* El Arte de las Grandes Civilizaciones 566 * El Arte Románico y el

A rte
MENÚ
El Arte de las Grandes
Civilizaciones 566
El Arte Románico
y el Arte Gótico 576
El Arte Precolombino
El Arte del Renacimiento
y el Manierismo 584
El Arte Barroco
Arte Moderno
y Contemporáneo
AUTOEVALUACIONES
578
586
588
SALIR
ARTE
•
el
ARTE DE LAS GRANDES CIVILIZACIONES
Antiguo Egipto
La historia del arte tiene su inicio en el Próximo Oriente, donde
emergen las primeras culturas denominadas históricas y que en
sus comienzos conviven con otras que todavía no han superado
la prehistoria. Egipto y las civilizaciones del área mesopotámica
son las que introducen el período histórico.
El complejo religioso de Karnak, dedicado a Amón,
está presidido por un obelisco de base cuadrada.
ARQUITECTURA
Con un régimen social muy jerarquizado, una cosmogonía muy simple (el
Sol –Ra– fue el principio) y unas fuertes creencias en la vida después de la
muerte (los cuerpos se embalsamaban para que el alma pudiera seguir en ellos
mientras el espíritu era juzgado por Osiris, dios de los muertos), sus esfuerzos arquitectónicos se encaminaron a la edificación de palacios, templos y
tumbas.
Templos
En cuanto a los templos, durante el Imperio Antiguo se desarrollaron los santuarios solares, construidos sobre terrazas en el desierto e integrados por un gran obelisco asentado sobre una pirámide
truncada y una barca pétrea, símbolo de la embarcación de Ra.
En el Imperio Medio fueron pocos los conjuntos levantados, mientras que durante el Imperio
Nuevo, se construyeron los grandes templos de Luxor y Karnak, que ocupan varios kilómetros y se
encuentran organizados en diferentes explanadas y salas (avenida de las esfinges, explanada de los
obeliscos, sala hípetra –sin techo–, sala hipóstila
–techo sostenido por columnas).
Conjunto de Gizeh, formado por las
Otro tipo de templo es el hipogeo, excatres grandes pirámides: Keops, Kefrén
vado en la roca y dedicado a un faraón,
y Micerino, el templo
como el de Abu Simbel a Ramsés II y
de la esfinge es parte integral.
Deir-el Bahari a la reina
Hatshepsut.
566
ARTE
•
Antiguo Egipto
Pirámide de Djoser en Saqqara. Con ella se inicia la construcción
de pirámides para albergar las tumbas
de los faraones, hasta entonces realizadas en mastabas.
Tumbas
En el Imperio Antiguo, el primer
modelo de tumba monumental fue
la mastaba, cuya forma era la de
una pirámide truncada. En su interior y excavada en el subsuelo se
encontraba la cámara funeraria, de
difícil acceso para preservar el
cuerpo del difunto. Este tipo evolucionó hasta lograr, durante la III dinastía, la pirámide escalonada, formada por una superposición
de mastabas; la más conocida es la del faraón Djoser –de unos 60 metros de altura–, en Saqqara.
La siguiente dinastía egipcia acrecentó aun más las proporciones de las tumbas faraónicas y a ella se
deben las tres famosas pirámides de Gizeh: Keops, Kefrén y Micerino, formadas por grandes bloques de piedra; la mayor de ellas,
Keops, alcanza una altura de
146 metros y una superficie
de 55.611 m2. Al pie de las tumbas se levantaban otras construcciones complementarias, como
templos con una calzada que los
unía al Nilo, donde esperaba una
pétrea barca para llevar el espíritu del difunto hasta Osiris.
La esfinge de Gizeh es una de las
construcciones anejas a la piPozo de
Templo de la reina Hatshepsut en Deir-el Bahari. Constituido
rámide de Keops.
acceso cegado
por grandes terrazas sostenidas por columnas y capillas
excavadas en la roca, fue levantado
por el arquitecto Senmut.
Serdab
Capilla
Sarcófago
Reconstrucción esquemática
del interior y del exterior
de una mastaba, estructura de tumba construida
por las primeras dinastías.
En el Imperio Medio se reducen las dimensiones de las pirámides, que pasan a ser de ladrillo
y sirven para la clase media acomodada, reservándose para los
Tumba
faraones el enterramiento en hipogeos excavados en la roca sin ningún signo exterior identificativo.
En el Imperio Nuevo continuaron los
enterramientos reales en hipogeos, excavados en el llamado Valle de los Reyes; entre
las tumbas halladas en este valle destaca la del
faraón Tutankhamón, que se mantenía intacta y
contenía todo el ajuar con el que el faraón fue
sepultado.
567
ARTE
•
el
ARTE DE LAS GRANDES CIVILIZACIONES
ESCULTURA
Dos son los campos que abarca la escultura egipcia: el relieve y
la estatuaria. El primero se sitúa en las tumbas y paredes de
los templos, donde mediante la escritura jeroglífica –descifrada gracias a la piedra Rosetta hallada por Champollion,
que contenía textos en caracteres griegos, demóticos y jeroglíficos– informa de las virtudes y hazañas del faraón; asimismo, los relieves se encuentran decorando pequeñas paletas de pizarra para los cosméticos (paleta del faraón
Nar-Mer) y estelas funerarias.
Kefrén en su trono, detalle. Es de diorita y procede
del templo de su pirámide en el valle de Gizeh. Destaca la
seriedad de su rostro y el halcón Horus con sus alas
protectoras a su espalda, insuflándole el soplo divino.
En cuanto a la estatuaria, las representaciones que tienen más
relevancia son las del faraón, que aparece equipado con diversos
atributos, dado su carácter de dios-rey. Los primeros ejemplos
surgidos durante el Imperio Antiguo son la estatua de Djoser,
que forma un solo bloque junto con el trono; la de Kefrén, similar a la anterior, y la llamada Tríada de Micerino, en la que el
faraón aparece con dos divinidades.
Máscara de Tutankhamón.
Es uno de los objetos más bellos
del arte egipcio. De oro puro,
tiene piedras incrustadas y se
encontró en la tumba de este
faraón en el Valle de los Reyes.
Se expone en el Museo
de El Cairo.
En cuanto a la estatuaria cortesana de la época, destacan las parejas (Rahotep y su esposa Nofrit, que se encuentra en el Museo de
El Cairo) y los conjuntos familiares con los hijos pequeños, así como
las representaciones de escribas (El escriba sentado, en el Museo del
Louvre, París) y de otros cargos importantes en el gobierno, como la
escultura en madera de Cheik-el-Beled, en el Museo de El Cairo.
Se trata de estatuaria policroma que incorpora piedras para los ojos;
las de madera están recubiertas de planchas metálicas.
Tríada de Micerino, una de las esculturas más bellas
del Imperio Antiguo. Representa al faraón de pie, con la
pierna izquierda ligeramente avanzada con la diosa Hator a
su derecha. Se encuentra en el Museo de El Cairo.
568
ARTE
•
Antiguo Egipto
En el Imperio Medio, las estatuas del
faraón adquieren más solemnidad y
hieratismo, con lo que se logra exaltar
su divinidad, como la del faraón
Mentuhotep II.
Durante el Imperio Nuevo, la estatuaria adquiere unos rasgos más delicados, el canon se alarga y los gestos se dulcifican, con lo que las representaciones
ganan bastante en expresividad. Surgen también
otras tipologías que presentan al faraón en distintas posiciones: en cuclillas, arrodillado o como jefe del ejército.
La estatuaria cortesana
está representada por los
retratos de princesas y por las
pequeñas y naturalistas figurillas de barro cocido que muestran escenas de la vida cotidiana y oficios, como esclavos haciendo labores diversas.
Mención aparte merece el reinado de Amenofis IV, durante el cual
se crean los talleres de El Amarna, donde se cultiva el retrato naturalista y realista; de éstos proceden los magníficos retratos del propio
Akhenatón (Museo de El Cairo) y su esposa Nefertiti (Berlín y
El Cairo). También se produjeron conjuntos familiares con las hijas
de ambos.
Durante el reinado
de Amenofis IV, se
desarrolló en
El Amarna
un arte
naturalista,
regido por
reglas
inflexibles.
Los cráneos
abultados
son una
de sus
características.
PINTURA
Estatuas policromadas
del general Rahotep y su esposa,
de la época del faraón Keops, en el Museo de El Cairo.
Además de policromar la estatuaria, la pintura
embellecía las tumbas y los edificios importantes. Prácticamente no sufrió variaciones a lo largo
de la historia. Practicaban una pintura al fresco,
que se aplicaba según la técnica del temple, que
consistía en diluir los colores (negro, blanco, rojo, verde, azul, gris, ocre, castaño, amarillo) en
agua con cola y clara de huevo y después aplicar
barniz. Las representaciones se centraban en
escenas de la vida cotidiana, fiestas, el faraón
conversando con los dioses, etc., y se regían por
la ley de la frontalidad: cabeza y extremidades
inferiores de perfil y tronco de frente.
ARTES SUNTUARIAS
De entre los tesoros encontrados en
la tumba de Tutankhamón sobresalen la mascarilla funeraria, hecha en
oro macizo, y el collar del escarabajo, de oro y piedras semipreciosas, así como los tronos esculpidos
en madera y forrados de oro con
incrustaciones.
Pinturas con escenas agrícolas que decoraban las
paredes de la tumba de Nebaum, en Tebas,
conservadas en el British Museum, Londres.
569
ARTE
•
el
ARTE DE LAS GRANDES CIVILIZACIONES
La Grecia Clásica
En el siglo VII a. C. el arte griego se abrió camino auspiciado por el expansionismo helénico, que lo
puso en contacto con las culturas del Mediterráneo oriental y con un sustrato minoico-micénico
que lo diferenciaba, dando lugar al llamado período arcaico.
Rápidamente adquirió carácter propio y llegó a su
culminación a partir del año 479 a. C. con la victoria frente a
los persas; el período clásico se prolongó hasta la muerte de
Alejandro Magno (323 a. C.) y la desmembración del
Imperio en reinos, época en que se inició el período
helenístico, que sucumbió hacia el 30 a. C. con la hegemonía
romana del Mediterráneo.
Templo de Nike Aptera en la Acrópolis de Atenas. El pequeño templo
de la Victoria sin alas, con atrio compuesto por cuatro columnas, presenta
las innovaciones del orden jónico, con el desarrollo del capitel de volutas
para sostener el arquitrabe, el fuste estriado y la basa.
ARQUITECTURA
La construcción paradigmática de la arquitectura griega fue el templo, derivación del megaron minoico, que adaptó a sus necesidades. Al principio era una pequeña cella o sala que guardaba la imagen
del dios, mientras que los ritos se realizaban en el exterior, pero pronto se amplió y se dotó de una
galería exterior de columnas o peristilo, con un
pórtico anterior o pronaos, un espacio interior
o naos, que si bien en un principio era unitario
más tarde se dividió en tres naves mediante
columnas, y un pórtico posterior u opistódomos.
Según la cantidad de columnas que presentaban, los templos se clasificaron en octástilos
–ocho–, exástilos –seis–, pentástilos –cinco– o
tetrástilos –cuatro.
Vista frontal del Partenón sobre el que se ha dibujado
la proporción áurea, el canon arquitectónico griego que
marcaba casi una tercera parte para el frontón y dos
terceras para las columnas.
Origen y principales construcciones
El origen de todas estas formas arquitectónicas
es la primitiva construcción en madera; muestra
de ello es la reconstrucción del templo de Termo.
Otros templos arcaicos, ya en piedra, son el de
los Atenienses en Delfos, el de Hera en Olimpia
o el de Apolo en Corinto, todos ellos dóricos; al
orden jónico pertenecen los de Hera en Samos y
Artemisa en Éfeso. En la época clásica destacan
570
las construcciones de la Acrópolis de Atenas,
con el Partenón, el Erecteón y el templo de Nike Aptera, así como el de Zeus en Olimpia. De
época helenística cabe destacar el templo
de Zeus en Pérgamo.
Otras construcciones griegas fueron el teatro,
el odeón, el estadio, el hipódromo, las stoas o galerías porticadas y las casas para los ciudadanos.
ARTE
•
Órdenes arquitectónicos
la
Grecia Clásica
Acrótera
El alzado de los templos seguía unas pautas determinadas por los órdenes arquitectónicos: el dórico y el
jónico, a los que más tarde se sumó el corintio, que era
una derivación del jónico.
El elemento diferenciador de los tres órdenes era la
columna. La dórica no tenía basa, el fuste era más
ancho en la parte inferior que en la superior y estaba
acanalada con estrías de arista viva. Remataba en un
capitel sencillo, sin adornos y de forma cuadrada, que
soportaba al entablamento, formado por el arquitrabe,
el friso y la cornisa. Era un orden austero y racional.
Frontón
Triglifo
Cornisa
Entablamento
Metopa
Friso
Arquitrabe
Capitel
Ábaco
Equino
Collarino
Fuste
Esteréobato
Esquemas con las partes características
de los tres órdenes arquitectónicos
griegos: dórico, jónico y corintio.
Dórico
Frontón
Frontón
Cornisa
Cornisa
Friso
Friso
Arquitrabe
Ábaco
Equino con volutas
Rosetón
Voluta
Hojas de acanto
Astrágalo
Astrágalo
Fuste
Estrías
Fuste
Estrías
Basa
Basa
Jónico
Corintio
La columna jónica se apoyaba en una basa compuesta de diversas molduras, tenía el fuste acanalado pero
con las aristas biseladas y el capitel presentaba unas
volutas a cada lado, derivación de elementos vegetales
arrollados. El entablamento tenía las mismas partes que
el dórico pero estaba mucho más decorado.
El orden corintio seguía las pautas del jónico pero su
capitel estaba compuesto por dos hileras superpuestas
de hojas de acanto. Al presentar las cuatro caras esculturadas, resolvía el problema de los ángulos.
Entre las construcciones monumentales de los griegos también
destacan los teatros, como el de Delfos,
que gozaban de una magnífica acústica.
571
ARTE
•
el
ARTE DE LAS GRANDES CIVILIZACIONES
Kouros de Sunion.
Este tipo de
estatuaria,
es el primer
intento de
representación
naturalista del
cuerpo humano.
Los cabellos aún
son rígidos
y la sonrisa
estereotipada.
ESCULTURA
El contacto con las culturas del Próximo Oriente abrió el panorama de la gran escultura a los griegos que, a partir de entonces, no dejaron de modificarla y recrearla constantemente, llegando a alcanzar cotas inigualables. Destacaron sobre todo las
representaciones de la figura masculina desnuda y los relieves que
decoraban los frontones de los templos.
Período arcaico
En el período arcaico, las primeras manifestaciones fueron en
madera, pasando pronto a representar atletas jóvenes –kouros– de
rígida expresión y sonrisa hierática (Kouros de Sunion, Kouros
de Anavyssos y Kouros de Milos, Museo Nacional de Atenas) y
muchachas –korés– con ropajes de complicados pliegues (Koré con
jitón y manto, Koré de Eutídicos y Koré de Antenor,
Museo de la Acrópolis). También los frisos de los
templos guardan relieves del período arcaico, como
los de Afaia en Egina, Zeus en Olimpia y Tesoro en
los Sifnios de Delfos.
Doríforo, de Policleto. Este escultor buscó
la representación del cuerpo viril en reposo.
Período clásico
En el período clásico, la figura humana adquirió naturalidad y manifestó
emociones y movimientos. Uno de los primeros ejemplos fue el famoso
Auriga de Delfos, de bronce (470 a. C.). El siglo V a. C. estuvo marcado por
las obras de diferentes escultores: Mirón, Policleto y Fidias.
Mirón introdujo el movimiento y presentó en su Discóbolo
(460 a. C.) una composición en línea quebrada, compensada por la curva de los brazos. La mirada
se dirigía hacia el disco para calcular su trayectoria.
Policleto propuso otra interpretación
del cuerpo desnudo en su Doríforo, que
presentó la figura en contrapposto, es decir,
apoyando el peso del cuerpo en una sola pierna, mientras que la otra permanecía libre
para realizar cualquier movimiento.
En cuanto a Fidias, sus obras cumbre fueron las estatuas de Atenea
Parthenos y Zeus de Olimpia, así como los frisos del Partenón con los
episodios de la guerra de Troya, los enfrentamientos entre lapitas y centauros, entre dioses y gigantes y entre griegos y amazonas, la fiesta de las
Panateneas, etc. En estas escenas, el drapeado de las túnicas daba a
las figuras unos contornos difusos que permitían jugar con el contraste de
luces y sombras.
Discóbolo, de Mirón. El artista logró dar la perfección al cuerpo,
a la par que le infundió la gracia del movimiento.
572
ARTE
•
la
Grecia Clásica
Período clásico tardío
En el siglo IV a. C. destacaron otros tres escultores: Praxíteles, Escopas y
Lisipo.
Praxíteles, con su Afrodita de Cnido, estableció el prototipo de la
belleza femenina. Sus composiciones masculinas carecían de equilibrio al inclinarse sobre un apoyo lateral (Hermes con el niño Dionisos,
Museo de Olimpia), además de presentar las figuras en actitudes
lánguidas. Escopas por el contrario, desarrolló los movimientos violentos y los temas trágicos, tal como se observa en su Ménade danzante y en la estatua de Mausolo (Museo Británico). Por su parte,
Lisipo, de dilatada obra innovadora, trabajó el bronce y propuso
diversos puntos de vista, a la vez que desvirtuaba el frontalismo. Hizo diversas estatuas de Heracles, además de ser el retratista de Alejandro Magno.
Hermes con el niño Dionisos, de Praxíteles. Hermes sostenía
en su mano un racimo de uvas que ofrecía al pequeño dios
Dionisos, que avanza ávido la mano para tomarlo.
Período helenístico
En la época helenística se realizaron las Afroditas derivadas de la de Cnido, el
Toro Farnesio, el grupo de Laocoonte y sus hijos y los relieves del altar de Pérgamo.
La Venus de Milo, de época helenística. Demuestra cómo el arte
llegó a su perfección mostrando la morbidez de las formas
y la gracia de los pliegues naturalistas.
PINTURA
Durante el siglo IV la pintura mural cobró una considerable importancia, aunque
la pintura griega se conoce únicamente a través de copias romanas y de la decoración de la cerámica, que tuvo gran
relevancia dentro del arte griego.
Hidra ática. La cerámica
griega presenta diversas
tipologías, según la
hechura
y las asas.
Su decoración
llegó a ser
espectacular,
con figuras en
blanco y rojo
sobre fondo
negro, narrando
historias mitológicas.
Tumba
del Tuffatore
en Paestum,
uno de los escasos
testimonios de la
pintura mural
griega clásica.
573
ARTE
•
el
ARTE DE LAS GRANDES CIVILIZACIONES
Roma
Según la leyenda, Roma se fundó en el año 753 a. C., pero no comenzó a
ejercer su hegemonía en el Mediterráneo hasta el
siglo II a. C., después de las guerras Púnicas.
El origen de su arte hay que buscarlo en el arte
etrusco, simbiosis de influencias de las culturas del
Mediterráneo oriental y griegas.
El Coliseo de Roma. El anfiteatro se destinaba
a las luchas de gladiadores y fieras.
ARQUITECTURA
Escenario del teatro romano
de Mérida, España.
Una de las características más señaladas del arte romano fue la arquitectura, a la que enriquecieron
con el hormigón, más barato que los sillares y de menos peso para las estructuras, hecho que propició la construcción de bóvedas; también se usó el ladrillo, que se recubrió con materiales nobles. Los
templos siguieron los esquemas griegos y algunos se hicieron como los tholos etruscos, es decir,
circulares. Las basílicas, equivalentes a
las stoas, estaban formadas por la suma
de varios pórticos que daban al foro o
plaza, donde concurrían los edificios
principales de la ciudad. Los teatros
(Mérida, España), anfiteatros (Coliseo,
Roma) y circos (Circo Máximo, Roma)
Templo
se levantaron para solaz del pueblo,
de Vesta,
así como las termas para los baños
en Roma.
y ejercicios gimnásticos (Caracalla,
De planta
Roma).
circular, presenta
Como palacios destacan la Domus
la cella
Aurea
de Nerón y la Domus Flavia de
circundada por
Domiciano, ambas en Roma, y las vicolumnas de
orden corintio.
llas imperiales, como la de Tiberio
en Capri o la de Adriano en Tívoli. En
arquitectura conmemorativa se levantaron los arcos triunfales (Tito, Septimio Severo y Constantino,
en Roma), las columnas (Trajana, Roma), las tumbas (el panteón de Agripa) y los altares (Ara Pacis,
Roma).
También sobresalieron en la construcción de acueductos (Segovia y Tarragona en España o Gard
en Francia), puentes (Alcántara, sobre el río Tajo) y cloacas y diseñaron una tipología de casa con
patio centralizado.
574
ARTE
•
Roma
Relieve del Ara Pacis, en Roma.
Representa la Tierra llena de frutos
y ganados, flanqueada por el aire
–Aurea con un cisne– y el agua
–Nereida con un tritón–.
ESCULTURA
La escultura es clara deudora del
mundo griego, muchas de cuyas
obras copiaron, aunque se especializaron en la retratística, ya
fuera en pequeños bustos o en
estatuas de cuerpo entero (Julio César, Museo del Capitolio; Germánico, Museo del Louvre; Tiberio y
Claudio, Museos Vaticanos; Marco Aurelio a caballo, en el Capitolio) que reflejaban gran espiritualidad en los rostros. Las arquitecturas conmemorativas se cubrieron de relieves dispuestos en registros
y sin aspiraciones tridimensionales; asimismo, los sarcófagos fueron el soporte de escenas mitológicas como el Rapto de
Proserpina, escenas báquicas o hazañas bélicas. El cristianismo recogió la tradición, incorporando iconografía romana con nuevo significado.
PINTURA
La pintura embellecía las paredes de los palacios
y las villas, imitando arquitecturas monumentales y plasmando escenas como la iniciación báquica
de una doncella y paisajes (Villa de los Misterios,
Pompeya). A partir del siglo II perdió fuerza y derivó en las
figuras sueltas que se encuentran en las catacumbas.
Mosaico romano,
La técnica del mosaico, formado por pequeñas teselas de coloen Barcelona. Suerte pareja
a la pintura ha sufrido el mosaico
res, se usó no sólo para decorar los pavimentos de las distintas
estancias de las villas sino también para recubrir paredes y bóvedas. de pequeñas teselas, que pavimentaba
Se empleó ya fuese con sencillos dibujos geométricos ya fuese con las salas, aunque son más los ejemplos
que han perdurado.
complicadas escenas según tradición alejandrina (Mosaico Eridanus,
con la escena
de una carrera de cuadrigas en el Museo
Arqueológico de Barcelona; Mosaico Barberini,
en Palestrina, Italia).
Fresco de la Villa
de los Misterios, Pompeya.
Es muy escasa la pintura romana
que ha pervivido, la mayor parte
en Pompeya.
575
ARTE
•
el
ARTE Románico y el Arte Gótico
El Románico:
un Arte Constructivo
Con la consolidación de los asentamientos de los
pueblos bárbaros, se produjo la eclosión de una
arquitectura (que integra en el edificio las demás
disciplinas artísticas: la escultura y la pintura) con
unas características similares en el uso de los
elementos constructivos aunque con variaciones
regionales a la que se llamó románica en el siglo XIX
por suponerla derivada de la de los romanos.
Torre inclinada y ábside de la catedral de Pisa.
Una de las características del románico italiano son los campanile
exentos. Presenta una base cilíndrica de arcadas ciegas, utilizando en
los pisos superiores la galería de columnas.
ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA
El lenguaje ha cambiado, puesto que ya no se usan los órdenes
y se han perdido las proporciones. La planta basilical con transepto deriva hacia la planta de cruz latina –diferente longitud
de los brazos–, mientras que la cubierta de madera con arcos
fajones pasa a ser bóveda de medio cañón con arcos de refuerzo
y bóveda de aristas.
Además de las iglesias, proliferan los monasterios en los
que es preceptivo la construcción de un patio cuadrado adosado a la iglesia –el claustro– con arquerías de columnas,
que sostienen arcos de medio punto.
Cristo en Majestad de Sant Climent
de Taüll, España,
pintado en el siglo XII.
La escultura románica se desarrolla, en buena parte, en las portadas
y en los capiteles de los claustros. En las primeras llena los tímpanos
con el pantocrátor y el tetramorfos así como las arquivoltas y jambas.
En los capiteles de los claustros se plasma la historia de la humanidad
y de la iglesia, y se esculpe animales mitológicos o austeras representaciones florales.
La pintura mural al fresco presenta fondos lisos, figuras trazadas
con líneas gruesas, sombreado por medio de líneas paralelas, colores
planos y simetría compositiva, de clara derivación bizantina.
La catedral de Angulema, Francia. Presenta numerosas
arquerías con imágenes o motivos geométricos que culminan
en la parte superior con el tetramorfos rodeando al pantocrátor.
576
ARTE
•
el
Románico y el Gótico
El Gótico: un Arte Religioso
y Burgués
Fachada de la catedral de Burgos.
Se inspira en las catedrales francesas sin parecerse a ninguna.
Con esta denominación, se agrupa el arte producido en el mundo
occidental durante los siglos XIII, XIV y XV, período en el que las
ciudades fueron adquiriendo cada vez más auge.
ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA
La catedral es el edificio paradigmático en el que
se pueden apreciar todas las características e
innovaciones. Como elementos diferenciadores
destacan el arco apuntado y la bóveda de crucería. El arco apuntado, formado por dos porciones curvas con la clave en ángulo, es el gran descubrimiento que permite desplazar los empujes,
aligerar los muros y elevar los techos.
La bóveda de crucería se forma por el cruce
en diagonal de dos arcos que concentran los
empujes en los ángulos, haciendo innecesarios
los gruesos muros anteriores y complicando los
pilares, que reciben los nervios procedentes de
las bóvedas.
Al no ser elementos sustentantes, los muros
se taladran con amplios y esbeltos ventanales
con vidrieras de colores.
La escultura se desarrolla mayoritariamente
en el ámbito religioso y lucha por adquirir cada
vez más naturalidad en las expresiones de las
figuras. Éstas adquieren volumen y humanidad
y se separan del muro.
Altar de los Siete Sacramentos, de Roger van der Weyden.
En esta composición el pintor nos sitúa la escena en el interior
de una arquitectura gótica.
La escultura se manifiesta en retablos, imágenes
exentas, obras funerarias, sillerías de los coros y
medallones en relieve en los palacios civiles.
La pintura gótica presenta innovaciones notables y características propias de cada zona, con un
denominador común: la búsqueda del naturalismo.
El espacio y la luz, junto con el sentido narrativo y
la preocupación por el dibujo y el color, conforman
estos nuevos hitos de la pintura, que usa el fresco
para los muros y el temple para las tablas, aunque
se inicia también el empleo del óleo.
A partir del siglo XV una nueva corriente, la flamenca, que da sentido volumétrico a las figuras,
desarrolla el realismo y se vuelve preciosista y minuciosa en los detalles, emerge con fuerza.
Los hermanos Van Eyck, Robert Campin, maestro de Flémalle, y Roger van der Weyden son
sus valedores.
577
ARTE
•
el
ARTE Precolombino
Pectoral de Zaachila.
El oro fue uno
de los materiales
usados por
Este
los pueblos
precolombinos
para los objetos
suntuarios y rituales.
LA CIVILIZACIÓN OLMECA
Las Culturas Americanas
nombre se aplica al arte desarrollado en América antes de
la llegada de Colón y muestra como única constante el
desarrollo de una producción de gran riqueza
y expresividad en todos los ámbitos.
Figurita sedente
en terracota realizada
con la técnica del
pastillaje,
del período
preclásico
mesoamericano.
Se desarrolla entre la zona sur del actual
estado mexicano de Veracruz y la
que limita con Tabasco (La Venta) entre
1500 a. C. y la era cristiana.
La civilización olmeca destacó en la
escultura y el relieve. Se han encontrado
catorce enormes cabezas (entre 1,60 y
3 metros de altura) que presentan anchas narices, gruesos labios y ojos hinchados; están apoyadas sobre un pedestal o basamento. Se piensa que podrían ser retratos de gobernantes.
También se ha hallado, como manifestación concreta de la civilización olmeca, gran cantidad de
figurillas talladas en distintos materiales en las que destaca el sentido del movimiento. Algunas presentan el mismo tipo fisonómico que las cabezas, pero otras alargan el canon, afinan los labios y
configuran la cabeza en forma de aguacate.
Los altares son grandes bloques de piedra donde están representadas distintas escenas en alto y bajo relieve; se conocen nueve
ejemplares. Las estelas son mucho más numerosas y contienen
relieves con personajes de perfil ataviados con complicadas
vestimentas.
Cabe mencionar también las cajas de piedra y las figurillas
de cerámica. Dejando de lado las cabezas, que se supone son
retratos de gobernantes, la producción artística olmeca está
ligada a la religión.
Arriba, una de las colosales cabezas
de basalto de La Venta, que se dice
representaban a los sacerdotes-reyes que
gobernaron teocráticamente las ciudades
olmecas. Derecha, el altar n.o 4, en el que
los arqueólogos han relacionado la
abertura por donde asoma la figura con
las fauces del felino sagrado.
578
ARTE
•
las
C ulturas Americanas
TEOTIHUACÁN
Teotihuacán, al noreste del valle de México, representa entre el siglo II a. C. y el II de nuestra era el
primer período clásico del arte precolombino, período caracterizado por algunas novedades técnicas
como son el uso de algunas herramientas como el taladro, la rueda y la metalurgia.
En arquitectura, el primer punto de
atención es el concepto de urbanización, con la concepción de
espacio unitario para la ciudad
y la adopción de la gran pirámide escalonada que conduce al templo de reducidas dimensiones (pirámide de
Quetzalcóatl, pirámide de la
Luna), recogimiento interior
del lugar designado para albergar al dios y espectáculo multicolor en el acceso al
mismo. El relieve, la escultura y la
pintura se integran en la arquitectura,
Vista general del centro ceremonial de Teotihuacán desde la pirámide
como
se puede apreciar en el templo de
de la Luna. A la izquierda, detalle de las cabezas de serpiente del
Quetzalcóatl,
donde la escultura se intetemplo de Quetzalcóatl.
gra perfectamente con la arquitectura; en el
palacio de las Mariposas, que conjuga relieve y
arquitectura; y en el templo de la Agricultura, donde la pintura de fuertes colores, rojo, verde
y azul, cubría las paredes.
También tallaron grandes esculturas, como la de Chalchiuhtlicue encontrada junto a la pirámide de la Luna, y máscaras en serpentina con incrustaciones en turquesa, concha roja, nácar y obsidiana, halladas en las tumbas.
Máscara de guerrero de Texmilincan, Teotihuacán. Los aztecas
las realizaron con incrustaciones de concha, jade, obsidiana
y turquesas para darles más realismo.
CULTURAS TOLTECA, MIXTECA Y AZTECA
Conforman este período las culturas tolteca y mixteca, que pronto se vieron superadas por la azteca. En la tolteca está presente el dios Quetzalcóatl, soberano y
dios a la vez, cuyas representaciones escultóricas son lo más relevante de este período. El arte mixteca es pictórico y metalúrgico; se conservan códices y joyas.
El azteca destaca en la estatuaria y el relieve,
donde conjuga el realismo con el simbolismo
(Diosa Coatlicue, Museo Nacional de Antropología, México); se trata tanto de la culminación de las bases puestas en la cultura de Teotihuacán como de la continuación del arte desarrollado por los toltecas.
Ilustración del llamado Códice Borgia.
Es uno de los manuscritos precolombinos más
importantes por las ilustraciones que contiene.
579
ARTE
•
el
ARTE Precolombino
LA CIVILIZACIÓN MAYA
El territorio ocupado por los mayas se divide en tres zonas:
meridional, central y septentrional. El área meridional, que
comprende las tierras de Guatemala, el sur de Chiapas y
parte de El Salvador, recibió influencias olmecas y teotihuacanas, así como toltecas y aztecas. En el área central, es decir,
tierras bajas de Guatemala, Belice, oeste de Honduras y parte
de los estados mexicanos de Tabasco, Chiapas, Campeche y
Quintana Roo, es donde se desarrolló propiamente la cultura maya. En el área septentrional, es decir, norte de la península de Yucatán, el desarrollo fue paralelo al área central
hasta que en el siglo X tuvo lugar la invasión por parte de
grupos toltecas y se fusionaron las técnicas artísticas.
Jarro
policromado.
Hallado en
una tumba,
representa un
hombre con
una serpiente,
con incripciones
explicativas.
Período clásico
El clasicismo en el área maya se manifestó en las estelas con jeroglíficos, los templos con bóveda por aproximación de hiladas, calendarios
y cerámicas policromas. La organización social se basaba en las ciudades-estado, que proliferaron entre los años 300-600, para posteriormente estancarse su expansión. Se puede seguir su evolución gracias a las estelas calendáricas que solían levantar en ellas.
Cuenco de cerámica. De forma
hemisférica, presenta decoración realizada
con pastas coloreadas que delimitan los dibujos.
Arquitectura
La arquitectura maya se centra fundamentalmente en los templos, de forma piramidal, que presiden
el conjunto de la ciudad, estructurada alrededor de una gran plaza. La pirámide de acceso carece de
ornamentación ya que ésta se centra en las paredes del templo y en las «peinetas» o cresterías que los
coronan; la belleza viene dada por la armonía de sus
proporciones (templos de Palenque, Tikal, Uxmal).
Además de los templos había otras edificaciones como palacios –de diversos pisos superpuestos y con muchas estancias–, altares,
juegos de pelota y baños de vapor. Los juegos de pelota son construcciones muy
singulares, de planta en forma de
doble T, donde se desarrollaba el
juego ceremonial.
Pirámide del «Adivino» en Uxmal.
Es el edificio más alto de la ciudad con
sus 30 metros de altura, compuesto por la
superposición de cinco templos, alzados
a lo largo de cinco siglos. La empinada
escalinata conduce al lugar sagrado.
580
ARTE
•
las
C ulturas Americanas
Escultura
La escultura es una de las manifestaciones más características de la cultura
maya, realizada en piedra, barro, madera, hule... El relieve estuvo muy ligado a los calendarios y a las estelas, configurando los jeroglíficos explicativos (templo de la Cruz Foliada, en
Palenque; estelas de Piedras Negras y Tikal). Otro tipo
de relieves fueron los colocados en la parte inferior de
los dinteles para que fuesen vistos al pasar por debajo.
También las máscaras, como en Teotihuacán, tuvieron
gran relevancia, así como las figurillas de terracota, algunas procedentes de ajuares funerarios, otras votivas ofrecidas a los dioses.
Máscara del rey Pakal, de Palenque,
modelada en estuco y hallada en su tumba,
bajo el Templo de las Inscripciones.
Estela de El Ceibal,
Guatemala.
Pinturas del Templo de Bonampak. Aunque
seguramente la pintura mural maya adornaba todos
los templos y palacios, son pocas las muestras que
nos han llegado.
Los mayas también cultivaron la pintura aunque, dado
su carácter perecedero en condiciones ambientales
adversas, se ha conservado en escasa proporción atendiendo a lo que debió de ser su importancia. Las que se
pueden apreciar en el conjunto del templo de las
Pinturas, en la ciudad de Bonampak, de brillante colorido, dinamismo en los personajes y belleza en la composición, dan idea de su calidad, así como las cerámicas pintadas y los cuatro códices conservados.
Período posclásico
El período de la decadencia maya está caracterizado por
el conjunto de Chichén Itzá, de clara influencia tolteca,
donde se puede apreciar el perfeccionamiento de los elementos procedentes de Tula: amplios vestíbulos, salas con
columnas, muros engrosados, cresterías, atlantes, serpientes emplumadas, águilas y jaguares; junto con los propiamente mayas: bóveda angular, muros lisos y cornisas de
tres molduras. Hacia el año 1200, la ciudad fue destruida
por las gentes procedentes de Mayapán, cuyo linaje perduró hasta 1441, año en que fue abatido por la alianza de
distintos jefes maya-toltecas.
Plataforma superior del templo de los Guerreros,
con la estatua del dios Chaac-Mool en primer término.
581
ARTE
•
el
ARTE Precolombino
LA CULTURA CHAVÍN
La cultura chavín (1500-500 a. C.) fue el inicio de la civilización que se desarrolló más tarde en Perú. Chavín de Huantar fue un centro religioso en
cuyas paredes se encuentran las complicadas trazas de los relieves lineales
chavinoides. El castillo y el templo Temprano son las edificaciones que dominan el conjunto, formadas por grandes moles de piedra y barro con galerías a
distintos niveles y con cabezas de piedra sobresaliendo de sus muros.
En escultura destacan la gran estela conocida como El lanzón, de
4,53 metros de alto, el obelisco Tello (Museo Nacional de Antropología,
Lima), que presenta grabado el dibujo de un dios-caimán; y la estela
Raimondi, del Museo de Lima, que representa una divinidad de rasgos
felinos. Destacan en estas creaciones el sentido de la simetría, la repetición de elementos, el módulo de anchura y la reducción de los motivos a
unas cuantas líneas geométricas sencillas. La cerámica presenta dos variedades: con incisiones rojas o negras.
Cerámica de la cultura chavín.
Chavín presenta dos tipos de cerámica: la de uso normal,
llamada «de las rocas», de aspecto rudo y con decoración
incisa, y la ritual llamada «de las ofrendas» de acabamiento
negro o gris semejante a la piedra.
LA CIVILIZACIÓN MOCHICA
La cerámica mochica
presenta vasijas
de diversas
formas
adornadas
casi siempre
con figuras
humanas
realizando
actos
sexuales.
La civilización mochica, auténticos maestros de la
hidráulica, cultivó un arte realista y naturalista del que se
conservan manifestaciones sobre cobre, madera, oro y cerámica profusamente ilustrada, así
como objetos de adorno como pendientes, narigueras y collares. En las
escenas narrativas de las cerámicas se
puede contemplar y apreciar el grado de
jerarquización de la sociedad, los diferentes oficios que se desarrollaban
en la ciudad, así como escenas eróticas en toda su crudeza. De su arquitectura sobresalen las huacas –santuarios– del Sol y la Luna, en Moché, de
terrazas superpuestas.
Fragmento de tejido procedente de las tumbas de Paracas.
LA CULTURA NAZCA
La cultura nazca, asentada en una región seca, ha legado muestras de tejido que proceden de las
inhumaciones de la necrópolis de Paracas, así como una cerámica con decoración pictórica estilizada y naturalista (animales, frutos), con una gran carga simbólico-religiosa (personajes con cuerpo de
ciempiés y atributos felinos, portadores de cabezas cortadas) y de formas poco variadas: cuencos,
vasijas cilíndricas y vasos globulares con dos picos. De su arquitectura, hecha de barro, quedan restos
en Acarí. También pertenecen a esta cultura las rayas que conforman animales y motivos geométricos gigantescos, perceptibles desde el aire y grabadas sobre el desierto.
582
ARTE
•
las
C ulturas Americanas
LA CIVILIZACIÓN DE TIAHUANACO
La civilización de Tiahuanaco (en la actual Bolivia) presenta un arte basado en las esculturas, los
relieves, las cerámicas y los metales. La ciudad era un gran centro ceremonial
del que perduran los restos de los templos y las llamadas Puerta del Sol y
Puerta de la Luna. En escultura destacan los monolitos trabajados por sus
cuatro costados; monolitos Ponce o Fraile, de estilo geométrico y hierático.
Tiahuanaco expandió su influencia sobre la costa peruana.
Pectoral de plata. Los objetos de oro y plata que lucían
los dirigentes incas eran signos que evidenciaban
su ascendencia real y su poder.
Monolito Ponce,
posiblemente pilar
antropomorfo
de Tiahuanaco.
LA CIVILIZACIÓN INCA
El período posclásico en los Andes se centró en una serie
de pequeños señoríos –Chimor, Chincha, Cuismancu– que
cayeron bajo la dominación de los incas de Cuzco. De ellos se conservan
producciones de cerámica y orfebrería. Los conquistadores incas carecían de creadores plásticos y
sus obras sobresalientes se encuentran en las piezas de orfebrería –pequeñas figuras de hombre
y mujer– y en las construcciones megalíticas: fortaleza de Sacsahuamán, en Cuzco, Perú, y conjunto
de Machu Picchu.
La escultura estaba prohibida
por orden divina y solamente la
cerámica presenta trazos geométricos que decoran vasijas en
forma de cántaro de base
apuntada.
Ruinas de Machu Picchu.
Situada entre cuatro cerros,
la ciudad se organizaba
en torno a una plaza
rectangular, con un sistema
de terrazas.
583
ARTE
•
el
ARTE del Renacimiento y el Manierismo
Linterna
El Renacimiento: Renovación
Cultural y Artística
Espigones
de ladrillos
Cúpula con
doble cascarón
Óculo
Tambor
octogonal
Se llama Renacimiento al arte
surgido en Italia en el siglo XV.
En esta época, el movimiento
humanista, que toma al hombre
como referencia y pretende una
restauración de la Antigüedad, es
causa y componente del arte
renacentista. Quattrocento es la
denominación italiana del arte del
siglo XV, y cinquecento la del XVI.
Cúpula de la catedral
de Florencia, de Brunelleschi.
El arquitecto supo combinar la cúpula
semiesférica con la apuntada,
logrando un equilibrio
de fuerzas que le permitieron cubrir el enorme espacio.
ARQUITECTURA
En el quattrocento se practica una arquitectura pensada y teorizada. El tratado de Vitruvio pone en
boga el lenguaje de la antigüedad romana y los arquitectos se afanan en estructurar sus construcciones con los órdenes clásicos, ordenando el espacio desde la perspectiva y dividiéndolo por módulos.
Brunelleschi es el primero en poner las bases de esta nueva arquitectura con la cúpula de Santa
Maria dei Fiori de Florencia.
En el siglo siguiente, Roma toma el relevo de Florencia y es allí donde los arquitectos prosiguen
la búsqueda de nuevas experiencias, formulando distintas soluciones para la basílica de
San Pedro (Bramante, Rafael, Sangallo, Miguel Ángel y Carlos Maderno).
En el cinquecento, aunque las primeras formulaciones las hagan hombres de
la talla de Rafael y Miguel Ángel, son sus seguidores los que
crean el manierismo en la arquitectura, alterando los
órdenes clásicos con planteamientos escenográficos y de carácter ilusionista.
San Giorgio Maggiore de
Venecia, Italia, obra de Palladio.
Este insigne arquitecto
nos ofrece en todas
sus obras sus conocimientos
de la arquitectura clásica.
584
ARTE
•
el
Renacimiento: Renovación C ultural y Artística
ESCULTURA
La escultura prosigue su viaje hacia el naturalismo, durante el quattrocento,
ya iniciado a finales de la etapa anterior. Los escultores estudian la anatomía de los cuerpos y fijan el canon entre nueve y diez cabezas.
Ghiberti, partiendo de la tradición gótica, renueva el lenguaje con un
modelado suave de los relieves. Donatello se centra en la figura humana
en solitario y se preocupa de la anatomía y la expresión.
Verrocchio acentúa la anatomía y el realismo con la búsqueda de una
mayor movilidad de la figura.
En el cinquecento, el que marca el punto del clasicismo escultórico es
Miguel Ángel Buonarroti, el gran escultor del Renacimiento, que recoge los avances de Donatello y los mezcla con sus conocimientos de la
Antigüedad.
El Moisés de Miguel Ángel.
PINTURA
En el quattrocento, se ensaya con
la perspectiva y se atiende a la iluminación y al espacio; se realizan
diseños previos que debían ser
aceptados por el que encargaba la
obra. El pintor deja de ser artesano para pasar a ser artista y firmar
sus obras como maestro de un
taller.
Los autores más representativos son Masaccio, Fra Angélico,
Del Castagno, Uccello, Botticelli,
Ghirlandaio, Piero della Francesca
La Gioconda, de Leonardo da Vinci.
y Mantegna.
En el cinquecento Leonardo da
Vinci, con su perspectiva aérea y la
técnica del sfumato o fusión de luz y sombras, unifica la figura con
el fondo. Rafael consigue unidad de acción y conjugación de los
valores cristianos y paganos. Por su parte, Miguel Ángel plasma en
el techo de la Capilla Sixtina la historia de la Creación con el colofón del Juicio Final.
Mención aparte merece la escuela veneciana, donde la luz y el
Alegoría de la Primavera. Botticelli.
color están presentes en todos sus cultivadores: Giorgione, Tiziano,
Tintoretto, y el Veronés.
La corriente manierista, cultivada en las cortes europeas, adquiere todo su significado con la idealización de las imágenes, la composición por medio de curvas y
líneas sinuosas –linea serpentinata–, la magnificación del espacio y el triunfo de lo decorativo sobre
lo pictórico.
Algunos de los principales exponentes del manierismo son Pontormo (Visitación, iglesia de
Carmignano), Il Parmigianino (Madonna del «collo lungo», Museo de los Uffizi), Gian Battista Rosso
(Galería de Francisco I, en Fontainebleau), Giulio Romano (El Olimpo, palacio del Té, en Mantua),
El Greco (Laocoonte, National Gallery, en Washington).
585
ARTE
•
Linterna en
espiral
Entablamento
el
ARTE Barroco
El Barroco: desde la
Contrarreforma a la Exuberancia
El término barroco se acuñó en el siglo XVIII para denominar un arte al
que se consideraba extravagante y ridículo, una degeneración del
Renacimiento. No obstante, es un estilo con lenguaje y soluciones
formales propios, reflejo del pensamiento de su época.
Bóveda
Tambor
Sección de Sant’Ivo alla Sapienza, de Roma.
Borromini consiguió en esta iglesia que el
movimiento no tuviese fin, extendiéndose
del interior al exterior y subiendo hasta la
linterna que corona la cúpula de donde
se abre hacia el infinito.
ARQUITECTURA
En un principio, la concepción espacial barroca
se dirigió, en la tipología religiosa, a la creación
de un espacio unitario acorde con la liturgia contrarreformista, que precisaba amplios espacios
para la propagación de la fe. Más tarde se añadió la búsqueda de un espacio interrelacionado
que consiguiera absorber al espectador.
Planta mixtilínea
Pilastra
Bernini fue uno de los iniciadores de esta búsqueda y Borromini fue el máximo exponente con
su geometrización del espacio.
Guarino Guarini cierra el ciclo mediante la yuxtaposición de
los módulos espaciales en
la búsqueda de un espacio
continuo.
La arquitectura civil busca también soluciones unitarias y utilitarias. No tienen un cortile inscrito como
los renacentistas sino que se
abren al espacio infinito.
586
La catedral de Puebla sigue el modelo
de la de Ciudad de México.
Construida en el siglo XVI,
el arquitecto pudo dotarla
de un amplio interior
y de gran número
de capillas.
ARTE
•
el
Barroco: desde la Contrarreforma a la Exuberancia
ESCULTURA
La escultura barroca está dominada por un nombre: Bernini. Este artista polifacético cambia los parámetros de la escultura manierista y, al contrario de
Miguel Ángel, que decía que el arte de esculpir era «quitar» lo que sobraba, Bernini añade. Combina diversos bloques y también distintos materiales –bronce, mármol, alabastro– e imbuye a sus figuras de un dinamismo que las hace abrirse en diferentes direcciones. Plasma el instante
fugaz, como si de una fotografía se tratase. La escultura está proyectada
para ser contemplada desde un punto de vista único y no desde cualquier lugar, además de estar pensada para un sitio concreto, muchas
veces formando un conjunto parecido a una representación teatral.
En España se impone casi con exclusividad la temática religiosa.
En este campo sobresalen Gregorio Fernández, artífice de esculturas
con un alto grado de carga emocional, Martínez Montañés, mucho
más moderado y sin estridencias, y Alonso Cano, con sus delicadas
vírgenes.
David, obra de Bernini,
que el gran escultor barroco
nos presenta en el momento
justo en que se dispone
a tirar la piedra a Goliat.
PINTURA
La pintura barroca inunda las iglesias, los palacios y las casas particulares con temas religiosos, alegóricos, mitológicos o históricos.
Produce retratos que revelan la personalidad de sus modelos, retratos de grupos para estamentos, bodegones y floreros. Se subdivide
en distintas corrientes: el clasicismo o academicismo clásico, el natuAutorretrato
ralismo, el realismo y el barroco propiamente dicho.
de Rembrandt.
Sus representantes más
destacados son Annibale
Carracci, Nicolas Poussin,
Caravaggio, iniciador de la corriente naturalista, que pretende plasmar la realidad tangible. Frans Hals, Vermeer y
Rembrandt, que personificó la culminación de la pintura
barroca holandesa. La corriente barroca flamenca tiene su
máximo exponente en Rubens, que da valor al conjunto y
no a las partes, con espíritu globalizador.
En España, Velázquez, de difícil clasificación, es el gran
hito en la pintura; abarca todos los géneros: temática tenebrista, mitológica, religiosa y retrato. Otros pintores
importantes fueron Zurbarán, Murillo y Valdés Leal.
Velázquez en Las Meninas retrata la visita en su taller
de la Infanta Margarita y su séquito; mientras él está
pintando a los reyes, que se ven reflejados en el espejo.
587
ARTE
•
Arte Moderno y Contemporáneo
Impresionismo y Primeras
Vanguardias del Siglo XX
Conforman la segunda mitad del siglo XIX una multitud
de tendencias artísticas, que evolucionan en dos líneas
maestras y que marcan las pautas del siglo XX: una racionalista
y objetiva, y otra simbolista y subjetiva.
El desayuno sobre la hierba de Édouard
Manet es una obra puente entre el
realismo y el impresionismo,
con un original tratamiento
de la luz y el volumen.
El trazo enérgico y el uso atrevido de colores
singulariza la obra de Vincent van Gogh, como
se aprecia en La iglesia de Auvers.
IMPRESIONISMO
Manet lleva el realismo del campo a la ciudad y, con una concepción transgresora de los convencionalismos académicos, pone las
bases y hace de puente con la pintura impresionista.
En abril de 1874, un grupo de pintores contrarios a los postulados de la
Academia francesa se unen y exponen sus pinturas en una galería alternativa a la oficial. Había nacido el impresionismo, que según sus detractores carecía de dibujo, terminación y era informe. Monet,
Degas y Renoir son sus principales valedores.
El movimiento impresionista pronto evolucionó para pasar a ser postimpresionista, con pintores
como Seurat, que quería algo más que captar la fugacidad y que aportó como novedad el método
puntillista; Cézanne, que quería hacer del impresionismo algo sólido y duradero mediante la recuperación del valor del dibujo y la utilización del color para definir las formas; Gauguin y Van Gogh,
que se distanciaron pronto absorbidos por el simbolismo.
FAUVISMO
El fauvismo busca la liberación de la forma a través del color
haciendo suyos los planteamientos simbolistas y postimpresionistas, pero sin adjudicar nada más que su propia fuerza y la
emoción que pueda producir en el ánimo del que lo contempla. Matisse, Derain y Vlaminck fueron sus figuras más representativas.
CUBISMO
Las señoritas de Aviñón de Pablo Picasso
se considera un punto de arranque
del cubismo.
588
El cubismo somete la expresión a una reducción formal que
aplica la fragmentación del espacio en planos, negando la profundidad renacentista, y somete las figuras a una visión conjunta a través de todos los puntos de vista. Las máximas figuras de este movimiento fueron Braque y Picasso.
ARTE
Formas únicas
de continuidad
del espacio, del futurista
italiano Umberto
Boccioni.
•
Impresionismo y Primeras Vanguardias del Siglo xx
F UTURISMO
Propugnado por Marinetti, preconizaba la construcción de un
mundo nuevo, alabando la belleza de las máquinas, el ruido y la
velocidad.
Rueda de bicicleta,
de Duchamp.
Es un «ready-made».
DADAÍSMO
El dadaísmo surgió en Zurich, donde se
reunieron diversos artistas que huían de
la Primera Guerra Mundial, y quisieron plasmar su rechazo al Status quo.
La libertad, el juego y el absurdo eran
sus premisas. Duchamp y Picabia, son
dos de sus componentes.
SURREALISMO
El surrealismo abarcó no sólo las artes plásticas sino todas las formas de expresión: literatura, cine,
fotografía, teatro. Desde París se extendió por Europa y pasó al continente americano.
Ernst, con sus collages, frottages y grattages, desarrolló imágenes dispares
con configuraciones absurdas, formas casuales y caprichosas. Miró, que
había pasado por el fauve y el cubismo, derivó hacia una visión surreal que desembocó más tarde en la abstracción.
Las obras de Dalí presentan un surrealismo naturalista y figurativo, más interesado por el mundo onírico, y sorprenden por las
extrañas asociaciones de objetos y el ambiente irreal.
En El carnaval de Arlequín, Miró plasma el onirismo
esquemático de tintas planas y signos el automatismo psíquico.
LA BAUHAUS
Entrada principal
En arquitectura hay también una primera vanguardia liderada por los arquitectos de la Bauhaus:
Gropius, Meyer y Van der Rohe, junto con Le
Corbusier, Lloyd Wright, Behrens y otros, que proAltar
pugnan una arquitectura moderna basada en el
exterior
desarrollo de la técnica y de los nuevos materiales,
hierro, cristal, cemento armado, que les permiten
Plataforma para
una concepción diferente del espacio.
los cantores
Púlpito
Le Corbusier hizo de Notre-Dame du Haut de Ronchamp,
una iglesia estrictamente «funcional».
Altar mayor
Altar
secundario
as
pill
Ca rales
late
a
pill
Ca ral
e
t
la
l
era
lat
a
d
tra
En
589