Magical Mystery Tour - La Aventura de Componer

CULTURA / INTERTEXTO POP
Magical Mystery Tour
Cara A
La cara A del disco Magical Mystery Tour contiene
las canciones que formaron parte de la película
del mismo nombre: “Magical Mystery Tour”, “The
Fool on the Hill”, “Flying”, “Blue Jay Way”, “Your
Mother Should Know” y “I Am the Walrus”.
LUCAS MAGNIN
En esta serie de artículos quiero
exponer algunas de las interesantes formas en las cuales los Beatles
hicieron relecturas de la música, la
literatura y los medios de comunicación. Intentaré descubrir algunos guiños literarios, musicales,
paródicos, de reescritura, que dan
a la obra de los Beatles una resonancia incluso mayor.
Puedes acceder a su blog
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www.facebook.com/lucasmagninoficial
La obertura del disco (que también inicia la película) es una vez más, al igual que
en Sgt. Pepper, la clave narrativas para el resto de la experiencia. El pregonero,
uno de los personajes habituales de las ferias y circos, invita a que todo el mundo
participe del viaje. La frase que utiliza es «roll up», que tiene el doble significado de
“alistarse” y de “enrollar” para hacer un cigarrillo (una de las usuales referencias de
los Beatles al consumo de drogas). Para recrear la atmósfera del viaje, se utilizaron
sonidos ambientales de los archivos de EMI en Abbey Road. Se cuenta que, mientras
grababan la canción, McCartney repetía la frase «flash, flash» para dar a entender
que iba a ser como un comercial.
El siempre productivo y multifacético Paul recupera en “The Fool on the Hill”
el tópico de la soledad, el aislamiento y la alienación que ya había explorado en
canciones como “Eleanor Rigby” y “She’s Leaving Home”. El tema está novelizado en
una pequeña historia: la de un tonto que vive en una montaña y sufre el desprecio
de sus semejantes. Musicalmente, la canción despliega una interesante mezcla de
géneros al reelaborar patrones melódicos y armónicos del romanticismo temprano;
por ejemplo, el cambio de tonalidad: RE mayor en la estrofa, RE menor en el estribillo.
Este cliché del romanticismo ya había sido utilizado en canciones como “Things We
Said Today” y “I’ll Be Back”, ambas de A Hard Day’s Night.
“Flying” es una de las pocas canciones instrumentales del catálogo de los Beatles. Es,
además, la obra menos autónoma del disco ya que fue compuesta únicamente como
banda sonora para llenar un espacio en la película. La estructura musical, aunque
no lo parezca, es un típico 12-bar Blues o Blues de 12 compases: un molde que se
encuentra muy presente en buena parte de la tradición del Blues. En la película, la
canción acompaña las imágenes de un vuelo aéreo por Islandia. Las imágenes eran
tomas descartadas de la película de 1964 Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop
Worrying and Love the Bomb, dirigida por Stanley Kubrick. Se utilizan filtros de colores
para convertir las tomas en un viaje psicodélico.
Al igual que en Sgt. Pepper, George Harrison contribuye sólo con una canción a
Magical Mystery Tour. Su contribución, “Blue Jay Way”, nuevamente pone en
funcionamiento un productivo mecanismo de mezcla de géneros entre música
occidental y oriental. Aunque la instrumentación es netamente occidental (batería,
bajo, órgano, violoncelo), la estructura proviene del sur de la India; el modo melódico
que usa se llama raga ranjani. Otro elemento de la música oriental es el uso del
acorde pedal, sin modulación armónica; sobre esa armonía uniforme, que los Beatles
ya habían utilizado en canciones como “Within You Without You” y “Tomorrow Never
Knows, se construye la melodía. “Blue Jay Way” relata la experiencia de cansancio y
confusión de Harrison en la niebla de Los Ángeles mientras espera a sus amigos, a los
que repite una y otra vez: «por favor, no os demoréis».
“Your Mother Should Know” es otra de las canciones que lleva la impronta
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DISCO PARA ESCUCHAR
Magical Mystery Tour
de McCartney en su
recuperación del jazz de
los años veinte y treinta. La
canción remite a la época de
oro del music hall; la película
exagera esta referencia al
incluir parodias de baile
por parte de los Beatles. La
misma letra –muy breve y
repetitiva– gira en torno a
«una canción que fue un
éxito antes de que tu madre
naciera». La expresión «your
mother should know» (tu madre
debe saberla) es una alusión a una frase
pronunciada en la película inglesa de 1961 A
Taste of Honey, la misma película que contenía la canción
homónima que en 1963 los Beatles reversionaron para
Please Please Me, su disco debut.
La complejidad lírica y la autoconciencia compositiva que
rodean “I Am the Walrus” convierten a esta canción en una
de las más respetadas del catálogo de los Beatles y una de
las más interesantes en sus juegos de intertextualidad y
dialogismo. Todo surgió por una carta que Lennon recibió
de un estudiante de su antigua escuela de Liverpool,
quien mencionaba que el profesor hacía que los alumnos
analizaran las letras de los Beatles. John decidió crear una
canción tan intangible que fuera imposible de analizar.
Toda la composición es una burla hacia la crítica y los
críticos literarios. Lennon, quien siempre fue cínico acerca
del sentido de palabras como “poesía” o “arte”, creó una
cátedra de literatura de cinco minutos al recuperar varias
influencias. La melodía inicial («I am he as you are he as you
are me and we are all together») surgió como una parodia
al sonido hecho por la sirena de la policía. Otros sonidos
participan incidentalmente: risas, gruñidos y frases sin
sentido dichas por un coro: «oompah, oompah, stick it in
your jumper» y «everybody’s got one, everybody’s got one».
La inclusión incidental más interesante es un fragmento
de una transmisión radial de El Rey Lear, la tragedia de
Shakespeare, a través de la BBC; la inclusión no fue un hecho
premeditado sino fortuito. Entre las referencias literarias
que aparecen en la canción, sin duda la más importante es
la obra de Lewis Carroll sobre Alicia: A través del espejo y
Las aventuras de Alicia en el País de las maravillas. El título
de la canción, “Soy la morsa”, está tomado de su poema
“La morsa y el carpintero”. Los neologismos «crabalocker
fishwife» y «textperts» recuerdan al poema “Jabberwocky”,
incluído en A través del espejo. La frase «mirá cómo huyen
como si fueran cerdos ante un rifle, mirá cómo vuelan» es
tal vez una reelaboración de la conversación sobre cerdos
que vuelan de Alicia con la Reina Blanca. El «hombre
huevo» puede ser una referencia a Humpty-Dumpty, un
personaje de la literatura infantil retomado por Carroll. Una
ulterior referencia literaria proviene de una canción para
niños que decía: «Yellow matter custard, green slop pie, all
mixed together with a dead dog’s eye» (crema de sustancia
amarillenta, torta de bazofia verde, todo mezclado con el ojo
de un perro muerto). Las primeras líneas aparecen reescritas
en los versos «yellow matter custard dripping from a dead
dog’s eye» (crema de sustancia amarillenta gotea del ojo de
un perro muerto).
Según las declaraciones de Lennon, la frase «pingüino del
primario canta el Hare Krishna» es una referencia al escritor
norteamericano Allen Ginsberg. Existen dos citas musicales,
una explícita y una probable. La cita explícita está en la frase
«mirá cómo vuelan como Lucy en el cielo », un guiño a “Lucy
in the Sky with Diamonds”, otra gran deudora de la obra de
Lewis Carroll, del disco Sgt. Pepper. La referencia probable
está en la frase inicial «I am he as you are he as you are me
and we are all together»; la canción “Marching to Pretoria”
incluye la frase «I’m with you and you’re with me and we are
all together» (yo estoy contigo y tú estás conmigo y todos
estamos juntos). Los Beatles retomarían la metáfora de la
morsa en el siguiente disco, White Album, con la canción
“Glass Onion” que afirma que la morsa no era Lennon sino
McCartney. En la canción “God”, de su primer disco solista,
Lennon hace una aseveración definitiva al respecto; la
morsa se convierte en símbolo de sus máscaras, un símbolo
que él rechaza: «I was the walrus but now I’m John» (antes
era la morsa; ahora soy simplemente John). La complejidad
y variedad de recursos estilísticos, literarios y técnicos de
esta canción es notable; por más que la lectura se esfuerce
por penetrar en su caparazón semántico, subsiste una
sensación de insatisfacción. A fin de cuentas, como dice
Humpty-Dumpty, el hombre huevo de las aventuras de
Alicia, «cuando yo uso una palabra quiere decir lo que yo
quiero que diga…, ni más ni menos».
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CULTURA / INTERTEXTO POP
Magical Mystery Tour
Cara B
La cara B de Magical Mystery Tour comienza con
una obra de Paul: “Hello Goodbye”
Como ya mencionamos en un artículo anterior, se puede ver en canciones como ésta
el cansancio del estudio de grabación convertido en parodia. La extraña y superficial
conversación (hola/adiós, sí/no, detente/continúa) se burla de sí misma.
Cabe destacar el doble final de “Hello Goodbye”, que concluye con una parodia de
la música hawaiana. Todos estos elementos paródicos aparecen exagerados en el
video promocional, una forma novedosa (que es, de hecho, el antecedente de Mtv)
de enviar su música de gira ya que ellos preferían quedarse trabajando en el estudio.
LUCAS MAGNIN
En esta serie de artículos quiero
exponer algunas de las interesantes formas en las cuales los Beatles
hicieron relecturas de la música, la
literatura y los medios de comunicación. Intentaré descubrir algunos guiños literarios, musicales,
paródicos, de reescritura, que dan
a la obra de los Beatles una resonancia incluso mayor.
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“Strawberry Fields Forever” fue el puntapié creativo para todo el período de Sgt.
Pepper y Magical Mistery Tour. Lennon la escribió en Almería, España, mientras
actuaba en la película How I Won the War de Richard Lester durante el otoño de
1966. El chalet que Lennon alquiló en Almería tenía portones de hierro forjado y
una exuberante vegetación. Estos elementos le recordaron a Strawberry Fields, un
refugio para niños del Ejército de Salvación en el cual jugaba Lennon cuando era
pequeño. La evocación de la infancia perdida, inocente e ideal definió el tono intimista
e introspectivo de la letra de la canción; «fue psicoanálisis aplicado a la música»,
dijo John. Las palabras se superponen y contradicen; el autor no tiene intenciones
de ordenar sus memorias. La canción tiene un tono particularmente dubitativo que
permite dejar abiertos los significados. Nuevamente observamos un doble final; tras
una primera atenuación, reaparecen sonidos psicodélicos y palabras sueltas durante
unos segundos más antes de extinguirse por completo. Una instancia de mezcla de
géneros es la inclusión de la swarmandal o arpa india. El video promocional que
acompañó el lanzamiento de “Strawberry Fields Forever” agrega algunos elementos
notables: el uso de filtros de colores para lograr un tono surreal, el uso constante
de tomas en un primerísimo primer plano que subraya el enfoque introspectivo y la
superposición de planos que crea un ambiente psicodélico en el que «nada es real».
Lennon y McCartney caminaron hacia la madurez compositiva a través de un constante
sentido de competencia. Cuando uno escribía una canción con un elemento original,
el otro intentaba superarla. “Penny Lane” es la respuesta de McCartney a “Strawberry
Fields Forever” de Lennon. Al igual que la de Lennon, también está construida como
una remembranza nostálgica de la infancia. Penny Lane es el nombre de una calle
de Liverpool y de uno de sus barrios. El recuerdo está rarificado, reconstruído, y se
mezcla con el presente; un día soleado y un día lluvioso se confunden. McCartney,
que generalmente utiliza sus canciones como espacio para relatar pequeñas
historias, noveliza a través de personajes que pueblan sus memorias: el barbero, los
transeúntes, el banquero, los niños, el bombero, la enfermera. La canción reconstruye
el pasado al recuperar expresiones típicas de Liverpool. “Mac” es un apócope de
“mackintosh”, un modismo para “impermeable”. La frase «four of fish and finger pie»
hace referencia a dos elementos de la cultura popular de Liverpool: “four of fish”
(literalmente, cuatro de pescado) son las palabras que se utilizaban para pedir el
equivalente de cuatro peniques de pescado; “finger pie” es una frase de lunfardo con
connotaciones de estimulación sexual. La frase «una linda enfermera vende amapolas
en una bandeja» hace referencia a la celebración inglesa Remembrance Day (Día de
la memoria); en esta fecha se venden amapolas rojas para recolectar fondos para
los veteranos de guerra. Un historiador de los Beatles sugirió que la inspiración
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DISCO PARA ESCUCHAR
Magical Mystery Tour
de la canción quizás provenga
del poema “Fern Hill” de Dylan
Thomas, a quien McCartney leyó en
profundidad. El sonido de la canción,
limpio y claro, recuerda al disco Pet Sounds
de los Beach Boys. Según McCartney, el solo de trompeta
está inspirado en el Segundo Concierto de Brandemburgo
de Bach.
“Baby You’re a Richman” es la fusión de dos protocanciones: una de Lennon (las estrofas) y una de McCartney
(el estribillo). La letra de la canción gira en torno a una serie
de preguntas en las estrofas y afirmaciones en el estribillo
que ponen en evidencia la hipocresía y frivolidad de la
“gente bien” (beautiful people). “Beautiful people” era una
expresión usual dentro de la juventud de Londres para hacer
referencia a la gente adinerada y educada. Musicalmente, la
canción es un espacio de mezcla de géneros que, una vez
más, incluye elementos no occidentales. El instrumento
llamado clavioline contribuye con melodías orientales en los
momentos de silencio por parte de la voz líder; esta técnica
de ornamentación musical proviene de la música clásica de
la India y se llama gamaka o gamak.
La canción que cierra Magical Mystery Tour no puede ser
verdaderamente entendida sin su contexto. “All You Need
Is Love” fue compuesta por Lennon específicamente para
el evento llamado One World: la primera transmisión
televisiva vía satélite, emitida el 25 de junio de 1967. La
transmisión fue vista por 400 millones de personas en 26
países. Los Beatles fueron los representantes de Inglaterra.
La canción, creada para esa audiencia, utiliza mecanismos de
intertextualidad y dialogismo que subrayan ese factor. En la
búsqueda de un tópico universal, Lennon recupera el amor,
visto desde una lente metafísica y casi religiosa. La letra
utiliza una cadencia que recuerda a la Biblia y los Evangelios;
un ejemplo de esto es la frase «nada de lo que puedas
hacer es imposible». A nivel musical, existen dos elementos
notables. Primeramente, la mezcla de géneros que sucede
en la fusión de instrumentación clásica (harpsicordio,
violines, violoncelos, trompetas, trombones) con una
canción pop. En segundo lugar, varios intertextos musicales
que funcionan a nivel estratégico. La introducción es una
cita errónea del himno nacional francés, “La Marseillaise”.
Hacia el final de la canción, el epílogo se construye sobre una
base armónica sencilla que permite la cita libre de un grupo
de obras. La primera, guiada por la trompeta, recupera una
obra de Johann Sebastian Bach: “Invención en dos partes en
FA mayor”. Luego, se cita “In the Mood”, el clásico de jazz de
Glenn Miller. En tercer lugar, aparece “Greensleeves”, una
de las melodías más famosas del folclore inglés. También
hay lugar, en el collage de citas, para dos obras de los
Beatles: “Yesterday” y “She Loves You”. En el contexto de
la transmisión satelital a todo el mundo, esta recopilación
no parece arbitraria sino estratégica: “La Marsellesa” es
francesa y fue compuesta a fines del siglo XVIII; Bach era
alemán y escribió en la primera mitad del siglo XVIII; Glenn
Miller era norteamericano y vivió durante la primera mitad
del siglo XX; y “Greensleeves” es una melodía inglesa del
siglo XVI. La estrategia sugiere que el poder del amor no
tiene tiempo, trasciende las barreras históricas y culturales.
La inclusión de dos canciones de los Beatles en ese catálogo
es una instancia de autoconciencia de la propia creación:
dos de sus obras comparten ese escenario multicultural y
transhistórico con algunas de las grandes melodías de la
historia universal.
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