Joël Pommerat, el creador que persigue un secreto


La 35ª edición del Grec 2011 Festival de Barcelona tendrá lugar del 17 de junio al
31 de julio con más de 60 propuestas de teatro, danza, circo y música pensadas
para un público diverso y de una alta calidad escénica.

Por primera vez en la historia del Grec, una compañía de danza catalana
inaugurará el Festival: La muntanya al teu voltant de Gelabert Azzopardi con la
participación de Perejaume y la Banda Municipal de Barcelona, se podrá ver los
días 17 y 18 de junio en el Teatre Grec.

Grandes nombres de la escena teatral internacional como Peter Brook (Une flûte
enchantée); Romeo Castellucci (Sobre el concepte de rostre, en el Fill de Déu);
Joël Pommerat (Le petit chaperon rouge y Cercles / Fictions); Claudio Tolcachir
(Todos eran mis hijos), Patrice Chéreau (I am the wind); Bartabas (El Centaure i
l’animal) y Tomaz Pandur (La caída de los dioses), estarán en el Festival.

Y también grandes nombres de nuestra escena teatral como Calixto Bieito
(Desaparecer y Voices); Mario Gas (Un tranvía llamado deseo); Àlex Rigola
(Tragèdia); Oriol Broggi (Luces de Bohemia) y Carme Portaceli (La nostra
classe), entre otros, participarán en la presente edición.

La danza ocupa un lugar destacado dentro del programa. Bailarines y
compañías catalanas (Gelabert Azzopardi, Sol Picó, Mal Pelo / María Muñoz,
Andrés Corchero / Raravis, IT Dansa, Àngels Margarit / Mudances) comparten
cartel con grandes figuras de la danza internacional como Sasha Waltz, Philippe
Decouflé, Virgilio Sieni, Israel Galván, Ko Murobushi o Blanca Li).

Panorama Francia ofrecerá una mirada a las artes escénicas del país vecino a
través de 14 propuestas de directores, autores y compañías francesas o
espectáculos de producción local a partir de autores franceses. Se podrán ver
grandes nombres como Philippe Decouflé (Octopus), la compañía del Théâtre
des Bouffes du Nord de Peter Brook (Une flûte enchantée), Patrice Chéreau (I
am the wind), nuevos valores de la dramaturgia francesa como Joël Pommerat
(Cercles / Fictions y Le petit chaperon rouge), Olivier Cadiot (Un mage en été), la
compañía del Théatre des Lucioles de Marcial Di Fonzo Bo - Elise Vigier (La
tossuderia) y producciones locales a partir de autores franceses como la que
dirigirá Joan Ollé (Esperant Godot), Raimon Molins (Jaz) o Roberto Romei
(Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna).

El artista Joan Fontcuberta es el autor del cartel del Grec 2011 Festival de
Barcelona.

Diversidad de estilos y procedencias entre los conciertos que se podrán ver
este año en el Teatre Grec: Keith Jarret, Ainhoa Arteta, Jordi Savall, Noa,
Goran Bregovic, Niña Pastori, Manel, Dulce Pontes, Las Migas o Maria del
Mar Bonet.
1

Los festivales Grec y Sónar vuelven a colaborar programando una nueva NOCHE
GREC–SÓNAR con una sesión conjunta a cargo de dos maestros de la
experimentación sonora como son Alva Noto y Ryuichi Sakamoto. Será el
domingo, 19 de junio, en el Teatre Grec.

El circo vuelve al Grec con Call me “Maria”, un espectáculo que rinde homenaje a
la Barcelona de los años 50 y lo mezcla con teatro y rock-and-roll de la mano del
creador del Circus Klezmer, Adrián Schvarzstein, junto con Sergi Estebanell y
Xirriquiteula Teatre. Es la primera coproducción del Festival con una compañía de
circo local y se podrá ver del 9 al 16 de julio en el Mercat de les Flors - Sala OM.

Proyección de uno de los grandes clásicos del cine: Metrópolis de Fritz Lang, con
una copia restaurada que incluye nuevo metraje, música de Martín Matalón e
interpretación, en directo, del grupo bcn216 bajo la dirección de Ernest MartínezIzquierdo, el sábado, 1 de julio, en el Teatre Grec.

Tres propuestas para público familiar: una de circo, Call me “Maria”, una de
teatro, Le petit chaperon rouge, y una de danza, IT Dansa.

26 coproductores nacionales: Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa, Sala
Beckett / Obrador Internacional de Dramatúrgia, Teatre Romea, Teatre
Tantarantana, Museu Picasso, PlateaSocial, Vania Produccions, Xirriquiteula
Teatre, Factoria Escènica Internacional, La Troca, Bitò Produccions, Àlex Rigola,
Fundació Valenciana Escena Oberta, Mal Pelo, Temporada Alta 2010, Festival de
Tardor de Catalunya / Girona / Salt, Centre d’Arts Escèniques de Reus (CAER),
Sol Pico Cia de Dansa, Institut del Teatre, Àngels Margarit – Cia Mudances,
raravis, Mercat de les Flors, Sónar, La Perla 29, Teatro Español de Madrid y Gran
Teatre del Liceu.

28 coproductores internacionales: Young Vic Theatre de Londres, Théâtre de la
Ville de París, Wiener Festwochen, Les Nuits de Fourvière / Departament del
Roina, Theater der Welt 2010; deSingel International Arts Campus (Anvers);
Théâtre National de Bretagne (Rennes); The National Theatre (Oslo); Barbican
London and SPILL Festival of Performance; Chekhov International Theatre Festival
(Moscou); Holland Festival (Amsterdam); l’Athens Festival; Festival d’Avignon;
l’International Theatre Festival DIALOG (Wroclav, Polònia); BITEF (Belgrade
International Theatre Festival); Spielzeit'Europa I Berliner Festspiele; Théâtre de la
Ville, París; el Romaeuropa Festival; Theatre Festival SPIELART München
(Spielmotor München e.V.); Le-Maillon, Théâtre de Strasbourg - Scène
Européenne; TAP Théâtre Auditorium de Poitiers - Scène Nationale, Peak
Performances @ Montclair State-USA; Agora de la Danse de Mont-real; Compañía
Blanca Li; Festival La Batie (Ginebra); ZOO – Thomas Hauert y Festival LaStrada.

18 colaboraciones: Fira Mediterrània de Manresa, Festival Shakespeare de
Mataró, DeVIR / CAPa (Faro, Portugal), L’animal a l’esquena (Celrà, Girona),
Regione Toscana, Accademia sull’Arte del Gesto, La Virreina Centre de la Imatge,
MUHBA (Museu d’Història de Barcelona), La Seca, Museu Picasso, Centre Cívic
Convent de Sant Agustí, Ajuntament de Viladecans, Mercat de les Flors, L’Estruch
de l’Ajuntament de Sabadell, Institut Français, Institut Goethe, Consulado General
2
de la República Federal de Alemania en Barcelona, Ministerio de Cultura del
Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Nuevos escenarios como la sala Atrium, la Fundació Tapies, el Palau de la
Virreina, La Seca, la Sala Martí l’Humà del MUHBA - Museu d’Història de
Barcelona, el Palau Moja, el Centre Cívic Convent de Sant Agustí o el Teatre
Coliseum se incorporan a los 30 espacios que acogerán las diferentes propuestas
del Grec. Uno de estos espacios, el Brossa Espai Escènic, que cerrará sus
puertas durante el Grec, se despedirá de su público con el espectáculo Bye Bye
del ilusionista Hausson y la dirección de Hermann Bonnin.

Este año el Grec Festival de Barcelona cumple 35 años. Con motivo de este
aniversario se ha creado un archivo online dentro de la web del Festival,
www.bcn.cat/grec, donde se podrá consultar este gran aparador de la escena
nacional e internacional que es y ha sido el Grec Festival de Barcelona.
Actualmente se puede encontrar información de 2.793 espectáculos y un millar de
fotografías.

Descuentos, abonos y espectáculos gratuitos. El Grec continúa apostando por
una política de descuentos y abonos, así como una programación de espectáculos
gratuitos para acercarse a un mayor número de público.
Descuentos: un descuento del 50% para espectáculos de público familiar (Call
me “Maria”, IT Dansa, Le petit chaperon rouge) para familias con menores de
16 años y un máximo de dos acompañantes adultos; un 50% de descuento
para espectáculos de teatro y danza para menores de 16 años, un 25% de
descuento para espectáculos de teatro y danza a menores de 25 años; un 25%
de descuento para mayores de 65 años; un 25% de descuento para
personas en paro; un 25% de descuento para grupos a partir de 15 personas;
un 20% de descuento en espectáculos de teatro y danza a los titulares del
carnet de familia numerosa, y un 20% de descuento a los titulares del carnet de
bibliotecas.
Abonos: un 25% de descuento por la compra de entradas para tres
espectáculos o más.
Last minute: un 50% de descuento el mismo día del espectáculo a partir de 3
horas antes del inicio de la función y hasta las 20:30h, en el caso que queden
localidades disponibles. Lugar de venta: Tiquet Rambles. Todos los
espectáculos de música quedan excluidos de este descuento, así como el
TNC, la Sala Beckett, la Sala Atrium, el Teatre Coliseum y el Teatre Tívoli.
Podéis encontrar más información sobre las condiciones y excepciones
de los descuentos en la web del Festival: www.bcn.cat/grec
Espectáculos gratuitos: una nueva edición del festival Dies de Dansa; los
espectáculos programados en La Caldera (Mov-i-ment #2 / Miniatures i Sola),
la propuesta de Montjuïc de Nit en el Teatre Grec, las propuestas de
Bibliotecas de Barcelona (Converses a les Biblioteques y Juliol a la Cuina) y
Galop Arrière. Un film de Bartabas.
3
EL PROGRAMA
4
DANZA
Espectáculo inaugural
La muntanya al teu voltant
TEATRO
Espectáculo
Une flûte enchantée
Voices
La tossuderia
Ells no poden morir
Luces de Bohemia
Un mage en été
Todos eran mis hijos
Contra la democràcia
Bye Bye
Jaz
I am the wind
Desaparecer
Le petit chaperon rouge
Cercles / Fictions
Reglas, usos y costumbres
en la sociedad moderna
Días estupendos
Julieta & Romeo
Sobre el concepte de rostre,
en el Fill de Déu
Un tranvía llamado deseo
Call me “Maria”
La nostre classe
El centaure i l’animal
Esperant Godot
La caída de los dioses
Tragèdia
DANZA
Espectáculo
Tots els noms
Continu
Solo Goldberg Improvisation
Sis descendiments de la creu
al voltant de la Rambla
Sans objet
Mov-i-ment # 2 / Miniatures
Petra, la mujer araña y el putón
de la abeja Maya
Octopus
Dies de dansa
Nit de break dance al Teatre Grec
Macadam Macadam
Odori gokoro
IT Dansa
Fechas
17/6 -18/6
Espacio
Teatre Grec
Fechas
18/6 - 20/6
19/6 - 20/6
19/6 - 20/6
19/6 - 22/6
22/6 - 24/7
25/6 - 26/6
29/6 - 31/7
29/6 - 24/7
29/6 - 24/7
29/6 - 24/7
30/6 - 3/7
1/7 - 31/7
2/7 - 4/7
4/7 - 6/7
4/7 - 6/7
Espacio
Mercat de les Flors
Teatre Romea
Teatre Lliure Montjuïc
La Virreina Centre de la Imatge
Biblioteca de Catalunya
Teatre Lliure Montjuïc
Teatre Poliorama
Sala Beckett
Brossa Espai Escènic
Sala Atrium
Teatre Lliure Montjuïc
Teatre Romea
Mercat de les Flors
Mercat de les Flors
Museu Picasso
6/7 - 31/7
7/7 - 31/7
La Villarroel
Teatre Coliseum
7/7 - 9/7
8/7 - 31/7
9/7 - 16/7
12/7 - 24/7
14/7 - 17/7
15/7 - 18/7
19/7 - 21/7
30/7 - 31/7
Teatre Lliure Montjuïc
Teatre Tívoli
Mercat de les Flors
Teatre Lliure Gràcia
Teatre Lliure Montjuïc
Mercat de les Flors
Teatre Grec
Teatre Grec
Fechas
18/6 - 20/6
28/6 - 29/6
26/6
1/7 - 3/7
Espacio
Teatre Lliure Gràcia
Mercat de les Flors
Teatre Lliure Gràcia
Diversos espacios de Ciutat Vella
29/6 - 30/6
29/6 - 10/7
30/6 - 3/7
Mercat de les Flors
La Caldera
Teatre Lliure Gràcia
30/6 - 3/7
1/7 - 6/7
3/7
7/7
8/7 - 13/7
9/7
Teatre Nacional de Catalunya
Diversos espacios
Teatre Grec
Teatre Grec
Mercat de les Flors
Teatre Grec
5
La edad de oro
Sola
From B to B
10/7
14/7 -17/7
22/7 - 24/7
MÚSICA
Espectáculo
Fechas
Alva Noto y Ryuichi Sakamoto
19/6
Dulce Pontes
28/6
Sole Giménez
29/6
Montjuïc de Nit
2/7
Metropolis
1/7
Maria del Mar Bonet
4/7
Nits d’Estiu al CaixaForum
6/7- 27/7
Audiopantalla MACBA: monocromos
8/7 - 22/7
Manel
11/7
Ainhoa Arteta y la Orquesta de Cadaqués 12/7
Goran Bregovic
Banda de bodas y funerales
13/7
Wynton Marsalis & The Jazz
14/7
at Lincoln Center Orchestra
Las Migas y Rafaela Carrasco
15/7
Noa & Solis String Quartet
16/7
Niña Pastori
22/7
Keith Jarrett/ Gary Peacock /
23/7
Jack DeJohnette
Pierre Henry / bcn216
23/7
Nit de Tango
24/7
Jordi Savall
25/7
OTROS
Espectáculo
Converses a les biblioteques
VI Obrador de la Sala Beckett
Fechas
7/6 - 19/7
9/7 - 16/7
Galop arrière
Juliol a la Cuina
12/7 - 13/7
13/7 - 20/7
Teatre Grec
La Caldera
Mercat de les Flors
Espacio
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
CaixaForum
Macba
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Teatre Grec
Fundació Antoni Tàpies
Teatre Grec
Teatre Grec
Espacio
Biblioteques de Barcelona
Sala Beckett, Institut del
Teatre y Teatre Lliure
Teatre Lliure Montjuïc
Bib.Francesca Bonnemaison
6
TEATRO
Une flûte enchantée
Wolfgang Amadeus Mozart
Mercat de les Flors; 18-20 de junio; 21 h; 30 €
Dirección: Peter Brook
Con Antonio Figueroa, Agnieszka Slawinska y Leila Benhamza, entre otros
Uno de los grandes del teatro europeo recupera la esencia teatral de la ópera de
Mozart en un espectáculo que prescinde de efectismos y grandes orquestas para
acercar los intérpretes al espectador.
[Espectáculo en francés y alemán subtitulado en catalán]
Voices
Calixto Bieito / Marc Rosich
Teatre Romea; 19-20 de junio; do. 18.30 h, lu. 21 h; 22-30 €
Dirección: Calixto Bieito
Con Flemming Enevold, Tammi Öst y Kaya Brüel, entre otros
Un oratorio moderno que nos habla del dolor y la muerte de los hombres y las mujeres
a partir de la Pasión según san Mateo de Bach y un conjunto de músicas que van de
Abba a PJ Harvey, Johnny Cash o Nick Cave.
[Espectáculo en danés con subtítulos en catalán]
La tossuderia
Rafael Spregelburd
Teatre Lliure Montjuïc; 19-20 de junio; 20.30 h; 25 €
Puesta en escena: Marcial Di Fonzo Bo / Elise Vigier
Con Judith Chemla, Jonathan Cohen y Sol Espeche, entre otros
La última de las obras que componen la heptalogia sobre los pecados capitales de
Rafael Spregelburd está ambientada en el último día de la Guerra Civil española en
una localidad valenciana, donde un comisario ha inventado una lengua universal que
imposibilita toda disidencia.
[Espectáculo en francés, catalàn i castellano con subtítulos en catalán]
Ells no poden morir
Oriol Vilanova
La Virreina Centre de la Imatge; 19-22 junio; 21 h; 8 €
Dirección: Xavier Albertí
Con Nora Navas, Sandra Monclús y Antonia Jaume
Tres grandes mitos del siglo XX, Salvador Dalí, Walt Disney y Vladímir Ilich Lenin, se
resisten a morir y se embarcan en un debate sobre la inmortalidad en una sala vacía
de un antiguo palacio barroco. Un retrato del siglo pasado a partir de tres de sus
iconos.
[Espectáculo en catalán]
Luces de Bohemia
Ramón María del Valle-Inclán
Biblioteca de Catalunya; 22 junio - 24 julio; ma.-sa. 20.30 h, do. 19 h; 22 €
Dirección: Oriol Broggi
Con Lluís Soler, Xavier Boada, Màrcia Cisteró y Manel Dueso, entre otros
Max Estrella se pasea por Madrid en un itinerario que pasa por cafés, tabernas y
prisiones y que es, de hecho, un cruel repaso a la vida literaria y la sociedad española
7
de principios del siglo XX.
[Espectáculo en castellano]
Un mage en été
Olivier Cadiot
Teatre Lliure Montjuïc; 25-26 de junio; 20.30 h; 25 €
Dirección: Ludovic Lagarde
Con Laurent Poitrenaux
Aunque convoque en escena a un único actor, este monólogo está poblado por toda
clase de personajes y también de situaciones recreados en un universo sonoro ideado
por el Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique de París.
[Espectáculo en francés subtitulado en catalán]
Todos eran mis hijos
Arthur Miller
Teatre Poliorama; 29 junio - 31 julio; ma.-vi. 21.30 h, sa. 19 i 22 h, do. 19 h; 20-32€
Dirección: Claudio Tolcachir
Con Carlos Hipólito, Gloria Muñoz y Fran Perea, entre otros
Un industrial que se enriquece vendiendo componentes aeronáuticos durante la
Segunda Guerra Mundial y su familia nos irán descubriendo oscuros secretos en un
montaje en el cual Miller proyecta su ácida mirada sobre el paraíso americano.
[Espectáculo en castellano]
Contra la democracia
Esteve Soler
Sala Beckett; 29 junio - 24 julio; ma.-sa. 21.30 h, do. 18.30 h (29 i 30 junio: 22 h); 18 €
Dirección: Carles Fernández Giua
Con Dani Arrebola, Pep Jové, Josep Julien y Laia Martí, entre otros
Siete piezas breves que, con el subtítulo de 7 obretes de Grand Gignol, ironizan sobre
las versiones modernas y deformadas de un sistema de organización política elevada
al pedestal de los mitos intocables.
[Espectáculo en catalán]
Bye bye
Hausson
Brossa Espai Escènic; 29 junio- 24 julio; mi.-sa. 21 h, do. 19 h; 18 €
Dirección: Hermann Bonnín
Cuando el Brossa Espai Escènic está a punto de trasladarse a la nueva sede de La
Seca, el conocido ilusionista, que ha convertido la sorpresa en poesía, repasa sus
mejores momentos sobre este escenario.
Jaz
Koffi Kwahulé
Sala Àtrium; 29 junio - 24 julio; mi.-sa. 21 h, do. 19 h; 18 €
Dirección: Raimon Molins
Con Txell Manyoses y Mireia Trias
Una pieza de teatro con alma de jazz que nos introduce en el mundo de un
dramaturgo de Costa de Marfil formado en París. La protagoniza una mujer que habla
poco y vive entre unos lavabos públicos y una habitación de criada.
[Espectáculo en catalán]
8
I am the Wind
Jon Fosse
Teatre Lliure Montjuïc; 30 junio - 3 julio; 20.30 h; 30 €
Dirección: Patrice Chéreau
Con Tom Brooke y Jack Laskey
Dos amigos viajan en una barca y se enfrentan a una fuerte tempestad que es, de
hecho, una metáfora de las eternas batallas que afrontan los seres humanos.
[Espectáculo en inglés subtitulado en catalán]
Desaparecer
A partir de textos de Edgar Allan Poe
Teatre Romea; 1-31 julio; vi. 21 h, sa. 18.30 y 21 h, do. 18.30 h; 22-28 €
Dirección: Calixto Bieito
Con Juan Echanove y Maika Makovski
Director e intérprete ponen en escena una dramaturgia de Bieito sobre textos de
Poe con la participación de Maika Makovski, una cantante de sangre andaluza y
macedonia, que es una de las voces más estimulantes de la nueva escena musical
de Barcelona.
[Espectáculo en castellano con canciones en inglés]
Le Petit Chaperon Rouge
Joël Pommerat
Mercat de les Flors - Sala OM; 2-4 julio; 19 h; 18 €
Dirección: Joël Pommerat
Amb Ludovic Molière, Isabelle Rivoal y Murielle Martinelli
Un dramaturgo y director francés, creador de mundos misteriosos y personales,
escribe su propia versión del cuento clásico La caperucita roja. Para toda la familia.
[Espectáculo en francés, subtitulado en catalán]
Cercles/Fictions
Joël Pommerat
Mercat de les Flors - Sala MAC; 4-6 julio; 21.30 h; 28 €
Dirección: Joël Pommerat
Con Jacob Ahrend, Saadia Bentaïeb y Agnès Berthon, entre otros
Un conjunto de historias basadas en hechos y personajes reales, explicadas por los
actores desde el centro de un círculo formado por el público. Así se consigue un punto
de vista único y personal para cada espectador.
[Espectáculo en francés subtitulado en catalán]
Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna
Jean-Luc Lagarce
Museu Picasso; 4-6 julio; 21 h; 18 €
Dirección: Roberto Romei
Con Lina Lambert
Una maestra nos ofrecerá sus lecciones sobre cómo afrontar los grandes
acontecimientos de la vida en una pieza teatral que es, de hecho, una crítica feroz a
nuestra sociedad y las múltiples regulaciones que establece.
[Espectáculo en castellano]
Días estupendos
Alfredo Sanzol
9
La Villarroel; 6-31 julio; ma.-vi. 21 h, sa. 18.30 i 21 h, do. 18.30 h; 24 €
Dirección: Alfredo Sanzol
Con Paco Déniz, Elena González, Juan Antonio Lumbreras, Natalia Hernández y
Pablo Vázquez
Un conjunto de historias ambientadas durante las vacaciones, la época del año en
que vivimos en una especie de burbuja y pretendemos que nos hagan realidad
brevemente los paraísos que anhelamos todo el año.
[Espectáculo en castellano]
Julieta & Romeo
William Shakespeare
Teatre Coliseum; 7-31 julio; do.-sa. 21 h, do. 19 h; 22 €
Dirección: Marc Martínez
Con Carlota Olcina, Marcel Borràs, Nao Albet, Bernat Quintana y Pol López, entre
otros
La historia de dos jóvenes enamorados nos sumergen en un universo de contrastes
donde reinan las emociones: amor, odio, deseo, rivalidad, pasión, violencia,
amistad, ira... y después, la muerte.
[Espectáculo en castellano]
Sobre el concepte de rostre, en el Fill de Déu
Romeo Castellucci
Teatre Lliure Montjuïc; 7-9 julio; 20.30 h; 30 €
Dirección: Romeo Castellucci
Con Gianni Plazzi, Sergio Scarlatella y Dario Boldrini, entre otros
Uno de los más grandes renovadores de la escena europea actual nos lleva una
reflexión escénica sobre el concepto de rostro que parte de las imágenes
renacentistas del rostro de Jesús, y en concreto, de los eccehomo.
Un tranvía llamado Deseo
Tennessee Williams
Teatre Tívoli; 8-31 julio; do.-sa, 21 h, do. 18.30 h; 28 €
Dirección: Mario Gas
Con Vicky Peña, Ariadna Gil, Roberto Álamo y Àlex Casanovas, entre otros
En el centenario del dramaturgo norteamericano, vuelve a escena la historia de
Blanche du Bois y la tempestad pasional que provoca su llegada en casa de su
hermana Stella y su cuñado Stanley.
[Espectáculo en castellano]
Call me “Maria”
Mercat de les Flors - Sala OM; 9-16 julio; 20 h; 12 €
Dirección: Adrián Schvarzstein y Sergi Estebanell
Con Sergi Estebanell / Adrian Scharzstein, Irene Estradé, Matías Macri, Eva
Szwarcer, Dídac Cano y Jeremías Faganel
Los primeros marines norteamericanos llegados a la ciudad van a revolucionar la
Barcelona de los años cincuenta. Ahora podremos revivir aquellos momentos con un
espectáculo para públicos de todas las edades que combina circo, teatro y rock-androll.
La nostra classe
Tadeusz Slobodzianek
10
Teatre Lliure Gràcia; 12-24 julio; 20.30 h; 24 €
Dirección: Carme Portaceli
Con David Bagés, Rosa Boladeras, Jordi Brunet, Ferran Carvajal y Roger
Casamajor, entre otros
Diez compañeros de clase, cinco católicos y cinco judíos, se convierten en víctimas y
verdugos durante un siniestro episodio acaecido en una localidad polaca durante la
Segunda Guerra Mundial.
[Espectáculo en catalán]
El centaure i l’animal
Bartabas / Ko Murobushi
Teatre Lliure Montjuïc; 14-17 julio; 20.30 h; 30 €
Dirección: Bartabas
Con Ko Murobushi
El genio de Bartabas, el hombre que con sus caballos conecta con las formas más
antiguas de la representación, y el dominio del cuerpo de uno de los grandes maestros
del butō actual, reunidos en un solo espectáculo.
[Espectáculo en catalán]
Esperant Godot
Samuel Beckett
Mercat de les Flors - Sala MAC; 15-18 julio; 21 h; 22 €
Dirección: Joan Ollé
Con Joan Anguera, Ivan Benet, Enric Majó, Pepo Blasco y Carles Ollé
Un clásico del teatro contemporáneo que nos enseña que la vida no es si no… el
tiempo que pasa mientras esperamos alguna cosa.
[Espectáculo en catalán]
La caída de los dioses
Teatre Grec; 19-21 julio; 22 h; 16-32 €
Dirección: Tomaž Pandur
Con Belén Rueda, Pablo Rivero, Alberto Jiménez y Manuel de Blas, entre otros
La historia del declive y la descomposición de una familia aristocrática alemana
durante los días que transcurren entre el incendio del Reichstag y la Noche de los
cuchillos afilados, es decir, en los primeros momentos del III Reich.
[Espectáculo en castellano]
Tragèdia
Àlex Rigola
Teatre Grec; 30-31 julio; 22 h; 16-28 €
Dirección: Àlex Rigola,
Con Alícia Pérez, Joan Carreras, Ferran Carvajal y Patrícia Bargalló, entre otros
Un poema visual sobre El nacimiento de la tragedia de Friedrich Nietzsche ambientado en un
paisaje mediterráneo, entre campos de trigo y olivos.
[Espectáculo en catalán]
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DANZA
La muntanya al teu voltant
Gelabert Azzopardi
Teatre Grec; 17-18 junio; 22 h; 16-28 €
Dirección: Cesc Gelabert
Con la Banda Municipal de Barcelona
Una exploración sobre la relación entre el individuo y la colectividad con referencias a
la cultura tradicional catalana abre el Grec 2011. En la propuesta han trabajado juntos
Cesc Gelabert, el artista plástico Perejaume y el compositor Carles Santos, entre
otros.
Tots els noms
Mal Pelo / María Muñoz
Teatre Lliure Gràcia; 18-20 junio; 20.30 h; 22 €
Dirección artística y espacio escénico: María Muñoz y Pep Ramis
Con María Muñoz
Un espectáculo nacido del interés por investigar desde la palabra y desde el cuerpo lo
que significa nombrar. Un viaje de búsqueda a través de los nombres que configuran
un cuerpo específico, que lo habitan y lo proyectan.
Solo Goldberg Improvisation
Virgilio Sieni
Teatre Lliure Gràcia; 26 junio; 20.30 h; 22 €
Con Virgilio Sieni y Riccardo Cecchetti
Uno de los grandes nombres del panorama de la danza contemporánea italiana utiliza
la conocida composición de Johann Sebastian Bach, interpretada en directo, como
base para un acto de reflexión e introspección sobre el cuerpo humano.
Sis descendiments de la creu al voltant de la Rambla
Virgilio Sieni
Diversos espacios de Ciutat Vella; 1-3 julio; 20 y 20.30 h; 6 €
Seis acciones coreográficas ambientadas en seis espacios singulares de Ciutat
Vella e inspiradas en las pinturas del descendimento de la cruz. Barceloneses
anónimos protagonizan una propuesta que se ve durante un itinerario guiado de
casi dos horas.
Continu
Sasha Waltz & Guests
Mercat de les Flors - Sala MAC; 28-29 junio; 21 h; 30 €
Dirección y coreografías: Sasha Waltz
Una coreografía de gran formato que consolida diez años de trabajo de uno de los
grandes nombres de la danza contemporánea y que alude, en el título, a la
continuidad de las fuerzas de la naturaleza.
Sans objet
Aurélien Bory / Compagnie 111
Mercat de les Flors - Sala OM; 29-30 junio; 20 h; 22 €
Concepción, escenografía y puesta en escena: Aurélien Bory
Con Olivier Alenda y Olivier Boyer
Hombre y máquina interactuan en un espectáculo de danza que tiene como
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protagonista a un robot industrial de los años setenta.
Mov-i-ment #2 / Miniatures
La Caldera; 29 junio - 10 julio, 19 y 20 h.
Entrada libre con reserva previa
Propuestas escénicas con actividades paralelas destinadas a crear espacios de
diálogo sobre la creación. Además, se presentan cuatro piezas procedentes de un
proyecto de cooperación cultural en red protagonitzado por artistas de la cuenca
mediterránea.
Petra, la mujer araña y el putón de la abeja Maya
Sol Picó
Teatre Lliure Gràcia; 30 junio - 3 julio; 20.30 h; 22 €
Dirección: Sol Picó
Con Maru Valdivielso, Xaro Campo y Verónica Cendoya, entre otros
Circo, teatro y danza son los instrumentos con los que la coreógrafa nos habla sobre
la monstruosidad y el amor a partir de las tres protagonistas del film de R. W.
Fassbinder Las amargas lágrimas de Petra Von Kant.
Octopus
Philippe Decouflé
Teatre Nacional de Catalunya; 30 de junio - 3 julio; juev.-vier.. 20 h, sab-. 21.30 h, dg.
18 h; 16,50-33 €
Puesta en escena y coreografías: Philippe Decouflé
La belleza -o su ausencia- es el hilo conductor de un espectáculo formado por ocho
coreografías en las que ocho bailarines se van añadiendo en progresión aritmética.
Con música en vivo del grup de rock étnicoexperimental Nosfell.
Dies de dansa
Diversos espacios; 1-6 julio; diversos horarios; entrada libre
La gran cita con la danza en espacios urbanos cumple veinte años recuperando
algunos de los espectáculos que han destacado más en las ediciones pasadas.
Nit de break dance en el Teatre Grec
Red Bull BC One (clasificatoria europea)
Teatre Grec; 3 julio; 21 h; 10-12 €
Los dieciséis mejores b-boys de Francia, Irlanda, Suecia, Portugal, Suiza y España
demostrarán de qué son capaces para llegar, en noviembre, a la final de este
campeonato, uno de los más importantes del mundo.
Macadam Macadam
Blanca Li
Teatre Grec; 7 julio; 22 h; 18 €
Dirección: Blanca Li
Música original de Antoine Hervé
Nueva puesta en escena del espectáculo del mismo título de la coreógrafa granadina,
que esta vez reune un equipo de artistas nuevo para revisar las formas de expresión
de las culturas urbanas más efervescentes.
Odori gokoro
Andrés Corchero / raravis
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Mercat de les Flors - Sala PB; 8-13 julio; 21 h; 18 €
Dirección, coreografía e interpretación: Andrés Corchero
Homenaje coreográfico a Kazuo Ohno y Min Tanaka, dos maestros de butō a quien
Andrés Corchero agradece lo que le han enseñado como mejor sabe hacerlo:
bailando.
IT Dansa
Teatre Grec; 9 julio; 22 h; 16-20 €
Dirección: Catherine Allard
Un grupo de jóvenes valores de la danza catalana interpretan un programa formado
por coreografías de danza contemporánea recomendadas para todos los públicos:
Naked Thoughts, de Rafael Bonachela; In memoriam, de Sidi Larbi Cherkaoui; y Minus
16, de Ohad Naharin.
La edad de oro
Israel Galván
Teatre Grec; 10 julio; 22 h; 16-28 €
Coreografía y baile: Israel Galván
Con Arcángel (cante) y Alfredo Lagos (guitarra)
Una de las principales figuras del flamenco actual trae al Teatre Grec su estilo único y
personal, que bebe de la tradición sin dejar de ser absolutamente innovador.
Sola
Búbulus Companyia de Dansa
La Caldera; 14-17 julio; 20 h; entrada libre con reserva previa
Dirección y coreografía: Carles Salas
Con Joana Rañé e Iván Ruiz
La compañía celebra sus primeros veinte años de vida con una pieza sobre la
soledad, interpretada por una bailarina y un pianista.
From B to B
Àngels Margarit / Thomas Hauert
Mercat de les Flors - Sala MAC; 22-24 julio; 21 h; 22 €
Dos coreográfos con nombre propio y unidos por una misma curiosidad artística,
sorprendentemente cercana, exploran sobre el escenario el universo coreográfico de
su compañero.
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MÚSICA
Alva Noto + Ryuichi Sakamoto (Noche Grec - Sónar)
Teatre Grec; 19 junio; 22 h; 20-28 €
La segunda colaboración entre los dos festivales más destacados de Catalunya
contrapone la habilidad electrónica de un artista audiovisual alemán con el talento
acústico del intérprete y compositor japonés que creó la banda sonora de El último
emperador.
Dulce Pontes
Teatre Grec; 28 junio; 22 h; 25-48 €
Hace más de veinte años que sube a los escenarios y, en este tiempo, ha contribuido
a hacer revivir el fado y se ha convertido en una de las reinas de la world music. Ahora
repasa las canciones con las cuales ha seducido al público y que forman parte de su
nuevo disco, Momentos.
Sole Giménez
Teatre Grec; 29 junio; 22 h; 20-35 €
Las canciones más conocidas de Cecilia, Los Secretos, Serrat o Sabina toman una
nueva vida en la voz de Sole Giménez, que reinterpreta en clave de latin jazz un
repertorio de temas que va desde Déjame a Aquellas pequeñas cosas.
Metropolis
Fritz Lang /Martín Matalón
Teatre Grec; 1 julio; 22 h; 16-30 €
Dirección musical: Ernest Martínez-Izquierdo
Con bcn216
El anfiteatro de Montjuïc acoge la proyección de la versión restaurada del mítico film
de 1930, mientras la formación bcn216 interpreta en vivo la banda sonora creada
expresamente por Martín Matalón.
Montjuïc de Nit
Teatre Grec; 2 julio; 22 h; entrada libre, aforo limitado
Con Sandra Carrasco, Iván Melón Lewis, Javier Limón, Pegasus y Gossos
El Teatre Grec se suma a una noche en la cual Montjuïc se llena de conciertos
programados por los distintos festivales de música de la ciudad. El Festival De Cajón!
programa a Sandra Carrasco; el Festival de Jazz de Barcelona, a Pegasus, y el
Festival de Guitarra, a unos clásicos del rock catalán, Gossos.
Maria del Mar Bonet
Una veu per a la sibil·la
Teatre Grec; 4 julio; 22 h; 16-36 €
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La cantante mallorquina vuelve al festival con un drama litúrgico de origen medieval
que anuncia el fin de los tiempos y que ella ya grabó en 1979. El canto de la sibila fue
declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco en 2010.
Nits d’estiu al CaixaForum
6, 13, 20 i 27 julio; diversos horarios; 0-4 €
Danza, música, cine, literatura y videoarte en cuatro veladas que incluyen desde
montajes escénicos, con la presencia de actores como Anna Lizaran y Lluís Soler,
hasta música tradicional irlandesa o videomapping, una de las formas de creación
más modernas.
Audiopantalla MACBA: Monocromos
Macba; 8, 15 i 22 julio; 21 h; 6 €
Con Grischa Lichtenberger, Theo Burt y Ulf Langheinrich
Tres propuestas audiovisuales que parten del concepto de monocromo, una de las
manifestaciones artísticas fundamentales del siglo XX.
Manel
10 milles per veure una bona armadura
Teatre Grec; 11 julio; 22 h; 18-24 €
La banda de más éxito del panorama musical catalán actual presenta su nuevo
trabajo, en el cual vuelve a hermanar folk y pop, y enlaza la escena catalana y la
tradición musical del mejor pop anglosajón.
Ainhoa Arteta y la Orquesta de Cadaqués
Teatre Grec; 12 julio; 22 h; 15-40 €
Dirección musical: Jaime Martín
Velada lírica de zarzuela, ópera y sinfonismo con una gran estrella de la ópera y una
de las formaciones más destacadas del panorama de la música clásica. El programa
incluye arias de Puccini i Rossini, fragmentos de zarzuela y la Sinfonía núm. 40 de
Mozart.
Goran Bregović Banda de Bodas y Funerales
Alkohol
Teatre Grec; 13 julio; 22 h; 16-35 €
La Sljivovica, una bebida típica de los Balcanes, y el Champagne dan título a las dos
partes del concierto de una banda que liga rock y folklore. Goran Bregović y los suyos
rinden homenaje a la cultura balcánica, donde la música acompaña el acto de beber.
Wynton Marsalis & The Jazz at Lincoln Center Orchestra
Teatre Grec; 14 julio; 22 h; 25-54 €
El intérprete y compositor, que trabajó con los míticos Art Blakey and The Jazz
Messengers, se ha convertido en un músico influyente que apuesta por la tradición y
que, ahora, dirige la formación residente de Jazz en el Lincoln Center de Nueva York.
Las Migas y Rafaela Carrasco
Reinas del Matute
Teatre Grec; 15 julio; 22 h; 15-25 €
Con Silvia Pérez Cruz, Isabelle Laudenbach, Marta Robles, Lisa Bause y Rafaela
Carrasco
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El colectivo que desde Catalunya ha renovado el flamenco cierra gira y etapa, ya que
éste es el último concierto en que la voz de la cantante Silvia Pérez Cruz acompaña la
formación.
Noa & Solis String Quartet
Noapoles
Teatre Grec; 16 julio; 22 h; 25-54 €
Con Gil Dor, Gadi Seri y Gil Zohar
La cantante israeliita, acompañada del Solis String Quartet, rinde tributo al espíritu
mediterráneo con una selección de canciones napolitanas poco conocidas por el gran
público.
Niña Pastori
La orilla de mi pelo
Teatre Grec; 22 de julio; 22 h; 20-45 €
La cantante que lleva desde los años noventa revolucionando el mundo del
flamenco presenta su último trabajo, en el que se acerca más que nunca a los
sonidos cercanos al pop.
Keith Jarrett / Gary Peacock / Jack DeJohnette
Teatre Grec; 23 julio; 21 h; 36-68 €
Por primera vez actúan en el anfiteatro de Montjuïc tres maestros de jazz que, juntos,
han alcanzado la condición de mito. Atención, porque estos tres han escrito algunos
de las páginas más brillantes de la historia del género.
Pierre Henry / bcn216
Variations pour une porte et un soupir
Fundació Tàpies; 23 julio; 19 h; 5 €
Con Carlos Gómez
Un concierto organizado con la colaboración de bcn216 que nos introduce en la
música concreta, un tipo de composiciones que resultan de grabar, recortar y
superponer sonidos para formar estructuras musicales complejas.
Noche de Tango
Teatre Grec; 24 julio; 22 h; 16-35 €
Puesta en escena y dirección coreográfica: Nélida Rodríguez
Con Cecilia Rosetto, Mario Gas y el Quinteto de Erica Di Salvo, entre otros
Una velada dedicada al tango y a sus lazos con la cultura catalana, con una
formación musical argentina, la voz de Cecilia Rosetto y algunas de las mejores
parejas de tango del mundo exhibiendo su talento.
Jordi Savall
Follies criolles: les rutes del Nou Món
Teatre Grec; 25 julio; 22 h; 16-33 €
Con Montserrat Figueras, Tembembe Ensamble Continuo, La Capella Reial de
Catalunya y Hespèrion XXI
Un espectáculo sobre el mestizaje musical entre Europa y América en el cual uno de
los más grandes maestros de la recuperación e interpretación de la música antigua
hace revivir los sonidos del Caribe colonial.
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VARIOS
Converses a les biblioteques
Bibliotecas de Barcelona; 7 junio - 19 julio; 19/19.30 h;
Entrada libre, aforo limitado
Los protagonistas de algunos de los espectáculos del Grec se reencuentran con el
público en un ciclo de charlas que tiene como escenario las bibliotecas de la ciudad.
Obrador d’Estiu de la Sala Beckett
Sala Beckett, Institut del Teatre de Barcelona y Teatre Lliure; 9-16 julio
Un encuentro internacional de dramaturgos emergentes con cursos, seminarios y
lecturas dramatizadas.
Galop arrière
Un film de Bartabas
Teatre Lliure Montjuïc - Espai Lliure; 12-13 julio; 20.30 h;
Entrada libre, aforo limitado
Coincidiendo con el espectáculo El centaure i l’animal, se proyecta un film de Bartabas
en el que se repasa la carrera del hombre que ha ligado teatro y el mundo ecuestre en
espectáculos, y también la trayectoria del Théâtre Zingaro.
Juliol a La Cuina
Biblioteca Francesca Bonnemaison; 13 y 20 de julio; 20 h;
Entrada libre, aforo limitado
Dirección: Llàtzer Garcia y Xavi Martínez
Dos dramaturgos y directores de la ciudad presentan dos espectáculos basados en el
cabaret, un género del que Barcelona fue una de las grandes capitales europeas: La
sala blanca y Kafka a la ciutat de les mentides.
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INFORMACIÓN ADICIONAL
Entrevistas / artículos:
Ludovic Lagarde
Virgilio Sieni
Joël Pommerat
Marcial Di Fonzo Bo
19
Biografía de:
Joan Fontcuberta
Ludovic Lagarde: “Un mage en été’ puede leerse como
una fábula utópica sobre la modernidad”
Por Belén Ginart
Un mage en été
Oliver Cadiot y Ludovic Lagarde
25 y 26 de junio
Teatre Lliure Montjuïc
20.30h / 90 min
El director escénico Ludovic Lagarde, el escritor Olivier Cadiot y el actor Laurent
Poitrenaux conforman un sólido trío creativo con un puñado de exitosos montajes en
su haber. Cadiot, que no se considera dramaturgo, crea textos pensados para que
Lagarde, Poitrenaux y su equipo los lleven a la escena, a partir de un depurado
método que incluye un singular empleo del sonido y la luz. Durante el pasado Festival
de Aviñón, el grupo estrenó Un mage en été, un monólogo tejido a base de poesía,
reflexiones sobre la condición humana y la sociedad contemporánea y pinceladas
autobiográficas del autor que podrá verse en el Festival Grec. Ludovic Lagarde (París,
1962), prolífico director con una trayectoria nutrida tanto de textos clásicos como de
autores contemporáneos, lidera una vez más este trabajo en equipo, saludado con
entusiasmo en Avignon. Lagarde ha crecido profesionalmente en la Comédie de
Reims, un teatro del cual es director desde hace dos años. Prepara su visita al Festival
Grec desde la curiosidad por saber cómo el público acogerá en Barcelona un texto
abierto a múltiples interpretaciones y un montaje atravesado por la magia.
Su formación académica está orientada hacia la interpretación. ¿Cómo se
decantó por la dirección teatral?
En la escuela teatral comprendí que mi sitio estaba en la sala, observando la escena.
Pronto empecé a colaborar con Christian Schiaretti como asistente de dirección, lo
cual me dio la oportunidad de confirmar que mi intuición era certera.
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Han transcurrido 18 años desde la primera colaboración entre usted y el escritor
Olivier Cadiot. ¿Cómo se inició este diálogo artístico, y quién tomó la iniciativa?
Fui yo quien dio el primer paso. Todo empezó con la realización de una lectura de un
poema de Olivier Cadiot en el pequeño teatro del Cithéa (París). Después de eso,
Olivier Cadiot vino a ver mi primera puesta en escena de Trois dramaticules, de
Samuel Beckett, y a continuación le propuse un encargo teatral que aceptó y que
fructificó en Sœurs et frères, nuestra primera colaboración, creada en 1993.
¿Cuál es el motor de cada nuevo proyecto?
Desde hace años, Olivier y yo mantenemos conversaciones cotidianas que alimentan
nuestras reflexiones estéticas. Cada uno de nosotros lleva su propio recorrido literario
y teatral, y nos reencontramos cada vez que Olivier finaliza un nuevo texto. Suele
invertir entre tres y cuatro años en su escritura. Este lapso de tiempo permite una
maduración del trabajo entre nosotros.
¿Cuáles son las ventajas y los inconvenientes de trabajar con un autor vivo?
No le veo ningún inconveniente, sólo ventajas. La dificultad, que es también
estimulante, proviene del hecho que Olivier no es un autor de teatro propiamente
dicho, y por tanto se trata de adaptar sus libros a la escena y, aún más, de crear el
utillaje teatral de cada pieza.
Tras Sœurs et frères, su primera colaboración, Cadiot decidió que no quería
seguir un camino como dramaturgo, pero en cambio deseaba continuar
trabajando para el teatro. ¿Cómo resolvieron esta dicotomía?
Efectivamente, a partir de Le Colonel des Zouaves, que creamos en 1997, Olivier me
propuso una metodología diferente: él escribe un libro, una novela, para que sea
convertida en una pieza teatral. A partir de ahí, junto con el actor Laurent Poitenaux y
otros colaboradores artísticos, inventamos una metodología original para transformar
sus novelas en teatro. Yo hago una primera adaptación que de inmediato planteo a
Olivier, a los actores, a mi equipo, y a partir de ahí trabajamos a muchas manos,
mediante continuas repeticiones, para dar forma al proyecto acabado. A veces, es el
propio Olivier Cadiot quien reescribe para la escena, como sucedió con Fairy Queen o
Un nid pour quoi faire; otras veces trabajamos únicamente con el corpus del libro,
como en Le Colonel des Zouaves, Retour définit et durable de l’être aimé o como ha
ocurrido en el caso de Un mage en été.
¿Olivier Cadiot interviene mucho en el proceso de creación de cada espectáculo,
o se distancia para que el resto del equipo haga su trabajo con autonomía?
Una vez que ya tenemos definidos los grandes principios de cada proyecto con el
actor o los actores que intervienen en él, se crea un clima de confianza que convierte
a Cadiot en una suerte de consejero sobre múltiples detalles.
El actor Laurent Poitrenaux es el otro ángulo esencial del trío creativo de
muchos de sus espectáculos con Olivier Cadiot. ¿Cómo encaja en este equipo?
Laurent Poitrenaux lleva mucho tiempo familiarizado con la escritura de Olivier Cadiot.
Su virtuosismo, su humor, su generosidad, su compromiso, hacen que conozca de una
forma instintiva a Cadiot. Su lenguaje le resulta totalmente natural. Los lazos
profesionales y la amistad que nos vinculan crean entre nosotros una gran confianza.
21
Los críticos destacan que el trabajo de este trío artístico tiene un sello
inconfundible, una estética y un acabado que no se parecen a ningún otro.
¿Cuáles son las coordenadas de su trabajo?
Hemos inventado unas combinaciones particulares de trabajo con el cuerpo, en una
colaboración depurada a lo largo de los años con Odile Duboc; el vocabulario de la luz
que hemos elaborado pacientemente con Sébastien Michaud; una economía particular
del espacio y un trabajo sobre el sonido y en particular sobre la transformación de la
voz y ahora de la especialización. Todo esto constituye este utillaje original del que
hablaba y que hemos inventado conjuntamente.
¿Cuál es el germen de Un mage en été?
Olivier Cadiot llevaba mucho tiempo queriendo volver a escribir un monólogo para
Laurent Poitrenaux (como hizo en Un nid por quoi faire). Inventó esta figura del Mago,
a partir de ciertos elementos biográficos, y se lanzó a la escritura.
Se trata de un texto lleno de poesía y de capacidad de sugestión. ¿Cuáles son
los temas que lo atraviesan?
Como ocurre a menudo con los textos de Cadiot, Un mage en été se puede leer de
muchas formas distintas. Como un autorretrato de artista, un ensayo sobre la
metafísica de la técnica entre herramientas antiguas y modernas, como una fábula
sobre la posibilidad de la modernidad utópica y agradable, y como la historia de un
mago inicialmente atravesado por visiones felices que, súbitamente asustado por
visiones macabras, prefiere suspender este don adivinatorio y tomarse unas
vacaciones.
Robinson es un personaje central en la obra de Cadiot. ¿Cómo es el Robinson
que nos encontramos en Un mage en été?
Uno de los temas que plantea Un mage en été es qué hacer con las técnicas de
comunicación modernas, y éste es un Robinson que se interroga acerca de estas
cuestiones. ¿Vivimos nuevos momentos de opresión, de sobrevigilancia, de
acumulaciones desastrosas, de clasificación, o al contrario podemos imaginarnos que
supone una magia moderna beneficiosa para el mañana?
¿Cuál es el viaje emocional vivido por el espectador con este montaje?
He planteado la puesta en escena de Un mage en été como una sesión de magia
teatral. Crear visiones, percepciones, sensaciones para el espectador, sin que éste
sepa realmente cómo están constituidas. El trabajo sonoro que hemos realizado en
colaboración con el IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique /
Musique) nos ha ayudado particularmente.
En Barcelona, el espectáculo será subtitulado. ¿Le preocupa cómo puede
afectar esta circunstancia a la recepción por parte del público?
Tengo mucha curiosidad por ver cómo el público español acogerá esta propuesta.
Deberemos trabajar para conseguir una buena frecuencia de subtitulado para lograr el
ritmo adecuado, ajustado al del espectáculo.
¿Cuál es la importancia del Festival de Avignon en su carrera?
22
Desde el año 2004, he tenido la suerte de crear muchos espectáculos en el Festival de
Avignon. Lo vivo como una aventura importante dentro de mi trayectoria teatral. Al
mismo tiempo, el festival ha favorecido un cierto reconocimiento internacional de mi
trabajo.
¿Y qué papel ha jugado en ella la Comédie de Reims?
Desde hace dos años, soy el director de la Comédie de Reims. Y me siento muy feliz
de poder compartir esta herramienta de producción con otros artistas y, en particular,
con jóvenes creadores.
23
Virgilio Sieni: “Ser bailarín requiere mucho coraje”
Por Belén Ginart
Solo Goldberg
Improvisation
Teatre Lliure de Gràcia
26 de junio
20.30 h / 60 min
Sis descendiments de la
creu al voltant de la Rambla
Diversos espacios de Ciutat
Vella
Del 1 al 3 de julio
20 i 20.30 h
Durada del recorregut: 115
minmin
El prestigio del coreógrafo y bailarín Virgilio Sieni (Florencia, 1958), uno de los
principales referentes de la danza contemporánea italiana y europea, viene avalado
por los numerosos galardones recibidos a lo largo de su trayectoria. Entre ellos
destacan dos premios Ubu, el más prestigioso galardón de las artes escénicas
italianas. Su trabajo se alimenta de una inagotable curiosidad, presente ya en su etapa
académica. Formado en danza clásica y contemporánea en Ámsterdam, Nueva York y
Tokio, también estudió arquitectura, artes visuales y artes marciales japonesas. En
1983 fundó compañía propia (Parco Butterfly), que desde 1992 lleva su nombre.
Desde 2003, la compañía Virgilio Sieni tiene su sede estable en Cango Cantieri
Goldonetta, en Florencia, un espacio que funciona como auténtico laboratorio sobre el
movimiento, además de ser residencia para artistas. En 2007 fundó allí la Accademia
sull’arte del gesto. Sus energías basculan entre el trabajo con profesionales y el
dirigido a personas que nunca antes habían participado en un espectáculo de danza,
singularmente personas ancianas, personas invidentes y colectivos de inmigrantes.
Todos ellos estarán representados en Sis descediments de la creu al voltant de la
Rambla, el espectáculo que presentará en Barcelona, integrado en un ambicioso
proyecto de investigación sobre el arte del gesto en el Mediterráneo. Además, Sieni
bailará en la ciudad el Solo Goldberg Improvisation. Será la segunda visita de la
compañía al Festival Grec, donde el año pasado presentó La nature delle cose,
espectáculo inspirado en un poema de Lucrecio.
Cómo entró la danza en su vida?
Ocurrió de una manera muy directa, muy fuerte, a través de mi fascinación por la
pintura y el arte en general. Me fascinaba mucho la idea de la relación del cuerpo con
el espacio, desde un planteamiento a la vez espiritual y arquitectónico. Me inicié a
partir de la danza clásica y también desde la danza expresionista, aunque eso fue muy
al principio. Al mismo tiempo, me sentía totalmente fascinado por el teatro de
vanguardia de los años 70. Hacia los 18 años estudié en Ámsterdam, donde me formé
en el estudio anglosajón del cuerpo. Y luego fui un año a Japón para estudiar artes
marciales.
¿Cómo influyen en su danza sus estudios de arquitectura?
24
Concibo el cuerpo como un sistema arquitectónico, o incluso desde la ingeniería,
como una confluencia de fuerzas, de presión, de resistencia y de arte. Al mismo
tiempo, me seduce mucho establecer una relación entre mi trabajo y el urbanismo. En
mis proyectos, como el que desarrollaré en Barcelona, me planteo cómo incardinar el
cuerpo humano en una ciudad. Me interesa la idea del cuerpo como un sistema de
fuerzas y energías, exactamente como se construye una casa. Y al mismo tiempo
estoy muy interesado en trabajar con una población determinada para llevar a cabo un
trabajo geográfico, un trabajo de territorio y de identidad.
En este sentido, ¿cómo surge la idea del proyecto del Arte del gesto en el
Mediterráneo, una de cuyas etapas se desarrollará en Barcelona?
Nació hace dos años. La idea es casi un sueño: la voluntad de crear una especie de
diccionario, o más bien de mapa geográfico del Mediterráneo, que suponga una
reflexión sobre el conflicto y la identidad. Quería trabajar con personas de identidad
diversa, de lugares diferentes, con el deseo de crear una gran colección de gestos
poéticos. Mi intención es acercar a las personas a través del sentido del cuerpo y de la
poesía. En el origen de este proyecto fue decisivo el interés manifestado por la ciudad
de Marsella, que en 2013 será Capital Europea de la Cultura. Allí tuvo lugar la primera
etapa del proyecto. En este análisis sobre el gesto en el Mediterráneo trabajaremos en
metrópolis como Barcelona, Marsella o Nápoles, y también en lugares minúsculos y
muy rurales: hay una gran variedad de formatos. Pero en todos destaca la misma idea:
crear una comunicación a distancia mediante el gesto poético.
¿La finalidad de este proyecto es encontrar rasgos comunes en lugares
diversos?
Lo realmente interesante del proyecto es que, aunque la gente participante sea
diversa, siempre aparecen elementos comunes. Las personas con las que trabajo son
ancianos, personas muy jóvenes, comunidades de inmigrantes. A veces confronto
profesionales con personas que nunca bailaron. Porque entiendo el proyecto como un
lugar de encuentro. Cada ciudad tiene su temática. En Barcelona he decidido trabajar
sobre la idea de la deposición, sobre la idea de tener y sostener el cuerpo del otro, de
otra persona. El próximo trabajo, que haré en Arles, junto a Marsella, va sobre madres
e hijas, un poco como una Sagrada Familia. Siempre hay un pequeño hilo conductor.
Aquí se aprecia también la influencia del arte en su trabajo.
Sí, la influencia antigua del arte, siempre me he sentido muy atraído hacia este sentido
de origen.
¿En Barcelona los bailarines son no profesionales?
Aún estamos en proceso de búsqueda. El espectáculo se desarrollará en seis lugares,
seis espacios, seis acciones. Me gustaría encontrar una familia árabe, personas
ancianas del Barrio Gótico, un grupo de artesanos que tengan un oficio… buscamos
una tipología variada. No serán profesionales, pero los profesionales me ayudarán a
construir este espectáculo.
¿Usted ha intervenido en la elección de los lugares donde se desarrollan las
acciones?
Queríamos trabajar en el entorno de la Rambla, que es un canal vertical, pero a partir
de una idea de columna vertebral horizontal respecto al mar. Se parte del Palacio de la
Virreina, se cruza al otro lado hasta el Palau Moja, en Portaferrisa, con el imaginario
de los conquistadores. Pasamos a la Sala Martí del Museo de Historia de Barcelona.
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El cuarto lugar es el Museo Picasso en la zona semi abierta, luego la calle Flassaders,
en la vieja Seca, donde se está construyendo un nuevo espacio. Y se acaba en el
Convent de Sant Agustí. Es un recorrido bastante horizontal respecto al mar. Me
interesaba mucho porque en Marsella hicimos un trabajo vertical, mientras aquí se
habla de un cuerpo como si estuviera en reposo a lo largo de toda la línea del mar.
Con esta idea de cuerpo en reposo. Y de aquí nace la idea de trabajar sobre las
deposiciones. Son lugares con un formato muy diverso. En el Museo Picasso me
gustaría trabajar con un grupo de ciegos. En Florencia fundé una compañía de niños
no videntes. Me gustaba la idea de continuar la experiencia en este proyecto. Porque
el proyecto, como decía antes, es un punto de encuentro entre personas diversas.
¿Qué le aporta trabajar con personas no profesionales?
Trabajo mucho con profesionales, obviamente. Lo maravilloso de las personas no
profesionales que aceptan participar en esta experiencia es que deciden dedicar
totalmente su tiempo, por un breve periodo, a este trabajo. Y lo hacen desde un
planteamiento muy profesional. Es una forma de dar; un anciano de 80, de 90 años,
cercano a la muerte, decide dedicar dos meses a algo, es como la idea de suspender
un camino. Para mí siempre es algo muy nuevo, porque la intensidad, el esfuerzo, que
una persona no profesional dedica a hacer un movimiento simple, es el mismo que un
profesional dedica a hacer 32 movimientos. Esto es lo maravilloso: difícilmente un
profesional se implica tanto para dar un paso simple, difícilmente utiliza tanta
intensidad. Siempre me encuentro frente a personas que ofrecen una gran intensidad,
un gran esfuerzo. En este sentido, siempre emerge algo nuevo, y además suele
producirse una gran cercanía entre los intérpretes. Es una dinámica muy diferente a la
que se genera en el trabajo con una compañía.
¿La Accademia sull’arte del gesto también trabaja en esta dirección?
Sí, la Academia del gesto es un proyecto paralelo a la compañía, está abierto a
personas ancianas, ciegos, niños, pero también a profesionales. Son proyectos en
continuo crecimiento.
¿Qué ha significado para su compañía tener una sede estable?
Es un milagro. La sede estable nos ha permitido justamente crear la Accademia,
continuar sembrando, plantando, darse un tiempo bastante amplio. No es tanto la idea
del proyecto, es la idea de sembrar, de ver crecer en el tiempo, de la experiencia de
poder desarrollar. Tener un lugar significa principalmente abrirlo a los demás. Es como
la respiración, a veces se cierra y a veces se abre. En Italia, tener una sede estable es
algo bastante insólito.
¿Cómo ha evolucionado la compañía?
Antes todos los bailarines de la compañía participaban en todas las producciones, era
una compañía también estable. Pero hace cinco años este proyecto cambió. Dado que
nuestro trabajo es muy amplio a nivel productivo, me interesaba poder encontrar a
bailarines diversos. Ahora sólo hay tres bailarines que trabajan de forma continuada
en la compañía, mientras todo un grupo de bailarines participa de forma rotatoria, de
vez en cuando, en función de las producciones. Por ejemplo, la próxima es un quinteto
sólo de mujeres. La precedente, en cambio, reunía a cuatro hombres y una mujer. El
resto de bailarines participan en otros proyectos a lo largo del año. Es decir, que la
compañía ya no es estable en el sentido de que todos lo hacen todo. Queríamos una
mayor flexibilidad y apertura.
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En Barcelona también presenta un solo, en el que lleva mucho tiempo
trabajando.
El trabajo sobre las Variaciones Goldberg es para mí un motivo de inspiración. Son 30
variaciones y dos arias. Para hacer estas 32 piezas, me inspiro continuamente en un
arco pictórico que va desde el siglo XIII hasta hoy. Es un trabajo con una fuerte base,
pero continuamente, a medida que mi cuerpo envejece, hago todas las posibles
variaciones. Es un trabajo que en su forma definitiva nace en el 2000, de modo que
son 10 años en los que ha variado continuamente, para mí representa una especie de
manifiesto, cada vez que lo retomo entran cosas diversas.
¿En qué sentido habla de manifiesto?
Para mí es un espectáculo que se ha convertido en mi laboratorio.
¿Después de tanto tiempo aún queda espacio para experimentar? ¿Sigue
habiendo lugar para la improvisación?
Me interesa mucho el concepto de improvisación y de variación. Coincide con la idea
de coreografía y de inspiración. Trabajo con todo esto. El trabajo del artista es siempre
una continua búsqueda. Aquí presento un espectáculo definido, pero que siempre se
nutre de elementos nuevos. No es una coreografía establecida como un repertorio
clásico. Siento la necesidad de innovarlo cada vez, en el verdadero sentido de la
palabra. La música es siempre la misma, por supuesto. En este sentido, prefiero
hablar de variaciones antes que de improvisación. Para hacer una improvisación se
necesita una colaboración de todos los elementos.
¿Cómo cambia su relación con su propio cuerpo a lo largo del tiempo?
El cuerpo es algo extraordinario, porque cada instante somos diferentes al anterior. Y
esta diferencia no significa el envejecimiento en el sentido occidental, de negatividad.
En la danza, el concepto de envejecimiento lo entiendo desde un punto de vista
positivo. Trabajando de cierta manera, a partir de un concepto holístico del cuerpo,
seguramente con la edad se abandonan cosas y se adquieren otras. Lo importante es
tener el sentido de la renovación, y buscar lo que yo llamo la forma virtuosa del
cuerpo, una relación valiente con el cuerpo. Es bello mantener viva esta idea del
coraje, para afrontar los cambios del cuerpo. La Accademia sull’arte del gesto nace
con esta idea, por eso trabajamos con personas que tienen 90 años, o con alguien que
siempre se ha dedicado al boxeo, para hacer por primera vez en su vida una
experiencia que nunca había hecho. Coincide exactamente con el segundo en que un
bailarín se pone a bailar cada vez. Debe sentir que es la primera vez. Por eso digo que
ser bailarín requiere mucho coraje.
¿Y la emoción se mantiene con los años?
La emoción es algo muy íntimo. Igual que la inspiración. Siempre se mantiene,
siempre se cultiva. La capacidad de emocionarse es algo muy importante, está muy
ligada a los elementos primarios de la vida. La danza para mí es como una
consecuencia, es algo que me llega sin esfuerzo, aunque me esté mal decirlo. El
problema es todo el resto, es mantener el deseo y la curiosidad por todo el resto. La
curiosidad es fundamental, el estar en el lugar, en descubrir las cosas continuamente
en las personas, en la ciudad, estar con la gente. Me gusta mucho el cine. Al menos
una vez al año estoy solo, sin nada, como mínimo seis días, frente al mar. Me gusta
leer. Son cosas que van y vienen. La danza es una constante, permanece siempre. Y
a lo largo de este siempre, van variando las otras cosas que me interesan, como
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volver a ver cuadros que en este sentido se convierten en viejos amigos, porque
cuando vuelvo me parece como encontrar a alguien que se conoce.
¿Con qué actitud regresa a la ciudad y al festival?
Vinimos una vez al Grec con La natura delle cose. Para mí fue una experiencia muy
bella, Barcelona es una ciudad muy apetecible. El Grec es un gran festival, es como
entrar en un ágora donde encontrar muchas experiencias. El Grec tiene una bonita
dimensión de ciudad, no está cerrado en sí mismo como ocurre con otros festivales. Y
la posibilidad de encontrar artistas internacionales, bailarines del lugar… me interesa
mucho, me parece propicio para que fructifique algo de ello.
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Joël Pommerat, el creador que persigue un secreto
Por Belén Ginart
El autor y director escénico francés Joël Pommerat (Roanne, 1963) concibe la
creación artística como un proyecto de vida, mucho más allá de la mera actividad
profesional. Trabajador infatigable, modela sus espectáculos a pie de escenario a
partir de un método depurado durante más de dos décadas de trayectoria, donde la
palabra tiene tanto peso como el cuerpo y el gesto, la sonoridad y un singular
tratamiento de la luz y del espacio, inicialmente vacío y progresivamente habitado de
evocadoras, sugerentes y misteriosas imágenes. Poesía y crudeza, humor y tragedia
se mezclan en sus obras, poseedoras de un estilo inconfundible en el que cada vez
queda menos lugar para la narración y la linealidad y, por el contrario, va ganando
peso la fragmentación y la voluntad de plantear interrogantes al espectador para que
los responda a partir de su propia experiencia.
Pommerat es un buen representante de la tradición de creadores escénicos hechos a
si mismos, independientes y alejados de modas y tendencias. Abandonó los estudios
académicos a los 16 años; pero para entonces, por influencia de una de sus
profesoras, ya se había contagiado de pasión por el teatro. Inclinado en un principio
hacia la interpretación, pronto descubrió que no se sentía cómodo en el rol de actor.
La sumisión a las decisiones ajenas no encajaba con su talante y, especialmente, con
su indomable creatividad. A partir de los 23 años se consagró con fruición a la
escritura y, salvo un paréntesis en el que se dedicó con la misma entrega a la
dirección de cortometrajes, no ha parado de escribir, principalmente para el teatro,
pero también para la ópera y la radio.
A los 27 años creó su propia compañía, la Louis Brouillard, con la que ha desarrollado
su doble faceta de autor y director. Le gusta establecer sólidos vínculos con quienes
se cruzan en su camino creativo: entre los actores, y también entre los teatros que
acogen sus espectáculos, ya sea en forma de residencia o en la condición de artista
invitado. El Théâtre de Brétigny-sur-Orge, la Scène Nationale de Chambéry et de la
Savoie, el Théâtre des Bouffes du Nord (2007-2010) en calidad de artista residente y
las asociaciones actuales con el Odéon-Théâtre de l’Europe (2010-2013) y el Théâtre
National de Bruxelles (2010-2015) ejemplifican estas colaboraciones de largo aliento.
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Pommerat no se considera un dramaturgo, sino un practicante de teatro, un fabricante
de piezas para quien el espacio es la página en blanco de la escritura teatral. Le gusta
decir que él no escribe textos, sino espectáculos. Y compara el proceso creativo con
salir en busca de un secreto. A partir de una intuición inicial, de una pregunta que
desea responder, el sentido de cada nueva obra se va concretando a medida que ésta
va cobrando forma, con la estrecha implicación de los actores y del equipo técnico,
imprescindible también en su trabajo. Confía en que las situaciones planteadas hablen
por sí mismas y pongan al espectador cara a cara con su propio imaginario, su historia
personal y sus recuerdos. La fragmentación característica de sus obras (Je Tremble;
Les Marchands; Au Monde…) tiene que ver con esta idea de sentido desvelado: la
suma de situaciones, de imágenes, de sensaciones, de sonoridad, de palabras, van
creando lazos y estableciendo significados, como si se tratara de un poema.
Pommerat entiende el teatro como un espacio para la reflexión y acostumbra a tratar
temas inherentes a la condición humana, como los vínculos familiares, las relaciones
laborales y cualquier situación de opresión y dominación. Al mismo tiempo, defiende
que la ficción teatral no es razonable, que no hay espacio para la verosimilitud. Y en
este sentido trabaja una atmósfera extraña e irreal cuajada de secreto y misterio, de
fantasía y de delirio (yuxtaposición de pasado y presente, adultos con cabeza de niño,
personajes descalzos que se desplazan con ruido de taconeo…). Sus espectáculos
acostumbran a partir del espacio vacío, abocados a un silencio del que
progresivamente van emergiendo contornos, subrayados por los efectos luminosos y
acústicos. Receloso del teatro dialogado, la voz narradora es otra constante en sus
obras.
Su abigarrada agenda le impedirá viajar a Barcelona para asistir al Festival Grec,
donde se presentará una pincelada de su prolífica carrera de la mano de uno de sus
últimos montajes para adultos (Cercles / Fictions, estrenado en 2010) y Le Petit
Chaperon rouge, creado en 2004, su primer espectáculo para público infantil (al que
cuatro años más tarde dedicó también Pinocchio).
Cercles / Fictions se estrenó en enero de 2010 en el Thêatre des Bouffes du Nord, en
el marco de una residencia de tres años por invitación de Peter Brook. Las
conversaciones artísticas con Brook fueron cruciales para el desarrollo de la pieza, y
supusieron un punto de inflexión para Pommerat y para su compañía. Hasta entonces,
todos sus espectáculos habían sido concebidos para ser representados en una
disposición a la italiana, con el público de frente y, en consecuencia, con un mismo
punto de vista. Por estímulo de Brook, Pommerat se animó a hacer un montaje en el
que el público rodea por completo la escena, el Cercles al que alude el título. De este
modo, se trabajó pensando en una multiplicidad de perspectivas hacia unas historias
fragmentarias repletas de elementos autobiográficos. Pommerat explica que, salvo
uno, todos los personajes convocados en la pieza son auténticos y le conciernen
directamente. Que, de algún modo, todas las historias presentadas han influido en el
hombre que es.
En esta suma de escenas, y sin solución de continuidad, el público viaja desde la
Edad Media hasta el mundo contemporáneo, en un periplo poblado de personajes tan
diversos como un caballero a las órdenes de la Inquisición, un coach encargado de
instruir a mendigos para que encuentren su lugar en el mundo laboral, un triunfador
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capaz de las mayores bajezas para tratar de sanar a su hijo enfermo o un hombre
casado que declara su amor a su antiguo mayordomo. La sumisión y la dominación,
materializadas en un crisol de relaciones de poder, se asoman en las distintas
escenas en las que, a partir de un acontecimiento anodino, las situaciones se vuelven
del revés. En ellas se conduce al espectador por un viaje cuajado de emociones que le
confrontan con sus propios fantasmas y recuerdos: paisajes visuales, sonoros y
olfativos y cambios de decorado que se producen como por arte de magia, desde un
espacio en penumbra pero a la vista de todos. La disposición circular favorece un
vínculo muy íntimo entre actores y espectadores y, a su vez, de algún modo convierte
a éstos en protagonistas, desde el momento en que forman parte del plano de la obra
que contempla el público que tienen enfrente. El torbellino de escenas reunido
conforma una crítica de la sociedad liberal, y muestra un mundo en el que las
relaciones con los demás no son fáciles.
Le Petit Chaperon rouge, el segundo espectáculo creado por Pommerat que podrá
verse en el Grec, se estrenó en junio de 2004 en el Théâtre Brétigny. La fascinación
de Pommerat por el cuento infantil tiene también raíces autobiográficas. Su madre,
criada en una granja, solía contarle cómo de pequeña debía caminar sola a través del
bosque durante varios quilómetros para poder ir a la escuela. A partir de la imagen de
esa niña vulnerable, Pommerat ha creado un espectáculo que habla sobre la
necesidad de enseñar a los niños a enfrentarse al miedo para que éste no resulte
paralizante. La complejidad de las relaciones familiares sobrevuela también este relato
de iniciación que el autor abordó con la misma exigencia aplicada a cualquiera de sus
espectáculos para adultos, y que ha sido aplaudido por públicos de todas las edades.
No hay capas ni color rojo a la espalda de esta caperucita en la que el autor ha
renunciado a dulcificar la crueldad, donde la naturaleza aparece en su condición de
peligrosa, maravillosa e imprevisible, pero también como algo maravilloso y deseable.
Miedo y deseo como las dos caras de una misma moneda en esta versión del clásico
de la que se han realizado ya más de 600 representaciones.
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El séptimo pecado capital en el paisaje moral del nuevo
siglo
Marcial di Fonzo Bo y Elise Vigier completan, con su montaje de La tossuderia (La
terquedad), la ambiciosa Heptalogía de Hieronymus Boch Rafael Spregelburd
Por Matías Néspolo
La tossuderia
Teatre Lliure Montjuïc
19 y 20 de junio
20.30 h / 150 min
Todo comenzó hace más de una década frente a un óleo sobre madera en el Museo
del Prado. Un cuadro concebido no para ser contemplado sobre una pared, sino para
ser recorrido circularmente: la mesa de Los siete pecados capitales y las cuatro
postrimerías de El Bosco, en el que el director y dramaturgo argentino Rafael
Spregelburd (1970), una de las voces más renovadoras y sugerentes de la escena
contemporánea, se inspiró para tramar un ambicioso y desmesurado proyecto, la
Heptalogía de Hieronymus Boch.
Un proyecto compuesto por siete piezas teatrales “autónomas e independientes que
en su conjunto trazan una suerte de cartografía moral de finales del siglo XX”, explica
su compatriota Marcial Di Fonzo Bo (1968). Y este talentoso actor y director radicado
en Francia desde hace más de 20 años sabe muy bien de lo que habla, porque junto a
Elise Vigier ya ha montado tres de ellas con su compañía de Rennes Théâtre des
Lucioles (Teatro de las Luciérnagas): La estupidez (2008), El pánico (2009) y La
paranoia (2009).
Ahora di Fonzo Bo y Vigier se enfrentan a la séptima y última pieza de Spregelburd, La
terquedad, que estrenan el 13 de junio en Torino antes de desembarcar en el Grec y
continuar viaje hacia el Festival de Avignon. Se trata de una obra ambientada en 1939,
en un pequeño pueblo valenciano. La protagoniza Jaume Planc, el comisario del
pueblo al servicio de la República, pero de ideas fascistas, que intenta crear un
lenguaje artificial a salvo de cualquier malentendido con el que todos los pueblos del
mundo puedan comunicarse. La acción transcurre al ritmo de un relato policíaco en la
tarde de uno de los últimos días de la Guerra Civil en tres espacios distintos: la sala de
la casa del comisario, la habitación de su hija Alfonsa y los jardines. Los mismos
hechos en el mismo período de tiempo, pero desde perspectivas distintas.
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“Spregelburd es un dramaturgo genial y complejo. El suyo es un teatro de situación:
escribe para su compañía El Patrón Vázquez y el motor teatral no está en el texto
editado, sino en el trabajo en escena. El texto es más bien el resultado, como si fuera
una desgrabación de los que sucede en escena”, explica di Fonzo Bo, en relación a
sus montajes junto a Vigier con la compañía Théâtre des Lucioles, que siguen esa
dinámica colectiva de trabajo.
¿Cómo encaró junto a Elise Vigier el montaje de La terquedad? ¿La experiencia
previa con el teatro de Spregelburd facilitó las cosas?
Con el Théâtre des Lucioles acostumbramos a explorar la dramaturgia de un autor a
través de varias obras. Eso fue lo que hicimos con Copi, con Fassbinder, con Leslie
Kaplan y también con Rodrigo García. Nos interesa descubrir cuál es el diseño de
cada proyecto dramático. El caso de Spregelburd es más complejo, es un autor que
lleva su tiempo comprender. Es imprescindible tener cierto background para entrar en
su universo. Pero, por otro lado, se trata de un autor que dirige sus propias obras,
además de interpretarlas. Y esa particularidad lo acerca mucho a la manera de
trabajar de nuestra compañía, en la que todos somos actores. Con Elise Vigier
dirigimos la puesta en escena, pero al mismo tiempo estamos actuando sobre el
escenario.
¿Qué lugar ocupa esta obra dentro de la Heptalogía?
A Spregelburd le llevó diez años completar el proyecto. Escribió La terquedad en
2008 y es, en efecto, su séptimo y último capítulo, según el orden en el que imaginó la
serie. Cada una de las siete piezas son muy diferentes entre sí, pero más aún las
últimas cuatro en relación a las primeras entregas. A partir de La estupidez, escrita
poco después de la gran crisis económica argentina de 2001, Spregelburd decide
librar obras desmesuradas y excesivas en todo sentido. Tanto en lo formal y en la
cantidad de referencias cinematográficas y literarias, como en la duración y el número
de personajes, porque cree que la medida de lo convencional hace tiempo que dejó de
interesar al público. La estupidez transcurre en la ciudad de Las Vegas y representa
su relectura del pecado original de la avaricia.
La paranoia, en cambio, plantea una reflexión metafísica sobre la función del lenguaje
y el lugar que ocupa en él de la ficción. De allí se desprende la utilización del formato
de Ciencia Ficción. La obra desarrolla el tema del lenguaje y su relación íntima con la
imaginación, con su capacidad intrínseca de crear mundos imaginarios, ficciones que
pueden modificar y desplazar la relación espacio-tiempo. La paranoia proyecta la
acción de la obra hacia el futuro, unos diez mil años después de Cristo. Pero La
Terquedad recorre el camino inverso. La acción trascurre en Turis, un pequeño pueblo
cercano a Valencia, en 1939, unos días antes del final de la Guerra Civil española.
¿Y cuál diría que es su tema de fondo?
La cuestión que plantea La terquedad es el carácter paradójico del lenguaje, que es a
la vez método de comunicación, pero también de incomprensión entre diferentes
culturas. La obra habla de la imposibilidad de establecer un lenguaje de manera
independiente, por encima de los condicionamientos políticos e históricos de las
diferentes culturas. Pero también trata, a su vez, de la dimensión mística del lenguaje.
Todo el trabajo de la Heptalogía remite a la idea de mundo. El fin de una determinada
organización establecida, al igual que El Bosco refiere el final de una época, el
Medioevo, con la caída de la figura de Dios como centro moral. “¿Cómo imaginar la
desviación cuando no hay más centro?”, se pregunta Spregelburd cuando realiza la
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misma operación que el pintor, pero desde nuestra época y revisita los pecados
capitales a finales del siglo XX. La gula se convierte en paranoia y la ira, en terquedad.
Por eso Spregelburd dice que se trata de obras morales. La moral está en el foco de
su reflexión, cuestiona la noción misma de desviación y los principios organizadores
de la modernidad se desmoronan.
¿Cómo se resuelve en la puesta en escena la simultaneidad de la acción en
espacios distintos?
La obra tiene una estructura en tres actos y propone tres puntos de vista simultáneos
de un mismo episodio. Los tres actos transcurren entre las 17.00 y las 18.00 horas del
mismo día, pero en diferentes sitios de la casa de Planc, un comisario republicano y
fascista a la vez. El primer acto transcurre en el salón de la casa. El segundo, en la
habitación de Alfonsa, su hija enfermiza. Y el tercero, en el jardín frente a la casa. La
misma historia es contada tres veces por personajes diferentes y desde perspectivas
diferentes, que van sumando repercusiones en la trama.
A la inversa de lo que habitualmente hace buena parte de la literatura y la
cinematografía, que cuentan la Guerra Civil desde la visión de los brigadistas
internacionales o los milicianos heroicos, Spregelburd adopta el punto de vista de los
fascistas. Pero, como el modelo elegido es la mesa de Los siete pecados capitales de
El Bosco, se trata de una obra cargada de pequeños detalles que no se puede abarcar
de una sola mirada. Nadie la ve del mismo modo. Estamos obligados a elegir el
sentido y el recorrido de nuestra mirada. Cada espectador debe formar su propio
punto de vista. Spregelburd hace trizas a los grandes sujetos de la obra y los dispersa
en una multitud de pequeñas situaciones que contienen de manera fractal el mismo
diseño que toda la historia. Es una dramaturgia de una matemática implacable.
¿El marco histórico es determinante o permite algún tipo de generalización
universal de la obra?
La terquedad sucede en 1939, pero está contada desde hoy en día. El autor no
escapa de su actualidad ni hace abstracción de ella. Spregelburd escribe desde el
presente para contar algo que ocurrió en el pasado y se divierte visitando viejas
dramaturgias. En la obra hay un perfume de drama romántico lorquiano y situaciones
que recuerdan a Chejóv. Los especialistas seguramente encontrarán citas fugaces de
Las tres hermanas o El jardín de los cerezos, pero se trata sólo de algunos giros casi
sentimentales para hacer manifiesto el trabajo del autor en la recreación del ambiente
épico de la historia. Cosa que se traduce en el estilo literario y, por momentos, un poco
anticuado de la obra, con algunas españoladas muy graciosas para el contexto
argentino en el que fue escrita. Además, todos estos anacronismos producen
situaciones realmente cómicas y resulta muy raro encontrar una obra con tanto humor
que hable de la Guerra Civil.
¿Qué función cumple en la trama el Katak, esa lengua artificial y total(itaria) con
la que sueña Planc?
El comisario Planc persigue dos utopías aparentemente contradictorias. Por un lado,
es un fascista que trabaja al servicio de la República, pero para restaurar el orden y la
religión. Y por el otro, desarrolla este proyecto lingüístico que permitirá, según él, unir
a las diferentes poblaciones del mundo. Se trata de un proyecto profundamente
humanista. Lo interesante de la reflexión de Spregelburd es que plantea el punto en el
que el proyecto humanista y la ideología fascista se cruzan. Hay un pasaje de la obra
que resulta muy ilustrador al respecto. Un traductor ruso es enviado por Stalin a
Cataluña para comprarle a Planc el diccionario de esta nueva invención lingüística. Y
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cuando el comisario se da cuenta que su creación puede servir a los intereses
estalinistas y a los ideales ateos –la cuestión religiosa tiene un importante peso en la
obra– acaba destruyendo gran parte de la obra.
En definitiva, toda la Heptalogía plantea esta misma reflexión sobre el uso y las
funciones del lenguaje. Spregelburd es un lingüista apasionado, políglota y traductor,
que además conoce el esperanto. Pero en particular, lo que explora La terquedad es
la función política del lenguaje. De qué manera el idioma puede servir a los intereses
de una nación y difundir su cultura. Si la supresión de las fronteras culturales y
lingüísticas es una garantía de unidad entre los pueblos o de su esclavitud.
Esas preguntas estan presentes en la obra, pero de manera sesgada porque el teatro
de Spregelburd es eminentemente político, pero nunca de manera frontal, al estilo de,
por ejemplo, Edward Bond.
En esa misma línea, ¿cómo se articula este montaje trilingüe?
El reparto incluye varios actores bilingües y también algunos trilingües: castellano,
francés y valenciano. Valenciano, que no es exactamente lo mismo que catalán,
aunque ambas lenguas fueran igualmente prohibidas por el franquismo que impuso el
castellano como lengua oficial durante más de 40 años, como es sabido. Como la
puesta en escena es una producción francesa del próximo Festival de Avignon y
también del Festival de Otoño de París está pensada para un público esencialmente
francófono. Aún así, hemos tramado una versión que mezcla y combina los tres
idiomas. Nuestro objetivo fundamental era mantener el valenciano en la obra, ya que
la cuestión lingüística era universal, eso nos permitía conservar cierta ambientación
local del contexto histórico.
La escenografía está inspirada en la obra de Antoni Tapiès y es en cierto modo
abstracta, aunque el vestuario es en su mayor parte de época. Evidentemente la obra
irá subtitulada, de acuerdo al país en donde se represente. Pero los subtítulos están
integrados en la misma estética de la escenografía.
¿Qué espera del público barcelonés del Grec?
Me intriga la idea de presentar el espectáculo en Barcelona, porque tal vez alguno de
los personajes de esta historia se encuentre en la sala. ¿Escuchará el público catalán
la voz de la pequeña Rebecca perdida en fondo del pozo? En todo caso, para mí será
todo un desafío personal, el de tener que interpretar algunos pasajes en valenciano.
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JOAN FONTCUBERTA,
Autor del cartel del GREC 2011 Festival de Barcelona
Joan Fontcuberta nace en Barcelona en 1955. Empieza a interesarse por la fotografía
mientras cursa bachillerato en la escuela. Estudia ciencias de la información en la
Universidad Autónoma de Barcelona, donde se licencia en 1978. Compagina sus
estudios con experiencia profesional en el ámbito de la publicidad y del periodismo.
Fue profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona entre 1978
y 1986. Ha ejercido la docencia como profesor invitado en diferentes centros y
universidades, como The School of the Art Institute of Chicago (1990); École
Supérieure d’Arts Appliqués, Vevey, Suiza (1995-2003); Department of Visual &
Environmental Studies, Harvard University, Estados Unidos (2003-2004); School of
Art, Media & Design, University of Wales, Newport (2005-2006); Le Fresnoy, Centre
National des Arts Contemporains, Turcoing, Francia (2006-2007). A partir de 1993 es
profesor asociado de estudios de comunicación audiovisual de la Universitat Pompeu
Fabra de Barcelona.
Colabora con asiduidad en prensa regular y publicaciones especializadas en arte e
imagen. Estudioso de la historia de la fotografía española en el siglo XX y de la
creación contemporánea internacional, ha escrito numerosos ensayos sobre este tema
y ha ejercido como comisario de múltiples exposiciones dedicadas a algunos de sus
aspectos. En 1975 cofunda el grupo FotoFAD y en 1977 el grupo Alabern. En 1979
impulsa las Jornadas Catalanas de Fotografía y en 1982 cofunda la Primavera
Fotográfica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival
Internacional de Fotografía de Arlés, Francia. En 2008 cofunda la manifestación
SCAN.
Entre otras distinciones, Joan Fontcuberta ha sido galardonado con la medalla David
Octavious Hill, otorgada por la Fotografisches Akademie GDL en Alemania en 1988,
en 1994 fue distinguido Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de
Cultura de Francia. En 1997 recibe el UK Year of Photography and Electronic Image
Grant Award concedido por el Arts Council de Gran Bretaña; en 1998, el Premio
Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura; en 2002, el Premio
Internacional de Fotografía otorgado por el CRAF (Centro di Ricerca e Archivazione
della Fotografia) de Spilimbergo, Italia, y en 2011, el Premi Nacional de Cultura,
otorgado por la Generalitat de Catalunya.
Sus obras pueden encontrarse en colecciones como las del MoMA (NY), Metropolitan
Museum of Art (NY), Art Institute (Chicago); San Francisco MoMA, Museum of Fine
Arts (Houston), LACMA (L.A.), Santa Barbara Museum of Art, Center for Creative
Photography (Tucson), International Museum of Photography at the George Eastman
House (Rochester), National Gallery of Art (Ottawa), Folkwang Museum (Essen),
Musée National d’Art Contemporain – Centre Georges Pompidou (Paris), MACBA
(Barcelona), MNCARS (Madrid) y otras.
En 2008 se presentó en el Palau de la Virreina de Barcelona una gran retrospectiva de
su obra, junto a la publicación un catálogo exhaustivo, “El Libro de las Maravillas”. En
los últimos años otras exposiciones individuales incluyen: Puertas de Castilla, Murcia;
Casa de la Moneda, Bogotá; La Chartreuse, Avignon; Palais des Beaux Arts, Lille;
Reiss-Eingelhorn Museen, Mannheim; Djanogly Art Gallery, Nottingham; Galeria
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Angels Barcelona; Galería Vanguardia, Bilbao; Albury Regional Gallery, New South
Wales, Australia; Pinnacles Gallery, Riverway Arts Centre, Queensland, Australia;
Musée-Château, Annecy; Musée Gassendi, Digne; Galerie Braunbehrens, Munich;
Instituto Cervantes, Beijing; The University of New Mexico Art Museum, Albuquerque,
NM, USA; Bellas Artes Gallery, Santa Fe, NM, USA; Musée d’Angers (France); Galerie
VU, Quebec; Galeria Bielska BWA, Bielsko-Biala (Poland); Fundació Pilar i Joan Miró,
Palma de Mallorca; Galeria Visor, Valencia; Galeria Xavier Fiol, Palma de Mallorca;
Studio Marangoni, Florence; Australian Center of Photography, Sydney; Aperture
Foundation, New York; Artcore / Fabrice Marcolini, Toronto.
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Institut de Cultura de Barcelona
Oficina de prensa Grec Festival de Barcelona 2011
La Rambla, 99
08002 Barcelona
Teléfono 933 161 069
Correo electrónico: [email protected]
Web: www.bcn.cat/cultura/premsa
Durante el Festival podréis encontrar imágenes, dossiers, notas de prensa,
convocatorias para ruedas de prensa y sesiones para medios gráficos en el
apartado de Prensa de www.bcn.cat/grec
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