1 ÍNDICE 1. Música religiosa y profana en la Edad Media 1.1. Canto

TEMA 6. LA MÚSICA CULTA (I): EDAD MEDIA, RENACIMIENTO Y BARROCO
ÍNDICE
1. Música religiosa y profana en la Edad Media
1.1.
Canto Gregoriano
1.2.
La música de los trovadores
1.3.
Los instrumentos en la Edad Media
1.4.
La polifonía
2. El renacimiento
2.1.
Características de la música renacentista
2.2.
Polifonía religiosa
2.3.
Polifonía profana
2.4.
Música instrumental
3. El Barroco
3.1.
Características de la música barroca
3.2.
Música religiosa barroca
3.3.
Música instrumental barroca
4. Actividades
Asignatura: música
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Profesor: Gonzalo Fernández
1. MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA EN LA EDAD MEDIA
La Edad Media abarca desde la caída del Imperio Romano en el siglo V (año 476 d.C.)
hasta la caída de Constantinopla en el siglo XV (año 1453) o, en ocasiones, se puede
considerar que el fin de este periodo es el descubrimiento de América, en el año 1492. Para
concretar, en cuanto a música, nos referimos al periodo que abarca desde el siglo V hasta
el XIV.
Para realizar una correcta situación y entender el por qué de la música en esta etapa,
debemos hacer una aproximación al contexto histórico en base a lo siguientes apartados:
-
Sociedad Feudal (pirámide social) à pueblo llano, nobles, clero y rey.
-
Sociedad Teocéntrica à Dios es el centro y medida de todas las cosas, el hombre
cobra sentido a partir de su referencia a Dios (no es extraño que en estas
circunstancias todo el ámbito cultural esté marcado con el sello de la religión). La
ciencia, la filosofía, el arte, etc., estaban sometidos a los objetivos utilitarios de la
Iglesia.
-
Sociedad rural à el medio de supervivencia era la agricultura y ganadería, por lo
que la mayoría de las sociedades eran rurales sometidas bajo el poder de nobles,
clero y reyes.
En este contexto, la música tiene mucha dependencia de la religión pero existe una
tendencia opuesta que no depende de la Iglesia, de tal manera que debemos realizar una
separación entre música religiosa (Canto Gregoriano) y música profana (juglares y
trovadores). No obstante, cabe pensar que ambas tendencias no eran opuestas la una a la
otra, sino que lejos de ser estamentos separados, influían la una en la otra.
1.1. CANTO GREGORIANO
El Canto Gregoriano debe su nombre al papa Gregorio I (papado del año 590 al 604), no
porque fuera él quien lo inventó, sino porque fue bajo su papado cuando se recopilaron
todos los cantos y se potenció como un tipo de oración para dar culto a Dios. Por lo tanto,
fue Gregorio I quien unificó, recopiló y reguló estos cantos en la liturgia.
El Canto Gregoriano es el canto oficial de la Iglesia, siendo una música que intenta acercar
el hombre a Dios, fruto de una sociedad principalmente religiosa y en la que la Iglesia tenía
un gran poder. La música acompaña al texto, siendo éste el protagonista y la parte esencial
del canto: sin texto pierde su valor y significado. No debemos olvidar que es una oración a
la que se subraya su carácter mediante el canto.
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Profesor: Gonzalo Fernández
Por último, y antes de señalar de sus características, el Canto Gregoriano se ha transmitido
de manera oral hasta el siglo VIII, momento en el que aparece la notación neumática.
Las características del Canto Gregoriano son:
a) Es un canto vocal realizado a capella, es decir, sin acompañamiento instrumental.
b) Presenta una textura monódica, todos cantan a la vez una misma melodía.
c) Ritmo libre: este canto escapa a cualquier intento de marcar el pulso, de igual
manera que es imposible aplicar un patrón rítmico cerrado al habla. El ritmo que
presenta es flexible, ya que depende directamente del ritmo que marquen las
palabras y frases del texto.
d) Línea melódica fluida: cada melodía se divide en frases y periodos, que se
corresponden con las frases y periodos del texto.
e) Música modal: a diferencia de la música actual, este canto presenta un uso de
modos (predecesores de nuestro sistema tonal).
f)
Canto colectivo: realizado siempre por un conjunto de cantantes varones y
tradicionalmente monjes.
g) Repertorio anónimo, no se conoce el autor.
h) Texto en latín
i)
Canto religioso con un gran carácter litúrgico: se usaba (y actualmente se sigue
utilizando) en la mayoría de las ceremonias litúrgicas.
j)
Notación neumática.
k) Su principal objetivo es realzar la palabra de Dios.
El Canto Gregoriano se puede clasificar según la manera de cantarlos, dando lugar a los
siguientes tipos:
-
Antifonales: se alternan dos coros
-
Responsoriales: alternan solista y coro
-
Directos: sin alternancia, todos cantan lo mismo
Por último, hay una segunda clasificación dependiendo de la relación entre las notas y el
texto:
-
Silábicos: a cada nota le corresponde una sílaba, el texto fluye con la melodía de
manera natural.
-
Melismáticos: algunas sílabas tienen tres o más notas (esto se llama melisma)
-
Adornados o neumáticos: todas las sílabas tienen dos o tres notas.
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Profesor: Gonzalo Fernández
Como hemos visto, el canto gregoriano se comenzó a transmitir de manera oral hasta que
llegó un momento en el que surgió la necesidad de escribir los cantos ante la dificultad de
recordar todas las melodías de memoria. Surge así la primera notación con unos signos
llamados “neumas”, que indicaban la dirección de la melodía (ascendente o descendente),
tal y como puedes observar en la siguiente imagen:
Posteriormente se inventó la notación cuadrada, reflejada en el siguiente ejemplo:
Se atribuye a Guido d’Arezzo (995-1050), monje benedictino, la invención de las cuatro
rayas que se denominan tetragrama, donde se colocan todas las notas. El nombre de las
notas que puso son: UT RE MI FA SOL LA SI. ¿De dónde proceden estos nombres?
Proceden de una oración dedicada a San Juan Bautista, es la siguiente:
Himno a San Juan Bautista (Primera Estrofa)
Ut queant laxis
Re sonare fibris
Mira gestorum
Famuli torum
Solve polluti
Labii reatum
Para que tus siervos
Con cuerdas amplias
Hacer sonar puedan
Lo admirable de tus gestas
Quita del labio impuro
La mancha
Sancte Iohannes.
Oh San Juan.
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1.2.
LA MÚSICA DE LOS TROVADORES
El movimiento trovadoresco surge en el sur de Francia en el siglo XI y se extendió de manera
muy rápida por toda Europa. Es un movimiento que realza el amor, canta temas más
humanos y se interpreta principalmente en las cortes y palacios.
Los trovadores eran personas de clase alta (muchos de ellos eran reyes), con formación
académica. Frente a ellos situamos a los juglares: procedentes de clases bajas, cantaban
de pueblo en pueblo y solían usar canciones de otros (los trovadores componían sus propias
canciones).
Destacamos las figuras trovadorescas de Alfonso X El Sabio y Ricardo Corazón de León.
Las características de las canciones de los trovadores son:
a) Cantos vocales con acompañamientos instrumentales
b) Textura monódica: presenta una sola melodía. El canto se acompañaba de
instrumentos que podían marcar el ritmo principalmente, aunque también usaban
algunos instrumentos que permitían hacer melodías doblando la voz.
c) Ritmo marcado.
d) Música modal: utiliza el mismo recurso que el Canto Gregoriano.
e) Canto solista.
f)
Repertorio de autor conocido: ente algunos trovadores importantes destacamos a
Alfonso X El Sabio, Ricardo Corazón de León, Guillermo IX Duque de Aquitania, etc.
g) Temática: amor cortés y el espíritu caballeresco de los héroes de las cruzadas.
h) Texto en lengua vernácula (no en latín).
i)
Género profano.
1.3. LOS INSTRUMENTOS EN LA EDAD MEDIA
En la Edad Media hay una gran variedad de instrumentos que, desgraciadamente, no han
llegado a nuestros días pero que conocemos gracias a diferentes fuentes iconográficas y
literarias. Enumeramos a continuación los instrumentos en sus respectivas familias:
-
Cuerda: arpa, lira, salterio, laúd, zanfoña, viola da gamba, etc.
-
Viento: chirimía, flauta, cornamusa, órgano, etc.
-
Percusión: platillos, sonajas, tambores, etc.
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1.4. LA POLIFONÍA
Polifonía significa cantar dos músicas distintas al mismo tiempo. Este hecho data del
año 800 d.C, momento hasta el cual no se concebía la posibilidad de unir dos melodías al
mismo tiempo. La palabra polifonía proviene del griego Poli (varias) fonos (voces). La
diferencia con el canto gregoriano (canto monódico) radica en el hecho de que la polifonía
no es lineal (horizontal) sino que comienza a surgir una importancia vertical de la música.
Se distinguen dos prácticas o periodos: Ars Antiqua y Ars Nova.
-
Ars Antiqua: abarca hasta el siglo XIII y corresponde al periodo de iniciación
polifónica. La polifonía surge cuando a un canto gregoriano se le añade otra voz: a
esta práctica se conoce con el nombre de Organum. Es la primera práctica que se
realiza como polifonía.
En el siglo XII y XIII nacen nuevas formas más complejas de hacer polifonía. La más
importante es la conocida con el nombre de Motete: consistía en unir dos, tres o más
voces cantando al mismo tiempo, con letra diferente e igual ritmo. Se mezclan en
ocasiones letras religiosas y profanas, dando lugar a un canto vivo y moderno. El
problema de esta versión polifónica era la difícil comprensión del texto. Los dos
primeros compositores de polifonía son franceses: Léonin y Pérotin (Magister
Leoninus y Magister Perotinus).
-
Ars Nova: la polifonía medieval llega a resultados más perfectos en el siglo XIV con
esta nueva práctica (significa arte nuevo, que se opone al arte antiguo). Es la
expresión del hombre que vive en una sociedad urbana naciente, buscando nuevos
elementos que den lugar a composiciones novedosas e innovadoras. El compositor
más importante es Guillaume de Machaut.
Guillaume de Machaut (1300-1377) compone una obra muy importante en el campo
religioso, llamada Misa de Notre Dame.
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2. EL RENACIMIENTO
Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos
XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta,
pero de las más importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van
a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco,
Cervantes, Shakespeare, etc., que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había
ocurrido.
Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas, con las
cuales finaliza el feudalismo medieval.
Es una etapa de gran desarrollo económico y tecnológico. Con el descubrimiento de
América se produce una mejora los medios de comunicación y los transportes, lo cual
facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio y propagación de ideas musicales,
sobre todo desde la aparición de la imprenta.
Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma Católica
serán importantes para la evolución de la música, ya que ésta fue también un arma en las
discusiones entre luteranos y católicos.
En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo es el del
Humanismo y el Antropocentrismo, que considera al hombre como el centro de todas las
cosas, dejando atrás las ideas teocentristas del medievo.
Los grandes nobles y el alto clero actuarán como mecenas de los artistas, que trabajarán
en sus cortes a costa de un salario (los músicos son trabajadores de la corte).
Algunas de las características culturales de esta etapa son:
•
Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como
alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el placer de los sentidos
en sus obras.
•
El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en
todos sus ámbitos.
•
El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media para
hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras.
•
Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a
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despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico
sobretodo de Grecia y Roma.
2.1. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA RENACENTISTA
La música del Renacimiento presenta las siguientes características:
a) Triunfo de la polifonía (textura polifónica). La mayoría de las piezas se componen
a cuatro voces, aunque en ocasiones se escriben para más voces e incluso para
varios grupos corales (policoralismo). Dentro de la polifonía destaca la técnica del
contrapunto imitativo (las voces comienzan a cantar de manera sucesiva imitando
la una a la otra, cantando el texto en sitios diferentes, dificultando la comprensión de
la letra). Se mantiene la práctica del canto monódico en el que los cantantes cantan
la misma letra con la misma melodía al mismo tiempo.
b) El género importante es la música vocal, aunque no existía una separación radical
entre la música instrumental y vocal; esto conlleva la práctica de doblar o sustituir
una parte vocal por una instrumental o viceversa, poniendo letra a una parte
instrumental.
c) El concepto de melodía se pierde, debido a que la polifonía está construida como
una gran red en la que cada parte es importante y si se interpreta una parte sola,
carece de sentido.
d) La armonía sigue siendo modal aunque se comienzan prácticas que ponen de
manifiesto una evolución en este apartado, caminando hacia la tonalidad actual.
e) El ritmo está marcado por el texto: aún no existe el concepto de compás tal y como
lo tenemos actualmente.
f)
No hay cambios de dinámica, la música es bastante lineal y depende directamente
del texto, por lo que el carácter es muy constante a lo largo de toda la obra.
g) La música trata de transmitir el mensaje del texto y su construcción está influida
por el contenido de la letra, es decir, si la palabra es “bajar” la línea melódica irá en
sentido descendente, por ejemplo.
h) Se avanza en la construcción de instrumentos. Los más importantes fueron:
flauta de pico, viola da gamba, laúd, clavecín, órgano y, en España, la vihuela.
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2.2. POLIFONÍA RELIGIOSA
Durante el Renacimiento, la Iglesia sufre luchas internas que acabarán con la unidad del
catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no
comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el
protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la religión
mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma Protestante, la cual
tiene su influencia en la evolución de la música.
Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:
•
Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era muy
importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y que incluso
pudiese participar cantando.
•
Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el gran
desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese el texto.
Lutero creará una nueva forma musical: el Coral, que será el género más
importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una composición
sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en alemán y presenta
una textura homofónica.
En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia
anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario y así acapara todo el poder político y
religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva
forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba
durante las celebraciones litúrgicas.
La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de
arreglar los males en los que está sumergida. Se celebra "El Concilio de Trento", en el que
se tratan de establecer las directrices de la nueva Iglesia Católica. Algunas de las novedades
afectarán al terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes:
•
Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo de
unidad cristiana.
•
Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible
entender los textos religiosos.
•
Prohibir los cantos profanos en los templos.
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El género más importantes de la música religiosa católica es la Misa (forma musical
compleja, resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia).
Los compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni Pierluigi de
Palestrina y Orlando di Lasso. Los compositores importantes españoles son Tomás Luis
de Victoria y Cristóbal Morales.
2.3. POLIFONÍA PROFANA
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos
los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo
propio en cada país; es lo que se denomina como los Estilos Nacionales:
•
Italia: el género más importante es el madrigal. Se trata de una forma de polifonía
compleja escrita para cuatro o cinco voces. Es una canción de amor a capella,
aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Entre los compositores más
importantes destacan: Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.
•
Francia: la forma más importante de este país es la chanson. Es una forma
polifónica normalmente con acompañamiento instrumental. El compositor más
destacado es Clement Janequin.
•
España: El género que destaca es el villancico, género que en su origen no tiene
nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica
con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor más representativo de este
tipo de música es Juan Del Encina.
2.4. MÚSICA INSTRUMENTAL Y DANZA
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el nacimiento de la música
instrumental propiamente dicha, que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco
a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música
promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a componer
música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música
evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa su prohibición del uso de
instrumentos en los actos religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir muchos
libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder acercarse al
mundo de la música y aprender a tocar un instrumento.
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La música instrumental aparece ligada sobre todo a la danza. La danza, durante el periodo
del Renacimiento va a alcanzar una gran importancia, sobre todo entre las clases más
altas, ya que en toda celebración va a estar presente. Pero además de la danza cortesana,
va a existir otra danza menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes salones y era bailada
por todos los nobles que participaban en la celebración (el aprender los bailes era obligatorio
para los nobles), que iban ataviados con sus mejores galas. Los grandes vestidos eran los
que impedían cualquier tipo de movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser
siempre muy pausados y elegantes. Éstas eran algunas de las principales danzas
renacentistas:
•
La Gallarda: Es una de las principales danzas de la época. Se interpretaba con paso
saltado. Es una danza en compás ternario y paso alegre. Normalmente se
interpretaba después de la pavana.
•
La Pavana: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la que abría el
baile y normalmente sólo la bailaban los organizadores del evento. Es pausada y
refinada: es un paseo de los ricos nobles para que todos los invitados les admiren.
•
El Branle: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se agarraban e
iban oscilando a derecha y a izquierda sin romper el círculo.
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3. EL BARROCO
El término barroco tiene dos posibles orígenes: portugués o italiano. Ambas etimologías
sugieren una traducción de “extraño”, “antinatural” y “deformado”. Este matiz peyorativo de
barroco se mantendrá prácticamente hasta nuestros días.
El Barroco se desarrolla durante el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. Es una
época marcada por las guerras en Europa, sobre todo religiosas entre católicos y
protestantes.
En Europa los estados están organizados como monarquías absolutas. En la economía se
desarrolla el mercantilismo: se da gran importancia al comercio internacional y los estados
miden su riqueza por la cantidad de oro y plata que acumulan. Las desigualdades sociales
se acentúan y crece la población empobrecida.
Frente a esta situación de crisis general hay un florecimiento artístico y científico (por
ejemplo, España vive el Siglo de oro de la literatura; Newton, Descartes y Leibniz hacen
avanzar la ciencia y el pensamiento, etc.).
Dos acontecimiento marcan el comienzo y final de la época barroca: el estreno de la ópera
Orfeo de Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de J.S. Bach (1750).
Una de las funciones principales de la música fue la exhibición del esplendor: la Monarquía
y la Iglesia utilizaron las artes para simbolizar su autoridad como representantes del poder
de Dios en la Tierra. La ópera fue el género cortesano por excelencia: en sus comienzos
estuvo restringida a la nobleza.
Todos los músicos trabajaban para mecenas o instituciones (en su mayoría nobles o
Iglesia). Por toda Europa comenzaron a comerciarse partituras de los compositores más
importantes e influyentes de la época, lo que propició las primeras batallas por los derechos
de autor.
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3.1. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA
De manera esquemática, la música barroca presenta las siguientes características:
-
Uso del bajo continuo: esta característica propicia la aparición de la melodía
acompañada, opuesta a la antigua polifonía contrapuntística (en la que todas las
voces tienen importancia y son independientes). La melodía es la voz principal y el
resto constituye el acompañamiento, el que la voz más importante es la del bajo.
-
Se comienza a configurar la orquesta tal y como la conocemos actualmente, siendo
la sección de cuerda la más importante.
-
La música instrumental iguala en importancia, por primera vez, a la música vocal.
-
Se busca una mayor dramatización del texto, intensificando el carácter emocional
de las palabras.
-
Permanece la práctica del policoralismo: consiste en usar dos o más coros situados
en diferentes puntos de una Iglesia o templo para lograr un efecto sonoro distinto.
-
Evolución de los instrumentos: surge la figura del luthier y se potencia la
interpretación de música con instrumentos solistas.
Los compositores más importantes de esta época son: Lully, Händel, Vivaldi, Purcell,
Telemann, Scarlatti, Bach, Corelli y Monteverdi, entre otros.
3.2. MÚSICA RELIGIOSA BARROCA
Tanto la Iglesia católica, en el sur de Europa, como la Iglesia protestante, en Europa central,
utilizaron la música en sus actos litúrgicos.
La música religiosa siempre ha tendido a ser más conservadora que los estilos profanos. En
el Barroco, la música religiosa (sobre todo en el ámbito católico) se caracteriza por seguir
empleando el canto gregoriano y la antigua polifonía. En el último Barroco, sí aparece en
obras religiosas el estilo de la época, como las arias solistas o los ritornelli de los conciertos
instrumentales.
Algunos géneros religiosos del Barroco son:
-
Oratorio: composición dramática y sagrada, aunque no litúrgica, en la cual se pone
música a un tema bíblico, desarrollado en forma de recitativos, arias, conjuntos, coro
(muy importante) y casi siempre con la ayuda de un narrador. A diferencia de la
ópera, la historia que narra no se representa.
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-
Coral: himno alemán, cantado al unísono por la congregación. Característico de la
música religiosa luterana (Iglesia protestante).
-
Cantata: obra sacra de composición libre, en la que se usan como argumentos los
salmos y los evangelios.
-
Pasión: oratorio con la Pasión y la muerte de Cristo como tema exclusivo.
J.S. Bach dominó todos estos géneros de manera extraordinaria. Fue el máximo y el último
gran maestro del contrapunto de estilo imitativo, en el que la música se escribía para
varias voces de igual importancia. Cuando Bach era anciano la música comenzada a pedir
una mayor sencillez y claridad, anticipando así el siguiente periodo estilístico musical: el
Clasicismo.
3.3. MÚSICA INSTRUMENTAL BARROCA
A partir de los instrumentos renacentistas, las principales innovaciones se van a producir en
la familia de la cuerda, con el desarrollo de la familia del violín (violín, viola, violonchelo,
contrabajo), que poco a poco se va imponiendo sobre la familia de las violas. No obstante,
la viola de gamba va a conocer un extraordinario desarrollo técnico en esta su última fase.
Los instrumentos de teclado van a dar lugar a una literatura musical extraordinariamente
virtuosística. El clave (clavecín, clavicordio, etc.) y el órgano serán los principales
instrumentos. El clavicordio es un instrumento que se cultiva en espacios reducidos, por sus
limitaciones de volumen, aunque cuenta con posibilidades dinámicas que no tiene el clave.
Dentro de los instrumentos de viento, la flauta (de pico y travesera o traversa), el oboe y
la trompeta van a desarrollar considerablemente su técnica.
Por primera vez se establece un modelo fijo de orquesta, en la que el elemento principal
es la cuerda (familia de los violines). Los demás instrumentos (instrumentos de viento y
teclado) se utilizan como relleno y acompañamiento de la cuerda.
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Formas instrumentales del Barroco
Suite
Para un instrumento solista u orquesta, la suite barroca es una evolución de la costumbre
renacentista de agrupar las danzas. La forma consta por lo general de una serie de danzas
básicas:
-
Allemanda: de ritmo tranquilo.
-
Courante: ritmo rápido -
Zarabanda: ritmo lento -
Giga: ritmo rápido Fuga
Es una forma casi siempre monotemática (un solo tema) en la que el tema aparece
alternativamente en las sucesivas entradas de las voces en su estado inicial.
Sonata El término sonata designaba en principio música instrumental en general. La sonata puede ser para un número diverso de instrumentos. La sonata para solista y
continuo, se escribe en dos partes melódicas: solista y bajo. En realidad, los instrumentos
que participan son más, ya que la línea del bajo (bajo continuo) la suelen hacer un
instrumento melódico grave (cello, viola da gamba, fagot...) y al menos un instrumento
polifónico (clave, órgano, laúd). El término sonata en trío se refiere a una escritura en tres
partes: dos para solistas (dos violines, dos flautas, flauta y violín...) y una para el bajo
continuo. Corelli, J.S. Bach, Händel, etc., escriben numerosas sonatas con continuo y
sonatas en trío. Concierto
El término concierto se refiere en general a un principio constructivo en el que se da una
oposición o enfrentamiento entre grupos. Sus orígenes están en la música instrumental
veneciana de finales del Renacimiento, en la que se buscan efectos de eco, aprovechando
la acústica de la Basílica de San Marcos. El concierto barroco puede ser dos tipos:
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a) Concierto solista: un instrumento solista (pueden ser dos) dialogan con la orquesta
y es acompañado por ella. La forma suele utilizar el principio del ritornello,
característico del aria. Suele organizarse en tres movimientos: rápido, lento, rápido.
Vivaldi compuso numerosísimos conciertos para diversos instrumentos solistas, que
junto a otros compositores como Albinoni, crean el modelo italiano que influirá
también en los conciertos de J.S. Bach.
b) Concerto grosso: se oponen dos grupos instrumentales: uno de solistas
(concertino) y otro orquestal (concerto grosso o ripieno). Los concerti grossi de
Corelli establecen el modelo característico. Los Conciertos de Brandemburgo de J.S.
Bach experimentan diversos tipos de combinaciones instrumentales en el grupo del
concertino
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4. ACTIVIDADES
1. Realiza un resumen con las ideas más importantes de cada bloque del tema (Edad
Media, Renacimiento y Barroco).
2. ¿Qué significa que en la Edad Media había una sociedad feudal? ¿Por qué se
denomina Teocéntrica?
3. En la Edad Media existían:
a) Dos géneros musicales: religioso y profano
b) Tres géneros musicales
c) Sólo existía la música religiosa
4. Enumera las características del Canto Gregoriano.
5. La forma musical denominada Coral:
a) Pertenece al Barroco
b) Es una forma musical característica de la Iglesia Protestante
c) Ninguna opción es correcta
6. Enumera y explica las principales danzas del Renacimiento.
7. ¿Qué invento facilitó la distribución de partituras y libros de teoría musical?
8. ¿Cuáles son los hechos históricos que marcan el comienzo y el final del Barroco?
9. Enumera los principales compositores del Barroco. ¿Qué características tiene la
música barroca?
10. Enumera las formas instrumentales barrocas y explica las características de cada
una de ellas.
Asignatura: música
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