Untitled - Festival Jardins de Pedralbes

FESTIVAL JARDINS DEL PALAU REIAL DE PEDRALBES
Diversidad, calidad e integración en Barcelona: estos son los valores principales del Festival Jardins del
Palau Reial de Pedralbes, un nuevo evento de verano de prestigio en un espacio al aire libre rodeado de
naturaleza e historia que hasta ahora no había tenido nuestra ciudad.
La primera edición del Festival se desarrollará el mes de junio y los primeros días de julio en un espacio
ubicado a pocos metros de la Diagonal, donde se levantarán un escenario y una grada con capacidad para
unos 2.000 espectadores. Considerados como uno de los jardines más elegantes de Barcelona, idóneos
para pasear y muy frondosos, constituyen un entorno idílico de fácil acceso para ver conciertos de figuras
de primer nivel de todos los estilos y para disfrutar de noches emblemáticas. Una escapada a la ciudad
para vivir una experiencia global que une espectáculo, naturaleza y gastronomía.
Concert Studio
El Festival Jardins del Palau Reial de Pedralbes está organizado por Concert Studio, una promotora con
más de quince años de experiencia en el mundo de la música en directo. Entre los éxitos destacados de su
trayectoria está la puesta en marcha del Festival del Mil·lenni en Barcelona, y que este año ha llegado a su
14ª edición; y la creación y organización del Festival Jardins de Cap Roig en Calella de Palafrugell (Girona)
durante sus primeros doce años, siempre con el objetivo de escoger lo bueno y lo mejor de cada género
musical y poder acercar artistas multitudinarios a entornos íntimos.
Nuestro tenor se va a Broadway
Su amplia discografía incluye más de ciento cincuenta grabaciones, entre las que destacan cincuenta
óperas completas, oratorios, recitales clásicos y también de música popular.
Josep Carreras no necesita presentación. ¿Y quién mejor que el tenor catalán para abrir un festival en la
ciudad en la que nació y donde inició su carrera profesional? En este concierto inaugural, ofrecerá un
programa acompañado por la soprano Gladys Rossi y la GIOrquestra, la Orquesta Sinfónica de las
comarcas de Girona dirigida por David Giménez.
Desde que empezó de forma profesional en 1970 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con “Lucrezia
Borgia”, la meteórica carrera del tenor le hizo debutar muy joven en los teatros y festivales más
importantes del mundo. A lo largo de su trayectoria ha colaborado con prestigiosos directores de
orquesta como Herbert von Karajan, Claudio Abbado, Riccardo Muti, Lorin Maazel, Leonard Bernstein y
Zubin Mehta, entre otros.
Su repertorio incluye más de sesenta óperas entre las que destacan “Andrea Chénier”, “La bohème”,
“Tosca”, “Werther”, “Don Carlo”, “Carmen”, “La forza del destino”, “I pagliacci”, “L’elisir d’amore” y “Un
ballo in maschera”. Junto a su actividad operística hay que destacar los frecuentes recitales en teatros y
auditorios de todo el mundo. Su extenso repertorio en este campo agrupa más de seiscientos títulos de
los más diversos estilos, desde la música barroca hasta la contemporánea.
Su amplia discografía incluye más de ciento cincuenta grabaciones, entre las que destacan cincuenta
óperas completas, oratorios, recitales clásicos y también de música popular. Otros proyectos
profesionales incluyen la dirección musical de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992 y los conciertos
de los Tres Tenores junto a Plácido Domingo y Luciano Pavarotti, seguidos por miles de millones de
espectadores, creando un impacto sin precedentes en el mundo de la lírica.
El recital que abrirá el festival incluye canciones clásicas del repertorio de Broadway y del cine, con obras
de compositores como Rodgers & Hammerstein, Jerome Kern, Leonard Bernstein, Andrew Lloyd Webber,
George Gershwin, Nino Rota y Henry Mancini, entre otros. Un repertorio idóneo para una orquesta
versátil como la GIO, abierta a todos los estilos y muy sensibilizada para acercar la música sinfónica al
mayor número posible de público, siempre bajo el lema “Música en Mayúsculas”.
En esta velada tan especial, Carreras contará con una pareja artística de excepción, la soprano italiana
Gladys Rossi. Tras iniciar estudios de piano y violín, se decantó por el canto lírico y debutó en 2002 con
“Rigoletto”. A lo largo de su corta y brillante carrera ha interpretado óperas como “Le nozze di Figaro”,
“La bohème”, “La traviata”, “Un ballo in maschera” i “Carmen”. Con el tenor catalán ha coincidido varias
veces en actuaciones en Italia, España y Japón.
En solitario o en dueto con Gladys Rossi, Carreras interpreta piezas tan concocidas como “Some
Enchanted Evening” (“Al sur del Pacífico”), “All I Ask Of You” (“El fantasma de la ópera”), “Parla piu piano”
(“El padrino”), “Somewhere” (“West Side Story”), “Moon River” (“Desayuno con diamantes”) y “The
Impossible Dream” (“El hombre de la Mancha”).
Discografía recomendada
“Sings Andrew Lloyd Webber” (1989),“Hollywood Golden Classics” (1991),“My Romance” (1997)
El eterno latin lover
Uno de los secretos de la fama global de Julio Iglesias es su habilidad de cantar en más de una docena
de lenguas y de llegar a las culturas más diferentes.
Innegable atractivo físico, voz carismática, impecable dicción y facilidad para comunicarse con su público:
estos son los tres elementos que han hecho de Julio Iglesias la gran figura de la historia de la música
latina. Una verdadera superestrella internacional que ha vendido más de trescientos millones de álbumes
en todo el mundo y que continúa siendo una apuesta segura, tanto por sus conciertos como por sus
discos, en una carrera que abarca más de cuatro décadas.
El pasado 1 de abril, en Pequín, el famoso pianista chino Lang Lang le hacía entrega de dos importantes
premios: uno, el galardón al primer y más popular artista internacional de todos los tiempos en China; el
otro, el récord Guinness mundial por ser el artista latino que más discos ha vendido. Son sólo algunos de
los honores que se merece su carrera musical, llena de éxitos en todos los países y con canciones que son
número 1 a nivel mundial. Uno de los secretos de la fama global de Julio Iglesias es su cultura, que le
permite cantar en más de una docena de lenguas y de llegar a las culturas más diferentes. Incluso hoy en
día nadie puede presumir de una discografía de casi ochenta álbumes en tantos idiomas.
Para su último trabajo “1” (2011), y poco después de declarar que su voz estaba mejor ahora que cuando
era joven, esta leyenda viva de la música latina volvió a grabar muchos de los temas que le han convertido
en uno de los artistas más emblemáticos de nuestra época y demostró, una vez más, porqué su nombre
está al lado de estrellas inmortales como Elvis Presley, The Beatles, Frank Sinatra y Michael Jackson como
uno de los diez artistas de la historia que más discos ha vendido a nivel internacional.
En sus cuarenta y cinco años de trayectoria, “el nuevo Valentino” (como lo calificaba el escritor Steve Gett
en un libro publicado el 1985) ha conseguido innumerables éxitos, pero quizá el más importante ha sido
el reconocimiento del público como uno de los intérpretes más valorados, lo que le ha llevado a
desarrollar una sólida carrera, a triunfar en mercados tan difíciles como el norteamericano y a actuar en
los cinco continentes. Prácticamente todo el mundo conoce sus canciones, y ahora tenemos la
oportunidad de volver a escucharlas en directo.
Este año, tras actuar en diversos países asiáticos y sudamericanos, vuelve a Barcelona para estar (por
expresa voluntad propia) en un nuevo proyecto de Concert Studio.
Discografía recomendada
“Un canto a Galicia” (1972)
“Momentos” (1982)
“Crazy” (1994)
www.julioiglesias.com
Escuchando la voz de un ángel
Antony Hegarty ha fascinado a los seguidores de la buena música con su sensibilidad y la que es
posiblemente la voz más personal del pop actual.
Desde su irrupción en el 2000 con el disco “Antony And The Johnsons”, el británico Antony Hegarty ha
fascinado a los seguidores de la buena música con su sensibilidad y la que es posiblemente la voz más
personal del pop actual. “Cuando escuché a Antony por primera vez, sabía que estaba en presencia de un
ángel”, ha dicho de él Lou Reed. Y Laurie Anderson ha añadido: “Dos palabras y te ha roto el corazón.
Cuando canta es lo más exquisito que escucharás en tu vida”.
¿Pero quién es Antony? “Hola, aquí hay algunas cosas sobre las que pienso: círculos de luz, el Ártico,
brujas, mamíferos, Samoa, la esclavitud de la adicción y el capitalismo viral de la última etapa, la energía
de la mujer, familias atesorando sus hijos transexuales, el Panel Internacional de las Naciones Unidas
sobre el Cambio Climático, la intuición feroz y una nueva alianza mundial sobre el espíritu, bosques,
oxígeno, carbono, religiones patriarcales y jerarquías que prefieren catalizar el apocalipsis antes que
admitir que siglos de dominación masculina casi nos ha destruido, una revolución feminista podría salvar
nuestro mundo”. De esta manera tan curiosa se presenta él mismo en su web.
Nacido en Sussex, pasó su infancia en Amsterdam y San Francisco antes de trasladarse a Nueva York a los
19 años. El 1998 creó Antony And The Johnsons, y con su segundo álbum, “I Am A Bird Now” (2005), ganó
el prestigioso premio Mercury Prize. Con el tercero, “The Crying Light” (2009), el diario ‘The L.A. Times’
aseguraba que “es la declaración ambientalista más personal posible, al hacer una conexión imprevista
entre las políticas de identidad de la cultura gay y el movimiento verde”.
A lo largo de su carrera, ha colaborado con un amplio abanico de artistas, como Björk, CocoRosie y los
citados Anderson y Reed. El verano de 2012 fue director musical e intérprete en “The Life And Death Of
Marina Abramovic”, obra dirigida por Robert Wilson. Ese mismo año, Antony And The Johnsons fue de
gira por Europa y México para presentar el directo “Cut The World” (2012).
Ahora, en su única fecha en España, Antony viene a Barcelona con “She’s So Blue”, un espectáculo en
colaboración con el director musical Steve Bernstein en el que interpreta canciones de otros
compositores que le han inspirado - “If It Be Your Will” (Leonard Cohen) o “Candy Says” (The Velvet
Underground), entre muchas otras-, al lado de sus temas más representativos. La banda que le acompaña
está integrada por Bernstein (trompeta), Julian Joseph (piano, órgano), Douglas Wieselman (clarinete,
saxos), Renaud-Gabriel Pion (clarinete, flauta, saxo barítono), Leo Abrahams (guitarra), Bradley Jones
(bajo) y Kenny Wollesen (batería, percusión, vibráfono).
Discografía recomendada
“I Am A Bird Now” (2005)
“The Crying Light” (2009)
“Cut The World” (2012)
www,antonyandthejohnsons.com
De estrella del R&B a diva del jazz-pop
Establecida como una consolidada artista de R&B, sorprendió a todos al grabar “Unforgettable. With
Love”, un álbum de estándares.
Hija del legendario cantante y pianista de jazz y pop Nat King Cole, la norteamericana Natalie Cole ha
forjado por méritos propios una carrera llena de éxitos. Eso sí, marcada por dos fases bien diferentes, al
pasar de estrella del R&B a diva del pop con raíces jazzísticas.
Ganadora de nueve Grammys, Natalie ha demostrado ser una de las intérpretes más queridas con su
álbum de debut, “Inseparable” (1975), con un single en el número 1 de las listas, “This Will Be (An
Everlasting Love)”. Otros hits posteriores fueron “Sophisticated Lady (She’s A Different Lady)” el 1976,
“I’ve Got Love On My Mind” y “Our Love” el 1977 y “Someone That I Used To Love” el 1980. Uno de los
puntos álgidos de la primera etapa de su trayectoria fue cuando grabó una versión del “Pink Cadillac” de
Bruce Springsteen, incluida en el disco “Everlasting” (1987).
En 1991 hizo una apuesta temeraria que cambiaría su vida y su carrera para siempre: considerada como
una consolidada artista de R&B, sorprendió a todos al grabar “Unforgettable. With Love”, un álbum de
estándares que, gracias a los milagros de la tecnología, incluía un dueto con su difunto padre. El disco se
mantuvo durante cinco semanas en el número 1 de las listas de pop y ganó tres Grammys.
A partir de aquel momento, centró su interés en trabajos de marcado aire jazzístico con versiones de
temas popularizados por figuras del jazz como Nina Simone, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Dinah
Washington, Peggy Lee, Carmen McRae, Frank Sinatra o el propio Nat King Cole en álbumes como “Take A
Look” (1993), “Stardust” (1996), “Ask A Woman Who Knows” (2002) y “Still Unforgettable” (2008).
Paralelamente, Natalie también tiene una carrera como actriz: ha protagonitzado “Lily In Winter” (Delbert
Mann, 1994) y el biopic “Livin’ For Love. The Natalie Cole Story” (Robert Townsend, 2000), además de
participar en series com “Ley y orden” y “Anatomía de Grey”. Asimismo, ha escrito dos libros biográficos:
“Angel On My Shoulder” (2000) y “Love Brought Me Back” (2010).
Y ahora abre un nuevo capítulo con el reciente “Once In A Lifetime” (2013), grabado en Miami a las
órdenes del cubano Rudy Pérez (productor y compositor de Beyoncé, Marc Anthony, Christina Aguilera,
Jennifer Lopez y muchos más). Hacía muchos años que quería grabar un disco latino como homenaje a su
padre, quien editó tres exitosos álbumes en castellano a finales de los cincuenta y principios de los
sesenta-, con canciones como “Quizás, Quizás, (con Andrea Bocelli) y “Acércate más”, que la reúne de
nuevo, de forma virtual, con Nat King Cole. Por eso, en su concierto de Barcelona podemos esperar un
poco de todo: R&B, pop, jazz y algunas de sus nuevas canciones.
Discografía recomendada
“Inseparable” (1975)
“Unforgettable. With Love” (1991)
“Take A Look” (1993)
www.nataliecole.com
La legendaria e inconfundible voz de Supertramp
Fue la voz legendaria y distintiva de Supertramp, y escribió, arregló e interpretó la mayoría de los éxitos
que llevaron a la banda a vender más de sesenta millones de discos.
Considerado como uno de los cantantes, compositores y letristas con más talento de nuestra época, el
británico Roger Hodgson fue la voz legendaria y distintiva de Supertramp, y escribió, arregló e interpretó
la mayoría de los éxitos que llevaron a la banda a vender más de sesenta millones de discos: clásicos
imperdibles de la categoría de “The Logical Song”, “Breakfast In America”, “Give A Little Bit”, “Dreamer”,
“School”, “Take The Long Way Home”, “It's Raining Again”, “Fool's Overture” y muchos más, que para
diversas generaciones a lo largo de cuarenta años, se han convertido en la banda sonora de sus vidas.
Hodgson fundó en 1969 con Rick Davies la banda de rock progresivo Supertramp y formó parte de él
durante catorce años como cantante, compositor, guitarrista y teclista, entre el disco homónimo de debut
de 1970 y “... Famous Last Words...” (1982), periodo que se considera la época dorada del grupo
británico. Después iniciaría una carrera en solitario con álbumes como “In The Eye Of The Storm” (1984),
“Rites Of Passage” (1997) y “Open The Door” (2000). Su último trabajo es “Classics Live” (2010), una
colección de piezas grabadas en la gira que realizó por los Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva
Zelanda, Europa y Sudamérica.
Poseedor de una de las voces más reconocibles de la historia del rock, sus críticos han dicho de sus
conciertos actuales que “el mejor cumplido que se le puede hacer a Roger es afirmar que probablemente
suena mejor ahora en directo de lo que sonaba en sus grabaciones de estudio hace más de una
generación”.
En 2013 Hodgson se ha embarcado en el “Breakfast In America Tour”. En sus conciertos, interpreta
muchas de las canciones que popularizó al frente de Supertramp, himnos como "Take The Long Way
Home", "Give A Little Bit", "Breakfast In America", "The Logical Song", "School", "Dreamer" o “It's Raining
Again", al lado de otros procedentes de sus álbumes en solitario como “In Jeopardy”, “Lovers In The
Wind” o “Death And A Zoo”, y también algunas nuevas.
Esta gira incluye shows en formato de dueto, con grupo y con orquesta sinfónica. En Barcelona, actuará
con su banda, integrada por Aaron Macdonald (saxo, harmónica, teclados, voz), Bryan Head (batería),
Kevin Adamson (teclados, voces) y David J Carpenter (bajo, voz).
Discografía recomendada
Con Supertramp:
“Crime Of The Century” (1974)
“Breakfast In America” (1979)
En solitario:
“In The Eye Of The Storm” (1984)
www.RogerHodgson.com
Los creadores de los mejores himnos de la música de baile
Earth, Wind & Fire ha provisto de música bailable y festiva a diversas generaciones con su fusión de
funk, soul y rock.
Earth, Wind & Fire ha provisto de música bailable y festiva a diversas generaciones con su fusión de funk,
soul y rock, que como afirmó la revista ‘Rolling Stone’, “cambió el sonido del pop negro”. Fundada en
Chicago el 1969 por el batería, compositor, líder y ocasional cantante Maurice White, desde un principio
la banda utilizó el funk como base, pero también incorporó jazz, rhythm’n’blues, soul, gospel, pop, rock,
psicodelia, folk, ritmos africanos y música disco, abriendo puertas entre los gustos a menudo separados
de blancos y negros.
La voz del cantante principal Philip Bailey aportó una dimensión añadida por su habilidad en pasar de las
baladas al funk, apoyado por una formación que podía proporcionar harmonías como un grupo de
Motown, un ritmo desenfrenado como los J.B.’s de James Brown o improvisaciones de aire jazzístico,
gracias a la sección de metales The Phoenix Horns, parte integral de su sonido. Si a este eclecticismo le
sumamos unos conciertos espectaculares (que a menudo incluían trucos de magia) y una filosofía entre la
espiritualidad mística y una edificante positividad, se entiende mejor porqué EWF está considerada como
una de las bandas de funk de los setenta con más éxito, aclamada por la crítica y avalada por las ventas.
Después de su debut homónimo de 1971, EWF empezó a construirse una reputación por sus grabaciones
innovadoras y sus vibrantes conciertos a partir del disco “Last Days And Time” (1972). A continuación
vendrían trabajos como “Head To The Sky” (1973), “Open Our Eyes” (1974), “That’s The Way Of The
World” (1975), “Gratitude” (1975), “Spirit” (1976), “All ‘N All” (1977), “I Am” (1979) y “Faces” (1980).
Las ventas millonarias del tema “Let’s Groove” reavivaron su carrera, provocando el éxito del álbum
“Raise!” (1981). Dos años más tarde, White decidió que la banda necesitaba un descanso. El retorno fue
en 1987 con “Touch The World”, y no pararían de sacar discos con material nuevo durante los noventa y
los dos mil. Aunque Maurice ya no actúa con el grupo, sigue a la sombra como compositor y productor.
EWF llegan a Barcelona por primera vez desde el año 95 con la gira “Now, Then & Forever”, basada en su
último disco de idéntico título publicado el 2012. Más que otro recopilatorio de lo mejor de su carrera, es
una colección de las canciones preferidas por célebres fans de la banda como Andre 3000, Lenny Kravitz,
Pharrell, Raphael Saadiq y will.i.am, entre otros. Por eso, en sus conciertos interpretan hits como “Boogie
Wonderland”, “Getaway”, “Serpentine Fire”, “Shining Star” o “Fantasy”, himnos de la música de baile que
ya forman parte de la memoria colectiva de muchos.
Discografía recomendada
“Earth, Wind & Fire” (1971)
“That’s The Way Of The World” (1975)
“Gratitude” (1975)
www.earthwindandfire.com
El súper grupo folk norteamericano por excelencia
Se puede considerar la única banda norteamericana capaz de acercarse al impacto social global de los
Beatles.
La reunión musical de David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash (con o sin Neil Young) no sólo fue una
de las más exitosas de los años sesenta, setenta y principios de los ochenta a través de sus grabaciones y
actuaciones –con el contraste de caracteres de sus componentes y su conexión con los trastornos
políticos y culturales de la época, al declararse contrarios a la guerra de Vietnam- sino que se puede
considerar la única banda norteamericana capaz de acercarse al impacto social global de los Beatles.
Este verano, Crosby, Stills & Nash (CSN) vuelven a los escenarios europeos con una serie de actuaciones
en ciudades como París, Berlín, Hamburgo, Múnich y, claro, Barcelona, tras ocho años en una única
actuación en España, que pretende continuar el éxito de su aclamada gira mundial de 2012, en la que
hicieron conciertos considerados por muchos críticos como los más memorables de su carrera, incluso los
del 1969. La banda que los acompañará será la misma que el pasado año: Todd Caldwell (órgano), Shane
Fontayne (guitarra), Steve DiStanislao (batería), Kevin McCormick (bajo) y James Raymond (teclados).
Han pasado más de cuatro décadas desde que Crosby (The Byrds), Stills (Buffalo Springfield) y Nash (The
Hollies) surgieron en Laurel Canyon el 1968 y realizaron su concierto en el mítico festival de Woodstock el
1969, y sus componentes continúan en una asociación creativa considerada como una de las más
influyentes y perdurables, con sus ricas harmonías vocales y una propuesta estilística que abarca desde el
folk acústico hasta el pop melódico.
La música de CSN se convirtió por primera vez en una piedra angular del rock’n’roll con su debut
homónimo de 1969, incluido por la revista ‘Rolling Stone’ en la lista de los “500 mejores álbumes de
todos los tiempos”. Desde entonces y a pesar de los cambios y formaciones diversas y fructíferas carreras
en solitario Crosby, Stills & Nash han seguido haciendo giras y grabando, como ellos mismos dicen, como
“tres juntos”.
Adaptados a las nuevas fórmulas de la industria, recientemente han creado una aplicación para iPad que
incluye una panorámica de su historia, con enlaces a su web y contenidos exclusivos previa subscripción.
Además, el año pasado se editó en formato DVD/CD y Blu-Ray “CSN 2012”, la primera filmación de uno de
sus conciertos en más de veinte años, donde interpretan gran parte de sus hits, como “Marrakesh
Express”, “Long Time Gone”, “Southern Cross”, “Wasted On The Way”, “Wooden Ships” y “Teach Your
Children”, canciones que, seguro, volverán a sonar en su concierto en Barcelona.
Discografía recomendada
“Crosby, Stills & Nash” (1969)
“CSN” (1977)
“CSN 2012” (2012)
www.crosbystillsnash.com
Contacto Prensa:
Rosa Raduà
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Telf: 93 363 25 10/ 636 439 230
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CONCERT STUDIO: Berlín, 67 5è A. 08029 Barcelona