el lugar de la voz y la improvisación vocal en el contexto del jazz

EL LUGAR DE LA VOZ Y LA IMPROVISACIÓN VOCAL EN EL CONTEXTO
DEL JAZZ Y LA MÚSICA POPULAR CONTEMPORÁNEA.
NICOLÁS PEÑA LEÓN.
Asesor: Ricardo Uribe
Pontificia Universidad Javeriana
Facultad de Artes. Carrera de Estudios Musicales
Énfasis en Canto Jazz.
Bogotá.
2012.
ÍNDICE.
1. Introducción………………………………………………………………...3
2. Justificación………………………………………………………………...4
3. Objetivos…………………………………………………………………….4
4. Repertorio…………………………………………………………………...6
5. Descripción del Repertorio………………………………………………7
6. Bibliografía y Discografía……………..………………………………...13
7. Anexos…………………………………………………………………...…14
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Introducción
A partir de las nuevas tendencias en la música es claro que el músico
contemporáneo necesita complementarse para estar a la par con las
exigencias del mercado. El sólo ser intérprete, compositor o arreglista es
cada vez más difícil y por esto mismo es necesario buscar nuevas maneras
de llamar la atención del público y obtener así reconocimiento que produzca
de alguna manera una audiencia a la cual presentarle música. Es por esto
que es necesario contar con más de un tipo de habilidad en la música, es
decir, no sólo se debe ser intérprete sino se debe ser capaz de componer,
arreglar y producir, además de interpretar varios instrumentos y/o hacerlo de
una manera que nutra y asombre al público cada vez más acostumbrado a lo
mismo.
Por esto pienso que al estudiar y tener herramientas del Jazz se puede lograr
un amplio conocimiento (siendo al mismo tiempo profundo) de la música
popular contemporánea, ya que en el Jazz se encuentran muchísimos estilos
y fusiones, además de un uso extenso de la teoría armónica sobre la que
está basada mucha de la música popular contemporánea, lo que permite
tener más herramientas que las que tendría un músico clásico o popular. El
jazz proporciona una mezcla entre las habilidades musicales teóricas y un
acercamiento más “orgánico” a la música popular ya que en el jazz hay una
grandísima cantidad de estilos musicales y ritmos por los que se puede
abordar más fácilmente músicas como el pop, rock etc. Además, el hecho de
estudiar improvisación en este lenguaje proporciona al músico muchas
herramientas para componer en tiempo real y hacer arreglos que pueden ser
traducidos en una nueva forma de presentar la música.
Como cantante, es mi intención mostrar un proyecto enfocado en la
interpretación, composición, arreglo e improvisación en diferentes estilos de
forma que se ajuste a lo que se puede esperar ver en la música popular
contemporánea, teniendo como principal influencia el jazz, funk, blues, soul,
swing y las baladas pop entre otros.
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Es importante recalcar que la idea de este proyecto es mostrar la manera en
que las herramientas adquiridas al estudiar jazz influencian y apoyan la
interpretación y composición vocal de los temas que se van a trabajar: desde
la improvisación y la capacidad para hacer música en tiempo real, hasta
técnicas de arreglos para vientos, sección rítmica y voces entre otros.
Justificación
Este proyecto se fundamenta en utilizar y concretar los medios aprendidos
hasta ahora en la carrera de canto jazz, para poder desempeñar un mejor
papel como miembro activo de un ensamble. Del mismo modo, se pretende
cambiar fundamentalmente la imagen que se tiene del cantante como un
miembro inactivo en un ensamble, más allá del aspecto interpretativo de la
música; mostrar cómo, sobre todas las cosas, un cantante es un músico y
como tal cuenta con la capacidad de ejercer su labor como cualquier otro
miembro de un ensamble y del mismo modo, alcanzar una efectiva
interpretación de cada uno de los diferentes géneros a tratar.
Debo decir que este trabajo pretende mostrar también el fin de un proceso
largo y dedicado donde se busca aplicar lo aprendido y del mismo modo
usarlo como una muestra de mis capacidades como músico profesional.
Objetivos
Los objetivos del proyecto son:

Mostrar mi desarrollo musical a través de la composición y arreglo de
piezas para diversos formatos en los estilos a tratar. Estos son
formatos como dúos, tríos, cuartetos, sección de cuerdas y sección de
vientos con acompañamiento de sección rítmica, además de arreglos a
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capella y con el uso de loopers. Esta diversidad de formatos busca una
adaptación e interpretación personal de los géneros.

Decidir, basado en el estudio de los estilos a través de la carrera,
cuáles son los géneros que mejor representan las músicas populares
contemporáneas.

Tener en cuenta los diferentes formatos que pueden ser usados para
lograr la mejor interpretación/adaptación posible de éstos géneros,
pensando también en los diferentes colores y/o timbres que puedan
lograr un mejor resultado.

Con esto en mente y concretamente en la parte de arreglo de los
temas, adaptar y decidir cuáles pueden ser las técnicas más
adecuadas en la elaboración de los diferentes arreglos, teniendo en
cuenta herramientas como block chords, contrapunto, spread voicings
y los drop chords entre otros.

Adecuar el funcionamiento de las diferentes estructuras de las obras
que se interpretarán, teniendo en cuenta cómo pueden alterarse, en
dado caso que el arreglo lo pida, sin alterar la lógica musical que la
caracteriza para lograr la sonoridad que se quiera con cada tema.

Y al hablar de la voz, el objetivo es mostrar un papel diferente al que
usualmente se ve, es decir, cambiar por ejemplo, a ser un instrumento
acompañante o acompañar volviéndose un instrumento percutivo. De
igual manera, al realizar un tema sólo, incorporar elementos, técnicas
u otros aspectos necesarios para que la música no pierda fuerza ni
peso armónico; lograr que el tema tenga una estructura determinada y
completa a pesar de la ausencia de instrumentos acompañantes. Del
mismo modo lograr encontrar los elementos necesarios para
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componer o arreglar temas para una sola voz sin que un concierto con
estos se vuelva algo monótono. Ya que lo más normal es que la voz
sea acompañada por diversos tipos de instrumentos pero casi nunca,
en la música popular contemporánea, se vea trabajando sola.
También es importante decir que además de lograr estos objetivos, se busca
lograr un entendimiento de la interpretación de cada estilo, teniendo en
cuenta la manera en que se puede cambiar la forma de interpretar cada uno.
Es decir, así como con instrumentos como guitarra y bajo existen pedaleras y
distorsiones la idea del proyecto es mostrar cómo la voz puede cambiar su
color mediante técnica y no sólo con artefactos electrónicos. La idea es
mostrar cómo gracias al estudio del jazz no sólo hay herramientas para
improvisaciones melódicas sino también para tener un mayor conocimiento y
un uso extendido del instrumento que de otra manera no se encontraría en
sólo uno de estos géneros. Los cantantes y músicos que servirán de ejemplo
son: Bobby Mcferrin, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, John Mayer, Chet Baker,
Héctor Lavoe y Louis Armstrong, además de otros que utilizan herramientas
como pedaleras y loop station como James Blake y Bernhoft entre otros.
Repertorio

Thinkin’ about your body (Bobby Mcferrin)

Drum ’n’ blues. (Nicolás Peña)

Don’t Worry (Nicolás Peña)

Baby Blues (Nicolás Peña)

I’ve got you under my skin (Cole Porter)

Blame it on my youth (Oscar Levant y Edward Heyman)

Cheek to cheek (Irving Berlin)

Ain’t that a kick in the head (Sammy Cahn y James Van Heusen)

Wish you were here (Nicolás Peña)
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Descripción del repertorio.
Thinkin’ about your body (Bobby McFerrin)
Voz solo.
Las consideraciones que se tienen para la interpretación de “Thinkin’ about
your body” parten de la idea de tener un tema vocal solo, compuesto por
alguien más para el trabajo de grado. El objetivo con este tema es mostrar en
parte las capacidades sonoras del instrumento; como el cambio de octavas
en una misma línea melódica y el uso de la percusión corporal para dar
acompañamiento rítmico al tema. Consiste en una especie de forma blues
alterada, ya que los cambios armónicos no son los mismos y el número de
compases de la forma se reduce a 8.
Forma Blues Común
I
IV
I
I
IV
IV
I
I
ii
V
I
V
Forma Thinkin’ about your body
I
I
I
I
IV
V
I
I
Después de una introducción donde se muestra el movimiento melódico del
bajo y una especie de acompañamiento melódico entra el tema. Este consiste
en una línea melódica con letra acompañada por una línea de bajo, donde
para hacerlas una sola persona están intercaladas y en el desarrollo del tema
pasan de ser saltos de una octava a otra a ser saltos de dos octavas donde
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se ve la capacidad sonora del instrumento con diferentes colores en las
diferentes octavas.
Drum n’ blues. (Nicolás Peña)
Dúo. Bajo y Voz.
Con “Drum ’n’ blues” la idea aproximarse a un tema vocal con una forma
blues y además dar cuenta de la capacidad percutiva del instrumento. En
este tema se lleva a cabo una técnica conocida como “Beat Boxing” que tiene
como idea fundamental el imitar una batería o llevar a cabo el papel de
acompañante rítmico sólo con la voz, sin embargo en este tema se unen el
ritmo y la melodía en una sola línea, por lo que en realidad no es sólo una
técnica o la otra sino un tema que cuenta con varios elementos. Además,
este tema se ejecuta en dúo con bajo eléctrico, lo que ayuda a dar una
sonoridad más cercana al estilo sobre el que esta fundamentado el tema que
es el funk. A pesar de no tener sección de vientos muy característica de este
estilo, se pretende mantener un groove característico por medio de un beat
en la voz y una línea melódica en la voz y el bajo.
Don’t worry. (Nicolás Peña)
Cuarteto de cuerdas: Contrabajo, Viola, Cello y Violín con Voz.
Es una composición arreglada para un cuarteto de cuerdas que busca en
este caso mostrar otra forma de cómo la voz interactúa con diferentes
formatos, una balada lenta con armonía sencilla, pero con un arreglo que
busca dejar oír texturas cálidas como las que se forman en la introducción
con los pizzicatos de los violines, o texturas más parecidas a backgrounds
que vienen de las líneas ligadas del contrabajo con las otras cuerdas; o
también las texturas que salen a partir de la interacción entre la voz e
instrumentos de cuerdas. Se busca llegar a un color cálido en el ensamble
donde los pizzicatos en los violines son tan importantes como las líneas
largas en el contrabajo. Tiene una idea minimalista aplicada en el
acompañamiento que busca crear una textura cálida, manteniéndose en un
registro medio en relación a la voz, que a su vez funciona como una melodía
líder sin salirse mucho de dicha textura.
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Baby Blues. (Nicolás Peña)
Voz con Looper.
Se muestra el uso de un tipo de pedales llamado loop station con “Baby
Blues”. El tema está escrito para que una sola voz cree su propia armonía y
acompañamiento de manera que la música sea “armada” en vivo. Las líneas
melódicas buscan mostrar claramente la armonía del tema, además de crear
un tema que vaya creciendo de forma orgánica desde la primera voz hasta
cuando están todas las voces superpuestas mostrando la armonía. Además
se busca introducir en el repertorio de este trabajo un uso diferente de los
colores del instrumento en el mismo tema ya que se trabaja desde la
percusión vocal, pasando por el color que debe tener una línea vocal de coro,
hasta una improvisación con trompeta vocal, que se basa en la imitación del
sonido de una trompeta por medio de la voz. Así en este tema se pueden ver
muchos de los elementos que se pueden utilizar a la hora de crear un tema
vocal, desde el uso de loop station, hasta la imitación de sonidos de otros
instrumentos por medio de la voz.
I’ve got you under my skin. (Cole Porter)
Piano y Voz.
Por otra parte, con “I’ve got you under my skin” se trata de mostrar un
aspecto más tradicional del jazz. Ya que en el repertorio existen temas
vocales solo, en dúo y con pedales, me pareció importante mostrar otros
tipos de ensamble y la manera en que la voz se comporta en ellos. El objetivo
de este tema es mostrar cómo la voz se comporta en un tema más tradicional
con un formato en dúo, piano y voz. Se interpreta con la idea de mantener un
fraseo más rítmico ya que no hay batería en el formato, sin dejar de hacer
melodías interesantes que se relacionen con el acompañamiento que existe.
La idea de este es que sea stride piano, que consiste básicamente en que la
mano izquierda del pianista toca bajos e intervalos de 7ma en el primer y
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tercer tiempo del compás mientras que toca acordes acompañantes en el
segundo y cuarto tiempo, mientras que la mano derecha puede hacer la
melodía principal o en este caso líneas melódicas de acompañamiento. Así,
se busca en este tema dar libertad a los intérpretes en cuanto a la
interpretación; teniendo en cuenta la importancia de los colores que el piano
puede hacer en el acompañamiento para resaltar o contrastar las melodías
que la voz va improvisando. Es un tema donde el lenguaje jazz de los
instrumentistas involucrados en la ejecución de esta pieza se puede ver más
claramente ya que están expuestos todo el tema por el tipo de formato.
Blame it on my youth. (Oscar Levant y Edward Heyman)
Piano y Voz.
Con “Blame it on my youth” se busca mantener el mismo formato
anteriormente mencionado. Sin embargo, la idea de este tema es mostrar
más el rango vocal y dinámico de la voz. Ya que es una balada acompañada
sólo con piano hay un constante juego de dinámicas que no están escritas
sino son decididas en vivo por los dos músicos y también busca mostrar los
colores de las armonías con improvisaciones melódicas a la hora de
interpretar el tema.
Además es un tema donde la interpretación tiene un constante cambio entre
los registros de la voz, pasando de voz de pecho a falsete teniendo en cuenta
las dinámicas y cambios de color que deben ser llevados a cabo en el
instrumento para que las líneas melódicas no tengan cambios muy fuertes
que rompan la textura que se forma entre el piano y la voz.
Cheek to cheek. (Irving Berlin)
Cuarteto: Batería, Contrabajo, Guitarra y Piano y dos Voces.
Es un tema compuesto en 1934 con el que busco retomar la sonoridad del
swing de esa época. Con un formato compuesto por batería, bajo, piano,
guitarra y voz se busca tomar esa sonoridad med swing al estilo de Ella
Fitzgerald y Louis Armstrong. El arreglo consiste en rearmonizaciones
sencillas para no perder la sonoridad característica de la época y juntarla con
un arreglo para dos voces donde hay que hacer una modulación para el
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segundo tema. Se tomó como base el arreglo de este tema en el disco “Ella &
Louis 101 all time greats” con una interpretación personal sin perder la idea
del arreglo original.
La idea de este tema es mostrar el fraseo característico de este estilo y el
juego constante que hay entre el acompañamiento y la voz principal, además
de mostrar cómo se pueden relacionar dos voces cuando son, al mismo
tiempo, la melodía principal mostrar el juego entra colores, texturas, formas
de acompañar y seccionamientos de la forma, siendo lo más importante de
este tema en el repertorio, la relación entre una voz y la otra: la manera en
que elementos como el fraseo y la improvisación melódicas enriquecen la
interpretación de un tema de este estilo y la forma en que el juego con la letra
de la canción por parte de los intérpretes hace que el tema tenga una vida
propia y particular dependiendo de las personas que lo interpreten y el
momento en que sea interpretado.
Ain’t that a kick in the head. (Sammy Cahn y James Van Heusen)
Cuarteto: Batería, Contrabajo, Guitarra, Piano. Cuerda de vientos: Trombón,
Saxo tenor, Saxo alto y Trompeta con Voz.
Con este tema se busca llegar a una sonoridad parecida a la del tema
anterior. Los dos se basan en el swing de los 30’s pero adaptada de una
manera más moderna por la interpretación del tema. Al formato se le añade
una sección de vientos que busca recrear la idea de una pequeña big band,
donde no sólo existan backgrounds propios del estilo sino también se vea el
juego de pregunta-respuesta que hay entre la voz principal y la sección de
vientos, teniendo en cuenta que para escribir la sección se trabajan
elementos como registro, ritmo y cambios armónicos para hacer que la
sección suene interesante evitando que se entrometa cuando no se quiere en
la melodía de la voz. Así, la idea con este tema es mostrar cómo se comporta
la voz en un ensamble con vientos, la manera en que un cantante dirige sin
perder la habilidad de interpretar claramente el tema al mismo tiempo y ver
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también los colores que se forman con una sección de vientos apoyando la
melodía de la voz.
Wish you were here. (Nicolás Peña)
Cuarteto: Batería, Bajo eléctrico, Guitarra y Teclado con Voces.
Este es un tema propio, compuesto con una idea funk para la sección rítmica
y acompañamiento y con una forma pop en cuanto a la letra y forma general
del tema. Sin embargo, aquí se pueden ver varios elementos del jazz en la
interpretación y arreglo del tema ya que pretende tener varios solos donde
exista espacio para la improvisación. Además la idea de la interpretación es
no tener todo escrito, sino dejar lugar a que los instrumentistas y la voz
tengan una relación más espontánea, donde las dinámicas y cambios en las
secciones sean resueltos en vivo teniendo sin embargo un arreglo pensado
del tema donde hay varios cortes y anticipaciones rítmicas planeadas. Así, es
un tema donde existe libertad en el acompañamiento pero también una
estructura definida, que permite jugar alrededor de una estructura definida de
una forma de un tema. Es en este tema donde se juntan elementos del pop,
jazz y funk en momentos del acompañamiento, estructura armónica,
interpretación del tema y solos en la forma.
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Bibliografía.
Pease, Ted and Ken Pulling. 2001. Modern Jazz Voicings: Arranging for
Smaill and Medium Ensembles. Boston, MA. Berklee press.
Lowell, Dick and Ken Pulling. 2003. Arranging for large jazz ensemble.
Boston. MA. Berklee Press.
Piston, Walter. 1969. Orchestration. Londres: Victor Gollancz LTD
Sebesky, Don. 1975. The Contemporary Arranger. Nueva York. Alfred Pub
Co.
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