Historia de la música

Historia de la música. Resúmenes.
Tema 1. Música instrumental: familias y agrupaciones instrumentales en el transcurso
de la historia.
Introducción:
-La música instrumental ocupa un lugar privilegiado en la historia de la música desde el Renacimiento.
-Esta música es rica y variada.
-A ésta pertenecen:
· La música orquestal,
· La música para un instrumento (ej. El piano),
· La música para grupos de cámara.
1º. Familias.
-Cordófonos: vibra una cuerda.
-Aerófonos: vibra una columna de aire.
-Idiófonos: vibra todo el instrumento.
-Membranófonos: vibra una membrana tensada.
-Electrófonos: fluctuaciones de corriente eléctrica.
Instrumentos de cuerda.
-Cuerdas frotadas o instrumentos de arco.
Violín
Violonchelo
Viola
Contrabajo
-Cuerdas punteadas o de punteo.
Arpa
Mandolina
Laúd
Guitarra
Banjo
Bandurria
-Cuerdas pinzadas con teclado.
Clavicémbalo
-Cuerdas percutidas.
Piano
Instrumentos de viento.
-De madera.
Embocadura de bisel: flautín, flauta travesera.
Embocadura de lengüeta simple: clarinete, clarinete bajo.
Embocadura de lengüeta doble: oboe, contrafagot, corno inglés, fagot.
-De metal.
Boquilla: cornetín, trompa, bombardino, trompeta, trombón, tuba.
Lengüeta: saxofones.
-Polifónicos con teclado.
Órganos (con tubos), armonio (sin tubos).
Instrumentos de percusión.
-De membrana.
Afinados: timbales.
Indeterminados: bombo, tambor, pandereta, pandero, tamboril, caja.
-Placas metálicas.
Afinados: campanas, carrillón, timbres.
Indeterminados: platillos, címbalos, tamtan.
-De madera.
Afinados: xilófono.
Indeterminados: castañuelas.
-Varillas metálicas.
Afinados con teclado: celesta.
Indeterminados. Triángulo.
Instrumentos electrófonos.
-Electromecánicos: neo-Bechstein grande, superpiano Spielmann, órgano Hammond, órgano Campton.
-Electrónicas: olas musicales de Martenot, radio órgano de Givilet y Copleux, novachord, solevox, sintetizador.
2º. Agrupaciones.
---Instrumentos agudos
-Coro: Agudas
Tenor
Intermedias
Barítono
Instrumentos graves--Graves
Bajo
más
intensos
Soprano
Mezzosoprano
Contralto.
-Percusión: platillos, bombo, timbal, bongo, gong.
-Viento metal: trompa, trompeta, trombón, tuba.
-Viento madera: clarinete bajo
contrafagot
clarinete
fagot
flauta
oboe
pícolo
corno inglés.
-Inst. solistas independientes:
arpa
órgano/ piano
contrabajo
-Cuerda: violines primeros, violines segundos, violas, violonchelos.
más
suaves
La evolución de la orquesta.
La orquesta ha sufrido una evolución continua a través de la historia. Podemos decir que en el Barroco es
donde empieza a existir. Es pequeña y todavía no se tiene concepto de color orquestal.
En el Clasicismo aumenta el número de ejecutantes, el color orquestal. Los timbales vienen de Oriente. Se
introducen instrumentos nuevos. La orquesta es un conjunto rico en instrumentos y en cualidades sonoras.
Es en el Romanticismo cuando se buscan las nuevas sonoridades y donde se abren nuevos caminos y se
introducen nuevos instrumentos.
La dirección orquestal.
El director orquestal en el Barroco, Clasicismo y Romanticismo. Tiene su origen en Egipto y continúa en la
Edad Media. Su mayor auge es en el Barroco.
En el siglo XV está reflejado en las pinturas. Su misión era marcar el compás golpeando una especie de bastón
en el suelo o en el atril, pero en general no fue importante hasta que la orquesta se hizo más complicada. Aún
hoy en día los pequeños grupos de cámara, cuartetos, quintetos, etc. no requieren de dirección.
Durante el Barroco era común que el que interpreta el clave, órgano, o el primer violín, también llamado
maestro de concierto, dirigiese más o menos el grupo desde el que estaba sentado.
Tema 2. La música vocal: criterios de clasificación y tipos de agrupaciones.
La música vocal.
La voz humana es un instrumento de viento formado por una fuente de energía: los pulmones, un oscilador y un
resonador compuesto por la laringe, faringe y boca. La conjunción de todos estos elementos hace que cada uno
tengamos nuestra propia voz. La voz humana se usa para hablar pero también para cantar.
Partes de la voz. Para la emisión de la voz participan:
-Los pulmones, son los suministradores del aire.
-Las cuerdas vocales, situadas en la laringe, la voz depende de la tensión a las que la sometemos, distinguimos entre
cuerdas relajadas y cuerdas activas.
-Las cavidades resonadoras, responsables del timbre de voz.
Clases de voces.
-De varón:
Tenor: voz aguda, dividida en ligero, lírico y dramático. Plácido Domingo.
Bajo: voz de pecho que llega a lo más profundo de la sonoridad. Sarastro en la flauta mágica.
Barítono: voz grave, más clara que los bajos. Dividido en lírico y dramático.
-De mujer:
Soprano: voz aguda. Dividida en lírico y dramático. Ainoa Arteta.
Mezzosoprano: Algo más grave. Dividida en lírica y dramática. Teresa Berganza.
Contralto: Voz más grave. Dividida en lírica y dramática.
Además de estas voces es frecuente oír la contratenor: voz masculina más aguda que el tenor y que entra en el
ámbito de la contralto femenina.
Tipos de agrupaciones.
-Coro de voces mixtas: voces masculinas y femeninas.
-Coro de voces iguales: hombres o mujeres.
-Coros de voces blancas: niños o mujeres.
-Coro mixto de tres voces (sopranos, tenores, bajos), o de cuatro con contraltos.
Tema 3. Monodía religiosa y profana en la Edad Media. La polifonía y su evolución.
Monodía religiosa.
Es el canto a una voz con tema religioso, es decir dirigido a Dios. Se le llama gregoriano.
-Origen: Surge entre los primeros cristianos de Occidente. Greco-Romana y Judía. También se le llama canto llano,
por que es el canto del pueblo.
-Características:
Es monodía.
Usa 8 modos o escalas.
Es anónimo (monasterios).
Está escrita en latín.
Ritmo libre, huye de lo medido y mecánico.
El texto es religioso.
Es a capella, sin instrumentos.
-Tipos: Puede ser Silábico, una nota una sílaba. Neumático o Adornado tiene dos o tres notas por sílaba. Melismático
o Florido, más de tres notas en una sílaba, es muy adornado.
-Estética y función: La estética es sombría y equilibrada, y su función es la de alabar a Dios y aproximar el alma del
creyente a Éste,
-Escritura: Los signos musicales son las neumas, que al principio eran unos signos que suben o bajan, así, es más
agudo y más grave. Llamado notación Neumática, iban pintados en rojo y no había tetragrama ni pentagrama.
Destacan los de los monasterios de S, Gall y Metz.
Notación Diastemática. Surge un pentagrama de dos líneas, en color rojo y las cinco notas en negro. Hay agudo,
grave e intermedio.
Notación Cuadrada. Surge el tetragrama de cuatro líneas y neumas cuadrados.
Monodía profana.
-Origen: 800 dc. Surge por los comienzos de una economía monetaria incipiente y por el comienzo de lenguas
vulgares. Surge en vías, rutas, ejemplo: Camino de Santiago, Roma, Cruzadas. Produce un cambio en la música y
deja de ser importante “lo religioso”.
-Temas: La alegría y la tristeza; el amor y el desamor; deseos, etc.
-Características:
Ocho modos.
Ritmo medido y marcado, dependiente del texto.
Es monodía.
Hay instrumentos.
Se canta en lengua vernácula (dialectos).
El texto no es religioso, temas de pueblo/ corte.
Autores no anónimos. También hay mujeres.
-Autores: Bernardo de Ventadorn. Adam de Halle. “El jorobado de Arras” (Jue de Robín y Marion. Predecesor de la
ópera cómica). Guillermo IX. Guiraut de Riquer. Rimbaut de Vaqueiras. Marcabru. Jaufre Rudel.
-Lo cantan: Trovadores (OC), trovares (OIL), juglares- danza, mímica, hombres, mujeres y niños. Minnesangeralemán, goliardos- francés, etc.
En España destacan “Cantigas de Snt. María”, 417 recopilaciones de Alfonso X. Lo decora con miniaturas, es un
documento de Organología. Reúnen los distintos tipos de música europea, castellana, portuguesa, judía, árabe…
“Cantigas de amigo”, gallegas escritas por Martín Codas.
“Livre vermel” (libro rojo) en Cataluña. Montserrat recoge cantos de peregrino. Este libro tiene música del Ars
Nova, danzas.
“Codex Calixtinus” en Santiago de Compostela.
La música instrumental.
-Introducción: El hombre siempre ha tocado instrumentos, pero es en esta época cuando se cultiva junto con la
danza.
-La danza:
Rondeau - origen francés.
Pastoral - temas con diálogo de pastora y cortesano.
Balada - baile de ronda
Virrelay - extendido en Italia, alternancia de coro y solista.
-Los instrumentos:
-arpa (origen en lira, procedente de Irlanda).
-salterio (árabe, diferentes tipos, origen cítara).
Cuerda -rabel o rabe (toca con arco, 2-3 cuerdas, origen laúd).
-viola en 8 o fístula (con arco, diferentes tamaños).
-organistrum o zamfonia (grande, se toca entre dos).
-chirimia o dulzaina (sonido penetrante, de lengüeta y llaves. Variante del oboe).
-flauta (la más antigua es una caña con agujeros. En el XVIII surge la travesera).
Viento -añafil (trompeta. Se usaban para lo militar. Llevaban estandartes).
-gaita o cornamusa (lleva fuelle, llamado sapo).
-órgano portativo (teclas, fuelle, tubos. Se transporta. Diversos tamaños).
-címbalos
-tamboril
Percusión
-crotalos
-sonajas
-pandereta.
La polifonía y su evolución.
-Término: poli- varias, phonos- voces.
-Origen: Siglo IX, en el norte de Europa.
-Periodos: 1) Nacimiento. IX
2) Ars Anticua. X-XI-XII. Escuela de París. Magíster Leonin, Magíster Perotin.
3) Ars Nova. XIV. Guillermo de Marchaut, “Misa de Notre Dame”.
-Formas musicales:1) Organum: melodía gregoriana o cantus firmus, que tiene a 4ª o 5ª de distancia, otra voz igual.
2) Discantes: la segunda voz (arriba) va en movimiento contrario. Voz principal asciende, la otra desciende. 3)
Clausulas. 4) Conductus. 5) Motete.
Tema 4. La polifonía religiosa y profana en el Renacimiento. Desarrollo de la música
vocal. Tomás Luís de Victoria. Surgimiento de la música instrumental. Giovanni Gabrieli.
-Introducción: Renacimiento significa renacer, inspiración greco-romana. Exalta los valores humanos, la belleza, la
razón. El hombre es el centro del universo. Siglos XV y XVI.
-Características: polifónica a varias voces. Todas tienen la misma importancia. La polifonía se usa tanto en vocal
como en instrumental. El ritmo es medido y regular. El texto tiene mucha importancia, la música resalta el contenido.
-Técnicas: contrapunto imitativo, cantus firmus, variación, homofonía.
-Formas: motete, suele ser a más de 3 voces. Desaparece tener temas diferentes. Misa: se convierte en una gran
forma musical. Se construye con las técnicas contra punto imitativo y cantus firmus.
Polifonía religiosa.
Origen en los países francos, flamencos. Se extiende primero a Italia y Europa.
-Escuelas:
E. Flamenca: con Joaquín des Pres, “el amo de las notas”. Dufay, Ockeghem.
E. Italiana: con una gran actividad creadora. Cuando se celebra el Concilio de Trento y surge la Contrarreforma, al
estar la música al servicio de la iglesia, se buscan dos cualidades: eliminación de todo aspecto profano y la música
debe servir al texto. Orlando di Lasso. Giovanni Palestrina “el padre de la iglesia”. La música de Palestrina está llena
de ambiente religioso y espiritual. Polifonía clara y declama el texto y no lo confunde. Música llena de belleza
plástica, como la pintura de Rafael.
E. Alemana: Lutero determina la música, es el iniciador de la Reforma Protestante. Valora la música después de la
teología. Fue músico y flautista. Crea “El Coral”, que es un himnote combate de los protestantes frente al catolicismo,
cuyas características son: se canta en alemán y no en latín, polifonía que huye del contrapunto, su forma es AAB,
melodías muy sencillas y bellas aprovechando las melodías profanas. Johann Walter “Libro de canciones sacras
Wittemberg”. George Rhau “Nuevas canciones sacras alemanas”.
E. Española: Dura en los reinados de los Reyes Católicos, Felipe II y Carlos V, grandes mecenas de la música. Está
influenciada por la Contrarreforma y el Concilio de Trento. Se de en las catedrales: músicos teólogos trabajan para la
polifonía de gran calidad de este momento. Características: polifonía contrapuntística, austera y ascética. Tiene gran
misticismo. Es fiel al texto. Se compone en el lenguaje moderno. Disonancias, empleo artístico del silencio, uso del
contrapunto. Autores: de la 1ª etapa (XV) Juan de Enzina, obra también profana. Recogida en cancioneros. 2ª etapa
(XVI) Cristóbal de Morales “Libro de misas”. Francisco Guerrero “Liver vesperorum”. Juan Vázquez “Agenda
Defunctorum”. Tomás Luis de Victoria. Juan Puyol, Mateo Flecha, Vivancos, Ceballos.
Tomás Luis de Victoria.
Nace en Ávila (1528-1611). Va a Roma donde conoce a Palestrina, quien le influye. Vuelve a Madrid y trabaja en las
Descalzas Reales. Es el símbolo de la polifonía religiosa del Renacimiento. “Libro de misas dedicado a Felipe II”,
“Misa de Réquiem”.
Polifonía profana.
El símbolo de la polifonía profana es el madrigal. Éste nace en el Ars Nova (XVI) y llega a su perfección en el
Renacimiento. Es a capella (alguna vez hay algún instrumento). Integra música y letra. Expresa el sentimiento del ser
humano. Es a 4 o 5 voces. Transmite el pensamiento de la clase selecta, es decir, ambientes cortesanos.
-Autores: Escuela Flamenca: Arca delt, Willaert, Cipriano de Roe. Escuela Italiana: Claudio Monteverde: Tiene 8
libros de madrigales, a partir del 5º son de época Barroca. Gesualdo de Venosa. Luca Marencio. Orlando di Lasso,
Destaca por su música religiosa como misas.
-Etapas: 1) Iniciadores (1530-1550). 2) Clásica (1550-1580). 3) El madrigal pasa del Renacimiento a la estética del
Barroco (1580-1620).
España: Se cultiva la música profana a través de los príncipes, reyes, nobles. Tiene tres formas:
-Villancico: forma musical en tres partes; estribillo, copla, estribillo. Destaca Juan de Enzina.
-Romance: son 4 frases musicales de 4 versos en cada estrofa. Riman en ABCD/ABCD…
-Ensalada: Es una mezcla de madrigal, villancico, danza, canción popular, etc. Mateo Flecha.
Características de la música profana española: 1. La influencia de la música popular. 2. El apogeo del texto en
castellano. 3. El fuerte carácter rítmico. 4. Poco uso del contrapunto.
Francia: Destaca como forma musical la chançon. Destacan dos autores: Attaignant, Janequín.
La música instrumental.
Si observamos las pinturas y esculturas hay abundantes instrumentos. Además, en el Renacimiento los instrumentos
se independizan del canto.
La música instrumental se divide en cuatro clases:
Música para danza: -Pavana, -Gallarda, -Allemande. Así, poco a poco en el Barroco se unirán y formaran la suite.
Improvisación: -Fantasías, -Tocatas…
Variaciones: Se distingue Cabezón en: -Diferencias, -Tientos.
Copias de piezas vocales: -Canzonas, -Ricercares.
Destaca.
Giovanni Gabrieli.
(1557-1612). Fue organista en San Marcos de Venecia. Sus características son: -Trata de dar color a la música
instrumental dando a cada instrumento una función distinta y característica, por lo que anticipa el carácter de orquesta
moderna con coloratura instrumental. –Marca, con Monteverdi, el transito al Barroco.
Otros autores: Antonio Cabezón, para órgano. Luís de Milán. Luís Narváez. Diego Ortiz para vihuela. Diego
Pisador. Mudarra. Venegas de Henstrosa. Miguel de Fuenllana.
Tema 5. El Barroco: Formas instrumentales y vocales. J. S. Bach. Vivaldi.
Manifestaciones escénicas: la ópera.
Introducción:
-Época: Periodo musical de 1600, dura 150 años. Se divide en tres periodos: Primer Barroco. Medio Barroco. Último
Barroco.
Nace el policoralismo. Paso de la música modal a la tonal. Uso del bajo continuo.
Son igual de importantes la música vocal y la instrumental.
Vuelve el contrapunto.
-Técnicas: Utilización del bajo continuo. Cambios en el concepto del ritmo. Descubrimiento del estilo concertado.
Descubrimiento armónico, paso de modos a tonos.
-Características: Cantan más efusiva y dramáticamente. Uso más rico de instrumentos. Empleo del policoralismo
(más voces y coros múltiples). Uso de contrastes entre todos los elementos de la música.
-Formas musicales: -Instrumentales (suite, sonata, concerto, fuga). –Vocales profanas (ópera), Religiosas (oratoria,
cantata, pasión).
Suite: Su origen está en la danza o mejor en la sucesión de danzas contrapuestas en distintos ritmos. Se unen
danzas de de distintas naciones: la Allemanda de Alemania; la Polonesa de Polonia; la Bourre de Francia; y la
Zarabanda de España. El número de danzas es muy diferente y no está determinado.
Sonata: Como en la suite, su origen está en la superposición de movimientos, normalmente son: -el grave, -allegro,
-moderato, -vivo. Suelen ser: sonata a solo, que generalmente la toca el clavicémbalo; a dúo, clave y violín; ya trío,
clave, violín y flauta.
Concerto grosso: Dice el musicólogo A. Salazar que la sonata se hace concierto cuando pasa a la orquesta. El
concierto es “hijo” de la sonata, y su nombre viene de la palabra concertare, tocar varios instrumentos a la vez. Se ven
las cualidades Barrocas por la contraposición entre diversos planos: el tutti (orquesta) o concertino (solista). Cuando
el concertino es solo uno, es un concierto solista, no grosso. La agónica del concierto tiene: rápido, lento, rápido.
Fuga: Composición musical instrumental o vocal. Se realiza a partir de un solo tema (ej. sol, sol, sol, mi), del que
deriva el total de la obra a través del uso de la imitación.
Ópera. Es la representación en un teatro de algún tema con la contribución de unos personajes que cantan en vez de
hablar. Hay una acción tal como sucede en el propio teatro, con un escenario, unos temas y unos coros. Como
antecedente de la ópera se han considerado las representaciones medievales de la pasión y el nacimiento de Cristo, y
más concretamente el madrigal, que termina siendo ópera. Nace con la camareta florentina. La primera fue “Dafne”
de Peri (1594). Como se ha perdido, se consideró 1ª a “Eurídice”, que se hizo para celebrar la boda de Enrique IV y
María de Médicis en 1600. Luego surgen escuelas: -Camareta Veneciana (F. Caballi). –C. Florentina (Monteverdi,
“Orfeo”). –C. Napolitana (Pergolesi). –C. Romana (Landi, L. Rosi).
Hay dos tipos de ópera. –Seria: De carácter aristocrático y está estructurada en arias y recitativos (A: partes líricas.
B: partes narrativas.). Es la época de los grandes castratis (hay falsetes). –Bufa: Dentro de este género están también:
·la ópera cómica francesa, ·singspiel alemán, ·tonadilla española. De carácter cómico y popular, con pocos cantantes,
pocos medios, pequeña orquesta y elementos folclóricos.
Oratorio: Forma musical parecida a la ópera, donde se canta a un drama, de carácter religioso, normalmente sobre
el Antiguo y Nuevo Testamento y donde existen verdaderos personajes que no actúan, solo se limitan a cantar y no
sobre escenarios sino en la iglesia. Su nombre viene del oratorio de S. Felipe Neri, lugar donde se reunía el santo con
sus discípulos. Surge en Roma y de allí se extiende a Florencia, Mantua, Venecia, Francia e Inglaterra. Giacomo
Carisimi, “Jepthe”.
Pasión: Es un oratorio que canta sola y exclusivamente la Pasión de Cristo.
Cantata. Es una forma musical compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico en el que intervienen solos,
orquestas y coros. Formada por arias y recitativos. Giacomo Carisimi, Luigi Rossi, Alejandro Scarlatti.
Johann Sebastian Bach.
Compositor que en vida solo fue reconocido como gran organista, 80 años después ejerce gran influencia como
compositor.
Pocas familias en la historia tienen tantos músicos en su haber, entre hijos, tíos, etc. En línea recta y colateral ocupa
200 años, en 1845 se extingue.
Vida: Eisenach 1685-1750. Huérfano de padre, a los 15 años se busca la vida cantando en el coro. Estudia violín y
órgano. Se hace un virtuoso en Weimar, Armstadt, Mülhausen, Cotten y Leipzig. Aquí, casado y con hijos, tenía que
componer una cantata semanal. Daba lecciones de coro a niños. Dirigía coro y orquesta.
Se casa dos veces, con María Bárbara y Ana María Magdalena (libros de clave). Tiene 20 hijos de los que sobreviven
10. 6 chicos, de ellos 4 grandes músicos, y 4 chicas.
Estrecheces económicas que hace frente con la fe, amor a su familia y amor a la música. Era un hombre bonachón,
humilde, afectuoso y fino de humor. Su música tiene austeridad y cuadratura alemana; suavidad y blandura italiana.
Producción religiosa. Interpretaciones muy difíciles.
Obra: Más de 200 cantatas; Pasión según San Mateo y según San Juan; 6 conciertos de Brandemburgo. Clavecín.
Clave bien temperado. Variaciones Golberg. Suites. Órgano. Fugas. Corales que son meditaciones instrumentales
sobre la letra.
Antonio Vivaldi.
Nace en Italia en 1676-1741. Fue sacerdote. Violinista en San Marcos de Venecia. Representa la culminación del
Barroco instrumental italiano. Las características de sus obras son 2: la belleza de su melodía y la vitalidad rítmica.
600 obras, de las cuales 400 son conciertos; destaca “Il cimento della armonía e della invenzione”. Las cuatro
estaciones.
Manifestaciones escénicas: la ópera.
1. España: unidos a los dramaturgos como Calderón de la Barca, Lope de Vega… Géneros. –la zarzuela. Juan
Hidalgo, Antonio Literes, Sebastián Durón. Def: obra de teatro cantada en castellano, alternan las partes
habladas y cantadas. El nombre le viene del palacio donde se estrenó por primera vez. –la tonadilla escénica.
Def: obra escénica cantada y hablada, divertida y muy satírica que trata de las costumbres españolas.
2. Inglaterra: Destacan Henry Purcel (1659-1695), a quien llaman el músico de la Restauración (representante de
la música inglesa) a la caída del puritanismo. Es famoso por “Dido y Eneas”, ópera de gran riqueza tímbrica,
rítmica y armónica. Tiene muchas influencias extranjeras (francesas) por que tiene cantidad de adornos y
carácter alegre. Haendel o Andel (Halle, Alemania 1685-1759) estudió derecho. Viajó mucho y fue a Italia,
donde conoce a Scarlatti, quien la influyó mucho. Se afinca en Londres. Es un gran compositor de música coral.
Lleva una maestría insuperable en el uso de contrastes diferenciándose de Bach en que éste usaba el
contrapunto. Su música es de carácter extrovertido y cortesano, contrastando con el misticismo e intimismo de
Bach. “Julio Cesar”, “Rinaldo”.
3. Francia: 3 etapas del gran siglo. 1-gusto clasicista (Luís XIV). 2-gusto Rococó o Galante (Luís XV). 3- Vuelta
al clasicismo (Luís XVI). Crea ópera- ballet. -1 et. Lully (1632-1672) origen italiano. Su obra está basada en los
libros de Corneille y Moliere. “Cadmus y Hermione”, “Armide”. -2 et. Autores menos brillantes. Marc-Antonio
Charpentier (1634-1704). -3 et. J. J. Rousseau, también es filosofo. Gluk “Orfeo y Euridize”
4. Alemania: Georg Philipp Teleman (1681-1767). Es el cultivador de la ópera, la eleva a una gran categoría en
una Alemania que había vivido pendiente de la música religiosa.
5. Italia: La primera ópera es por Peri “Eurídize” en el 1600, estrenada en Florencia. A mitad del XVII en Venecia
recogerá la herencia operística de Roma y Florencia. Venecia dirigió la vida musical de toda Europa y a ésta
ciudad acudirá toda la nobleza europea. Destaca Monteverdi (1567-1643). Dedicado a los madrigales, es a partir
de abrirse el teatro de Venecia cuando compone óperas. “El retorno de Ulises”, “La coronación de Orfeo”
Tema 6. El Clasicismo: importancia de la música instrumental. La ópera del
Clasicismo. Mozart. Valoración social del músico.
Introducción: El Clasicismo es el arte griego de los siglos V y VI a. c. El Clasicismo es en el XVIII. El concepto de
la música clásica ha sido aplicado a cualquier género histórico consagrado.
Características: busca, la claridad, la sencillez, el carácter alegre, brillante, bello, lo elegante, lo cortesano. La
melodía es de frases claras, regulares y cuadradas con adornos del barroco. Ej. 8 compases están divididos en dos
periodos de 4, y estos en subperiodos de 2. La armonía es estrictamente tonal, con una jerarquía tónica (T),
dominante (V) y subdominante (IV). Hay muchos rellenos armónicos para enfatizar las tonalidades (acordes, escalas,
arpegios). Uso del bajo Alberti. La armonía tiene un estilo homofónico o vertical, olvidando lo característico
artificial. El ritmo es sencillo y regular. La tímbrica, se presta mucha atención al colorido de cada instrumento y su
luminosidad. Dinámica, contrastes expresivos con usos de crescendos (cres) o diminuendos (dim). Es mesurada y
tranquila.
La importancia de la música instrumental.
Hay nuevos instrumentos y nuevas formas. Nuevas formas son:
-Sonata clásica: Su creador es un hijo de Bach (Felipe Manuel). Se da cuenta de que el oyente, después de escuchar
algunos temas, los tiene que variar para evitar la monotonía, que enseguida quiere volver a oír lo ya oído.
Lleva la base estructural de toda la música instrumental de ese periodo. Ej. Sinfonía, concierto, música de cámara
(dúo, trío…).
Está formada por cuatro movimientos: 1 Allegro, está en el tono principal, en forma sonata. Tiene tres partes: exposición (tema a, puente, tema b), -desarrollo (modulante), -reexposición (igual que la expo. Pero el tema b en vez
de ir al tono vecino, va al tono principal). 2 Adagio, en el tono vecino, estructura lied, ABA. Ternario. 3 Minueto o
scherzo, deriva de la danza barroca así llamada. Si es scherzo lo inventa Beethoven, más amplio, más juguetón y más
vivo que el minueto. 4 Final. Tono principal. Es igual o al primero o al segundo movimiento.
-Concierto clásico: reemplaza el concierto grosso barroco. Son solistas: piano, violín. Forma: 3 movimientos en vez
de los 4 de la sonata. Surge gracias a los hijos de Bach, pero la fama se la llevan Mozart y Haydn. El primer
movimiento tiene forma sonata, es característica una cadencia al final del movimiento.
-Sinfonía: es una gran sonata para orquesta.
La ópera del clasicismo.
-Características: La ópera sufre grandes cambios. Son Gluck y Mozart los que hacen los cambios (reforma). Se
reforma: el coro toma más importancia, desde Gluck se emplea una gran orquesta y se reforma el libreto cuidando las
cualidades dramáticas.
-Autores:
1. Cristoph W. Gluck (1714-1787). De origen alemán, todas sus obras se estrenan en París, por lo que se suele
confundir. Realiza el paso de Barroco a Clasicismo en ópera. “Orfeo y Eurídize”, “Aulide e Ifigenia en Tauride”.
2. Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826). Nació en Bilbao y murió en París. Niño prodigio comienza a componer a
los 4 años. Alos 12 hace obras importantes. Alos 14 tiene su primera ópera “Los esclavos felices”.
3. Vicente Martín Soler. Compitió en Viena con Mozart y Salieri. Amigo del libretista Da Ponte. Valenciano que
vivió en Italia y en Viena. Fue maestro de capilla de la reina Catalina en San Petersburgo, donde murió y fue
enterrado.
4. W. A. Mozart.
5. Ludwin Van Beethoven. Compositor a caballo entre el Romanticismo y el Clasicismo (XVIII-XIX). Solo tiene
escrita una ópera “Fidelio”, destaca la obertura nº 3 “Leonora”, escrita para esa mujer.
W. A. Mozart.
Sin duda su ópera merece un capítulo aparte. Es la gran figura de siglo XVIII y su virtud es aunar en sus obras las
corrientes italianas, francesas y alemanas. De la italiana el carácter cómico, ej. “Las bodas de Fígaro”. De la alemana
el sigspiel, ej. “La flauta mágica”. Cultiva todos los diversos tipos de ópera y su ópera culmen es “Don Juan”, en la
que colabora con el libretista Da Ponte; destaca por el dramatismo y por el tratamiento orquestal.
Valoración social del músico.
Desde la época griega se han creado espacios específicos para que la música, tanto vocal como instrumental, pueda
ser escuchada por todos. Hay diferentes clases de espacios creados para la música. De espacios cerrados están las
salas sinfónicas, cortesana y burguesa; salas de cámara; salones; auditorios. De espacios abiertos el concierto.
Tema 7. Del Clasicismo al Romanticismo (Prerromanticismo). L. Van Beethoven.
Introducción: En la segunda mitad del siglo XVIII ya había rebeldía contra las normas y ataduras clásicas. La
transición no será brusca. A este periodo se le llama Prerromanticismo y va de 1795 a 1830, y se adquiere la
madurez.
Cambios: Frente a la diosa Razón surge la revolución del sentimiento. Se prefiere el campo, la naturaleza frente a lo
social para encontrar lo puro, lo libre, etc. La música se inspira en la Naturaleza. Deseo de desempolvar del olvido
los valores nacionales, medievales y folclóricos. El puente de estos estilos es Beethoven, responsable de estos
cambios.
L. Van Beethoven.
Convierte la producción musical de los aristócratas en Patrimonio de la Humanidad, al llevar la música de los
salones a los conciertos.
Su obra combina casi toda la producción instrumental del siglo XIX.
-Vida: nace en Boon, Alemania (1770-1827). Los tratos antieducativos de su padre dejarán una profunda huella en
toda su existencia. Fija su residencia en Viena en 1792 para seguir lecciones con Haydn, pero no le convenció y a
escondidas daba clase con Salieri y Scheck. Vivió de la composición, aunque también dio clase a familias
aristocráticas. Murió un hermano suyo y se encargó de su sobrino. Relación que salió mal. Se consideró moderno,
demócrata y republicano, por eso borrara de la 3ª sinfonía “Heroica” ese titulo cuando supo que Napoleón se había
hecho proclamar emperador. No fue dichoso en amores, y no se casó. Se han sugerido nombres de amores no
correspondidos como Julieta Guicciardi, Teresa Brunswick, Bettina Brentano, sin que se sepa quién era ese “amor
inmortal”. La sordera marcará su carácter con un sello típico. Pensó en el suicidio como demuestra el Testamento de
Heiligenstad. Todo esto le forzó con un temperamento pasional que llegó a ofender a los amigos, pero dicen que
también sabía pedir perdón y humillarse afectuosamente.
-Estilo: escritura firme, segura y armónica. Su música es una lucha interior de dolor, rebeldía. No crea nuevas
formas, amplía las ya existentes dándoles una nueva vida, y libera del formalismo en que habían caído. Ej. Remplaza
el minué del tercer movimiento por un scherzo; como gran maestro de la variación, lo consuma en los desarrollos de
los temas. Nuevo estilo en la orquesta. Introduce nuevos instrumentos, por ej. El contrafagot, los trombones, el
flautín, más percusión, pero sobretodo introduce coros y solistas.
-Obra: Tiene tres periodos:
1º. Clásico o de asimilación (1795-1801). Instrumento predominante el piano. Gran influencia de Mozart y Haydn,
también de Clementi. Obras importantes: 1ª y 2ª sinfonías; las 10 primeras sonatas; los 6 primeros cuartetos.
2º. De transición o realización (1801-1815). Cambia de grupo en su estilo y va madurándolo. Obras: la 3ª sinfonía,
llamada primero Heroica y que luego cambia de nombre; la 5ª sinfonía llamada del Destino; la pastoral; la 7ª un
canto a la libertad; el concierto del emperador; ópera Fidelio.
3ª. Plenamente romántico (desde 1815). Oras: 9ª sinfonía u Oda a la alegría de Schindler; misa solemnes; los 5
últimos cuartetos; el ballet Prometeo; de todas sus obras destacan: 32 sonatas para piano (la Biblia del pianista); 9
sinfonías; 17 cuartetos de cuerda; 1 misa; 1 ópera.
Autores importantes a caballo entre Romanticismo y Clasicismo: Weber (ópera alemana temprana) y Schubert (el
lied).
Weber.
Es el precursor del Romanticismo operístico alemán o lo que es lo mismo: el creador de la ópera alemana con
carácter alemán.
Tiene bastante música para piano; algunas de las piezas, orquestadas por Berlioz. También destacan sus lieder
(canciones) que surgen como contacto de su vida infantil ambulante, pues su padre era música de teatro ambulante.
Destaca en ópera por su técnica orquestal “Cazadores furtivos”.
Schubert.
Fue un bohemio que no ocupó puestos fijos. Tocó en casas, salones. Admirador de Beethoven sin que se tratasen.
Después de asistir a su funeral, muy impresionado, brindó con unos amigos “por el primero de los presentes que se
iría a la tumba”, ignorando que sería él quien moriría con 30 años de tifus. Más tema 8.
Tema 8: Romanticismo. La música vocal. Schubert. La ópera romántica. Rossini. Verdi.
Wagner. La música instrumental. Chopin. Schumman. Mendelsohn.
Introducción. Características generales: es la universalidad (arte, literatura, etc). El culto al yo, subjetivismo. Anhelo
de la libertad total. Interés por las tradiciones, folclórico. Idealismo: sentimientos amorosos y de la humanidad, mujer
ideal, interés por el más allá, angustia pesimista. Características de música: la melodía tiene muchas modulaciones, la
orquesta crece, sistemas para la unidad de las obras, por ej. El leit-motiv. La música va a ser un vehiculo apto para
expresar los sentimientos. Periodos del Romanticismo: 1º (1815-1848). Destaca la parte última de Beethoven,
Schubert, Chopin, Mendelsohn, Schumman. 2º (1848-1883). Wagner, Brahms, Liszt. 3ª (desde 1883). R. Strauss,
Mähler, Bruckner.
La música vocal.
Lied. Significa canción en alemán; es una composición en la que se pone música “breve” a una poesía, logrando una
gran unión entre ellos. Tiene tres formas AA’A’’; ABA; ABACA.
Schubert (1797-1828).
Es uno de los músicos más inspirados del Romanticismo. Realizó 8 sinfonías, 1 inconclusa. Destacan por su riqueza
melódica y sobre la mayor parte de su obra pesa la influencia de Beethoven. Tiene más de 600 lieder, les agrupa en
colecciones llamadas ciclos: “La bella molinera”, “El viaje de invierno”.
Características de sus lieder: desarrolló en ellos importantes novedades armónicas y sobretodo su incomparable
facilidad melódica. La voz (poesía) dibuja imágenes poéticas. El acompañamiento (piano) contribuye a producir la
idea que se canta.
Otros compositores de lieder: R. Schumman tiene dos ciclos “Amor y vida de una mujer” y “Amor del poeta”. J.
Brahms valora mucho el texto de los lied, que intenta reproducir de manera literal. Hugo Wolf se inspira en temas
populares para los lied.
La ópera romántica.
Escuelas: 1. Italia: Rossini, Verdi, Puccini. 2. Alemania: Wagner. 3. Francia: 1º mitad los sucesores de Gluck,
continuadores de la ópera cómica. Meyerb, Berlioz. 2ª mitad la gran ópera: Gounod, Massenet, Camile Saint-Saens,
Bizet. Ópera Offenbach. Leo Delibes. Escuela de Viena: familia Strauss, Lehar, Suppé. 4. España: estilo románticonacionalista. Zarzuela grande, Género chico. F. Sors, M. Comis. 5. Rusia: nacionalista: Glinka, Moussorgski. 6.
EEUU: Gerswing.
Rossini (1792-1868).
Continuador de Mozart. Influye en los autores de la Grad Ópera francesa. Adquiere renombre con “El barbero de
Sevilla” y “Guillermo Tell” Sencillas y pegadizas melodías, las construye con facilidad. Oberturas animadas y
brillantes. Las arias muy ornamentales.
Tiene dos continuadores: Bellini y Doniceti.
Verdi (1813-1901).
Pasó dificultades económicas y fue pobre hasta que un comerciante le pagó los estudios. Tiene tres periodos: 1º
época del patriotismo y aspiraciones liberadoras para el dominio austriaco “Nabucco”. 2º espíritu dramático “Aída”.
3º relevancia a los coros y orquesta “Otello”. Características: sus protagonistas son de origen humilde. Su armonía es
una síntesis entre impresionismo y aportaciones de Liszt. Orquestación rica y compleja. Melodías de gran fuerza y
belleza. Tiene un continuador: Puccini.
Wagner (1813-1883).
Crea el drama wagneriano, es un tipo de sistema operístico que se basa en el leit-motiv, una melodía para cada
personaje. Es en alemán, siempre sobre temas mitológicos. Busca una obra total, en que esté unida la poesía, la
música y teoría. Busca que la orquesta sea un punto crucial en la obra de grandes dimensiones. Su obra “El anillo de
los Nibelungos” (tetralogía), “Tanhauser”, “Tristán e Isolda”, “Los maestros cantores”.
La música instrumental.
El siglo XIX ha sido llamado “el siglo del piano”, instrumento que brilla por encima de todos. Su sonoridad es
agradable y potente, algo que no poseía el clavecín. La tímbrica le hace favorito en los salones aristocráticos y en
círculos intelectuales; y el virtuosismo le hace alcanzar cuotas insospechables. Aparecen pequeñas formas: nocturno,
improntu, balada, polonesa, mazurca, polca, romanza, capricho, leyenda, cuento, etc. Estas sustituyen las del siglo
XVIII como la garota, minué… Grandes compositores de piano: Schumman, Mendelsohn.
Chopin (1810-1841).
Es el único compositor que compone solo para piano. Nace en Varsovia y va a París de donde no regresa nunca. Se
dedica a la composición, donde toca en los salones aristocráticos y círculos intelectuales. Tiene un romance con
George Sand (Duquesa de Orleáns). En su testamento pide tres deseos: no ser enterrado vivo, echar sobre su tumba
un puñado de tierra polaca, enviar su corazón a Polonia. Escribe, casi todo, pequeñas formas, son como confidencias
íntimas. Su estilo musical: son melodías líricas, ritmos polacos y armonías coloridas.
Schumman (1810-1856).
Nace en Sajonia. Estudia derecho. Le gustaba mucho la música pero unos ejercicios de piano le paralizan un dedo,
entonces se dedica solo a la composición y a sus aficiones literarias. Se casa con la hija de su profesor, Clara Wiek,
gran pianista, trabaja mucho con ella. Una enfermedad mental hace que se tire al Rin, le recluyen en un manicomio y
muere dos años después. Se le llama “el poeta del piano” y sus formas pianísticas van en series. “Álbum de
juventud”. “Escenas de niños”. “Carnaval”. “Kreisleviana”. Su estilo exprime todas las posibilidades del piano pero
no busca el virtuosismo.
Mendelsohn (1804-1847).
Su buena posición económica le permite dedicarse muy pronto a la música. Fue director de conservatorio y creó el
de Leipzig. Investigó y descubrió obras de compositores antiguos. Clasificado “el más clásico de los románticos”
dando importancia a la melodía larga, cantable, armoniosa. Obra para piano: “Rondo caprichoso”, “Romanza sin
palabras”. También destaca por sinfonías, italiana y escocesa. Oberturas: “El sueño de una noche de verano”.
Tema 9: Antecedentes de la música del siglo XIX. Nacionalismo: Tchaikovsky.
Impresionismo: Claude Debussy, Ravel. La música escénica española. El ballet y música
instrumental.
Nacionalismo: El surgimiento de la música era una serie de naciones que habían estado al margen de la creación
musical. Tiene dos periodos: 1 pleno Romanticismo, utiliza el folclore. 2 De 1890 a 1950, independencia creativa.
Características: búsqueda del folclore, implicar la rebelión política. Escuelas:
-Rusia. El promotor es Glinka, “La vida del zar” marca el nacimiento del nacionalismo. Se crea el grupo de los
cinco (Borodin “El príncipe Igor”; Rimsky-Korsakov “Sherezade”; Mousorgsky “Cuadros de una exposición”; Cesar
Cui “El príncipe del Caucaso”; Balakirev “Obertura española”). Corriente academicista, Rubistein. Tchaikovsky: 3
ballets, “El lago de los cisnes”, “La bella durmiente”, “Cascanueces”.
-Centro- Europa: (Bohemia) Smetana, poemas sinfónicos “Mi patria” (Moldavia). Duorak, “Sinfonía del nuevo
mundo”.
-Escandinavia: (n. Europa) Sibelus, 7 sinfonías. Crieg, “Peer Gynt”.
-Inglaterra: Eduard Elgar, 6 marchas.
-EEUU: George Geshwing (influencia del jazz). Ópera: “Porgy and Bess”, “Rapsodia in Blue”, “Un americano en
París”.
-Hungría: Kodali. Bela Bartok, huye a EEUU del nazismo. 6 cuartetos de cuerda que después de los de Beethoven
son los más importantes.
-Suramérica: Villalobos, “Bachianas Brasileñas”.
El impresionismo.
Empieza siendo un movimiento pictórico. Características musicales: lo más importante es el efecto impacto que
produce la obra sobre el espectador, por ej. Con sus melodías fragmentadas. Hace que la música sea muy colorista
evitando cadencias; usando elisonancias y escalas orientales, pentatónicas (5); evitando que se pueda decir que la
obra está en tono mayor o menor.
Debussy (1862-1918).
Es el impulsor del impresionismo. Su obra está influenciada por su amigo, el poeta Mallarmé. Destaca “Preludio a la
siesta de un fauno”, “Pelleas et Melisande”, “El mar”.
Ravel (1875-1937).
Tiene influencia española por estar casado con una vasca. Destaca el “Bolero”.
La música escénica española. Fotocopia.
-Zarzuela grande (1850). Tiene 3 actos. Usa romanzas y coplas de carácter popular español. Usa muchos coros de
fuerte color hispano. Temas de carácter histórico español. Ajenjo Barbieri “Jugar con fuego”, “El barbero de
Lavapiés”.
-Género chico (1880). Pequeñas obras teatrales de una hora de duración. Un solo acto compuesto por romanzas.
Menor presencia del coro. Más carácter hispano con la presencia de ritmos, armonías y danzas hispanas. Temática
popular sobre asuntos diarios. Tomás Bretón “La verbena de la paloma”, Federico Chueca “La gran Vía”.
-Última generación (1990). Apartir de 1900 entra en decadencia, recuperándose 20 años después.
El ballet.
La música para escena surge en el Renacimiento y Barroco como danza, y es a lo largo del Romanticismo cuando se
hace ballet.
-Primera mitad: aparece con la ópera de Meyerbeer “Roberto el diablo”, danzaba la bailarina María Taglioni. Es
importante el ballet “Sílfide” que evoca las brumas de Escocia. Sus características son: cuerpo ajustado de la
bailarina, falda ligera y amplia, cabello con raya al medio y recogido en moño, mayas y zapatillas rosas, bailaban
sobre las puntas, necesitaban apoyarse en los hombres. El coreógrafo Nijinski realiza cambios.
-Segunda mitad: Empieza a decaer el ballet, pero en Rusia se hace toda una Academia, destacando a Marius Petipá:
gran exigencia de los bailarines, acepta la tradición rusa, inventa pasos y movimientos nuevos, sus ballets tienen 6
actos con agrupaciones grandes y complicadas.
La Gran Reforma llega con Sergio Diagilev.
Características de la Reforma: danza y gesto han de ajustarse a la acción dramática. Los grupos son esenciales y no
ornamentales. Todo el cuerpo del bailarín tiene que tener expresividad. Estudio de todos los detalles, no se imponen
unos sobre otros.
Los ballets más importantes de esta mitad son de Igor Stravinsky “La consagración de la primavera”, “Petruska”,
“Pájaro de fuego”.
Otros reformadores son: Isidoro Duncan, Mary Wigman.
Tema 10. Las vanguardias: Igor Stravinsky, Falla, Schöenberg, Orff. Avances
tecnológicos. Stockhausen, Cage.
Igor Stravinsky (1882-1975).
Periodos: Empezó componiendo como post-romántico, luego dodecafonista y al final neoclásico. “La consagración
de la primavera”; “La sinfonía de los Salmos”, unido religioso; “Rastime Music”, unido jazz.
Manuel de Falla (1876-1946).
Gaditano, discípulo de Pedrell en Madrid. Inició su carrera escribiendo canciones y zarzuelas. En 1905 ganó el
concurso de la Real Academia de San Fernando con su ópera en dos actos “La vida breve”. Le influye el
impresionismo francés. Obras cumbre: “El amor brujo”, “El retablo de Maese Pedro”, “El sombrero de tres picos”.
Arnold Schöenberg (1885-1951).
Discípulo de Malher. Primero será postromántico, atonalista, dodecafonista, es decir, compone con 12 sonidos de la
escala cromática y colocados en serie. Destaca por su obra “Pierrot Lunaire”. Crea con sus discípulos la escuela de
Viena. Discípulos: Alan Berg, Antón Webern.
Otras tendencias dentro de las Vanguardias.
-En Francia: Eric Satie, influye en los impresionistas e idea el grupo de los seis.
-En Alemania: música utilitaria, intentan crear un lenguaje que entienda el pueblo. Carl Orff “Carmina Burana”,
ricas en ritmos y pedagógicas. Kart Weill.
-En Italia: se crea el futurismo, incorpora en la música el ruido y el bruitismo, casi no se estudia. De futurismo:
Luigi Russolo, Edgar Vareje.
-En Rusia: 2 compositores. Prokofiev “Pedro y el lobo”, pedagógico. Shostakovich.
-En España: Los pianistas. Albeñiz “Suite Iberia”. Granados “Danzas españolas”, “Goyescas”. Manuel de Falla, con
se llega a la esencia del nacionalismo español. Sus obras son ballets “Los jardines de España”, “Amor brujo”, “El
sombrero de tres picos” y la ópera “El retablo de Maese Pedro”. J. Turina, intenta hablar de Andalucía en su obra.
Generación del 27 en España. Enlazan con Dalí y Lorca. Autores como Hafter, Montsalvaje, J. Rodrigo. Surgen
juntos, pero la guerra civil les separa.
Carl Orff (1895-1982).
Estudió en la Academia de Música de Munich y más tarde con Kaminski. Sus principales obras son escénicas:
“Carmina burana”. Sus mejores composiciones tienen un lenguaje de gran originalidad.
Vanguardia. Fotocopias.
1 Música concreta es la producida partiendo de sonidos existentes en el mundo, es decir, por cualquier objeto. Se
recogen en cintas magnetofónicas. Pierre Schaeffer, Pierre Henry.
Música electrónica es la que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente a través de sintetizadores.
-Sintetizadores: generan sonido utilizando uno o varios métodos de síntesis sonora. Es común el órgano electrónico
con teclado. Tienen tres partes: osciladores que generan el sonido, filtros que esculpen la señal producida por los
osciladores, y amplificadores que dan potencia a la señal. Carl Stockhausen.
2 Serialismo integral, es una manera de componer en que se ordena, en una serie de sonidos compuesta según el
sistema dodecafónico, a todos los demás elementos sonoros: ritmos, timbres, intensidades, etc. Oliver Messiaen.
Pierre Ovules. Luciano Berio. Luigi Nono.
3 La música aleatoria, es aquélla en la que el autor no escribe o determina totalmente lo que hay que tocar, sino que
los músicos, en el momento de ejecutarla, tienen que inventar nuevas realidades o completar la partitura Se deja un
poco al azar, de ahí su nombre. Jonh Cage. Krystof Penderek buscó un lenguaje propio para expresar experiencias.
4 Minimalismo y nueva tonalidad, es una de las últimas tendencias. Parte de: sencillez de medios y estructuras, uso
de nuevo de la tonalidad, ritmos repetitivos y aditivos, uso de temas bellos, transparentes y con una textura clara. La
Monte Young, Steve Reich, Philip Glass. Junto al minimalismo, la vía de evolución de la música contemporánea ha
sido la nueva tonalidad, un intento de recuperar el viejo sistema de tonalidad, aunque con cambios sustanciales.
5 España. La Vanguardia. Se denomina Generación del 51 a una serie de músicos con los que España se integra en
las corrientes europeas que acabamos de estudiar. Su misión es: unir nuestra música a la vanguardia europea,
inventar un nuevo mundo de formas musicales. Dos grupos: -el madrileño, Ramón Barce, Carmelo Bernaola, Luis de
Pablo, Cristóbal Halffter, Antón García Abril. El catalán, José Mª Mestres-quadreny, Xavier Bengerel, Juan
Guinjoan, José Soler.
Información recogida de enciclopedias Salvat, Mª Luisa Aguirre Sinova y Lidia Hija Guerra