“Estudio de las técnicas, materiales y revisión estilística de un pintor

UNIVERSIDAD TECNOLOGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES, DISEÑO,
ESCUELA DE RESTAURACION Y MUSEOLOGIA
TESIS PREVIA LA OBTENCIÓN DEL TÍTULO DE
LICENCIADO EN RESTAURACION Y MUSEOLOGIA
“Estudio de las técnicas, materiales y revisión
estilística de un pintor precursor del indigenismo
ecuatoriano: Camilo Egas”
José Ricardo Martínez Gallegos
Director de Tesis: MSc. Marco F. Rosero Bedoya
QUITO - ECUADOR, NOVIEMBRE 2.013
UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
DECLARATORIA
Los contenidos vertidos en cada uno de los capítulos del trabajo de
investigación que se pone a consideración, son de exclusiva responsabilidad
de su autor, José Ricardo Martínez Gallegos.
José Ricardo Martínez Gallegos
CI.1716274517
II
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José Ricardo Martínez Gallegos
CERTIFICACIÓN
Certifico que el presente trabajo de investigación, “Estudio de las técnicas,
materiales y revisión estilística de un pintor precursor del indigenismo
ecuatoriano: Camilo Egas”, fue desarrollado por su autor, Ricardo Martínez,
bajo mi dirección y supervisión
Marco Fabián Rosero Bedoya MSc.
III
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José Ricardo Martínez Gallegos
DEDICATORIA
A Dios por bendecirme, iluminarme y darme las fuerzas para cumplir los
objetivos que he trazado en mi vida.
Con gran amor, este trabajo está dirigido a mi madre mi mayor inspiración, a mi
padre por acompañarme en cada momento de mi vida, a mi madrina quien me
formó como profesional y me enseñó lo importante de dar lo mejor de mí en
cada experiencia laboral.
IV
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José Ricardo Martínez Gallegos
AGRADECIMIENTO
A la Facultad de Arquitectura, Artes y Diseño, y en especial a todos los
docentes de la carrera de Restauración y Museología por su generosidad y
conocimiento transmitido día a día; a mi Director de tesis Msc. Marco Rosero
Bedoya por su generosidad, paciencia y ser mi guía durante toda la
investigación realizada.
A mis amigos que con su apoyo, buen ánimo y energía, supieron transmitirme
en todo momento fuerza para llegar a cumplir este objetivo.
V
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José Ricardo Martínez Gallegos
RESUMEN
Camilo Egas considerado como el precursor del indigenismo quien trata por
primera vez el tema indígena en conjunto con sus creencias, vitalidad y fuerza;
involucrado en la problemática social de manera ideológica pero nunca
relacionado a la política.
Los reconocimientos por su labor artística son varios entre los que adquiere
premios y menciones de honor, expone en galerías nacionales e
internacionales, mantiene relación con artísticas importantes de su época y que
han trascendido en la historia como: Picasso, Modigliani, Orozco, entre otros.
El estudio de las técnicas, materiales y revisión estilística de la obra de Egas,
nos ayuda a comprender integralmente la obra y analizarla desde sus diferentes
aspectos compositivos, parte fundamental de este estudio es facilitar el acceso
a esta información de manera virtual.
VI
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José Ricardo Martínez Gallegos
ABSTRACT
Camilo Egas is considerated the precursor of the Indigenist Movement. He
attends for the first time the indigenous theme joined with his beliefs, vitality and
strenght; involved in the social problems in an ideologic way but never related to
politics.
The recognitions for his artistic labor are several. He received awards and honor
mentions, he exposed in nacional and internacional galleries and maintained
relations with important artists of his period that had transcended in history like:
Picasso, Modigliani, Orozco, among others.
The study of the techniques, materials and the stylistic review of Egas life’s
work, help us to fully understand his individual work, and to analize it from their
different compositional aspects.
An important part of this study is to facilitate the access to this information in a
virtual way.
VII
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José Ricardo Martínez Gallegos
ÍNDICE
CARATULA ...................................................................................................... I
DECLARATORIA ............................................................................................. II
CERTIFICACIÓN ............................................................................................ III
DEDICATORIA ............................................................................................... IV
AGRADECIMIENTO ........................................................................................ V
RESUMEN ...................................................................................................... VI
ABSTRACT .................................................................................................... VII
INTRODUCCIÓN ............................................................................................ - 1 TÍTULO ........................................................................................................... - 2 PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA ............................................................. - 2 OBJETIVO GENERAL .................................................................................... - 3 OBJETIVOS ESPECÍFICOS ........................................................................... - 3 JUSTIFICACIÓN ............................................................................................. - 3 MARCO TEÓRICO. ........................................................................................ - 4 TIPO Y DISEÑO DE LA INVESTIGACIÓN ..................................................... - 7 HIPÓTESIS ..................................................................................................... - 7 1. INTRODUCCIÓN AL ESTUDIO DE LA OBRA DE ARTE Y EL SIGLO XX - 8
1.1
Ver la obra de arte antes de mirarla .................................................. - 8 -
1.1.1
Significado de la obra de arte ...................................................... - 8 -
1.1.2
El valor de la obra de arte en su época y en el tiempo.............. - 12 -
1.1.3
La vigencia de la obra ............................................................... - 14 -
1.2
Aprender a mirar y conocer ............................................................. - 14 -
1.2.1
Mirar para ver ............................................................................ - 14 -
1.2.2
Los procedimientos artístico ...................................................... - 15 -
1.2.2.1
Forma..................................................................................... - 15 -
1.2.2.2
Color ...................................................................................... - 16 VIII
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1.2.2.3
Movimiento............................................................................. - 18 -
1.2.2.4
Luz ......................................................................................... - 19 -
1.2.2.5
Expresión ............................................................................... - 21 -
1.2.2.6
Proporción.............................................................................. - 22 -
1.2.2.7
Tensión .................................................................................. - 24 -
1.2.2.8
Espacio .................................................................................. - 25 -
1.2.2.9
Síntesis y composición........................................................... - 26 -
1.3
El signo y el significado.................................................................... - 29 -
1.3.1
El arte como símbolo................................................................. - 29 -
1.3.2
Arte e Historia ........................................................................... - 30 -
1.3.3
Arte y sociedad.......................................................................... - 31 -
1.3.4
Arte y religión ............................................................................ - 31 -
1.4
Teoría e historia del arte .................................................................. - 32 -
1.4.1
El arte a través de la historia ..................................................... - 32 -
1.4.2
Las tendencias historiográficas ................................................. - 33 -
1.4.3
La obra de arte y su época........................................................ - 34 -
1.5
El siglo XX, vida y obra de Camilo Egas .......................................... - 34 -
1.5.1
La Ruptura Academicista en las Artes ...................................... - 34 -
1.5.2
El cambio conceptual del arte ecuatoriano en el siglo XX ......... - 35 -
1.5.3
La escuela de Bellas Artes y su impacto ................................... - 37 -
1.5.4
2
Camilo Egas ................................................................................. - 38 -
1.5.5
Viajes y vanguardias ................................................................. - 40 -
1.5.6
Versatilidad artística .................................................................. - 45 -
ESTUDIO CRONOLÓGICO Y TÉCNICO DE LA OBRA ........................ - 50 2.1
La obra............................................................................................. - 50 -
2.1.1
La técnica y la naturaleza del soporte ....................................... - 51 -
2.1.2
Línea y color .............................................................................. - 51 -
2.1.3
Espacio Ilusorio y realidad del cuadro ....................................... - 57 -
IX
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2.2
La obra matérica. ............................................................................. - 60 -
2.2.1
2.3
Estratigrafía y composición química. ......................................... - 62 -
Camilo Egas y su obra ..................................................................... - 63 -
2.3.1
El impresionismo ....................................................................... - 63 -
2.3.2
Análisis de la obra del Museo Camilo Egas .............................. - 63 -
2.3.3
Figura Indígena ......................................................................... - 64 -
2.3.4
Expresionismo ........................................................................... - 81 -
2.3.5
Surrealismo análisis de las obras .............................................. - 91 -
2.3.6
Abstraccionismo, Cubismo análisis de las obras .................... - 104 -
3 Caracterización de la obra de Camilo Egas con miras a su conservación,
difusión y promoción. .................................................................................. - 114 3.1
Propuesta educativa del Museo Camilo Egas ............................... - 114 -
3.1.1
Criterio de curaduría................................................................ - 115 -
3.1.2 El barrio de Santa Bárbara y el Sistema Metropolitano de Museos y
Centros Culturales (Simmycc) .............................................................. - 117 3.2
En busca de propuestas museísticas ............................................ - 119 -
3.2.1 Los talleres y las propuestas educativas del Museo Camilo Egas en
el año 2011........................................................................................... - 120 3.2.2 Herramientas complementarias de gestión educativa en el Museo
Camilo Egas ......................................................................................... - 123 3.3
Propuesta de libro interactivo ........................................................ - 123 -
3.3.1
Diseño de un libro virtual interactivo........................................ - 124 -
CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES........................................... - 125 Conclusiones. .......................................................................................... - 125 Recomendaciones. .................................................................................. - 126 Bibliografía............................................................................................... - 127 ANEXOS ..................................................................................................... - 129 GLOSARIO DE TÉRMINOS .................................................................... - 130 -
X
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PLANTILLA DE ENTREVISTA ESTRUCTURADA, A LORENA CISNEROS,
CURADORA DEL MUSEO CAMILO EGAS. ........................................... - 136 ENTREVISTA A LORENA CISNEROS, CURADORA DEL MUSEO CAMILO
EGAS....................................................................................................... - 138 ÍNDICE FOTOGRÁFICO ......................................................................... - 143 -
XI
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José Ricardo Martínez Gallegos
INTRODUCCIÓN
Camilo Egas, es un artista ecuatoriano precursor del indigenismo, posee un
bagaje de obras, ricas en técnica, concepto y versatilidad, posee un trabajo
digno de ser difundido y usado a su vez como elemento educativo, para
comprender de esta forma las técnicas artísticas empleadas por este.
La obra y trascendencia de Egas, a pesar de ser amplia es desconocida en su
país, aún con las gestiones realizadas por el Banco Central del Ecuador que
adquirió sus obras y creó el museo con su nombre en un principio y en la
actualidad el Ministerio de Cultura quien está a cargo de su reserva y gestión
cultural.
Por las razones antes mencionadas este trabajo plantea, realizar un estudio
acerca del arte en general y haciendo énfasis en el siglo XX que influencia
directamente en la obra de Egas, además de brindar procedimientos para la
comprensión de la obra de arte, desde todos los aspectos que la componen,
físicos y conceptuales.
El estudio cronológico de la obra de Egas, presente en este texto, nos permitirá
reconocer aspectos importantes como, su vida e influencia alrededor de sus
experiencias y sentires; de esta forma apreciaremos su versatilidad a través de
corrientes artísticas como: el expresionismo, el surrealismo, el cubismo y el
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José Ricardo Martínez Gallegos
abstraccionismo además de las distintas composiciones cromáticas y
compositivas que emplea para resolver cada una de estas corrientes artísticas.
La puesta en valor de los aspectos antes mencionados, pretende concluir con la
elaboración de una herramienta complementaria al plan educativo del Museo
Camilo Egas, que promueva la conservación y promoción del patrimonio cultural
ecuatoriano a través de un ejemplo práctico, empleando lo aprendido en este
texto.
TÍTULO
“Estudio de las técnicas, materiales y revisión estilística de un pintor precursor
del indigenismo ecuatoriano: Camilo Egas.”
PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
Ecuador es un país que posee un amplio inventario artístico, patrimonial, el
mismo que presenta ciertas privaciones al público en general, por lo cual son
necesarias nuevas herramientas de educación en torno a los museos, de fácil
acceso y difusión, para evidenciar el patrimonio ecuatoriano y el trabajo de
profesionales en esta rama.
Partiendo de esta idea es necesario difundir y simplificar algunos contenidos
investigativos para la fácil y práctica recepción de conocimientos y contenidos
culturales, pensados para diversos tipos de públicos.
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
La difusión y puesta en valor del trabajo artístico de maestros como Camilo
Egas, es necesaria pues su vida y obra trascienden e influencian directamente
en la plástica social ecuatoriana. Aun con todo este valor patrimonial su labor es
desconocida para muchos, por ello es obligación realizar una recopilación de la
obra y realizar un estudio especializado para una posterior socialización
didáctica y de fácil acceso a la obra de Egas.
OBJETIVO GENERAL
Realizar un estudio de la vida y obra de Camilo Egas, a través de metodologías
del estudio del arte, para dar forma lógica a una herramienta didáctica y digital
de fácil acceso para el público.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
•
Investigar procedimientos para la comprensión de una obra de arte y
comprender la influencia artística del siglo XX
•
Identificar la cronología y características sobresalientes de la obra de
Camilo Egas, partiendo de una muestra tomada del Museo Camilo Egas.
•
Proponer y realizar una herramienta digital complementaria a la gestión
educativa del Museo Camilo Egas.
JUSTIFICACIÓN
Es necesaria una herramienta de fácil acceso y comprensible de una forma
didáctica donde las artes y la información técnica fluyan de forma ágil, donde
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José Ricardo Martínez Gallegos
encontremos una estrategia de fácil difusión para contenidos importantes como
la vida y obra de Camilo Egas artista pilar en la plástica ecuatoriana, versátil,
nunca ajeno a la problemática social y fiel a una visión particular del arte como
identidad y como vehículo de denuncia.
La particularidad de la obra del maestro Egas, se basa en que a lo largo de su
vida y trabajo experimenta con distintos tipos de estilos pictóricos, analizando
de forma didáctica los estilos practicados por Egas se puede llegar a un fin
educativo, pues al estudiar al artista y su obra también podremos entender y
adentrarnos en aspectos como: historia, técnicas y estilos pictóricos, la
importancia de este proyecto radica en la versatilidad de su obra como aspecto
didáctico educativo y transformarlo a un medio digital de difusión.
MARCO TEÓRICO.
Esta investigación toma como referente publicaciones y libros de distintos
autores que aportan información sobre la biografía y trayectoria artística de
Camilo Egas; así como herramientas para poder observar una obra de arte
dentro de todos los aspectos que la componen.
Para remitirme a conceptos artísticos y el arte en el ecuador en el siglo XX
tomaré como referencia bibliográfica algunos libros:
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“Introducción al Método Iconográfico” de Manuel Castiñeiras (2005), en el que
se habla acerca de una descripción objetiva y comprender el significado de los
elementos que componen la obra de arte.
“El significado en las artes visuales” de Erwin Panofsky (1855), en el que nos
acerca al arte mediante ejemplos prácticos, analizando el arte a través de la
historia.
“Teoría y Metodología de la Historia del Arte” de José Fernández (1984), en el
que encontramos conceptos acerca de la importancia de la historia del arte y su
evolución en la historia como disciplina social.
“El significado del Arte” de Read Herbet (1973), aquí encontramos conceptos
relacionados a todos los elementos que componen a una obra de arte y a
utilizarlos como herramientas para comprenderla.
“El siglo XX de las artes visuales en Ecuador” de Hernán Rodríguez (1988), Nos
habla acerca de las generaciones de artista ecuatorianos del siglo XX, además
de las circunstancias por las que atraviesan.
“La pintura ecuatoriana del siglo XX” de José Alfredo Llerena (1942), Nos habla
acerca de las circunstancias sociales, políticas por las que pasa el arte y los
artistas en Ecuador en el siglo XX.
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
En cuanto a la investigación biografía de Camilo Egas, pintor ecuatoriano
(1889-1962), tomaré como referencia algunos libros y artículos:
“Difusión Cultural Revista del Banco Central” donde participan varios escritores
que aportan a esta investigación datos históricos importantes como son: Nicolás
Kigman, Carmen Ponce, Magdalena Gallegos, Agustín Armas, Raúl Andrade
(1986), donde se trata temas como: Tránsito y Presencia de Camilo Egas,
Cronología, Su Estudio Estético.
“Revista Anaconda Cultura y Arte” donde aportan sus conocimientos Trinidad
Pérez, Carlos Rojas (2006), si se trata temas como Camilo Egas del
Indigenismo al Arte Actual.
“Revista Diners” artículo de Hernán Rodríguez (1993), donde encontramos una
artículo interesante acerca del tratamiento estético de Camilo Egas y su
influencia artística
Finalmente para la investigación de la propuesta educativa y su vinculación con
la comunidad y la nueva museología, me remitiré a artículos y libros:
“El museo como instrumento de aprendizaje” de Lucia Astudillo (1988), libro que
nos habla acerca del museo como una institución de educación no formal y las
maneras de llegar al público de una manera lúdica.
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“Catálogo Museo Camilo Egas” de autor desconocido (2003), donde se detalla
la función del museo sus ejes educativos además de la gestión del museo y una
cronología de la obra de Camilo Egas.
TIPO Y DISEÑO DE LA INVESTIGACIÓN
En esta investigación cuyo propósito es recopilar y estudiar de forma
metodológica la obra de Camilo Egas, para proponer una herramienta digital
complementaria al plan educativo del museo, se ha elegido el método
deductivo, mediante este tomaremos la hipótesis como referente para
enfocarnos en la investigación de una manera objetiva; un instrumento de
investigación será la entrevista estructurada, donde podremos evidenciar los
ejes sobre los que se desarrollan los contenidos del Museo Camilo Egas.
HIPÓTESIS
Se platea demostrar que es posible crear una herramienta educativa digital a
partir de una investigación técnica y estilística, con la que podemos rescatar el
patrimonio material e inmaterial, pretendiendo crear ciudadanos responsables y
comprometidos con el patrimonio y que a su vez se difunda de esta forma la
labor de Camilo Egas.
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José Ricardo Martínez Gallegos
CAPÍTULO I
1.
INTRODUCCIÓN AL ESTUDIO DE LA OBRA DE ARTE Y EL SIGLO XX
1.1 Ver la obra de arte antes de mirarla
1.1.1 Significado de la obra de arte
Para realizar el análisis de una obra de arte es esencial el contenido temático o
significado de la obra en especial cuando se trata de la imagen, para
comprenderla en relación a la historia y contexto cultural.
Debemos tener claros dos conceptos que son: la forma y el significado o
contenido temático; forma, es todo aquello que podemos apreciar a partir de lo
que nos comunican los sentidos directamente como la materia de la que está
constituida una obra, el colorido, la organización de los elementos que la
conforman, vienen a constituir aquello que podemos entender como aspectos
formales. El significado o contenido temático es todo aquello que las formas nos
comunican y para cuyo conocimiento se precisa algo más que el acto sensorial.
(Read, 1973: 17).
Para ilustrar los conceptos antes evidenciados, tomemos por ejemplo: una
imagen de la Virgen María en prima instancia identificaremos, la imagen de una
mujer y un niño, haciendo referencia a la forma; posterior a esto haremos una
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José Ricardo Martínez Gallegos
lectura más profunda y comprensiva identificando atributos de la imagen que
hacen referencia a la Virgen María con el Niño Jesús, haciendo referencia
ahora al significado o contenido temático; el análisis de una obra de arte
necesita seguir un orden pues es un método preciso y ya establecido de esta
forma también podríamos referimos a la Pre-iconografía y a la Iconografía.
Para entender una obra de arte es necesario comprenderla desde todos sus
aspectos más importantes para lo podemos usar tres fases de análisis las
cuales son:
• Localización.
• Análisis formal.
• Aproximación al significado.
Localización.
El primer aspecto que tomaremos en cuenta es su localización, aquí deben ser
definidos los siguientes aspectos: identificación del autor y título de la obra,
localización
geográfica,
localización
temporal.
La
localización
previa
proporciona una útil plataforma de referencia que permite obviar aspectos
repetitivos.
Análisis Formal.
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
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El análisis formal afecta principalmente a dos aspectos: los materiales y los
estilísticos, en el caso que se tratara de una obra pictórica, escultórica o dentro
de otra arte plástica, se analiza al objeto artístico como una forma clasificable;
así tenemos a continuación un ejemplo de análisis a una obra figurativa:
Materiales y técnica: Lo primero que se considera es el soporte en el caso de
una pintura al óleo será: lienzo, yute, madera, etc., en el caso de una escultura
podría ser: madera, bronce, piedra etc.
En el caso de la técnica es el proceso de dar forma a las figuras, en el caso de
la pintura por tomar algunos ejemplos sería: al pincel, a la espátula, grabado,
aerógrafo, entre otras, no se debe confundir con las técnicas pictóricas como:
óleo, temple, acuarela. En cuanto a la escultura podría ser: modelado y
fundición en bronce, talla en madera, en mármol, etc.
Aproximación al significado.
Podríamos definir por significado todo aquello que tiene que ver entre la
vinculación de la obra de arte con el entorno histórico y cultural en donde es
creada. Se trata de comprender la obra de arte en relación con la actitud de un
grupo, de una nación, un período, una creencia religiosa o filosófica, los cuales
han sido cualificados consciente o inconscientemente por el artista y plasmados
expresivamente en la obra (Castiñeiras, 2005: 33).
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
A partir de lo antes señalado concluyo que el objetivo principal de la
interpretación de una obra es comprender el contenido, es decir aquello que
complementa la imagen con un significado.
Para le interpretación de una obra de arte, podemos recurrir al siguiente método
de interpretación: temático natural o primario y contenido iconográfico o
secundario (Panofsky, 1987: 47).
Contenido temático natural o primario:
Se relaciona directamente con análisis formal, por ejemplo me refiero a una
figura masculina desnuda, sedente, vestido de cierta forma específica sin
referirme aun a un análisis más simbólico.
Contenido iconográfico o secundario:
Se trata de un significado que busca características de lenguaje artístico, este
contenido lo percibimos al identificar elementos que se atribuyen a un lugar,
persona o santo por ejemplo si observamos una figura masculina con llaves lo
relacionamos a San Pedro. La iconografía en sentido estricto, es la descripción
de las imágenes, es la definición de lo que trata la obra.
Significado intrínseco o contenido:
Aquí se tratará de interpretar o hacer comprensible la obra en el plano histórico,
es decir establecer las conexiones entre la obra de arte y su entorno. Esto debe
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hacerse desde dentro de la obra; se trataría de comprender la obra de arte y
sus valores como un hecho cultural.
1.1.2 El valor de la obra de arte en su época y en el tiempo
Existen algunos aspectos que es necesario considerar para valorar una obra de
arte de los que mencionaremos los siguientes:
Valoración Estilística.
El estilo se construye a partir de la forma, es un conjunto de formas que se
interconexionan para crear un todo; este todo da lugar a los estilos como:
griego, romano, gótico, clásico, neoclásico, etc. El estilo responde a una época;
a través de él podemos reconocer y explicar las obras de un artista (Read,
1973: 22).
Dicha valoración también contempla hechos como la composición que será la
manera de distribuir los distintos elementos en el espacio bidimensional de un
cuadro, o tridimensional de una escultura, además de otros como el uso del
color, la luz, la perspectiva.
La antigüedad.
La reflexión histórica nos obliga a considerar el valor antiguo de un objeto
respecto a muchos años, pero no se precisa cuantos, sobre esta valoración se
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José Ricardo Martínez Gallegos
ha construido todo el comercio del arte de los anticuarios; No debe confundirse
la antigüedad con la historicidad de un objeto; la antigüedad, es un valor
cronológico y la historicidad, es un valor cultural, que se vincula con un
acontecimiento.
Al valor de antiguo se une otras consideraciones como: la procedencia del
objeto, por razón de su propietario o cultura excepcional o rara; el exotismo y la
rareza en cuanto a la poca frecuencia del tipo o modelo, la serie o pertenencia a
un conjunto completo o no, la integridad y conservación del objeto. Estas
consideraciones son valoraciones, sobre todo, de tipo mercantil y comercial.
El valor histórico será dado por los acontecimientos que envuelven al objeto,
refiriéndonos a su creador, época y circunstancias en la que fue concedido,
aquí también puede incluirse el valor estético.
La autoría.
Trata del reconocimiento o identificación del autor del objeto, con firma o sin ella
la valoración aumenta en relación al autor, es decir mientras mayor la
trascendencia artística del creador mayor el valor.
Maestro, taller, escuela son valores y referencias que la autentifican o anulan a
una obra de arte.
El precio.
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
En el sentido de comercio depende de todos aspectos antes mencionados e
incluso más; pues no todas las obras se pueden valorar en cuanto a precio
desde los mismos puntos de referencia, siempre existirá un aspecto como:
estética, antigüedad, autoría, que pese uno más que el otro en sentido de
valoración monetaria.
La obra de arte, en su verdadero sentido, nada tiene que ver con el precio,
porque no tiene valor de compra. La historia del arte en contradicción con el
comercio del arte se ha fundamentado sobre valoraciones distintas: el arte tiene
valor cultural, estético e histórico.
1.1.3 La vigencia de la obra
Es el nexo con los aspectos históricos y sociales de una época; la vigencia de
una obra será otorgada por los valores estéticos y contextuales que la
componen, dándole así trascendencia e importancia en la historia.
1.2 Aprender a mirar y conocer
1.2.1 Mirar para ver
Mirar una obra de arte nos llevan a una interpretación, que puede ser objetiva
(intelectual) o subjetiva (sentimental). Esta última es la que debe tener mayor
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
importancia, pues el arte es una interpretación individual entre el artista-obra y
entre obra-espectador.
La obra de arte representa una imagen que se logra a través de la mezcla o
unidad de distintos elementos que integran lo que llamamos composición, estos
son líneas, volumen, áreas, color, valores, equilibrio, proporción, ritmo, énfasis
(Read, 1973: 46).
Lo que hace que un trabajo artístico se convierta en una obra de arte, lo va a
representar la cualidad en como el artista compone todos los elementos
unificados.
Esto es logrado a través de una estructura adecuada al mensaje o a lo que
quiere comunicar el artista, el espectador interpretará, lo observado ya sea de
manera racional, intelectual o emocional.
1.2.2 Los procedimientos artístico
Se trata de la forma particular que posee un artista para resolver una obra de
arte y están relacionados a las distintas técnicas de las que se podrá valer un
artista para lograr transmitir un mensaje o reproducir una escena u objeto,
dentro de este aspecto podrá también estar la personalidad artística que se
plasma dando un carácter propio y personal a la obra.
1.2.2.1 Forma
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
Las formas pertenecen al universo de las dos o tres dimensiones. El arte de las
formas consiste, por tanto en transformar la materia (barro, mármol, madera) o
el espacio para expresar ideas, sentimientos, o simplemente suscitar en el
espectador un placer estético (Read, 1973: 58).
Fotografía 1
Cabeza de Amorgos, escultura en mármol, S. III a.C.
Fuente:
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/7848.htm
Autor:
Anónimo
Fotografía 2
El pensador, escultura en bronce, 1840.
Fuente:
http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/el-pensador-0
Autor:
Auguste Rodin.
1.2.2.2 Color
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
En el arte el color no es exclusivamente en recurso decorativo, al hablar de
color se debe distinguir entre dos conceptos: el color-luz y el color-pigmento; el
primero corresponde a la disciplina científica, en el que destacan los
descubrimientos de Isaac Newton, donde menciona que la luz se compone de
longitudes de onda, que se perciben como rayos, cuando estos rayos se
refractan a través de un prisma se puede observar siete colores distintos que
corresponden a los del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, el verde, azul, azul
oscuro y el violeta.
El color-pigmento, refiere a las técnicas y a la teoría del color desde el punto de
vista pictórico, los pigmentos proceden de tierras, minerales o sustratos de
vegetales o animales y un aglutinante que disuelto en el pigmento determina la
técnica pictórica, el aglutinante determina cohesión y adhesión puede ser un
aceite, una proteína o cualquier otro.
El círculo cromático dispone la gama en primarios, secundarios y terciarios. Los
colores según los dispongamos producen distintas sensaciones.
Fotografía 3
El baño en Asnieres, 1884.
Fuente:
Autor:
http://fcalzado.es/impresionismo/xhtml/04neoimp/04b2.html
Goerges Seurat.
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José Ricardo Martínez Gallegos
En la anterior obra podemos apreciar la técnica del puntillismo que mezcla por
ilusión óptica, el color ya no se realiza en la paleta del artista, sino en la retina
del espectador, este acaba amalgamando la infinidad de colores superpuestos
en pequeños puntos.
Partiendo de estas ideas se define que el color de los cuerpos no es una
propiedad de ellos, sino que depende de la naturaleza y de la luz que reciben;
la percepción de un color o de otro se logra debido a una propiedad física de la
luz.
1.2.2.3 Movimiento
Si nos detenemos a observar varias obras de arte sea pictóricas, esculturas,
etc., nos daremos cuenta que hay unas que son lentas, y tranquilas; otras muy
nerviosas y muy dinámicas, unas producen sensaciones estáticas y otras
sensaciones dinámicas. En las obras que nos producen una sensación estática
predominan rasgos como la verticalidad o la horizontalidad, al contrario de
estas, las que nos producen sensaciones dinámicas poseerán rasgos curvos o
variaciones de tamaños.
Fotografía 4
Bodegón con naranjas, óleo sobre lienzo, 1633.
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Fuente:
http://deplatayexacto.com/2011/04/13/naturaleza-muerta-con-limonesnaranjas-y-una-rosa-francisco-de-zurbaran-1633/
Autor:
Francisco Zurbarán.
Esta obra nos muestra una naturaleza muerta del barroco español, que nos
invita a la contemplación y el reposo. Obras silenciosas, sencillas, composición
de absoluto orden horizontal y simétrico, claro ejemplo de ritmo estático.
Fotografía 5
La noche estrellada, óleo sobre lienzo, 1889.
Fuente
http://www.vangoghgallery.com/es/pinturas/noche-estrellada.html
Autor:
Vincent Van Gogh.
Noche estrellada, expresa un momento de la existencia del pintor, se trata de
una noche no precisamente de sensación de reposo, sino por el contrario de
una noche en movimiento, muy agitada, claro ejemplo de cómo la mirada del
artista está condicionada por un estado de ánimo, se siente inquieto y alterado,
pinta una noche cambiante a partir de torbellinos que giran en direcciones
opuestas.
1.2.2.4 Luz
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El artista recurre a la luz y la representa en el claro oscuro que ha sido la forma
plástica que mejor ha permitido expresar a los artistas sus conocimientos
acerca de la luz, el contraste blanco y negro expresa gran voluntad expresiva y
volumetría.
El claro oscuro permite al artista representar la forma de un objeto mediante el
juego de luces y sombras, emplea gama de luces que van desde el blanco para
zonas muy luminosas hasta los oscuros de las sombras representadas por el
negro.
Fotografía 6
La Cena de Emaús, óleo sobre tela, 1596-1602.
Fuente:
http://www.viajeporlondres.com/londres/museos/nationalgallery/pinturas/emaus.html
Autor:
Caravaggio.
Esta obra representa la bendición del pan y restantes alimentos por Jesús,
inicia el llamado estilo tenebrista.
La luz es el fundamento principal de la imagen es el componente que otorga
volumen y definición a los objetos o personajes, además de las sensaciones.
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Durante el siglo XX la luz como elemento se convierte en la obra en sí misma,
pues aparece un sentido de preocupación por su representación pictórica. En el
romanticismo y posteriormente, la luz había sido representada como concepto
pero no obtendrá un estatus de independencia hasta las segundas vanguardias,
donde la luz se convierte en el medio expresivo, el componente (la luz) se
convierte en objeto y el espectador se encuentra ante una comprensión estética
nueva y sorprendente.
1.2.2.5 Expresión
Toda obra de arte y su creador trata de expresar algo a través de su labor
artística del fruto de su talento. Al espectador corresponde el ser capaz de ver
que quiere transmitir en su obra el artista desde el punto de vista de la
expresión; veamos los siguientes ejemplos:
Fotografía 7
Dánae, óleo sobre lienzo, 1554.
Fuente:
http://educacion.ufm.edu/wp-content/uploads/2013/05/Tiziano-Danaerecibiendo-la-lluvia-de-oro.jpg
Autor:
Tiziano Vecellio
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El aspecto expresivo que más destaca es el sensual. Tiziano presenta a Dánae
ocupando gran parte de la composición, en posición de tres cuartos, no oculta
su sexo y su expresión y actitud de feliz abandono la muestran complacida y
consciente de lo que sucede.
Fotografía 8
Mujer y bicicleta, óleo sobre lienzo 1952.
Fuente:
http://4.bp.blogspot.com/_NzIDVFgU08g/SigNmJpdXCI/AAAAAAAAAvs/0ecAcJSH9jQ/
s400/de+kooning+-+mujer+y+bicicleta.bmp
Autor:
Willem de Kooning
Mujer y bicicleta, se trata de expresionismo abstracto, al que pertenecen Pollock
o Mark Rohko, trabajos que surgen del subconsciente, que dejan ver elementos
identificativos de una realidad deformada. Mujer y bicicleta es una obra que
destaca por la fuerza y tensión de su factura, fruto de un mundo desconocido
como el de la mente y pocos elementos racionales que le dan a la pintura un
significado primitivo y esencial.
1.2.2.6 Proporción
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Se entiende por proporción la relación equilibrada entre las partes y un todo.
Los dos cánones o relación de proporciones más conocidas en culturas
grecolatinas se deben a dos escultores Griegos Policleto V a.C. (7 ½) y Lisipo
IV a.C. (8)
Fotografía 9
Doríforo, escultura.
Fuente:
http://2.bp.blogspot.com/_onB4lmtWgk/Sg87qmauUXI/AAAAAAAACSs/nCb2ldn0B3o/s
400/canon_policleto.jpg
Autor:
Policleto.
La escultura más difundida de Policleto es el Doríforo (El Canon) la altura total
del cuerpo corresponde a siete cabezas y media y para Lisipo 8 si sobre pasan
corresponde a proporciones de atletas, héroes o divinidades, como el Apolo de
Belvedere obra de Leocares.
El Greco emplea un canon desmesurado o desproporcionado que obedece a un
propósito habitual entre los artistas manieristas, cuerpos alargados muy
delgados la cabeza es la novena parte de la altura total, con esto se consigue
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transmitir una sensación de elevación y espiritualidad de conformidad con la
temática.
El canon es una relación de medidas armónicas entre las partes que componen
un todo en una imagen.
1.2.2.7 Tensión
Es el resultado de dos fuerzas opuestas para ilustrar el ejemplo tomaré un arco
donde la cuerda genera la primera fuerza y la segunda fuerza la genera el brazo
colocando la flecha. Dichas fuerzas se contraponen en una obra generando la
captura de un movimiento en una escena.
Fotografía 10
El expolio, óleo sobre lienzo, 1600.
Fuente:
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_Expolio_del_Greco_Catedral_de_Toledo.jpg
Autor:
El Greco.
En esta obra podemos apreciar gran tensión; la acción plasmada representa el
dramático momento en que los soldados romanos despojan a Cristo de las
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vestiduras antes de ser crucificado, la intensidad del momento se manifiesta en
la multitud de personajes que con la direccionalidad de sus miradas y la
contraposición de sus gestos crean un desorden que contrasta con la serenidad
que transmite Cristo. Greco introduce además un elemento de orden en un
espacio vibrante y en continuo movimiento, el carmesí de su ropaje lo delata al
actuar este color como un nuevo elemento de contraste que se contrapone al
resto de la composición.
En cualquier representación artística siempre se plantea a la tensión como la
dirección de las líneas o formas, esta existente entre varios elementos formales
o lineales y el campo que los contiene, a través del cual las figuras son atraídas,
repulsadas
o
aquietadas
provocando
la sensación
de movimiento o
desplazamiento. El fenómeno de tensión también puede actuar sobre las
formas, con factores como: el tamaño, la posición, el contraste, etc., tiende a
relacionar distintos elementos en una sola configuración.
1.2.2.8 Espacio
En el arte, espacio es el ámbito en el que se desarrolla la acción plasmada en la
obra; todo aquello que se sitúa en el interior del límite impuesto y las distintas
relaciones que se establecen entre los elementos en ellos representados.
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Fotografía 11
Anunciación, óleo sobre tabla, 1475.
Fuente:
Autor:
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/4354.htm
Leonardo Da Vinci.
Durante el Renacimiento la representación espacial es producto de la
inspiración. El jardín donde se encuentra la Virgen está perfectamente
representado y destaca por su extrema sensibilidad, donde destaca la línea del
horizonte, que indica la altura de los ojos del ángel también destaca un punto de
fuga. Todas las líneas oblicuas de la composición convergen en este punto,
curiosamente el punto de fuga es el centro de la escena.
1.2.2.9 Síntesis y composición
Síntesis.
En la siguiente obra de Rembrandt Van Rijn haremos una síntesis cuando
confirmaremos que el autor de la obra usó todos los procedimientos artísticos.
Color, luz, forma, movimiento, espacio, composición, expresión, proporciones y
tensión.
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Fotografía 12
Hijo prodigo, óleo sobre tela.
Fuente:
http://www.artefamoso.com/graficos/img_articulos_adicionales/111200.JPG
Autor:
Rembrandt Van Rijn.
Composición.
Es el orden de formas y elementos en el espacio plástico (soporte). Cuando
existe una buena composición, los elementos guardan una perfecta armonía y
equilibrio, entre unos y otros se compensan y complementan mutuamente
Acerca de la composición, (Read, 1973: 36).
En obras bidimensionales podemos hablar de cuatro ejes que regulan las
normas compositivas, los ejes son un horizontal y un vertical, ambos ejes
dividen el espacio en cuatro cuadrados iguales dos superiores y dos inferiores,
la situación de las formas en relación con estos ejes hace que la obra sea o no
equilibrada en función de su simetría.
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Fotografía 13
El descendimiento de la cruz, Óleo sobre lienzo, 1614.
Fuente:
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/53/Peter_Paul_Rubens_066.jpg
Autor:
Peter Paul Rubens.
En esta obra podemos demostrar que otros dos ejes desde el punto de vista
compositivo son los que unen los vértices, es decir las diagonales. Las flechas
indican la sensación ascendente o descendente que caracteriza la obra. Este
recurso fue aprovechado por artistas barrocos y románticos.
Como se aprecia, Rubens se apoya en una de las diagonales del cuadrado para
expresar visualmente la idea del descendimiento del cuerpo de Cristo de la
Cruz, la obra transmite la sensación de movimiento, reforzado por un ritmo en S
que sigue el dibujo de todo el grupo de personajes. Pero si existe un punto
predominante en la composición, ese es el punto central, donde se cruzan los
ejes, es como el punto de atracción en el que convergen todas las líneas del
cuadro y hacia el cual se dirige primero la mirada del espectador.
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1.3 El signo y el significado
Se refiere a los objetos que pueden ser dotados de un significado intrínseco y al
ser estos empleados en una obra de arte ayudan al contexto que envuelve la
obra estos serán usados de acuerdo a los conocimientos del artista y en base al
mensaje que pretende transmitir en el espectador.
Para poder apreciar y percibir los mensajes que pretende transmitir el artista es
necesario educar la sensibilidad crítica con respecto al arte se basa en
ejercicios de percepción de los elementos que componen una obra de arte de
manera aislada y total además de comprender los conceptos y circunstancias
que llevan al artista a crear esa obra, herramientas que más adelante veremos
detalladamente y nos ayudaran a la comprensión de la misma.
La capacidad de aprender está hecha de muchas preguntas, de una continua
búsqueda nunca satisfecha; de un sano sentido crítico, perder el miedo a lo
desconocido. Educar la sensibilidad artística no se trata de almacenar
conocimientos, sino pensar por sí mismos y ser capaces de buscar y encontrar
la información relevante para crear conceptos propios y con sentido.
1.3.1 El arte como símbolo
El símbolo sirve para representar determinados contenidos y posee formas
concretas como: señales, signos, figuras o cualquier cosa que significa otra, a
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las cuales se asocian algunas ideas para dar algún sentido en particular. El
símbolo puede existir como un fenómeno de sustitución en el cual el elemento
retratado tiene por objetivo introducir formas en un nivel más profundo que la
forma misma en si representada.
Existen
ejemplos de códigos icónicos, con valor casi universal, como por
ejemplo la paloma que simboliza la paz, no obstante el símbolo puede ser
invisible cuando no se tiene un bagaje cultural que permita su interpretación,
por lo tanto exige una base cultural común a fin de que la imagen o la palabra
logren el contenido de expresar el concepto que pretenden mostrar a una
sociedad.
1.3.2 Arte e Historia
El arte de manera general es entendido como cualquier actividad o producto
realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante
la cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo, mediante
diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
De una manera más formal arte es una actividad creadora del ser humano, por
la cual produce una serie de objetos que poseen valores estéticos y
conceptuales,
dentro de ese contexto, arte sería la generalización de un
concepto expresado desde antaño como “bellas artes”. Por lo tanto el estudio
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del arte estará siempre de la mano a la historia pues el arte constantemente es
cambiante y susceptible a los fenómenos históricos.
1.3.3 Arte y sociedad
Se puede entender al arte como un componente de la cultura, que refleja en su
concepción sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y
valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el
tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo
en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa
función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente
estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental
1.3.4 Arte y religión
El arte religioso nace como un conjunto de reglas establecidas para celebrar el
culto y las ceremonias religiosas; en el que el hombre trata de relacionarse con
Dios, a través de gestos y actos materiales.
En muchas ocasiones el arte se lo relaciona con la religión pues son elementos
fundamentales para comprender la vida individual y cultural de un pueblo. Es
así el caso del arte colonial de Quito; estudiando su contexto nace como
elemento de doctrina para los fieles.
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Todas las relaciones antes analizadas como: arte e historia, arte y sociedad,
arte y religión, influyen directamente en la creación y concepción de una obra
de arte pues las historia, la sociedad y la religión, son variantes que condicionan
la creación artística. Por ejemplo el arte colonial se condiciona y nace por las
circunstancias, históricas como la conquista española, religiosas como la
doctrina católica, y como consecuencia nace el arte colonial, el cual tiene el
propósito educar en la religión a los indígenas lo cual hace referencia al tema
social, así se involucran las tres variante mencionadas.
1.4 Teoría e historia del arte
1.4.1 El arte a través de la historia
La historia del arte es una ciencia multidisciplinar y que realiza un análisis
objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El
estudio de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con
su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No
obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia
artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y
el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus valores culturales
(Arenas, 1984: 18).
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El arte goza hoy en día de una amplia red de estudio, difusión y conservación
de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia.
Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y
galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de
las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario.
1.4.2 Las tendencias historiográficas
La historia del arte aparece desde la mitad del siglo XVIII, a partir de entonces
el arte se reinventará constantemente con el nacimiento de varios estilos y
corrientes artísticas.
El mayor despliegue de cambios se dio en Francia,
primero como símbolo de la razón, la ciencia, la Ilustración, frente al arte
decadente del Rococó que se ligaba con la aristocracia conservadora. Posterior
y paralelamente a este, con la revolución francesa y el imperio napoleónico,
aparece el neoclasicismo, que es la reacción ilustrada, basada en la razón y
que más tarde se sumergirá en las raíces del mismo pensamiento de ese siglo,
iniciando el movimiento Romántico basado en el sentimiento, la libertad y el
individualismo, movimiento que se prolongará hasta el último tercio del siglo
XIX.
Como consecuencia de los cambios estéticos producidos con el neoclasicismo
y romanticismo el tema principal a pintar es la cotidianidad. La reflexión acerca
de la cotidianidad genera nuevos estilos de expresión y temáticas que
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generaran una amplia gama de ismos y formas de expresión artística basadas
en nuevos estilos estéticos y técnicas.
1.4.3 La obra de arte y su época
La obra de arte en una época determinada de la historia tendrá una
significación y reacción con respecto a lo social pues es creada en relación a
las circunstancias sociales, geográficas, políticas, religiosas, etc., que la
inspiran y que genera sensaciones diversas en quien las observa en
determinada época.
En este aspecto el significado de la obra de arte está por encima de la obra en
sí, es decir no podemos sacar una obra de arte de su contexto pues es como
quitarle su envoltura. Las reproducciones realizadas fuera de un contexto
histórico y social no poseen más que un valor estético sin historia.
1.5 El siglo XX, vida y obra de Camilo Egas
1.5.1 La Ruptura Academicista en las Artes
El impresionismo considero es el primer paso a la definitiva ruptura
academicista en las artes, debido a ser un estilo contradictorio a las fórmulas
artísticas hasta el momento impuestas. Los impresionistas consiguieron ofrecer
una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de
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color cortas, y yuxtapuestas usando colores puros, en especial los tres colores
primarios y sus complementarios; manejan la pintura de forma libre y suelta, sin
tratar de ocultar las pinceladas y seguir una copia fiel de los objetos.
El siglo XX para el arte se inaugura en la década de los años 20 después de la
primera guerra mundial, con tres grandes corrientes: el cubismo, el
expresionismo y el surrealismo (Rodríguez, 1988: 7).
1.5.2 El cambio conceptual del arte ecuatoriano en el siglo XX
Para los comienzos de este siglo aparecen algunos artistas plásticos con
grandes cualidades pero desprovistos del deseo de hacer cosas nuevas, se
mantienen estáticos en la recreación de la copia fiel de las formas; su arte
posee un valor estético relativo pero no trasciende ni tampoco está en dicha
búsqueda.
En los primeros veinte años de este siglo, la literatura ayuda a los pintores a
sacudirse de su rutina, mediante voces sencillas y claras que demostraban el
deseo que crecía entre los intelectuales ecuatorianos de ahondar en el tema:
“Que es el Ecuador”, desde un punto de vista revalorizador de una identidad
ultrajada y perdida, a esto se suma la llegada al país de libros de las
revoluciones sociales de otras partes del mundo, así el sentimiento por lo propio
fue cobrando fuerza poco a poco (Llerena, 1942: 11).
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En las artes plásticas fue la caricatura, la que se posesionó del nuevo aliento
que le había dado la literatura nacional y extranjera, mediante la ridiculización
de personajes políticos, clericós y usando temáticas populares; anhelos
reformistas fueron expresaron en la revista Caricatura que apareció desde 1918
hasta seis años más tarde (Llerena, 1942: 12).
Entre los colaboradores de la revista Caricatura, estaban: Guillermo de Latorre,
Jorge Diez, Carlos Andrade Moscoso, Augusto Arias, Fernando Chávez. Al
mismo tiempo aparecieron periódicos de pequeños formato que publicaban
versos e ideas reformistas.
Fenómenos como este son los que crean una nueva conciencia en los artistas y
re contextualizan su trabajo dándole un sentido social que evolucionaria
posteriormente en una pintura llena de contenido identidad y denuncia.
La pintura se tardó un poco más para hallar el camino a una nueva estética; ya
muchos para principios de los años 20 habían al menos aceptado el
impresionismo de los maestros franceses. Había sido justamente Paul Bar un
profesor francés el que introdujo sus enseñanzas impresionistas acerca del
efecto de la luz sobre las cosas. Por otro lado se venía aprovechando de mejor
forma al indio y la identidad ancestral, que a su vez constituye el tema más
sólido de nuestra realidad, dentro de los temas históricos, sociológicos y
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económicos. También algunos pintores bajo la influencia socialista marxista,
pintaron al indio como elemento de una clase explotada.
1.5.3 La escuela de Bellas Artes y su impacto
El 4 de mayo de 1904 por iniciativa del ministro de instrucción pública: Luis
Martínez, el presidente: General Leónidas Plaza Gutiérrez funda definitivamente
la Escuela de Bellas Artes, que había cerrado después de la muerte de Gabriel
García Moreno quien la había fundado en 1972. Grandes maestros del siglo
XIX enseñaron aquí entre ellos: Salas, Pinto, Manosalvas, que para 1906 ya
habían fallecido y en dicha época existía una escasez de educadores de artes
plásticas en el país. Por lo que se necesitaba de docentes para dictar cátedra
en la recién reabierta “Escuela de Bellas Artes”. Por lo que la búsqueda de
nuevos maestros se realizó en Europa (Rodríguez, 1988: 8).
Para el año de 1907 Alfaro hace venir del viejo continente a León Camarero,
para dictar la cátedra de composición y pintura, a quien contrataría en Madrid el
Doctor, Honorato Vázquez el mismo que también había contratado al español
Tomas Poveda para la escuela de Bellas Artes en Cuenca, además a Raúl N.
Pereira para profesor de dibujo, a Víctor Puig, para profesor de dibujo
litográfico, también a Miguel Castells como pinturista y mecánico litográfico, a
Giaccomo Radicocini de Italia se contrató para profesor de arquitectura, y a
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Libero Valente para profesor de escultura; la predilección por Italia, demostraba
que se mantenía una estética academicista (Rodríguez, 1988: 9).
Dichos profesores enseñaron dibujo académico, paisaje clásico, y técnica
litográfica, sus enseñanzas ayudaron a la formación grandes artistas entre
estos estaría Camilo Egas quien con ayuda de sus enseñanzas dio los primeros
pasos para convertirse en el artista de trascendencia histórica que hoy
conocemos. Pero aunque dichos maestros venían de Europa y habían palpado
las nuevas corrientes artísticas no formaron a sus alumnos en el Ecuador con
dichas ideas y conceptos.
Las becas fueron el medio más importante para la salida de los artistas, que a
inicios del siglo XX, eran la principal fuente de incentivo académico pues
muchos se beneficiaron de ellas y consecuentemente a su regreso produjeron
obras de mejor calidad estética y conceptual. Camilo Egas junto con otros
becarios de la época se beneficiarían más de una vez por sus logros
académicos y profesionales para visitar y aprender conjuntamente las nuevas
corrientes artísticas que revolucionaban el arte en siglo.
Dicho intercambio favorecía la interculturalidad de los artistas ecuatorianos
pues el contacto con las vanguardias europeas generaba nuevos conceptos
estéticos, filosóficos, políticos, etc., que enriquecían su trabajo.
1.5.4 Camilo Egas
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Primera etapa
Camilo Alejandro Egas Silva, que nace en la ciudad de Quito, el 1 de diciembre
de 1889, Camilo Egas Caldas y Zoila Larrea serían sus padres, su infancia la
vivió en el barrio de San Blas un barrio popular del centro de Quito, sus
primeros estudios y garabatos los realiza en el colegio Cebollar, posteriormente
los secundarios: en los colegios Seminario, San Gabriel y
Mejía (Ponce y
Gallegos, 1986: 30).
Dentro del campo amoroso Egas se casó seis veces y tuvo dos hijos de madres
diferentes sus esposas por orden cronológico fueron: Victoria, quien sería su
primera esposa y Raúl su primogénito, posteriormente contraerá matrimonio
con Susana Rivera, Margaret Gibons, Virginia Eufild; en 1942 se casa con Alice
Nelson y tiene su segundo hijo Erick, durante la época en la que su tendencia a
pintar sería el surrealista. Contrate nupcias por última vez con Claire Plowden
en 1951(Ponce y Gallegos, 1986: 30-31).
Su etapa de educación artística formal la realiza en la recién re-inaugurada,
Escuela de Bellas Artes de Quito, donde sus profesores serían por mencionar
algunos: Raúl María Pereyra y León Camarero, contratados como parte del
equipo extranjero de profesores traídos de Europa. Egas siempre mostró
desapego a las líneas academicistas, lo que lo convierte en un artista inquieto,
ansioso por alimentarse continuamente con ideas nuevas y experimentar en la
pintura.
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Para 1911 nuevamente por méritos en su desenvolvimiento académico el
gobierno del Ecuador le otorga una beca de estudios en la Real Academia de
Roma, viaja junto a Nicolás Delgado y José Abraham Moscoso (Ponce y
Gallegos, 1986: 30); en este viaje su arte mejora pero no cambia de rumbo
debido a que Italia es aún un país tradicionalista que camina sobre un tipo de
arte lineal. Curiosamente a su regreso al Ecuador conoce el impresionismo y es
Paul Bar el maestro que saco a sus alumnos de las aulas a pintar en la
Alameda, para asumir el reto de pintar los efectos de la luz sobre las cosas.
Para Egas fue el impresionismo como una revelación mística, era la ruptura
visual y estética que buscaba, un nuevo tipo de arte una nueva forma de
expresarse y salir de lo convencional.
La apreciación de la obra de Egas nos muestra que no fue un impresionista
neto, jamás lo práctico sino mediante su experiencia y sentir re direcciona a sus
necesidades creativas los efectos de la luz sobre las cosas; usó la influencia
impresionista sobre la anatomía humana, sin dejar de exaltar la figura, mediante
su dibujo y resolución volumétrica de los cuerpos. Sin embargo a pesar de su
virtuosismo no se apegó a la fidelidad fotografía que se acostumbraba en la
época, más bien su trabajo nos muestra que poseía un cierto grado de
despreocupación por pintar para el gusto común.
1.5.5 Viajes y vanguardias
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Segunda etapa.
Los años veinte para Egas es un periodo en el que viaja mucho y adquiere de
esto nuevos conocimientos además de una nueva visión del arte como
elemento de compromiso social. Las experiencias aprendidas según Kigman
las quiere compartir con su país y entorno artístico para lograr mediante el arte
un cambio de mentalidad y sensibilidad. Pretende aproximar la espectador con
elementos antes despreciados y desconocidos como: el tema indígena y social
(Kigman, 1986: 34-37).
Egas en 1920 menciona que es honrado con una nueva beca, esta vez en
España en la Academia de San Fernando de Madrid, donde expuso en el
Palacio de Cristal del parque del Buen Retiro, reafirmando su nacionalismo en
una pintura formal pero más libre (Ponce y Gallegos, 1986: 30).
Para 1922 viaja a París donde estudia en la Academia Colarrosie, donde
establece su taller en La Place de la Republique, durante su estadía en Paris
hace amistad con importantes pintores de la época como: Picasso quien fue su
amigo y maestro, conoce además a Amadeo Modigliani, con quien
posteriormente un crítico lo compararía mencionando que ambos rechazan el
virtuosismo por una imagen más expresiva; Joan Miró, George Braque, Henri
Matisse, Yves Tanguy, Giorgio de Chirico y Max Ernest (Ponce y Gallegos,
1986: 30), serían también importantes artistas quien a su vez experimentarían
con nuevos recursos artísticos para resolver un nuevo tipo de estética.
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Las experiencias adquiridas en Europa generan una nueva concepción de
trabajo; a su regreso a Quito, pinta al indio devolviéndole su dignidad, estiliza
los cuerpos y el paisaje, la composición del entorno, el movimiento de los
personajes están predispuestos para resaltar los cuerpos; a esta época
corresponden obras como: Procesión, Fiesta indígena, Indígenas con Vasijas,
Ritual.
Por segunda ocasión en 1923 Camilo Egas obtiene el primer premio en el Salón
Mariano Aguilera con un “Retrato de Mujer”, de altísima calidad (Crespo, Pareja
y Andrade, 1982: 25), en el mismo año el gobierno le nombra comisionado de la
muestra del Ecuador en la exposición: Arts Decoratifs en París. Expone en 1925
su obra indigenista en Le Salon d´Autonomne, Salon des Indepents, Musée
Galliera y Galerie Carmine, en París.
En este mismo año entusiasmado por las experiencias adquiridas en otros
países compra una casa donde ahora está el Banco Central del Ecuador, frente
a la Alameda; abre la Galería Egas, título que se le daría pues no poseía un
nombre en concreto; que se trataba de una casa de un piso a la cual dota de un
tragaluz para tener iluminación central y así poder exhibir obras pictóricas. En
este lugar se llegaron a exponer trabajos vanguardistas tanto de pintores
nacionales como extranjeros, debido a sus contactos.
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La denominada Galería Egas, era una casa que en vez de tener número bien
podía tener nombre y apellido como la de las estatuas, o la de los siete patios,
etc. Porque a los citadinos les resultaba más familiar e íntimo esta forma de
identificar los lugares. También fue taller del artista y punto de reunión para su
círculo social, entre ellos estaban: Pedro León, Sergio Guarderas, Kanela
Andrade y Guillermo Latorre, quien era su amigo más cercano, aquí ofrecían
sus servicios en toda clase de interpretaciones artísticas tales como: anuncios,
afiches, decoraciones, etc.(Kigman, 1986: 36).
Para entonces no es difícil imaginar que Quito era una ciudad con una
apreciación estética del arte provinciana y con una crítica lacerante más que
constructiva que no estaba preparada para la propuesta artística presentada por
Egas, que formaba parte de un nuevo orden artístico.
Para Egas el tratamiento de la figura indígena sin mantenerle aislada de su
contexto social y su cosmovisión, lo convierte en el precursor de indigenismo
ecuatoriano, corriente que se consolidaría más tarde con artistas de la siguiente
generación.
La intensión de Camilo Egas al crear su Galería, era revolucionar las artes en
Quito nutriéndola de las corrientes extranjeras, e influenciar positivamente al
arte ecuatoriano, lo cual fue un total fracaso, pues la gente consideraba a los
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pintores artesanos; su labor creativa y conceptual no era valorada, y
principalmente no existía mercado artístico en Quito.
Casi paralelamente a la apertura de la galería incursiona
en otro
campo
siempre con la conciencia de innovación y denuncia social, por lo que funda en
Quito la revista quincenal de arte Hélice, revista quincenal de arte donde se
difundían conceptos artísticos e imágenes de las vanguardias artísticas del
mundo, junto a: Sergio Guarderas, Kanela Andrade, Guillermo Latorre, Pedro
León y Efraín Diez; de la que fue director, ilustrador y cronista de hechos.
El primer número de la revista proclama un manifiesto, en él recalcan la
necesidad de encontrar la espiritualidad del arte, dejando de lado la visión
formalista del mundo (Armas, 1986: 25). Continuamente se difundían ideas y
conceptos que eran los pilares sobre los que se levantaba el arte moderno. Se
difundía los trabajos de Cezanne, Picasso, Braque, entre otros, también el
muralismo mexicano que poseía rasgos y temas sociales que involucraban a
toda Latinoamérica, todas las expresiones vanguardistas se difundían
abiertamente en la revista.
En el intervalo de esta época donde crea la galería y la revista, se puede
apreciar su evolución en el tratamiento estilístico del indígena; plasma en sus
lienzos expresiones faciales y posturas corporales que visualmente generan
mucho movimiento y tensión, el tratamiento del color en sus obras está
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perfectamente contrastado pues las pinceladas no se ocultan y las forma se
crean partir de dichos contrastes.
Una de las primeras obras de esta segunda etapa es El Indio Mariano, que más
adelante la analizaremos, por esta obra no faltaron quienes acusaron a Egas de
comunista, calificativo peligroso aún muchos años después de su declive, sin
embargo, Egas no era un político, simplemente describía al indio y a su entorno
contextual y físico utilizando para ello su pintura, el indio en sus obras dejó de
ser un elemento folclórico, para tornarse en humano y en una realidad visible
para sociedad.
1.5.6 Versatilidad artística
Tercera etapa
Camilo Egas fue quien de manera firme y sobresaliente a lo largo de su vida
introdujo la temática indígena a la pintura nacional, de forma versátil y original;
precursor indiscutible del Indigenismo ecuatoriano.
En el periodo de 1900 a 1930 el ambiente artístico en el Ecuador era
demasiado estrecho, y no proporcionaba las condiciones favorables para el
desarrollo creativo. Que Egas era un pez grande en un estanque pequeño, por
lo que era necesaria su salida del país. Así encontró un nuevo hogar en
Estados Unidos donde en 1930 es nombrado profesor de pintura en la New
School for Social Research (Nueva Escuela para la Investigación Social). De la
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que en 1935 es nombrado Director. Aquí su trabajo se valoró de mejor forma
que en su patria natal. Se alimentó constantemente de las corrientes artísticas
que entonces proponían un cambio, además de ideas socialistas y de nuevo
orden (Catálogo del Museo Camilo Egas, 2003: 38).
Es fácil evidenciar que Egas jamás es ajeno a la realidad social y posee una
enorme sensibilidad humanista; durante su residencia en Estados Unidos en la
ciudad de Nueva York percibe los efectos de la depresión económica que vivía
el país y plasma durante los años 30 cuadros donde los personajes principales
serán: hombres proletarios aplastados por el derrumbamiento del capitalismo,
usa el expresionismo para crear imágenes duras y amargas del hombre
contemporáneo.
Egas posee la influencia de Orozco muralista de origen mexicano, con quien
entabla una estrecha amistad, para entonces trabaja algunos murales de
exaltación indigenista como el que realiza en 1932 en la New School for Social
Research, (Nueva Escuela para la Investigación Social) titulado Festival (Poce y
Gallegos, 1986: 31).
Debo mencionar que la amistad con Orozco marca de cierta forma el camino de
Egas en el expresionismo, lo usa como medio, para denunciar la condición
humana y psicológica de la gente en Estados Unidos, a los que evidencia en
sus pinturas como Calle 14, Trabajadores sin Hogar, entre otros.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Del arribo de Egas al expresionismo donde queda un trabajo excepcional de
1937, titulado Calle 14 con él se consolida como un artista que posee gran
versatilidad y enorme habilidad, con el que además cambia su paleta de colores
para lograr la expresividad deseada a colores ocres, grises, oscurecidos con
mezclas de color negro, además de la construcción del escenario estrictamente
geométrico, opresor y desolado. Crean la realidad pictórica de la situación,
Norte América en la depresión económica de los años 30 (Jácome, 1986: 41).
El expresionismo de Egas no se limita a América, en la década de los 30
podemos evidenciar en obras como: La España y Alusión al Fascismo donde
plasman su visión personal entorno a los crímenes humanos que se producían
en Europa, inspirado por ello crean escenarios como salidos de una pesadilla
(Armas, 1986: 27).
La etapa en la Egas usa como medio artístico la corriente expresionista lleva
sus inquietudes políticas por el futuro de la humanidad, este sentimiento era
una tendencia común de innumerables artistas e intelectuales que habían
sufrido la violencia, la persecución de los gobernantes del nuevo orden. Estas
imágenes demuestran la presencia de un Egas comprometido con su época.
Durante la década de los 40, la influencia surrealista encarnaría la obra del
artista en sus dibujos y óleos, pues en New York la tendencia que empezaba a
predominar era la surrealista bajo las ideas del escritor francés André Breton,
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impuestas con la llegada de pintores europeos de fama como: Tanguy,
Tchelichev, Seligman y Dalí, quienes escapaban de las guerras en Europa.
Motivado Egas con esta nueva forma de expresión pintó el lienzo Dual, obra
que marca el abandono definitivo del expresionismo por el surrealismo,
motivado por el patriotismo en una realidad soñada que radica en la mente, a
través de imágenes que escapan a la realidad. En Dual, el mensaje está dado
por una mujer de cabellos rojizos con un ojo abierto y el otro cerrado.
En 1946 expuso su producción surrealista en la Nicholas M. Acquavella
Galleries. Regresa al Ecuador en 1956 tras su auto exilio, para exhibir su
trabajo en el Museo de Arte Colonial de Quito. Donde se reencontró después de
muchos años con el público ecuatoriano que lo recibió con los brazos abiertos.
Esta fue una exposición donde la trascendencia de su vida y obra se vio
reflejada (Catálogo del Museo Camilo Egas, 2003: 54).
La versatilidad y curiosidad artista se vio satisfecha con la práctica del cubismo
y abstraccionismo, tendencia con la que creo para mi apreciación personal
cuadros de gran majestuosidad cromática, compositiva, donde la forma
abstraída y el color empastado son suficientes para exaltar la sensibilidad del
espectador, entre estas están obras como: Las Viudas, Indios a la Luz de la
Luna, Los Guerreros.
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Dentro del abstraccionismo la forma no es necesaria para lograr la expresión
artística, obras de este periodo como: Las Cuatro horas, Antes del Oscurecer,
Horas tempranas, La Luz delante, poseen riqueza cromática y texturas que
poseen la finalidad de emocionar al espectador, crear sensaciones mediante el
uso del color y las texturas es la finalidad en el abstraccionismo de Egas.
Para el próximo año el gobierno ecuatoriano le nombra Agregado Cultural
Viajero y expone en el Museo de Bellas Artes de Caracas. En 1962 expone en
la Art Gallery de New York bajo el auspicio de la American Academy of Arts and
Letters y también La New School for Social Research le confiere el título de
Doctor Honoris Causa en Bellas Artes. Sus últimos meses de vida fueron lentos
pero tranquilos, el 18 de Septiembre del mismo año falleció a los 72 años de
edad, aquejado de cáncer; meses más tarde a su deceso se realizó en Quito
una Exposición Retrospectiva en su homenaje (Catálogo Museo Camilo Egas,
2003: 55).
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CAPÍTULO II
2 ESTUDIO CRONOLÓGICO Y TÉCNICO DE LA OBRA
2.1 La obra
Para entender la obra de Camilo Egas, es necesario analizar conjuntamente los
aspectos que componen su vida y entorno, pues vive en una época de sucesos
importantes en la historia mundial y nacional, a continuación evidenciaremos
una serie de hechos que marcan las etapas de su vida y su trabajo artístico; su
obra jamás se escapa de la realidad social, por esta razón el presente estudio
se realizará paralelamente analizando los sucesos de la época y su evolución
pictórica.
Camilo Egas nos demuestra que la búsqueda de la belleza y de la expresión
artística no se limitaba a enjaularse dentro de un estilo artístico para encontrar
la perfección y trascendencia. En su lugar experimento con varias tendencias
que fueron el vehículo de su expresión pictórica, sus obras aunque
influenciadas por otros movimientos no tenían similitud a ninguna, pues
plasmaba en las telas que pintaba su identidad, inquietudes y visión particular
del mundo.
El impresionismo, el muralismo mexicano, el expresionismo, el surrealismo, el
cubismo y la riqueza del color y la línea del abstracto.
Son elementos
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importantes para entender el trabajo de Egas quien buscaba que la pintura
exprese el dolor, belleza y fuerza de la humanidad.
2.1.1 La técnica y la naturaleza del soporte
De cierta forma el material del que este compuesto el soporte determinará la
técnica a usar, pues hay materiales que no serán compatibles o que son
óptimos para determinado tipo de soporte o viceversa, otro aspecto importante
es el mensaje que se pretende transmitir, pues un óleo sobre lienzo de 200cm x
200cm tendrá más fuerza que una acuarela de 50cm x 30cm por mencionar un
ejemplo;
las técnicas que preferencialmente usó el maestro Egas son las
siguientes:
•
Óleo sobre lienzo
•
Acuarela sobre papel
•
Pastel seco sobre papel
•
Pastel graso sobre papel
•
Tinta sobre papel
•
Sepia o sanguina sobre papel
•
Lápiz sobre papel
2.1.2 Línea y color
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La línea es el medio gráfico principal para representar las formas que nos
rodean y las ideas, creando un lenguaje que no necesita palabras. Es el
elemento visual más importante del dibujo.
Las líneas pueden formar distintos grupos dependiendo de su forma:
Fotografía 14
Un rincón del estudio, óleo sobre tela, 76x61, 1953.
Fuente:
Autor:
•
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Camilo Egas.
Línea rectas, expresan robustez, rigidez, como es el caso en la elaboración
del maniquí convirtiéndose en el eje central y principal de la obra.
Fotografía 15
Mujeres ninfas, óleo sobre tela, s/f.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Líneas curvas, comunican dinamismo, movimiento, vitalidad. En la obra
ninfas mediante la ilustración, evidenciamos las líneas curvas empleadas
como guía para la elaboración de los brazos y piernas.
Por su disposición.
Fotografía 16
Niño Indio, óleo sobre tela, 150x239, 1916.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Líneas horizontales, nos sugieren tranquilidad, reposo. En floristas el eje
sobre el que se construye la composición es horizontal, y nos trasmite
exactamente eso.
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Fotografía 17
Niño Indio, óleo sobre tela, 150x239, 1916.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Líneas verticales, expresan como en esta obra tensión, fuerza y equilibrio.
Fotografía 18
Entierro, grabado,s/f.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Líneas oblicuas, nos trasmiten sensación de profundidad y lejanía, el uso de
estas nos permite crear la perspectiva en dos planos.
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Fotografía 19
Los Guerreros, óleo sobre cartón, 1959.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Líneas quebradas, en guerreros nos transmiten la sensación de
movimiento, dinamismo y de fuerza, debido al uso de las líneas en distintas
direcciones y longitudes.
Fotografía 20
Desnudo, 1933.
Fuente:
Autor:
•
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Camilo Egas.
Trazo, como podemos observar en esta imagen, la línea roja ilustra el
movimiento libre y espontáneo del trazo, este aporta sensibilidad y carácter
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al dibujo, hace que el dibujo comunique fuerza o suavidad, agresividad o
dulzura; es el tipo de línea más adecuado para el dibujo artístico ya que es
la forma más personal de expresión que tiene la línea.
Color.
Fotografía 21
Indios a la luz de la luna, óleo sobre cartón1957
Fuente:
Autor:
•
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Camilo Egas.
El color es el elemento más expresivo en el arte y es visto mediante la luz
reflejada en una superficie. El color es utilizado para crear la ilusión de
profundidad, también podrán crear dramatismo o armonía dependiendo de
lo que desee expresar el artista, a través del juego cromático Egas crea
volúmenes sobre todo en las vestimentas de sus personajes y en la
anatomía.
Los colores primarios son: rojo, azul y amarillo, cuando los colores primarios se
mezclan se crean los colores secundarios: verde, violeta y naranja. Los colores
terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario y un secundario:
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amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y amarilloverde.
En el caso de Egas usa estos elementos indistintamente en sus obras, pues al
principio de su carrera los dibujos poseen menos movimiento en relación a las
obras que las siguen de igual manera usa estos elementos dependiendo del
mensaje a transmitir pues por ejemplo las composiciones no son las mismas en
la época que realiza obras de exaltación indígena a las de la época
expresionista o surrealista, y aún más explícita es la presencia de la línea en su
periodo cubista donde podemos apreciar composiciones creadas a partir de
estas.
El color es tratado de la misma manera pues usa diferentes gamas de colores
en las diferentes etapas que experimenta para transmitir el mensaje correcto.
2.1.3 Espacio Ilusorio y realidad del cuadro
Egas compone sus obras de distinta forma dependiendo de la etapa que
experimenta:
Fotografía 22
Ritual, óleo sobre tela, 1922.
Fuente:
Autor:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Camilo Egas.
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•
Durante la época en la que trabaja el tema indígena produce varias obras
de formato horizontal, donde varios personajes ocupan un espacio que no
compite con la figura humana, sino se complementa y la realza, pues
funciona como un plano de profundidad, que energiza el movimiento de
los personajes y genera protagonismo a los personajes que son resueltos
con una técnica sobria y llena de colorido; los pesos visuales siempre
están equilibrados y existe simetría en las composiciones.
Fotografía 23
Calle 14, óleo sobre tela, 1937.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
En la época que trabaja con el expresionismo, usa fondos regidos por
cuadrados y ángulos, con los que representa espacios de la urbe, que
acompañados de una cromática fría, profundizan el concepto. Los
personajes son priorizados por el uso del claro oscuro y los fuertes
contrastes, con los que se crea la vestimenta.
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Fotografía 24
Dual, óleo sobre tela, 36x45, 1940.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Cuando usa como medio de expresión el surrealismo, representa espacios
con una escaza perspectiva, donde el principal detonante será el color rojo
como el cabello del personaje de Dual, que agudiza el dramatismo,
también usa fondos sugestivos al personaje principal que es priorizado por
la ubicación, y de una forma simétrica.
Fotografía 25
Composición indigenista, óleo sobre cartón, 1956.
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Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
Durante la época en la que trabaja con el cubismo, priman las
composiciones horizontales, y formatos verticales en el soporte, los
elementos ocupan casi la totalidad del plano total del cuadro los contrates
cromáticos crean los volúmenes y las formas, que representan a su vez a
personas indígenas.
Fotografía 26
Horas Tempranas, óleo sobre tela, 1961.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
•
En el abstraccionismo la obra se llena por el color y se suprime la forma la
línea el color se convierte en el elemento principal de expresión y crea el
todo de la obra.
2.2 La obra matérica.
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Para el análisis matérico de una obra de arte necesitamos de una estratigrafía
que es: un estudio de la metodología seguida en el proceso de aplicación de las
distintas capas que en su conjunto, constituyen la capa pictórica de un pintura
de caballete, o bien la policromía en el caso de una escultura policromada.
Identificación de los pigmentos utilizados en la aplicación de estas capas.
Partiendo de una micro muestra (menor a 1mm2) extraída de la obra pictórica;
se incluye en una resina (metacrilato, poliéster, epoxídica) utilizando unos
moldes que pueden ser de poli metacrilato de metilo o de silicona. Una vez
desarrollado el proceso de curado de la resina de inclusión, se corta, desbasta y
lija, finalizado el proceso de pulido se estudia la muestra por microscopía óptica
con el fin de determinar el número de estratos que constituyen la muestra, tipo
de preparación y forma de aplicación.
A partir de esta interpretación se puede aportar una información especialmente
valiosa para proceder a establecer la época del cuadro, escuela pictórica y
posibles intervenciones a las que ha sido sometida, tales como aplicación de
repintes, o tratamientos de restauración anteriores.
Ventajas de los exámenes estratigráficos: El análisis estratigráfico permite
acceder a gran cantidad de información no solo de la capa superficial, sino
además de las capas inferiores, las cuales en muchos casos pueden aportar
una información trascendental cuando se pretende establecer la época, origen
geográfico de los materiales, escuela pictórica e incluso el autor.
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Desventajas de los exámenes estratigráficos: por mínima que sea la
manipulación sobre la obra de arte los exámenes estratigráficos resultan ser
agresivos a la obra de arte pues agreden de forma al soporte y a la capa
pictórica de la obra.
2.2.1 Estratigrafía y composición química.
Según resolución del Ministerio de Cultura del Ecuador, ninguna investigación
de tesis, podrá realizar exámenes de tipo agresivos a las obras artísticas
patrimoniales que posee en reserva.
Por lo que puedo añadir y remitirme a datos investigativos museológicos y
museográficos en relación a las técnicas de facturación de las obras y etapas
artísticas experimentados por Camilo Egas.
Expresionismo Indígena: recurre principalmente al uso del óleo y como
soporte tela.
Surrealismo: recurre al uso del óleo y como soporte tela, además de soporte
de papel y técnicas mixtas como: Grafito, lápices de color.
Cubismo: recurre al uso del óleo y como soporte tela, además de soporte de
papel y técnicas mixtas como: Grafito, pasteles secos y grasos.
Abstraccionismo: recurre al uso del óleo y como soporte tela, incluyendo
elementos extraños para crear texturas; se recurre al uso de soportes como:
papel, cartón, haciendo uso de técnicas mixtas como: grafito, pasteles secos y
grasos, tintas, acrílicos.
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2.3 Camilo Egas y su obra
Es necesario analizar la obra de Egas en relación a las condiciones en las que
desarrolla su vida artística, a las influencias y conceptos de las distintas etapas
de su vida por lo que analizaremos su obra por segmentos de acuerdo a sus
influencias y aspectos sobresalientes dentro del campo profesional del arte.
2.3.1 El impresionismo
Al regreso a Ecuador de uno de los primeros viajes, Camilo Egas conoce el
impresionismo y es Paul Bar enfrenta a Egas y a sus compañeros a la luz y a su
efecto sobre los objetos, para asumir el reto de pintar los efectos de esta sobre
las cosas. Para Egas fue el impresionismo como una revelación mística era la
ruptura visual y estética que buscaba, un nuevo tipo de arte una nueva forma de
expresarse y salir de lo convencional (Rodríguez, 1993: 67).
A través de las obra de Egas podemos observar que no fue un impresionista
neto, mediante su experiencia y sentir re direccionó a sus necesidades esta
técnica para imitar los efectos de la luz sobre las cosas; lo uso sobre la
anatomía humana, sin dejar de exaltar la figura, mediante un virtuoso dibujo y
una resolución volumétrica estilizada de los cuerpos.
2.3.2 Análisis de la obra del Museo Camilo Egas
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A continuación analizaremos detenidamente la obra de Egas de toda su carrera
artística dividiéndolas en las principales tendencias artísticas que practicó.
2.3.3 Figura Indígena
La presencia indígena permaneció como una constante en su pintura, antes,
durante y después de cada viaje realizado a Europa e incluso en su residencia
de tres décadas en New York, la imagen del indio permaneció en sus telas no
solo como figura sino como identidad; sus pinturas nos transmiten la belleza y la
fuerza de sus raíces.
Hernán Rodríguez expone que el Indigenismo pasa por un Indianismo, es
importante aclarar que el indianismo no es un movimiento son dos maneras de
ver al tema indio, se refiere a como resuelve el artista este problema. El
indianismo según Hernán Rodríguez es enfrentarse al tema indio con la misma
predisposición de pintar naturalezas muertas, tan solo por el valor decorativo,
ejemplos de estos serían: Mera y Mideros. En el otro lugar estaría el
indigenismo que serían Icaza y Diógenes Paredes, Guayasamín, entre otros
sus exponentes que resuelven el tema indígena abordando sus complejidades
humanas (Rodríguez ,1993: 69-70).
Camilo Egas para su época es considerado adelantado por su percepción y
respuesta al tema indígena, abordando su vitalidad, energía y belleza de la
raza.
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Para mi apreciación Egas es el precursor indiscutible del indigenismo, es el
primer pintor ecuatoriano en abordar el tema indígena de una forma sobria
exaltando nuestras costumbres, en esta época su paleta se llena de color, pues
es el mejor elemento para representar la belleza de la raza indígena.
Apreciando en orden cronológico las obras de Egas encontramos en un
principio algunos retratos de indígenas, estos demuestran su prodigiosidad en
el manejo del color, la forma de resolver la anatomía; los colores que crean la
piel son cálidos y lumínicos que en contraste con sus ponchos oscuros y fondos
planos resaltan la volumetría corporal.
Fotografía 27
El Indio Mariano, óleo sobre tela, 70x40, s/f.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
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Retrato de un indígena de medio cuerpo y perfil derecho, viste un poncho azul y
una chalina roja a manera de bufanda en su cuello; posee una cabellera negra
larga y semi recogida.
Cromática y Técnica.
En la siguiente ilustración observamos en orden la cantidad de cada color
empleado para la elaboración de la obra.
Fotografía 28
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra El Indio Mariano.
Autor:
Elaboración propia
Fotografía 29
El Indio Mariano, óleo sobre tela, 70x40, s/f .
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
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En este detalle podemos observar la pincelada suave que usa en el rostro; los
volúmenes son creados por sutiles matices claro oscuros de color piel; la
luminosidad es dada por la leve presencia del amarillo en los pómulos. En este
trabajo podemos apreciar el interés por el estudio muscular en las facciones del
rostro, lleno de rasgos de raza y edad.
Composición.
Fotografía 30
El Indio Mariano, óleo sobre tela, 70x40, s/f .
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Hace uso de las líneas verticales que como ya lo habíamos visto con
anterioridad expresan un equilibrio, tranquilidad en conjunto con el escaso uso
decorativo en la vestimenta y el uso de líneas inclinadas que parten del rostro,
logran que la atención se centre en él, además del fondo y la vestimenta que no
pretenden ostentar sino que se convierten en un recurso complementario, para
involucrar la etnicidad del personaje.
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Fotografía 31
Niño Indio, óleo sobre tela, 71x57, s/f.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Retrato frontal de un niño sedente en posición de flor de loto, sobre una tela
amarilla; viste un poncho negro con líneas rojas en el cuello, posee una
cabellera negra y suelta.
Cromática y Técnica.
En la siguiente ilustración observamos en orden la cantidad de cada color
empleado para la elaboración de la obra.
Fotografía 32
Ilustración Cromática.
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Fuente:
Fotografía de la obra Niño Indio.
Autor:
Elaboración propia.
Egas crea esta obra median el trazo fuerte del pincel. El contraste cromático es
el que crea la volumetría, la luminosidad y define los elementos anatómicos. El
fondo pálido permite la superposición del cuerpo del niño, el poncho no es un
atuendo que llame demasiado la atención por lo que se mimetiza con el
personaje.
Fotografía 33
Niño Indio, óleo sobre tela, 71x57, s/f.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Composición.
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Fotografía 34
Niño Indio, óleo sobre tela, 71x57, s/f.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
El retrato se ha resuelto ubicando de forma céntrica al niño para dar simetría a
la obra, utilizando una forma piramidal para lograr el escorzo del cuerpo,
inclinado de esta forma el peso visual a la parte superior e inferior de la obra,
compuesta por el rostro, los pies y las manos que a su vez la dotan de equilibro.
Egas, en esta etapa en la que trata el tema indígena, trabaja posterior a los
retratos composiciones donde nos muestra una serie de obras acerca de las
costumbres indígenas, aquí el exaltará dichas costumbres mostrando su belleza
y fuerza; las escenas se llenan de movimiento y cuerpos esbeltos donde el
indígena se materializa con una nueva percepción y reivindicando su condición
humana, Egas llena de esta forma su arte con contenido social y se
compromete con una identidad antes invisible.
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El aumento de personajes dentro de un orden equilibrado en la composición es
un factor importante para la mejor percepción de movimiento y ritmo. Esta visión
particular la plasmaría en varias telas empezando por: San Juanito y Las
Floristas, que en 1918 lo harían merecedor de su primer premio de pintura en el
Salón Mariano Aguilera (Ponce y Gallegos, 1986: 30).
San Juanito y Las Floristas son obras compuestas por cuatro personajes
respectivamente, en fondos casi planos donde se resalta el movimiento, la
vestimenta como elementos de representación absoluta de una raza.
Embellece
la
imagen
del
indígena
en
conjunto
con
sus
creencias,
devolviéndoles una humanidad arrebatada desde siglos atrás.
Fotografía 35
La floristas, óleo sobre tela, 150x239, 1916.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Se trata de una obra de formato rectangular, horizontal, compuesta por cuatro
mujeres ubicadas de perfil erguidas recreando caminar, dichas mujeres visten
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falda azul oscuro sujetas en la cintura por una faja tejida, blusa blanca, el
cabello recogido y envuelto con un tejido; sobre sus hombros sostienen una
vara que sujeta flores y rosas de colores: blancas, rojas, naranjas, rosadas,
violetas, azules y amarillas.
Cromática y Técnica.
En la siguiente ilustración observamos en orden la cantidad de cada color
empleado para la elaboración de la obra.
Fotografía 36
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Las Floristas.
Autor:
Elaboración propia.
El contraste cromático es el que crea la volumetría, como podemos apreciar los
colores en el fondo y la vestimenta son pálidos y casi planos, lo que sobrepone
inmediatamente el color de la piel y prioriza a los personajes, las flores de igual
manera creadas por colores brillantes sobresalen ligeramente a la composición
total.
Composición.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Fotografía 37
La floristas, óleo sobre tela, 150x239, 1916.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Se trata de una composición simétrica en la que cuatro mujeres se encuentran
separadas entre sí por espacios proporcionales, las flores se convierten en un
eje que da unidad visual a la obra; la sensación de movimiento es generado por
los pliegues y la posición anatómica que ejerce fuerza en los brazos y presión
en la planta de los pies logrando la sensación de caminar.
Fotografía 38
San Juanito, óleo sobre tela, 1918.
http://4.bp.blogspot.com/-STMiPFuente:
V4nOc/UFITOuXoonI/AAAAAAAAAK8/OQftRRtDVNY/s320/Sanjuanito+(Camilo+Egas).
jpeg
Autor:
Camilo Egas.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Descripción.
Obra de formato rectangular, horizontal, compuesta por tres personajes
masculinos y uno femenino; el primero que se encuentra en el costado derecho
de la obra, esta erguido, de perfil, viste un poncho rojo con líneas negras
verticales, tiene una zampoña en sus manos recreando entonarla; el segundo
se encuentra en el costado izquierdo, esta erguido, de perfil, viste un poncho
rojo con líneas blancas y verdes verticales, tiene una quena la cual recrea
usarla; los dos personajes que se encuentran en el centro de la composición
realizan un baile en el que él se encuentra saltando en un pie, con su brazo
izquierdo elevado y la cabeza semi inclinada; ella inclina su cuerpo con un
movimiento de brazos y piernas; el hombre viste un poncho azul decorado con
varias figuras blancas, la mujer viste falda azul oscura sujeta por una faja tejida,
blusa blanca y collares rojos.
Cromática y Técnica.
A continuación en la ilustración observamos en orden la cantidad de cada color
empleado para la elaboración de la obra.
Fotografía 39
Ilustración Cromática.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Fuente:
Fotografía de la obra San Juanito.
Autor:
Elaboración propia.
El fondo azul matizado por tonos intensos crea el efecto de profundidad y
resalta la volumetría de los cuerpos, debido al fuerte contraste entre ambos
colores azul y naranja pues son colores opuestos esto hace que ambos se
rechacen entre si creando dinamismo y una leve profundidad.
Composición.
Fotografía 40
San Juanito, óleo sobre tela, 1918.
http://4.bp.blogspot.com/-STMiPFuente:
V4nOc/UFITOuXoonI/AAAAAAAAAK8/OQftRRtDVNY/s320/Sanjuanito+(Camilo+Egas).
jpeg
Autor:
Camilo Egas.
Se trata de una obra simétrica, la ubicación de los personajes es equilibrada, a
los extremos y en el centro, las líneas blancas enmarcan a los personajes
centrales que a su vez poseen la mayor cantidad de luz y movimiento, este
último logrado por los pliegues de la vestimenta además del escorzo de los
cuerpos al bailar.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Continuando, el maestro Camilo Egas con la recreación de varias escenas
donde los personajes aumentan en cantidad y trabajando en telas de formato
rectangular, logra varios óleos que poseen una enorme vibración de color,
movimiento, forma, que exalta la tradición y belleza indígena; estudiaremos
pues los siguientes cuadros que poseen dichas características.
Fotografía 41
Procesión, óleo sobre tela, 97x275, 1922.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Se trata de una obra de formato rectangular, horizontal, la cual está compuesta
por 16 personajes erguidos, descalzos, que mantienen un flujo de circulación
hacia la izquierda de la obra, recreando una procesión. La siguiente descripción
de los personajes se hará de derecha a izquierda refiriéndonos a la obra y en el
orden numerado.
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José Ricardo Martínez Gallegos
a.
Hombre de perfil 3/4 que viste un poncho azul, decorado con puntos
celestes, y franjas rojas en los filos, pantalón blanco, y sombrero de ala
curva hacia arriba.
b.
Hombre de perfil ¾ que viste una camiseta con líneas rojas y negras
verticales, lleva una chalina cruzada a través de su pecho y pantalón
blanco; con su mano derecha sujeta una cinta que sostiene una urna con
incienso encendido junto con el “personaje 4”.
c.
Mujer de perfil ¾ que viste una blusa y pantaloncillos cortos blancos, lleva
una chalina cruzada a través del pecho; con su mano izquierda sujeta una
cinta que sostiene una urna con incienso encendido junto con el
“personaje 6”.
d.
Hombre de perfil ¾ que viste un sombrero de ala curva hacia arriba, el
torso esta semicubierto por un tejido azul y morado, pantalón blanco; con
su mano derecha sujeta una cinta que sostiene una urna con incienso
encendido junto con el “personaje 2”.
e.
Mujer de perfil de la que se puede observar la mitad posterior de su
cuerpo, usa una trenza envuelta en un tejido y en su cuello un collar de
cuentas doradas, blusa blanca y falda azul oscura.
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José Ricardo Martínez Gallegos
f.
Hombre de perfil, el torso esta semicubierto por un tejido azul y celeste,
pantalón blanco; con su mano derecha sujeta una cinta que sostiene una
urna con incienso encendido junto con el “personaje 3”.
g.
Mujer de perfil de la que se puede observar la mitad frontal de su cuerpo,
usa un collar de cuentas blancas y azules, blusa marrón y falda azul
oscura.
h.
Mujer de perfil, usa una trenza envuelta en un tejido, aretes de cuentas
naranjas y blancas, collar de cuentas amarillas, naranjas; viste blusa
marrón, falda azul oscura con una parte amarilla.
i.
Hombre de frente con su cuerpo semiperfilado en ¾, viste un poncho azul
y rojo con dos líneas azules en los bordes inferiores, pantalón blanco; con
sus manos sujeta un estandarte católico de colores rosado, amarillo y
blanco, en la parte superior tiene una cruz plateada.
j.
Personaje del que se puede observar el rostro y los pies, no se puede
distinguir el sexo pues no hay más características visibles.
k.
Mujer de frente de la que se puede observar medio cuerpo, viste una
chalina que la cubre desde la cabeza hasta la cadera, blusa blanca, falda
azul.
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José Ricardo Martínez Gallegos
l.
Mujer de perfil 3/4, usa un collar verde y amarillo; viste una blusa blanca
con decoraciones color naranja y verde en el filo de las mangas y escote,
falda verde con una parte naranja.
m.
Mujer de espaldas, cubierta la cabeza con una tela blanca, viste una blusa
del mismo color y una falda violeta con una parte negra.
n.
Mujer de espaldas, sobre su cabeza tiene una tela de color naranja, viste
una blusa blanca, falda naranja.
o.
Hombre de perfil, usa un sombrero de alas curva hacia arriba, viste un
poncho con líneas azules y blancas verticales, pantalón blanco, con sus
manos sujeta una tambor y recrea su entonación.
p.
Hombre de perfil, viste una camisa y pantaloncillos cortos blancos, con
sus manos sujeta una quena la cual recrea entonarla.
Cromática y Técnica.
En la siguiente ilustración observamos los colores usados en los personajes y a
continuación en el fondo de la escena.
Fotografía 42
Ilustración Cromática.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Fuente:
Fotografía de la obra Procesión.
Autor:
Elaboración propia.
Los rostros y las vestimentas de los personajes como podemos observar
poseen tonos similares como: marrones, ocres, naranjas, rojos; generando una
armonía y unidad, que en contraste con los pálidos que crean el fondo
sobreponen a unos personajes más que otros, pues han sido elaborados con
colores brillantes que los hacen sobresalir de los demás.
Fotografía 43
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Procesión.
Autor:
Elaboración propia.
Estos colores que componen el fondo son armónicos entre sí y crean contrastes
suficientes para crear el espacio y el paisaje sin competir con los personajes.
Composición.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Fotografía 44
Procesión, óleo sobre tela, 97x275, 1922.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo
Autor:
Camilo Egas.
El flujo de los personajes nos indica una composición horizontal, la cual ubica
nuestra atención en el centro, donde se encuentra el personaje principal que
está ubicado casi de frente y lleva el estandarte, vistiendo un atuendo rojo que
lo diferencia a los demás; un espacio a su izquierda se encuentra
intencionalmente vacío, esto afirma que en la composición el peso visual este
equilibrado en el centro.
2.3.4 Expresionismo
El Expresionismo de Egas se marca por la influencia de dos movimientos de
importancia en la época estos son:
•
El expresionismo que se da en varios países occidentales con rasgos y
matices particulares de acuerdo a la percepción de los artistas en relación a
sucesos personales o sociales que vivían. El artista da forma a la emotividad
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José Ricardo Martínez Gallegos
en su obra a través de los colores fuertes y puros, las formas y las
composiciones son agresivas y a su vez el cuadro despierta en quien lo
observa determinados sentimientos.
•
En la otra parte está la influencia del Muralismo mexicano; la amistad con
Orozco basada en una ideología común, el socialismo, marca una influencia
conceptual en Egas; este movimiento abarca temas filosóficos, literarios,
trata de reivindicar la clase obra y crear una identidad fuerte, tema con el que
se identificó Egas, pues a lo largo de su vida había trabajado por una
idealización del tema social marcado por su origen ecuatoriano y vivencias
particulares.
Es en la década de los años 30-40 cuando crea obras expresionistas además
de algunos murales, del que se tiene mayor información y documentación
fotográfica
es
“Festival”,
realizado
en
la
“Nueva
Escuela
para
las
Investigaciones Sociales”. Obra en la que llena su paleta de color y de
personajes del folclor ecuatoriano.
Fotografía 45
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José Ricardo Martínez Gallegos
Festival, óleo sobre tela, 244x457, 1932.
http://media.tumblr.com/tumblr_lscm455K9B1qzk9h1.jpg , Nueva
Fuente:
Escuela para las Investigaciones Sociales, New York.
Autor:
Camilo Egas.
Las influencias mencionadas adquieren fuerza debido a su decisión de radicar
permanentemente en New York y donde convive con las vanguardias artísticas
y la reciente crisis económica por la que atravesaba el país que lo albergó; En
sus habitantes era evidente el golpe inesperado que la crisis ocasionó a su
modo de vida.
Egas cumple el papel de espectador y traductor plástico de lo que observaba en
el diario transitar. Su vinculación con la “Nueva Escuela para las
Investigaciones Sociales” coadyuvará en este sentido de análisis.
A principios de los años 30 los elementos empleados para lograr transmitir la
expresividad y reflexión particular de lo cotidiano son: la cromática manejada
con tonos ocres, grises, y una composición rígida marcada por ángulos rectos,
paralelamente trabaja desnudos femeninos que tienen la particularidad de ser
hechos con modelos, se nota un arduo ejercicio estético y técnico en su
elaboración, estos corresponderán a los años 1933 – 1935.
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José Ricardo Martínez Gallegos
Fotografía 46
Desnudo, 1933.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Fotografía 47
Desnudo, mixta sobre cartulina, 32x54, 1935.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Fotografía 48
Desnudo, 1933.
Fuente:
Autor:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Camilo Egas.
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José Ricardo Martínez Gallegos
De esta época tenemos obras como: “Trabajadores sin Hogar”, “Calle 14” con
esta última
se consagra como artista expresionista, y abandona el tema
indígena de manera parcial pero no total, pues más adelante retomaría dicho
tema pero con una nueva perspectiva e influencia.
El maestro Egas es un cronista de su época, las herramientas para relatar los
sucesos son: el pincel, el óleo y las telas, no existe obra que carezca de
contenido social, esto marca su personalidad pictórica y hace su trabajo
excepcional.
Fotografía 49
Trabajadores sin Hogar, óleo sobre tela, 85x109, 1933.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Dos hombres se encuentran recostados en sentido contrapuesto, en un piso
semejante a gradas de concreto, el primero posee un sombrero gris que cubre
la mitad de su rostro, su cabeza descansa sobre su brazo derecho y el
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José Ricardo Martínez Gallegos
izquierdo rodea su pecho, las piernas están semiflexionadas, el segundo
descansa su cabeza sobre su brazo derecho, con el izquierdo extendido hacia
su cintura, las piernas están semiflexionadas e inclinadas hacia su derecha;
ambos visten un traje de tonos ocre, verde, gris.
Cromática y Técnica.
En la siguiente ilustración observaremos los colores empleados en la obra.
Fotografía 50
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Trabajadores sin Hogar.
Autor:
Elaboración propia.
La paleta de Egas se abstrae de colores puros e intensos, es necesaria esta
cromática para que el mensaje sea interpretado correctamente. En la obra la luz
se presenta sobre los personajes e imita a la luz de tungsteno en un ambiente
exterior, esto se logra mediante el uso de tonos ocre en contraste con los tonos
verde y gris que crean la profundidad y pliegues de la vestimenta, las
pinceladas son largas y se evita delinear las formas.
Los rostros y manos son elaborados dando interés especial en ser fuertes,
creados mediante contrastes claro oscuros de marrón y ocre, sin profundizar en
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
el detalle anatómico. El uso del gris ayuda a transmitir la sensación que genera
la urbe, la frialdad que este color transmite e impulsa un mensaje que no cae en
lo denuncia exagerada, ni intenta generar lastima, sino mostrar una realidad
sobriamente trabajada.
Composición.
Nos encontramos con un óleo asimétrico, el fondo es trabajado de una manera
muy recta, geométrica, logrando sensaciones fuertes y agresivas en el
espectador; los personajes han sido elaborados usando muchas formas
angulosas cortas que psicológicamente denotan timidez y humildad. El Escorzo
ha sido creado ajustándose al espacio total del bastidor, lo que crea la
sensación de estar ajustados y potencializa el concepto en el que se basa la
obra.
Fotografía 51
Calle 14, óleo sobre tela, 1937.
Fuente:
Archivo de Lorena Cisneros, Curadora del Museo Camilo Egas.
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Se trata de una obra de formato rectangular vertical, recrea una estación de
tren; en el centro están ubicadas una serie de 5 columnas, en las cuatro
primeras está escrito el número 14, al lado derecho de la obra hay un pasillo y
al final de este un graderío que lleva a un nivel superior, al lado izquierdo están
las rieles del tren en un nivel inferior a lo anteriormente descrito. Apoyándose a
la segunda columna esta un hombre erguido, de espaldas, viste un abrigo y
sombrero de color negro, sujeta un periódico con sus manos; en la primera
columna se apoya un hombre que resulta ser el personaje principal, viste un
traje de un tono verde oscuro, tiene los brazos cruzados y la cabeza recogida
hacia el torso, posee una cabeza calva y está ligeramente inclinada.
Cromática y Técnica.
Fotografía 52
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Calle 14.
Autor:
Elaboración propia.
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El color gris ha sido usado principalmente para generar un ambiente frio, la luz
está ubicada en el andén de forma separada logrando muchos espacios de luz
y sombra, el color negro y gris son los que delimitan los espacio claros de los
oscuros y a su vez generan la sensación de volumen y profundidad en los
elementos que componen la obra.
El personaje principal posee una mayor luminosidad en su anatomía, está la
obtiene del uso del color verde en conjunto con la cabeza creada por tonos
ocre.
Composición.
Fotografía 53
Calle 14, óleo sobre tela, 1937.
Fuente:
Archivo de Lorena Cisneros, Curadora del Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Se trata de un trabajo simétrico donde el personaje principal se lo ha ubicado en
el centro, creando de esta forma una jerarquía que se impone ante los demás
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José Ricardo Martínez Gallegos
elementos de la obra a los lados se han creado espacios con perspectivas
horizontales, rectas y vacías, formadas por formas angulares largas que nos
amplían el campo de visión, estas formas que componen el espacio (estación
de tren), se imponen ante los personajes, logrando un dominio psicológico de la
urbe sobre el hombre; el trabajo anatómico está resuelto de una forma simple
en la que no se intenta una copia fiel, sino en plasmar un momento especifico.
Dentro de estos años Egas desarrolla algunas obras gráficas que poseen los
mismos tintes sociales, pues las dictaduras, el fascismo, la pobreza, la
xenofobia,
tomaban fuerza en el mundo.
Acontecimientos brutales de
genocidio eran noticia de todos los días era imposible ignorar la pesadilla que
vivía occidente.
Egas sensible a la problemática social crea obras como: La España, Estudio
sobre la Miseria, Alusión al Fascismo, en las que como pesadillas se observa
escenas de masacre y gente desprovista de su humanidad.
Fotografía 54
Alusión al Fascismo, lápiz sobre papel, 36x50, 1937.
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Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Fotografía 55
Estudios sobre la Miseria, lápiz sobre papel, 1938.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
En estudios sobre la miseria usa un escorzo y perspectiva que logran transmitir
la sensación de agotamiento y miseria humana, sin la necesidad de recurrir al
color.
2.3.5 Surrealismo análisis de las obras
El Surrealismo nace a partir de 1924, después de la Primera Guerra Mundial, y
como respuesta a un caos social y económico que dejaría como resultado dicha
guerra. Este movimiento aparecerá en París con el primer "Manifiesto
Surrealista" de André Bretón, fundador y principal referente de este movimiento.
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Bretón durante la Primera Guerra Mundial trabajó en un hospital psiquiátrico
donde estudió los trabajos de Sigmund Freud, y experimentó la escritura
automática que es un tipo de escritura libre de todo control de la razón y de
preocupaciones estéticas o morales. Estas herramientas serían la base del
movimiento Surrealista en la pintura de la misma forma que en la escritura la
mente no ejerce ningún tipo de control y una realidad personal domina la
composición y construcción pictórica.
Los principales elementos del Surrealismo serían el simbolismo y en algunos
casos el abstraccionismo que se expresaba en las formas más patéticas,
irracionales, ilógicas y hasta extraordinarias que son expresadas mediante la
pintura con diferentes tipos de técnicas pictóricas dependiendo del propósito del
artista.
Breton a lo largo de su vida publicó tres manifiestos surrealistas y el tercero
sería la obra titulada “La Linterna Sorda”, en la década de los cuarenta, durante
este tiempo radicaba en New York donde también fundó la revista llamada VVV.
No es difícil imaginar que Egas estuvo en contacto con su trabajo e ideas, al
estar en relación con las vanguardias artísticas de esa ciudad, pues desde aquí
podríamos especular su interés por dicho movimiento artístico.
Camilo Egas como maestro pintor versátil, experimenta el Surrealismo de una
forma muy personal como autoanálisis, pues en sus obras hace referencia a
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una reflexión tanto de su percepción del mundo y de los acontecimientos
sociales.
Tardíamente adopta esta forma de expresión artística, con la que no abandona
del todo el manejo expresionista y la cromática empleada en la década de los
30-40, pues en varios oleos de la década de los 50 notamos presentes las
mismas tonalidades, más el color detonante será el rojo que agudiza el
dramatismo de la imagen.
Como ejemplo de la presencia expresionista pero también leves rasgos
surrealistas influenciados, tenemos un autorretrato fechado con 1946 donde el
artista se observa de modo crítico, como haciendo un auto análisis de su vida.
Fotografía 56
Autorretrato, óleo sobre tela, 76x62, 1946.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
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Fotografía 57
Paisaje Surrealista, Lápiz sobre papel, 29x24, 1958.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Obra gráfica surrealista que hace referencia a la crisis que vivía Estados
Unidos; la gráfica está compuesta en el fondo por un paisaje desértico en el que
se encuentran rápidamente esbozados elementos como: nubes, agua, buques,
barcos pequeños, aves volando, edificios, algunas flechas, una plaza, personas
con carteles y una mano. Como elemento sobresaliente tenemos un personaje
que viste una tela rasgada y un antifaz, en la parte inferior de la tela como un
reflejo se observa una mesa y una persona, a la altura de su pecho un ojo, su
brazo izquierdo es una rama y el derecho es un brazo humano, en la mano
sujeta una especie de altavoz con una oreja en un extremo, del que sale una
espiral, sugiriendo un eco o un sonido; su cabeza no posee rasgos faciales,
este personaje es la representación de la estatua de la libertad, desde la visión
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
particular de un artista que vive la crisis económica de Estados Unidos en
aquella época.
Composición.
Usa un personaje principal, el cual se encuentra centrado, por su tamaño está
en primer plano y se impone ante los demás elementos de la obra que son más
pequeños consiguiendo así un efecto de perspectiva, horizontal.
Fotografía 58
Dual, óleo sobre tela, 36x45, 1940.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Obra de formato rectangular, horizontal; en el fondo de la representación
tenemos una habitación casi vacía, sus paredes poseen un tono ocre muy
pálido, el suelo es rojo; en el lado derecho hay una puerta que conduce a otra
habitación; los únicos elementos que existen en está son: en segundo plano, un
pintor de espaldas que viste una mandil azul, unas mallas y zapatillas blancas,
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frente a él tiene un caballete y un bastidor en blanco; el personaje principal es
una mujer, detrás de ella hay un pasamanos, está viste un camisón de hospital,
posee cabellera roja hasta los hombros, un ojo cerrado y el otro abierto; ambos
personajes se dan las espaldas entre sí.
Cromática y Técnica.
Los colores empleados son los siguientes:
Fotografía 59
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Dual.
Autor:
Elaboración propia.
El color detonante es el rojo que agudiza el dramatismo en la obra y está
presente en el suelo, en la cabellera, en los labios de la mujer, el color en este
caso es un factor que influye en la subjetividad del espectador.
La pincelada es suave en el fondo que comprende la habitación y en especial
en el rostro amarillento donde es casi imperceptible, debido al uso de
consecutivas veladuras. El uso de dicha pincelada nos dice que Dual, es una
obra que posee un alto cuidado técnico en la elaboración y que cada elemento
posee un valor excepcional.
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UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
José Ricardo Martínez Gallegos
Composición.
La obra no presenta un orden lógico en la escena pues el pintor da la espalda a
la mujer que se supone sería retratada y ella a su vez observa directamente al
espectador enfrentándolo a la obra; esta se ubica casi centrada, la composición
a los extremos es asimétrica, es el uso de los planos el que equilibra los pesos
visuales.
En el caso de “Dual” el detonante será el color como elemento para conseguir el
tinte surrealista en conjunto con una composición poco ortodoxa que genera
inquietud y desconcierto.
Reflexión 1 y 2 de 1951 son obras que no se encuentran en el Museo Camilo
Egas, pero que por su riqueza estética, simbólica es necesario que los
analicemos. Ambos mantienen un similar simbolismo, los camisones
de
hospital, los espejos, los personajes casi desprovistos de humanidad
semejantes a maniquíes que en el transcurso de cada obra el personaje pierde
sus rasgos humanos; la cromática empleada también es similar en las dos
obras.
Para el análisis de estas obras partiremos de la idea que el personaje
semejante a un maniquí representa a un individuo cualquiera, este no posee
nacionalidad, estrato social, ideología, etc.; los camisones de hospital
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representan un padecimiento, y los espejos el reconocimiento a una verdad o
situación.
Fotografía 60
Reflexión 1, óleo sobre tela, 77x61, 1951.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Obra de formato rectangular, vertical, en el fondo, en segundo plano se han
representado: muebles no muy bien definidos y en la parte superior una pared;
en primer plano tenemos una mujer erguida, de espaldas, viste un camisón de
hospital, con la espalda semi descubierta, sin cabello semejante a un maniquí
por los rasgos faciales y anatómicos, dicha mujer se observa de perfil en un
espejo ubicado frente a ella.
Cromática y Técnica.
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Fotografía 61
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Reflexión 1.
Autor:
Elaboración propia.
La cromática empleada tiende a los tonos marrones y amarillos, creando sutiles
contrastes que generan una leve profundidad, podemos apreciar también la
pincelada larga y fuerte en todos los elementos que componen Reflexión 1, el
exceso de amarrillo crea un ambiente perturbante que fácilmente se transmite al
espectador.
Composición.
Reflexión 1, es un trabajo simétrico, debido a los elementos equitativamente
distribuidos a los costados de la mujer. El personaje que se ubica en el centro
resulta ser el eje sobre el que se construye el ambiente turbio de la habitación,
las formas y el escorzo rígido que se observa juega un papel importante en la
subjetividad que genera esta obra en el espectador.
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Fotografía 62
Reflexión 2, óleo sobre tela, 60x50, 1951.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Obra de formato rectangular, vertical, en el segundo plano se ha representado:
un mueble no muy bien definido; en primer plano está una mujer representada
de medio cuerpo, erguida, con el cuello semi inclinado hacia su derecha, de
espaldas, viste un camisón de hospital sin abrochar, no posee cabello y tiene
rasgos semejantes a un maniquí, dicha mujer se observa de frente a un espejo
y crea un amplio espectro de sombra en su imagen y sobre ella.
Cromática y Técnica.
Fotografía 63
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Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Reflexión 2.
Autor:
Elaboración propia.
La cromática empleada es similar a Reflexión 1, pero en esta el uso del amarillo
es más intenso y su contrate más agresivo, dicho contraste es el que se crea el
espacio, esto convierte a Reflexión 2 en una obra más agresiva al espectador
en relación a Reflexión 1, donde la sensación perturbante es leve, pero en esta
es más fuerte.
Composición.
Fotografía 64
Reflexión 2, óleo sobre tela, 60x50, 1951.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Se trata de una composición central donde los elementos de fondo son
escasos, el personaje principal está ubicado en el costado derecho del cuadro
pero su volumen y reflejo ocupan la totalidad del área horizontal, la posición del
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personaje es hierática con una ligera inclinación hacia su derecha, exagerando
el tamaño de su cuello como si indica en la ilustración, lo que aumenta el
impacto visual en el reflejo del rostro, este mismo reflejo es el que crea la
perspectiva.
Fotografía 65
Un rincón del Estudio, óleo sobre tela, 76x61, 1953.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Aparece un maniquí de los empleados para elaborar vestidos el cual se
encuentra dispuesto en el centro del espacio (el estudio), envuelto en una tela
blanca, alrededor observamos telas, marcos de cuadros, muebles, colocados
en un aparente orden, los colores usados son: ocres, rojos, blanco, la obra
presenta una luz uniforme y un ambiente que transmite tranquilidad; la
representación parece un retrato tradicional pero con la paradoja, que el
personaje es un objeto inanimado.
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Fotografía 66
Autorretrato, óleo sobre tela, 75x50, 1953.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Auto representación de cuerpo entero de Camilo Egas, erguido con la manos en
los bolsillos dentro de su taller, él está ubicado en el centro, detrás de él se
observa varios bastidores arrimados a la pared, la elaboración de su rostro no
define rasgos como: ojos nariz, ni boca pero insinúa un semblante pasivo y
directo hacia quien lo observa; la paleta usada se llena de colores: ocres, rojos,
verdes, grises, creando un ambiente fuerte, pero no amenazador. Esta obra no
intenta ser un fiel dibujo o pintura, trata de mostrar una visión personal de sí
mismo, un auto reconocimiento resultado de una búsqueda personal y
psicológica.
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Fotografía 67
Figura Envuelta, óleo sobre cartón, 76x60, 1956.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Es la representación de medio cuerpo de un personaje envuelto en telas semi
inclinado hacia su derecha, con el rostro descubierto más no existen rasgos que
definan su fisonomía, el rostro tiene la apariencia de una máscara verde, plana;
las telas han sido creadas de color blanco con tonalidades ocres, verdes, grises
y delineado con negro que ayudan al efecto de los pliegues mediante claros y
oscuros, el fondo se ha trabajado con tonos rojizos que facilitan que sobresalga
el personaje envuelto en las telas.
Durante ésta etapa surrealista, Egas elimina de sus personajes al indígena,
pero no de forma definitiva pues más adelante lo retoma con una nueva
perspectiva y motor artístico. Esta vez su construcción artística es impulsada
por el abstraccionismo y cubismo.
2.3.6 Abstraccionismo, Cubismo análisis de las obras
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Después de haber adoptado varios estilos de expresión artística, experimenta
casi al final de su vida y tardíamente a la vanguardia, con el cubismo y el
abstraccionismo, donde el principal interés, es la simplificación de la forma y en
especial de la figura humana para Egas en el caso del cubismo.
En el caso del cubismo practicado por Camilo Egas las formas no son
estrictamente rígidas, ni geométricas, sino poseen flexibilidad, movimiento,
características que se mantienen como una constante en sus trabajos; se
suprime el detalle y se emplea la forma en conjunto con el color como
detonantes de la expresión artística, se imponen los formatos rectangulares,
verticales dotando de fuerza visual de esta manera a los personajes.
El abstraccionismo completamente definido por su riqueza de color, línea, trazo,
textura, lo utiliza desde 1958 – 1962, en este paréntesis de tiempo y como parte
final de su vida libera a su arte de la forma y permite que su expresividad se
manifieste mediante el color, las obras de esta etapa generalmente no poseen
título.
Obras Cubistas.
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Fotografía 68
Los Guerreros, óleo sobre cartón, 1959.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Obra de formato rectangular, vertical, en la que se representa mediante formas
geométricas no rígidas a personas agrupadas, formadas por colores naranja,
amarillo, rojo, azul, violeta; en segundo plano se imponen variaciones de color
verde, creando áreas y líneas.
Técnica y Cromática.
El color en esta obra dota de volumen a las formas geométricas, que a su vez
son una síntesis gráfica de la figura humana, los colores que los componen
básicamente son los siguientes mostrados en la ilustración.
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Fotografía 69
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Los Guerreros.
Autor:
Elaboración propia.
Estos en contraposición y agregando sutiles tonos de colores secundarios,
mediante pinceladas fuertes y yuxtapuestas logran una imagen volumétrica; la
superposición de los colores y formas antes mencionados sobre un color verde
que no es necesariamente plano genera dos espacios en los que se ubica la
obra.
Composición.
Fotografía 70
Los Guerreros, óleo sobre cartón, 1959.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
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Los Guerreros se trata de una obra asimétrica donde las figuras geométricas
como conos, triángulos, cuadrados, rectángulos, han sido realizadas con líneas
quebradas dinámica; el fondo que ha sido realizado con el mismo criterio pero
con un solo color.
Fotografía 71
Las Viudas, óleo sobre tela, 102x77, 1957.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción.
Obra de formato rectangular, vertical, compuesta por cuatro personajes
erguidos y de cuerpo completo que insinúan tener las cabezas inclinadas hacia
abajo, vestidos con ropajes de colores: blanco, amarillo, rojo, violeta, celeste
con contrastes cromáticos empleados para lograr los pliegues y volúmenes de
la vestimenta y anatomía, estos no poseen detalle en su elaboración, pues se
trata de una síntesis gráfica y pictórica.
Técnica y Cromática.
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La totalidad del lienzo está casi ocupada por los personajes femeninos de la
obra, estos a su vez visten telas que insinúan chalinas sobre sus cabezas,
torsos y faldas, a continuación tenemos los colores que componen la obra.
Fotografía 72
Ilustración Cromática.
Fuente:
Fotografía de la obra Las Viudas.
Autor:
Elaboración propia.
La contraposición de estos colores en diferentes tonos crea los pliegues de la
vestimenta, y son definidos con un delineado oscuro.
La síntesis grafica presente en Las Viudas, no es estrictamente geométrica,
pues no se trata de una imagen rígida,
las líneas son flexibles y generan
movimiento.
Composición.
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Fotografía 73
Las Viudas, óleo sobre tela, 102x77, 1957.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Se trata de una obra simétrica, equilibrada, pues posee dos pares de
personajes ubicados en el mismo espacio lineal, las vestimentas y anatomía
están creadas mediante el uso de figuras geométricas como: círculos, en el
caso de las cabezas; rectángulos, triángulos, líneas rectas, en la vestimenta.
Obras Abstractas.
Fotografía 74
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Horas Tempranas, óleo sobre tela, 1961.
Fuente:
Autor:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Camilo Egas.
Descripción, Cromática, Técnica.
Se trata de una obra de formato rectangular, horizontal, compuesta por colores
grises, negro y matices de marrón opacos claro y oscuros, donde la escasez de
color y la textura lograda por empastes y mezclas con materiales consistentes,
liberan a la expresión artística de la forma, usando como vehículo estos dos
elementos el color y la textura. Innumerables cuarteaduras logradas por el
material se encuentran en la totalidad de la obra, el color a su vez ha sido
empleado de forma vertical y ordenada.
Fotografía 75
Light Before, óleo sobre tela, 66x61, 1961.
Fuente:
Investigación de campo, Museo Camilo Egas.
Autor:
Camilo Egas.
Descripción, Cromática, Técnica.
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Obra de formato rectangular, horizontal, el color principal que compone la obra
será el blanco, seguido de un negro que enmarca la imagen, y se encuentra
disperso de forma aislada en el blanco; colores azul, rojo, rosado, violeta,
amarillo, naranja, gris, verde, ocupan el espacio blanco de la misma manera,
mediante líneas vibrantes, curvas y espirales. La obra posee varios objetos
como tornillos, piedras, conchas, dentro de los que se puede identificar, además
posee una textura en su elaboración que puede partir de mezclas con
materiales consistentes y compatibles con el óleo; esta obra es una imagen que
genera gran cantidad de movimiento por su textura y líneas.
Después de analizar cada uno de los estilos practicados por Camilo Egas, es
fácil concluir que en cada época su pantone de colores es similar, pero existe
una constante, una preferencia hacia los tonos tierra, que los encontramos
presentes en la mayoría de obras.
La línea de colores tierra se rompe con el cubismo y el abstraccionismo casi al
final de su vida y trabajo, en estas obras hace uso de colores más brillantes, y
los contrastes son más sutiles.
Las composiciones de la misma forma son similares, Egas posee una constante
en disponer los elementos de forma simétrica, central o agruparlos por
espacios. Resuelve sus obras con gran sobriedad, sin exagerar en los aspectos
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que la componen, todo se complementa para crear una composición o un
retrato.
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CAPÍTULO III
3 Caracterización de la obra de Camilo Egas con miras a su
conservación, difusión y promoción.
3.1 Propuesta educativa del Museo Camilo Egas
En el Museo Camilo Egas, plantea como eje fundamental en sus actividades al
arte como elemento de educación, además de preservar y difundir la obra del
artista.
Dentro del aspecto educativo, el museo plantea incentivar: la investigación, el
estudio, el pensamiento crítico, la contemplación y el diálogo a partir de las
artes plásticas de forma autodidacta e informal (Catálogo Museo Camilo Egas,
2003: 4).
Desde este principio antes indicado el Museo Camilo Egas, propone el proyecto
Educación del Arte, el cual opera de dos formas tituladas:
•
La Experiencia Camilo Egas
•
El Laboratorio del Museo
La Experiencia Camilo Egas, trata mediante actividades lúdicas crear una
experiencia divertida que descontextualice al arte del paradigma aburrido, y que
en su lugar se estimule el aprendizaje, el interés y el conocimiento durante la
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visita al museo. Esta experiencia también posee un guión dedicado
especialmente para niños.
El Laboratorio del Museo, es una actividad que crea un espacio destinado a la
experimentación, actividades prácticas, trabajos en grupo e investigaciones. Por
medio de estas herramientas se ofrece al público una visita que a más de ser
informativa y entretenida motive y potencie las habilidades de percepción,
cuestionamiento crítico y aprendizaje de cada visitante.
3.1.1
Criterio de curaduría
La tarea del curador es elegir un tema que pueda ser expuesto, por ejemplo la
vida y obra de un artista como por ejemplo: Camilo Egas; o acerca de un tema
en especial como: el indigenismo tema que hemos tratado un poco en este
texto, una vez identificado el tema el curador debe planear como transmitir esta
información de forma correcta y educativa al público.
Existen algunos aspectos que el curador de un museo o una muestra debe
considerar importantes a la hora de exponer una colección, como: el significado,
el guion, la conservación de las colecciones.
Significado.
El curador para poder crear significados a partir de los objetos museables, debe
ser un especialista en los temas que abarca la colección de un museo. Los
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temas que manejará un curador tienen que ver directamente con el contexto del
museo, en forma específica y general.
Guion.
El conocimiento en relación al tema u objeto a exponer se plasma en un guion;
que poseerá información resultado de una ardua investigación, es importante
entender que la información que transmite un museo hacia el público posee un
enorme poder, pues los museos son entidades que se supone poseen una
verdad absoluta y el público así lo considera.
Conservación de las colecciones
El tema conservación de las colecciones es una más de las responsabilidades
del curador, al igual que el espacio para su preservación que son las reservas.
El aspecto más importante del cuidado de las colecciones para prevenir su
deterioro, es el mantenimiento periódico, además de poseer un espacio
adecuado para los mismos, que brinden seguridad, comodidad y preservación.
El Museo Camilo Egas, aplica un modelo de colección por autor, las obras
expuestas en sala son originales, poseen todos los estándares de seguridad y
conservación necesarios.
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La reserva de la colección se encuentra en el Ministerio de Cultura del Ecuador
a quien pertenece y donde posee óptimas condiciones de microclima y
seguridad para su conservación.
3.1.2 El barrio de Santa Bárbara y el Sistema Metropolitano de Museos y
Centros Culturales (Simmycc)
Partiendo de la reflexión que dice: Los espacios públicos deben crear
actividades educativas, lúdicas y de esparcimiento, para beneficio de la
comunidad y visitantes en general, pues estos espacios y administraciones se
deben a la gente.
El Museo Camilo Egas, posee un aire hogareño no se apega al estándar de
museo clásico, esto puede ser debido a que se establece en una casa común y
corriente, ubicada en el barrio de Santa Bárbara en el centro de Quito. Este
sector se encuentra un poco alejado al núcleo del centro histórico, donde aún
persiste la vivienda y la vida barrial (Catálogo Museo Camilo Egas, 2003: 5).
Aspecto que genera esta sensación hogareña y de mayor familiaridad de los
habitantes hacia el museo. Los principales clientes del museo son los niños del
lugar que encuentran en él un espacio donde dibujar y pintar dando rienda
suelta a la creatividad.
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Evidenciando este hecho podemos decir que este museo ha tenido éxito pues
desde sus inicios establece un compromiso de desarrollo e interacción museo comunidad.
La sensación de familiaridad que logra este espacio cultural es positiva a corto y
largo plazo, pues logrará que la comunidad sienta la obligación de conservar, y
difundir la obra del maestro Egas,
Existe un organismo llamado el Sistema Metropolitano de Museos y Centros
Culturales, el cual tiene como propósito reunir a los principales museos quiteños
y establecer un diagnóstico a fondo sobre la percepción de la ciudadanía hacia
estos y viceversa en lo cual ha tenido éxito y se ha convertido en un organismo
que ambiciona crear una red de información e intercambio cultural entre
museos, lo cual ya se ha venido practicando a lo largo de un año o más que
existe este organismo.
Sistema Metropolitano de Museos y Centros Culturales propone cinco líneas de
trabajo que se deberán cumplir en un museo:
•
Educación
•
Comunicación
•
Gestión
•
Vinculación comunitaria
- 118 -
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•
El entorno inmediato y el distrito, y el del territorio.
En estos puntos el Museo Camilo Egas, ha tenido éxito, pues se ha posicionado
como un referente de visita, educativa y didáctica.
La unión entre distintos organismos con un mismo fin aumentará la difusión y
comunicación entre museos, la alianza entre estos organismos fortalecerá la
gestión y acercará al museo a la gente lo cual beneficia a la comunidad y
público en general.
3.2 En busca de propuestas museísticas
Estudiando la propuesta de nueva museología, evidenciamos que nos invita
reflexionar acerca de los museos actuales y su acercamiento al público, esta no
pretende la creación de un nuevo tipo de institución, sino la transformación de
esta, poniendo énfasis en la función social.
La nueva museología pretende mejorar la relación entre visitantes, comunidad y
museos, en donde la gente se apropie de los espacios públicos, de la cultura y
del patrimonio; también pretende fortalecer la educación y la construcción de
ciudadanía (Astudillo, 1998: 34).
La educación en los museos es un eje fundamental que debe ser empleado
correctamente, y comprendido desde el sentido de educación no formal
constituye un proceso permanente, a lo largo de la vida en el que las personas
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adquieren valores, conocimientos y habilidades a partir de lo cotidiano, del
entorno y de las influencias educativas. Al ser un proceso espontáneo se da en
contextos habituales tales como la familia, amigos, espacios de entretenimiento
e interacción libre.
La tarea fundamental a desarrollar sobre la educación en el museo es procurar
que la puesta en práctica de las políticas educativas sean efectivas y respondan
a las necesidades educativas del sector no formal en la sociedad actual,
pensándonos dentro de su contexto, es decir, un territorio y comunidad
concretos.
Lo antes mencionado nos lleva a reflexionar acerca de los museos y su
obligación de generar experiencias significativas a través del diálogo, la crítica,
la participación activa con el afán de crear conciencia social y ciudadanía. Si el
museo genera en sus visitantes este tipo de sensaciones habrá cumplido su
objetivo y podrá darse por satisfecho.
3.2.1 Los talleres y las propuestas educativas del Museo Camilo Egas en
el año 2011
A continuación se detalla las actividades realizadas en el Museo Camilo Egas
durante el año 2011; principalmente son talleres donde de manera lúdica y
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educativa se aprenden las técnicas practicadas por el maestro Egas y se hace
referencia a su vida y obra.
La información a continuación mostrada, es referente a redes sociales y esta
transcrita de la misma manera en la que llego al público y en orden cronológico.
El carnaval en el Museo Camilo Egas.
Luego de la visita al Museo Camilo Egas, los niños aprendieron que el Carnaval
es más que agua y espuma. Ahora están listos para desfilar con sus máscaras
llenas de color y vivir esta fiesta de una manera diferente y sobretodo divertida.
Semana santa también fue tiempo para el eco-arte.
Algunos eco-artistas visitaron el Museo Camilo Egas para recordar que mañana
viernes se celebra el día de la tierra. Llenos de creatividad e imaginación
reutilizaron botellas de plástico para convertirlas en lindas obras de arte.
Taller vacacional de street art.
Con triangulo del arte ecuador. Actividad gratuita, fecha: 26 de junio.
Camilo Egas un hombre secreto.
Del director Santiago Carcelén. El jueves 28 de julio, a las 12h00, el Museo
Camilo Egas presentó el documental.
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Se festeja 33 años de la declaratoria de Quito patrimonio cultural de la
humanidad.
No solo por sus grandes monumentos históricos sino también por pequeños
tesoros arquitectónicos escondidos como el museo Camilo Egas, una pequeña
casa del siglo XVIII. Fecha: 8 de septiembre de 2011.
Taller adultos mayores y jubilados.
Invitamos a los Adultos Mayores y Jubilados a participar del Taller de Pintura y
Dibujo en Pastel Seco 20 de septiembre de 2011.
Taller.
Una experiencia única en el Museo Camilo Egas. Inscríbete o invita a tus seres
queridos. Fecha: del 4 al 26 de octubre.
Conociendo alternativas de trabajo en el Museo Camilo Egas.
Mujeres de sectores de riesgo acompañaron en este taller de creación de
artesanías en material reciclado. Los productos estuvieron a la venta en la feria
Navidad Ecológica del 7 al 9 de diciembre.
Taller de grabado.
Es totalmente gratuito e incluye materiales
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3.2.2 Herramientas complementarias de gestión educativa en el Museo
Camilo Egas
Las herramientas complementarias de gestión educativa vienen siendo los
talleres antes mencionados
donde las actividades hacen énfasis en las
técnicas practicadas por el maestro Camilo Egas.
Los talleres y la gestión educativa del museo, son fuertemente acogidos pues
cada taller busca temáticas interesantes y públicos jóvenes que se interesen en
el arte y su influencia en el sentir humano.
3.3
Propuesta de libro interactivo
El libro virtual interactivo se plantea como una herramienta complementaria al
programa educativo del Museo Camilo Egas, mediante este libro se pretende
estimular sensaciones individuales como: el lado creativo, afectivo, de
identidad, inquietudes y experiencias.
El nace además con la finalidad y necesidad de llegar a nuevos públicos,
presentar la obra de Camilo Egas, de una manera resumida, ilustrada y fácil de
comprender, pues el arte es un elemento extraño y produce temor para quienes
no lo conocen ni perciben de cerca.
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El libro interactivo nos ayudará a comprender una obra de Camilo Egas desde
todos los elementos que la conforman de la misma manera que los hemos visto
en este texto.
La página web interactiva, mediante un sistema que funciona con el programa
XAMPP, el cual permite administrar el programa, editarlo y añadir información
las veces que sea necesario, desde un ordenador o varios. El requisito será
poseer este programa XAMPP y las claves de acceso.
Link para acceder a la página web: www.colegiopedroecheverria.com/arte
3.3.1 Diseño de un libro virtual interactivo
Este libro interactivo ha sido diseñado pensando en motivar el aprendizaje, la
percepción, la construcción de significados. La vista al libro virtual pretende
generar procesos de memoria a corto y largo plazo, para que así los visitantes
establezcan conexiones sentimentales con el pasado y con el presente
estimulando principalmente el sentido de pertenecía al patrimonio e identidad.
Las experiencias positivas y negativas generadas en este espacio, permitirán
establecer conexiones relevantes con el presente que permitirán a futuro
desarrollar nuevas herramientas y fortalecer conceptos para una optima
percepción de los mismos.
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CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES
Conclusiones
•
Se ha comprobado que un estudio en torno a la vida de Camilo Egas nos
permite evidenciar de mejor manera elementos que componen su obra
como cromática, composición, técnica y contexto, para así sistematizarla y
resumirla en una herramienta educativa digital la cual nos servirá a su vez
como medio de difusión.
•
Las actividades que realiza el Museo Camilo Egas, son difundidas
principalmente por el internet como medio específico son usadas las redes
sociales, lo que favorece a la realización de la herramienta educativa digital,
pues
mediante
esta
la
tarea
educativa
del
mueso
puede
ser
complementada en casa.
•
La versatilidad artística de Camilo Egas, permite usar su vida y obra como
contenido educativo y abordar varios aspectos de la historia del arte del
siglo XX, distintas técnicas y tendencias artísticas en las que se
desenvuelve.
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Recomendaciones
•
Se recomienda el uso de páginas web con el sistema jumbla el cual ha sido
empleado en esta investigación y está siendo implementado en varios
museos de la ciudad, por su fácil edición y actualización de datos, textuales,
fotográficos y enlaces.
•
Las herramientas educativas digitales deberían ser impartidas en los
estudiantes de la carrera de Restauración y Museología para la
implementación en sus proyectos y la difusión de estos; pues la
contemporaneidad nos exige un medio de comunicación ágil y de fácil
acceso para el público.
•
Se recomienda la aplicación de esta investigación de tesis y la página web
creada, en conjunto con los ejes educativos del Museo Camilo Egas, para
optimizar el acceso a
sus
contenidos y como una herramienta
complementaria a su plan educativo y comunicativo.
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Bibliografía.
Libros
•
Astudillo, Lucia. (1988). El museo como instrumento de aprendizaje.
Gráficas Hernández Cía. Ltda. Cuenca-Ecuador.
•
Castiñeiras, Manuel. (2005). Introducción al Método Iconográfico. Ediciones:
Ariel, Barcelona-España.
•
Fernández, José. (1984). Teoría y Metodología de la Historia del Arte.
Ediciones: Anthropos, Barcelona-España.
•
(1982) Salón exposición Mariano Aguilera. Editorial Mantilla, Quito –
Ecuador.
•
Herbet, Read. (1973). El significado del Arte. Ediciones: Magisterio Español,
Madrid-España.
•
Llerena, José Alfredo. (1942). La pintura ecuatoriana del siglo XX. Imprenta
de la universidad, Quito – Ecuador.
•
Rodríguez, Hernán. (1988). El siglo XX de las artes visuales en Ecuador.
Editorial: Cronos S.A., Guayaquil - Ecuador.
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•
Panofsky, Erwin. (1855/1987). El significado en las artes visuales (4ta
Reimpresión). Alianza Editorial S.A., Madrid-España.
Publicaciones Periódicas.
•
Andrade, Raúl. (1986). El Estudio de Egas. Difusión Cultural Revista del
Banco Central. 32-33.
•
Armas, Agustín. (1986). Camilo Egas. Difusión Cultural Revista del Banco
Central. 24-29.
•
Kigman, Nicolás. (1986). Tránsito y Presencia de Camilo Egas. Difusión
Cultural Revista del Banco Central. 34-37.
•
Rodríguez, H. (1993). Camilo Egas. Revista Diners, 137. 66-72.
•
Rojas, Carlos. (2006). Camilo Egas del Indigenismo al Arte Actual. Revista
Anaconda Cultura y Arte, 6. 18-55.
•
Pérez, Trinidad. (2006). Camilo Egas del Indigenismo al Arte Actual. Revista
Anaconda Cultura y Arte, 6. 42-47.
•
Ponce, Carmen. Gallegos, Magdalena. (1986). Cronología de la Vida de
Camilo Egas. Difusión Cultural Revista del Banco Central. 30-31.
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ANEXOS
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GLOSARIO DE TÉRMINOS
Contexto cultural. "La cultura… puede considerarse…como el conjunto de los
rasgos distintivos, espirituales y materiales, intelectuales y afectivos que
caracterizan una sociedad o un grupo social. Ella engloba, además de las artes
y las letras, los modos de vida, los derechos fundamentales al ser humano, los
sistemas de valores, las tradiciones y las creencias."
UNESCO.
Cánones. El canon es un concepto que se refiere a las proporciones perfectas
o ideales del cuerpo humano y se refiere a las relaciones armónicas entre las
distintas partes de una figura.
Estética. Es un término que contiene diferentes aspectos. En el lenguaje
coloquial denota en general lo bello, y en la filosofía tiene diversas definiciones:
por un lado es la rama que tiene por objeto el estudio de la esencia y la
percepción de la belleza, por otro lado puede referirse al campo de la teoría del
arte. La palabra deriva de las voces griegas “aisthetikê” (sensación,
percepción).
Arte. Es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser
humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o
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imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite
expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.
Arte Rococó. El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se
desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Es un estilo que surge
como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a
diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el
empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del
barroco.
Estilo. Tiene su origen en el término latino “stilus”. La palabra puede ser
utilizada en diversos ámbitos, aunque su uso más habitual está asociado a la
apariencia, la estética o la delineación de algo.
Estilo también se alude a las características que unifican o distinguen a un autor
de otro (el estilo personal o la voluntad de estilo
Movimiento Artístico. Es una tendencia referente al arte, con una filosofía o
estilo común, seguida por un grupo de artistas durante un período como por
ejemplo el movimiento dadaísta o el pop-art o característico de una época más
extensa de la Historia del Arte, como el renacentista o barroco.
Vanguardias. Se conoce con el nombre de vanguardia al conjunto de
manifestaciones artísticas que se desarrollaron en las primeras décadas del
siglo XX y que se caracterizan por el énfasis puesto en la innovación y en la
- 131 -
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confrontación con las normas estéticas canonizadas. Para comprender el
fenómeno, basta con analizar el término que le da nombre; la vanguardia es la
línea que entra en contacto por primera vez con el enemigo, es decir, es la más
avanzada. Así, uno de los objetivos principales de la vanguardia era crear
escuela, iniciar una nueva tendencia separándose de los clasicismos.
Técnica. La técnica supone que, en situaciones similares, repetir conductas o
llevar a cabo un mismo procedimiento que producirán el mismo efecto. Por lo
tanto, se trata de una forma de actuar ordenada que consiste en la repetición
sistemática de ciertas acciones. Usualmente, la técnica requiere del uso de
herramientas y conocimientos muy variados, que pueden ser tanto físicos como
intelectuales.
Cromática. Es todo aquello que pertenece o se refiere a los colores. Así,
partiendo de dicha acepción, nos encontramos con que podemos hablar de lo
que se conoce como círculo cromático. Este es un círculo que se confecciona
distribuyendo a lo largo de él toda la serie de colores que dan lugar al segmento
de la luz.
Contraste cromático. Los siete contrastes cromáticos se basan en la teoría de
los colores de Johannes Itten. Este principio no se basa en las propiedades
físicas y químicas del color, sino más bien en sus efectos subjetivos.
- 132 -
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Los colores primarios: amarillo, rojo y azul suministran el contraste más intenso.
El contraste cromático se va debilitando con los colores secundarios y
terciarios, o al disminuir la saturación.
Matiz. Cada uno de los grados de un mismo color.
Lienzo. Es una tela que sirve como soporte a las artes pictóricas hecho
normalmente de lino, algodón o cáñamo. También se denomina lienzo a la obra
pictórica en si una vez plasmada sobre la tela.
Óleo. (1) Pintura que se obtiene disolviendo ciertos pigmentos en una solución
aceitosa. (2) Técnica pictórica que utiliza este tipo de pintura. (3) Obra pictórica
así obtenida.
Yuxtaposición. Es la acción y efecto de yuxtaponer (poner algo junto o
inmediato a otra cosa). El concepto está formado por los vocablos latinos iuxta
(“junto a”) y positĭo (“posición”).
Cosmovisión indígena. La cosmovisión de los pueblos indígenas se basa en
la relación armónica y holística en todos los elementos de la Madre Tierra al
cual el ser humano pertenece pero no la domina. De esta forma el concepto de
la acumulación es muchas veces ajeno a la cultura indígena, y de hecho la
mayoría de los idiomas indígenas carecen de conceptos como ‘desarrollo’,
‘riqueza’ o ‘pobreza’.
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Marxismo. Es una doctrina que tiene sus bases en las teorías que
desarrollaron: Karl Marx y Friedrich Engels. Ambos intelectuales de origen
alemán reinterpretaron el idealismo dialéctico popularizado por Georg Wilhelm
Friedrich Hegel como materialismo dialéctico y propusieron la creación de una
sociedad sin distinción de clases. A las organizaciones políticas creadas según
los lineamientos de esta doctrina se las describe como marxistas.
Volumen. En escultura, se le llama volumen a una estructura formal
tridimensional, así como también volumen a las partes componentes del todo
escultórico, cuando éstas tiene el carácter de masas. En pintura, el volumen es
la sugerencia de peso y masa lograda por medios estrictamente pictóricos que
reflejan características tridimensionales. En arquitectura es el conjunto exterior
de un edificio, que encierra el espacio interior. Las obras de materiales sólidos
presentan un volumen real en sus formas de tres dimensiones. Aparecen otras
que son bidimensionales, planas como el dibujo, la pintura y el grabado, que se
presentan ante el espectador estructurado de tal manera que crean la ilusión de
volumen en un espacio, al que se le llama volumen virtual o figurado.
Paleta. La paleta es el conjunto de colores con el que a un artista le gusta
trabajar. Así, la paleta de un artista puede no incluir los marrones o los
morados, e incluir un tono muy peculiar de rojo.
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Por derivación, también se llama paleta al conjunto de colores que una imagen
o conjunto de imágenes tiene versatilidad artística.
Frontispicio. Fachada o parte delantera de un mueble, edificio, etc., (ejemplo:
el frontispicio está decorado).
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PLANTILLA DE ENTREVISTA ESTRUCTURADA, A LORENA CISNEROS,
CURADORA DEL MUSEO CAMILO EGAS.
1.
Pregunta:
Como se promociona el Museo Camilo Egas?
Objetivo de la pregunta:
Identificar los medios de comunicación con los que se promociona el Museo
Camilo Egas al público en general, con el fin de potencializar una herramienta
de difusión nueva o ya existente.
2.
Pregunta:
Como se ha manejado la obra de Egas como patrimonio?
Objetivo de la pregunta:
Evidenciar el enfoque del museo entrono al tema patrimonio material, inmaterial
y evidenciar sus necesidades si las hubiere.
3.
Pregunta:
Cuál es tu opinión personal acerca de que el estado haya creado el museo
Camilo Egas?
Objetivo de la pregunta:
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Evidenciar la importancia de la vida y obra de Camilo Egas, su peculiaridad
como artista en relación a otros de la época desde el punto de vista de un
funcionario estatal.
4.
Pregunta:
El museo y sus actividades ayuda al fortalecimiento de la identidad?
Objetivo de la pregunta:
Como se enfoca el museo y la institución que lo rige (Ministerio de Cultura),
dentro del tema identidad.
5.
Pregunta:
Que experiencias has tenido con las actividades que se realizan en el museo?
Objetivo de la pregunta:
Percibir la predisposición de una funcionaria del Museo Camilo Egas, a las
actividades que se generan dentro de este espacio.
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ENTREVISTA A LORENA CISNEROS, CURADORA DEL MUSEO CAMILO
EGAS.
La siguiente entrevista trata temas entorno a la difusión, puesta en valor y
preservación de la obra de Camilo Egas.
Como se promociona el Museo Camilo Egas?
Lorena Cisneros:
Formamos parte del servicio público y el servicio público no se vende de hecho
uno de los ejes de la política del Ministerio de Cultura es la gratuidad, es decir
que todo debe ser gratuito desde la entrada hasta la participación en los
talleres, en las visitas, en cualquier actividad que realice el museo, justamente
la palabra vender no creo que entre en nuestro vocabulario. Pero la idea de
promocionar en todo caso de colocar el nombre del museo como imagen en la
mente de la gente por ahora tiene muchos ejes que estamos manejando y que
deben ser perfeccionados, por ejemplo la comunicación que estamos
manejando ahora principalmente es “Facebook” y las redes sociales eso quiere
decir que necesitamos pulir el manejo de las redes sociales especialmente el
“Facebook” que funciona bastante bien con los jóvenes, luego tenemos una
base de gente del sector especialmente pero también de otros sectores que
viene regularmente al Camilo Egas, esta es la base de gente que viene a todos
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los talleres, que nos pide más talleres, que nos pide actividades, tenemos la
escuelas del sector cuyos niños ya conocen el Camilo y a veces vienen sin que
los profesores o los padres les traigan vienen solos, porque el museo les gusta,
porque el lugar les atrae; tenemos que manejar estas redes sociales de manera
a atraer nuevo público y mantener el público que ya tenemos, que tenemos una
base importante de gente que conoce y aprecia el lugar.
Como se ha manejado la obra de Egas como patrimonio?
Estas colecciones son colecciones estatales entonces tienen el sello de ser
patrimonio de los ecuatorianos, por un lado, es decir que si alguien les quiere
mover, el INPC (Instituto Nacional del Patrimonio Cultural), tendría que venir y
dar su sello para que podamos sacarlas de aquí o traer otras nuevas. Después
tenemos la idea, la obra, la vida, la historia de Camilo Egas como patrimonio y
como parte de la memoria de los ecuatorianos es algo que tiene que rescatarse,
el conocimiento sobre la obra de Camilo Egas en el Ecuador es muy limitado e
incluso en Estados Unidos donde él vivió hay solamente pocos especialistas
que se han centrado en la obra de Camilo Egas la intensión del museo es
promover la investigación sobre la obra de Camilo Egas y para eso de hecho
realizamos un conversatorio este mes que fue un éxito hubo mucha gente y
tuvimos la presencia de historiadores del arte especializados en la obra de
Camilo Egas, Trinidad Pérez principalmente y también
ishil Crick desde
Estados Unidos que son los dos especialistas, como de proa sobre la obra de
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Camilo Egas, también tuvimos la participación de María Elena Guarderas que
es una escritora e investigadora ecuatoriana que vive en Estados Unidos en
Nueva York, que también ha hecho mucha investigación sobre Camilo Egas,
estos son los nombres más relevantes.
Cuál es tu opinión personal acerca de que el estado haya creado el museo
Camilo Egas?
Esta iniciativa nace del estado, si tú te preguntas porque el estado escogió a
Camilo Egas y no a Mena Franco o al mismo Kigman o Guayasamín. Esa
pregunta es difícil de responder porque se desconoce las prioridades de las
autoridades en esa época; el hecho es que Egas acababa de morir cuando
empiezan a comprar obras y hay sentido nacionalista de alguna manera, pero
también hay una lógica patrimonialista en los años 70 que impulsa al Banco
Central como representante del estado a traer de vuelta obras que estaban en
el extranjero y Camilo Egas tenía un renombre particular en el extranjero,
Camilo Egas había sido Director de una gran escuela de la sección de bellas
artes en la New School for Social Research, durante muchos años, la ciudad de
Nueva York le dio las llaves de la ciudad, le dieron un doctorado Honoris Causa,
era un tipo importantísimo en Nueva York, aunque Nueva York no se acuerde
de eso ahora, aunque Nueva york no se acuerde que Camilo Egas fue muy
importante en esa ciudad actualmente pero en esa época todo el mundo lo
sabía y el Banco Central lo sabía, el estado ecuatoriano lo sabía y entonces
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empezaron a comprar las obras de Camilo Egas que estaban en colecciones
particulares en el extranjero y acá. Porque Camilo Egas y no cualquier otro
pintor que vivió en el extranjero o incluso los pintores que hicieron toda su
carrera aquí? Creo que es la importancia particular de Camilo Egas en Nueva
York pero de eso yo no puedo estar segura habría que saber cuál era la lógica
de la gente del Banco Central que de hecho restauro esta casa y la compro en
vistas de ser un museo dedicado a Camilo Egas; el muere en el 62 y en el 80 ya
se inaugura el museo, que quiere decir que años antes del 80 ellos ya tenían
escogida la figura de Camilo Egas.
El museo y sus actividades ayuda al fortalecimiento de la identidad?
El concepto de identidad es muy fluctuante y poco claro, en todo caso uno de
los ejes de acción del ministerio se llama fortalecimiento de las identidades en
plural, y claro uno de los objetivos de este museo y de cualquier centro cultural
justamente fortalecer las identidades sean cuales fueren permitiéndoles a las
personas no solo ver el patrimonio sino apropiarse es decir hacer del patrimonio
una parte de su vida que tenga un sentido personal desde ese punto de vista si
la respuesta es sí.
Que experiencias has tenido con las actividades que se realizan en el
museo?
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La idea importante es que la gente pide actividades en el Camilo y pidiendo
actividades quiere decir que se han apropiado del lugar y que lo consideran de
ellos entonces en realidad casi no es importante si yo me divierto lo que es
importante es que la gente que viene se divierta cada vez que hacemos un
nuevo curso, una nueva actividad con las escuelas la gente pide más y quieren
volver y quieren que sigamos haciendo esto, entonces creo que lo más
importante es la demanda que esto genera es decir cuando damos una cosa
esto genera pedidos que hagamos dos o tres o cuatro y que demos siempre
más esto me parece sumamente importante. Muchas personas han llegado a
hacer del museo un lugar que consideran de ellos.
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ÍNDICE FOTOGRÁFICO
Fotografía 1................................................................................................... - 16 Fotografía 2................................................................................................... - 16 Fotografía 3................................................................................................... - 17 Fotografía 4................................................................................................... - 18 Fotografía 5................................................................................................... - 19 Fotografía 6................................................................................................... - 20 Fotografía 7................................................................................................... - 21 Fotografía 8................................................................................................... - 22 Fotografía 9................................................................................................... - 23 Fotografía 10................................................................................................. - 24 Fotografía 11................................................................................................. - 26 Fotografía 12................................................................................................. - 27 Fotografía 13................................................................................................. - 28 Fotografía 14................................................................................................. - 52 Fotografía 15................................................................................................. - 52 Fotografía 16................................................................................................. - 53 Fotografía 17................................................................................................. - 54 Fotografía 18................................................................................................. - 54 Fotografía 19................................................................................................. - 55 Fotografía 20................................................................................................. - 55 Fotografía 21................................................................................................. - 56 Fotografía 22................................................................................................. - 57 Fotografía 23................................................................................................. - 58 Fotografía 24................................................................................................. - 59 Fotografía 25................................................................................................. - 59 Fotografía 26................................................................................................. - 60 Fotografía 27................................................................................................. - 65 Fotografía 28................................................................................................. - 66 Fotografía 29................................................................................................. - 66 Fotografía 30................................................................................................. - 67 Fotografía 31................................................................................................. - 68 Fotografía 32................................................................................................. - 68 Fotografía 33................................................................................................. - 69 Fotografía 34................................................................................................. - 70 Fotografía 35................................................................................................. - 71 Fotografía 36................................................................................................. - 72 - 143 -
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Fotografía 37................................................................................................. - 73 Fotografía 38................................................................................................. - 73 Fotografía 39................................................................................................. - 74 Fotografía 40................................................................................................. - 75 Fotografía 41................................................................................................. - 76 Fotografía 42................................................................................................. - 79 Fotografía 43................................................................................................. - 80 Fotografía 44................................................................................................. - 81 Fotografía 45................................................................................................. - 82 Fotografía 46................................................................................................. - 84 Fotografía 47................................................................................................. - 84 Fotografía 48................................................................................................. - 84 Fotografía 49................................................................................................. - 85 Fotografía 50................................................................................................. - 86 Fotografía 51................................................................................................. - 87 Fotografía 52................................................................................................. - 88 Fotografía 53................................................................................................. - 89 Fotografía 54................................................................................................. - 90 Fotografía 55................................................................................................. - 91 Fotografía 56................................................................................................. - 93 Fotografía 57................................................................................................. - 94 Fotografía 58................................................................................................. - 95 Fotografía 59................................................................................................. - 96 Fotografía 60................................................................................................. - 98 Fotografía 61................................................................................................. - 99 Fotografía 62............................................................................................... - 100 Fotografía 63............................................................................................... - 100 Fotografía 64............................................................................................... - 101 Fotografía 65............................................................................................... - 102 Fotografía 66............................................................................................... - 103 Fotografía 67............................................................................................... - 104 Fotografía 68............................................................................................... - 106 Fotografía 69............................................................................................... - 107 Fotografía 70............................................................................................... - 107 Fotografía 71............................................................................................... - 108 Fotografía 72............................................................................................... - 109 Fotografía 73............................................................................................... - 110 -
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Fotografía 74............................................................................................... - 110 Fotografía 75............................................................................................... - 111 -
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