j. ph. rameau (1683-1764)

Ímpetus Madrid Baroque Ensemble
Pablo Gutiérrez, Violin
Jordi Comellas, Viola da Gamba
Yago Mahúgo, Harpsichord
J. PH. RAMEAU (1683-1764)
Ímpetus Madrid Baroque Ensemble
Pablo Gutiérrez,Violin (Italian Violin, ca. 1700)
Jordi Comellas,Bass Viol (by Pierre Jaquier 1996
after Colichon)
Yago Mahúgo,Harpsichord (by Keith Hill 2011
after Taskin 1769) & Artistic Direction
Pitch: 415 Hz
Rameau Temperament
Production & Recording Engineer: Alberto Rodríguez Molina & Yago Mahúgo
Editing: CMY Studio
Special thanks: Rosario Martín-Crespo, Jesús Trujillo & Javier Estrella
Al agua de mis mañanas
CD-0003013
Depósito Legal: M-21470-2014
Manufactured and printed in the EU
Recording: Real Coliseo Carlos III
San Lorenzo de El Escorial. May 2014
Design: Imp / Photo: © 2014 Anele
& © 2014 CMY Baroque
Premier Concert
1. La Coulicam (3:22)
2. La Livri (clavecin seul) (2:58)
3. La Livri (3:06)
4. Le Vézinet (3:31)
Deuxième Concert
5. La Laborde (5:21)
6. La Boucon (5:50)
7. L’Agaçante (2:23)
8. Premier menuet. Deuxième menuet (4:05)
9. L’Agaçante (clavecin seul) (2:26)
Troisième Concert
10. La Lapoplinière (4:02)
11. La Timide (5:15)
12. Premier tambourin. Deuxième tambourin (2:02)
13. La Timide (clavecin seul) (5:13)
Quatrième Concert
14. La Pantomime (4:27)
15. L’Indiscrète (1:28)
16. La Rameau (4:16)
Cinquième Concert
17. La Forqueray (4:23)
18. La Cupis (6:19)
19. La Marais (2:40)
20. L’Indiscrète (clavecin seul) (1:26)
Total timing: 74:44
Pièces de clavecin en concerts
Pièces de clavecin en concerts
Jean-Philippe Rameau representa el último
compositor de la escuela clásica francesa.
Aunque formalmente su música carece del estilo
espontáneo de su contemporáneo Couperin, la
perfección armónica que logra a lo largo de su
trayectoria no es comparable con la de ningún
otro compositor francés de la época. No olvidemos que estamos ante un teórico de la música que consagró su vida profesional al logro
de la perfección estructural de su obra. Esto
es muy visible en sus partituras para clavecín.
De hecho, en el siglo XIX, los compositores
que recuperaron estas obras se asombraron al
descubrir la gran riqueza sonora de ese repertorio. De ahí la veneración de los impresionistas
por sus composiciones que, al igual que las de
Couperin, fueron llevadas con frecuencia a las
salas de conciertos y sirvieron como inspiración
para obras tan significativas como el célebre
Hommage à Rameau de las Images de Claude
Debussy.
Jean-Philippe Rameau is considered to be the
last representative of the French classical school.
Although formally his music lacks the spontaneity of his contemporary Couperin, the harmonic
perfection that he reaches throughout his career
cannot be compared to that of any other French
composer of the time. It is also not to be ignored
that Rameau was a music theoretician who consecrated his professional life to the structural perfection of his works. This is evident in his harpsichord
pieces. In fact, the composers who rescued these
works during the 19th century were astonished at
their richness of sound. Hence the veneration of
his compositions by the Impressionists: they started being performed again together with those of
Couperin and served as inspiration for works as significant as Claude Debussy’s famous Hommage à
Rameau from Images.
Rameau publicó tres grandes colecciones de
música para clave. El primer volumen apareció
cuando contaba con tan solo veintitrés años.
Lo forman diez piezas y es quizás el menos llamativo, aunque pueden ya percibirse los trazos
del estilo del compositor. En 1724 se publicó el
segundo volumen, que confirma sus líneas
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Rameau published three great collections of harpsichord music. The first volume appeared when
he was only 23-years old. It includes ten pieces
and is perhaps the least attractive, although his
main stylistic traits are already recognizable. In
1724 the second volume was published: here
the stylistic traits are confirmed, with a clear influence of Couperin’s music. The pieces from this
volume are deeper, more beautiful, with a strong
lyrical sensitiveness even. Similarly, the melodic
estilísticas y deja entrever una clara influencia
de Couperin. Aquí las obras son más profundas,
bellas, incluso poseen una marcada sensibilidad
lírica. Del mismo modo, la melodía tiene una
gran finura y flexibilidad. Sin embargo, el punto
fuerte de esta tríada sería la publicación del tercer volumen, llamado Nouvelles Suites de Pièces
de Clavecin, en 1731. En este libro, obra paradigmática de la producción para clave, Rameau
desarrolló lo iniciado en la segunda colección y
logró maravillosos efectos sonoros tales como
la simulación de que son tres las manos que
tocan el instrumento en lugar de dos, o la imitación del cloqueo de una gallina.
Dentro de su producción para clavecín, e independientemente de los tres libros mencionados, hay una serie especialmente significativa.
Se trata de las Pièces de clavecin en concerts.
Recopilación de cinco conciertos publicada en
1741 y que representa una isla en medio del
catálogo musical de Rameau al constituir su
única obra de cámara conocida.
Hasta que en 1734 Jean-Joseph Mondonville
publicó las Sonates pour le clavecin avec accompagnement de violon, la música de cámara durante el barroco era entendida como uno o dos instrumentos
que desarrollaban una melodía en torno a un bajo
continuo formado por un clave y o un instrumento de cuerda grave (viola da gamba, violone,
lines are refined and flexible. Nonetheless, the publication of the third volume in 1731 (Nouvelles
Suites de Pièces de Clavecin) reaches a qualitative climax. In this book, one of the most
paradigmatic works in harpsichord literature,
Rameau developed as much as possible what he
had achieved in the second book, thus obtaining
some brilliant sound effects, like the simulation
of three hands playing the keyboard instead of
two, or the imitation of a chicken’s clucking.
Within his harpsichord works there is a separate
series of pieces which is especially significant apart
from the aforementioned three books. It is the
Pièces de clavecin en concerts, a collection of
five concertos published in 1741 which represents
a true island amidst Rameau’s musical catalogue,
it being his only known work of chamber music.
Until 1734, when Jean-Joseph Mondonville
published his Sonates pour le clavecin avec
accompagnement de violon, baroque chamber
music was normally scored as one or two instrumental lines developing a melody upon a figured
bass played by a harpsichord and/or a low string
instrument (such as a gamba, a violone, a cello
or a contrabass). The bass line always featured
obbligato sections, although its main role was to
accompany. Mondonville broke the Italian concept
of trio sonata and, together with composers such
as Dauvergne, Blanchet or Pagin, popularised the
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violonchelo o contrabajo). El bajo siempre tuvo
partes de obbligato, aunque su función principal era servir de acompañante. Mondonville
rompió con el concepto del trio sonata italiano
y, junto a autores como Dauvergne, Blanchet
o Pagin, puso de moda las pièces en concert,
gracias a las cuales el clave asumió un papel
protagonista. De hecho, el propio Rameau confesó en el prefacio de la primera edición de las
Pièces de clavecin en concerts que para escribir
esas obras recibió influencias de «recientes
publicaciones».
pièces en concert, where the harpsichord eventually obtained a major role. In fact, Rameau himself
confesses, in the prologue to the first edition of the
Pièces de clavecin en concerts, that he was influenced by “recent publications” while composing
those works.
No conocemos con exactitud el periodo en el
que Jean-Philippe Rameau compuso los cinco
conciertos que conforman las Pièces de clavecin
en concerts pero, por proximidad de estilos, se
cree que fueron escritos durante la década de
1730, época en la que vieron la luz sus óperas
más brillantes.
Como era relativamente frecuente en la época,
Rameau tituló cada uno de los movimientos con
nombres correspondientes a lugares, estados
de ánimo y personajes.
As it is typical for the time, Rameau gave a title to
each movement using names of places, feelings
or characters. The first concerto is made of four
movements: La Coulicam, La Livri (pour clavecin seul), La Livri and La Vézinet. Written in an
elegant and distinctive rococo style, La Coulicam
serves as a great overture where the harpsichord
already undertakes a solo role that will stay until
the end of the work. Similarly, La Vézinet shows
great contrapuntal creativity between the violin
and harpsichord lines.
El primer concierto lo forman cuatro movimientos: La Coulicam, La Livri (pour clavecin seul), La
Livri y La Vézinet. De marcado y elegante estilo
rococó, La Coulicam sirve de gran obertura e
introduce el clave como instrumento solista,
asentando la tónica que vendrá con el resto de
The second concerto, with five movements called
La Laborde, La Boucon, L’Agaçante, Minuets
and L’Agaçante (pour clavecin seul), is of a
sweeter nature, with pastoral and festive themes.
With L’Agaçante we hear a couple of light minués
that lead to the last movement for solo harpsichord.
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We do not exactly know the period when JeanPhilippe Rameau composed the five concertos featured in Pièces de clavecin en concerts but, judging by stylistic similarities, it is believed that they
were written in the 1730s, when his most brilliant
works came to light.
la obra. Paralelamente, La Vézinet derrocha
una gran creatividad contrapuntística en el
juego entre el violín y el clave.
El concierto número dos, constituido por
La Laborde, La Boucon, L’Agaçante, Minuets y
L’Agaçante (pour clavecin seul) es más fresco que
el anterior y hace alusión a temas pastoriles y
festivos. Con L’Agaçante llegamos a un par de
ligeros minués que dan paso al último movimiento para clave solo.
El tercer concierto, en la línea de los anteriores, destaca por su conocido tercer movimiento llamado Tambourins y que, una vez
más, refleja el estilo rococó francés con un
tempo rápido y virtuoso.
El penúltimo concierto es indiscutiblemente
uno de los más elegantes de la serie. Aquí
Rameau recuperó el estilo italiano abogando
por frases largas y una amplia riqueza sonora. Sus movimientos son La Pantomime,
L’Indiscrète y La Rameau.
The third concerto, similar to the previous two,
stands out for its well-known third movement,
called Tambourins, reflecting once again the
aforementioned French rococo style with a quick,
virtuosic tempo.
The penultimate concerto is, unquestionably,
one of the series’ most elegant. Here Rameau
recovers the Italian style, with long phrases and
a wide richness of sound. Its movements are La
Pantomime, L’Indiscrète and La Rameau.
The fifth and last concerto represents a new display of Rameu’s contrapuntal capabilities, especially in La Forqueray. The second movement, La
Cupis, shows the composer’s lyricism, which can
also be found, to a lesser extent, in La Timide from
the third concerto.
In the prologue to the first edition, the composer gave some indications to the performers.
He wrote that the pieces could be played on the
harpsichord alone, without any accompaniment.
Nonetheless, the eventually poor result of such
7
El quinto y último concierto representa un
nuevo alarde de las capacidades contrapuntísticas de Rameau demostrado en La Forqueray.
El segundo movimiento, La Cupis, denota el
lirismo propio del compositor que también podemos observar, aunque en menor medida, en
La Timide del tercer concierto.
En el prefacio de la primera edición el compositor dio algunas indicaciones a la hora de interpretar estas obras. Dijo que podían ser tocadas
solo con el clave sin ayuda de acompañamiento.
No obstante, el resultado ciertamente pobre de
esa interpretación lo llevó a transcribir La Livri,
L’Agaçante, La Timide y L’Indiscrète para clave solo.
La trascendencia de la obra de Rameau a lo
largo de la historia ha sido imprescindible. Tanto
es así que podemos afirmar que con las Pièces de
clavecin en concerts estamos en la antesala de lo
que no muchos años después serían las sonatas
para piano y violín de Mozart o Beethoven.
Respecto al resto de su producción musical,
hay constancia de que muchas de sus óperas
fueron interpretadas hasta el final del Antiguo
Régimen, aunque cayeron en el olvido durante
más de cien años hasta que los impresionistas
las rescataron. Concretamente Saint-Saëns
proyectó la publicación revisada de toda su
obra, que comenzó en 1895 y duró hasta el año
1918, cuando la empresa quedó inacabada tras
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interpretation led him to transcribe again La Livri,
L’Agaçante, La Timide and L’Indiscrète for solo
harpsichord.
Rameau’s works have been of great significance
throughout history. We can safely assume that the
Pièces de clavecin are the precursors of Mozart’s
or Beethoven’s sonatas for violin and piano, which
are not so distant in time anyway.
As to the rest of his musical production, we know
that many of his operas have been performed until
the end of the Ancien Régime, although they would
eventually fall into oblivion for more than a century until they were rescued by the Impressionists.
Specifically Saint-Saëns would revise the publication of Rameau’s complete works, which started
in 1895 and terminated in 1918, when the task
remained unfinished after having published 18
volumes. Since then, although we know little about
his personal life, Rameau’s figure as a musician has
been completely rescued and is considered as one
of the main representatives of harmonic and musical reformation of all times.
Creation of musical genres
in absolutist France
Baroque would reach France somewhat later
than it reached the rest of Europe. During the 16th
century the country had been involved in several
armed conflicts. The Thirty Years’ War between
haberse publicado 18 volúmenes. Desde entonces hasta ahora, aunque sabemos poco de
su vida personal, la figura de Rameau como músico se ha recuperado en su totalidad y se alza
como uno de los principales representantes de
la lírica y la tecla, a la par que uno de los máximos exponentes de las reformas armónicas y
musicales de todos los tiempos.
Creación de géneros musicales
en la Francia Absolutista
El barroco llegó a Francia algo más tarde que
al resto de Europa. Durante el siglo XVI el país
había estado inmerso en varios conflictos armados. Destaca, sobre todo, la Guerra de los
Treinta Años, que enfrentó a las principales potencias europeas y que sumió a Francia en una
etapa de oscurantismo de la que solo saldría,
además triunfante, tras la Paz de Westfalia.
Tuvieron que morir Luis XIII, Richelieu y el cardenal regente Mazarino para que Luis XIV, el
Rey Sol, instaurase el Absolutismo y mostrase el
poder de Francia al mundo.
En ese momento las normas estéticas que regían el panorama musical del país hacían que las
escenas-musicales fueran el paradigma de una
nobleza frívola y superficial. La situación cambió con la llegada a la corte del florentino Jean
Baptiste Lully en el año 1652. Este compositor,
nombrado director musical de la familia real en
Europe’s main powers stands out, bringing France
to a dark age from which it would only come out,
triumphantly, thanks to the Treaty of Westphalia
(1648). After Louis XIII, Richelieu and Regent
Cardinal Mazarin died, Louis XIV, the Sun King,
would finally be able to implement absolutism and
show the power of France to the rest of the world.
In this very moment, the aesthetic rules governing
the French musical scene caused it to become a
symbol of frivolous, superficial nobility. The situation changed with the arrival of Jean Baptiste
Lully, a Florentine, in 1652. This composer, hired
as musical director of the royal family in 1662,
caused a musical revolution and brought the rigid
French music nearer to its Italian counterpart. Lully
introduced ballet in opera and created the French
overture, characterized by placing a slow movement between two slow movements. As a result of
his input, a more aristocratic and refined musical
style was born, adjusted to the extremely luxurious
nature adopted by the court of the Sun King. As to
the quality of the libretti, these improved substantially, leaving at a side their typical superficiality
thanks to Lully’s collaborations with dramatists
such as Molière and Corneille.
But not only Lully made great contributions to this
first steps of French baroque music. Also Charpentier
helped developing sacred music, or André Campra,
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1662, revolucionó lo habido hasta entonces y
acercó la rígida música francesa al barroco italiano. Lully introdujo el ballet en la ópera y creó
la obertura francesa, caracterizada por intercalar un tiempo rápido entre dos lentos. Como
resultado de sus aportaciones nació un estilo
musical más aristocrático y refinado, ajustado
al carácter extremadamente lujoso que la corte
del Rey Sol había adoptado. En cuanto a la calidad de los libretos, estos mejoraron considerablemente dejando de lado las superficialidades
anteriores gracias a la colaboración del compositor con dramaturgos de la talla de Molière
y Corneille.
Pero no solo Lully hizo grandes contribuciones
a esta primera etapa del barroco francés.
También Charpentier ayudó al desarrollo de la
música religiosa, al igual que André Campra,
que creó la ópera-ballet en una mezcla de música francesa e italiana.
Con la muerte de Luis XIV, vino la etapa de la regencia de Felipe de Orleáns, seguida del reinado
de Luis XV. En este punto la música se recargó de
adornos y la armonía se empobreció. Se puso de
moda el llamado «estilo galante», en alusión a la
ópera-ballet L’Europa Galante de Campra. Pese
a este descenso en la calidad de las producciones, dos grandes compositores de la época han
pasado a la historia por su grandiosa aportación
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a la música. El primero es François Couperin,
cuya obra para clavicémbalo fue revolucionaria.
El otro, quizás mayor todavía, es Jean-Philippe
Rameau.
Sobre el compositor
Jean-Philippe Rameau vino al mundo el 25 de
septiembre de 1683 en la localidad de Dijon.
Hijo de un organista, hay quien asegura que
siendo todavía un niño era capaz de leer cualquier obra para clave. Pese a haber viajado a
Italia y haber aprendido las formas musicales
del país, siempre prefirió la música francesa y
en ello es en lo que, más adelante, se ganaría
algunos detractores entre los seguidores del
estilo de Lully. Antes de alcanzar el éxito trabajó
como organista en Clermont-Ferrand, donde
escribió su célebre Tratado de armonía, una de
las principales obras sobre teoría musical escritas hasta finales del XIX. Aunque con el tiempo
se han percibido ciertas flaquezas en el Tratado,
tal y como el propio Rameau debió contemplar
dadas las varias alteraciones y cambios que hizo
del mismo, lo consideraba, por encima de sus
composiciones, su obra cumbre.
Por otro lado, es curioso ver cómo en su afán
normalizador, Jean-Philippe también publicó el
Méthode pour la mécanique des doigts, un manual
acerca de cómo colocar los dedos para tocar el
clavicémbalo.
who created the opera-ballet mixing both French
and Italian music.
With the death of Louis XIV, France was governed
shortly by Philip of Orléans, followed by Louis XV. At
this point, music was surcharged with ornaments and
harmony became simpler. The “galant” style became
fashionable, its name alluding to Campra’s operaballet L’Europe Galante. Despite the lesser quality of
musical production in general, two great composers of
the time went down in history for their grandiose contribution to music. On one hand, François Couperin,
whose works for harpsichord were revolutionary; on
the other hand, perhaps even greater than Couperin,
Jean-Philippe Rameau.
About the composer
Jean-Philippe Rameau was born on 25th September
1683 in Dijon. He was the son of an organist and
some people affirmed that, already as a child,
he was able to sight-read any harpsichord piece.
Although he had travelled to Italy and learnt the
Italian musical forms, he always preferred French
music – for which reason he would clash with
some critics among the followers of Lully’s style.
Before having success, he worked as an organist
in Clermont-Ferrand, where he wrote his famous
Treaty of Harmony, one of the most important
works on music theory at least until the end of the
19th century.
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La fama sorprendió a Rameau un tanto tarde,
si tenemos en cuenta la esperanza de vida de
la época y la edad en que otros músicos del
momento comenzaron a triunfar. En 1723 con
cuarenta años se mudó a París, donde su amplio
conocimiento sobre la teoría musical, así como
su gran habilidad en el clave, lo hicieron el maestro más preciado de la ciudad. Pero su gran camino hacia el éxito vendría gracias al mecenas
Jean Jacques de la Pouplinière, quien lo contrató como director de su orquesta privada. De
hecho, una de las piezas de las Pièces de clavecin
en concerts lleva su nombre como título. En ese
momento, posiblemente rondaba el año 1735,
Rameau había ya compuesto su ópera Les Indes
Galantes. Le seguirían Castor et Pollux, Dardanus
o Les Fêtes d’Hébé, así como sus inigualables
Pièces de clavecin en concerts.
Alejo Palau
Although over time certain weaknesses have been
found in his Treaty, as Rameau himself must have
known, considering the several changes he made to it,
he considered it to be his greatest work, even greater
than his compositions.
On the other hand, it is interesting to note how
he, in his efforts of normalization, also published
the Méthode pour la mécanique des doigts, a
handbook on the position of fingers for playing the
harpsichord.
Fame surprised Rameau a bit later in his life, if
we consider life expectancy at the time, as well
as the age of other musicians as they started to
receive recognition. In 1723, being forty years old,
he moved to Paris, where his wide knowledge of
music theory, as well as his great abilities at the
harpsichord, turned him into Paris’ most appreciated teacher. But his great path to success would
arrive thanks to Jean Jacques de la Pouplinière, a
patron who hired him as conductor of his private
orchestra. In fact, one of the Pièces de clavecin
en concerts is named after him. At this stage,
possibly around 1735, Rameau had already composed his opera Les Indes Galantes. Castor et
Pollux, Dardanus or Les Fêtes d’Hébé would
follow, as well as his incomparable Pièces de clavecin en concerts.
Alejo Palau
Traducción: CMY
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ÍMPETUS MADRID BAROQUE
ENSEMBLE
ÍMPETUS MADRID BAROQUE
ENSEMBLE
Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid nace con el
fin de dar difusión a la música de la época barroca y clásica siguiendo criterios historicistas.
Ímpetus Madrid Baroque Ensemble dedicates
to the historically informed performance of baroque and classical music.
Esto es posible gracias a un grupo de músicos
profesionales que, encabezados por el director
y clavecinista Yago Mahúgo, cuentan con una
brillante preparación en el ámbito de la interpretación de la música de ese periodo.
This is possible thanks to a group of professional
musicians who, led by conductor and harpsichordist Yago Mahúgo, are brilliantly prepared in
the field of Historical Performance Practise with
period instruments. Thus, observing the musical
conventions of the time and performing with period instruments cause the sound of Ímpetus to be
substantially unusual, though nearer to the original intentions of the composer.
De este modo, la fidelidad a las convenciones
musicales de la época así como la ejecución con
instrumentos históricos hacen que el sonido
de Ímpetus se aleje sustancialmente de lo habitual, acercándose más a la idea original del
compositor.
Ímpetus está considerado actualmente como
uno de los grupos españoles con mayor proyección. Participa de manera habitual en los
festivales españoles más importantes (Festival
de Música Antigua de Aranjuez, Festival de
Granada…) Su primer disco, Ímpetus Live! In
Madrid publicado en 2013, ha obtenido diversos galardones de la prensa especializada.
Ímpetus is considered to be one of today’s most
prominent Spanish ensembles. Ímpetus performs
regularly at the most important Spanish festivals (Aranjuez, Granada…) Their first recording,
Ímpetus Live! In Madrid, published in 2013,
has been given several awards by the specialized
press.
More info at www.ensembleimpetus.com
Más información en
www.ensembleimpetus.com
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Yago Mahúgo, clave y dirección
Elegido por Rubén Amón, crítico del periódico
El Mundo como «Artista Español del año 2013»
y por el periódico El País como autor de una de
las mejores grabaciones del año 2013, Yago
Mahúgo nace en Madrid. Estudia piano con Ana
Guijarro y prosigue los estudios de posgrado
con Tibor Szász en la Universidad de Freiburg
(Alemania). Allí entra en contacto con el mundo
de la música interpretada con instrumentos
originales y se convierte en discípulo de Robert
Hill, bajo cuya tutela obtuvo las licenciaturas de
clave y fortepiano. El otro clavecinista básico
en su formación ha sido Christophe Rousset.
También ha recibido consejos de Kenneth
Gilbert y Jacques Ogg. Entre sus galardones
destacan los del 35º Concurso Internacional de
clave de Budapest (Hungría) y del 13º concurso
de clave de Brujas (Bélgica), considerado el concurso más importante de música antigua.
Sus actuaciones se reparten por las más prestigiosas salas de Europa y EE. UU. En 2008
Yago Mahúgo fue invitado por el Palau de les
Arts de Valencia y la Orquesta de la Comunidad
Valenciana a participar como clavecinista en la
ópera de Gluck Iphigenie en Tauride, producción en la que contaba con el tenor Plácido
Domingo.
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Yago Mahúgo, Harpsichord
& Artistic Direction
Yago Mahúgo was born in Madrid. Thanks to his
critically acclaimed recording of Royer’s harpsichord works, Mahúgo has been named by “El
Mundo” as Spanish Artist of the Year 2013, and
the CD as one of the best recordings of 2013 by
“El País”.
He has been awarded several prizes at several international competitions, such as the 35th International
Harpsichord Competition in Budapest and the 13th
Brugges Harpsichord Competition, considered to
be the most important ancient music competition. After obtaining his Piano Degree in Seville, he
continued his studies at the Hochschule für Musik
Freiburg (Germany) with Prof. Szasz, having received
the well-known Humboldt Foundation scholarship.
There he started working with period instruments
and became a disciple of Prof. Robert Hill. Under
his tutelage he achieved the Degree in Historical
Keyboard Instruments and the MA in Harpsichord
and Fortepiano. He also studied with well-known
performers such as Christophe Rousset, Kenneth
Gilbert, or Jacques Ogg.
His activity has brought him all across Europe
and the USA. He has been invited in 2008 to play
with Plácido Domingo and Patrick Fourniellier
with the Valencia Opera House Orchestra. His
Como solista ha actuado en los escenarios más
importantes destacando sus interpretaciones
del Concierto para clave de Manuel de Falla.
performances of the Harpsichord Concerto by
Manuel de Falla in Santander and Madrid are still
very well remembered.
Asimismo, ha sido invitado a participar regularmente en festivales, destacando su participación
en la Expo 98 de Lisboa, en el Festival Bach-Fest
de Leipzig y en el 50º Festival Internacional de
Música y Danza de Granada, donde obtuvo un
gran éxito de crítica y público.
He regularly plays at the best festivals, such as the
Bachfest Leipzig (1999), Lisbon Expo (1998) and
the Granada Festival (2000) among others.
Ha sido profesor de las asignaturas de clave e
interpretación histórica en el conservatorio
superior de música de Badajoz. Ahora desarrolla su labor pedagógica en el conservatorio
Teresa Berganza y como clavecinista de la Escuela
Superior de Música Reina Sofía.
Ha grabado para diversas televisiones y radios
(España, Hungría y República Checa). Su primer
disco de clave, publicado por Brilliant Classics
y Onclassical.com, con las obras completas del
compositor francés del siglo XVIII Pancrace
Royer ha sido todo un éxito de crítica tanto nacional como internacional recibiendo todas las
recomendaciones de las revistas especializadas.
En el año 2006 funda el conjunto historicista
Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid.
He has taught at the Conservatory in Badajoz
(Spain) and now teaches in one of Madrid’s
Conservatories and at the Escuela Superior de
Música Reina Sofía, also in Madrid.
He has recorded for several TV and Radio stations (RNE, TVE, Bartók Radio, MTV…), as well as
an album with the complete harpsichord works
of French 18th Century composer Pancrace Royer
(Brilliant Classics). This CD is receiving the best
reviews possible (Scherzo, Ritmo, Melómano,
Fanfare), being chosen as “CD of the Month” by
several magazines.
He is the founder and conductor of one of the
best historical ensembles in Spain: the Ímpetus
Madrid Baroque Ensemble, playing only on period
instruments.
The ensemble’s recently released debut recording
is also receiving unanimous acclaim by the specialized press.
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© Elena Mahúgo
Jordi Comellas (izq.)
Yago Mahúgo (centro)
Pablo Gutiérrez (der.)