Maestros ingleses

Maestros
ingleses
Temporada de
Cine Arte del Sodre 2016
Lunes de abril a junio,
Auditorio Nelly Goitiño,
18 de julio 930
Presidencia de la República
Dr. Tabaré Vázquez
Presidente
Ministerio de Educación y Cultura
Dra. María Julia Muñoz
Ministra
Mtra. Edith Moraes
Subsecretaria
Sodre
Dr. Jorge Orrico
Presidente
Sr. Doreen Javier Ibarra
Vicepresidente
Lic. Hortensia Campanella
Consejera
Archivo Nacional de la Imagen y la Palabra del Sodre
Juan José Mugni
Director
Auditorio Nelly Goitiño
Director: Fernando Couto | Asistente de Dirección: Ingrid Rodríguez |
Director de Escena: Jorge Medero | Jefe de Escenario: Pedro López |
Jefe de Maquinaria: Máximo Silva | Jefe de Luminotecnia: Batlle da Cunha |
Jefe de Sonido: Alejandro Fuksbrauner | Jefe de Sastrería: Teresita Rodríguez |
Jefe de Zapatería: Fermín Castillo | Jefe de Utilería Teatral: Rogelio Pérez |
Jefe de Utilería Musical: Julio Zerboni | Coordinadora Técnica: Gabriela Arriaga
Relaciones Públicas y Comunicación Institucional del Sodre:
Director: Marcelo Ceriani | Diseño Gráfico: Elena Maldonado, Jorge Sayagués
Auditorio Nelly Goitiño | Comentarios y sugerencias: [email protected]
Se advierte a los espectadores que por disposición de la Intendencia Municipal
de Montevideo está prohibido encender fuego, hacer ruido, arrojar desperdicios
y cubrirse la cabeza en la sala. En caso de alarma, debe mantenerse la serenidad y
salir sin correr por la puerta más próxima.
El Auditorio Nelly Goitiño tiene cobertura médica de UCM.
Emeric Pressburger y Michael Powell en el set (1950)
Michael Powell y Emeric Pressburger
Es cierto que películas como
Las Zapatillas Rojas, El fotógrafo
del pánico o Narciso negro son
conocidas por algunos cinéfilos, pero la filmografía de estos
realizadores se encuentra entre
las más desconocidas del séptimo arte. Sin embargo 5 de sus
filmes se encuentran en los mejores filmes ingleses de la historia según encuesta del British
Film Institute.
De filmografía extensa, inclasificable, heterodoxa, cuentan
entre sus admiradores confesos a cineastas tan diferentes
como Martin Scorsese, George
A. Romero, Bertrand Tavernier,
Jean-Pierre Melville, Terry
Gilliam o Aki Kaurismaki. De
hecho, Scorsese ha colaborado
activamente en la restauración
de sus filmes y hasta presentó a
Powell a la que sería su última
esposa, Thelma Schoonmaker,
montajista de todos los filmes
de Scorsese.
La obra de Powell y
Pressburger, que abarcó cuatro décadas, se caracteriza por
una aparente falta de realismo
y una estética manierista sazonando la narración con finos
toques de ironía y humor. La
crítica de la época consideraba
sus películas como simples filmes de escapismo y entretenimiento, sin llegar a considerar
su cine dentro de la esfera del
cine de autor, pero la realidad
era que esa obra escapaba a
toda clasificación.
Michael Powell (1905-1990)
nació en un pueblo cercano a
la Catedral de Canterbury. De
carácter introvertido y amante de la lectura, el estallido
de la I Guerra mundial marcó
profundamente su infancia. El
joven Powell descubre el cine
visionando las obras mudas
del alemán Fritz Lang, autor
que le marcaría profundamente, y decide hacerse director
después de ver la cinta muda
Intolerancia de D. W. Griffith.
Perturbado por la pasión por
el séptimo arte opta por dejar
su empleo en un banco y empieza a trabajar en el mundo
del cine como ayudante del
departamento de publicidad
de una pequeña compañía en
la riviera francesa. De regreso a
Inglaterra consigue un trabajo
como fotógrafo en la película
5
de Hitchcock La muchacha de
Londres. Poco a poco va subiendo de status y pasa por
todo tipo de departamentos:
montaje, fotografía… hasta dar
el salto a la dirección. Michael
Powell, tras su etapa de aprendizaje en diversos departamentos dirigirá nada menos que 23
películas entre 1931 y 1936 mayoritariamente desaparecidas o
destruidas sin que se haya podido conservar ninguna copia.
Emeric Pressburger (19021988), de origen húngaro, fue
un guionista de reconocido
prestigio en la UFA , pero tras
la subida al poder del partido
nazi en la Alemania de los 30
se exilia en Francia. Después
de trabajar como guionista en
la cinematografía francesa, se
establece en Gran Bretaña.
En 1939 Michael Powell y
Emeric Pressburger se conocen
tras participar en la cinta El espía submarino (The spy in black),
filme dirigido por Powell con
guion de Pressburger. Gracias
a esta primera colaboración
surgirá una de las asociaciones
director-guionista más peculiares del cine.
Powell y Pressburger no
mantenían la típica relación
director/guionista. Los dos disfrutaban del mismo nivel de
responsabilidad a la hora de
poner en marcha un proyecto: Pressburger desarrollaba el
guion y Powell se encargaba
de la puesta en escena, montaje y selección de localizaciones, aunque en puntuales
ocasiones Emeric también participaba en la producción y en
el montaje.
Tras tres colaboraciones,
fundan la mítica productora
The Archers (Los Arqueros), que
no será solo una asociación
económica, sino también supondrá un compromiso artístico, firmando todas sus películas como dirigida, producida
y escrita por Michael Powell y
Emeric Pressburger.
El cine de esta pareja de hecho, se caracteriza por la bús-
queda de la identidad y una
vuelta a los orígenes de la vida
típicamente británica con una
exaltación de la juventud como
virtud que proporciona el camino para alcanzar la felicidad tan
buscada por el ser humano.
Otro de sus temas recurrentes
es la exaltación del individualismo como filosofía social y un exquisito uso de la imagen como
forma de expresión y concebir
el cine. Powell y Pressburger
dan una gran importancia a la
belleza estética. Sus historias se
basan en viajes físicos e iniciáticos que supondrán un profundo cambio en los protagonistas
utilizando el flashback como
recurso narrativo a través del
cual se desarrolla su cine. Filman
espectaculares secuencias de
paisajes sin que por ello presten
menor atención a las escenas
de interiores, que son una de
las señas de identidad del trabajo de los británicos debido a la
cuidada planificación y carácter
estético que define su cine.
En ese período, filmarían
algunas de las más bellas
obras del cine británico como
Cinco hombres (49th Paralell), El
Coronel Blimp, Sé adonde voy,
Escalera al cielo, Narciso negro,
Las zapatillas rojas, Los cuentos
de Hoffmann o la inquietante El
fotógrafo del pánico.
En 1942 se iniciará la actividad de la productora Los
Arqueros con la cinta Perdido,
un avión (One of our aircraft
is missing), cinta que vuelve a
entremezclar géneros como
el bélico, el suspenso o el drama. La película tiene un ritmo
trepidante que se beneficia
del estupendo montaje de un
joven David Lean.
Con Vida y muerte del Coronel
Blimp, la pareja logra filmar una
de sus primeras obras maestras. Se trata de una película
en la que es fácil identificar la
estética fotográfica y escénica
tan característica en PowellPressburger que repetirán
en cintas como Las Zapatillas
Rojas o Escalera al cielo.
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Esta última es una de las
películas más singulares de
la pareja. Ambientada en la
II Guerra Mundial, mezcla romance y cine fantástico para
narrar una historia de amor
con tintes metafísicos entre un
aviador herido tras ser derribado su avión y una operadora
de radio. La película cuenta
con un final absolutamente
delirante y genial con un juicio
en el cielo en el que se decidirá
el destino de nuestros protagonistas.
Narciso Negro es la historia
de unas monjas que llegan a la
India en misión doctrinal y es
una de las películas más conocidas de ambos cineastas. Con
escenas de contenido sexual
llamativo para la época, cuenta en su elenco a actores de la
talla de Deborah Kerr, Sabu y
Jean Simmons. Con una maravillosa fotografía en color nos
narra una estupenda historia
de celos, ocultación de deseo y
fuga ante las decepciones que
nos presenta la vida.
En 1948 filman Las Zapatillas
Rojas, sin duda su cinta más famosa y aclamada. Película favorita de cineastas como Martin
Scorsese o George A. Romero,
narra una preciosa historia ambientada en el mundo de la
danza, sobre lo efímero y los
sacrificios que supone entregar
la vida al arte. Una película de
gran belleza estética con unos
estupendos números de danza,
que la convierten en una pieza
de arte que traspasa los límites
cinematográficos.
Los cuentos de Hoffmann es
una de las películas más hermosas visualmente que jamás
se han filmado. Se trata de una
ópera dividida en episodios
que adapta la obra que da título a la película. Con una belleza
fotográfica y artística inigualable, resalta el primer cuento
con un número de ballet que
hipnotizará a los que se acerquen a descubrirla.
Luna de miel es un trabajo
en solitario de Michael Powell.
Producida y rodada en España,
narra la historia de un matrimonio británico que pasando su
luna de miel en la España del
Plan de Estabilización se cruzan con Antonio el Bailarín, que
está inmerso en el montaje de
El Amor Brujo. Película extraña
pero de gran calidad, con números musicales excepcionales.
La batalla del Río de la Plata
es una película bélica naval, rodada parcialmente en
Montevideo, en el que aparece en un mini papel el Drácula
Christopher Lee caracterizado
de latino y cuya trama se enmarca más dentro de la aventura y la intriga periodística,
que en las escenas puramente
bélicas.
El fotógrafo del pánico es su
última gran obra, en este caso
de Michael Powell en solitario,
que narra la historia de un sádico fotógrafo obsesionado
con la imagen como medio de
vida. Obra compleja de gran
belleza visual y con una planificación morbosa y plena de
suspenso es sin lugar a dudas
una de las mejores películas de
terror y suspenso que jamás se
hayan rodado. Película maldita
donde las haya, los críticos de
la época tacharon a Powell de
enfermo y degenerado debido
a la belleza con la que filmó los
asesinatos y por la temática
«voyeurista» y depravada de la
trama. Es sin duda una película
adelantada a su época y de las
favoritas de Martin Scorsese.
Tras El fotógrafo del pánico las carreras de Powell y
Pressburger deambularon sin
pena ni gloria por el panorama cinematográfico sin que
nos dejaran ninguna película destacable en los sesenta.
Aunque hizo otros filmes luego, El Fotógrafo del Pánico puso
un punto alto en la carrera del
cineasta Michael Powell quien
formó junto a su gran amigo
Emeric Pressburger una de las
parejas más singulares que ha
dado la historia del cine.
7
mayoritariamente en estudio,
que fueron reconocidos asimismo con el Oscar a la mejor
dirección artística, hacen de
este film una joya visual con
algunas escenas que forman
parte, por derecho propio, de
la historia del cine, como esas
campanas al borde de un precipicio donde irán a confluir,
inevitablemente, todos los
conflictos pasionales larvados
y ocultos bajo los hábitos.
Lunes 11 de abril a las 18 horas
Narciso negro (Black Narcissus),
Reino Unido, 1947, 100 minutos.
Dirección, Producción y Guion:
Michael Powell, Emeric Pressburger.
Basada en Black Narcissus de
Rumer Godden. Música: Brian
Easdale. Fotografía en Technicolor
Jack Cardiff. Montaje: Reginald Mills
Protagonistas: Deborah Kerr, Flora
Robson, Jean Simmons, David
Farrar, Sabu, Kathleen Byron.
Unas monjas anglicanas viajan a un lugar remoto en medio de los Himalayas (el Palacio
de Mopu, cerca de Darjeeling)
con el fin de fundar una escuela y un hospital. Sin embargo,
la sensualidad de un serrallo
convertido en monasterio
en la cima de las montañas y
la del agente británico Dean
(David Farrar) las seducen.
Clodagh (Deborah Kerr), la
superiora, intenta olvidar una
relación fallida en Irlanda, su
país natal. Las tensiones comienzan a aparecer cuando el
encanto natural de Dean atrapa a Clodagh, pero también
atrae a la mentalmente inestable hermana Ruth (Kathleen
Byron), que se pone celosa, lo
que la lleva a una crisis nerviosa y da lugar a un clímax violento.
Todo un mundo latente de
sensaciones compendiado y
filmado magistralmente en
color por Jack Cardiff, Oscar
incluido. Espectaculares y meritorios escenarios, filmados
Lunes 11 de abril a las 20 horas
Escalera al cielo (A matter of life
and death), Reino Unido, 1946, 83
minutos.
Dirección, Guion y Producción:
Michael Powell, Emeric Pressburger.
Diseño de producción: Alfred
Junge. Música: Allan Gray.
Fotografía en Technicolor: Jack
Cardiff. Montaje: Reginald Mills.
Protagonistas: David Niven, Kim
Hunter, Robert Coote, Kathleen
Byron, Richard Attenborough,
Marius Goring, Roger Livesey,
Raymond Massey.
El aviador británico Peter
Carter (David Niven), en su
avión en llamas y a punto de
estrellarse se enamora a través de la voz femenina de
June, una chica americana
(Kim Hunter), que contesta a
su mensaje de socorro. Parece
que se ha salvado milagrosamente y encuentra a su interlocutora. Pero un enviado del
más allá le notifica que está
entre la vida y la muerte y que
8
si quiere sobrevivir, tendrá que
defender su caso ante un tribunal celestial. Simultáneamente
a esta situación sobrenatural,
un equipo de médicos lucha
en el quirófano para curar a
Peter una lesión en el cerebro.
Se trata de una película extraordinaria desde el punto de
vista visual, con un uso de la
cámara innovador y sorprendente. Otro aspecto interesante es el juego establecido con
el color y el blanco y negro
para subrayar la dicotomía entre los dos mundos abordados,
asignando color al real y B/N al
celestial. Las transiciones entre
ambos nos proporcionan algunos de los momentos más
sorprendentes. La secuencia
del juicio aletarga algo el ritmo
pero logra remontar hacia un
final digno y acorde al nivel de
la mayoría del metraje.
Originalmente fue un encargo para tratar de fomentar la
amistad angloestadounidense, de allí la presencia de la
americana Kim Hunter en su
primer rol en cine quien luego obtendría el Oscar por Un
tranvía llamado deseo y sería
popular como la Dra. Zira de El
Planeta de los simios.
Arthur Lawson. Producción: George
R. Busby, Michael Powell, Emeric
Pressburger. Guion: Hans Christian
Andersen, Emeric Pressburger,
Keith Winter, Michael Powell.
Música: Brian Easdale. Fotografía:
Jack Cardiff. Montaje: Reginald
Mills.
Protagonistas: Moira Shearer,
Anton Walbrook, Ludmilla Tchérina,
Marius Goring, Léonide Massine,
Robert Helpmann.
La película utiliza el recurso
del relato dentro del relato y
trata la historia de una joven
bailarina que se suma a una
compañía consolidada y se
convierte rápidamente en
prima ballerina en un nuevo
ballet llamado Las zapatillas
rojas, basado en el cuento
de Hans Christian Andersen.
El reconocido uso creativo
del Technicolor fue obra de
la dirección de fotografía de
Jack Cardiff. Aunque lejanamente basada en el cuento
de Andersen, se ha dicho que
la historia fue inspirada por el
encuentro en la vida real entre
Serguéi Diáguilev y la bailarina
británica Diana Gould.
El argumento del ballet que
da título a la película es la historia de un maligno vendedor
de zapatos que le da un par
de zapatillas rojas a una muchacha, quien no puede parar
de bailar, sin importar los esfuerzos que haga. Su larga y
fatigosa danza culmina con la
muerte, pero no sin que antes
Lunes 18 de abril a las 18 horas y a
las 20:30 horas
Las zapatillas rojas (The red
shoes), Reino Unido, 1948, 128
minutos.
Dirección: Michael Powell, Emeric
Pressburger. Dirección artística:
9
el vendedor recupere los zapatos para entregárselos a algún
otro desdichado.
El ballet fue coreografiado
por Robert Helpmann, que en
la película interpretó el personaje del primer bailarín del
Ballet Lérmontov y bailó la
parte de el novio, con Léonide
Massine creando su propia
coreografía para su rol del zapatero, siendo ambos grandes
figuras del mundo de la danza.
La música de toda la película, incluyendo el ballet, es
composición original de Brian
Easdale, quien dirigió la mayoría de las piezas que se escuchan en el filme, pero no el
Ballet of the Red Shoes, conducido por sir Thomas Beecham,
que recibió un lugar prominente en los títulos de crédito.
El film suma drama, romance y musical. La idea central
del film viene dada por la concepción de Lermontov sobre la
dedicación absoluta del artista
al arte, que es la concepción
de Powell y Pressburger y la
del film. Los números de ballet
se integran innovadoramente
en el desarrollo del argumento y tienen una consistencia
no habitual en musicales anteriores. Ejerce gran influencia
en “Sinfonía de Paris” (Minnelli,
1951) y en otros musicales de
los años 50.
El filme obtuvo 2 Oscars de
las 5 nominaciones: mejor música y dirección de arte.
Se la menciona frecuente-
mente como la película que
más vocaciones de bailarines
ha despertado en la historia
del cine.
Martin Scorsese la vio en un
cine a los 9 años con su padre
y fue tal impacto que determinó su vocación de director y
profundo amor por el cine así
como en el filme lo es por el
ballet.
A Scorsese, además, se deben las restauraciones de
ésta y otras obras de Powell y
Pressburger. Su acción de divulgación ha hecho revalorizar
la obra de estos cineastas hasta hace pocos años olvidados.
Lunes 25 de abril a las 18 horas
“Los cuentos de Hoffmann”
(“The tales of Hoffmann”), Reino
Unido, 1951, 120 minutos.
Dirección: Michael Powell, Emeric
Pressburger. Dirección artística:
Arthur Lawson. Producción:
George R. Busby, Michael Powell,
Emeric Pressburger. Guion: Dennis
Arundell, Jules Barbier, Michael
Powell, Emeric Pressburger
sobre cuentos de E.T.A. Hoffmann.
Música: Jacques Offenbach.
Fotografía: Christopher Challis.
Montaje: Reginald Mills.
Protagonistas: Moira Shearer,
Ludmilla Tchérina, Ann Ayars,
Pamela Brown, Robert Rousenville,
Léonide Massine, Robert
Helpmann, Frederick Ashton.
Adaptación al cine de la
ópera de Jacques Offenbach
y Jules Barbier, basada en tres
10
cuentos de E.T.A. Hoffman. El
propio Hoffman aparece en la
cinta, que comienza cuando
éste asiste a un ballet y se enamora de Stella, una de las bailarinas. Después de concertar
una cita con ella en una taberna, mientras espera encuentra
a tres estudiantes, a los que
les cuenta tres historias de sus
amores pasados. Obtuvo premios del Festival de Berlin y en
Cannes.
Es una de las películas más
imaginativas de la pareja formada por Michael Powell y
Emeric Pressburger, que la rodaron tres años después de la
legendaria Las zapatillas rojas.
El tratamiento visual de estas historias de amores contrariados, en los que suceden
libélulas depredadoras, muñecas vivientes, secuestradoras de almas y cantantes que
anteponen el Arte a su propia
vida, ha cautivado a cineas-
tas como George A. Romero,
Martin Scorsese, George Lucas
o Francis Ford Coppola que le
brinda un apasionado homenaje en Tetro.
Lunes 25 de abril a las 20:15 horas
Luna de miel (Honeymoon),
Reino Unido/España, 1959, 106
minutos.
Dirección: Michael Powell.
Producción: Michael Powell,
Cesáreo González. Guion: Michael
Powell, Luis Escobar. Música:
Manuel de Falla, Mikis Theodorakis.
Fotografía en Technirama,
Technicolor de Georges Périnal,
Claude Renoir. Montaje: Peter
Taylor, John Victor-Smith.
Protagonistas: Anthony Steel,
Ludmilla Tchérina, Antonio, Rosita
Segovia.
Una pareja británica en viaje de novios por España en la
que el marido ha forzado a su
mujer a abandonar su carrera
11
como bailarina. En el camino
encontrarán a Antonio el bailarín y coreógrafo que está de
gira con El amor brujo y tratará de convencer a la bailarina
(Ludmilla Tcherina) para que
participe de un nuevo ballet
que está creando. En el curso
del filme se representan dos
secuencias de baile independientes, El amor brujo con libreto de Gregorio Martínez
Sierra, música de Manuel de
Falla y coreografía de Antonio
y Los amantes de Teruel con
música de Mikis Teodorakis
creado por Leonide Massine
para Ludmilla Tcherina, quien
a su vez luego logró producir
otra película independiente
basada en ese ballet.
El filme es una curiosa producción con España, se exhibe
en su versión restaurada original en español, que muestra
lugares turísticos a lo largo
del viaje, Madrid, Córdoba,
Granada. En paralelo desarrolla la trama del viaje de los
novios en luna de miel por
hermosos paisajes españoles.
Fue nominada a la Palma
de Oro del Festival de Cannes
donde obtuvo el Gran Premio
Técnico.
Earl St. John, Sydney Streeter.
Música: Brian Easdale. Fotografía en
Vistavision, Technicolor Christopher
Challis. Montaje: Reginald Mills.
Protagonistas: Peter Finch, Anthony
Quayle, John Gregson, Ian Hunter,
Bernard Lee, Christopher Lee.
Narra la historia verídica del
final del acorazado de bolsillo
alemán Admiral Graf Spee, comandado por el capitán Hans
Langsdorff (Peter Finch), que
durante la Segunda Guerra
Mundial fue perseguido por
una flotilla de la Marina Real
Británica comandada por el
comodoro Henry Harwood
(Anthony Quayle), conformada
por los cruceros ligeros Ajax,
Achilles y el crucero pesado
Exeter, bajo el mando de los
capitanes interpretados por
Ian Hunter, Jack Gwillim y John
Gregson.
El día 13 de diciembre de
1939, el acorazado alemán entra en combate con ellos en
el estuario del Río de la Plata
frente a Punta del Este. Luego
de causar importantes bajas
y daños a los tres buques de
guerra británicos, y a su vez
sufrir algunos daños de consideración, opta por buscar refugio por 72 horas en el puerto
neutral de Montevideo para
reparaciones. Ante la presión
diplomática del Reino Unido,
el gobierno de Uruguay obligó al navío alemán a zarpar,
sabiendo que por sus daños
no tenía muchas posibilidades
Lunes 2 de mayo a las 18 horas
La batalla del Río de la Plata
(The Batlle of the River Plate), Reino
Unido, 1956, 115 minutos.
Dirección y guion: Michael Powell,
Emeric Pressburger. Producción:
Michael Powell, Emeric Pressburger,
12
trato psicológico de su protagonista, un joven obsesionado
por capturar con una cámara
de cine imágenes del terror de
las mujeres al ser asesinadas.
La película adopta el punto de
vista subjetivo de su protagonista, a menudo mediatizado
o alienado por las cámaras con
las que observa, y a la vez nos
fuerza a observar, a sus víctimas.
Martin Scorsese, admirador
de los trabajos de Powell, declaró: “Siempre he creído que
El fotógrafo del pánico y 8½
dicen todo lo que puede ser
dicho sobre el arte de hacer
películas, sobre el proceso de
llevarlas a cabo, la objetividad
y la subjetividad y la confusión entre las dos. 8½ captura
el lujo y el disfrute de hacer
cine, mientras que El fotógrafo
del pánico muestra la agresión
que hay en ello, cómo la cámara infringe una violación...
Viéndolas puedes descubrir
todo sobre las personas que
hacen cine, o al menos, cómo
esas personas se expresan a sí
mismas a través de las películas”.
Vilipendiada cuando su estreno, se transformó con el
tiempo en un gran clásico del
cine de terror.
de escapar al cerco de los barcos británicos que lo estaban
esperando a pocas millas de
distancia.
Fue filmada en exteriores de
Montevideo, con Christopher
Lee como Manolo, un muy improbable dueño de un bar del
puerto.
Es una de las pocas cintas
de postguerra que narran las
aventuras de los corsarios marinos de superficie que surcaban el mar. Con una correcta
ambientación, a pesar de los
errores en los decorados interiores montevideanos, todo
es narrado con estricto rigor
histórico y presenta bastante
objetivamente a los dos bandos sin caer en maniqueísmos
fáciles, pues al fin y al cabo era
en realidad, en este campo de
batalla, donde más caballerosidad se mostraba.
Lunes 2 de mayo a las 20:15 horas
El fotógrafo del pánico
(Peeping Tom), Reino Unido, 1960,
109 minutos.
Dirección: Michael Powell.
Dirección artística: Arthur Lawson.
Producción: Albert Fennell, Michael
Powell. Guion: Leo Marks. Música:
Brian Easdale. Fotografía: Otto
Heller. Montaje: Noreen Ackland.
Protagonistas: Karlheinz Böhm,
Moira Shearer, Anna Massey, Shirley
Anne Field.
El fotógrafo del pánico (o Tres
rostros para el miedo, como se
estrenó en Uruguay) es el re-
13
David Lean
50 años de carrera.
16 películas como director.
Minuciosidad. Perfección.
Una filmografía impecable, que conjugó intimismo
y monumentalidad, pero a la
que perjudicó una corriente
crítica que consideraba su
cine demasiado clásico. 7 de
sus filmes son considerados
de lo mejor del cine inglés de
todos los tiempos según el
British Film Institute. Obtuvo
2 Oscars como mejor director, Palma de oro en Cannes,
Oso de oro en Berlín, título
de Comendador de la Orden
Britanica, entre otras importantes distinciones.
Nació en Londres en 1908.
Era profundamente británico
y fue educado en una familia cuáquera, por lo que no
vio una película hasta los 17
años: El perro de los Baskerville
(Maurice Alvey, 1922). Pero fue
amor a primera vista: quería
hacer cine aunque, confiesa,
para los suyos “fue como si
dijera que quería trabajar en
el circo”. En 1927 se integra en
la industria. Y empieza desde
abajo, como chico para todo
en la Gaumont. Igual prepara
el té que maneja la claqueta. Le atrae la moviola, y se
afianza como montador. En
algunos aspectos, Lean es un
misterio. No tenía estudios
universitarios, pero sus películas presentan una sólida
base literaria. ¿Cómo educó
su gusto? Cuando editaba
para la Paramount, conoció a
Bernard Shaw, que adaptaba
su obra Pygmalion. En 1942,
en plena guerra, colabora en
los trabajos propagandísticos
de Michael Powell y Emeric
Pressburger. Lean acaricia la
idea de dirigir, pero se lo toma
con calma. Le ofrecen rodar
películas rápidas de bajo presupuesto, y dice “no”. Escucha
en cambio al dramaturgo Noël
Coward, que pide ayuda para
debutar en el cine: ambos codirigen Hidalgos de los mares
(In which we serve) (1942). Será
norma toda su vida hacer sólo
las películas que quiere hacer.
La colaboración con Coward
se repite en This happy breed
(1944), rodada para Cineguild,
fundada por ambos y Ronald
Neame, y se prolonga en El
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espíritu burlón y Lo que no fue,
de 1945.
Estos dos títulos anticipan
un tema que interesa a Lean
sobremanera: las dificultades en el amor, matrimonio y
adulterio. La cuestión no sólo
le afecta personalmente (el director estuvo casado cinco veces), sino que se convierte en
parte de su indagación artística: Apasionada (The Passionate
Friends) (1949), basada en
Wells; Madeleine (1950); Locura
de verano (1955), la experiencia de una americana en
Venecia; los turbulentos amores en tiempos de revolución
en Doctor Zhivago (1965), de la
obra de Pasternak; el romance
imposible de una irlandesa y
un británico en La hija de Ryan
(1970), adaptación libre de
Madame Bovary de Flaubert;
el viaje iniciático de Adela
en Un pasaje a la India (1984),
de la novela de Forster. Lean
aborda de un modo muy particular la cuestión amorosa:
presenta personajes influidos
por los convencionalismos
ambientales, y que sin embargo tratan de superarlos,
ser más libres. Con sentido
fatalista, no es raro que estos
personajes conserven al final
de sus peripecias las ataduras
del principio (por ejemplo, los
protagonistas tentados por
el adulterio en Lo que no fue),
pero al menos aumenta su estatura espiritual.
Los primeros filmes de Lean
fueron alabados por la crítica.
Sus adaptaciones de Dickens
Grandes ilusiones (1946) y
Oliver Twist (1948) se consideran ejemplares. En cambio,
cuando el apasionado viajero
Lean abandona el ambiente
acogedor pero artificial de los
estudios, primero en Locura
de verano, pero luego sobretodo, con Sam Spiegel, en El
puente sobre el río Kwai (1957)
y Lawrence de Arabia (1962), y
otros títulos ya mencionados,
se le acusa de megalómano.
Los ataques son similares a los
dirigidos a otros cineastas cultivadores antes del intimismo,
como Wyler (Ben-Hur) y, por
supuesto, Lean. Esos marcos
monumentales donde se desarrollan conflictos desgarradores (el coronel que construye un puente en la selva para
el enemigo; el liderazgo de un
oficial inglés entre los árabes;
el amor en un contexto revolucionario) produjeron halagos y
criticas. Esas que alcanzaron a
directores posteriores: Richard
Attenborough, rodó un Gandhi
que se planteó el propio Lean,
o Steven Spielberg, con un
film tan David Lean como El
imperio del sol. El detallismo y
el tomarse el tiempo a la hora
de rodar, impidió que algunos
proyectos se materializaran:
las dos películas que preparaba con Robert Bolt sobre el
motín del Bounty, y la adaptación de Nostromo de Joseph
Conrad, en la que trabajaron
Christopher Hampton y Bolt.
La muerte le alcanzó en
1991: tenía 83 años, pero aún
creía poder ver un día navegando al Nostromo. Poder de
los sueños de celuloide.
15
Años más tarde, en 1974, se
presenta el telefilm Brief encounter, con los protagónicos
de Sophía Loren y Richard
Burton. En 1984, Robert De
Niro y Meryl Streep protagonizaron una nueva versión
del film llamada Falling in Love
(Amor a primera vista). André
Previn adaptó en 2009 la película en una ópera con gran
éxito.
Lunes 9 de mayo a las 18 horas
Lo que no fue (Brief encounter),
Reino Unido, 1945, 86 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Noël Coward, Anthony HavelockAllan, Ronald Neame. Guion:
Anthony Havelock-Allan, David
Lean, Ronald Neame basado en
la obra de Noël Coward. Música:
Sergei Rachmaninof. Fotografía:
Robert Krasker. Montaje: Jack
Harris.
Protagonistas: Celia Johnson,
Trevor Howard, Stanley Holloway,
Joyce Carey.
Lunes 9 de mayo a las 20 horas
Espíritu burlón (Blithe spirit),
Reino Unido, 1945, 96 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Noël Coward. Guion: David Lean,
Ronald Neame, Anthony HavelockAllan basada en obra de Noël
Coward. Música: Richard Addinsell.
Fotografía en technicolor: Ronald
Neame. Montaje: Jack Harris
Protagonistas: Rex Harrison,
Constance Cummings, Kay
Hammond, Margaret Rutherford
Se trata de un drama romántico, basado en la obra teatral
homónima de Noël Coward, en
el que se relata la corta aventura
que viven un médico y una respetable mujer casada que se encuentran por casualidad en la estación del tren. Con una precisa
interpretación de Celia Johnson
y Trevor Howard, la historia conmovedora de este amor imposible se desarrolla siguiendo la
técnica del flash back por la que
partiendo del desenlace, volvemos al punto de partida siguiendo la historia desde el punto de
vista de Laura (Celia Johnson).
David Lean logra mantener viva
la narración gracias a unos precisos y cuidados diálogos y a un
tratamiento intimista reforzado
por el Concierto n.º 2, de Serguéi
Rachmáninov, presente a lo largo de todo el metraje. Se trata
de todo un clásico del género,
un filme intenso pero que nunca
cae en lo melodramático.
David Lean realizó esta amena y ágil comedia que una vez
más surgió de la pluma de
Coward, aunque la trama –un
matrimonio que tras una sesión espiritista comienza a ser
acosado por el fantasma de la
esposa anterior del marido– se
desenvuelve con fluidez y encanto, y no deja de sorprender
la naturalidad con que se incorpora el elemento fantasmagórico, que pudo resultar ridículo
en otras manos. El realizador
intenta disimular los orígenes
teatrales de la historia, dándole
16
un carácter más cinematográfico en la forma que está filmada
y recurriendo a locaciones en
exteriores para ciertas escenas.
Esta comedia ligera y sofisticada conserva buena parte de
los elementos más destacados
del autor teatral, especialmente los diálogos agudos y mordaces y el humor socarrón,
en el que siempre queda al
descubierto la crítica y observación en torno a la sociedad
británica. De destacado elenco, encabezado por un joven y
eficaz Rex Harrison y con una
divertida Margaret Rutherford,
que se roba la película interpretando a la parlanchina y excéntrica Madame Arcati.
Neame. Guion: David Lean,
Anthony Havelock-Allan, Cecil
McGivern, Ronald Neame, Kay
Walsh basado en la novela de
Charles Dickens. Música: Walter
Goehr. Fotografía: Guy Green.
Montaje: Jack Harris.
Protagonistas: John Mills, Alec
Guinness, Jean Simmons, Martita
Hunt, Valerie Hobson.
Un niño huérfano y pobre,
cuyo horizonte no pasa de llegar a convertirse en herrero,
Pip (John Mills), crece bajo la
tutela de una hermana ruda
y avinagrada y de un cuñado
dulce y comprensivo. Tiempo
después de su encuentro con
un prófugo temible en el cementerio, una señora (Martita
Hunt), que posee una propiedad y riquezas, lo invita a su
casa y, a partir del instante
en que el chico cruza la verja
de la misteriosa y decrépita
mansión, se abre para él un
Lunes 16 de mayo a las 18 horas
Grandes ilusiones (Great
expectations), Reino Unido, 1946,
118 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Anthony Havelock-Allan, Ronald
17
anhelo de salir de la pobreza
y convertirse en un caballero,
porque en la mansión habita
una criatura bella, una chica desdeñosa con él y de la
que el pobre Pip se enamora.
Estella (Jean Simmons) es la
joven protegida de la dueña
de la casa, la cual es una mujer
que vive encerrada en la oscuridad, en su rencor y en su
despecho debido a una gran
decepción amorosa. Pip no
sabe aún que está siendo objeto del juego de la amargada
mujer y cae en la trampa.
En Grandes ilusiones, Dickens
exploró esa brecha que separaba a los ricos de los pobres,
a los señores elegantes de
los sencillos hijos del pueblo
llano, envolviendo su idea
central en una trama dotada
de desangelado patetismo,
de cierto toque de grotesco
realismo con el que tanto simpatizaba, pero también con
brochazos de intriga y de halo
romántico. David Lean hizo
una versión cinematográfica
que tiende a resaltar el componente romántico y casi fantasmagórico.
Un clásico de la literatura
recreado en una película que
capta el espíritu de Dickens
con toda su carga de denuncia
hacia las miserias, injusticias,
desigualdades y lacras que
arrastra la especie humana.
Lunes 16 de mayo a las 20:15 horas
Oliver Twist, Reino Unido, 1948,
111 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Ronald Neame, Anthony HavelockAllan. Guion: Stanley Haynes, David
Lean sobre novela de Charles
Dickens. Música: Arnold Bax, Guy
Warrack. Fotografía: Guy Green.
Montaje: Jack Harris.
Protagonistas: Robert Newton,
Alec Guinness, John Howard
Davies, Kay Walsh, Anthony
Newley.
Oliver Twist (John Howard
Davies) es un niño huérfano
que es llevado a un orfanato.
Debido al mal tratamiento que
se le da, un día decide escaparse a Londres. Apenas llegado
a la ciudad conoce a Artful
Dodger (Anthony Newley)
quien le da acogida. Con la
inocencia de un niño de 10
años, sin darse cuenta se adentra en una banda de chicos
carteristas dirigida por el malvado Fagin (Alec Guinness).
Si el joven David Lean que
colaboraba y adaptaba a Noël
Coward era gratificante, este
Lean más independiente y
más maduro que adapta en
dos ocasiones a Dickens ya
se convierte en un gran director. Admirable adaptación
de Dickens en cada plano. La
ambientación nuevamente
es memorable y cautivadora,
más si tenemos en cuenta los
medios del cine inglés de posguerra. Guinness es un memo-
18
bargo lo que encuentra es una
urbe abarrotada y sucia donde todo le recuerda a su soledad... hasta que un anticuario,
Renato (Rossano Brazzi), se fija
en ella: tras una escasa resistencia, Jane acepta la aventura,
descubriendo poco después
que Renato está casado y es
padre. Decepcionada, trata
de dejarlo, pero no puede hacerlo: aceptando la situación
y a Renato, ambos viven un
romance más apasionado que
romántico.
Se trata de la primera producción de Lean realizada
fuera de Inglaterra, en exteriores auténticos y con actores extranjeros entre los que
se encontraba una estrella
internacional como Katherine
Hepburn. Locura de verano es
junto a Pasaje a la India, uno de
los filmes más clásicos de Lean.
Lean manifestó su pasión
particular por la ciudad de los
canales. Ese cariño es perceptible en las cuidadas imágenes
conseguidas por la fotografía
de Jack Hildyard que trata de
mostrar dos ciudades, la ciudad romántica que Jane busca y la real que encuentra. Por
otro lado el director consuma
su vocación paisajística, eludiendo la tópica visión de la
ciudad de Venecia, buscando
las imágenes clásicas entre los
emocionados sentimientos de
Jane y la parte más artística del
documental.
rable Fagin en la primera de
sus grandes caracterizaciones
por las cuales se haría célebre,
Newton es el villano Bill Sykes
que atemoriza al pequeño
Oliver, quien es creíble en su
inocencia. La fotografía es espectral, los decorados acertadísimos y el montaje tiene el
sello de uno de los grandes expertos en la materia, el propio
director. La estética general en
ocasiones recuerda a Murnau
y en momentos a Eisenstein.
Este es Dickens y este es
Lean, el director de las grandes
historias junto al escritor de las
grandes novelas.
Lunes 23 de mayo a las 18 horas
Locura de verano
(Summertime), Reino Unido, 1955,
98 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Ilya Lopert. Diseño de producción: Vincent Korda. Guion: H.E.
Bates, basado en The Time of the
Cuckoo de Arthur Laurents. Música:
Alessandro Cicognini. Fotografía:
Jack Hildyard. Montaje: Peter
Taylor.
Protagonistas: Katharine Hepburn,
Rossano Brazzi, Darren McGavin,
Isa Miranda.
Una turista americana solterona y cuarentona llamada
Jane (Katherine Hepburn) llega ilusionada a Venecia, con
una romántica imagen de la
ciudad en su mente: cree que
allí encontrará el ansiado amor
negado hasta ahora. Sin em-
19
a los más jóvenes y notables
Brenda De Banzie y John Mills.
Obtuvo el Oso de Oro del
Festival de Berlin y el BAFTA al
mejor film británico.
Lunes 23 de mayo a las 20 horas
¿Es papá el amo? (Hobson’s
choice), Reino Unido, 1954, 104
minutos.
Dirección y producción: David Lean.
Guion: Harold Brighouse, Wynyard
Browne, David Lean, Norman
Spencer. Música: Malcolm Arnold.
Fotografía: Jack Hildyard. Montaje:
Peter Taylor.
Protagonistas: Charles Laughton,
Brenda De Banzie, John Mills.
Lunes 30 de mayo a las 18 horas
El puente sobre el río Kwai
(The bridge over river Kwai), Reino
Unido, 1957, 161 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Sam Spiegel. Guion: Michael
Wilson, Carl Foreman basado en
novela de Pierre Boulle. Música:
Malcolm Arnold. Fotografía: Jack
Hildyard. Montaje: Peter Taylor.
Protagonistas: William Holden,
Alec Guinness, Jack Hawkins,
Sessue Hayakawa, James Donald,
Geoffrey Horne, André Morell.
Adaptación de una obra
teatral de Harold Brighouse,
ambientada en 1890. El filme
se centra en la vida del comerciante de zapatos Henry
Horatio Hobson, un viudo
padre de familia algo tirano y
despótico que intenta conducir tanto los negocios como la
familia con auténtica mano de
hierro. Sin embargo, sus tres
hijas, hartas de este opresivo
trato, no dudarán en empezar
a actuar movidas por sus propias motivaciones y enfrentar
a su padre. La lucha de poder está servida. Es una típica
historia de enfrentamientos
dentro del estamento familiar
que termina cristalizando en
algo de mayor calado y trascendencia como es la lucha
de clases o incluso la cuestión
sobre la sucesión jerárquica
de los patriarcas de familia en
la Inglaterra de finales de siglo
XIX.
Destacadas labores actorales del absorbente y carismático Charles Laughton, junto
Durante la Segunda Guerra
Mundial, unos prisioneros británicos reciben la orden de
los japoneses de construir en
plena selva un puente de ferrocarril sobre el río Kwai, en
Tailandia. El coronel Nicholson
(Alec Guinness), que está al
frente de los prisioneros, rehúsa hacerlo aludiendo la
Convención de Ginebra que
prohíbe el trabajo forzado de
oficiales. El comandante japonés Saito (Sessue Hayakawa)
desprecia la actitud del coronel Nicholson y lo obliga a
permanecer formado a pleno
sol, luego lo encierra en una
choza de metal pero luego
es liberado, para júbilo de los
soldados prisioneros. El coronel Saito decide continuar con
20
la construcción, pero fracasa.
Nicholson que es un típico
oficial británico que busca
una forma de elevar la moral
y las condiciones físicas de sus
hombres, ve el puente como
una forma de conseguirlo,
teniéndoles ocupados en la
construcción y sintiéndose orgullosos de la obra. Por su parte, un mayor estadounidense,
Shears (William Holden), prisionero en el mismo campo,
huye y logra llegar a las líneas
aliadas. Contra su voluntad,
vuelve unas semanas más tarde guiando a una unidad de
comandos británicos, bajo las
órdenes del mayor Warden
(Jack Hawkins), cuya misión es
volar el puente construido por
los prisioneros, antes de que
pase el primer tren japonés,
cortando así la línea del ferrocarril, vital para el transporte
de suministros del ejército nipón.
El puente sobre el río Kwai
existió y existe hoy en día. La
construcción de la línea de
tren se cobró la vida de cien
mil prisioneros malayos, birmanos, ingleses, holandeses, estadounidenses y australianos,
y fue destruido por bombas
teleguiadas de la aviación estadounidense en 1945. Después
de la guerra el puente fue reconstruido.
En lugar de utilizar una maqueta para rodar la destrucción del puente, Sam Spiegel,
productor del film, quiso dar
un mayor toque de realismo
construyendo un puente real
y adquiriendo un tren del gobierno local para destruirlos al
final de la película.
Magnífico film bélico realizado por David Lean con unos estupendos William Holden, Alec
Guinness y Sessue Hayakawa
como inolvidables protagonistas.
En el filme el orgullo, el esfuerzo, la unidad del equipo
frente a las adversidades, la
confrontación oriente-occidente, la locura de la guerra,
etc., son las señas de identidad
de una de las más famosos películas bélicas de la historia.
El filme obtuvo 7 Oscars,
película, director, actor (Alec
Guinness), guion, fotografía,
banda sonora y montaje.
La película contribuyó a popularizar la Marcha del Coronel
Bogey, una melodía militar
británica que los soldados del
coronel Nicholson silbaban
al desfilar. Se ha convertido
en un clásico de la música del
cine.
21
entera es un gigantesco flashback), hasta el final, todo destila
épica, grandiosidad, y a la vez,
intimismo. No sólo es un lienzo
de unos hechos históricos, sino
que es el viaje al alma de T. E.
Lawrence. Las actuaciones están a un nivel pocas veces visto,
porque no es fácil que una película con un reparto tan coral y
heterogéneo acabe resultando
en un todo sin fisuras, y cada
personaje es capaz de dominar
el plano. Entre ellos destaca un
Peter O’Toole que se funde con
su personaje de forma que es
imposible saber hasta dónde
llega la interpretación y comienza la transformación.
Pero el auténtico protagonista es el desierto. Pocos filmes han logrado transmitir su
inmensidad, su grandiosidad y
su dureza de forma más nítida
que en Lawrence de Arabia.
Lawrence de Arabia es pretendidamente imprecisa sobre
un personaje que desata pasiones tan encontradas. Lean no
pretendía hacer una biografía
sobre Lawrence, ni un mero
retrato histórico, sino hacernos
sentir que estamos de viaje por
el desierto. Un viaje sin retorno
al corazón del cine puro.
El filme obtuvo en 1962 los
7 premios Oscar, incluyendo mejor Película, Director,
Fotografía y Música, 4 Globos
de Oro, 4 Premios BAFTA, entre otras distinciones.
La función tendrá un intermedio de 10 minutos.
Lunes 6 de junio a las 18 horas
Lawrence de Arabia (Lawrence
of Arabia), Reino Unido, 1962, 217
minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Sam Spiegel, David Lean. Guion:
Robert Bolt, Michael Wilson,
basado en libros de T.E. Lawrence.
Música: Maurice Jarre. Fotografía:
Freddie Young. Montaje: Anne V.
Coates.
Protagonistas: Peter O’Toole, Alec
Guinness, Anthony Quinn, Jack
Hawkins, Omar Sharif, José Ferrer,
Anthony Quayle, Claude Rains,
Arthur Kennedy.
El Cairo, 1917. Durante la Gran
Guerra (1914-1918), T.E. Lawrence
(Peter O’Toole), un conflictivo y
enigmático oficial británico, es
enviado al desierto para participar en una campaña de apoyo a
los árabes contra Turquía. Él y su
amigo, el Sherif Alí (Omar Sharif)
pondrán en esta misión toda
su alma. Los nativos adoran a
Lawrence porque ha demostrado sobradamente ser un amante del desierto y del pueblo árabe. En cambio, sus superiores
británicos creen que se ha vuelto loco. A pesar de que los planes
de Lawrence se ven coronados
por el éxito, su sueño de una
Arabia independiente fracasará.
No es fácil enfrentarse por
primera vez a esta magna obra
de David Lean, pero una vez
dentro de ella, no se puede salir. Desde la secuencia inicial,
con la muerte del protagonista
(podríamos decir que la película
22
(Julie Christie). Yevgraf cree
que una joven llamada
Tonya Komaróvskaya (Rita
Tushingham), quien trabaja en
una presa hidroeléctrica soviética, puede ser su sobrina.
El guionista recurrió al flashback para estructurar la trama
de la película, la narración de
Yevgraf Zhivago tiene como
marco histórico el tumultuoso período de 1902-1929, que
incluyó la primera Guerra
Mundial, la revolución rusa de
1917 y la guerra civil rusa, cuando el régimen del zar Nicolás II
de Rusia fue derrocado estableciéndose la Unión Soviética
en 1922.
Narra las vicisitudes y la vida
de Zhivago desde su infancia,
adultez, el romance con Lara
(Julie Christie) y el desencuentro posterior a los que la historia los lleva en esa Rusia de
convulsionada época.
Más allá de los aspectos
técnicos de la película, Doctor
Zhivago es el retrato milagroso del alma de un poeta. Cerca
del final no sabemos si las separaciones serán irrevocables:
los individuos no son quienes
hacen la Historia; la Historia les
pasa por encima.
De 10 nominaciones el filme
obtuvo 5 Oscars entre ellos
a la memorable música de
Maurice Jarre y al famoso tema
de “Lara”.
Habrá un intermedio de 10
minutos.
Lunes 13 de junio a las 18 horas
Doctor Zhivago
Estados Unidos, 1965, 197 minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Carlo Ponti, David Lean, Arvid
Griffen. Guion: Robert Bolt basado
en novela de Boris Pasternak.
Música: Maurice Jarre. Fotografía:
Freddie Young. Montaje: Norman
Savage. Vestuario: Phyllis Dalton.
Protagonistas: Omar Sharif, Julie
Christie, Geraldine Chaplin, Tom
Courtenay, Alec Guinness, Rod
Steiger, Ralph Richardson, Rita
Tushingham, Klaus Kinski, Siobhan
McKenna.
Se trata de un drama épico,
basado en la novela homónima que publicó el ruso Borís
Pasternak en 1957 que le valió
el Premio Nobel de Literatura
un año más tarde. La película
obtuvo cinco premios Óscar
y fue nominada a otros cinco.
Además, fue galardonada con
cinco premios Globo de Oro.
Fue una película muy popular durante décadas, y a partir
de 2010 se la consideró en los
Estados Unidos la octava película más taquillera de todos
los tiempos.
El argumento se encuadra
en la búsqueda que realiza el teniente general de la
KGB, Yevgraf Andréyevich
Zhivago (Alec Guinness) de
la hija ilegítima de su medio
hermano, el poeta y médico Yuri Andréyevich Zhivago
(Omar Sharif), y de su amante Larisa (“Lara”) Antípova
23
El trasfondo de la agreste y
bella costa irlandesa, con sus
espectaculares tempestades
y acantilados impresionantes en la península de Dingle,
junto con las actuaciones del
cura (Trevor Howard) y el tonto
del pueblo (John Mills), hacen
de La hija de Ryan una película inolvidable. La crítica de la
época la maltrató, aunque en
la actualidad esté considerada
por muchos como una de las
mejores obras del director.
El filme obtuvo 2 Premios
Oscar muy merecidos, a mejor
actor secundario (John Mills)
y a la hermosa fotografía de
Freddie Young.
Habrá un intermedio de 10
minutos.
Lunes 20 de junio a las 18 horas
La hija de Ryan (Ryan’s
daughter), Reino Unido, 1970, 207
minutos.
Dirección: David Lean. Producción:
Anthony Havelock-Allan. Guion:
Robert Bolt. Música: Maurice Jarre.
Fotografía: Freddie Young. Montaje:
Norman Savage.
Protagonistas: Sarah Miles, Robert
Mitchum, Trevor Howard, John
Mills, Christopher Jones, Leo
McKern, Barry Foster.
Rosy Ryan (Sarah Miles) es la
hija del tabernero de una pequeña población en la costa
de Irlanda, durante la Primera
guerra mundial. El país está
ocupado por el ejército británico; la población y la resistencia irlandesa aprovechan
cualquier ocasión para luchar
contra los ocupantes. Rosy
es una chica romántica que
anhela un amor apasionado
y ser una joven fina y educada. Ella considera de un nivel
social adecuado al maestro de
escuela, Charles Shaughnessy
(Robert Mitchum), un hombre corriente, viudo, que tiene
unos cuantos años más que
ella. Rosy cree estar enamorada del maestro y ambos acaban casándose. Sin embargo,
cuando llega al pueblo un joven militar británico herido en
el frente y con traumas de guerra, el mayor Randolph Doryan
(Christopher Jones), Rosy se da
cuenta de lo que es estar realmente enamorada.
Lunes 27 de junio a las 18 horas
Un pasaje a la India (A passage
to India), Reino Unido, 1984, 164
minutos..
Dirección: David Lean. Producción:
John Brabourne, Richard B.
Goodwin. Guion: David Lean,
Santha Rama Rau, basado en la
novela homónima de E. M. Forster.
Música: Maurice Jarre. Fotografía:
Ernest Day. Montaje: David Lean.
Protagonistas: Judy Davis, Peggy
Ashcroft, Victor Banerjee, James
Fox, Nigel Havers, Alec Guinness,
Saeed Jaffrey, Roshan Seth.
La trama se desarrolla en
la década de 1920. Adela
Quested (Judy Davis), acompañada por la señora Moore
(Peggy Ashcroft), son dos
24
fascinante, en la que no habría
conflicto si la protagonista,
sensible, inteligente, deseosa
de abrirse al mundo de otra civilización y predispuesta a repudiar la estupidez burguesa
que la rodea, hubiese sido capaz de aceptar su sexualidad
en lugar de ahogarla.
Basada en la gran novela de
E. M. Forster (1870-1970), otro
inglés que padeció –desde la
homosexualidad– el castigo
feroz de la represión sexual.
James Fox, Peggy Ashcroft,
Judy Davis y el admirable indio
Saeed Jaffrey junto a magníficos actores secundarios interpretan de modo encomiable
esta historia de choque de civilizaciones.
Obtuvo el Oscar a mejor actriz secundaria (Peggy
Ashcroft) y a la música de
Maurice Jarre.
David Lean la realizó en el ‘84
y murió en el ‘91, tras reticencias de las compañías de seguros que no querían cubrirle un
proyecto más ambicioso que
todos los anteriores: nada menos que “Nostromo”, la impresionante novela de aventuras
de Joseph Conrad. Lean murió antes de empezar a rodar.
Tenía 83 años pero nos dejó
una buena cantidad de excitantes películas sobre el amor
entre amigos y amantes, todos
personajes interesantes, tratados con imaginación y sensibilidad. Era, sobre todo, un creador humildemente sabio.
25
Diseño: Comunicación Institucional Sodre
damas británicas que parten
de viaje hacia India, para visitar a Ronny Heaslop (Nigel
Havers), un magistrado local
de un pueblo de provincia,
Chandrapore. Heaslop es el
hijo de la señora Moore y el
prometido de Adela.
Ya en India, ambas damas
muestran su interés en conocer la cultura y a los habitantes
nativos. El superintendente
educacional, Richard Fielding
(James Fox), las presenta a un
anciano y excéntrico erudito
brahmán, el profesor Godbole
(Alec Guinness). La señora
Moore y Adela conocen luego
al doctor Aziz Ahmed (Victor
Banerjee), un viudo empobrecido que está completamente
asimilado al modo británico y
se ofrece como guía de excursión a las remotas cavernas de
Marabar. En ese viaje aparecerá luego Adela ensangrentada
y desgreñada. De regreso al
pueblo, el doctor es apresado,
acusado de intento de violación. Esto provoca un tumulto
entre británicos e indios, que
se extiende entre la comunidad británica en India y se
desatará el drama del filme.
Tras la sutil expresión de una
sexualidad apabullante que
se resiste a sí misma, el maestro David Lean se despide del
cine para siempre. El fracaso
de La hija de Ryan, estupenda e
incomprendida, le alejó de las
cámaras 14 años. Volvió con
esta obra singular, misteriosa,
Temporada de Cine Arte del Sodre 2016
Maestros ingleses
Lunes de abril a junio,
Auditorio Nelly Goitiño, 18 de julio 930
Michael Powell/
Emeric Pressburger
n 16 de Mayo, 18:00 horas
n 11 de Abril, 18:00 horas
n
n
n
n
n
n
Narciso negro
con Deborah Kerr
11 de Abril, 20:00 horas
Escalera al cielo
con David Niven
18 de Abril, 18:00 y 20:30 horas
Las zapatillas rojas
con Moira Shearer
25 de Abril, 18:00 horas
Los cuentos de Hoffmann
con Moira Shearer,
Ludmilla Tcherina
25 de Abril, 20:15 horas
Luna de miel
con Ludmilla Tcherina y
Antonio
2 de Mayo, 18:00 horas
La batalla del Río de la Plata
con Peter Finch
2 de Mayo, 20:00 horas
El fotógrafo del pánico
con Karl Boehm y
Moira Shearer
n
n
n
n
n
n
David Lean
n 9 de Mayo, 18:00 horas
Lo que no fue
con Trevor Howard,
Celia Johnson
n 9 de Mayo, 20:00 horas
Espíritu burlón
con Rex Harrison,
Margaret Rutherford
n
n
Grandes ilusiones
con John Mills, Jean Simmons,
Alec Guinness
16 de Mayo, 20:15 horas
Oliver Twist
con Alec Guinness,
Robert Newton
23 de Mayo, 18:00 horas
Locura de verano
con Katharine Hepburn,
Rossano Brazzi
23 de Mayo, 20:00 horas
¿Es papá el amo?
con Charles Laughton,
John Mills
30 de Mayo, 18:00 horas
El puente sobre el río Kwai
con Alec Guinness,
William Holden
6 de Junio, 18:00 horas
Lawrence de Arabia
con Peter O’Toole, Omar Sharif
13 de Junio, 18:00 horas
Doctor Zhivago
con Omar Sharif, Julie Christie,
Tom Courtney
20 de Junio, 18:00 horas
La hija de Ryan
con Sarah Miles,
Robert Mitchum
27 de Junio, 18:00 horas
Un pasaje a la India
con Judy Davis, Alec Guinness