biografías de los artistas y comisarios de las exposiciones.

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NOTA DE PRENSA
CULTURA Y TURISMO
Junta de Castilla y León
13 DE SEPTIEMBRE DE 2013
DOSSIER DE PRENSA
Notas biográficas de los artistas y comisarios
Pilar Albarracín
Sevilla, España, 1968
Vive y trabaja en Madrid, España
La fotografía, el vídeo y sobre todo la performance, centrados en el análisis de los
tópicos de la España tradicional y su cultura - el flamenco, la gastronomía, los toros o
la artesanía-, han sido los medios de expresión habituales utilizados por Pilar
Albarracín. En la mayoría de los casos es la imagen de la propia artista la que aparece
en sus obras, concibiendo, por tanto, su trabajo desde un punto de vista femenino. Su
obra está caracterizada por la ironía y el humor; ambos recursos le sirven para
reflexionar críticamente acerca de los estereotipos y convencionalismos sociales. Con
su habitual desparpajo narrativo, desarrolla una estrategia de reactualización al
denunciar fenómenos como la inmigración o la violencia de género.
Entre sus últimas exposiciones destacan las siguientes: ‘Arte de comportamiento e
imágenes sociales del Cuerpo’, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla,
España, 2013); ‘Le duende volé’, XXIV Festival Arte Flamenco, Musée de Marsan,
(Mont de Marsan, Francia, 2012); ‘She Dances Alone: Pilar Albarracín in Musical
Dancing Spanish Dolls’, New World Museum, (Houston, Texas, EEUU, 2011).
Sergio Belinchón
Valencia, España, 1971
Vive y trabaja en Berlín, Alemania
Su formación se ha desarrollado básicamente en el campo de la fotografía, aunque de
forma reciente ha incorporado el vídeo en su trabajo. Belinchón destaca por su
particular visión sobre los lugares urbanos, los edificios, los espacios naturales
colonizados por el hombre y los procesos de transformación a los que éstos son
sometidos. El gusto por la saturación, la composición cuidada, la perfección en el
acabado, el uso de tecnología digital, o la influencia de la Escuela de Fotografía
Alemana son algunas de sus señas de identidad.
Entre las últimas exposiciones destacan: ‘Adiós Amigo!’, Palacio Montcada (Fraga,
España, 2012); ‘Take 1’, Galería La Caja Negra, (Madrid, España, 2012); ‘Western’,
Museu Morera (Huesca, España, 2012); ‘The Good, The Bad, and The Ugly’, Invaliden
1 Galerie (Berlín, Alemania, 2010); ‘Ciudades Efímeras’, Galería Fernando Santos
(Lisboa, Portugal, 2007); ‘Once Upon a Time’, Galería Tomás March (Valencia,
España, 2007); ‘16 Proyectos’, ARCO 2006, (Madrid, España, 2006).
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CULTURA Y TURISMO
Vicente Blanco
Santiago de Compostela, A Coruña, España, 1974
Vive y trabaja en A Coruña, España
Vicente Blanco es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Pontevedra. Entre
1995 y 1997 realizó el doctorado en la Universidad del País Vasco. En los últimos
años ha expuesto de manera individual en la Galería Van der Mien, Amberes, en el
Museo Nacional de Arte Reina Sofía, y en el Centro Galego de Arte Contemporáneo, y
en muestras colectivas en Pekín, Madrid, Galicia, París y su obra forma parte de
importantes colecciones.
Vicente Blanco se ha convertido en uno de los referentes del campo de la
videocreación nacional en los últimos años. Su trabajo presenta una serie de
influencias directas de la sociedad contemporánea en la cual sitúa las acciones de sus
obras. La publicidad y la televisión son referentes iconográficos de su trabajo.
Haciendo uso de la animación digital, y con una estética que bebe directamente del
cómic y la novela gráfica, Blanco elabora guiones que se desarrollan en contextos
irreales, si bien concretos en su definición formal y conceptual, a través de situaciones
diversas donde cobra un papel protagonista la necesidad narrativa. Todas las acciones
adquieren así una doble intencionalidad: la de ser causa y efecto de otros
acontecimientos. En sus narraciones no importa tanto el fin, sino la forma en que todos
y cada uno de los elementos de la narración se relacionan entre sí. Nos encontramos
con ficciones en las que se busca alterar la tranquilidad de un espectador que se
reconoce con facilidad en lo cotidiano de las imágenes, pero que asimismo se ve
desplazado a un estado de "tensa espera" ante el devenir de los acontecimientos que
en ellas se narra.
Raimond Chaves
Bogotá, Colombia, 1963
Vive y trabaja en Bogotá
El trabajo de Raimond Chaves se mueve entre el dibujo, la instalación y los proyectos
o talleres colectivos como ‘El dibujo 24h.; Hangueando, Periódico con patas’;
‘Aprendiendo de Superbarrio y otros héroes del vecindario’ o ‘Estación móvil’. Es
precisamente en estos últimos donde su obra cobra un sentido pleno, al intervenir de
forma activa en el contexto local donde se desarrollan. La temática sociopolítica de sus
proyectos se centra principalmente en problemas concretos de América Latina como el
narcotráfico y la violencia.
Entre sus últimas exposiciones destacan: ‘Un afán incómodo’, Galería Revolver, (Lima,
Perú, 2012); ‘Subjective projections: Un afán incómodo’, Bielefelder Kunstverein,
(Bielefeld, Alemania, 2012); ‘Observaciones Sobre la Ciudad de Polvo’, ProjecteSD,
(Barcelona, España, 2010) y (Galería Revolver, Lima, Peruú 2010); ‘Mal de América
(Dibujos de Viajes)’, ProjecteSD, (Barcelona, España, 2007); ‘Dibujando América.
Notas y apuntes de un viaje de 100 días entre Caracas y Lima’, Patio Herreriano,
Museo de Arte Contemporáneo Español, (Valladolid, España, 2006).
Gilda Mantilla
Lima, 1967
Vive y trabaja en Lima
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CULTURA Y TURISMO
El trabajo que Gilda Mantilla viene realizando a través del dibujo y la pintura se asienta
sobre principios casi animistas que otorgan a la imagen un cierto poder propiciatorio.
Gilda Mantilla crea la imagen como forma de construir identidades, de esta manera, su
discurso indaga sobre la imagen de la mujer y dentro de ésta, sobre los diferentes
roles sociales y culturales que desarrolla, construyendo estereotipos que, en última
instancia, reflexionan sobre la construcción social de la persona. Desde el año 2001,
colabora con Raymond Chaves en proyectos móviles, tales como ‘Hangueando,
Periódico con patas’, donde conjugan la labor creativa con los estímulos de contextos
locales.
Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Revolver (Lima, Perú, 2012 y
2010), Bielefelder Kunstverein (Bielefeld, Alemania, 2012), ProjecteSD (Barcelona,
España, 2010 y 2007), Patio Herreriano (Valladolid, España, 2006).
Leopoldo Ferrán y Agustina Otero
Leopoldo Ferrán (Irún, Guipúzcoa, España, 1963)
Agustina Otero (San Adrián del Valle, León, España, 1960)
Viven y trabajan en Hondarribia, Guipúzcoa, Spain
Un amplísimo repertorio de medios de creación, desde la escultura de bulto redondo a
la fotografía y el vídeo, son los instrumentos de los que se valen estos artistas para
establecer discursos de acento lírico alusivos a estados y sentimientos de la existencia
humana: esfuerzo, temor, dolor, opresión, etc. Desde el punto de vista formal hay, sin
embargo, un elemento que podría considerarse unificador: el carácter escenográfico
de sus obras, pues tanto cuando se trata de objetos autónomos, como cuando forman
parte del conjunto que configura una instalación, el valor y tratamiento del lugar donde
éstos se sitúan son fundamentales. Su obra está dotada de un fuerte simbolismo, con
frecuencia a partir de repertorios iconográficos rescatados de la historia. De ese modo
hablan de sentimientos universales desde la contemporaneidad.
Sus últimas exposiciones incluyen ‘Ars Itineris, El viaje del Arte Contemporáneo’,
Ayuntamiento de Logroño (Logroño, España, 2010); Realización de la Fachada del
Museo de San Telmo (San Sebastián, España, 2007-2010), ‘Arte y Naturaleza’,
Fundación Huarte Buldain (Navarra, España, 2009); ‘Amar, pensar, resistir’, ARTIUM,
Vitoria, España, 2009).
Carmela García
Lanzarote, Spain, 1964
Vive y trabaja en Madrid, Spain
Formada en el campo de la fotografía, sus imágenes, protagonizadas en su mayoría
por mujeres, se inspiran en los paisajes decimonónicos donde la figura del hombre
queda empequeñecida ante la magnitud de la naturaleza. Sus composiciones
muestran las interrelaciones que se establecen en el mundo femenino. Son fotografías
en color, de grandes dimensiones, meticulosamente realizadas, que hablan del deseo
y la seducción e, incluso, de una realidad paralela construida por la artista en su
búsqueda de lo ideal. Como ella misma explica: "Historias instantáneas y ambiguas,
provocadas, donde el eje de la acción (o de la tensión) está determinado por la
dirección de las miradas, la distribución en el espacio mismo. Busco lo sugerente, lo
no explícito".
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El trabajo de Carmela García ha formado parte de exposiciones individuales y
colectivas en Madrid, España ( Museo Reina Sofía, Galería Juana de Aizpuru, Canal
de Isabel II), Kanazawa, Japón (21st Century Museum); París, Francia (Maison de la
Photographie); Nueva York, EEUU (PS1 Contemporary Art Center del Moma);
Venecia, Italia (Granieri de la Giudecca, 49 Bienal de Venecia); Telaviv, Israel
(Cheoluche Galerie); Caracas, Venezuela (Museo Sofía Imberg); Amsterdam, Países
Bajos (Van Gohg Museum); Bucarest, Romania (International Center of Contemporary
Arts), entre otros.
Anthony Goicolea
Atlanta, EE. UU., 1971
Vive y trabaja en Nueva York, EE. UU.
Podríamos definir la obra de Anthony Goicolea como una autobiografía de ficción de
su “eterna” adolescencia. El artista cubano-americano crea escenarios muy
elaborados, melancólicos y misteriosos en todas sus obras y coloca a sus personajes,
adolescentes varones, en situaciones indefinidas e inusuales, que provocan curiosidad
e incluso miedo. Los personajes de sus obras –ya sea de forma individual o un grupo–
siempre son él mismo, que mediante un proceso digital clona su propio físico.
Cuestiones como el género, la sexualidad, los miedos, comportamientos obsesivos,
juegos indefinidos, la amistad y la compañía son los temas tratados en sus obras, ya
sean vídeos, fotografías y dibujos. Con una cuidada técnica y puntos de vista globales
de la acción, Goicolea representa situaciones que crean en el espectador una especie
de complicidad y rechazo. Desde el comienzo de su producción artística en 1996,
investiga las construcciones sociales relacionadas con la edad y el género, intentando
reflejar las fantasías adultas e infantiles e ideas convencionales sobre la belleza y lo
grotesco a través de cada vez más complejas narraciones interpretadas en escenarios
fantasiosos e intrigantes. Entrelaza la performance, la ficción y el relato biográfico en
una misma obra.
Entre sus últimas exposiciones destacan: ‘Pathethic Fallacy: An Exhibition’,
Postmasters Gallery (Nueva York, EEUU, 2011); ‘Home’, Ron Mandos Gallery
(Amsterdam, Países Bajos, 2010); ‘Related’, Houston Center for Photography (Texas,
EEUU, 2010); ‘Anthony Goicolea’, MCA. Denver Museum of Contemporary Art,
Denver, EEUU 2009).
Diango Hernández
Sancti Spíritus, Cuba, 1970
Vive y trabaja en Düsseldorf, Alemania
Estudió Diseño industrial en el Instituto Superior de Diseño (ISDI) de La Habana. Al
terminar su licenciatura en 1994, inició una experiencia colaborativa bajo el nombre
‘Ordo Amoris Cabinet’, palabras en latín que significan orden y amor. Sus trabajos han
sido expuestos en la 51 Bienal de Venecia (Arsenale, 2005), Bienal de Sao Paulo
(2006), Bienal de Sidney (2006), Kunsthalle Basel (2006), Haus der Kunst, Munich
(2010), Hayward Gallery, Londrés (2010) y en una exposición colectiva en el MART
(2011) en Rovereto, Italia.
La práctica artística de Hernández es muy conceptual, y gira en torno a objetos
encontrados, y materiales sugerentes o simbólicos que son (re-)apropiados, mientras
la retórica política se trata siempre con sutileza y discreción, evitando todo tipo de
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“esloganismo” y propaganda que forman parte de la consciencia colectiva cubana. El
trabajo de Hernández puede entenderse como crítica social y como un deseo de
transformación social.
Kaoru Katayama
Himeji, Japón, 1966
Vive y trabaja en Madrid
Japonesa residente en España desde 1992, su obra explora cuestiones relacionadas
con su condición de extranjera y el hecho de pertenecer a dos culturas diferentes. La
vídeoperformance es el formato que más utiliza para analizar temas relativos a la
inestabilidad cultural, aunque también trabaja con otros medios como el dibujo, la
fotografía o la escultura. El registro de situaciones de tipo performativo le permite
hacer visible el choque cultural, a través de sus diferentes estados de confusión,
desánimo o adaptación. Al ofrecer un escenario para sucesos imprevistos las obras de
Kaoru Katayama abren la posibilidad de generar debates en torno a la comunicación e
incomunicación cultural.
Katayama es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Fue
galardonada con el Premio ARCO de la Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas
en 2006. Sus trabajos han sido expuestos en exposiciones individuales en el San
Martín Centro de Cultura Contemporánea (Las Palmas de Gran Canaria, España,
2012), MC Kunst (Los Ángeles, EEUU, 2008), Casa Triángulo (Sao Paulo, Brasil,
2007), DA2 Domus Artium 2002 (Salamanca, España, 2004), entre otros.
Cristina Lucas
Jaén, España, 1973
Vive y trabaja en Madrid, España y Ámsterdam, Holanda.
Los distintos arquetipos familiares, los patrones de compartimientos morales y lo
político entendido como un tipo de estructura que atraviesa los diversos modos de
relación social son los fondos temáticos con los que Cristina Lucas construye su
trabajo, siendo el dibujo, la fotografía y el vídeo los medios más utilizados por la
artista. El espacio doméstico y la naturaleza no son dos escenarios antagónicos, sino
los más apropiados para desplegar un discurso dialéctico sostenido tanto en las
referencias históricas y los comportamientos consensuados como en las posiciones de
género, siendo éstas últimas las más revisadas por la artista últimamente. Alejándose
en parte de los debates feministas, lo que Lucas expone es un tipo de reflexión
histórica sostenida por las herencias morales, patriarcales, y por el protagonismo que
estos discursos asumen en la construcción de nuestros vínculos.
Cristina Lucas ha tenido exposiciones individuales en el Museo Amparo Puebla
(México DF, 2012), Museo Carillo Gil (México DF, 2011), Centro de Arte 2 de mayo
(Madrid, 2010), Stedelijk Museum Schiedam (Ámsterdam, 2008), AECI (Miami, 2005),
entre otros.
Enrique Marty
Salamanca, España, 1969
Vive y trabaja en Salamanca.
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Enrique Marty investiga, reflexiona y compila a través de diversos lenguajes –dibujo,
escultura, vídeo, pintura– cómo el terror, el suspense o lo siniestro se despliegan a
través de entornos familiares. Las diversas tramas expresivas de Marty suelen estar
acompañadas de destacadas puestas en escena. Un clima de contundencia narrativa
y tensión envuelve sus historias. En ocasiones recuerdan los informes forenses o los
estudios de patologías cotidianas. La extrañeza, el terror o la violencia en este
universo se nos presentan no como algo que está por acontecer sino como un estado
de cosas que ya ha sucedido. Cada uno de sus situaciones y personajes despliegan
un tipo de narración de corte policial o de periodismo sensacionalista, donde los
indicios han desparecido. Pero es en el interior de este clima donde las imágenes se
tornan cotidianas. Marty retrata la violencia con ironía, desenfreno y naturalidad.
Marty ha tenido varias exposiciones a nivel nacional e internacional, destacando las
recientes: ‘Soft Cockney’, Deweer Gallery (Bruselas, Bélgica, 2013); ‘Las tres
transformaciones’, Galería Enrique Guerrero (México DF, México, 2011); ‘Ghost’s
Spirit,’ One and J Gallery (Seúl, Corea, 2010); ‘La Sombra’ (FAP, Cuenca, España,
2010); ‘Club Matadero’ (Benavides de Órbigo, España, 2007), entre otros.
Julia Montilla
Barcelona, 1970
Vive y trabaja en Barcelona
El trabajo de Julia Montilla, fundamentalmente vídeo y fotografía, gira en torno al papel
de la mujer en la sociedad contemporánea. A través de imágenes de un cuidado
tratamiento formal, la artista catalana elabora una relectura de la condición de lo
femenino que presenta de manera contundente gracias a un lenguaje de marcado
carácter alegórico. Su obra discurre entre el esteticismo y un sentido del humor más
cercano a lo sarcástico que a lo irónico, aunque sin eludir en momento alguno la
conciencia crítica y feminista de la que parte.
Entre las exposiciones individuales que ha realizado destacan: ‘El cuadro de la calleja’
(Fundación Joan Miró, Barcelona, España, 2013); ‘Ídolos e idolillos’ (Palacio de la
Magdalena, Santander, España, 2013; ‘Say yes!’ (Maribel López Gallery, Berlin,
Alemania, 2010); ‘122m!’ (C.C. del Matadero, Huesca, España, 2009).
Marina Nuñez
Palencia, 1966
Vive y trabaja en Madrid y Pontevedra, España
El trabajo de Marina Núñez tiene desde sus inicios un rotundo posicionamiento
ideológico en torno a los discursos de género. Técnicamente posee un control de la
pintura que le permite indagar con distintos materiales y texturas, y que se traduce en
obras realizadas en óleo sobre tela, madera, aluminio o plástico. Pero es precisamente
esta narración no exenta de compromiso la que ha llevado a la artista en los últimos
años a explorar otros medios técnicos como la reproducción digital o el vídeo. La mujer
y su posición a lo largo de la historia y en el momento actual, son algunas de las
cuestiones presentes en un trabajo que obliga a repensar al espectador la historia
escrita en masculino y el presente ingenuamente asexuado que nos ofrece, generando
preguntas que la propia artista razona también a través de su labor como crítica y
ensayista.
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Ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina
Sofía, La Gallera de la Comunidad Valenciana, la Fundación Pilar y Joan Miró en
Palma de Mallorca, la Iglesia de Verónicas en Murcia, el DA2 de Salamanca, la Casa
de América en Madrid, el Instituto Cervantes en París, La Panera en Lleida, el Musac
en León, el Centre del Carme en Valencia, la Sala Rekalde en Bilbao o el Patio
Herreriano en Valladolid.
Tatiana Parcero
México DF, 1967
Vive y trabaja en Buenos Aires
Tatiana Parcero es licenciada en Psicología de la Universidad Nacional Autónoma de
México (UNAM). En 1995 obtuvo un Máster en Artes con especialización en fotografía
en la New York University y el International Center of Photography (NYU/ICP).
Comenzó a trabajar en la fotografía en 1985; desde principios de los 90 se ha
concentrado en el cuerpo y el autorretrato, y ha creado la técnica de yuxtaposición de
fotos en blanco y negro impresas en acetatos sobre fotos a color. Su obra abarca la
fotografía y el vídeo en los que explora conceptos como la identidad, memoria,
territorio, tiempo y actualmente investiga las migraciones-inmigraciones.
Su obra ha formado parte de numerosas e importantes exposiciones en México, Cuba,
España, Inglaterra, Italia, Puerto Rico, Francia, Argentina y Estados Unidos; y se
encuentran en las colecciones de Museum of Fine Arts (Houston, Texas, EEUU), El
Museo del Barrio (NY, EEUU), Centro de Arte Caja Burgos (Burgos, España), Lowe Art
Museum (Miami, EEUU), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Museo de Arte
Contemporáneo de Puerto Rico, entre otros.
Miguel Ángel Rojas
Bogotá, Colombia, 1946
Vive y trabaja en Bogotá
Miguel Ángel Rojas es un artista conceptual colombiano cuya obra, expresada a través
del dibujo, la pintura, la fotografía, las instalaciones y el video, trata de asuntos
relacionados con la sexualidad, la cultura marginal, la violencia y la problemática
relacionada con el consumo y la producción de drogas.
Estudió arquitectura en la Universidad Javeriana y pintura en la Universidad Nacional
de Colombia. Entre sus exposiciones individuales se encuentran ‘El Camino Corto’,
Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá (2012); ‘ObjetivoSubjetivo’, Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá (2007); ‘Bio’, Museo de
Arte Moderno, Bogotá (1991). Entre sus muestras colectivas destacadas están la ‘29a
Bienal de São Paulo’, São Paulo, Brasil (2010), ‘Cantos Cuentos Colombianos’, Daros
Latinamerica Collection, Zurich, Suiza (2004), ‘39 Salón Nacional de Artistas’, Bogotá,
Colombia (2004), ‘Re-Aligning Vision’, Museo del Barrio, New York, USA (1997), ‘Latin
American Artist of the Twentieth Century’, MOMA, New York (1993). Su obra se
encuentra en colecciones como la Fundación La Caixa, Barcelona; Daros Latin
America Collection, Zurich; Museum of Modern Art, New York; MUSAC, Museo de Arte
Contemporáneo, Castilla y León; Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá; Instituto
Nacional de Bellas Artes, México DF.
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Hiraki Sawa
Ishikawa, Japón, 1977
Vive y trabaja en Londres, Reino Unido.
Formado en Bellas Artes con un Máster en Escultura en el University College of
London, Hiraki Sawa es uno de los principales exponentes de la nueva generación de
artistas japoneses. Haciendo uso de una técnica de animación low-tech, Sawa crea
paisajes de ensueño, en la frontera entre la consciencia y el inconsciente. Sus vídeos
reflexionan sobre las ideas de tiempo y moción, inocencia y alienación, viaje y
nomadismo, dislocación y desplazamiento. Partiendo de ambientes y actividades
domésticas, Sawa convierte los entornos más familiares en un mundo de aventura,
transformando su propio apartamento en un microcosmos donde cobran vida objetos
inanimados, o donde animales a diferentes escalas emprenden un enigmático éxodo.
Una selección de sus exposiciones individuales incluye: ‘Airliner’, Mori Art Museum
(Tokio, Japón 2013); ‘Whirl’, Kanagawa Prefectural Gallery (Yokohama, Japón, 2012);
‘Postscript’, Ota Fine Arts (Tokio, Japón, 2012); ‘Dwelling’, Kunsthaus Essen, (Essen,
Alemania, 2012); ‘Other Dwellings’, Kresge Art Museum (Michigan, EEUU, 2011).
Tabaimo
Hyogo, Japón, 1975
Vive y trabaja en Nagano, Japón.
Tomando como inspiración los colores y estilo del ukiyo-e –impresiones tradicionales
hechas de bloques de madera–, las obras de Tabaimo muestran el lado oscuro de la
sociedad japonesa contemporánea. Mezclando un humor negro con animaciones
infantiles, Tabaimo explora las tensiones sociales y culturales de su país a través de
sus propias interpretaciones de la política, tradición, diferencias de género,
comportamientos culturales y relaciones familiares. Utiliza los símbolos de la cultura
japonesa, manipulándolos y situándolos en contextos no familiares para incidir al
espectador a reflejar sobre temas sociales. Las escenas representadas en sus obras
muestran lugares comunes como el tradicional baño japonés, una cocina o un vagón
de metro. En estos escenarios, sus personajes realizan acciones aparentemente
cotidianas, que pronto se convierten en actos grotescos y provocativos. El resultado es
la creación de un universo creativo de corte surrealista, donde lo apacible se
transforma en tempestad y las complejas realidades cotidianas se transforman en arte.
Tabaimo se graduó en la Universidad de Kyoto de Arte y Diseño. Ha expuesto en la
Triennial de Yokohama en 2001 y en las bienales de Valencia (2001), Sao Paulo
(2002) y Venecia (2007). Ha tenido exposiciones individuales importantes en el Hara
Museum of Art, Tokyo, Fondation Cartier, Paris en 2006, y Yokohama Museum of Art
en 2009-2010.
Javier Téllez
Valencia, Venezuela, 1969
Vive y trabaja en Nueva York y Berlín
El video artista Javier Téllez combina historias de ficción y documental para cuestionar
el significado de lo normal y anormal, y la patología. Trabaja de cerca con grupos de la
población considerados “invisibles” como pacientes psiquiatricos, discapacitados
físicos y desfavorecidos. Téllez reescribe historias, memorias colectivas y momentos
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en historia en general y de la historia del arte. A través de su trabajo artístico, da voz a
los marginados, a los desconocidos.
Téllez ha expuesto en el SMAK (Ghent, Bélgica, 2013), Museum Sammlung Prinzhorn
(Heidelberg, Alemania, 2012), Jones Center (Austin, Texas, EEUU, 2011), MARCO
(Vigo, España, 2010), Museu Calouste Gulbenkian (Lisboa, Portugal, 2010),
Kunsthaus Baselland (Basel, Suiza, 2009), Aspen Art Museum (Aspen, EEUU, 2006),
The Power Plant Contemporary Art Gallery (Toronto, Canadá, 2005), entre otros.
Notas biográficas de las comisarias
Kristine Guzmán
Kristine Guzmán es coordinadora general del MUSAC. Licenciada en Arquitectura
Superior con un Máster en Restauración Arquitectónica, ha trabajado en el campo de
la gestión cultural desde el año 1999 en que coordinó las exposiciones del ‘Espacio
Uno’ del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. En el 2001 coordinó el
proyecto ‘Ofelias y Ulíses’ para la 49 Bienal de Venecia y entre 2003 y 2009 varios
proyectos expositivos y editoriales en el MUSAC. De 2009 a 2010 fue coordinadora
general de la Fundación Santander 2016, para la que organizó exposiciones de Jordi
Bernadó y Bernard Plossu, entre otros, antes de volver a su plaza en el MUSAC en
2011. Ha sido co-comisaria para el MUSAC de las exposiciones Huésped. Colección
MUSAC en Rosario (Argentina, 2009), Un cierto paisaje (2007), ‘Kazuyo Sejima+Ryue
Nishizawa/SANAA’ (2007) y ‘Fusion. Aspectos de la cultura asiática en la colección
MUSAC’ (2006).
Yuko Hasegawa
Yuko Hasegawa es conservadora jefe del Museo de Arte Contemporáneo de Tokio
(MOT) y profesora del Departamento de Ciencias de Artísticas en la Universidad de
Tama, Tokio. Sus proyectos recientes incluyen las exposiciones ‘Atsuko Tanaka’
(2012), ‘Thomas Demand’ (2012) y ‘Architectural environments for tommorrow ‘(2011),
todas ellas en el MOT, y ‘Trans Cool Tokyo’ (2010-11) que itineró por Singapur,
Bangkok y Taipei. En el 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa del
fue directora artística fundadora de 1999 a 2006, comisarió ‘Matthew Barney: Drawing
Restraint’ (2005). También ha sido directora artística de la 7ª Bienal de Estambul
(2001), comisaria del Pabellón Japonés de la 50 Bienal de Venecia (2003), asesora
artística de la 12 Bienal de Arquitectura de Venecia (2010), directora de Inujima Art
House Project desde 2010 y comisaria de la 11 Bienal de Sharjah.
Hikari Odaka
Hikari Odaka es comisaria asistente en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio
(MOT) e investigadora del Institut pour la Science Sauvage de la Universidad de Meiji
en Tokio. En sus trabajos de investigación y de comisariado sus intereses giran en
torno al uso de objetos no-artísticos en las exposiciones de arte contemporáneo y
cómo éstos generan nuevos significados y complejidades en ciertos contextos. Es
licenciada en Historia del Arte Moderno por la Universidad de Essex, Colchester; con
un Máster en Ciencias Artísticas por la Universidad de Tama, Tokio.
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