HPM resumen libro – Sandro
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EL CANTO LLANO Y LA POLIFONÍA Música occidental tiene su origen en las culturas de oriente medio. Tras la caída del imperio Romano la iglesia cristiana perpetuo y extendió la herencia musical de la antigüedad. Canto llano tiene su fundamento en el canto judío (Grecia y Roma) Canto llano: consiste en una única frase de melodía vocal con ritmo libre (sin división de compases) s. IV se empezaron a extender las antífonas, dos conjuntos distintos de cantantes, que interpretan cantos llanos respondiendo unos a otros. HOMOFONIA Y LA POLIFONIA Cano llano se limita a una sola línea melódica sin acompañamiento, forma parte de la categoría homofonía que deriva del griego y significa "sonido igual", hay ausencia de armonía. Polifonía: comienza en el S. XII y XIII, indica la expresión simultanea de dos o más líneas melódicas independientes para producir una textura musical coherente. En la polifonía las melodías se describen como contrapuntos que se alternan en formas de respuesta y su resultado es conocido como música de contrapunto. ARS ANTIQUA Y ARS NOVA S. XII y XIII Ars Antiqua (arte antigua) Notre Dame Paris , Leonino y Perotino desarrollaron un estilo musical basado en el canto llano y el organum o diafonía, una forma primitiva de la polifonía que incorporaba partes a una melodía de canto llano. Ars Nova (arte nueva) Incorporaba innovaciones en ritmo y armonía. Guillaume de Machaut, compositor de brillante ingenio y virtuoso de los isorritmos, compositor de grandes misas y motetes, pionero de la traslación polifónica de la poesía en formas determinadas de canto como balada, rondo virelai (Chansons). El Canto Profano Francia, S XI y XII trovadores (poetas-música itinerantes de origen noble) desarrollaron su arte en Provenza. En Alemania eran llamados minesinger (cantores de amor) Alfonso II rey de Aragón se rodeo de los más famosos trovadores y cultivo el arte de la trova. Alfonso X el Sabio, rey de castilla y león, reunión en su corte a instrumentistas y trovadores, creo la cátedra de Salamanca y recopilo las Cantigas a María (400 canciones compuestas en galaico-portugués) Estilo Policoral: desarrollado en Venecia por compositores como Andrea Gabrielli y su sobrino y pupilo Giovanni Gabrielli. Motetes destacados por la riqueza de su acompañamiento instrumental y los efectos antifonales. Inglaterra, Thomas Tallis, creador de música para la liturgia anglicana. William Byrd produjo misas y motetes para la iglesia católica romana, himnos y música anglicana. EL MADRIGAL Composición polifónica profana para varias voces, basadas en poemas de algún merito literario, nace en Italia S. XIV. Los primeros compositores de madrigales fueron músicos flamencos residentes en Italia que escribieron sus madrigales para tres o cuatro voces. Carlo Gesualdo y Claudio Monteverdi convirtieron el madrigal en un genero refinado y dramática, con efectos coloristas y florituras verbales de gran intensidad. España - cabe mencionar la ensalada que es una composición polifónica que combina y mezclaba lengua, formas y motivos diferentes (Mateo Flecha el Viejo y Mateo Flecha el Joven) Inglaterra - Arye que solía interpretarse con acompañamiento de laúd o de un conjunto de instrumentos (John Downland) MUSICA INSTRUMENTAL En la Edad Media la música era utilizada principalmente para doblar las voces en la polifonía vocal o para proporcionar la música en el baile. S. XVI surgen formas de danza como la pavana y gallarda. otras formas la canzona, el ricercare, la fantasia. La música instrumental del S. XVI se interpretaba con laud, organo, virginal y otros instrumentos de teclado con cuerdas y por grupos instrumentales. MISAS Y MOTETES la misa es el principal rito de la iglesia Católica Romana es música creada como parte de su deber ante Dios. Entre los siglos XI y XIII los compositores utilizaron melodías originales del canto llano como base para los arreglos polifónicos de determinadas misas. Las primeras misas del S. XV y XVII no contenían partes instrumentales escritas, solía alternar los pasajes cantados con pasajes interpretados por el órgano (misas de órgano). Misas breves: versión concisas de la misa Misas parodias: tipo de misa en la que los compositores tomaban prestados elementos de otras obras Misas réquiem: misas para los difuntos con destinos movimientos incluyendo una apertura Motete: es una obra coral breve a menudo sin acompañamiento cuyos origines se remontan al S. XIII. Los primeros motetes eran composiciones polifónicas para tres voces, dos de ellas de acompañamiento contrapunto al canto llano u otra melodía cantada por un tenor. Motete Renacentista: es también polifónico, era una composición creada a partir de textos sagrados en latín para de cuatro a seis voces. LA MUSICA BARROCA la música barroca clásica y romántica son categorías a las que se asigna la mayor parte de la música interpretada en salas de concierto o teatro de ópera. La palabra barroco es difícil de definir, en los S. XVII y XVIII hacía referencia a la arquitectura de estilo florido de la época (1600-1750). Con la música tiene un sentido limitado pese que describe el estilo florido de las composiciones de los S. XVII y XVII. En sus inicios se suele distinguir compositores como Monteverdi y Schutz y los de finales del barroco Bach y Hendel. Los modos medievales sobre los que se había basado la composición polifónica en el S XVI cedieron el paso a un sistema que empleaba a las escalas modernas. El barroco se distingue del Renacimiento por innovaciones como el estilo concertato: partes instrumentales o vocales se acompañaban de un bajo continuo (instrumento como el violonchelo o la viola baja, combinado con un clavicordio o laúd) a) Italia proporciono: operas, cantatas y oratorios principal fuente de música para conjunto instrumental a lo largo del S. XVII El desarrollo de los principales géneros instrumentales nuevos del barroco: la sonata y el concerto. Compositores: Arcangelo Corelli configuro la forma del concerto grosso Antonio Vivaldi (1671 - 1741) y Tommaso Albinoni (1671 - 1750) escribirían música instrumenta y vocal en cantidades prodigiosas. Vivaldi - desarrollo el concierto solo, conjunto de conciertos para violín: las cuatro estaciones (producción barroca más popular). Su estructura de tres movimientos se convirtió en modelo para muchos compositores como J.S. Bach Alessando Scarlatti (1660 -1725) innovo con la forma de tres movimientos de la obertura o sinfonía de la ópera italiana, considerado precursor de la sinfonía clásica. b) Francia hubo fuerte influencia de los modelos italianos de música instrumental. Jean Baptiste Lully (1637 - 1687) estableció la forma de la opera francesa que alcanzaría su apogeo con las operas de Jean Philippe Rameau. Las denominadas oberturas francesas sobre el modelo lulliano fueron utilizadas por Haendel y fueron parte integral de la suite orquestral del barroco. Los movimientos estilizados para danza como el minuet y la allemande. c) Alemania Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) es considerado el más grane de todos los compositores del barroco, llevo hasta su máxima expresión las formas desarrolladas en Italia durante el S. XVII. La música de los himnos luteranos también influyo en el estilo de la época. d) Inglaterra Henry Purcell (1659 - 95) combina un don sublime para la melodía, la creación armónica y un dominio absoluto del contrapunto. Su obra más conocida y de mayor logro es Dido y Eneas. Georg Friedrich Haendel (1685 - 1759) empresario y maestro solista, viajo a Hamburgo para convertirse en violinista de la orquesta de ópera. En Italia conoció a Corelli y a Alessando Scarlatti y se impregno de los estilos italianos de composición vocal e instrumental. Combino el estilo italiano con el contrapunto alemán y la tradición coral inglesa que encontró en Purcell. Como correspondía a un hombre que dedico la mayor parte de su carrera a la composición de operas italianas. La habilidad del compositor de opera para la melodía persuasiva y expresiva se revela asimismo en sus conciertos, sonatas y suites. EL PERIODO CLASICO Fue un época de nuevos desarrollos en el arte de la sinfonía y el concierto. Nacimiento del cuarteto de cuerda y la sonata para piano. Franz Joseph Haydn (1732 - 1809) principales representantes Wolfgang Amadeus Mozart (1756 -1791) Ludwig Van Beethoven (1770 - 1827) Franz Schubert (1797 - 1828) El clasicismo en la música Clasicismo: estilo que acepta determinadas convenciones básicas de forma y estructura, las emplea como marco natural para la expresión de ideas. A diferencia del Romanticismo no tuvo la necesidad de romper con los límites establecidos, aunque de forma discreta sus mayores especialistas solían hacerlo. Su fuerza deriva de la capacidad de los compositores para concentrar la intensidad de su inspiración dentro de un marco formal y expresarse con claridad mediante el uso de recursos moderados. se desarrollo la sinfonía y la orquesta sinfónica como vehículo para un discurso musical bien estructurado. LA SINFONIA Sinfonía proviene del griego consonancia (armonía agradable). En el barroco no solía ser más que un preludio o interludio. Escuela de Mannheim - sus miembros Johann Stamitz y su hijo Karl establecieron como característica de la sinfonía los brillantes pasajes de escalas junto con contrastes entre suave y fuerte. Pioneros del cresendo y decresendo. otras formas :cuarteto de cuerdas (trió o quinteto), trió de pianos y sonata para piano. EL ROMANTICISMO Mozart con su sinfonía No. 40 y la ópera Don Giovanni fueron hitos del S. XIX demostró que era posible romper con los límites del formalismo del S XVIII. Beethoven y los comienzos del Romanticismo Cuando Ludwig van Beethoven compuso su primera sinfonía y su concierto para piano en Do menor, parecía que los vientos de cambio se cernían sobre el panorama musical vienes. La tercera sinfonía de Beethoven fue lo que dio el golpe a los limites puestos por el clasismo. El papel de Beethoven en la evolución de la forma sinfónica así como en el arte de la sonata para piano y cuarteto de cuerda fue algo que ningún compositor podía ignorar. Exploro tensiones emocionales y espirituales. El romanticismo hizo crecer la influencia de la literatura en la música. MUSICA PRAGMATICA el compositor como artista también se sintió atraído por lo representativo, música pragmática: evoca escenas pictóricas o encuentra una manera de contar una historia en términos puramente musicales. Compositores como Felix Mendelssohn (1809 -1847) evoca una imaginería paisajística dentro de las formas convenciones, mientas que Schumann evoca lo caballeresco y el humor. Frederich Chopin (1810 - 1849). Músico polaco que se estableció en Francia. la "poesía" de su música se tocaba en los salones franceses a la moda, además sufrió de tuberculosis, estaba destinado a hacer crecer su fama de música romántico. Franz Litz (1811 - 1886) desarrollo el arte de la música programática como una industria pesada. Nació en Hungría y viajo por toda Europa como un virtuoso del piano enormemente conocido, acuño el termino poema sinfónico para su serie de trece obras descriptivas para orquesta. EL NACIONALISMO EN LA MUSICA S. XIX auge de los sentimientos nacionalistas en Europa y se transformo en una poderosa fuerza de inspiración. Los ritmos y las danzas folclóricas las canciones y leyendas folclóricas además de las armonías folclóricas constituyeron fuentes de inspiración para compositores. Wagner, Brahms y años posteriores Wagner abandono todos los límites de la estructura convencional de escalas y en sus dramas musicales. Se inspiro en la idea de Litz sobre la metamorfosis y cultivó un cromatismo tonal. LA OPERA Opera: "obra" (italiano). Se utilizo por primera vez en el S. XVII para designar los dramas musicales en los que los cantantes disfrazados representaban una historia con acompañamiento musical. El Erudice de Jacopo Peri representado por primera vez en Palacio Pitti, de Florencia en 1600. Las primeras operas Claudio Monteverdi (1567 - 1643) compositor de las primeras autenticas obras de arte, en términos formales, de este género: "Orfeo", "El retorno de Ulises", "La coronación de Popea". Cada obra dictaba su propia forma y la música proporcionaba el contrapunto dramático. Las breves arias (canciones para solos), los madrigales (para varias voces), recitativos declamados (palabras acompañadas de música), duetos y conjuntos fueron los materiales con que trabajo Monteverdi. En Italia: S. XVII y comienzos del XVIII provenían de Nápoles( Escuela Napolitana). Alessandro Scarlatti (1660 1725) de cuyas obras nacieron las convenciones de ópera seria, y entre ellas arias de capo. En Francia: Jean Baptiste Lully (1632 - 87) creó una forma especial de opera donde redujo la larga aria italiana a composiciones más breves e introdujo un estilo declamatorio en el recitado, asignando un mejor papel a los interludios del ballet y a los coros. En Inglaterra: el desarrollo se retraso debido a la popularidad de las mascaras, sin embargo Henry Purcell produjo Dido y Eneos (1689) obra maestra de la opera. El siglo XVIII: las principales fueron escritas en Inglaterra. Georg Friedrich Haendel (1685 - 1759) llego a Londres desde Italia donde la opera se había formalizado. El aria da capo (la introducción se repetía desde el inicio) era la reina suprema. la ópera seria fue lo que definió la forma cultivada por Haendel, sus contemporaneos y el italiano siguió siendo su lengua preferida. El termino ópera seria se aplico en las formas que provenían de la historia clásica y medieval así como también temas mitológicos. Los papeles principales de la ópera seria eran interpretados por castrati. Cristoph Willibald von Gluck (1714 - 1987) compositor de Orfeo y Erudice y Alceste, dio unos rasgos más genuinamente dramáticos a la opera, y exigió "limitar la música a su verdadero papel, usándola como medio de expresión y supeditada a la situación del argumento" Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791) autor de las bodas de fandango, Cosi fan tute, Don Giovanni, la flauta mágica, que se situaban en un mundo de comedia y ópera seria. Fue el genio por excelencia de su época y respeto las convención de la opera de números en las que las intervenciones se dividen en arias. FORMAS MUSICALES 1) ARIA canción para cantante solista de una orquesta. Los intérpretes principales de una ópera o los solistas den un oratorio, cantan arias. Tienen melodía enérgica y expresan sentimientos Ej."I Know That My Reedemer Liveth" - El Mesías de Hendel, "Arias de Papageno y de la Reina de la Noche, de la Flauta mágica" - Mozart 2) CADENZA parte de un movimiento de un concierto en el que el solista toca solo con el fin de exhibir su virtuosismo. En los conciertos antiguos había un hueco para que el solista improvisara. Ej. Cadenza del primer movimiento del Concierto para Violín en si mayor de Beethoven 3) CANTATA Obra para coro y generalmente orquesta, puede haber cantantes uno o más solistas, pueden carecer de coro. Ej. Cantata No. 147 J.S. Bach 4) CARMINA BURANA (Carl Orff) grupo de canciones interpretadas en un orden particular, el cantante cuenta con acompañamiento de piano o una orquesta. El texto puede ser poético o relatar historias. Ej. El viaje de Invierno - Schubert Sea Pictures - Elgar 5) CODA Sección que incluye un movimiento de pieza musical. Suele tocarse después de la última aparición del tema principal. 6) CONCERTO GROSSO Concierto para un grupo de interpretes Ej. Concierto de Branderburgo No 2 (para trompeta, flauta dulce, oboe y violín - J.S. Bach 7) COCIERTO Pieza musical extensa generalmente compuesta de diversos movimientos, para instrumento solista de orquesta. Demuestra la brillantez del solistas. Concierto para orquesta no tiene solista Ej. Concierto de clarinete en la mayor de Mozart 8) ESTUDIO o ETUDE Composición breve para instrumento solo, sirve de ejercicio de una manera de tocar especifica. Etude No 12 do menor - Chopin 9) FORMA SONATA Forma estándar de primer movimiento de una obra instrumental, incluidas la sinfonía y el concierto además de la misma sonata. Tres partes: a)exposición: se manifiestan dos temas o canciones b) desarrollo: temas se elaboran y se amplían de diversas maneras c) recapitulación: reaparecen los temas iniciales que suelen estar modificados. 10) FUGA composición musical para cierto número de partes en la que una parte comienza a tocar una melodía y a continuación las demás entran, una a una tocando la misma melodía. Partes se imitan y se entrelazan al desarrollar la melodía. Las partes pueden ser voces o instrumentos, o se tocan todas juntas en un teclado. Ej. Gran fuga, del Cuarteto para cuerdas en si bemol mayor, Opus 130, Beethoven. 11) HIMNO Composición religiosa breve para un coro, cuenta con acompañamiento de órgano. Ej. Zandok the Priest - Handel 12) IMPROMTU Pieza breve generalmente, aunque este anotada sugiere que el interprete la invente. Ej. Fantasía impromptu - Chopin 13) LIEDER Canciones para solista, con acompañamiento de piano pero en ocasiones de orquesta. Musicalizaciones de poesías. Ej. Was ist Silvia - Schubert 14) MADRIGAL pieza musical para diversos cantantes en las que cada uno puede cantar textos diferentes de los otros cantantes. Los madrigales suelen ser musicalizaciones de poesías a menudo de tema amoroso y casi nunca religiosas Ej. Canciones Villanescas espirituales - Francisco Guerrero 15) MINUE Originalmente fue una danza en el siglo XVIII se convirtió en una pieza de música instrumental, en especial el tercer movimiento de una sinfonía, sonata o cuarteto para cuerdas. Ej. Tercer movimiento de la Sinfonía en Sol menor - Mozart Minué en sol para piano de Beethoven 16) MISA musicalización de la misa católica Ej. Ecce sacerdos magnos - Palestrina, Misa en si menor J.S. Bach 17) MOTETE obra temprana generalmente para cantantes pero también para instrumentos compuesta entre los siglos XIII y XVII. Toma una melodía y unas palabras ya existentes a las que se añaden otras melodías y palabras. Breve composición musical para coro y a veces acompañada de órgano. Ej. Ave María Plena - Josquin des Prez, Singet dem Herra - J.S. Bach. 18) MOVIMIENTO parte de una obra larga como una sinfonía, concierto, cuarteto para cuerdas o sonata; estas obras suelen dividirse en tres, cuatro o cinco movimientos que se tocan en tempos velocidades diferentes. Puede interrumpirse entre un movimiento y el siguiente o tocarse de corrido. 19) MUSICA DE PROGRAMA música cuya intención es retratar un asunto como un paisaje, un cuadro, un acontecimiento histórico una batalla, relato etc. Ej. Cuatro estaciones - Vivaldi 20) NOCTURNO pieza nocturna y a veces este título se ha utilizado para obras orquestales de atmosfera Ej. Nocturnaos en mi be mol de Chopin , Nocturnes - Debussy 21) OBERTURA pieza orquestral breve que precede la primera escena de una ópera o una composición musical. Suele tocarse al inicio de un concierto Ej. Obertura 1812 de Tchaikovsky 22) ORATORIO obras importantes para un gran coro, diversos cantantes solistas y orquesta. Los textos son religiosos y pueden ser musicalizaciones de relatos bíblicos. Ej. El Mesías - Hendel 23) PASION Oratorio basado en el relato bíblico del suplicio, muerte y resurrección de Jesús Ej. La pasión según San Mateo J.S. Bach 24) PRELUDIO Composición breve por derecho propio generalmente para piano solo pero a veces para orquesta. Ej. Preludio No. 1 del primer libro de El Clave Templado - J.S. Bach 25) RAPSODIA titulo cuya intención es sugerir que la música es imaginativa e inspirada Ej. Rapsodia para piano - Brahms 26) RECITATIVO pieza de una ópera o un oratorio que el cantante recita el texto y suele hacerlo cantando en una sola nota, con un acompañamiento sencillo. 27) REQUIEM Obra coral cantada en memoria de los difuntos. Puede ser una musicalización de la misa católica para los difuntos y se interpreta en salas de conciertos e iglesias Ej. Requiem de Mozart ASPECTOS GENERALES DEL BARROCO Barroco: desde fin del siglo XVI hasta 1750. fechas emblemáticas: 1600 - estreno de la primera opera en Florencia, Italia. 1750 - muerte de Johann Sebastian Bach La música del barroco tiene tres constantes: 1) idea general del sonido: "stile concertato" combinación de timbres diferentes cuyo principio es la concertación de cada uno de ellos. 2) Canto monódico: tipo de canto melódico que busca la claridad en la declamación del texto en contra de la polifonía renacentista. Bajo Continuo: melodía en el registro grave sobre la cual hay que construir una armonía. 3) los afectos: ideas, sensaciones y sentimientos plasmados en ciertas figuras musicales. 3 periodos del Barroco: a) Barroco temprano: 1600 - 1650 oposición al contrapunto e interpretación violenta de las letras, plasmada en recitativos afectivos con ritmo libre. Necesidad de disonancia, armonía de carácter experimental y pretonal. Se diferencian los idiomas vocal e instrumental, prevaleciendo la música vocal en la opera. b) Barroco Medio: 1650 - 1700 Bel canto. Diferenciación entre recitativo y aria. se establece la tonalidad hacia el 1680 y se limita la disonancia libre. La música instrumental y la vocal tienen una misma importancia ahora. c) Barroco Tardio: 1700 - 1750 Tonalidad plenamente establecida. Aparece el estilo concierto. Importancia en el ritmo. La música instrumental domina la vocal. Centros principales del barroco: Florencia, Roma, Nápoles, Venecia, Francia (1630), fines de siglo Inglaterra. OPERA EN EL BARROCO Barroco temprano 1) La Camareta Florentina S. XVI en Florencia Italia, grupo de músicos se reunieron en la "Camareta Florentina" con el fin de resucitar la tragedia griega. La suposición que tenían era que el modo en que esta se representaba era declamándola de manera entonada, entonces da lugar al canto monódico y con el surge la opera. Se resucita la tragedia griega con el fin de encontrar un modelo dramático de claridad textual y emocional en contra de la teoría y practica del contrapunto vocal renacentista. Se empieza a diferenciar los idiomas vocales "prima prattica" (polifonía vocal donde música domina texto) y "seconda prattica" (estilo de los italianos modernos donde el texto domina la música en pos de la búsqueda expresiva). Los primeros compositores fueron: Giulio Caccini (1551 - 1618): solo se encuentra el estilo de canción silábico nomas en su forma estrófica y madrigales. Jacopo Peri (1561 - 1633): libera la voz de la armonía para parecer una declamación autónoma de notas, creando así el estilo "recitativo" y también utiliza el estilo de monodia tanto en recitativos, arias y madrigales. 2. Opera en Mantua: Claudio Monteverdi. se le considera a Claudio Monteverdi (1576 - 1643) el primer genio creador en el repertorio operistico. Uno de los aportes fundamentales que realiza es mezclar lo hecho por la Camareta Florentina con las danzas y coros propios de la tradición renacentista. Es importante la aparición del "arioso" (punto medio entre aria y recitativo) y el canto monodico en "arias de variaciones estróficas" en dúos y en madrigales con bajo continuo. Hay un verdadero sentido teatral en la composición musical de cada acto. La opera de Monteverdi combina partes solistas a la manera de Soliloquios: - canto monódico en arias "estróficas con ritornelos", "arias de variaciones estróficas", "dúos". - Estilo recitativo para el avance de la escenas - Arioso - Música instrumental independiente como introducciones, interludios o danzas. - coros polifónicos con bajo continuo, para puntuación dramática de ciertas escenas. CONCLUSIONES DEL BARROCO TEMPRANO - Auditivamente se perciben formas claras: arias estróficas con ritornellos, arias de variaciones estróficas, recitativos, arioso, coros polifónicos. - La textura es básicamente la melodía acompañada: una voz solista sobre un acompañamiento instrumental que puede ser de diferentes instrumentos. - Rítmicamente, es no uniforme pulsado o libre. Cuando hay una carga expresiva en el texto se tiende a lo libre en arioso y recitativos. Barroco Medio 1) la opera veneciana En 1637 se abre el primer teatro comercial de opera en Venecia. La típica "opera veneciana" se le encuentra en las obras de Francesco Cavalli (1606 - 1676) donde aflora el estilo de bel canto: canto monódico en su máxima expresión de belleza vocal, melódicamente simple y con coloraturas realizadas por el cantante para ciertos puntos; hay cierto interés por la música en sí misma, cosa que no era tenida en cuenta. La estructura dramática se basa en recitativos y arias bien diferenciadas. Los recitativos carecen de la variedad y matices psicológicos pero son ricos desde el punto de vista dramático. Las arias son piezas regidas por la forma "aria estróficas con ritornellos" 2) La opera Napolitana Alessandro Scarlatti (1660 - 1725) padre del estilo napolitano de ópera. Lo que caracteriza al estilo napolitano de la opera es la separación entre "ópera seria" y "opera buffa" es decir ya no conviven elementos trágicos y cómicos como pasaba en la opera veneciana. Apunta a la belleza en la musica; por eso es más tajante la separación entre arias y recitativos que pueden ser "secco" (la voz y el bajo continuo) y "acompagnato" (la voz y la orquesta). En las arias se le da importancia a lo orquestal que hasta el momento no se le daba. 3) La opera de Henry Purcell Inglaterra mitad del siglo XVII, existían la "masque" y las "semi-operas" . Henry Pursell (1659 - 1695) compositor de Dido & Aenas Incorpora a su estilo la escuela músico teatral inglesa del siglo XVII (coros de las masques) y las influencias continentales (obertura francesa, el recitativo melodioso a la francesa). CONCLUSIONES DEL BARROCO MEDIO a) Italia Se generan dos estilos de ópera: la veneciana y la napolitana: - La napolitana divide la opera en "seria" y "bufa" mientras que la veneciana no. - se le da mayor importancia a la orquesta en las arias en la opera napolitana - se establece el aria ''da capo" en la opera napolitana mientras que en la veneciana sigue el aria estrófica, con ritornellos y de variaciones estróficas, y airosos. - Hay diferenciación entre recitativo y coloratura vocal que le imprimen los cantantes. b) Francia Nace la opera nacional francesa: - Obertura fracesa, tiene dos secciones diferenciadas y contrastes (lento/rapido, dos tiempos/ tres tiempos, marcado/fugado) - Los recitativos tienen belleza vocales a la manera de ariosos - los momentos instrumentales tienen mayor importancia tanto en las partes solistas como las danzables - Las arias son esroficas, sobre aires de danza c) Inglaterra - Uso de la obertura francés - uso de los recitativos como los franceses con carga expresiva y dramática - clara diferenciación entre aria, arioso, recitativo, partes corales con sendas identidades Barroco tardío La opera en Francesa II Jean Philippe Rameau (1683 - 1764) fue uno de los grandes teoricos de la armonia con la escritura en 1772 de su Tratado de Armonía y otros trabaos referentes al tema donde define al acorde como elemento primario de la tonalidad. Los recitativos son en ritmo no uniforme libre con belleza vocal. El arioso incremente esa belleza melódica, además tiene ritmo no uniforme pulsado y una instrumentación mas sensual con flautas. La textura es melodía acompañada. CONCLUCIONES DEL BARROCO TARIDO La ópera italiana con la clara diferenciación entre aria y recitativo llega a Inglaterra de la mano de Haendel. Las arias son mayormente "da capo" como lo había impuesto el estilo napolitano. La opera francesa continua con las características del Barroco Medio. EL ROMANTICISMO En 1789 se produce la revolución francesa a la cual continúan los anos de terror y la proclamación de la Republica. El romanticismo nace como reacción al iluminismo del siglo XVIII, sus fuentes poéticas son los mitos, las leyendas medievales, los castillos y una seria afición a lo nebuloso, lo pasional, lo fúnebre valorado lo feo como elemento de contraste. Abandona la razón y elogia la inspiración y la melancolía. Se exalto la naturaleza con un sentido casi panteísta. 1) PRIMERA ETAPA: PRE ROMANTICISMO Eslabon que une al Clasicismo con el Romanticismo. Beethoven: su obra se divide en 3 etapas. Las dos primeras son apegadas al clasicismo y la tercera se sienta en las bases del romanticismo (post revolución francesa) El paso entre clasicismo y la música de programa lo daban los músicos literarios: persona reunían la vocación musical y la literaria. Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (1776 - 1822) músico literario más importante, sostenía que la música podía contar o describir prescindiendo de la literatura. Franz Schubbert: el lied romantico (1797 - 1828) El lied: no tiene una traducción exacta, se entiende en castellano como "canción de cámara alemana". Es un genero típicamente romántico. S. XVIII fue un genero relegado y considerado menor. Piano se limitaba a una función de acompañante del texto cantado o participaba activamente del discusro musical y tiene tanta importancia como la voz. tipos de lied Estrófico: la melodía se repite en cada una de las estrofas desarrollado: es libre, aveces cuenta con introducción y otras con coda final declamado: el fluir musical no es continuo. 2) SEGUNDA ETAPA: ROMANTICISMO PROPIAMENTE DICHO Etapa que agrupa a los grandes románticos. las piezas liricas o de carácter. Composiciones cortas para piano que no se poseen como objetivo el desarrollo del virtuosismo instrumental de sus intérpretes. (Barcarola - Impromptu - Nocturno - Estudio - Rapsodia - Scherzo - Rondo) Virtuosismo instrumental: las nuevas formas de vida exigen un grado cada vez de mayor profesionalidad en todas las tareas. La música deja de ser considerada un don y un ejercicio común, para convertirse en una de las cien profesiones, en la cual solo un especialización puede competir. Música pura: tiene desarrollo por si misma se vale de elementos netamente musicales Música de programa: da la estructura al poema sinfónico se vale de elementos extra sinfónicos es descriptiva tiene como elemento generador: una idea poética, una histórica, un elemento literario sus argumentos son: la mitología, los ambientes caballerescos y góticos. La sonata romantica: la palabra sonata deriva del italiana suonare (tocar). Toda composición instrumental en oposición a la cantata, composición para cantar. En el clasicismo llega a su apogeo y establece su forma A-B-A Los románticos rara vez cultivaron este género. Los que lo hicieron la concibieron con una idea estéticamente diferente a la clásica. Ej. Schubbert parecen canciones instrumentales largas. La musica de camara: El cuarteto de arcos: compuesto por dos violines, viola y violoncelo. Tuvo cabida en los salones principescos del siglo XVIII. Con Beetoven llego a su culminacion expresiva y formal. Conlas corrientes nacionales se intento crear cuartetos con colorido nacional. La musica orquestral: las orquestas sonbien recibidad sobre todo si ejecutan algun poema sinfonico. El aporte de Hector Berlioz: da base a la orquestacion y en su tratado de instrumentacion: - individualiza los intrumentos jeraquizandolos - utiliza sonidos muy agudos o muy graves - ritmos irregulares Nacionalismo musical se desarrollo en países que no pertenecieron a las potencias musicalmente hegemónicas. Surge una corriente que intenta la búsqueda de la identidad del pueblo en las artes folclóricas, sobre todo en los campesinos "que no se han hechado a perder" no recibieron influencias de otras culturas. En Rusia Michel Glinka (1803 - 1856) compuso temas donde utilizo el folclore ruso como el espanol con objeto de levantar sentimientos nacionales y patrióticos. Compuso la vida por el Zar, sus personajes son campesinos o héroes populares. 3) TERCERA ETAPA: ROMANTICISMO TARDIO Periodo romántico que comenzó en 1770 con el nacimiento de Beetoven, culmina con el estreno de la consagración de la primavera de Stravinsky en 1913. La policoralidad En Venecia, desde 1534 hasta aproximadamente 1600, se desarrolló el impresionante estilo Policoral, que dio a Europa algunas de las más espléndidas composiciones musicales de aquellos tiempos, con los múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes espacios de la Basílica de San Marcos de Venecia (ver Escuela Veneciana). Estas múltiples combinaciones, que contenían ya el germen del estilo concertante, se difundieron por toda Europa en las décadas posteriores, empezando por Alemania y propagándose poco después a España, Francia e Inglaterra, marcando el principio del cambio estilístico que conduciría al Barroco musical. La monodia acompañada Más comúnmente llamada hoy melodía acompañada, se creó en Florencia, donde hubo un intento de revivir el drama y el estilo musical de la antigua Grecia mediante la monodia, un canto declamado sobre un acompañamiento instrumental simple (similar ya al bajo continuo); el contraste con el estilo polifónico entonces dominante era absoluto. Inicialmente la monodia fue utilizada sólo en la música profana. Estos músicos fueron conocidos como la Camerata Florentina.
