a ser el resultado de su trabajo
hasta que lo estampa, por lo que se suele hacer lo que se llama
una prueba de artista .
Nomenclatura
Al ser una obra reproducida múltiples veces, lo que se llama hacer una tirada , cada
ejemplar se numera para saber el puesto que ocupa, su valor será mayor si es de los
primeros ya que la matriz se va desgastando.
Esta numeración se indica en la obra de la siguiente manera: 1/25 . La segunda cifra indica
el número de copias de la tirada, la primera cifra indica el lugar que ocupa el ejemplar en la
tirada.
Aparte de esta numeración, si cuando se han realizado las pruebas de artista se han hecho
varias copias, estas también se numeran indicándolo de la siguiente manera: P/A 1/30
Existen más conceptos relacionados con la numeración, pero vamos a centrarnos en el
aspecto que nos interesa, que conozcas las diferentes técnicas.
Para saber más
Vamos a recomendarte una página en la que puedes consultar casi todo sobre grabado y
estampación. Contiene tanto técnicas tradicionales como artículos sobre arte moderno.
trata del blog de técnicas de grabado de María del Mar Bernal Pérez, profesora de gra
la Facultad de Bellas Artes de Sevilla:
http://tecnicasdegrabado.es/
¡Échale un vistazo a la página y verás la de cosas que se pueden hacer en el grabado!
2.1. Xilografía y linóleo
En estas dos técnicas de grabado la parte que se entinta
es la que queda en relieve, la no está tallada, por ello se
denominan técnicas de grabado en relieve . Se
realiza con una gubia extrayendo del material "los
blancos" del dibujo.
La imagen de la izquierda es un grabado del artista
alemán Kirchner, del que ya te hemos hablado en otros
temas, quien utilizó la xilografía ya entrado el siglo XX.
El manejo de la gubia, que debe ser anguloso dada la
naturaleza del material, la madera, influyó en su estilo
pictórico expresionista.
Pareja desnuda en el sofá. De Mefusbren 69 en wikimedia bajo dominio público
En la xilografía (del griego xilón:
madera) la plancha o matriz utilizada
es de madera. Es de las técnicas más
antiguas, se conoce su uso en
Occidente desde el siglo XIII.
Dada la naturaleza del material, la
veta de la madera se aprecia en el
resultado, lo que le da un aspecto
característico, que varía en función
del tipo de madera y de cómo se
haya realizado el corte para sacar la
plancha del árbol. La dirección de la
veta también ha de tenerse en
cuenta para realizar el dibujo,
pudiendo ir la gubia a favor o
transversalmente a ella.
Las maderas mejores son las más
duras, el cerezo, peral...; pero
actualmente también se utilizan
contrachapados.
El linóleo es un material artificial,
su uso primero es para revestimiento
de suelos, pero dadas sus
características es fácilmente tallable
con gubias o "cuter", por lo que es
útil para el grabado en relieve.
Trabajarlo es tan fácil que se utiliza a
nivel escolar. La concepción del
grabado en este material es similar a
que se hace sobre madera, pero el
linóleo es liso, no tiene vetas y las
tintas que se obtienen son planas.
Aunque el vídeo es algo más largo,
es interesante que lo veas porque te
muestra todo el proceso y los
distintos materiales que se utilizan:
Gubias, tórculo, rodillo de entintado,
etc.
2.2. Calcografía
El caballero, la muerte y el diablo. Detalle. Durero. De Carabombo en wikimedia bajo dominio público
La calcografía es un método de grabado en hueco . En el grabado en hueco la parte que
queda entintada es la que se ha depositado en los surcos de la matriz, en las partes más
profundas.
El material utilizado tradicionalmente para la plancha es el metal, el más usual por sus
características es el cobre, pero también se pueden utilizar el hierro, cinc, acero, etc. Mucho
más reciente es el metacrilato, que como sabrás es un plástico rígido y que se puede rayar
fácilmente.
Para realizar el dibujo se utiliza un buril , que extrae el material
con facilidad, aunque requiere cierta destreza. También puede
utilizarse una punta seca , una especie de punzón que araña
la superficie, en este caso los surcos son menos profundos y la
duración de la plancha es menor, esto quiere decir que se
pueden realizar menos copias.
Buriles. De Sokoljan en wikimedia bajo
licencia cc.
Se aplica la tinta con un rodillo y después se retira con una
muñequilla para dejarla exclusivamente en los surcos del dibujo.
Después pasamos al tórculo y estampamos el grabado sobre el
papel.
Este vídeo explicativo, continuación del que has visto en el epígrafe anterior te muestra todo
el proceso y cómo se utilizan los materiales de los que te hemos hablado:
2.3. La acción del ácido
En este apartado incluimos las técnicas de
calcografía indirecta , es decir, aquellas en las
que la labor de grabar la hace el ácido. Las planchas
metálicas son sensibles a la acción del ácido. Esta
acción se llama mordida , que es mayor cuanto
más tiempo está el ácido en contacto con el metal.
De esta reacción química se derivan varios tipos de
grabado.
Aguafuerte
Es la técnica más tradicional, aguafuerte es la forma
de denominar a la solución compuesta por agua y
ácido nítrico, donde se sumergirá la plancha para
realizar la mordida.
Lo primero que se hace en esta técnica es cubrir la
plancha con una capa de barniz que la protege de la
acción del ácido, se espera a que esta capa
cristalice. A continuación se dibuja con un estilete o
punzón, rayando sobre el barniz, en este caso la
fuerza que se hay que hacer es menor que en la
calcografía directa, lo que permite un dibujo de
mayor precisión.
A continuación, como ya hemos dicho, se sumerge la
plancha en el ácido y este muerde las zonas
desprotegidas y graba el dibujo sobre ella. Una vez
terminada esta fase, se remueve el barniz y se
procede al entintado y estampado, exactamente
igual que en la calcografía directa.
El sueño de la razón produce monstruos. Aguafuerte. Goya. De Ecelan en wikimedia
bajo dominio público
Barniz blando
Esta técnica es muy parecida a la anterior, la diferencia es que en este caso el barniz
utilizado no cristaliza, se realiza una mezcla que es de tipo graso, lo que permite que
podamos dibujar simplemente con un lápiz, e incluso realizar texturas, por ejemplo con un
trapo. Una vez realizado el dibujo sobre la matriz, el proceso es igual al del aguafuerte.
Aguatinta
Aunque no vamos a profundizar demasiado, te diremos que es una técnica que permite
trabajar con manchas, evita el entrecruzamiento de líneas que se produce en el aguafu
con el que se combina muchas veces.
Seguimos con el vídeo que nos muestra las distintas técnicas de grabado, esta vez nos
sobre el aguafuerte.
3. Estampación
Piedra litográfica. De AndreasPraefcke en wikimedia bajo dominio público
Cuando hablamos de grabado y estampación, nos movemos en terrenos en los que es difíc
establecer diferencias. Por eso es frecuente que en muchos manuales no se haga
prácticamente distinción entre ellos.
Se obtiene una estampa cuando tenemos una matriz y después de ser entintada o pintada
se transfiere al papel, tela, etc. Esto sucede ya en el grabado, como acabas de ver.
Nosotros hemos incluido en el epígrafe "estampación" lo que también se denominan
técnicas planográficas . La diferencia con el grabado es que en la matriz no se produce
ningún tipo de incisión, es plana, todo está al mismo nivel. Por tanto, para elaborar dicha
matriz no se usan buriles, gubias, punzones, etc.
Las técnicas de estampación o planográficas, como prefieras, de las que te vamos a ha
son la litografía , serigrafía y monotipo .
3.1. Litografía
La litografía se basa en el principio de atracción y repulsión entre el
agua y lo graso. Como decíamos, es una técnica de estampación
planográfica, es decir, no hay incisiones en la matriz, todo está al
mismo nivel.
La plancha que se utiliza es una piedra caliza, de ahí su nombre (del
griego litos-piedra y grafía-escritura). Sobre la piedra se dibuja con
lápiz de grafito y tintas grasas. Después se fija el dibujo, se humedece
la piedra y se procede al entintado. La tinta solo se queda donde se ha
dibujado previamente. Para realizar estampaciones a color se
necesitan varias planchas.
Inventada en 1796 por el alemán Alois Senefelder y aunque ya está en
desuso, la litografía supuso un cambio en las técnicas de impresión,
ya que el artista no necesitaba saber grabar, solo tenía que dibujar
directamente sobre la piedra. Es un procedimiento que se asemeja
mucho al dibujo y a la pintura. La rapidez en la preparación de la
plancha, la posibilidad de incorporar texto de una manera fácil y las
tiradas de gran número de copias hicieron que esta técnica fuera muy
usada para la realización de carteles y la difusión de ideas políticas.
De esto te hemos hablado ampliamente en apartado primero de este
tema, dedicado a la ilustración.
Aunque la litografía ha sido utilizada por muchos artistas, los que la
han hecho más popular han sido los carteles modernistas de Jules
Chéret, Alphons Mucha y Henri de Tolouse-Lautrec.
Gismonda. Cartel de Alphons Mucha. 1894. De
Grendelkhan
en wikimedia bajo dominio público
En esta parte del vídeo sobre técnicas de impresión que te estamos mostrando en difer
epígrafes se explica todo el proceso de la estampación litográfica.
3.2. Serigrafía
Esta técnica, de origen milenario, permite hacer
estampaciones sobre diferentes materiales, es muy
frecuente su uso sobre prendas de ropa.
Básicamente, consiste en hacer pasar la tinta a
través de una malla que previamente se ha sellado
por las partes que no contienen el dibujo.
Preparación de la malla
La malla se tensa sobre un marco y tendremos la
matriz. Para el sellado se suele utilizar una emulsión
fotosensible, es decir, que es sensible a la luz. Por
ello, para pasar el dibujo a la matriz se utiliza un
procedimiento como en una ampliadora fotográfica.
De Camisetasbaratas en wikimedia bajo licencia cc.
Se prepara un fotolito que es el negativo de la
imagen. Después de transfiere a la emulsión, que
reacciona al contacto con la luz. Finalmente, se lava
la matriz y la parte de la emulsión que no ha
reaccionado se disuelve con el agua.
Estampación
Para transferir la imagen a la tela o a cualquier otra
superficie se extiende la tinta sobre la matriz con un
rasero.
Si se desea una imagen en varios colores hay que
preparar distintas matrices.
De Harrywad en wikimedia bajo licencia cc.
En la imagen las letras te indican: A-Tinta, B-Rasero,
C-Parte que ha quedado sin emulsión por la que se
transfiere el dibujo, D-Parte con la emulsión
endurecida, E-Matriz con el marco que hace de caja,
F-Imagen transferida.
Para que veas el proceso en movimiento, te mostramos un vídeo en el que se estampa un
camiseta.
3.3. Monotipo
El monotipo es una estampación en la que se obtiene una sola copia. La plancha, de ma
no absorbente, se trabaja con pintura fresca, normalmente de tipo graso ya que se sec
lentamente. Luego se estampa, obteniéndose un resultado que debido a las característi
del procedimiento no se puede repetir.
Esta técnica te puede resultar muy interesante, es fácil de realizar en casa, ya que no
necesita materiales especiales, puede bastar con un acetato o un cristal, pintura o tinta y
papel. Puedes conseguir resultados muy buenos y sorprendentes.
Monotipo con pintura
La forma más sencilla de trabajar el monotipo es con pintura de tipo oleoso para evitar el
secado rápido, sobre una superficie no absorbente, por ejemplo un acetato. Si la matriz es
transparente, podrías colocar debajo una imagen que te sirviera de referencia.
El siguiente paso es estampar, el resultado variará dependiendo del soporte (papel, madera,
etc.). Este se puede ambientar previamente con alguna textura, o conseguir efectos
diferentes e imprevisibles si se humedece con disolvente. Es un campo muy amplio para
experimentar.
Una vez terminada la estampación se puede retocar el trabajo para darle un mejor acab
Hay muchos vídeos en Youtube con variaciones de esta técnica. Hemos seleccionado uno
que nos ha parecido interesante para que puedas hacerlo en casa de una manera sencill
ESTAMPACIÓN CON EL CUERPO HUMANO
¿Alguna vez has llenado tu mano con pintura y la has
estampado sobre un papel? Algo parecido era lo que hacía el
artista francés Yves Klein, solo que él utilizaba el cuerpo de la
mujer como matriz de estampación. A estos trabajos los
llamaba "antropometrías", y están a medio camino entre la
pintura y la " performance ", ya que estas estampaciones se
realizaban ante el público.
En la imagen, una antropometría de Yves Klein, óleo sobre
papel. Como ves, ha estampado varias veces el cuerpo sobre
el papel.
De Paul Brady en Flickr bajo licencia cc.
Aula taller
Realiza una serie de monotipos, tal y
como has visto en el apartado 3.3.
Recuerda, los materiales que necesitas
son:
-Acetato o cristal
-Papeles.
-Pintura. Si es grasa es mejor, pero
puedes utilizar también acrílico o témpera,
siempre que seas un poco rápido para
que no se te seque.
Realiza primero una serie de monotipos
abstractos . Puedes utilizar varios
acetatos para ir superponiéndolos sobre
el papel. Si humedeces el papel,
obtendrás resultados diferentes.
Otros recursos, rayar el acetato una vez
pintado para sacar líneas blancas o utilizar
plantillas que protejan algunas zonas del
papel.
Monotipo.
De Alessandro Canella en Flickr bajo licencia cc.
Luego puedes probar a trabajar sobre una
imagen en una fotografía, pones al
acetato transparente sobre ella y vas
pintando. No olvides que al estampar la
imagen saldrá al revés. Al igual que con la
imagen abstracta, puedes utilizar varios
acetatos para las diferentes partes de la
imagen.
Para facilitarte el trabajo, es preferible que
trabajes en un tamaño pequeño, por
ejemplo de medio folio.
Aquí tienes un taller de estampación de
camisetas totalmente online. Puedes
elegir el tipo de prenda (Edit type),
diseñar la parte delantera o trasera (go to
back/front), indagar entre sus galerías de
imágenes y clips (Add ClipArt), sus
tipografías (Add Tex), formas (Add
shapes), colores (edit color), etc.
También puedes subir tus propios
archivos de imágenes (upload your own
image) y combinarlos en el programa.
Está en inglés pero es muy visual y
rápidamente encontraras los recursos que
dispone.
Para acceder, clica en BlueCotton Desig
Studio .
El programa está diseñado para realizar
encargos a través de esta web, pero si lo
que quieres es guardar el tuyo, tendrás
que hacer una captura de pantalla.