04_La musica del renacimiento

04 - LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO
Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI,
cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes
dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel,
Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,...; que desarrollarán la cultura y el arte como
nunca antes había ocurrido.
CONTEXTO HISTÓRICO:
Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas, terminando con el feudalismo
medieval (excepto en Italia, donde surgirán ciudades estado). Los grandes nobles y aristócratas van a ser
los mecenas de los artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de un salario. Es una etapa de gran
desarrollo económico, mejorarán los medios de comunicación y los transportes, lo cual facilitará la movilidad
de los músicos y el intercambio y propagación de ideas musicales.
Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma Católica serán importantes
para la evolución de la música.
CONTEXTO CULTURAL:
En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo es el del Humanismo, que
considera al hombre como el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas Teo centristas del medievo.
Algunas de las características culturales de esta etapa se resumen a continuación:
Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de
concebirse como alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin
la belleza y el placer de los sentidos en sus obras.
El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor
desarrollo de la cultura en todos sus
ámbitos.
El concepto de autor: dejamos atrás
al artesano anónimo de la Edad Media
para hablar a partir de ahora de artistas
que firman sus obras.
Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a
despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico
sobretodo de Grecia y Roma.
CONTEXTO MUSICAL:
Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características:
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Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas sobre la
importancia de la cultura, además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se empiezan a
imprimir las primeras partituras.
Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu humanista.
Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en detrimento de la música sacra.
Recordemos que la iglesia había menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará
un gran desarrollo.
Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya lo había
hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su
vida a este arte.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA RENACENTISTA
La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se debe a que se van a
producir una serie de cambios, de los cuales destacamos los siguientes:
Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había alcanzado una gran
complejidad; ahora en el Renacimiento el uso de grupos de voces con diferentes timbres y tesituras se
generaliza. En este periodo podemos hablar ya
de las cuatro voces que llegarán hasta nuestros
días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro
del ámbito polifónico destacan dos técnicas de
composición, una contrapuntística (en la que las
voces se mueven de manera independiente) y
otra homofónica (en la que las voces se mueven
de manera homogénea).
Sustitución del ritmo irregular: debido a la
complejidad que ha alcanzado la polifonía, los
sistemas de notación tienen que desarrollarse
en cuanto a la métrica, por ello se abandona
totalmente el ritmo libre del gregoriano para
establecer una música con medidas fijas, en la que las duraciones de los sonidos son absolutas.
Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus obras voces a distancias
de terceras superpuestas, que en la Edad Media no eran utilizadas. Este uso de terceras será el
antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal actual.
PERIODOS DE LA MÚSICA RENACENTISTA
El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI, dentro de este periodo podemos
distinguir tres etapas:
Primer Renacimiento:
comprende la primera mitad del siglo XV.
Conocido también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques
de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte
de Francia y Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de
artistas que se convertirán en los más importantes de esta época.
Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos
nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprez. La mayor parte de la música
de estos autores será religiosa (misas y motetes). Durante este Primer
Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva denominada
contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema ó motivo
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repetidamente entre las distintas voces.
Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los músicos francoflamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su
estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos
nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en
Alemania se desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la chanson.
Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI.
Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando, las
innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin
embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la
música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis
de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa.
En esta época también tenemos que destacar al italiano Claudio Monteverdi,
maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura
decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.
LA MÚSICA RELIGIOSA
Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la unidad del
catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya que no comparte algunas
de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el protestantismo, que se
convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se
le conoce como la Reforma Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de
los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de la teoría musical.
Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:
Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero
era muy importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y
que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las
celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua que
sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo.
Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el
gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese el
texto. Lutero creará una nueva forma musical: EL CORAL, que será el género
más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una
composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en
alemán y presenta una textura homofónica.
En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia anglicana, de
la cual se proclama máximo mandatario, y así acapara todo el poder político y religioso de su país. A
partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM,
que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.
La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de arreglar los
males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra "El Concilio de Trento", en el que
se tratan de establecer las directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al
terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes:
Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo de unidad cristiana. Esta
norma seguirá vigente hasta el Concilio Vaticano II.
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Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible entender los textos
religiosos, y recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era la de transmitir el mensaje
cristiano.
Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que
son territorios sagrados en los que sólo se debe
interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría,
hoy en día continúa vigente.
Los géneros más importantes de la música religiosa
católica serán el motete y la misa (forma musical
compleja resultado de la unión de todas las piezas
de la liturgia), en los que se evitará la complejidad
polifónica. Los compositores principales de la
iglesia católica son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó
numerosos madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.
MÚSICA VOCAL PROFANA
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en todos los territorios
se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener un estilo propio en cada país; es
lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales, se van a mantener,
pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de
cada territorio) y no en latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros
más importantes de algunos países:
ITALIA:
El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de polifonía compleja
escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música "a capella", aunque se le pueden añadir
algunos instrumentos. Es música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco
frases en las que se intercala un ritornelo (breve estribillo). Entre los compositores más importantes
destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.
FRANCIA:
La forma más importante de este país es la CHANSON. Es una forma polifónica
normalmente con acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El compositor más destacado
es Clement Janequin.
ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su origen no tiene nada
que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura homofónica con estructura de estribillocopla-estribillo. El compositor más representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina y se
conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva por título "El cancionero de Palacio". Junto con
el villancico en España también habrá otros géneros importantes como el Romance o la Ensalada.
LA MÚSICA INSTRUMENTAL
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental
que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia
debido en gran medida a la laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por
primera vez en la historia se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite
del oído. Este tipo de música evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa con su
prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos.
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Otro aspecto importante es que con la
invención de la imprenta se van a difundir
muchos libros con partituras y teoría musical,
por lo que mucha gente va a poder acercarse
al mundo de la música y aprender a tocar un
instrumento.
Podemos hablar de cuatro apartados en los
que clasificar la música del Renacimiento:
Piezas adaptadas de obras vocales: Son
obras que primitivamente estaban escritas
para varias voces y que serán adaptadas para
poder interpretarlas con instrumentos polifónicos como el órgano y otros instrumentos de teclado.
Destacan en este grupo formas como el ricercare o la canzona.
Piezas basadas en la improvisación: Estas piezas podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba a
partir de una melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la
marcha. A este tipo de música corresponden géneros como la fantasía o la toccata.
Piezas basadas en la variación: Se trata de que el intérprete parte de un tema sencillo que va
repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este grupo destacan las
diferencias; éste fue el nombre que recibió en España el tema con variaciones en el cual destacó el
compositor español Antonio de Cabezón.
Piezas creadas para la danza: Para este tipo de música vamos a crear un apartado especial titulado
la danza renacentista.
LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO
Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el Renacimiento,
perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los compositores. Como hemos visto en el
punto anterior, durante el Renacimiento se compone mucha música instrumental, esto va a hacer que
muchos instrumentos adquieran una gran importancia.
A continuación citamos algunos de los más importantes:
AERÓFONOS:
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los instrumentos
más populares de la época. También existían las flautas traveseras de madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina)
que termina en forma de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se
usaban con fines militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y
lengüeta doble (parecido a los oboes pero de mayor tamaño).
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Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. Es fabricado en
metal.
CORDÓFONOS:
La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de
guitarra y violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de arco.
La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto
se extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.
La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la
guitarra. Gozó de gran prestigio en nuestro país de la mano de
compositores como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales se
especializaron en este instrumento.
El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el
Renacimiento se convierte en uno de los más importantes.
El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas
punteadas. Se comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.
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LA TABLATURA
Aquí podemos observar un fragmento de una tablatura renacentista. Es un sistema de notación,
aproximadamente del siglo XV, es propio de los instrumentos de cuerda pulsada tales como le vihuela o el
laúd.
En él, se representa el mástil del instrumento con sus cuerdas (en este caso seis). Los números indican el
traste que el músico debe tocar sobre la cuerda en la que está escrito. En la parte de arriba se escribe una
figura que indica el valor que debemos dar a cada una de las notas, y debajo se escriben anotaciones que
muestran la técnica y la articulación con las que se debe interpretar la obra.
Es un sistema sencillo que permitía a la gente que no tenía estudios musicales iniciarse en el aprendizaje de
un instrumento.
Este sistema de notación continúa vigente en la actualidad y muchas personas aprenden hay en día a tocar
instrumentos como la guitarra ayudándose de la tablatura.
LA DANZA RENACENTISTA
La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran importancia, sobre todo entre las
clases más altas, ya que en todas las celebraciones va a estar presente.
Pero además de la danza cortesana, va a existir otra danza menos
refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.
Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes
salones. Era bailada por todos los nobles que participaban en la
celebración (el aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que
iban ataviados con sus mejores galas. Los grandes vestidos eran los que
impedían cualquier tipo de movimiento acelerado y por tanto estos
bailes van a ser siempre muy pausados y elegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la
evolución de la música instrumental, ya que buena parte de esa música era dedicada a este género. Otro de
los factores decisivos que impulsaron las danzas fue la invención de la imprenta, ya que a partir de este
momento se van a editar los primeros libros de coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:
LA GALLARDA: Es una de las principales danzas de la época. Se interpretaba con paso saltado. Es una
danza en compás ternario y paso alegre. Normalmente se interpretaba después de la pavana.
LA PAVANA: Era sin duda la danza más importante de la época. Era la que abría el baile y
normalmente sólo la bailaban los organizadores del evento. Es pausada y refinada; es un paseo de los
ricos nobles para que todo el mundo presente les admire.
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EL BRANLE: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se agarraban e iban oscilando a
derecha y a izquierda sin romper el círculo.
Además podemos mencionar otras muchas danzas: el ronde, la tarantela, la zarabanda, la alemanda, el
courante, el saltarelo, la calada,...
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa.
ANDREA Y GIOVANNI GABRIELI
1510-1586 y 1557-1612 Italia
Familia de célebres compositores venecianos, tío y sobrino. El primero fue
Chantre de San Marcos de Venecia y discípulo de Willaert, aunque permaneció
algunos años en Verona como organista de su Catedral. Durante el resto de su
vida fue organista en San Marcos, como segundo de Claudio Merulo y después,
en sustitución de su sobrino Giovanni. Entre otras muchas obras, compuso la
música con que su ciudad celebró la victoria de Lepanto en 1571. Escribió
especialmente música religiosa, aunque también madrigales profanos. En sus
obras queda reflejada la particular arquitectura de simetrías de la iglesia de San
Marcos, que se traduciría en coros enfrentados.
Su sobrino Giovanni fue su más ferviente admirador y siguió sus pasos,
estudiando con Roland de Lassus. En Venecia desempeñó el cargo de primer
organista de San Marcos y fue profesor de destacados alumnos italianos y extranjeros, como Grillo,
Tadei y especialmente Heinrich Schütz, desde donde su influencia se extendería hasta Johann Sebastián
Bach.
PRINCIPALES OBRAS:
Andrea Gabrieli
Canciones Sagradas - 1565
Primer libro de Misas - 1572
Madrigales a tres - 1575
Primer libro de Canciones Eclesiásticas - 1576
Salmos a David - 1583
Coros de Edipo Rey (para la inauguración del Teatro Olímpico de Vicenza) – 1585
Giovanni Gabrieli
Concerti - 1587
Sinfonía Sagrada - 1597
Sinfonías Sagradas – 1615
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Orlando Di Lasso
1532-1594 Bélgica-Francia
Llamado originalmente Roland de Lassus, fue el más importante compositor de la escuela franco-flamenca
del siglo XVI. Se crió en la ciudad de Hainaut, siendo miembro del coro de la iglesia de San Nicolás. Siguió al
virrey de Sicilia por sus viajes por Europa, quedando
impresionado por el arte italiano en Milán, Sicilia y Nápoles.
Después se afincaría en Munich como maestro de capilla del
duque de Baviera, realizando frecuentes viajes a Alemania e
Italia, y relacionándose con los principales personajes de la
época, desde el editor Adrian Le Roy a músicos de las cortes
alemanas, recibiendo condecoraciones y gratificaciones de
príncipes extranjeros. Parece que conoció a Palestrina y
tuvieron varios discípulos, entre ellos Giovanni Gabrieli. En
su juventud abundan las obras sobre textos profanos, mientras que en la madurez se vuelca hacia el estilo
religioso.
PRINCIPALES OBRAS:
Primer ciclo de motetes - 1556
Segundo ciclo de motetes - 1562
Bicinia - 1577
Psalmi David ipoenitentiales - 1584
Tricinia - 1588
Cantionessacreae sex vocum - 1594
Lagrime di San Pietro (edición póstuma) - 1595
Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) - 1600
Magnum opus musicum (edición póstuma) – 1604
Tomás Luis de Victoria
1548-1611 España
Compositor español. Fue alumno de Escobedo en Segovia y luego de Morales. A
los veinte años fue enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para ingresar
como cantor en la capilla del Colegio Germánico que los jesuitas crean para
combatir el protestantismo. En sus trece años en la ciudad trabaja como capellán
cantor y después como maestro de capilla de San Apolinar.
La viudedad de la emperatriz hace que retorne y se instale en Madrid a su
servicio, primero como maestro de capilla y luego como organista del convento
de las Descalzas Reales, gozando además de la protección del cardenal Michele
Bonelli. Su estilo sigue fielmente las pautas de la escuela romana de Palestrina,
entre el dramatismo y ascetismo. La independencia de las voces no sólo
responde a planteamientos armónicos de conjunto, sino a la propia musicalidad de la música melódica.
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PRINCIPALES OBRAS:
Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San Quintín).
Alma Redemptoris Mater.
Missa Ave Regina coelorum.
Missa Pange Lingua.
O magnum mysterium.
O vos omnes (motete).
Missa Ave María Stella.
Officium Hebdomadae Sanctae - 1585
Oficium Defunctorum - 1605
AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se sugieren una serie de audiciones sobre la música de este tema.
MÚSICA RELIGIOSA
"AVE MARÍA" Misa de Josquin Desprez
"KYRIE" Misa del papa Marcelo de Palestrina
"CREDO" Misa del papa Marcelo de Palestrina
MÚSICA PROFANA
"MATONA MIA CARA" Madrigal de Orlando di Lasso
"MÁS VALE TROCAR" Villancico de J. Del Enzina
"HOY COMAMOS Y BEBAMOS" Villancico de J. Del Enzina
"DIFERENCIAS SOBRE EL CANTO LLANO DEL CABALLERO" de Antonio de Cabezón
"FANTASÍA DEL TERCER TONO" Luis de Narváez
"THE MOST SACRED QUEEN ELIZABETH, HER GALLIARD" gallarda de J. Dowland
"BRANLE DE BOURGOGNE" Branle de J. Moderne.
"RONDE" Tielman Susato
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