Música vocal: Música vocal del Renacimiento y Barroco Imagen Adagio Quant en Wikimedia Commons de Csmm bajo CC BY 1. Renacimiento: hay que ver o que sabes Fíjate, son unos pocos datos sobre el Renacimiento los que hemos plasmado en la línea del tiempo, personajes y detalles históricos de los siglos XV y XVI que se han quedado fijados en nuestra forma de ver la cultura. Seguramente estarás buscando en la Wikipedia seis nombres que no te suenan demasiado: Dufay, Josquin Desprez, Palestrina, Morales, Guerrero y Victoria. Tanto por la importancia en su época como por su repercusión posterior son los músicos que convierten la polifonía renacentista en un arte sublime. Actividad El sacerdote Martin Lutero es el origen de una ruptura trascendental en la Iglesia católica. Sus quejas contra las indulgencias (la idea de que los pecados pudieran ser perdonados a través de determinadas condiciones económicas) eran la punta del iceberg de planteamientos que lo alejaron totalmente de la trayectoria que seguía la iglesia católica en ese momento. La música que escucharás en los puntos 1.1 y 1.2 tiene unas características técnicas complejísimas. Compuestas e interpretadas por los músicos de las iglesias más importantes, dejaban a los fieles como meros oyentes. En nuestro terreno, la música, la Reforma luterana planteó interpretar melodías sencillas de frases cortas, fáciles de cantar y con texto en alemán. Muchas veces estaban basadas en canciones conocidas y, aunque al principio se cantaban al unísono, también se compusieron a 4 voces. Este género musical se denominó coral y tendrá una gran importancia en el Barroco. Escucha uno de los primeros corales publicados. Fragmento de audio: Coral. J.Walter. Naxos. Curiosidad La invención de la imprenta supuso una mayor difusión de la música, la creación de un estilo internacional generado por el conocimiento del trabajo de diferentes artistas, la interpretación musical en contextos “domésticos” que podían acceder a la partitura, unos beneficios para el músico producidos por el libro... Al comienzo de este programa de Rne, puedes encontrar las condiciones en las que Tomás Luis de Victoria mandaba imprimir en Madrid su libro de misas, magnificats, motetes y salmos. El programa es muy interesante pero lo que necesitas escuchar son sólo los 6 primeros minutos. A la carta > Radio > Radio Clásica > Música antigua > Música antigua - Tomás Luis de Victoria - 09/12/11 Ordena cronológicamente los compositores renacentistas que aparecen en la línea del tiempo, mencionando la fecha de nacimiento y muerte. ¿Cuál de estas tres músicas es un coral luterano? hd1 HM D1 La primera La segunda La tercera Like Share 1.1. El hombre armado Cuando en el primer tema te hablábamos de textura polifónica escuchamos un fragmento de una obra de Tomás Luis de Victoria. La textura polifónica llevada a cabo con unas estrictas normas que conocemos como técnica contrapuntística, es la clave de la composición religiosa de los siglos XV y XVI. Tratados musicales como Le Istitutioni Harmoniche de Zarlino explicaban como había que componer las obras para que todo "sonara bien". Imagen en Flickr de manuelmg8 bajo CC BY En la composición musical de esta época se utilizan melodías compuestas anteriormente, las partes se persiguen, se imitan, suenan invertidas una con respecto a otra pero cumpliendo con precisión unas estrictas normas. El análisis de los motetes y misas del Renacimiento conlleva descubrir cuántos “trucos” en el movimiento melódico de las voces, en las proporciones rítmicas, en los préstamos de otras obras nos encontramos bajo la dulzura armónica que escuchamos. Para saber más Durante el renacimiento se producen cambios en la se rellenan de tinta seguramente porque en vez de pergamino se utiliza papel que es más frágil. Este tipo de escritura se conoce como notación blanca. Imagen en Wikimedia Commons de Juandelenzina | Dominio público Componer polifonía fue en su origen una labor de construcción sobre el canto gregoriano: a la línea monódica del gregoriano se le añadía una segunda voz. Hemos visto que durante toda la Edad Media, apoyarse en una melodía tomada en préstamo era una manera común de componer. Esa melodía, a veces de procedencia profana para una composición religiosa, se cortaba y se manipulaba rítmicamente. En la composición de la misa del Renacimiento se llegó más lejos: como si de un corta y pega se tratara, se llevaba a la nueva composición fragmentos de otras obras con todas sus voces. Una vez pegado se comenzaba a “jugar” con ese elemento dentro del sistema contrapuntístico de la nueva obra. Estas misas se titulan con el nombre de la obra que han utilizado. Los compositores, lejos de pensar que su labor creativa debiera comenzar de cero, utilizaban este material: Los seis compositores que hemos nombrado en el punto anterior tienen una (o dos) misas basadas en esta canción del Renacimiento. para dar unidad a todas las partes de la misa (un Conocemos más de 30 misas L'home armé. elemento común en todas las partes), para captar la atención del oyente que pudiera descubrirlo, para utilizar las características interesantes de esa música ya compuesta, como un homenaje a otros compositores eligiendo alguna de sus obras incluso como un reto entre músicos que tomaban la misma referencia de partida. AV - Pregunta de Elección Múltiple Escucha esta lista de reproducción con algunos fragmentos de estas misas. Este tipo de misas se denominan: Misas de corta y pega Misas profanas Misas copiadas Misa parodia AV - Pregunta de Elección Múltiple ¿Cuál de estas partituras pertenece al Renacimiento? 1.2. De Sevilla a Roma pasando por Venecia La “industria” musical de la época tiene sus grandes factorías en las catedrales. Maestro de capilla, cantores y ministriles formaban una plantilla mayor en número y en prestigio según el nivel económico de la ciudad y la catedral que los albergaba. La imprenta permitía conocer y admirar las partituras de músicos que se convertían en pilares del estilo polifónico. Cristóbal de Morales (1500?-1553) y Francisco Guerrero (1528-1599) tuvieron una formación como niños cantores en la catedral de Sevilla y compartieron su trayectoria como compositores con los más afamados de sus contemporáneos, con los que coincidieron físicamente mientras trabajaban en Roma y también en varios libros de composiciones. Cristóbal de Morales murió siendo maestro de capilla de la catedral de Málaga. Francisco Guerrero, que llegó a viajar a Jerusalem, murió como maestro de capilla de la catedral de Sevilla donde está enterrado. Imagen en Wikimedia Commons de Anual con licencia CC BY Sin duda un lugar fascinante por su ubicación y su riqueza en el Renacimiento es Venecia. La catedral de San Marcos albergaba un estilo musical que aunaba la belleza del espacio y el sonido: la policolaridad. Conocíamos coros que se alternaban en salmos responsoriales, pero en Venecia llegaron a componer para cuatro coros con cuatro voces cada uno. Algunas de esas voces se tocaban con instrumentos. Esos coros se situaban separados proyectando sus sonido desde diferentes puntos de la catedral y dirigidos por el maestro de capilla. Todo un espectáculo que nos abre las puertas del mundo sonoro del Barroco. Imagen en Ficrk de manuelmg8 con licencia CC BY En este vídeo interpretan una obra de Giovanni Gabrielli compuesta para varios coros con los que intervienen instrumentos. ¿Podrías decir, viendo la interpretación, cuántos coros intervienen? En este caso están todos situados en el mismo espacio pero puedes comprobar que son diferentes pequeñas agrupaciones. 1.3. Un músico de otra época "Si no hubiera música, la vida sería insoportable" Entrevista a Jordi Savall en El País Cancionero de Palacio Las capillas musicales son instituciones vinculadas a la corte y a las catedrales o iglesias en las que se creaba e interpretaba música. En momentos de riqueza y esplendor como el que vivieron la corte y la iglesia de la España del XV-XVI, las capillas musicales disponían de compositores destacados y mayor número de intérpretes cantores e instrumentistas. La corte de los Reyes Católicos fue por lo tanto, un momento de riqueza musical que quedó reflejado en el Cancionero de Palacio, un manuscrito con casi 500 obras poéticas y musicales compuestas e interpretadas en aquellos días. Juan del Encina, Francisco de Peñalosa y muchos otros tienen sus canciones y villancicos grabados en esta caja. Buscando este cancionero en Youtube o Spotify te vas a encontrar, si no te has encontrado antes, con el nombre de un músico llamado Jordi Savall (1941). Es un especialista en música antigua que con su investigación ha dado voz a muchas músicas que estaban dormidas. Para saber más Actualmente, el manuscrito del Cancionero de Palacio se encuentra en la biblioteca de la Universidad de Salamanca. Documental de la Televisió de Catalunya y Televisión Española (2010), sobre la grabación y elaboración del disco LA DINASTÍA BORGIA: Iglesia y Poder en el Renacimiento, de Jordi Savall, Hespérion XXI y La Capella Reial de Catalunya. 2. Moro, lasso, al mio duolo MORO, LASSO , AL MIO DUOLO E chi mi può dar vita, Ahi, che m'ancide e non vuol darmi aita! O dolorosa sorte, Chi dar vita i può, ahi, mi dà morte! …... ME MUERO, POR DESGRACIA, EN MI SUFRIMIENTO Y ella la que me podía dar la vida, ¡Ay, me mata y no me ayuda. O triste destino, Ella, que me pudiera dar la vida, ay, me da la muerte. Partitura Mira cómo suena la muerte (moro, lasso...) en notas largas, ese movimiento tan intrincado de semitonos y una profunda textura homofónica. Escucha la viveza de las semicorcheas en la “vita” que salta de voz en voz a las órdenes de la textura contrapuntística. Moro, lasso, al mio duolo es un madrigal. Sobre poemas y otros textos líricos crecieron en el Renacimiento formas musicales que ponían en primer plano a la palabra. La frottola, la chanson, el villancico evitaban la complejidad del contrapunto y colocaban la melodía en la voz más aguda, lista para ser acompañada por otras voces o instrumentos. Este madrigal está compuesto por Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa, un músico sobre el que han corrido ríos de tinta (su biografía/leyenda cuenta cómo asesinó a su mujer y al amante de ésta). Llenó sus obras musicales de una expresividad que admiraron y siguieron en el Barroco. 3. ¿Barroco vocal? Händel y Bach A. Eisenach (J.S. Bach) B. Halle (G.F. Händel) ©2012 Google Datos de mapa ©2012 Basarsoft, Google, Tele Atlas - Ver mapa más grande A unos 150 km de distancia y con un mes de diferencia nacieron Händel y Bach. El primero fue famosísimo en vida llenando teatros con sus óperas y oratorios. El segundo, un creador al servicio de la iglesia con una producción ingente para la exigente rutina eclesiástica. Al primero lo enterraron en la Abadía de Wetsminster en un funeral multitudinario y no dejaron de interpretar su música. Bach ocupa hoy este lugar por el trabajo que en el siglo XIX hicieron algunos músicos volviendo a poner sonido a aquellas partituras olvidadas. En sus obras se puede conocer el recorrido de la música en este periodo. Su muerte marcó el fin del Barroco. Bach y Händel nunca llegaron a conocerse en persona. Los años en los que encuadramos el Barroco musical, 1600-1750, fueron época de regímenes absolutistas en Europa, así como de los cimientos del pensamiento moderno (Descartes, Newton...). Image en Wikimedia Commons de Calliopejen1 |Dominio público Estas poderosas cortes eran centros de cultura. En el campo musical, aunque hubo disputas estéticas que diferenciaban a los países, de una manera u otra Italia impregna de sus ideas musicales la Europa barroca. Foto en Wikimedia Commons de Alejandropuchau bajo CC De allí partió, como vimos en el madrigal de Gesualdo,la expresión de sentimientos y conceptos mediante la música. Allí comenzaron a perfeccionar los instrumentos hasta convertir su timbre en una razón para hacer música diferente a la que se componía para voz. Imagen en Wikimedia Commons de Urdangaray |Dominio público Escucha cómo suena el Barroco Music for a while es una canción de Henry Purcell, un mito de la música inglesa. La voz del contratenor acompañada por el bajo continuo es, sin duda, un sonido representativo de este periodo. Curiosidad Aquí puedes ver cómo se le puso el nombre de esta canción de Purcell a uno de los conciertos del Festival de Música Antigua de Sevilla. Te enlazamos aquí el programa AV - Pregunta de Elección Múltiple ¿En cuál de estas dos canciones dirías que suena un contratenor cantando una melodía acompañada por el bajo continuo instrumental? 4. El Mesías Plantilla flash de Flasmo bajo CC BY Dos horas y media para recorrer la vida de Jesús. La historia está contada con fragmentos de versículos de la Biblia que Charles Jennes convirtió en un libreto, es decir, en el texto que iba a acompañar a una obra musical escénica y lo organizó en tres actos. Georg Friedrich Händel puso la música. Se estrenó en Dublín en 1742 y después en el Covent Garden de Londres. No había compuesto una ópera sino un oratorio. Quizá la obra musical más interpretada de la historia. Vamos a guiarte un poco por la primera parte de la obra. Escucha cómo empieza 1-Sinfonía Sobre el escenario, el coro en silencio. Cuatro cantantes adelantados, cerca del director, también en silencio escuchan esta pieza instrumental. La orquesta es pequeña (ya hablaremos de orquestas en la próxima unidad) pero no faltan dos instrumentistas representativos de la música del Barroco. Se trata de una viola de gamba y un clavecín. El primero toca la línea del bajo y el segundo construye, sobre esa línea, acordes muchas veces indicados con números. Este tipo de acompañamiento vertical se llama bajo continuo. Ahora canta el Tenor 2-Recitativo Siguiendo el programa, uno de los solistas, el tenor, da un paso al frente. Va a cantar el recitativo Comfort ye, my people, saith your God . Fíjate en la partitura y escucha: La velocidad (el tempo) se ha parado y un acompañamiento de la orquesta muy sencillo, con un movimiento de las voces homofónico da la entrada al tenor que va a cantar una melodía muy sencilla también, sin saltos, sin melismas. A veces en los recitativos -que suelen ser la parte narrativa, de acción, de las obras vocales del barroco- la orquesta se para y sólo acompaña a la voz el bajo continuo. Entonces se llaman recitativo secco. Llega el aria 3-Aria La música del recitativo acaba en una cadencia. Comienza una nueva parte: el aria Every valley shall be exalted. Varía el tempo, la orquesta se mueve más rápido. Un acompañamiento más dinámico, más adornado da paso al tenor. El aria es ágil, melismática, muy expresiva. Y luego canta el coro 4-Coro La orquesta cierra la intervención, del tenor que vuelve junto a los otros solistas y el coro se dispone a cantar por primera vez And the glory of the Lord shall be revealed. La escritura para coro de Handel es grandiosa moviendo las voces en la tesitura en la que su sonoridad se magnifica. Las voces se mueven imitándose y vuelven a la homofonía cuando el texto requiere una armonía compacta para su comprensión. Fíjate, al final del coro la palabra Lord (Señor) se alarga y hay un silencio que prepara la última frase hath spoken it cantada lentamente indicado por la palabra Adagio en la partitura. Sigue el programa que está al inicio de este apartado, mira todas sus partes, la alternancia de recitativos, arias y coros. Audios en Wikimedia Commons con licencia CC BY AV - Pregunta de Elección Múltiple ¿En qué momento se canta el famoso coro del Aleluya? En la primera parte En la segunda Al comienzo de la segunda parte En la tercera parte ¿Y en qué parte se canta el Amén? Al principio de la segunda parte Es final de la segunda parte Es la última pieza de la obra Pertenece a la primera parte Para saber más Escucha esta interpretación. Es un proyecto en el que cientos de participantes intervienen en los coros. No es algo nuevo. En el aniversario de la muerte de Händel de 1787 ya se hizo algo parecido. Observa el programa de aquel evento: 5. 200 Cantatas Johann Sebastian Bach trabajó en 4 ó 5 puestos a lo largo de su vida, todos ellos en el contexto de la Alemania luterana. Fue organista en Arnstadt, Mühlhausen y en la corte del duque de Weimar, también maestro de capilla en Weimar y en la corte de Cöthen. Finalmente maestro del coro y director musical de las iglesias de Santo Tomás y San Nicolás en Leipzig. El que ahora es una figura única de la música occidental estaba contratado como organista teniendo que cumplir unas estrictas normas de puntualidad y cuidado del órgano, y en su contrato como director musical en Leipzig se estipulaban cuántas horas de clase de música y latín impartía a los niños y jóvenes del coro. Se dice muchas veces que Bach era un artesano, y como tal, utilizó la materia prima sonora que cada contexto laboral le daba. Lógicamente, nos encontramos con una gran producción para órgano cuando ocupaba puesto de organista, para orquesta o para clave en su etapa cortesana y mucha música vocal en Leipzig. Bach estaba obligado a componer una cantata para cada domingo y festivos del calendario luterano, unas 58 al año. Escribió cinco ciclos anuales, y se conservan unas 200. Fragmento de audio: Inicio de la Cantata 147. Bach. Naxos. Las cantatas, con tema alusivo al evangelio correspondiente a ese día, contienen música del propio Bach que aparece en otras obras y también melodías de corales luteranos que reutiliza, modifica, reconstruye o varía como si la música fuera una sola pieza de barro en su cabeza a la que se puede dar formas geniales. Bach también compuso cantatas profanas que él denominaba drama per musica. La mayoría de la música de estas obras aparece en las cantatas religiosas que compuso en Leipzig. Las cantatas tienen un número variado de secciones, con arias, recitativos, coros y partes instrumentales. Las cantatas de Bach despiertan un interés muy especial. Existen páginas específicas en diferentes idiomas que descubren los detalles de composición de estas obras, de dónde salen sus melodías, la complejidad de elaboración que ocultan bajo estrictas normas de composición, la relación de la música con el texto. También la idea de ciclo anual, la relación de cada obra con un día concreto, es un factor atractivo. Aquí tienes algunos ejemplos: www.bach-cantatas.com www.cantatasdebach.com Importante Verás que tras el título de las obras de Johann Sebastian Bach aparecen unas siglas y un número. No es el clásico Op. (opus), el número de obra con el que van ordenando los compositores su música. Las siglas BWV significan Bach Werke Verzeichnis (Catálogo de las obras de Bach), y el número hace referencia al orden de composición. No es un trabajo fácil, Bach nunca numeró ni fechó sus obras, algunas ni se han conservado. Los compositores Mendelssohn y Schumman fueron los primeros en interesarse, investigar, dar a conocer... y poner números a las partituras. A su primera catalogación le siguieron otras, esta BWV es la última y es la que el mundo de la música ha adoptado como definitiva. Para saber más Dos interesantes artículos sobre el tema, el primero de ellos con una errata en el título ¿la descubres? Bach, cantatas profanas, BWV 30A y 207 La difícil pervivencia de las cantatas de Bach Aquí tienes las dos cantatas a las que hace referencia el primer artículo. Observa su parecido. AV - Actividad de Espacios en Blanco Encuentra y completa el número de catálogo de cada una de estas obras: partes independientes, pero convertida en un proyecto acabado poco antes de su muerte son, probablemente, lo más lejos que llegó el Barroco. Enviar Busca y escucha el Agnus Dei de la Misa en Si menor.