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V CICLO DE CONCIERTOS DE
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
FUNDACIÓN BBVA
BILBAO 2014-2015
16 de diciembre de 2014
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Martes, 16 de diciembre de 2014
Fundación BBVA
Edificio San Nicolás
Plaza de San Nicolás, 4
Bilbao
Fundación BBVA
La Fundación BBVA es expresión del compromiso del Grupo BBVA con la mejora y el
bienestar de las sociedades en las que está
presente. Fomenta y apoya la investigación
científica y la creación artística de excelencia, así como su proyección a la sociedad.
Dentro del programa de Cultura, dedica especial atención a la música clásica, con énfasis en la composición del siglo xx y comienzos del presente. La tipología de actividades
incluye las siguientes:
• Concursos y premios, como son el Premio
Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento y
la Cultura, en la categoría de Música, y el Premio de Composición Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas (AEOS)-Fundación BBVA.
• Ciclos de interpretación de música de los
siglos xx y xxi, entre los que destacan el
Ciclo Retratos, a cargo de PluralEnsemble,
en el Auditorio Nacional de Música de Madrid; el Ciclo de Solistas y el de Conciertos
de Música Contemporánea, en las sedes de
la Fundación BBVA en Madrid (Palacio del
Marqués de Salamanca) y Bilbao (Edificio de
San Nicolás), respectivamente.
• Formación académica de excelencia, a través de un programa de becas destinadas a la
Joven Orquesta Nacional de España (JONDE),
complementado con la creación de la Academia Orquesta Nacional de España-Fundación
BBVA, un nuevo programa pedagógico en
colaboración con la Orquesta y Coro Nacio-
nales de España (OCNE), que hará posible la
participación de músicos de la JONDE en conciertos de la OCNE, y el apoyo a la Cátedra
de Viola Fundación BBVA Escuela Superior de
Música Reina Sofía y a la Sinfonietta de Música Contemporánea de la misma escuela.
•Ciclos de Jóvenes Intérpretes, desarrollados en las sedes de la Fundación en Madrid
y Bilbao.
•Grabaciones en audio y vídeo y difusión
de música de nuestro tiempo, señaladamente la serie NEOS-Fundación BBVA y la
Colección de Compositores Españoles y Latinoamericanos de Música Actual, impulsada
por la Fundación BBVA en colaboración con
el sello Verso. Se desarrollan también proyectos singulares dedicados a la grabación
en audio o en vídeo de la interpretación de
artistas particularmente destacados, entre
ellos los dos dedicados al maestro Achúcarro
(con Opus Arte y con Euroarts), a obras o figuras emblemáticas, como Tomás Luis de
Victoria (con la BBC), la Carta Blanca Ecos
y sombras dedicada a Cristóbal Halffter (con
Koala Productions) y la grabación del estreno mundial de su ópera Lázaro (con NEOS),
el Panambí de Ginastera (con Deutsche
Grammophon), las óperas Eugene Onegin
de Chaikovski y Rigoletto de Verdi (con la
Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera
[ABAO]), Spanish Landscapes de Leticia
Moreno (con Deutsche Grammophon), y
Aura de Judith Jáuregui (con BerliMusic).
•Colaboración recurrente con orquestas e
instituciones dedicadas a la música clásica
y la ópera, destacando el programa con la
ABAO, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
(ROSS), la Orquesta y Coro de la Comunidad
de Madrid (ORCAM), la Orquesta Sinfónica
de Madrid, el Teatro Real de Madrid, y el
Gran Teatro del Liceo de Barcelona.
•Encargos de composición a creadores españoles e internacionales, en especial con el
Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM),
la ORCAM, y la Orquesta Sinfónica de Euskadi,
además de otros encargos directos.
• Ciclos de conferencias y actividades orientadas a difundir y desvelar al público interesado el significado de la creación musical. Apoya también publicaciones de referencia en el
ámbito de la música como la revista Scherzo.
Pocas áreas de la cultura expresan de manera tan acabada como la música el equilibrio
entre el mantenimiento de una rica tradición
–reactualizada y enriquecida permanentemente– y de innovación radical, aportando
ambas una componente esencial de la sensibilidad de nuestro tiempo. Y por ello forma
parte central del programa de la Fundación
BBVA, con una dedicación que le ha hecho merecedora de la Medalla de Oro al Mérito en las
Bellas Artes, y la Medalla de Honor de la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando.
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INTÉRPRETES
Cuarteto Bretón
Anne-Marie North, violín
Antonio Cárdenas, violín
Iván Martín, viola
John Stokes, violonchelo
Zuriñe F. Gerenabarrena, electroacústica
Juanan Ros, técnico de sonido
PROGRAMA
PRIMERA PARTE:
SEGUNDA PARTE:
Nymphéa (Jardin secret III)
Kaija Saariaho (1952)
Erinnerungs. Vermögen
Javier Quislant (1984)
Black Angels
I. DEPARTURE
1. Threnody I: Night of the Electric Insects
2. Sounds of Bones and Flutes
3. Lost Bells
4. Devil-music
5. Danse Macabre
Different Trains
· America – Before the War
· Europe – During the War
· After the War
Steve Reich* (1936)
II. ABSENCE
1. Pavana Lachrymae
2. Threnody II: Black Angels!
3. Sarabanda de la Muerte Oscura
4. Lost Bells (Echo)
III. RETURN
1. God-music
2. Ancient Voices
3. Ancient Voices (Echo)
4. Threnody III: Night of the Electric Insects
George Crumb (1929)
* Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea en su VI edición
COORDINACIÓN DEL CICLO
Gabriel Erkoreka
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Notas al programa
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Kaija Saariaho
Nymphéa (Jardin secret III)
La compositora finlandesa Kaija Saariaho es
una de las principales voces de la composición europea actual. Estudió música en la
Academia Sibelius de Helsinki, su ciudad natal, donde fue discípula de Paavo Heininen.
Tras asistir a cursos impartidos en Friburgo
por los maestros Brian Ferneyhough y Klaus
Huber, en 1982 se trasladó a París para
trabajar en el Ircam en materia de música
electroacústica, y en la capital francesa fijó
su residencia. En 1989 trabajó en la Universidad de San Diego. Numerosos y prestigiosos premios internacionales de composición
jalonan su brillante carrera. Su amplio catálogo propone obras de todos los géneros,
incluida la ópera, y abunda en partituras en
las que interviene la electroacústica y la música controlada por ordenador.
La pieza que abre nuestro concierto lleva el
poético título de Nymphéa (Ninfea), es decir, la bella flor acuática que solemos denominar nenúfar. Está escrita para cuarteto de
cuerda y electrónica en vivo, data de 1987
y se subtitula Jardín secreto III. Fue un encargo conjunto del Lincoln Center y de Doris
y Myron Beigler con destino a los conciertos del célebre Cuarteto Kronos, grupo que
tendremos que volver a nombrar a lo largo
de estas notas al programa. La propia Kaija
Saariaho presentó así su composición: «En
Nymphéa continúo la aproximación a los
instrumentos de cuerda que practiqué en
obras tempranas como Lichtbogen e Io, así
como al desarrollo de procesos musicales a
través del uso del ordenador y de mis específicos programas informáticos. El subtítulo
de la pieza, Jardín secreto III, indica que forma parte de una serie de obras denominadas
de la misma forma. Con esta aproximación
pretendo especialmente ampliar el vocabulario, el color o tono de los instrumentos de
cuerda y el contraste entre límpidas y delicadas texturas con violentas, aplastantes
masas de sonido. Para preparar el material
musical de la pieza, he utilizado el ordenador de varias maneras. La base de toda la estructura armónica la aportan los complejos
sonidos del violonchelo, que he analizado
con ayuda del ordenador. El material básico
para las transformaciones melódicas y rítmicas está calculado con el ordenador, el cual
convierte gradualmente los motivos musicales, recurrentes una y otra vez. He utilizado
sonidos de un cuarteto de cuerda original
que son manipulados durante el concierto.
Algunas imágenes rondaron por mi mente
durante la composición: la imagen de la estructura simétrica de un nenúfar, flexible,
flotando en el agua y transformándose. Diferentes interpretaciones de la misma imagen
en diferentes dimensiones: una superficie
dimensional con sus colores y formas y, por
otra parte, materiales diferentes que pue09
den ser percibidos, formas, dimensiones de
un nenúfar blanco alimentándose del lodo
de debajo del agua».
George Crumb
Black Angels
Crumb se formó en los departamentos de
Arte y de Música de varias prestigiosas
universidades estadounidenses antes de
empezar a manifestarse como un creador
que inmediatamente sería reconocido mediante premios como los de la Fundación
Koussevitzky, la Fundación Guggenheim, la
Academia Estadounidense de las Artes y las
Letras, el Premio Pulitzer o la Tribuna Internacional de Compositores. En Berlín trabajó
con Boris Blacher.
Su cuarteto de cuerda Black Angels (Ángeles
negros) es una de las más célebres composiciones de los tiempos modernos para esta
básica formación camerística. Requiere a
los intérpretes las más variopintas técnicas
y formas de ataque que se incorporaron a
la ejecución musical de los instrumentos
de arco en la segunda mitad del siglo xx,
pero, además, en determinados momentos
tienen que tocar algunos instrumentos de
percusión y otros no convencionales, así
como cantar, gritar o emitir otros sonidos
guturales. La obra requiere amplificación
electrónica en vivo.
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El maestro Crumb hace referencias simbólicas a la numerología (todo gira en torno a
la magia de los números 13 y 7) y maneja
antiguas formas de danzas (singularmente
la célebre Pavana Lachrymae renacentista),
así como piezas de connotaciones fúnebres
(trenos, lamentos, marchas…), todo ello en
alusión a la guerra de Vietnam librada por
su país, los Estados Unidos, en los años sesenta y primeros setenta del pasado siglo.
El oyente reconocerá alusiones al ángel negro en forma de cita de la famosa sonata de
Tartini El trino del diablo, o alusiones a la
muerte en forma de danzas macabras, de
citas del canto medieval Dies irae o del Lied
de Schubert La muerte y la doncella, base
del segundo movimiento del cuarteto de
cuerda schubertiano conocido por el mismo
título. Pero Crumb maneja en su obra más
elementos significantes, como algunos cantos rituales de diferentes culturas.
La obra se estructura en tres grandes bloques
–Partida, Ausencia y Retorno, reproduciendo el esquema de la Sonata «Los Adioses»,
de Beethoven–, cada uno de los cuales, a su
vez, se subdivide en secciones claramente
delimitadas: cinco, cuatro y cuatro, respectivamente. Black Angels se subtitula Trece
imágenes del País Oscuro y fue fechada el
«Viernes 13 de marzo de 1970, in tempore
belli»: como vemos, todo es significativo y
apunta en la misma dirección, esto es, un
hondo alegato antibelicista.
El violinista estadounidense David Harrington
escuchó Black Angels por la radio e inmediatamente pensó en formar un cuarteto que partiera de esta obra como arranque de su carrera
y, efectivamente, se formó el famoso Cuarteto
Kronos y se presentó con la obra de Crumb,
con la que alcanzó éxito y difusión enormes.
Como síntoma del impacto que causó esta
música, no está de más recordar que algunos
pasajes pasaron a formar parte de bandas sonoras de varias películas y series de televisión.
Javier Quislant
Erinnerungs. Vermögen
Rodeado por tres grandes figuras de la creación musical contemporánea aparece en
este concierto una obra muy reciente del joven compositor bilbaíno Javier Quislant, que
estudió Composición en la Escuela Superior
de Música de Cataluña con Agustí Charles y
Luis Naón y amplió después sus horizontes
trabajando en Graz, en la Universität für Musik und darstellende Kunst, bajo la dirección
de Beat Furrer. Su música atiende principalmente al propio proceso de la creación musical, a los conceptos de orden, temporalidad
y relaciones, así como al estudio de la naturaleza de los materiales musicales. Desde
el principio de su carrera, sus obras están
siendo presentadas en notables focos de difusión de la música actual, como son los Cursos Internacionales de Verano de Darmstadt,
el Congreso Mundial de Saxofón celebrado
en 2012 en Escocia, el Festival Mixtur de
Barcelona, la Quincena Musical Donostiarra.
El compositor nos expresa sus ideas en torno
a las relaciones entre los distintos elementos de la materia sonora, que se organizan
a partir de tres características principales: la
Sustantividad del Concepto (Sustantivität
des Konzeptes), los Medios de Transmisión
(Übertragungskanal) y la Memoria Organizadora (Erinnerungsvermögen), concepto
éste que –con deliberada variante ortográfica– da título a la obra y que, en palabras
del autor, significa «la capacidad para hacer
recordar o, incluso, la capacidad que tiene
el recuerdo de un material o idea musical».
Con destino a un curso impartido en Londres por el Cuarteto Arditti, Javier Quislant
escribió la siguiente nota sobre su obra
Erinnerungs. Vermögen: «La principal idea
en esta obra es la deformación y variación del
discurso musical y del material musical, los
cuales evolucionan hasta lograr estrechas
e íntimas conexiones entre los elementos
que lo componen. Tratando de no conseguir
un “evidente sentido de direccionalidad” y
apuntando hacia la consecución de fuertes
nexos entre las ideas del discurso, se propone la existencia de una realidad compleja en
la que cada uno de esos componentes, a pesar de sus diferentes características, tienen
un sentido unitario».
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Erinnerungs. Vermögen data de 2013. Fue
encargada a Quislant por el cuarteto de cuerda del Nouvel Ensemble Moderne, conjunto
que estrenó la obra en agosto del mismo
año en Canadá, en el seno de la Académie
Internationale de Musique et de Danse Le
Domaine Forget.
Steve Reich
Different Trains
Numerosos premios internacionales simbolizan el reconocimiento mundial de que
goza la figura de Steve Reich, compositor
estadounidense, pionero del minimalismo
musical y uno de los principales innovadores
del lenguaje musical y del hecho sociocultural del concierto que surgió de la eclosión de
las vanguardias occidentales en la segunda
mitad del siglo xx. Entre esos premios, sin
duda ocupa lugar destacado el último que
ha recibido Steve Reich: el de creación musical contemporánea que forma parte de los
Premios Fronteras del Conocimiento que promueve la Fundación BBVA. Con motivo de la
concesión de dicho premio, en el Teatro Real
de Madrid pudimos escuchar el pasado 16 de
junio de 2014 precisamente Different Trains,
la obra que cierra nuestro concierto de hoy.
Es una pieza para cuarteto de cuerda y cinta
pregrabada, la cual contiene intervenciones
de otros dos cuartetos de cuerda, así como
voces que hablan y sonidos de trenes de los
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años treinta y cuarenta. Fue estrenada en
el Queen Elizabeth Hall de Londres, el 2 de
noviembre de 1988, por el Cuarteto Kronos,
que hizo de ella otro de los hitos de su original repertorio. En 1989, Different Trains
ganó el Premio Grammy a la mejor composición de música clásica contemporánea.
Presenta tres movimientos, portadores de
los siguientes títulos: América antes de la
guerra, Europa durante la guerra y Después de la guerra. Las voces que contiene
la cinta proceden de entrevistas grabadas
a ciudadanos estadounidenses y europeos
sobre experiencias vividas inmediatamente antes, durante o inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. En la
primera entrevista, la institutriz que tuvo
en su niñez el propio Reich –llamada Virginia– y Lawrence Davis –un empleado del
ferrocarril– rememoran los largos viajes
en tren a través de Estados Unidos, mientras suenan de fondo sonidos de aquellos
trenes con sus poderosos pitidos. La idea
tiene que ver con las larguísimas jornadas
viajeras en tren que Steve Reich tuvo que
hacer de niño para visitar a sus padres,
que se habían divorciado y se establecieron
no precisamente cerca: el padre en Nueva
York y la madre en Los Ángeles. En el segundo movimiento, tres supervivientes del
Holocausto nazi (Paul, Rachel y Rachella)
hablan acerca de sus experiencias, que incluyen fatídicos viajes en tren –un tren di-
ferente, evidentemente– hacia campos de
concentración. La grabación utilizada por
el compositor en este movimiento procede del archivo sonoro de la Universidad de
Yale, y en ella se escuchan sonidos de trenes
europeos y siniestras sirenas en un curso
realmente sobrecogedor. En el tercer tiempo oiremos a los mismos supervivientes del
Holocausto («La guerra ha terminado» […]
¿Estás seguro?») en los años siguientes a
la guerra, ahora sumadas a grabaciones de
las voces de Virginia y Davis, mientras que
los sonidos de tren vuelven a ser de trenes
estadounidenses.
En estos Trenes diferentes, como ha hecho en otras composiciones, Reich ensaya
la manera de obtener melodías (temas) a
partir de las voces grabadas, para lo cual
se valió del teclado digital sampling. En la
primera parte se observa el empleo de la
viola para representar la voz femenina y el
violonchelo para la masculina. Los instrumentos de cuerda tocan con frecuencia no
melodías, sino células rítmicas repetitivas.
La originalidad del planteamiento compositivo es manifiesta y su eficacia expresiva,
innegable. Reich se ha referido a esta obra
describiéndola como «un documental musical». Sin duda es música que demanda
otra forma de escucha, distinta al del tradicional concierto con obras «de repertorio».
José Luis García del Busto
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Cuarteto Bretón
Se empezó a gestar en 2003, cuando cuatro
músicos con larga experiencia en diversas formaciones de música de cámara compartieron
la necesidad de dar a conocer cuartetos de
compositores españoles, desde los orígenes
del género hasta la creación más actual, junto al gran repertorio para esta formación. En
ese empeño fueron inspirados por ilustres
predecesores como los Cuartetos Francés,
Vela o Rafael, que un siglo antes iniciaron
esa importante labor en España. Con esas
premisas, ha puesto un énfasis especial en la
obra de compositores como Ernesto y Rodolfo Halffter, Jesús Guridi, Julián Bautista, Jesús
García Leoz, Tomás Bretón, Julián Orbón,
Joaquín Turina, Julio Gómez o Conrado del
Campo y, por supuesto, en los compositores actuales, como Cristóbal Halffter, Tomás
Marco, Alfredo Aracil, José Luis Greco, Agustí
Charles o Mario Carro, sin descuidar el gran
repertorio de todas las épocas, desde Mozart
y Haydn a Shostakóvich y Gubaidúlina, pasando por Beethoven, Schubert, Mendelssohn,
Schumann, Brahms, Borodin, Debussy, Lalo,
Barber, Ives, etc.
Entre sus actuaciones destacadas se encuentra el estreno en Madrid de La Cuzzoni, ópera
de cámara de Agustí Charles para tres voces
y cuarteto de cuerda; o la participación en
el II Festival América-España con el Concerto
Grosso para cuarteto y orquesta, de Julián
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Orbón, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, en el Auditorio Nacional de Música de
Madrid, además de sus presentaciones en el
Auditorio del Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía, Fundación Canal, Residencia de
Estudiantes, Teatro Auditorio San Lorenzo de
El Escorial, Teatros del Canal, Colegio Español
de París, Fundación BBVA, Festival de Música
Antigua de Aranjuez o Sendesaal de Bremen.
Ha protagonizado los estrenos absolutos de
cuartetos dedicados al grupo por José Luis
Greco, Alfredo Aracil, Juanjo Colomer, Mario
Carro o Gabriel Loidi; ha grabado las integrales
de Cuartetos de Rodolfo Halffter y Jesús Guridi
(Naxos), Alfredo Aracil (Verso), Quintetos con
teclado del Padre Soler con Rosa Torres-Pardo
(Fundación BBVA-Columna Música) y música
de cámara de Juanjo Colomer (Instituto Cervantes). Un nuevo disco con los Cuartetos
núms. 1 y 3 de Tomás Bretón se publicará
próximamente en el sello Naxos.
Entre sus compromisos más recientes y futuros destacan los conciertos ofrecidos en la
Fundación Juan March, Música/Musika de
Bilbao, Ciclo de Música Contemporánea de
Córdoba, Festival de Pascua de El Escorial,
Semana de Música Religiosa de Cuenca, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Fundación BBVA de Madrid y Bilbao, Auditorio
del Centro Cultural Conde Duque, Festival de
Música Española de León, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival
Internacional de Santander, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de
Cuartetos de Cuerda del Lubéron (Francia),
Xornadas de Música Contemporánea de Santiago de Compostela, Festival de Úbeda, Alicante Actual, Real Academia de Bellas Artes
de San Fernando o Festival Cordes en Ballade,
en Ardèche (Francia), Centro Nacional de Difusión Musical o Ciclo de Música Contemporánea de Badajoz.
En la actualidad está realizando la edición crítica de la integral cuartetística de Conrado del
Campo para su posterior grabación en disco.
El cuarteto Bretón está subvencionado por
el INAEM.
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Depósito legal: BI-1868-2014