Poetas y Pintores

POETASYPINTORES
POETAS Y PINTORES
INDICE
Primera Parte
La inolvidable poesía
española
Pág.
DE SANTILLANA A
RAFAEL ALBERTI. . . . . .
5
Proemios
Siglo XVI El Renacimiento
Siglo XVII El Barroco
Siglo XVIIIEl Neoclasicismo
Siglo XIX El Romanticismo
Siglo XX El Modernismo
Segunda Parte
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POETASYPINTORES
La honda y memorable poesía lírica colombiana
DE GONZALEZ CAMARGO A ROGELIO ECHAVARRIA
1.- El Joven Médico de "Viaje a la luz"
2.- El Poeta de la Luna
3.- El gran Poeta de Niños, Jóvenes y Viejos
4.- Un Poeta de los Sentimientos Elementales
5.- El Poeta de los Nocturnos
6.- Un gran Poeta Popular
7.- Una Voz Universal
8.- La Poesía como Tesoro del Idioma
9.- La Poesía de la Naturaleza
10.- Dos revolucionarios de la Poesía
11.- Ilustres Mujeres y su Poesía perdurable
12.- Los grandes Poetas de Tono menor
13.- Poetas del Mar
14.- El Poeta de Morada al Sur
15.- El Poeta de la Vida en la Sombra
17.- Poetas de la Soledad
18.- Rogelio Echavarría y sus Contemporáneos
. . 16
16 - Poetas de Piedra y Cielo
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Tercera Parte
POESIA Y POETA
S . . . . . . 42
Sin retórica la presencia de Dios
I.-LA POESIA DE DAVID MEJIA VELILLA
La poemática de un hombre culto
II.- NESTOR MADRID-MALO Y LA MEMORIA DE LOS SUEÑOS
Una genuina vocación poética
III.-ECHEVERRI MEJIA Y SU PANTEISMO
Poesía intelectual y abismal
IV.- EDUARDO GOMEZ Y LA RESTAURACION DE LA PALABRA
El poeta de la ruana
V.- LUIS CARLOS GONZALEZ MEJIA Y LA PERENNIDAD DEL BAMBUCO
Tres poetas chilenos
VI.- OSCAR CASTRO, JULIO BARRENECHEA Y GUILLERMO BLEST-GANA
La poesía del boliviano Guillermo Riveros Tejada
VII.-CANTAFORAS PARA AMERICA
Una elevada voz lírica del Eje Cafetero
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VIII.-JUAN RESTREPO FERNANDEZ
Cuarta Parte
VOCES DE LA POESIA COTIDIANA . . . . . . . 125
(Los poetas en sus libros)
Guillermo Payán-Archer
1.- EL MAR DE SIEMPRE
Carlos Castro Saavedra
2.- ODA A COLOMBIA
Eduardo Santa
3.-EL PASO DE LAS NUBES
Luis Zalamea
4.- VOCES EN EL DESIERTO
Carmelina Soto
5.- TIEMPO INMOVIL
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Cristina Maya
6.- DE PIE SOBRE LA VIDA
Noel Estrada Roldán
7.- CLAMOR DE ESPAÑA
José Ortega Moreno
8.- MEMORIA DE LA PALABRA
Hernán Guillermo Acosta
9.- LA SANGRE CONSTELADA
Hugo Chaparro Valderrama
10.-IMAGENES DE UN VIAJE
Juan Ruiz de Torres
11.-CRISANTEMOS
Jorge Ernesto Leiva
12.-DIARIO DE INVIERNO
Guillermo Alvarez Ríos
13.-LAS ESPIRALES DE SEPTIEMBRE
Orlando Sierra Hernández
14.-CELEBRACION DE LA NUBE
Euclides Jaramillo Arango
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15.-DOS CENTAVITOS DE POESIA
César Augusto Melo Barrera
16.-ANDARIEGO DE LA SAVIA
Gustavo Tatis Guerra
17.-EL EDEN ENCENDIDO
Beatriz Rivera
18.-PALABRAS DE BOLSILLO
Alfredo Ocampo Zamorano
19.-POEMAS REUNIDOS
Jorge Marel
20.-EL MAR Y LAS PALABRAS
Quinta Parte
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PINTORES EN LAS GALERIAS . . . . . .
185
1.- Apoteosis de Obregón
2.- Del Villar y su delirium caribeño
3.- Siempre Rojas Herazo
4.- La abstracción lírica de Olga de Botero
5.- Manzur y sus "San Jorges"
6.- Manuel Hernández y sus signos flotantes
7.- Pedro Molina, profundidad en los mitos
8.- 400 personajes en la pluma de Rendón
9.- Un espléndido libro. La obra de Darío Morales
10.-El hechizo de los matices atemperados
11.-Imágenes urbanas de Luis Echeverry
12.-Las aguas y las nubes de Jesús Cardona
13.-Los donceles de Chalarca
14.-Las cosmogonías de Vanegas
15.-La fascinación del desorden y lo violento
16.-El Valle de Cocora en el pincel de Juan Bernal
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17.-Lola Barranco y sus Acrílicos
18.-El Pintor Carlos Rojas y el Cronista Ximénez: La Poesía de
los Olvidados.
19.-César Piedrahíta
PRIMERA PARTE
La gran Poesía española de todos los tiempos.
DE SANTILLANA A RAFAEL ALBERTI
PROEMIOS
La expresión poética particularmente del mundo subjetivo, conforma un género literario universal, tan
antiguo como la poesía misma: la lírica.
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La lírica española peninsular, rica y profunda, trascendente en sus manifestaciones diversas, es un fresco
e impetuoso milagro de perennidad espiritual, siempre en trance de generosa y fecunda renovación, tanto
en sus formas tan vivamente sugerentes como en sus esencias intangibles.
La más alta figura y primera en el tiempo que da prestigio a la lírica española es sin duda la del marqués
de Santillana, lírico que brilló en la primera mitad del siglo XV.
Su poesía respira gracia y está llena de amorosa ternura, de sencillez y donaire como se puede concluir
de la lectura de sus serranillas, de las cuales la más conocida, "La Vaquera de la Finojosa" que, en
algunos de sus apartes, dice:
Faciendo la vía/ del Calatreveño
a sancta María,/ vencido del sueño,
por tierra fragosa/ perdí la carrera
do vi la vaquera/ de la Finojosa.
En un verde prado/ de rosas e flores
guardando ganado/ con otros pastores,
la vi tan graciosa,/ que apenas creyera
que fuese vaquera/ de la Finojosa...
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Jorge Manrique floreció en la segunda mitad del siglo XV. Autor inmortal de las coplas por la muerte de
su padre el maestre Don Rodrigo. Estas coplas elegiacas son consideradas como una de las obras
literarias más elevadas del ingenio lírico castellano, por su belleza formal, su filosofía y su hondo
sentimiento humano. Ejemplo de ellas son las siguientes:
Recuerde el alma dormida,/ avive el seso y despierte,/ contemplando,/ como se pasa la vida/ como se
viene la muerte/ tan callando. Cuan presto se va el placer,/ como después de acordado,/ da dolor/ como a
nuestro parecer/ cualquier tiempo pasado/ fue mejor.
La influencia ejercida por la copla anterior fue notable. En un bello poema, dice José Selgas (siglo XIX):
Por un misterio profundo/ que vedado al hombre está,/
en la sucesión del mundo/ uno viene y otro va.
Los que van, los que vinieron/ sienten la misma aflicción/
por lo que son.
los muertos por lo que fueron/ los vivos
Gustavo Adolfo Becquer, pese a su originalidad, no está libre de las influencias de Manrique. En una de
sus rimas cimeras, dice:
Al brillar un relámpago nacemos;/ y aún dura su esplendor cuando morimos/ tan corto es el vivir,/
la gloria y el amor tras que corremos/ sombras de un sueño son que perseguimos./ Despertar es morir.
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Y Rubén Darío, en su Canción de Otoño en Primavera:
Juventud! divino tesoro/ ya te vas para no volver,/
cuando quiero llorar no lloro/ y a veces lloro sin querer.
Y escribe nuestro José Eusebio Caro, también bajo la influencia
de Manrique y en uno de sus más bellos poemas:
Cuando tenemos, despreciamos/ sentimos después de perder, entonces aquel bien lloramos/ que se fue
para no volver.
Continuando con Jorge Manrique, otra copla suya, famosa se
inicia así:
Que se fizo el rey don Juan,/ los infantes de Aragón
que se ficieron/ que fue de tanto galán
que fué de tanta invención...
Y esta otra citada en las oraciones fúnebres:
Qué amigo de sus amigos./ Qué señor para sus criados y parientes qué enemigo de enemigos/ qué
maestro de esforzados e valientes.
En los grandes romances de fines del siglo XV, recogidos a principios del siglo XVI de autores anónimos,
se encuentran varios de singular belleza. Los llamados Romances Viejos sobre temas históricos,
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recuerdan por ejemplo la caída de Granada y la expulsión de los moros del territorio ibérico.
El romance de Abenámar, empieza así:
Abenámar, Abenámar,/ moro de la morería,/
el día en que tú naciste/ grandes señales había,/
estaba la mar en calma/ la luna estaba crecida,/
moro que en tal signo nace,/ no debe decir mentira.
Y otro romance sobre el rey moro que perdió Alhama, se inicia de esta manera:
Paseábase el rey moro/ por la ciudad de Granada
desde la puerta de Elvira/ hasta la de Vivarrambla
!Ay de mi Alhama!...
SIGLO XVI. EL RENACIMIENTO
Tiene figuras literarias tan insignes como Gutierre de Cetina, Fray Luis de León, Garcilaso de la Vega,
San Juan de la Cruz, etc.
Gutierre de Cetina es el poeta del amor. Influenciado por las formas italianas musicales y delicadas,
alcanza su plenitud en su famoso madrigal "A unos ojos":
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Ojos claros, serenos, / si de un dulce mirar sois alabados,/
por qué si me miráis, miráis airados?/ si cuando más piadosos/
más bellos parecéis a aquel que os mira,/ no me miréis con ira, porque no parezcáis menos hermosos,/
Ay tormentos rabiosos!
Ojos claros, serenos,/ ya que así me miráis, miradme al menos.
A Fray Luis de León se le considera el primer lírico español, hombre de gran cultura; sus versos son el
triunfo del equilibrio y de la majestuosa delicadeza para expresar pensamientos profundos; uno de sus
más famosos poemas en liras, se inicia así:
Qué descansada vida,/ la del que huye del mundanal ruido/
y sigue escondida/ senda por donde han ido/
los pocos sabios que en el mundo han sido.
Y San Juan de la Cruz:
Mi Amado, las montañas,
los valles solitarios nemorosos,
las ínsulas extrañas,
los ríos sonorosos,
el silbo de los aires amorosos.
Baltasar del Alcázar es el autor del gracioso poema La Cena, en el cual describe el proceso de una cena,
desde el vino hasta la sobremesa.
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De esta misma época es Rodrigo de Caro, autor del preciosista poema de las Ruinas de Itálica, notable
antecedente parnasiano. Su majestuoso terceto inicial, dice:
"Estos, Fabio !ay dolor! que ves ahora
campos de soledad, mustio collado,
fueron un tiempo Itálica famosa"
En este mismo siglo, se conoció en forma anónima un soneto que es un verdadero tesoro de la mística y
de la lírica de la lengua castellana, dice así:
No me mueve mi Dios para quererte
el cielo que me tienes prometido;
ni me mueve el infierno tan temido
para dejar por eso de ofenderte
Tú me mueves, Señor, muéveme el verte
clavado en esa cruz, y escarnecido,
muéveme ver tu cuerpo tan herido,
muéveme tus afrentas y tu muerte.
Muéveme, al fin, tu amor y en tal manera,
que aunque no hubiera cielo, yo te amara
y aunque no hubiera infierno te temiera.
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No me tienes que dar porque te quiero,
pues aunque lo que espero no esperara
lo mismo que te quiero te quisiera.
SIGLO XVII. EL BARROCO
Miguel de Cervantes escribió numerosos sonetos y elegías; Lope de Vega fue de una fecundidad
pasmosa; Luis de Góngora innovador e imaginativo; don Francisco de Quevedo y Villegas, polifacético;
Pedro Calderón de la Barca, espiritual y artista de la palabra etc.
El barroquismo es una expresión tumultuosa y desorbitada contra las formas rigurosas plasmadas sobre
los modelos grecolatinos.
Luis de Góngora y Argote en una de sus famosas cuartillas, dice:
La más bella niña/ de nuestro lugar,/ hoy viuda y sola y ayer por casar/ viendo que sus ojos/ a la guerra
van,/ a su madre dice,/ que escucha su mal/ dejadme llorar/ orillas del mar.
Pues me disteis, madre,/ en tan tierna edad/ tan corto el placer, tan largo el penar,/ y me cautivasteis/ de
quien hoy se va/
y lleva las llaves/ de mi libertad,/ déjame llorar/
orillas del mar.
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Lope de Vega, de quien se dice con muy probable exactitud que, colocando sus poemas uno detrás de
otro, se podía dar la vuelta a España, inicia así uno de sus inmortales poemas místicos:
Qué tengo yo que mi amistad procuras
qué interés se te sigue Jesús mío
que a mi puerta cubierto de rocío
pasas las noches del invierno, oscuras
Pedro Calderón de la Barca es el autor del inmortal soneto a las rosas:
Estas que fueron pompa y alegría
despertando al albor de la mañana,
a la tarde serán lástima vana
durmiendo en brazos de la noche fría.
Este matiz que al cielo desafía,
iris listado de oro, nieve y grana,
será escarmiento de la vida humana:
!Tánto se emprende en término de un día!
Al florecer las rosas madrugaron,
y para envejecerse florecieron
cuna y sepulcro en un botón hallaron.
Tales los hombres sus fortunas vieron
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en un día nacieron y expiraron;
que, pasados los siglos, horas fueron.
SIGLO XVIII. EL NEOCLASICISMO
Dice Sainz de Robles que "al Neoclasicismo lo caracteriza esa falta de entusiasmo, ese miedo a tenerse
que lanzar en ideas o a tenerse que disparar en ideales". El Neoclasicismo busca su equilibrio
exclusivamente entre la razón y la verdad y desdeña un poco la imaginación y el sentimiento, lo que
deriva fatalmente en sequedad expresiva.
Encontramos en esta etapa de la poesía española a Nicolás de Moratín, considerado uno de los más
grandes y populares poetas de su siglo. Su largo poema Fiesta de Toros en Madrid, escrito en sextillas,
siempre se recuerda con regocijo por su jubiloso manejo del idioma.
Otros poetas importantes de este período, son los fabulistas Iriarte y Samaniego, etc.
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SIGLO XIX. EL ROMANTICISMO
José de Espronceda, vivo ejemplo del poeta romántico, llenó su existencia de grandezas y caídas, de
aventuras y amoríos.
El autor del apasionado poema "Canto a Teresa" escrito en octavas reales. Pero, la joya literaria de
Espronceda más conocida por eruditos y público es su Himno a la Inmortalidad. Se inicia y concluye, así:
!Salve, llama creadora del mundo,
lengua ardiente de eterno saber,
puro germen, principio fecundo
que encadenas la muerte a tus pies!
Tú la inerte materia espoleas,
tú la ordenas juntarse y vivir,
tú su lodo modelas, y creas
miles seres de formas sin fin....
Hombre débil, levanta la frente,
pon tu labio en su eterno raudal;
tú serás como el sol en Oriente,
tú serás, como el mundo, inmortal
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Poeta importante de esta época es José Zorrilla, autor de "Cantos del Trovador", a "Buen Juez mejor
Testigo", etc.
Otro poeta ilustre del romanticismo español: Pablo Piferrer, autor de la Canción de la Primavera. Se
inicia, así:
Ya vuelve la primavera:/ suene la gaita,/ ruede la danza,
tiende sobre la pradera/ el verde manto/ de la esperanza.
Sopla caliente la brisa:/ suene la gaita/ ruede la danza,
las nubes pasan a prisa/ y el azul muestran/ de la esperanza.
Uno de los grandes románticos de la lira hispana es José Selgas, autor de un poema cumbre en octavas
reales, "El Estío" que aparece en todas las antologías de poesía española: Así empieza:
Mayo recoge el virginal tesoro;
desciñe Flora su gentil guirnalda,
la sombra busca el manantial sonoro
del alto monte en la risueña falda;
campos son ya de púrpura y de oro
los que fueron de rosa y esmeralda;
y apenas riza su corriente el río
a los primeros soplos del estío.
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El soto ameno y la enramada umbrosa,
el valle alegre y la feraz ribera
con voz desalentada y cariñosa
despiden a la dulce primavera;
muere en su tallo la inocente rosa;
desfallece la altiva enredadera;
y en desigual y tenue movimiento
gime en el bosque fatigado el viento.
Por la alta cumbre del collado asoma
la blanca aurora su rosada frente,
reparte perlas y recoge aromas;
se abre la flor que su mirada siente;
repite los arrullos la paloma
bajo las ramas del laurel naciente;
y allá por los tendidos olivares
se escuchan melancólicos cantares.
Ramón de Campoamor es un poeta a todos familiar en la primera mitad de este siglo, muchos de sus
poemas alcanzaron gran popularidad en España y América; quien no recuerda aquel poema:
Escríbeme una carta señor Cura,/ -ya sé para quien es,/ sabéis quién es porque una noche oscura/ nos
visteis juntos... Pues...
Y aquel famoso: "El Tren Expreso":
"Habiéndome robado el albedrío/ un amor tan infausto como el mío, ya recobrados la quietud y el seso/
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volvía de París en tren expreso"...
Todavía en la época del romanticismo, nos encontramos con Gaspar Núñez de Arce, poeta-filósofo, que
vivió hasta principios del siglo veinte. Pero, citemos aquí al poeta romántico español por antonomasia, de
quien no hay persona culta en el mundo de habla hispana, que no recuerde de memoria algunas de sus
rimas, es Gustavo Adolfo Bécquer, el poeta sevillano de:
Volverán las oscuras golondrinas
en tu balcón sus nidos a colgar,
y otra vez con el ala sus cristales
jugando llamarán.
Pero aquellas que el vuelo refrenaban
tu hermosura y mi dicha al contemplar
aquellas que aprendieron nuestros nombres
esas, no volverán.....
Y, esta otra rima, inmortal:
Del salón en el ángulo oscuro,/ de su dueño tal vez olvidada, silenciosa y cubierta de polvo/ veíase el
arpa.
Cuánta nota dormía en sus cuerdas,/ como el pájaro duerme en las ramas/ esperando la mano de nieve/
que sabe arrancarlas.
Ay pensé! cuántas veces el genio/ así duerme en el fondo del alma, y una voz como Lázaro, espera/ que
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le diga: "Levántate y anda!"
Sin embargo el poema de Bécquer que ha estremecido la sensibilidad romántica de todas las épocas, se
inicia, así:
Cerraron sus ojos/ que aún tenía abiertos/ taparon su cara con un blanco lienzo.
Y unos sollozando/ y otros en silencio/ de la triste alcoba todos se salieron.
De la casa en hombros/ lleváronla al templo,/ y en una capilla dejaron el féretro/ allí rodearon/ sus pálidos
restos/ de amarillas velas/ y de paños negros.
De un reloj se oía/ compasado el péndulo,/ y de algunos sirios el chisporroteo/ tan medroso y triste/ tan
oscuro y yerto/ todo se encontraba.../ que pensé un momento:
!Dios mío, qué solos/ se quedan los muertos!
Para concluir el ciclo romántico citemos a Federico Balart, insigne hombre de Estado, quien en realidad,
solo escribió un poema significativo: "Restitución" en memoria de su esposa muerta. Dicho poema, en
alguna parte, dice :
Desde que abandonaste nuestra morada
de la mortal escoria purificada,
transformado está el fondo del alma mía,
y voces oigo en ellas que antes no oía.
Todo cuanto en la tierra y el mar y el viento,
tiene matiz, aroma, forma o acento,
de mi ánimo abatido turba la calma
y en canción se convierte dentro del alma.
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SIGLO XX EL MODERNISMO
Entramos al Modernismo con los Machado, auténticas sensibilidades de poetas, cuya influencia ha sido
notable en la poesía castellana del siglo Veinte. Su entonación es como esta de un poema de Antonio:
En el corazón tenía / la espina de una pasión,/ logré arrancármela un día:/ ya no siento el corazón...
La tarde más se oscurece,/ aguda espina dorada, !quien te pudiera sentir/ en el corazón clavada!
Antonio Machado es autor de versos tan famosos, que todo el mundo los cita, omitiendo el nombre del
autor:
Caminante, son tus huellas/ el camino, y nada más;
caminante, no hay camino,/ se hace camino al andar.
Su hermano Manuel Machado, es el autor de este famoso retrato de
Felipe IV, dice:
Nadie más cortesano ni pulido/ que nuestro Rey Felipe, que Dios guarde,/ siempre de negro hasta los
pies vestido.
Es pálida su tez, como la tarde./ Cansado el oro de su pelo undoso/ y de sus ojos, el azul, cobarde.
Sobre su augusto pecho generoso/ ni joyeles perturban, ni cadenas/ el negro terciopelo silencioso.
Y en vez de cetro real, sostiene apenas,/ con desmayo galán, un guante de ante/ la blanca mano de
azuladas venas.
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Juan Ramón Jiménez de benéfica influencia en la poesía hispanoamericana de mediados de la vigésima
centuria. Uno de sus poemas, dice:
Nacía gris la luna y Beethoven lloraba,
bajo la mano blanca, en el piano de ella
en la estancia sin luz, ella mientras tocaba,
morena de la luna, era tres veces bella.
Teníamos los dos desangradas las flores
del corazón y acaso llorábamos sin vernos...
cada nota encendía una herida de amores...
-el dulce piano intentaba comprendernosPor el balcón abierto a brumas estrelladas,
venía un viento triste de mundos invisibles...
Ella me preguntaba de cosas ignoradas
y yo le respondía de cosas imposibles...
Para finalizar esta breve cabalgata por los inmensos predios de la lírica española, llegamos a los campos
poéticos de hoy, en el lomo de los istmos con Rafael Alberti, denso, vario, inimitable; Federico García
Lorca, genial y personalísimo, poesía de gran colorido, emotividad y dramatismo; Pedro Salinas, poeta
puro, coloquial e intimista; y, además Gerardo Diego, Vicente Aleixandre, Leopoldo Panero, Miguel
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Hernández y José María Valverde, este nacido en 1926, etc.
Parte de un romance de Federico García Lorca, el poeta sacrificado en Granada:
Verde que te quiero verde/ Verde viento, verdes ramas
el barco sobre la mar/ y el caballo en la montaña.
Con la sombra en la cintura,/ ella sueña en su baranda,
verde carne, pelo verde,/ bajo la luna gitana.
Y quien no recuerda de Miguel Hernández, aquel desolado terceto:
Yo quiero ser llorando el hortelano
de la tierra que ocupas y estercolas
compañero del alma, tan temprano.
José María Valverde, que vive aún, estamos en 1995, algo de su "Oración por nosotros los poetas":
Señor, qué nos darás en premio a los poetas?
Mira, nada tenemos, ni aún nuestra propia vida;
somos los mensajeros de algo que no entendemos.
Nuestro cuerpo lo quema una llama celeste.
Finalmente, Rafael Alberti concluye así uno de sus más bellos sonetos:
Llena de suavidades y carmines,
fanal de ensueño, vaga y voladora,
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voló hacia los más altos miradores,
miradla querubín de querubines
del vergel de los aires pulsadora
pensativa de Alberti entre las flores.
SEGUNDA PARTE
La honda y memorable poesía lírica colombiana
DE GONZALEZ CAMARGO A ROGELIO ECHAVARRIA
Un repaso de una hora sobre aspectos inolvidables de la poesía lírica colombiana, a lo largo de un poco
más de ciento treinta años y a través de la obra perdurable de sus genuinos poetas líricos.
1.- EL JOVEN MEDICO DE "VIAJE A LA LUZ"
Joaquín González Camargo, nació en 1865, el mismo año del nacimiento de Silva, y vivió solamente 21
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años. Su natalicio, en Sogamoso (Boyacá), ocurre doce años después de la muerte de José Eusebio
Caro en Santa Marta (1853), un "genio lírico" éste, según criterio de Menéndez y Pelayo, y autor de esta
cuarteta inmortal:
Mientras tenemos despreciamos,
Sentimos después de perder;
!Y entonces aquel bien lloramos
Que se fue para no volver!
Precursores, González y Caro en Colombia, de una intensa poesía, más acorde con la nueva sensibilidad
poética del país, con lejanas y cercanas influencias de Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) el de las
"Rimas" y, quizás, de Enrique Heine, (1797-1856) "el ruiseñor del Rhin". González Camargo,
contemporáneo de Rafael Pombo, éste 32 años mayor que González, y de Diego Fallon, mayor 31 años
que el poeta y médico boyacense.
Su contemporáneo, José María Rivas Groot, es el autor de un poema famoso entre los eruditos
"Constelaciones". Este poema es una exaltación a la grandeza del hombre como ser espiritual. Empieza,
así:
Amplias constelaciones que fulgurais tan lejos,
Mirando hacia la tierra desde la comba altura:
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Por qué vuestras miradas de pálidos reflejos,
Tan llenas de tristeza, tan llenas de dulzura?
Y, concluye de esta manera:
Y moriréis, !oh estrellas!, en el postrero día...
Mas flotarán espíritus con triunfadoras palmas;
Y alumbrarán entonces la eternidad sombría,
Sobre cenizas de astros, constelaciones de almas.
Esto, algo muy distinto a la carga sin mucho peso de los versificadores puramente retóricos, tan
frecuentes por aquellos años. De Joaquín González Camargo, son dos poemas aprestigiados por su
extraña belleza. El poema "Estudiando", se inicia, así:
En la sala anatómica desierta,
desnudo y casto de belleza rara,
el cuerpo yace de la virgen muerta,
como Venus tendida sobre el ara.
Pero, el poema más famoso de este joven poeta y médico, muerto prematuramente, se conoce con el
nombre de "Viaje a la luz", composición de once cuartetas de pie quebrado. Las dos primeras son estas:
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Empieza el sueño a acariciar mis sienes;
vapor de adormideras en mi estancia;
los informes recuerdos en la sombra
cruzan como fantasmas.
Por la angosta rendija de la puerta
rayo furtivo de la luna avanza,
ilumina los átomos del aire,
se detiene en mis armas.
2.- EL POETA DE LA LUNA
Diego Fallón nació en Santa Ana (Tolima) hoy Falán, en 1834 y murió a los 71 años. Sus poemas, pulidos
y repulidos, hasta tal punto, que pierden calidez y coherencia entre las estrofas.
"A la luna" es una pieza de indudable y decantada belleza, que los colombianos cultos han recordado
siempre con devoción. Sus tres primeras estancias son estas:
Ya del oriente en el confín profundo
la luna aparta el nebuloso velo,
y leve sienta en el dormido mundo
su casto pie con virginal recelo.
Absorta allí la inmensidad saluda,
su faz humilde al cielo levantada;
y el hondo azul, con elocuencia muda,
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orbes sin fin ofrece a su mirada.
Un lucero no más lleva por guía,
por himno funeral silencio santo,
por solo rumbo la región vacía,
y la insondable soledad por manto...
3.- EL GRAN POETA DE NIÑOS, JOVENES Y VIEJOS
Rafael Pombo nació en Bogotá en 1833, vivió 83 años. Pombo es una de las figuras literarias más
prominentes del país, por la calidad, variedad y extensión de su obra poética.
En letras nada hay más popular entre nosotros, que las fábulas de Rafael Pombo. Su poesía lírica es
extensa e intensa. Quien no ha memorizado aquella primera décima de su "Hora de Tinieblas":
!Oh, que misterio espantoso/ es este de la existencia!
!Revélame algo conciencia!/ !Háblame, Dios poderoso!
Hay no sé qué pavoroso/ en el ser de nuestro ser.
Por qué vine ya a nacer?/ Quién a padecer me obliga?
Quién dió esa ley enemiga/ de ser para padecer?
"De Noche" es uno de los cien mejores sonetos del Parnaso colombiano. Este es su texto:
No ya mi corazón desasosiegan
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las mágicas visiones de otros días.
Oh Patria! Oh casa! Oh sacras musas mías!...
Silencio! Unas no son, otras me niegan.
Los gajos del pomar ya no doblegan
para mí sus purpúreas ambrosías;
y del rumor de ajenas alegrías
sólo ecos melancólicos me llegan.
Dios lo hizo así. Las quejas, el reproche
son ceguedad. Feliz el que consulta
oráculos más altos que su duelo!
Es la Vejez viajera de la noche;
y al paso que la tierra se le oculta,
ábrese amigo a su mirada el cielo.
4.- UN POETA DE LOS SENTIMIENTOS ELEMENTALES
Jorge Isaacs, nació en Cali en 1837 y murió a la edad de 58 años. Su poesía no muy conocida, guarda un
equilibrado lirismo. Su novela "María" es un poema en prosa que ha respondido en todo momento por el
gran prestigio del autor.
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"El perro del soldado" es un poema de notable perfección. Su texto es el siguiente:
El vencedor ejército la cumbre
salvó de la montaña,
y en el ya solitario campamento
que de lívida luz la tarde baña,
del negro terranova,
compañero jovial del regimiento
resuenan los aullidos
por los ecos del valle repetidos.
Llora sobre la tumba del soldado,
y bajo aquella cruz de tosco leño
lame el césped aún ensangrentado
y aguarda el fin de tan profundo sueño.
Meses después, los buitres de la sierra
rondaban todavía
el valle, campo de batalla un día.
Las cruces de las tumbas ya por tierra...
ni un recuerdo, ni un nombre...
!Oh! no: sobre la tumba del soldado,
del negro terranova
cesaron los aullidos;
mas del noble animal allí han quedado
los huesos sobre el césped esparcidos.
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5.- EL POETA DE LOS NOCTURNOS
José Asunción Silva nació en Bogotá en 1865 y falleció en la misma ciudad a la edad de 31 años. Su
obra poética constituye la primera más alta expresión de una poesía nueva y moderna en Colombia y en
América de habla hispana. Su Nocturno Tercero "Una Noche", que le dió fama en el ancho universo de la
poesía, lo inspiró, sin duda, la hermana muerta, Elvira, un ser excepcional como el poeta. Esta pieza lírica
en su segunda parte, dice:
Esta noche
solo, el alma
llena de las infinitas amarguras y agonías de tu muerte,
separado de ti misma, por la sombra, por el tiempo y la distancia,
por el infinito negro
donde nuestra voz no alcanza,
mudo y solo
por la senda caminaba...
y se oían los ladridos de los perros a la luna,
a la luna pálida
y el chillido
de las ranas...
Sentí frío, era el frío que tenían en la alcoba
tus mejillas y tus sienes y tus manos adoradas,
entre las blancuras níveas
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de las mortuorias sábanas!
Era el frío del sepulcro, era el hielo de la muerte,
era el frío de la nada...
Y mi sombra
por los rayos de la luna proyectada,
iba sola,
iba sola,
iba sola por la estepa solitaria!
y tu sombra esbelta y ágil,
fina y lánguida,
como en esa noche tibia de la muerta primavera,
como en esa noche llena de murmullos y de música de alas,
se acercó y marchó con ella,
se acercó y marcho con ella,
se acercó y marchó con ella...!Oh las sombras enlazadas!
!Oh las sombras de los
cuerpos que se juntan
con las sombras de las
almas!!
!Oh las sombras que se buscan en las noches de tristezas y de lágrimas!...
6.- UN GRAN POETA POPULAR
Julio Flórez, nació en Chiquinquirá (Boyacá) en 1867 y murió en Usiacurí (Atlántico) a la edad de 56
años.
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Sus poemas son en realidad populares. Quién no ha escuchado "La Araña" que se inicia, así:
Entre las hojas de laurel, marchitas,
de la corona vieja,
que en lo alto de mi lecho suspendida,
un triunfo no alcanzado me recuerda,...
O este otro encabezamiento de su famoso "Idilio Eterno":
Ruge el mar, se encrespa y se agiganta;
la luna, ave de luz, prepara el vuelo;
y en el momento en que la faz levanta,
da un beso al mar y se remonta al cielo...
Quién no ha escuchado este verso: "Todo nos llega tarde hasta la muerte..." Quién no ha tenido noticias
de "Flores Negras", un poema musicalizado que recorre todos los caminos del mundo.
Quien no conoce el soneto "Resurrecciones" que dice:
Algo se muere en mí todos los días;
la hora que se aleja me arrebata,
del tiempo en la insonora catarata,
salud, amor, ensueños y alegrías
Al evocar las ilusiones mías,
pienso: Yo no soy yo! Por qué insensata,
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la misma vida con su soplo mata
mi antiguo ser, tras lentas agonías?
Soy un extraño ante mis propios ojos,
un nuevo soñador, un peregrino
que ayer pisaba flores y hoy... abrojos.
Y en todo instante es tal mi desconcierto,
que, ante mi muerte próxima, imagino
que muchas veces en la vida... he muerto.
7.- UNA VOZ UNIVERSAL
Porfirio Barba Jacob, nació en Santa Rosa de Osos (Antioquia) en 1883 y vivió 59 años. Permaneció
muchas décadas fuera de Colombia, particularmente en México, donde ejerció el periodismo. Con
frecuencia las antologías de ese gran país, hacen aparecer a Barba Jacob como poeta mexicano. Una
intensa y genuina voz lírica. Su "Canción de la vida profunda" puede aparecer en las antologías más
exigentes de la poesía universal. Toda persona culta, de habla castellana ha escuchado por lo menos,
esto:
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Hay días en que somos tan móviles, tan móviles,
como las leves briznas al viento y al azar.
Tal vez bajo otro cielo la gloria nos sonría.
La vida es clara, undívaga y abierta como el mar.
Y hay días en somos tan fértiles, tan fértiles,
como en abril el campo, que tiembla de pasión;
bajo el influjo próvido de espirituales lluvias,
el alma está brotando florestas de ilusión.
Mas hay también !oh Tierra!... un día...un día
en que levamos anclas para jamás volver;
un día en que discurren vientos ineluctables...
!Un día en que ya nadie nos puede retener!
8.- LA POESIA COMO TESORO DEL IDIOMA
Guillermo Valencia, el grande, nació en Popayán en 1873 y vivió 70 años. Su obra poética es, sin lugar a
dudas, de lo más preciado de la literatura colombiana y española. Bien ha dicho en entrevista televisada
Harold Alvarado Tenorio: "mientras viva el idioma castellano las Cigüeñas Blancas de Valencia seguirán
volando del alba al ocaso y sus "Camellos", majestuosamente atravesando los desiertos. "Job" y "Hay un
instante", son paradigmas de perfección. El gran poema "Job", concluye así:
Oh gigante sufrir! Oh velado gemir sin testigos!
Oh mentir de esperanza! Oh mentir de sonrisas y amigos!
Vuelva, oh! Job, tu rugir de león, tu imperiosa demencia,
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tu solemne valor, el sereno saber de tu ciencia
y el secreto cordial de tu férvido amor:
porque todo creador en su seno
recata un dolor como el tuyo, inmortal...
He aquí un aparte de su grandioso poema Anarkos:
....!Canes, mineros, artistas,
el árido recinto que os encierra
consume vuestros míseros despojos;
y en el agrio Sahara de la tierra
sólo hallasteis el agua..., de los ojos!
Huid como bandada tenebrosa
de pájaros nocturnos que entre ramas
hienden la oscuridad sin voz ni huella;
morir: !Para vosotros
no se despierta el día
ni se columpia en el Zenit la estrella
que llamaron los hombres Alegría!
Cuán lejos de vosotros se levanta,
sobre columnas de marfil bruñido
la ciudad de los amos donde canta
su canto de ventura
el gozo entre las almas escondido.
Allí todos olvidan vuestra angustia.
Los árboles no dejan
-de silencio cargados y de floresllegar, de los vencidos que se quejan,
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el treno funeral de sus dolores;.......
9. LA POESIA DE LA NATURALEZA
José Eustasio Rivera, no sólo es el autor de la gran novela "La Vorágine", sino el poeta de "Tierra de
Promisión" el más espectacular sonetario de la Literatura Colombiana. Bellas descripciones cargadas de
lirismo y poesía en sonetos magistrales como "Los potros". Recordemos "La Paloma Torcaz":
Cantadora sencilla de una gran pesadumbre,
entre ocultos follajes, la paloma torcaz
acongoja las selvas con su blanda quejumbre,
picoteando arrayanas y pepitas de agraz.
Arrurruúu...canta viendo la primera vislumbre;
y después, por las tardes, al reflejo fugaz,
en la copa del guáimaro que domina la cumbre
ve llenarse las lomas de silencio y de paz.
Entreabiertas las alas que la luz tornasola,
se entristece, la pobre, de encontrarse tan sola;
y esponjado el plumaje como leve capuz,
al impulso materno de sus tiernas entrañas,
amorosa se pone a arrullar las montañas...
y se duermen los montes... y se apaga la luz.
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GREGORIO GUTIERREZ GONZALEZ, nació en La Ceja en 1826 y vivió sólo 46 años. Es el autor del
muy conocido y extenso poema "Memoria sobre el Cultivo del Maíz en Antioquia" construido sobre el
promontorio de 186 estrofas de versos endecasílabos, llenos de frescura y de autenticidad campesina.
Citamos al azar estas estancias:
Buscando en donde comenzar la Roza,
de un bosque primitivo la espesura
treinta peones y un patrón por jefe
van recorriendo en silenciosa turba.
Vestidos todos de calzón de manta
y de camisa de coleta cruda,
aquel a la rodilla, ésta a los codos,
dejan sus formas de titán desnudas.
El sombrero de caña con el ala
prendida de la copa con la aguja,
deja mirar el bronceado rostro,
que la bondad y la franqueza anuncia.
...........
A veces el patrón lleva a la Roza
a los niños pequeños de la hacienda,
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después de conseguir con mil trabajos
que conceda la madre la licencia.
Sale la gritadora, alegre turba,
a asistir juguetona a la cogienda,
con carrieles y jíqueras terciados
cual los peones sus costales llevan.
Quién puede calcular las mil delicias
que proporciona tan sabrosa fiesta...?
!A malaya volver a aquellos tiempos!
!A malaya esa edad pura y risueña!
10._ DOS REVOLUCIONARIOS DE LA POESIA
Luis Vidales fue un valiente innovador de la poesía en Colombia. Nació en Calarcá en 1904, en la
Hacienda Río Azul y mirando para Peñas Blancas. Todo lo contempla dentro de perspectivas originales.
Su escritura inmensamente grávida de elemento poético, apenas cabe en las formas frágiles de su verso.
El hecho del incruento "golpe de estado poético" dado por Luis Vidales ocurrió por allá en 1926, cuando
publicó su libro "Suenan Timbres". El gárrulo poemario de Vidales, escandalizó y exarcerbó los ánimos de
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una república literaria remolona y apacible, particularmente en los círculos sentimentales y clásicos de
Ricardo Nieto en el Valle, de José Joaquín Casas en la Sabana y, por sobre todo del maestro Valencia en
Popayán que, poéticamente, gobernaba el país. Ñito Restrepo estuvo al borde de infarto del miocardio de
sólo iracundia literaria contra Luis. Casi que hay problemas de orden público. Algo muy semejante a lo
ocurrido en París un siglo atrás en los inicios del gran ciclo romántico, cuando se estrenó en 1830 el
"Hernani" de Víctor Hugo, que llevó a sus partidarios a enfrentarse a puño limpio, en las orillas del Sena,
con los furiosos e intransigentes corifeos de la escuela Neoclásica.
Notables críticos y ensayistas se han ocupado con maestría de la poesía de Vidales: María Estripeaut,
socióloga francesa, Eduardo Carranza, Luis Tejada, Alberto Lleras, Jorge Zalamea, Fernando Arbeláez y
otros muchos nacionales y extranjeros. Sobre la ágil arquitectura de la Palma de cera del Quindío, el
árbol nacional, Vidales, escribe su Rondelillo:
A la palma del Quindío
le conté mi sueño un día.
Era la palma, era,
era la palma de cera,
la palmera,
la palma del sueño mío.
Cohete que sube al cielo
y estalla en el estrellío.
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Y cuando pasan los vientos
la palma se vuelvo río...
Oíd el río del aire,
el río..., la palma del niño mío.
Aquí la palmo guardada,
Aquí en el pecho,
al lado izquierdo del alma
en donde llevo al Quindío.
De largo y hermoso poema "Música de cámara para la aldea perdida", un poco:
Una mañana la tierra se movió como un mueble.
Aterrados vimos cómo se ladeó la mañana.
Nuestro círculo familiar, en el patio, cayó de rodillas.
De pronto, entró a nuestro círculo, hincose
y bramó largamente hacia el cielo la vaca "Encerada"
El hermano muerto atraviesa la plaza.
El árbol es el único que puede verlo ahora.
De los miembros del viejo hogar en que todos nacimos,
el guadual es el único que reverdece y sueña.
El maestro LEON DE GREIFF, antioqueño (1904-1988) dominaba todos los recursos del idioma,
innovador, original y autor de una densa e intensa obra. Muy estudiado su libro "Tergiversaciones".
Su poema "Divagación Nocturna, se inicia, así:
Riela en mi alma tu recuerdo como la luna sobre el mar...
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En el silencio de mis noches oigo tu voz aletear,
tu voz que me dice muy paso que no me quieres olvidar...
11.- ILUSTRES MUJERES Y SU POESIA PERDURABLE
Meira del Mar y Carmelina Soto, en otro lugar de este ensayo nos ocupamos de ellas y su poesía.
Maruja Viera, con su esposo José María Vivas Balcázar, una pareja lírica de muchos alcances y obra
perdurable. Y, ahora, la hija Anamercedes con una poesía transparente y llena de frescura en "La noche
de los girasoles". La poesía de Maruja Viera, oriunda de Manizales, es de gran delicadeza y perfección
formal.
Beatriz Zuluaga, periodista caldense, autora de poemas de muy humano lirismo. Su poema "Presencia
vital" se inicia, así:
Estoy aquí/ con mis pies calcinados/ en el duro cemento./
Con los mil edificios/ a la espalda,/
con un negro cinturón de hierro./
Con relojes/ marcando el despertar/ para los pobres,/
cuando empieza/ la noche de los ricos./
Estoy aquí/ viendo las esquinas/ cargadas de tristeza.../
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Dora Castellanos, incansable trabajadora de las letras. Su obra poética es de alto vuelo. Leamos su
soneto "Nefertite":
De qué terrena claridad dorada,
de que barros del cielo, de qué arcillas
surgió la morbidez de tus mejillas,
la ciega plenitud de tu mirada?
De cual sarcófago, de cual morada,
de qué profundidades amarillas,
de qué lejano mundo sin orillas,
la luz de tu cabeza coronada?
Qué aurora boreal sobre tu frente,
sobre la placidez del rostro vivo
dejó su rosicler eternamente?
En la penumbra fértil de mi mesa,
cuando entre el hueco de la noche escribo,
llenas mi soledad con tu belleza.
12.- LOS GRANDES POETAS DE TONO MENOR
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Juan Lozano y Lozano, notable ensayista y poeta, nació en Ibagué en 1902 y murió en Bogotá a la edad
de 77 años. Es el autor del famoso soneto a la "Catedral de Colonia", pero, vamos a citar otro poema
breve, más intenso y de indudable belleza, dice:
Cuando cerca del lecho en que reposa
mi pobre humanidad, lívida y mustia
veles, y por mi frente sudorosa
rueden tus dedos trémulos de angustia.
Cuando oprimiendo el pulso que vacila,
mires por los corridos cortinajes
filtrarse y dilatarse en mi pupila
el asombro de incógnitos paisajes.
Cuando, extraviada, contra ti reclames
mi pecho exhausto, y al sentirlo inerte,
enloquecida de pavor me llames
y mis labios no puedan responderte.
Cuando empiece la alcoba funeraria
a poblarse de gentes sigilosas
y se mezcle al sollozo la plegaria
el tenue olor de las primeras rosas.
Entonces, desgonzada, y sumergida
en un sopor que no es pena siquiera,
cruzará por tu frente nuestra vida,
toda la vida, nuestra vida entera.
Mas no la vida que conoces, sino
vista del fondo de mi ser; en modo,
que sepas lo que fue nuestro destino
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y lo comprendas y perdones todo.
Alberto Angel Montoya, nació en Bogotá en 1903 y vivió 68 años. Poeta galante de muy fino y elegante
estilo. Autor de bellos sonetos, entre los cuales recordamos el texto de "Octubre":
Ya que llegas, octubre, mensajero
de una ilusión de exóticos países,
junto a las brasas del hogar, te espero
bajo el halago de mis pieles grises.
A tu lado mi espíritu viajero
sabrá encontrar Venecias y Parises.
Otoño en la canción del gondolero
y otoño en la peluca de los Luises.
Nada importan el tiempo y la distancia
si hoy a tu hechizo señorial, mi estancia
puede bien ser Venecia o ser París.
Ha muchos años ya que mi elegancia
encontró, gran señor, su consonancia
en tu elegancia silenciosa y gris.
Eduardo Castillo, nació en Bogotá en 1889 y vivió sólo 49 años. Es autor de pequeñas e inolvidables
obras de arte literario en el campo del soneto, como "A una novia de Ayer":
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Sin saberlo, quizá fuiste tan buena
a mis pesares cuando Dios quería,
que si perdí tu amor, su poesía,
es suficiente a embalsamar mis penas.
Como desde una vida ultraterrena
me parece mirarte todavía,
tanto más bella cuanto menos mía,
tanto más dulce cuanto mas ajena.
Mas por tu compasión y la ternura
feliz, guardo un recuerdo de ventura
de mis lejanos días abrileños:
El es como la estrella vespertina
que irradia en el azul, sobre la ruina
de la Jerusalén de mis ensueños.
El maestro Antonio Gómez Restrepo, gran colombiano e historiador de nuestra literatura, escribió poemas
de delicada factura, como aquel soneto "Los ojos":
Ojos hay soñadores y profundos
que nos abren lejanas perspectivas;
ojos cuyas miradas pensativas
nos llevan a otros cielos y a otros mundos;
ojos, como el pesar, meditabundos,
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en cuyo fondo gris vagan esquivas
bandadas de ilusiones fugitivas,
como en el mar, alciones errabundos.
Ojos hay que las penas embellecen
y dan al filtro de celeste olvido
a los que al peso de su cruz fallecen;
ojos tan dulces como el bien que ha sido,
y que en su etérea vaguedad parecen
astros salvados del Edén perdido.
Enrique Alvarez Henao, poeta bogotano, (1871-1914) es el autor de dos sonetos famosos "La Abeja" y
"Los tres ladrones".
Ciro Mendía, poeta antioqueño nacido en 1894, vivió 85 años, escribió una extensa obra poética. Es autor
del soneto "El pecado del ángel", muy conocido por el breve lío teologal que suscitó en Medellín su
publicación en el suplemento "Generación", que dirigían Otto Morales Benítez y Miguel Arbeláez
Sarmiento. Una peligrosa confrontación de poderes entre "El Colombiano" y la Curia. Hélo aquí, Dios mío:
Siempre, cuando en su alcoba perfumada,
la amada desnudarse pretendía
el Angel de la Guarda se salía
un momento del cuarto de la amada.
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De la vecina estancia distinguía,
con el placer de un alma enamorada,
el ruido de la seda, libertada
de aquella blanca y dulce tiranía.
Una noche el buen Angel, de repente,
en un espejo vió las maravillas
de aquel desnudo cuerpo transparente...
Y al sentir que en pasión se iba abrasando
cayó como un esclavo de rodillas
ante la luna de cristal, llorando.
José Joaquín Casas, (1865-1952) nació en Chiquinquirá (Boyacá) notable señor de las letras y de la
educación, autor de valiosas páginas poéticas, elegantes y tiernas, como aquel soneto "La torre de la
aldea":
Cuando al volver a su nativa aldea
el gozoso estudiante provinciano
divisa tras el término lejano
su nido, que entre sauces bermejea;
La mirada, con lágrimas, pasea
por tanto sitio que le aguarda ufano...
No es ya la voz del ternezuelo hermano
la que al rumor del agua juguetea?
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!La torre allá! La vieja conocida,
la de los ojos grandes, se incorpora
a darle la primera bienvenida;
y con doliente, maternal cariño,
parece preguntarle escrutadora:
Dime: conservas tu candor de niño?
Miguel Rasch Isla, barranquillero nacido en 1886 y muerto en 1953, es uno de los más importantes
sonetistas líricos de la literatura colombiana.
LUIS CARLOS LOPEZ, cartagenero, (1883-1950) creó una muy valiosa y original obra poética. Es muy
conocido su soneto "A Mi ciudad nativa", con imponente monumento en Cartagena. El último terceto:
Mas hoy, plena de rancio desaliño,
bien puedes inspirar ese cariño
que uno le tiene a sus zapatos viejos.
Pero, he aquí otro soneto de Luis Carlos, "Medio Ambiente" de magistral factura y doloroso sentido:
Mi buen amigo el noble Juan de Dios, compañero
de mis alegres años de juventud, ayer
no más era un artista genial, aventurero...
-Hoy vive en un poblacho con hijos y mujer.
...Y es hoy panzudo y calvo. Se quita ya el sombrero
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delante de un don Sabas, de un don Lucas...Qué hacer?
La cuestión es asunto de catre y de puchero,
sin empeñar la "Singer" que ayuda a mal comer...
Quimeras moceriles, -mitad sueño y locura:
quimeras y quimeras de anhelos infinitos,
y que hoy -como las piedras tiradas en el marse han ido a pique oyendo las pláticas del cura,
junto con la consorte, la suegra y los niñitos....
!Qué diablo! si estas cosas dan ganas de llorar.
Antonio Llanos, nacido en Cali (1905-1978) Poesía transida y pura como aquella del libro "Temblor bajo
los Angeles". Recordemos algunas estancias de su poema "Canción del retorno":
Ha llegado el hermano de lejos,/ evadiendo preguntas ingratas:/
Las pupilas cavadas en lumbre /y ceniza en la sien y en la barba/
Es su voz donde suena la noche,/confundidos silencio y palabra,/
más delgada que un soplo de música,/más azul que la niebla
El hermano me mira callado.../Quién sabrá su remota distancia!/
Tantos años sin vernos... y ahora/ ya no quedan ni sueños ni
lágrimas./
El estaba en la flor de la vida/ cuando dióse a la mar con su
yo indagaba el misterio del mundo/ con la dulce mentira del
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lejana/
barca,/
arpa./
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Ovidio Rincón, 1915-1996, publicó en Manizales, década de los cuarenta, el poemario "El Metal de la
Noche" cuya influencia en la poesía posterior la insinúa el crítico Armando Romero en su notable libro de
ensayos "Las palabras están en situación".
Otra poesía perdurable la de Mejía Velilla con su cantata superior:
Yo, junto a Ti./ Contigo puedo estar simplemente.
Puedo gozar inviernos y veranos,/ porque tuyo soy.
!Tu me hiciste a tu modo/ y nada puede separarme de Ti!...
Firme la voz lírica del antioqueño Jorge Robledo Ortiz, como la
de Castro Saavedra en "Camino de la patria":
Cuando se pueda andar por las aldeas
y los pueblos sin ángel de la guarda....
Solo en aquella hora
podrá el hombre decir que tiene patria.
Y perdurable la voz del gran nariñense, Guillermo Payán Archer, y su "Elegía" al hermano muerto.:
Vengo a llorar al pie de tu victoria!
Duerme en tus sienes un laurel vencido
y en tu cuerpo -ya polvo ensombrecidosólo la tierra, inútil e ilusoria.
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Por tu gloria en ser joven y esa gloria
creciendo en fieles cármenes de olvido,
por tu atediado corazón herido
y unas cenizas para tu memoria.
Por la sed de tus labios, por la dura
nieve de tu horizonte, por tus manos
anhelantes de amor, por tu amargura...
Porque todos tus sueños fueron vanos,
y tu recuerdo se me desfigura
en un amargo nido de gusanos!
Héctor Fabio Varela, activo hombre de letras vallecaucano (1917)
En uno de sus poemas, dice:
Aquí me quedo con mis sueños/ en este paisaje de nieve/...
Me quedo mirando la tarde/ a la sombra de los cipreses./
Bajo la noche cenicienta/ oiré el latido de mis sienes./
Y nadie vendrá a consolarme/ de la tristeza que me obsede.
Siempre presente Rafael Ortiz González y su bien trabajada obra.
Inolvidables el maestro Martínez Mutis,(1894-1954) de alto tono en sus epopeyas; el poeta Eduardo Cote
Lamus (1928-1964) y sus trascendentes "Estoraques"; y un poco más atrás en el tiempo, Adolfo Milanés,
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y su inolvidable "Oración por el alma del agua". Independiente y auténtica la gran voz de Jorge Gaitán
Durán. Con luz propia en el firmamento poético, este magistral soneto suyo:
Sé que estoy vivo en este bello día
acostado contigo. Es el verano.
Acaloradas frutas en tu mano
vierten su esposo olor al mediodía.
Antes de aquí tendernos no existía
este mundo radiante. !Nunca en vano
al deseo arrancamos el humano
amor que a las estrellas desafía.
Hacia el azul del mar corro desnudo.
Vuelvo a ti como al sol y en tí me anudo;
nazco en el esplendor de conocerte.
Siento el sudor ligero de la siesta.
Bebemos vino rojo. Esta es la fiesta
en que más recordamos a la muerte.
Recordemos, así mismo, a Fernando Mejía o la poesía de las palabras; Baudilio Montoya, un poeta de la
gleba; Jaime González Parra, con humor y exigente en la forma; Homero Villamil Peralta, espontáneo y
sincero; Rafael Díaz Borbón, hondo en "Señales bajo el fuego" etc.
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13.- POETAS DEL MAR
Gregorio Castañeda Aragón, ilustre poeta samario (1887-1960) El proemio de su poema "Canción del
niño que nació en el mar":
No cierren la puerta,/ que abierta ha de estar.
Dejen que entre el aire/ déjenlo pasar.
Dejen que entre el agua,/ déjenla llegar.
Te daré una estrella,/ la estrella polar.
Y nieve de espuma/ con sol y con sal.
Con sal de las olas,/ con sol de la mar.....
Y Leopoldo de la Rosa muy querido en Barranquilla (1888-1964).
Su "Canción del mar" se inicia, así:
Yo fui el cantor de una canción sombría
que un ronco océano me enseñó a cantar...
Helcías Martán Góngora, caucano de Guapí (1920-1984). Muy conocido su poema "Declaración de amor"
que se inicia, así:
Las algas marineras y los peces,
testigos son de que escribí en la arena
tu bienamado nombre muchas veces.
Testigos, las palmeras litorales,
porque en sus verdes troncos melodiosos
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grabó mi amor tus claras iniciales.
Testigos son la luna y los luceros
que me enseñaron a esculpir tu nombre
sobre la proa azul de los veleros...
Alvaro Mutis, autor de "Los Hospitales de Ultramar", dice en
algún poema:
Al golpe de las barcas en el muelle,
la pavura de un lejano sonido de corneta...
Meira del Mar, una de las voces más genuinas de la lírica
nacional. Notable su poesía marinera:
De tanto quererte, mar,/ el corazón se me ha vuelto/ marinero.
Octavio Amórtegui, bogotano (1901) De su "Canción de la niña
morena":
Marinero sin fragata,/ náufrago de tierra y mar,/
y de la luna de plata/ por el azul estelar.../
Celos de espuma y arena/ celos de la pleamar,/
recelo de aquella pena/ que no pudo sondear.../
!Pero la niña morena/ tenía celos del mar!
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Julio Vanegas Garavito, nació en Barranquilla en 1923, dice:
Este escarpado mar de mil luceros,
de abundante y nocturna llamarada,
multiplica en mis ojos sus veleros,...
Jorge Artel, nació en Cartagena (1909) Muy conocido su poema
"Velorio del boga adolescente" con esta entonación:
Desde esta noche a las siete/ están prendidas las espermas;/
cuatro estrellas temblorosas/ que alumbran su sonrisa muerta.../
Murió el boga adolescente/ de ágil brazo y mano férrea:/
!nadie clavará los arpones/ como él, con tanta destreza!...
Luis Zalamea, un distante gran señor de las letras, dice en su
libro "Voces en el desierto":
Quise ser marinero de horizontes abiertos,
tripulante en naves de amplio velamen desatado,
vagando a flor de ola por ínsulas gorgónicas,
a la deriva a veces sin compás, ni islario,
a sotavento de radas solitarias,
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juguete de los alisos a la madrugada.
Pero, la gran revelación como poeta del mar es JORGE MAREL, nacido en Sincelejo en 1946. En uno de
sus poemas, dice:
El mar es el poeta./ Tú crees oír mi voz en la noche,/
bajo el cielo estrellado,/ pero mi voz es apenas/
el eco fugaz de las olas./ El mar, el mar es el poeta.
14.- EL POETA DE MORADA AL SUR
Aurelio Arturo, nacido en Nariño en 1904 y muerto en Bogotá en 1976. Una de las figuras con más
simpatías en el mundo de la poesía colombiana. Su obra llena de originalidad y sencillez en la forma, es
rica en elemento puramente poético. "Morada al sur" uno de sus libros más leídos y estudiados. El poema
"Rapsodia de Saulo" se inicia así:
Trabajar era bueno en el sur, cortar los árboles,
hacer canoas de los troncos.
Ir por los ríos en el sur, decir canciones,
era bueno. Trabajar entre ricas maderas.
(Un hombre de la riba, unas manos hábiles,
un hombre de ágiles remos por el río opulento,
me habló de las maderas balsámicas, de sus efluvios...
!Un hombre viejo en el sur, contando historias!)
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Trabajar era bueno. Sobre troncos
la vida, sobre la espuma, cantando las crecientes.
?Trabajar, un pretexto para no irse del río,
para ser también el río, el rumor de la orilla?...
15.- EL POETA DE "LA VIDA EN LA SOMBRA"
Y de "Coros del medio día", Rafael Maya, nacido en Popayán (1997-1976) una de las voces más puras
de la poesía colombiana de mediados del siglo XX. Recordemos el soneto "Olvido":
Al fin me has olvidado. !Qué suave y hondo olvido!
Tras el incierto límite de nuestro oscuro ayer
la estrella que miramos los dos ha descendido
como una dulce lágrima que se rompe al caer.
Y así de tu regazo me alejo entristecido,
cual uno que abandona su campo sin querer,
mirando que tus ojos, como el cristal herido,
prolongan la agonía de un vago atardecer.
!Al fin me has olvidado! Recónditas congojas:
en medio del crepúsculo que anubla un vuelo de hojas
callad, para que pueda pasar esta mujer.
Y escuchará más tarde, bajo la noche ciega,
posarse el pie enlutado de la que siempre llega
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sobre los rastros de esa que nunca ha de volver.
16.-POETAS DE PIEDRA Y CIELO
Eduardo Carranza, nacido en Apiay (Meta) en 1918, vivió 78 años. Acaudilló con Jorge Rojas el
movimiento poético de "Piedra y Cielo" que remozó un poco la poesía colombiana. La obra de Carranza
está llena de raras armonías y de originalidad. Son muy conocidos su soneto a "Teresa", "Aura al volante"
y "El poeta se despide de las muchachas". Aquí recordamos éste:
Tarde tan bella para estar ausente
y llorar un amor infortunado,
palideciendo entre lo deshojado
de un claro río al son de la corriente.
Aunque abierta en la mano del presente,
tarde que ya parece del pasado,
por su aroma de tiempo desandado
y su actitud de pensativa frente.
Tarde pura, Dios mío, como aquellas
en que me sorprendían las estrellas
triste del cielo azul y el viento, triste.
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Dame otra vez Dios mío la tristeza
y la ausencia y el río que la atraviesa,
ya que esta tarde trémula me diste.
JORGE ROJAS, Nació en Santa Rosa de Viterbo en 1911 y murió en Santafé de Bogotá a la edad de 84
años. Poeta de notable pulcritud y elegancia en el verso. Traductor de Paul Valery. Es el autor de "La
ciudad sumergida", poema construido en tercetos cargados de extraña musicalidad. Son muy conocidos
sus sonetos "Instantes de la doncella" y el soneto "La muerte del agua", cuyo texto es el siguiente:
Llorando un caracol su cancioncilla
fue al entierro del agua. Viudos lotos
sin luna ya, para sus tallos rotos,
imploraban la leche de la arcilla.
La saeta del sol hirió la quilla
de la varada sed; exhaustos notos
asidos a las velas, en ignotos
horizontes buscaban una orilla.
El cadáver del agua resumía
una húmeda ausencia. Río apenas
el llanto de las náyades, corría.
Y en hombros de Tritones y Sirenas,
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fue llevado sobre andas de sequía
su cuerpo que ultimaron las arenas.
Presentes en la memoria Carlos Martín y su "Territorio Amoroso", Arturo Camacho Ramírez y su
"Presagio del Amor" etc
18.- POETAS DE LA SOLEDAD
Germán Pardo García, nació en Ibagué en 1902 y murió en México en 1992. Existe una interesante
biografía del poeta escrita por Gustavo Páez Escobar. La obra de Pardo García es extensa y de
indudable calidad. Es hermoso su libro "Apolo Pankrátor" editado en México en 1977. Recordemos su
soneto "Agua de soledad":
Agua de soledad que yo he bebido
adorando la luz de su presencia,
que envuelve en desolada transparencia
el trémulo diamante del olvido.
Mar de la soledad, claro y ungido.
Recóndito de amor y de clemencia.
Aire de soledad, alto de ausencia,
de atribulada sombra y de alarido.
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Soledad implacable, que aprisionas
mis sienes con tus pálidas coronas.
Cáliz de elevación, ánfora inerte
y llena de dramática ternura:
pasa de mí con toda tu amargura,
que está mi alma sola hasta la muerte.
Y FERNANDO CHARRY LARA, el poeta de "Los adioses" y de los "Nocturnos", bogotano nacido en
1918. Notable analista y crítico literario. Es una de las figuras poéticas de fin de siglo, más prominentes
del país.
18.- ROGELIO ECHAVARRIA Y SUS CONTEMPORANEOS
Nacido en Santa Rosa de Osos en 1927. Su único gran poemario "El Transeúnte" ha merecido varias
ediciones de distintas entidades oficiales y particulares. Echavarría es el poeta de la cotidianidad, de muy
buena ley y hondo su lirismo, genuina su sencilla y descomplicada forma instrumental. Su palabra poética
tiene tal encanto y autenticidad que, como la poesía de Aurelio Arturo, es difícil que el tiempo y las
novelerías literarias, le puedan hacer mella alguna. Una muestra mínima:
Todas las calles que conozco/ son un largo monólogo mío,/
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llenas de gente como árboles/ batidos por oscura batahola...
pero sé que todos luchan solos/ por lo que buscan todos juntos...
....Son un largo gemido/ todas las calles que conozco.
Las calles amanecen entre rotas ventanas./ Pasan los que recogen la basura/ y llevan al olvido cuanto los
hombres tocan.
.....Cuando en la noche caen las altas torres
y trabajan sonámbulos los lejanos correos...
Y el poema "A la lluvia":
Demonio de la lluvia, látigo de lujuria,
no rompas con tus dientes vidriosos el abrigo
del tibio pecho, lo único tibio del humilde;
no nos traigas el frío de la tan alta nube,
no persigas al perro sin puerta con tus piedras,
no rompas el pulmón del obrero que canta
siguiendo el pie descalzo de sus hijos sin cielo,
no mancilles las barbas secas del pordiosero,
no llegues hasta donde no pueden evitarte.
Deja tu voz pluvial para el cultivo de los ríos,
para la faz de las persianas donde hay dueño,
para el paraguas, que es tu flor arcaica....
Una imperecedera poesía la de Rogelio Echavarría. En el portal de nuestro inminente siglo XXI, a su obra
concretada en un único libro, le espera el cotejo que harán los estudiosos, cotejo de "El Transeúnte" con
la bien promocionada obra poética de sus coetáneos un poco más jóvenes: Mario Rivero y Juan Manuel
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Roca sobre todos y, las posibles sorpresas de la muy bien lograda calidad de William Ospina y Alvarado
Tenorio, de García Mafla, Humberto Senegal y su grupo regional; el bien promocionado autor Darío
Jaramillo Agudelo; el imprevisible y erudito Cobo Borda de "Casa de Citas" y "Salón de Te"; de Guiovanni
Quessep, Eduardo Gómez, Henry Luque Muñoz, Jorge García Usta, José Luis Diaz-Granados expectante
desde su "Laberinto", X 504 y todos los Nadaístas, pues, desde hace años y en la actualidad, elaboran un
respetable trabajo literario. En resumen, puede sorprendernos en el devenir no lejano, una tenaz
confrontación de la obra tranquila y elegantemente discreta de Echavarria, con la de todos los "Poetas en
Abril", por ejemplo, o con los jóvenes y viejos de la "Casa Silva".
TERCERA PARTE
POESIA Y P O E T A S
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Sin retórica la presencia de Dios
I.-LA POESIA DE DAVID MEJIA VELILLA
Sólo la poesía, una poesía de tranquila pureza, simplicidad y clara conciencia estética, puede tender
puentes sobre los abismos que prevalecen entre la vida y la muerte. El poeta, dice:
"Si quieres traer el cielo a la tierra, sé pacífico... Que sean la verdad y la paz, luz de nuestros ojos, música
de nuestros oídos: cómo, de otro modo, podríamos advertir el amor de esta brisa que nos apacigua, la
dulzura del canto de la noche que nos alerta, el perfume de los heliotropos, que da alas a nuestro
corazón, el rumor del agua, el brillo de los cafetos que adormece la luna, el fulgor de la estrella de la
tarde: su majestad, su pureza, su tierno eterno temblor. Nada hay más de Dios, bajo la noche, que un
corazón sincero y pacífico: refulge más que todos los luceros." (PEQUEÑO ELIOT)
Sólo ella, la poesía, puede llenar esos vacíos inmensurables, entre la existencia terrenal del hombre y lo
que viene después, el fin vital y otra vida desconocida y nueva. El poeta, agrega:
"El agua de vida/ nos recrea/ con la fuerza/ de El que sostiene/ los mundos:/ ebrios de luz/ y de energía,/
ebrios de la sabidu-ría/ más penetrante,/estos bebedores,/
poetas de las profundidades,/ señorean la creación/ camino/
del señorío definitivo/ junto al Cordero de las aguas."
(MEMORIA DE DIOS)
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La poesía, pone fin a ese triste distanciamiento de sordos entre dos mundos: el imperio de lo
desconocido y apenas intuído y el reino de la alegría en los estadios jubilosos de lo limitado e
intrascendente. El poeta, precisa:
"En el amanecer/ de todas las Hiroshimas,
en el atardecer de todos los imperios/ desastrados,/
veréis en las playas/ a estos niños,/ que trasladan/
océanos/ al cuenco/ de sus manitas." (Memoria del Agua)
La poesía de David Mejía Velilla, ciertamente, se orienta hacia el hallazgo y quehacer amable de airear
espacios abisales y angustiosos, señalizarlos y delimitarlos. Buena y bella tarea, preservar el ritmo y el
equilibrio del cosmos, como entorno natural del ser humano, del homo sapiens.
Una misión hermosa para un cristiano puro y sin mezclas. Para un espíritu de las dimensiones del espíritu
de Mejía Velilla. Un hombre, que transmite, pacífica y pedagógicamente a sus semejan-tes, sus naturales
y genuinas calidades de espiritualidad. La transparencia, por ejemplo, de sus mensajes de espontáneo
arte lírico, en tono coloquial, lejos de todo retoricismo y amanera-miento. Un muy actual y para estos
tiempos oportuno Lubicz Milosz. El mismo que en 1942, Edmond Jaloux retrataba, así: "un joven delgado,
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muy alto, con un aire de ave zancuda..." Un Milosz meridional el nuestro e hispanoamericano, y como
aquel lituano casi legendario, inmerso dentro de la vida múltiple de la
Naturaleza por medio de las más inocentes y sutiles antenas.
Bella torsión esta hacia los campos iluminados del conocimiento sobrenatural.
Una poesía que, al contacto con ella, el lector-indagador de
yacimientos de metales preciosos, quisiera callar, con un silen-cio reverente y meditativo. Como quien
encuentra un tesoro, y quiere dejarlo allí, sin tocarlo y sin moverlo, consciente de que ese hallazgo hace
parte de la armonía universal, como las capas de ozono.
Poesía que está dispuesta al ser y al hacer, por fuerzas superio-res e intangibles. Por la mística y la
música que conservan la vida. Así, como el fuego central de la tierra alimenta la viveza y los brillos
frescos de la clorofila y de las nervaduras de las hojas, los matices en las corolas de las florescencias en
los altas frondas. Todo esto tan real y que a simple vista, se observa.
Uno de los senderos que enrumban a este punto del cenit poético, es el sendero del silencio. En el bello
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fascículo, "Tiempo de Vivir" 1990, el poeta pone un monólogo en labios del aprendiz de sabiduría que
habla frente al superior en silencio. En silencio como el maestro de la India de la leyenda milenaria, que
recomendaba el encuentro con el gran brahman, con la mayor sabiduría. Dice el texto reminiscente de
Mejía:
"Pero sobre todo nos llamabas al silencio continuo, para que pudiéramos escuchar las voces interiores y
exteriores de Dios y
de la conciencia, de la inspiración y de la naturaleza, del corazón y del alma.
Con el silencio, se extendía dentro, muy dentro, una dulce serenidad. Y se alzaba con fuerza la luz del
entendimiento, que se posaba sobre los seres entrañablemente.
Una de las cosas que más te agradezco, es haberme enseñado a amar el silencio." (Tiempo de Vivir)
En torno al hombre cristiano fluye en realidad una viva y abun-dante poesía. Cierto. Yo no diría que
alrededor de los grandes cristianos, es posible descubrir el venero fecundo de una inago-table y
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enriquecedora poesía. Por los predios, por ejemplo, de Pablo de Tarso, de Agustín de Hipona, Francisco
de Asís, de Ignacio de Loyola, de Teresa de Jesús, de José María Escrivá de Balaguer. No exactamente.
Esa gran poesía, que es el rico filón que trabaja Mejía Velilla, se descubre sin mucho misterio en la
frescura y transparencia, en la sencillez y elementalidad de las virtudes cotidianas de todo lo cristiano.
Honda y pura esa poesía, cercana por la gracia a grandes y chicos, a hombres y mujeres, a viejos y
jóvenes. Sí, las virtudes que vive y ejerce, y ve a su alrededor, día y noche, un cristiano de verdad, es la
Poesía, la de todos los tiempos, la de todos los lugares.
En la presentación de los poemas de su libro cenital "Los días y las noches" (1983) su autor, David Mejía
Velilla, dice:
"contienen lo anterior y lo que habrá de venir, si Dios me hace merced: porque en cada libro, y en cada
poema, y en cada línea,
verdad es que se entraña todo." Y es cierto, además, que nos evidencia los asertos anteriores, sin que
nosotros inventemos
nada nuevo. El asunto discurre, libre como un manantial campesi-no, entre piedras de jade y orillas con
rica carga vegetal. Leamos:
"Yo, junto a Tí.
Contigo puedo estar simplemente.
Puedo gozar inviernos y veranos,
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porque tuyo soy.
!Tú me hiciste, a tu modo,
y nada puede separarme de Tí!
.....
!Qué viaje embrujado es esta vida!
!Me emborracho el ser!
!Los seres me emborrachan!
!Me embriago de aires,
de colores!
!De aguas y de vientos!
No hay tiempo aquí para pensar en soledades.
(Nadie Alce la Voz)
Sé eterno.
Y deja que pase la brisa,
o que vuelva.
Sé eterno,
y olvida escribir el Poema.
Quédate en Dios,
y en paz.
(El Poema es un Ser Distinto)
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Y decíamos que lo cotidiano, muy simple, envuelve y engasta la poesía, la gran poesía, para que el
cristiano con su alma trans-parente, sin limitantes, ni recelos, la descubra, la
embellezca y la enseñe. Ella, la poesía está allí, pero hay que permanecer en estado de gracia para
poderla ver, oír, sentir pasar aleteando, cantando y amando.
Que bella poesía es esa que está allí, por ejemplo a bordo de los claros nombres familiares, en el puente
levadizo de la memoria de los seres amados, de la familia que es nuestro verdadero centro de felicidad.
De todos aquellos que moran en nuestro corazón, que demoran allí por incontables afectos de la sangre y
de la amistad desde la infancia.
Mejía Velilla, hace toda una sinfonía de memorias y ternuras. La crónica cordial, que embellecida por lo
intangible poético, por
el perfume y el color del paisaje y de la naturaleza de antaño, tiene allí un amplio escenario. Un definido
rol para el trabajo y regocijo del hombre de fe. Si. Además, el hombre hecho para el amor, tiene en este
momento de la obra de David Mejía, un papel protagónico, delicado y amable. La dicha de vivir y de
morir, sin perder el ritmo, sin agotar el compás, siempre adelante y sin vacilaciones, enriquecidos todos
por la plenitud espiritual.
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Convencidos todos por la verdad, por la verdad que amamos y que nos hace libres y valientes.
Esto es como jugar con la historia del corazón. Con los nombres gratos de los seres queridos a lo largo
de muchos años. Nombres
que alimentan por siempre con sus resonancias sincopadas, las estancias más íntimas. En "Iconos" y en
"Los días de la memoria" de 1968, está definido el juego, como rito que enriquece y alegra. Entrémonos
en el:
Sebastián......
Para mí no eres sólo un gesto,/ no sólo tus lágrimas,
no sólo aquella muerte/ que en junio habitaba tu carne.
No tienes edad en mi recuerdo,/ ni país, ni hora.
Ana....
mientras paseas la mirada/por las glosynias,
tiéndeme el recuerdo.
Eduardo....
Los de ayer nos hemos ido/ por mares y puertos de ayer.
Todo es recuerdo aquí,/ donde el almendro está en pie.
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-Hermano,/ también en otros mundos/
recibirás mis cartas los jueves.
Joaquina.....
Pero no traspases mi puerta./ En mi casa
el amor se vive en el jardín,/ bajo la luna,
embelesados en el viento tibio/ de la Noche,
de enero a diciembre.
Estela.......
Alguna vez/ tu escudriñarás los ojos de tu hijo.
También en las calles hay árboles/
que en la noche respiran más hondo.
Y allá,/ en la lejanía,/ en la alta noche,
parece siempre/ que alguien viene.
Leonor.....
Tu eres la esperanza,/ la muy quieta esperanza
en abandono./ Yo iré por tu silencio.
Hasta la aurora definitiva,/ yo caminaré por tus desiertos.
Jael.....
Y tu vives en mi corazón,/ mi vieja imagen del desamparo,
mi puerto sin sol ni banderas,/ mi rosa sin rosal.
Serafina.....
corona de tres mares,/ cetro de junio
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!y esas manos de sueño!/ Te oigo extasiado,
porque he nacido desde siempre para oirte.
Magdalena.....
-Serás una risa,/ una rosa que nunca morirá,
una rosa que nadie deshojará./ Eternamente rosa.
-Viajera mía,/ permanecerás inmóvil
en el jardín del Paraíso.
Ana Francisca.....
Rezaremos
por los caminos.
-Llevaremos plantas montunas
a nuestro Paraíso.
-Beberemos agua escondida.
-Nos levantaremos con el día,
y por la noche hablaremos de las estrellas.
David......
también ochenta años contaré historias,/ y oro repartiré,
y oro multiplicaré/ y plantaré olivos
a lo largo de la sierra.
María de las Victorias......
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Desde otoño te espero,/ dulce voz que llenará mi aire.
-Por qué se quiebra mi voz,/ sí florecerán
abril y las estrellas?
Petra......
Sollozamos en paz./ El cielo.
Es todo nuestro./ Y el viento.
Mecemos la tristeza./ El corazón está abierto.
Hoy es tu tiempo,/ Pájaro Azul
del cuento de la infancia.
Pudenciana.....
!Todos estáis ciegos,/ árboles y hierros,
y nadie advierte/ que el viento pasa por puertas y ventanas,
y nadie lo retiene,/ y que pasa el color,/ y pasa!
Etey
Las manos se acomodan
como el Cisne
después del canto.
Alicia.......
Todos estáis invitados,/ pequeños seres,
a nuestra alegría en el jardín./ Ha comenzado otoño
de menudos jazmines.
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Carolina........
recibe embajadores
de siete países,
habla lengua de hadas
cuenta historias de misterio,
vive en casa de la aurora boreal,
respira en el trópico de capricornio...
Elisa.......
Señora de las piedras preciosas,/ va por el Universo,
todos los años,/ a la temporada de la Luz.
Con séquito de mares./ Con séquito de vientos.
Filomena......
-No te olvides de nosotros
cuando termine la soledad.
Avelino......
Es una embarcación muy antigua,/rústica,
que todavía va, va,/ por sus mares va,
como si estuviera inmune de muerte...
Milaya......
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También es una lámpara./ Una mano invisible
indefectiblemente le proporciona aceite,
y la lámpara arde, arde,/ ilumina, ilumina,
desde antiguo,/ desde tiempo inmemorial,
y da la seguridad de que aún/ por un tiempo indefinido
seguirá en pie.
Juan.......
lo dejas de ver treinta años/ y al cabo
no se olvida de decirte/ las mismas palabras
que te hacen sonreír/ el corazón sinceramente.
Epifanio
Bajo la tarde de los tilos ancianos,
frente al último sol,
el mismo poeta de siempre
sigue escribiendo,
como Eliot,
como Eluard,
como Milosz,
sigue sintiendo igual.
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Pero, a manera de complemento de este bello historial de ternura, recordemos que el poeta Mejía Velilla,
digamos que es un
campesino antioqueño, con el alma pegada al panteísmo memorioso de unos vigorosos paisajes
cordilleranos, perfumados y cálidos.
Paisajes de infancia. El patico, que con mucha reiteración en más de un texto recuerda el poeta, era una
flor silvestre con esta forma de ave palmípeda, producida por una enredadera, pero
pequeñita la flor como un beso de niña. Se le encontraba casi siempre a la orilla de los arroyos metidos
en la espesa vegeta-ción protectora del agua; paticos de colores y matices de una delicadeza casi
indescriptible. Sólo el poeta puede hacerlo, y sólo él puede recordar hoy en día a los paticos de la
infancia, silenciosos, nadando en el lago de nuestra retina. Leamos:
En nuestros montes se daban
las batatillas y el patico,
lila, blanco, solferino:
sencillez pasmosa en la campánula
de la batatilla,
artificio cellinesco en el patico.
La lluvia de oro debía ser cultivada
en los corredores de la casa del alto,
en las estancias,
donde chorreaban cantidades
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de esa especie de aretes alargados color salmón.
El poeta vuelve en forma reiterada a Anafrancisca, al recuerdo puro de su Anafrancisca:
"!Gracias, Anafrancisca, por las violetas hermosamente ocultas,
por las rosas sobre la mesa, por los cristales que acercan el
bosque a mi alma! !Gracias por esta agua fresca, por esta almoha-da mullida, por estas sábanas limpias,
por el Crucifijo en la pared, por Selma Lagerlof en la biblioteca, por el retrato de
Mamá Clara, por esa acuarela de los sauces, por la jaula y el sinsonte, por el Niño de Jesús de la cesta!
En las noches de nuestros jardines, aún persiste aroma de jazmín del Cabo, halo de cuando asomabas
para orar. Y en el piso bajo, aún se refugian las
tiernas palomas que al caer de la noche deambulaban. Su arrullo sigue siendo música muy familiar a mi
corazón."
(Los días y las noches)
Todo lo anterior, en realidad es un claro testimonio de las vivas y alegres presencias que surcan al
hombre en su vida diaria. Su
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valor depende muchas veces de las calidades espirituales y afectivas de quien las escribe y rememora.
Es la dicha de vivir, la genuina dicha con prospectos superiores. Vamos por la vía de una aproximación
entre las alegrías y la muerte.
En el poema "La carta del leñador" en el libro "Los días y las noches", encontramos esta advertencia:
"Es un corto silencio. Dejad penetrar la muerte en el silencio, en su silencio. Se introduce la muerte,
empieza su habitación total, con sus tiempos, con sus cuatro estaciones."
En "Gemas y flores" del libro arriba citado, una última refle-xión:
"Qué duro es no poder consolar, y ver partir al hermano con su tristeza. Que horrible es haber advertido
todo ese dolor que se abrió delante de tí, y quedar impotente para tomarlo, para aliviar al afligido. Y más
espantoso aún haber dicho una vez: Creedme que os amo a todos, pero es necesario estar solo. Creed
que mi vida es vuestra, pero es inevitable la soledad. Creed que me llegáis íntegros, pero el misterio de la
incomunicabilidad es
real, y ha de estar cada uno en su país de soledad. Y peor haber
agregado: yo he temido y temo el juicio de algunos hombres, y me he sentido incómodo con su
presencia. Pero el abandonado encontró su luz cuando pensó: a Tí, Señor mío, no temo, te amo noche y
día, porque has tenido a bien habitar conmigo en lo más íntimo, en el hogar de mi alma, y te he conocido
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desde que me conozco a mi mismo, y hemos sido juntos una sola y misma compañia."
En las páginas finales de la "Memoria de Dios" (Pascua de 1985) el poeta, insiste:
"Bien está que la carne se solace, sufriendo
antes de convertirse en yedra,
y que el alma renuncie a nuevas ascensiones
mientras la claridad se dispone a irrumpir
en nuestro humilde huerto."
Néstor Madrid-Malo y su "Memoria de los sueños"
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II.-LA POESIA DE UN HOMBRE CULTO
EL INTELECTUAL
Néstor Madrid-Malo, logró tanto la plenitud de severo ensayista como de hondo poeta. Y ello resulta
exacto si examinamos cuidadosamente sus libros de literatura de ideas y análisis de problemas de la
cultura, como la obra poética de quien dedicó su laboriosa existencia mental con empeño pertinaz, al
estudio y fruición de la gran literatura nacional y universal. De quien con una decidida vocación ecléctica y
sostenida exigencia de artista de la palabra, supo realizar una cuidadosa y densa obra poética. Ensayista
y poeta. El lógico y el intuitivo, empeñados ambos en una armoniosa y orgánica tarea intelectual bien
consonante con la estructura mental del hombre culto y erudito que había en él.
La poesía de Madrid-Malo es un profundo quintaesenciado de su gran formación humanística, de su fina
sensibilidad y de su inteligencia penetrante e inquieta. Su verso, no solo es elaborado instrumento
idiomático, sino que además se impone como cauce adecuado para hacer discurrir el universo de las
formas intangibles del subconsciente y de los sueños. Todo con gran fuerza memoriosa e indudable
capacidad para avivar y airear estados del alma, situaciones vitales, que cronológicamente pueden
pertenecer al pasado inmediato o remoto, pero que el poeta convierte en categorías dinámicas, en
traslúcidas formas que se agitan y refinan en la ilimitud de la abstracción, el tiempo y el fluir de la vida.
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SU OBRA POETICA
Cuatro etapas se precisan en el proceso evolutivo de la poesía de Néstor Madrid-Malo.
PRIMERA.Los poemas escritos en el decenio de los años 40, recogidos en el libro "Los sueños
recobrados" SEGUNDA.La experiencia poética de la decada de los 50, concentrada en su poemario
"Memoria de los Sueños". TERCERA.Su gran poesía reminiscente de los años sesenta, que conforma su
libro "Poemas Italianos". CUARTA.La plenitud poemática que conforma "Navegante del Sueño",
publicado en 1976.
QUINTA.Y finalmente, "Soledad del Canto", poemas que en forma de libro sólo se publicaron en 1986.
LOS SUEÑOS RECOBRADOS
Son los testimonios de una espléndida juventud llena de expectativas intelectuales. Allí encontramos la
"Elegía Universal", poema conturbador inspirado por los ecos sobrecogedores de la última conflagración
europea. En torno a los muertos caídos sobre la tierra calcinada del viejo y adolorido continente, la voz
profética y admonitoria del poeta, expresa:
Todos con un mismo, frágil corazón tremolante,
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con iguales y azules amores en el pecho...
muertos alemanes que ya nunca verán sus tilos,
muertos franceses que no beberán su vino,
ingleses muertos que no mirarán sus prados,
muertos rusos que no bailarán sus danzas,
y americanos que no alegrarán sus casas...
Lo mismo es la tristeza de una novia que llora
en América, en Prusia, en Escocia o en
Bretaña; exacta es la amargura de las
madres del mundo,
pues es la tierra toda la que sufre y solloza.
He aquí la agonía del poeta cuyo espíritu vibra de angustia por el dolor humano. Mientras a los más
invade el terror o la indiferencia, el vate clama con voz iluminada y, deja pertinaz testimonio sobre los
mármoles del idioma, para que no se olviden con el paso del tiempo estos dolorosos episodios que han
detenido el vital impulso de los pueblos. Locura y cólera que pueblan de cadáveres de inocentes o de
culpables criaturas, los campos y las ciudades. El poeta concluye:
Muertos, muertos son tan solo.
Ni extraños ni propios, solo muertos,
y por tales, son tan nuestros los ajenos,
como propios para otros
nuestros muertos.
En "El poeta vuelve al mar", se expresan allí, no los júbilos de quien ve por primera vez la inmensidad
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marina, sino el sentimiento de alguien que habla al mar como a un viejo amigo, que ha vivido
contemplando "el batiente límite infinito de las olas". Pero ya no es el mar de la infancia, sino aquel
"donde ya las barcas no atracan en la tarde". Pero sigue siendo:
El mismo grato mar por siempre
en el fondo de mí mismo sepultado...
Quien sabe evocar en el poema memorioso, "Elegía", la imagen del padre, mediante la proyección del
espíritu sobre el tiempo ido, nos liga a su escorzo lejano, aun más, que la propia sangre y el recuerdo.
Entonces se le recuerda cuando antaño por los caminos del anochecer regresaba a la casa:
donde una mujer dulce te enjugaba la frente
y te daba cuenta y razón de tus hijos.
Acodado en las imágenes del pasado, el poeta insiste:
Sólo sé que has partido de nuevo, como antes,
y que otra vez tu sitio en la mesa está vacío,
sin que pueda el recuerdo, con su piadoso aroma,
más que llenarlo de sueños y deseos.
Sin embargo, tal vez yo vuelva a verte...
Quizá yo pueda alguna tarde, en la distancia,
contemplar a lo lejos tu figura silenciosa,
y marchar a tu encuentro, como entonces
(recuerdas?)
cuando un niño triste aguardaba tu regreso.
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MEMORIA DE LOS SUEÑOS
Influencias sin duda, perceptibles y discretas, de Antonio Machado y de Juan Ramón Jiménez en el tono
elegiaco y evocador para dorar con luz vespertina lasa formas amadas y las cosas familiares. Un poco en
la estructura del verso, el uso de participios suscitadores, frecuente en la obra carranciana de la jubilosa
primera etapa piedracielista. Pero, imperando siempre un original y muy personal enfoque, la voz se
detiene así en la intimidad de los sueños y de vivencias rescatadas:
Un antiguo sonido, sin eco, rescatado.
Una sombra entrevista, sin forma, adivinada.
Un ensueño de niño, sin nombre, recobrado.
Una vieja tristeza, sin causa,
reencontrada...
Intuición misteriosa de insondables vivencias,
memoria de los sueños sin cesar agitada,
mientras el canto erige sus secretas secuencias
y nos llena su luz en la noche callada.
Aquí los temas exóticos, las motivaciones ajenas, para ser consecuentes con la estética del autor,
desaparecen dando lugar prioritario a la inspiración con claro acento nacionalista. La poesía después de
Valencia, de nuevo se ocupa del paisaje nativo, de Colombia en general, de los Llanos; de los mares que
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nos surcan, de los ríos que refrescan y fecundan:
Sólo digo Colombia y enseguida
todo cabe en la voz que la menciona,
desde el último valle hasta la erguida
cumbre que el hielo sin cesar corona.
La Sierra Nevada de Santa Marta, como en unos juegos florales, compite en belleza con el mar mismo. El
poeta la reencuentra y revela su influencia y su poder alucinante:
Cómo brilla tu azul en la mañana
tan limpia y transparente de verano,
oh mole de ternura y fortaleza,
cuando desde mi valle sosegado
contemplo tu silueta milenaria
de cumbres azarosas e incesantes
desplegando su luz en la distancia...
Madrid-Malo no es retórico, como sí lo han sido algunos de sus coetáneos y de su grupo generacional.
En sus poemas la fuerza del elemento poético sobrepasa los efectos restrictivos de las calzas
ortopédicas de la forma. Es un intelectual, desde luego, que dentro de severa dosificación intelectualiza
sus versos, y esta calidad contribuye a darle a su obra una indudable prestancia e irremediable lejanía.
De allí que, en el proceso de su lectura, sea indispensable una sostenida atención y una gran capacidad
inquisitiva para descubrir las inmensas riquezas líricas, los auténticos ritmos y la música que esencializan
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el material intangible inmerso en cada palabra, en cada giro, en cada verso, en cada estrofa. Explica ello
y trasciende las palabras de Juan Lozano en el prólogo de "Memoria de los sueños", cuando dice: "Todo
poema debe tener su carácter propiamente poético a la presencia, a la irradiación, a la acción
transformante y unificante de una realidad misteriosa que denominamos poesía pura".
Entonces, el rostro del hermoso muerto, su intangible memoria, su frágil existencia agostada, se iluminan
de perdurabilidad en el milagro literario que evoca su recuerdo, que lo revive y le otorga una "presencia
lejana de lucero congelado". Esto mismo ocurre con la imagen en el poema "A un capitán del viento", "tu
figura de albatros pensativo..." "tu mirar antiguo de fácil navegante de los vientos", en "tu terrible vuelo sin
regreso", rodeado "de nieblas implacables", transitorio clavel vuelto misterio".
En "Palabras a los seres nuevos" el poeta discurre en torno a los incontaminados, a los que no están
afectados por las pasiones del odio. Es la década de los años 40, cuando las más crueles guerras y sus
secuelas castigan implacables al mundo civilizado. Pero no dirá nada sobre los muertos o los
agonizantes, sino que fluye oportuna la voz admonitoria para los recién llegados a la vida, para los "seres
nuevos".
Es preciso que hagáis un mundo nuevo,
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un sitio para el hombre perseguido,
un lugar para su alma derrotada.
No escuchéis otros bronces que los claros
que presagian ya el alba venidera...
En "Hay fuerzas que crecen en la noche", se descubre el
persuasivo poema a la naturaleza que horada incansable el
silencio y las honduras del misterio:
De la nada remota y oscura de las cosas,
que en la noche secretan sus átomos creadores,
de la nada antigua y perenne de los seres,
que en la noche derraman sus jugos productores;
de la nada insomne y perpleja de los árboles
que en la noche levantan sus mieles verticales,
de la nada sin nombre y activa de la tierra,
que en la noche acumula sus fuegos minerales;
de la nada revuelta y ansiosa de las aguas
que en la noche despiertan sus ímpetus fluviales;
de la nada sin fin y fértil de los hombres
que en la noche comienzan su viaje
inmemorable...inmemorable...
Los sonetos "A mi sangre" y "A la Palabra" además de la perfección formal, logran una asombrosa
decantación para obtener una elevada apertura en el "Soneto a mi sangre":
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Compartiendo hasta el último secreto
de mis solas y lentas oquedades,
tranquila vaga por su cauce quieto
vislumbrando a la par mis claridades.
Imposible soñar sin su discreto
afán de recorrer mis soledades,
sometiendo a su ritmo y a su objeto
todos mis fuegos, voces y verdades.
Nada hay en su materia prisionera
que no tenga eficacia duradera
a pesar de su esencia transitoria.
Sólo por ella se hace memorable
esta vana sustancia migratoria
siempre anhelando forma perdurable
El mar en el soneto, homónimo, es definitivo como "suma de abismos, luces y sonidos". Hay honda
ternura en la insistente poesía de imágenes evanescentes que evoca las ruinas de viejos esplendores: el
barco y los muelles abandonados, por ejemplo.
El motivo recurrente del amor es tratado con elevado tono:
De nuevo, amor, con dardos me provocas,
y a tus claros abismos me convidas
desde la ciega cumbre de tus rocas.
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POEMAS ITALIANOS
Los sonetos de corte siglo de oro y talante quevedesco y las estrofas pulimentadas, recogidos en
"Poemas Italianos", trascendentalizan la fuerza del amor siempre triunfante sobre la muerte. Se logra la
apoteosis de la cultura latina, particularmente del arte y de las memorias de la Roma cosmopolita y
renacentista. Un atardecer en la ciudad eterna visto desde Santa Trinita del Monti, y el soneto ante la
tumba del poeta romántico John Keats en un cementerio romano, son conmovedores testimonios. En el
soneto "Domingo Sustantivo en los solos sesenta términos sustanciales de imágenes sustantivas se
configura un diccionario estético de fecundas suscitaciones poéticas; el de un extranjero enfermo de
nostalgia, frente al paisaje de las nobles colinas de Lacio. Es una proeza de buen gusto en armonía con
la erudición y la síntesis, donde se reconoce el poder reminiscente y poético de las palabras, de
determinadas palabras ennoblecidas por los más altos atributos.
Domingo Piazza delle Muose. Roma
Mañana. Mayo. Flores. Primavera.
Muchachas. Ojos. Angeles. Bandera.
Espacio. Nubes. Cielo. Luz. Paloma.
Niños. Madres. Juguetes. Beso. Idioma.
Nostalgia. Soledad. Afán. Quimera.
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Esposa. Hijos. Amor. Adiós. Espera.
Pipa. Café. divagación. Aroma.
Arboles. Fuente. Sien. Sueños. Ausencia
Cuerpos. Rostros. Colores. Movimiento.
Risas. Pasos. Mujer. Voces. Presencia.
Ensueño. Desengaño. Pensamiento.
Aves. Vuelo. Viajar. Reminiscencia.
Roma. El Tiber. La patria. Sentimiento.
Los sonetos a las fuentes de Trívoli, a Dante Alighieri, la Necrópolis de Tarquina, al guerrero Guidarello
Guividarelli en su mármol de Ravena, a la bella y docta Novella D'Andrea, son maravillas de
consustanciación del lirismo con la historia.
En el gran poema sobre "Los árboles de Roma", estos tiernos vegetales, capaces de inspirar ternura y
que se agostan en la estación canicular, logra una obra en siete solemnes cuartetas en verso alejandrino,
que hilvanan todo un drama que concluye en Otoño:
Es la hora de amarlos, en el Pincio, silentes.
en la villa Gorghese dibujando sus vuelos:en el tiempo Janículo, sorprendiendo crepúsculos/
y en la apia alineados cual ansiosos espectros
En el romano otoño, más árboles que nunca
son árboles todos: estaturas insomnes,
por nada doblegadas, testigos inmortales
de un mundo en el que las ruinas renacen como flores.
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El "Crepúsculo Romano", visto desde el Janículo, es un poema en doce estrofas de versos endecasílabos
libres, asonantes en el segundo y cuarto, que presenta una perfecta simetría y un armonioso cuerpo
poemático.
El poeta alguna vez, nos había hecho ya el introito lírico a este poema: "Quién que haya así sentido y
vivido a Roma, ha dejado de conmoverse al contemplar desde el Janículo en que, como dijera Valencia:
"las cosas brillan más?" Quién no ha comenzado ya -extranjero entre sus muros- a recordarla con pena,
aún mucho antes de dejarla, cuando la ha visto allá dorarse mágicamente, con ese indecible e indefinible
rubio que a esa hora encantada adquiere Roma entera, ya de por sí trigueña por obra y gracia de su
peculiar color y del noble travertino que recubre buena parte de su faz urbana y monumental? Pues bien,
esa emoción es la que he intentado plasmar en estas estrofas dedicadas a un "Crepúsculo romano", visto
ya nostálgicamente, a esa hora del tramonto, desde esa amorosa tribuna que es el Janículo. (El recuerdo
viaja por Italia", Boletín de la Biblioteca Luis Angel Arango, 1965") Las tres primeras estrofas del poema
dicen:
Para mirar a Roma en el crepúsculo
dorarse en su recodo milenario,
ningún balcón mejor que esta colina
clavada tiernamente a su costado.
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La luz de mayo, sosegada y pura,
atravesando al cincelado monte,
se precipita a chorros por su falda
y a Roma envuelve en su fulgente bronce.
Todo queda signado de ese rubio
indecible y precario, que en el aire
se derrama un instante dulcemente,
traspasando de júbilos la tarde.
Los poemas "Amanecer en la campiña romana", joviales treinta y cinco versos libres y en "Verano en
Ostia Antica", el poeta exhibe con sencillez sus altas y acendradas calidades, la capacidad para ver lo
que no descubre con facilidad la muchedumbre, el logro de una elegante puridad rítmica, la maestría
dable en la convocatoria de los elementos idiomáticos adecuados, en fin, la riqueza de un lenguaje
poético realmente magistral.
NAVEGANTE DEL SUEÑO
En este libro, el poeta se adentra en un período de elevado refinamiento del verso, del arte poético. Los
temas fluyen con frecuencia de estrictas esferas intelectuales y de la cultura clásica y universal. Néstor
Madrid-Malo, un jurista, un diplomático, un político, un hombre realmente culto que, en el idioma original,
se entendía con sus autores predilectos, italianos, franceses e ingleses. En relación con las letras
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hispánicas, ciertamente, a fondo le fueron familiares las más demarcadas corrientes y la obra de los
grandes poetas de este siglo: Aleixandre, Salinas, Cernuda, Diego, etc. Este totalizador conocimiento es
deducible y comprobable de la lectura de sus ensayos y de sus poemas, particularmente de sus obras
conocidas en la década de los 70. Por ejemplo, "Donde yacen las palabras" y "Mar en la noche", poemas
imposibles de escribir si no se está inmerso en el fértil, luminoso y axial universo de la poética española
de este siglo. Las sencillas descripciones que allí aparecen, las sensaciones que allí se suscitan, la
génesis que allí se describe, hacen referencia a un mundo incorpóreo, a elementos que pertenecen a los
esquivos ámbitos del hombre culto contemporáneo. Leamos "Mar en la noche"
Es el mar en la noche visión desapacible,
ciego pozo de escorias sin pausa fracturado,
martirio de la luz errante en las tinieblas,
fosco cielo hecho trizas contra turbios espejos.
Ni velas ni horizontes en su espiral esquiva
ni azules dimensiones ni propicias distancias,
en su incierto paisaje de fragor congelado.
Apenas la derrota de toda geometría
bajo el espeso ritmo de sombras incesantes.
A veces presuroso reflejos lo salpican,
íntimo magna ráudo de plancton navegante,
o trémulo asomarse de asombrados luceros,
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en vago carilleo rodando por el lomo
de las masas amargas, de impuras soledades.
A ninguna alegría predispone esta escena,
esta torva avalancha de insidiosos crespones,
donde todo se agita, más nada se precisa:
sólo el clamor unánime de las aguas desiertas,
triste alud de negrores, muerte de toda lumbre,
siniestro mar nocturno sediento de naufragios.
Finalmente, aceptemos que la percepción estética, la idea dinámica de la obra poética, el conato hacia la
creación definitiva, es todo un proceso hacia el logro artístico e intelectual definitivos. El soneto "Amorosa
arquitectura", es la lección de ese fuego y de esa armonía, evidentes en sus dos tercetos:
Sólo un trazo y se encienden unos ojos,
imponiendo su lumbre duradera
sobre un mar de sonrisas y sonrojos.
Otro rasgo y la fórmula se aclara:
tú misma toda surges prisionera
en el óvalo ráudo de tu cara.
SOLEDAD DEL CANTO
En esta parte final de su antología personal, Néstor Madrid-Malo incluye una selección de sus poemas
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hasta 1984. El autor en su plenitud existencial puede contemplar los amplios territorios de la vida y de la
muerte. Y surge aquí una casi sensual presencia de un armonioso final. El contrapunto, las motivaciones
del verso, las memorias de los seres amados y de las formas corpóreas, la connotación de los elementos
en fin y de los seres intangibles, bordean los maravillosos senderos de la sombra. El Soneto a la rosa, a
la Dama de Elche, los sonetos a Rimbaud, a Charles de Orleans y al Mar y particularmente, los breves
poemas filosóficos "Siempre llegamos tarde" y "Ajedrez" dejan flotando en el ambiente el dulce aroma de
un amable fatalismo ante las horas breves y el errátil paso de la vida.
Hay una plenitud en las formas poéticas de "Los rostros bienamados", "El desarraigado" y en "Olores". En
las tranquilas lindes de lo desconocido: "Yo soy el que recuerda, el memorioso", reitera el poeta en sus
últimos años.
En "Exilio" hay toda una afirmación premonitoria:
Si lo miro todo con los ojos de quien lentamente se desprende
de un hermoso territorio habitado desde niño;
con la mirada de quien se sabe ya emprendiendo
el despiadado exilio hacia las sombras.
En el instante en que nos rodea la sensación de que el tiempo se
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agota, y apremia la ansiedad que apuntan los versos de "Fuga"
Hay que correr, hay que apresurarse a salir.
Pronto! Antes que las puertas se cierren
y más que tarde sea ya para huir.
Vamos!Dejado todo eso, abandonadlo todo
-la ropa, el dinero, las cartas de amorpues hay que marcharse enseguida.
El drama del tiempo que se detiene está expreso en poemas que alcanzan una inquietante claridad:
"Vano reloj", "Icaro", "El nombre funeral" y "Vuelo de amor". Pero, el humano afán de perdurabilidad
existencial persiste y se acoge a los familiares oasis de la poesía, de la naturaleza y de la amistad. Todo
fluye, pero la poesía es:
Un territorio mágico de vivencias y sueños,
al sesgo del idioma desvelando sus ecos.
La imagen de los amigos y el recuerdo persistente de ciertos sitios como una última oblación, desfila por
la memoria:
Y cómo olvidar aquellas insomnes
tertulias con los viejos amigos/
Hernando, Jaime, Sergio, no muertos
sino apenas idos/
antes, como Byron dijera al despedir una sombra
O estos que a nuestro lado aún transitan:
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Daniel, Jesús, Danilo, camaradas de libros y de sueños,
con quienes conversar era un alto ejercicio
en el Reno, en Martignon o el Asturias, aquellos sitios
en donde practicábamos entrenamientos tempranos
en toda suerte de ideas, y fuimos descubriendo
ese reino sin límites donde la cultura rige
que nos fue perfilando con su marco de símbolos.
El poema "Soy", la última página del libro antológico de Madrid-Malo, resume en una caudalosa
enumeración poética, todas las vivencias, las motivaciones y afectos de su vida. Lugares y apetencias
intelectuales, seres y cosas que han desfilado como un luminoso miraje a través de su existencia, como
razón vitalista y explicación final de una esclarecida poesía.
Sea este nuestro homenaje para Néstor Madrid-Malo, humanista costeño nacido en El Carmen de Bolívar
el 15 de junio de 1918, un gran colombiano no lo suficientemente recordado por el país cultural y los que
fueron sus amigos.
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Una genuina vocación poética
III.- ECHEVERRI MEJIA Y SU PANTEISMO
Respetable desde todo punto de vista, la obra literaria de Oscar Echeverri Mejía. Toda una vocación
lírica e intelectual. Un verdadero letrado, cumplido caballero del buen decir y de las bellas letras. De la
cristalina y transparente poesía del amor y de su escenario, el maravilloso mundo de los reinos de la
natura-leza. Co especial énfasis del agua y de los árboles. Su instru-mental, con toda la veneración de un
verdadero académico: el limpio y grandioso idioma castellano, el mismo en que han escrito Vicente
Aleixandre y Pedro Salinas, cuyos fantasmas poéticos se pasean de aurora en aurora por la vasta obra
de Echeverri Mejía.
Pocas veces es posible encontrar en las letras nacionales, tan armoniosa mezcla entre el material
idiomático adecuado y el elemento poético genuino, para producir el fruto de un poema intelectual y lírico,
pero acabado como obra de arte perdurable, cristalina y equilibrada en sus formas sutiles y en su
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mensaje simbolista en medio de las claridades meridianas.
Poeta panteista, enamorado de la naturaleza, del mar, del mismo mar sapiente de Paul Valery, "siempre
recomenzando". El mar de fondo con islas innominadas:
Aún hay islas en el mar, sin nombre.
Puertas a donde nadie
se dirige ni llega, orillas sin hollar
donde no ha habido adioses ni naufragios,
ni barcas, ni cantar:
les pondría yo nombres como sombra,
o ruiseñor o azar.
La voz del hombre no las ha nombrado,
no hay gaviotas que anuncien su presencia
ni cartas que las fijen en el mar:
les pondría yo nombres como alondra,
silencio, pleamar.
Las olas las ocultan en su abrazo
haciendo acopio en ellas de luz y soledad;
viven, como los peces, rodeadas
de aguas, rumor y sal:
les pondría yo nombres como insomnio,
perla, alcor, altamar...
El tema del mar es predilecto para este hijo de tierra firme.
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Este es el soneto, "Viejo mar pirata":
Hoy vuelvo a verte, viejo mar pirata
y en tus caminos móviles me hundo.
Como pez merodeas por el mundo
con tu ropaje de esmeralda y plata.
El fiel amor que a tu vaivén me ata
revive en estas playas, más profundo.
De tu sol la piel toda yo me inundo,
tu yodo de la muerte me rescata.
Cabalgo en tus caballos desbocados
-jinete ebrio- y palpo en tus costados
plenos de taumaturgia, la armonía.
Me zambullo en tus líquidos metales
con tus perlas, tus peces, tus corales
y encuentro en tu matriz mi poesía.
En el soneto "Estaré vivo" descubrimos el evangelio del poeta
panteista. Su primera cuarteta, dice:
Mientras pueda gozar el don esquivo
del agua, y me extasíe ante el eterno
milagro de la luz, y frente al tierno
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pétalo de la rosa, estaré vivo.
Para el futuro en pasado, el poeta panteista quiere para él, sólo
éste esbozo rememorativo:
Amó la mar, las rosas, el rocío,
el lucero que viaja en la corriente,
la luciérnaga, en fin, que de repente
baña de luz la noche junto al río.
Su soneto al árbol es una pequeña joya de perfección literaria, un paisaje y una monografía vegetal en
ochenta palabras. Leamos:
No fuera la llanura desolada
sin tu palpable ausencia. El ave fuera
sin tu rama, criatura pasajera
de las mieles del canto desterrada.
Sin la blandura de tu sombra amada,
!qué nostalgia en la tierra se sintiera!
Primavera no fuera primavera
sin tu presencia bienaventurada.
Bandera vegetal, arpa del viento,
tienes el armonioso movimiento
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de un navío entre nubes detenido.
En tu afán de elevarte de este suelo
alzas tus brazos múltiples al cielo
y en el fruto te ofreces resumido.
El soneto "A la guadua" es el más fiel perfil en lengua castella-na de este gigantesco bambú de América:
Con el talle doblado sobre el río
te miras en la onda pasajera.
El ave entre tu verde cabellera
suena su flauta y goza su albedrío.
Algún día serás en el plantío
inseparable amiga y compañera:
llevarás en tus brazos a la era
la frescura del agua y su rocío.
Blanda materia, vegetal sendero,
convertirás al hombre en alfarero
serás su arcilla fiel y confidente.
Le otorgarás habitación y lumbre,
lecho, herramienta, música y techumbre
y darás a su planta dócil puente.
"A un Caracol" es un bello soneto, el más alto homenaje a una elemental criatura de la naturaleza, tan
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cercana del agua como de las arenas y de los vegetales, dice:
Fruto del agua, yaces derrumbado
solitario en recóndita ribera:
Dónde estará la ola pasajera
que te dejó en la arena sepultado?
Flauta del mar, pareces agobiado
por tu carga de música ligera.
De dónde vienes, y qué ignota cera
tu diminuta forma ha modelado?
Tu breve espacio encierra la armonía
y el rumor de la mar, como el diamante
toda la inmensa claridad del día.
Tienen en ti las olas su colmena
y es tu sino de inmóvil navegante
naufragar en tu océano de arena.
El notable crítico y analista literario, ya desaparecido, Lino Gil Jaramillo, en el prólogo al libro de Echeverri
Mejía "Las Cuatro estaciones" publicado en 1980, expresa el siguiente muy acertado concepto:
"Oscar Echeverri representa lo cotidiano en la poesía, es decir, la poesía de siempre, esa especial
manera de conformar, pulir, colorear líricamente los más leves episodios de nuestro discurrir por el
mundo, de nuestro durar en el tiempo, de nuestro sentir la vida como una espina dorada que desazona y
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de igual modo encanta. Esto lo confirma la estrofa final en un poema de reciente data:
Vamos tejiendo nuestra vida
con elementos encontrados:
la inefable risa de un niño
que se abre al aire como un nardo;
el lamento de un moribundo;
el hondo júbilo del bardo
al descubrir un verso; el sordo
rencor de los desheredados;
la riqueza muda del agua,
la miseria de los forzados.
Pero, la muerte que no ceja
en su labor, a nuestro lado,
va destejiendo lo que hacemos,
con el ácido de sus manos.
Sobre la personalidad del humanista y gran colombiano que hay en este escritor y poeta, el gran Adel
López Gómez tan acertado en sus juicios sobre literatos y artistas, escribía así en su prólogo al libro "Mar
de Fondo", editado por la Imprenta Departa-mental de Caldas en 1961:
"Oscar Eceverri Mejía no es tan solo un poeta del mar y del amor, y de la suave angustia de la clara
elación. Es también un traba-jador infatigable de la literatura. Un defensor generoso de la gloria ajena. Un
batallador tenaz por la pureza del idioma.
Como primer secretario que fue de nuestra Embajada en España, su labor fue extraordinaria por lo eficaz
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y lo continuada en el empeño de hacer conocer los grandes nombres colombianos de hoy y de siempre,
sin reservas ni exclusivismos, ni prejuicios de generación.
Miembro correspondiente de nuestra Academia de la Lengua y personero dinámico de sus relaciones
públicas, Oscar Echeverri ha sido intérprete acertado de la nueva modalidad surgida en el seno de la
noble Institución. Una modalidad actuante y didáctica, un ritmo, una conciencia que, impuesta por ese
eminente letrado y humanista que es el padre Félix Restrepo, ha encontrado en el poeta un colaborador
sin fatiga."
La tradición hispánica, ha inspirado a Echeverri Mejía, páginas en realidad perdurables: sus poemas El
Alcázar de Segovia, Avila de los Caballeros, el soneto La Catedral de León, por no citar sino éstos, son
claros ejemplos. Su claro y sincero amor por la cultura española y por la obras de sus hombres de letras
de todos los tiempos, aparece claramente expresada en todo el continente de su bella obras poética y
literaria.
Para concluir, nos referimos al poema "Estás siempre distante", donde encontramos una justa síntesis
lírica del poeta panteista que canta al amor:
Estás siempre distante como la más lejana
de las estrellas: vibras a lo lejos, cercana
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como su luz, y yo no puedo retenerte.
Pasas siempre y reflejas mi emoción, como el agua,
sin detenerte. Pasas y no regresas.
Eres la rosa y no quieres saberlo.
Te evades de tu mundo de jardín y de aroma.
Destierras de tu ámbito la honda poesía
que, a pesar de ti misma, te envuelve y te embellece.
Llevas -como el jazmín- el perfume inconsciente.
Igual que el mar, escondes tus tesoros
en el subfondo: tienes un profundo misterio,
su música que sólo saben los caracoles,
sus claras tempestades,
el silencio de siglos que esconde entre la espuma.
Una onda de tristeza lanzas desde tus ojos.
Tu boca sabe a frutas que nadie ha saboreado.
Llegas desde tus manos a mis manos, y solo
me dejas la semilla de tu melancolía.
Ediciones Cardeñoso, monumental recopilación de la obra del muy notable poeta colombiano y
académico de la Lengua, Oscar Echeve-rri Mejía.
Bibliográficamente es el canto del cisne del poeta. Momentos estelares de la vida social y literaria de un
creador de imágenes líricas. Todo lo que se ha dicho de su obra y de sus libros publicados, a saber:
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Destino de la Voz, Canciones sin palabras, La rosa sobre el muro, Cielo de Poesía, La llama y el espejo,
Viaje a la Niebla, Mar de Fondo, España Vertebrada, Humo del tiempo, La Patria ilímite, Duelos y
quebrantos, Escrito en el Agua, Arte Poética, El Toro Celtibérico, Las cuatro estaciones, La piel de la
Patria, Señales de Vida, Flor de Sonetos, Rostros del Amor, Historia de la Sangre, Breve antología
simbólica.
Las palabras del David Mejía Velilla, que aparecen en los proe-mios de éste grandioso libro, constituyen
la gran consagración de Echeverri Mejía, por la autoridad de quien las dice y el mesurado tono magistral
del humanista:
"Cuando Oscar Echeverri Mejía ve saltar el pez en su universo, escribirá:
Preso en su móvil cárcel,
rodeado suavemente por el líquido abrazo,
el pez cruza los muros de cristal, y en su fuga
sienten que le persiguen las ondas a su lado.
Y Oscar, quizás, nunca supo, y quizás morirá sin saber que el pez era él, y que una vez más, en su
Poema, se realizaba la parábola de su vida:
La luz mezcla colores en los espejos múltiples
de sus escamas. dueño y esclavo de las aguas,
conoce la pequeña grandeza de su reino
y -fiel a su destino- busca el mar que lo llama.
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He ahí, en esos versos hermosísimos, cumplida la misión del mago, del profeta, del maestro, del soñador;
y a la vez del niño inquieto que ignora haber aprendido, en un misterio imposible de nombrar, en su juego
la Creación, no en sus manos, no en su pupila: en el fondo sin fondo de su alma.
He querido poner de presente tales circunstancias, al empezar este encuentro grato y doméstico, porque
no consiento quitarle importancia a lo que considero el espectáculo mayor a que podemos tener acceso
en este mundo: la comunicación de la incomunicable Poesía.
Oscar Echeverri es uno de los Poetas mayores de nuestro tiempo, y en la sencillez de su alma y de su
trasiego él lo ignora, y lo ignoraban muchos lectores actuales de poesía, incapaces de ver, de oír, de oler,
de entrever, de advertir el valor de un verso.
En la poesía colombiana muy pocos hasta ahora han podido relatar las múltiples aventuras del alma, de
la vida, de la muerte, del amor, de los seres, de lo grande, de lo nimio, que ha corrido este Poeta sencillo
entre los sencillos. Su quehacer de Poeta ha trascurrido en lo hondo, en lo inefable; y a la vez en lo
profundo, en lo inescrutable; y a la vez en la muy hermosa y sensible piel y superficie de las cosas. Pero
en la Poesía de este Mago, algo que parece de piel y de superficie, a menudo resulta ser muy del fondo y
de lo hondo, como lo descubrimos en el Poema del Pez.
El lenguaje y la voz de esta Poesía que hoy nos convoca, en medio de la sencillez sustancial se visten de
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singular elegancia y armonía cromática y melódica. Entre todos los versos del libro del que hoy nos leerá
Poemas, destaco ante todo uno, de sólo una línea, que me parece de sin par belleza:
En la dura canícula tiembla la flor del cámbulo.
Aquí en este verso se juntan las exactas palabras, la música exacta: y se nos comunica el incomunicable
universo de la flor, envuelto en el indecible misterio de la canícula. Ajena a toda palabrería, a todo
artificio, tiembla en el verso, con la flor del cámbulo, el alma misma contemplativa del poeta, que de la
carga inmensa de la belleza ha recibido, merced a la canícula, una descarga profunda de todos sus
temblores."
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Una poesía intelectual y abismal
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IV.- EDUARDO GOMEZ Y LA RESTAURACION DE LA PALABRA
1.-El Personaje y su Obra
Eduardo Gómez es un hombre de provincia, nació en Miraflores (Boyacá) 1935, pero vivió y estudió en
Alemania, varios años.
Su obra poética es realmente original y con fuerza de innovación. Y una de las pocas con estas
características que, en la actualidad, se realizan por estos contornos de Latinoamérica y por estas lindes
conturbadoras de final de centuria y de milenio. Dedicado a la cátedra universitaria y a la dirección de una
de las revistas intelectuales de más nivel que se originan en el país "Texto y Contexto", tiene tiempo
suficiente para crear en el campo literario, como plenario hombre de letras que es.
Su libro "Poesía" (1985) es su poemario totalizador y la obra en este género realmente novedosa y
concitante publicada en esta anualidad. Recoge su intensa lírica y consolida los siguientes opúsculos ya
publicados: "Restauración de la palabra" (1969), "El continente de los muertos" (1975), "Movimientos
sinfónicos" (1980) y "El viajero innumerable" , cuyos textos se recopilan por primera vez en un solo
volumen, "Poesía".
Gómez, a más de su sensibilidad y vocación lírica, es poseedor de una activa y densa cultura, una amplia
información literaria, no exentas de las concepciones marxistas del arte. Hombre sincero y muy civilista
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dentro del marco de su formación política y literaria de marcado tipo europeo.
En sus versos libérrimos construidos como puentes hacia los territorios de la prosa, como el mismo dice,
se empeña en ellos en objetivar el sentimiento y hacerlo cada vez más esclarecido. Empero, la
fascinación de su trabajo se hace más notoria en sus torsiones de aproximación a los piélagos de la
inconsciencia.
Roland Barthes en su ensayo sobre las técnicas dramáticas de Brecht, anota: "el espectáculo de la
inconsciencia, es el comienzo de la conciencia." Esto, lo ha entendido Eduardo Gómez y, desde luego,
acepta, que: "no hay una "esencia" del arte eterno, sino que cada sociedad debe inventar el arte que
mejor dé a luz su propia liberación".
En "Restauración de la palabra" es evidente lo catártico, lo oscuro, lo surrealista, frente a otros muy
realistas pasajes, es la expresión de indudables conflictos espirituales e ideológicos, la "lucha entre el
diurno y lo nocturno", la apoteosis del tema literario y lógico para apremiar la aparición de nuevas formas.
Siguiendo a Gómez en su prólogo a la obra de Estanislao Zuleta: "Thomas Mann, la montaña mágica y la
llanura prosaica" encontramos que admite los siguientes conceptos: "toda obra es una explicación y una
aventura"; y respecto al autor-creador, agrega "en la medida en que el autor aprenda y se supere durante
la concepción y escritura de la obra, en esa medida, aproximadamente, podrá enseñar la superación a los
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demás, en el nivel y dentro de los conflictos específicos que ella aborda. Queda claro, entonces, que para
ese sentimiento, o certeza, de superación y aprendizaje en la gestación y realización de una obra, se
produzca, es necesario concebirla, simultáneamente, como pulsión y como autoanálisis, como catarsis y
como pensamiento universal, y que, en la medida en que esos movimientos mutuamente
complementarios se relacionen críticamente con los datos del saber afianzado, y lo enriquezcan, la
certeza de superación objetiva, por un lado, y la eficacia social y verdad por otro, se irán haciendo cada
vez más claras y más próximas."
2.- Su ética y su estética
En relación con el concepto de recreación y creación de Gómez dice: "Al descubrir lo social en lo
individual, lo filosófico en lo psicológico, lo abstracto en lo plástico para configurar imágenes esenciales
que recrean el mundo tomándolo significativo, la obra de arte emerge en su plenitud, a los espacios
abiertos del saber planteándose como otra forma de conocimiento. En esa concepción apenas se
distingue el artista del crítico, el sentido de que este último, como intérprete integral recrea de otra
manera la obra. Es claro que esa tarea nunca se desarrolla por completo, puesto que, en principio, es
infinita; pero el autor tampoco ha podido llevar la suya hasta las últimas consecuencias, ya que tiene que
limitarse, en todo caso, a la sugerencia, la diferencia fundamental radica en que la recreación del crítico
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está condicionada por imágenes ya propuestas y en que lo hace en un grado mayor de abstracción. Por
lo demás, una crítica interpretativa no se limita a "reconstruir" la obra tratando de esquematizar
pasivamente lo que el autor quiso decir, sino que aporta sus propias modulaciones, encuentra relaciones
inesperadas inclusive para el propio autor y devela las más esotéricas en su verdadero sentido,
encontrando métodos propios para sus descripciones. Esa exigencia de un sentido de lo que es la
creación en su intimidad más recóndita hace que solamente pueda ser verdadero crítico un creador y que
no podrá ser creador quien no sea un crítico".
La voz poética de Eduardo Gómez es en sus tonos y modulaciones generalmente un mundo nuevo, por
lo menos nada trillado en su andadura expresiva. Los ángulos que descubre y recrea están muy próximos
al puro y real fenómeno creador en literatura. Estamos acostumbrados a la belleza formal, al arte que
trabaja con lo figurativo, con patrones estéticos aceptados sin sobresaltos. Cuando otros cantan la
embriaguez plástica de un paisaje, Gómez poetisa los gérmenes y fuerzas subterráneos que hacen
posible esta maravilla externa; por cuanto para él, el fenómeno principal representa el viraje hacia la
auténtica y verdadera poesía. Gómez es un creador literario. Solo ciertas mentes avizorantes y de
excepción, se preocupan e inquietan por este tipo de obra. Difícil, desde luego, y apabullante porque
impone al lector un esfuerzo mental, impetra superación dinámica, sensual e intelectual; acecho visual y
auditivo. Búsqueda fácil para el creador, quizá, pero agobiante para quien, y es lo corriente, espera lo
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amable del esplendor y no lo tramontano de la gestación, del hervor, del trabajo primicial que se sucede
en la génesis de todo proceso. Allí no hay nada nuevo para las mentes satisfechas, porque todo es nuevo
y no pueden descubrir su novedad los adormilados. Se gira bajo el sopor del rimero ensimismados en el
compás añejo, sin fuerza mental para descubrir el prodigio de los silencios no "escuchados", de caminos
nunca transitados, de gestos jamás detectados, de sitios y parques más allá de los muros que cercan
nuestra común capacidad de captación y de conocimiento. Aristas nuevas de la angustia, de la belleza
incolora, matices sorprendentes, y torsos extras y un mar aéreo, y un cielo abisal, y mucha autenticidad
en un esfuerzo considerable por expresarlo todo sin afeites, ni hipocresías almibaradas, lejos de todo
artificio retórico y fugaces luces de Bengala, primer paso urgente para el logro de este tipo de avances
creativos. A veces, simplemente, a posibles y artificiosos efectos fonéticos, enfrentando la presencia
amarga de conturbadoras situaciones humanas. "Se entrevé a través de estos viriles poemas, un mundo
sombrío, tétrico, del cual emana una serena, contenida angustia". dice Andrés Holguín en su severa
"Antología Crítica" sobre la poemática de Gómez.
En reportaje concedido a Rosa Jaramillo para el libro antológico "Oficio de Poeta" Gómez reafirma que la
poesía "debe superar la sensibilidad puramente inmanente de los temas convencionalmente poéticos, los
cuales implican fórmulas y giros estéticos, para ampliar sus horizontes. La profesionalización ortodoxa de
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escribir solamente esa poesía fugaz, es cada vez más empobrecedora, porque implica el marginamiento
injustificado de espléndidos campos del conocimiento que, debidamente cultivados darían por resultado
una sensibilidad mucho más poderosa y universal... Existe un "cultivo" de la sensibilidad, de las
situaciones, de las relaciones y los paisajes que maduran y ennoblecen lo mejor de nosotros mismos y
estimulan su objetivación en palabras."
Qué sentido tiene para usted escribir poesía en este momento?
"Un sentido casi terapéutico. La única forma de plasmar la fugacidad de lo irrepetible en nuestra
experiencia y de evidenciar su irreductibilidad a la lógica y a la razón vulgar".
3.- "Restauración de la palabra"
Ya en la primera parte del poemario totalizador "Poesía" de Eduardo Gómez, parte correspondiente a
"Restauración de la palabra", encontramos una poesía desasosegada e inquietante.
El analista Ebel Botero en su libro "Cinco poetas colombianos" (1969) anotaba: "Poesía limpia y enérgica.
En la temática, v.gr, vuelve sobre el fenómeno de la muerte en forma obsesiva, pero ya no como
abstracción metafísica sino como escena macabra, vivida por anticipado con detalles minuciosos de tipo
sensorial, aunque tratada con un poco de ironía y con la delicadeza del esteta. También el tema de la
soledad regresa de modo insistente".
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Pero, sigamos al poeta en sus propios movimientos sinfónicos de la palabra poética:
"Hace un mes comenzó tu muerte
y desde el primer día
los niños juegan en los parques como siempre
y tu habitación fue alquilada
a un obrero grandote y parrandero
y todo parece igual en las calles
aunque tu rostro palidece cada vez más en el recuerdo.
Cuando la oscuridad me rodea en la noche
me concentro angustiado en revivirte
reconstruyo tu rostro cerrando los ojos y crispando los puños
mas solamente flotas al final de un jardín iluminado por la luna
y es en vano porque no pronuncias palabra
y tu imagen tiembla y se borra
como cuando tocamos los paisajes
que el agua quieta refleja...
Tu vida fue inocente
y tu muerte no estremece.
Es apenas una sonrisa que la niebla va esfumando,
un eco melodioso que se pierde en oscuros corredores
a donde ya no podremos seguirle.(Esquemas sin llanto)
Eduardo Gómez, simplemente sabe descubrir la esquiva y verdadera poesía, donde el común de los
mortales nada ve, o solo encuentra sombras fugaces, lo que ya es desmesurado logro.
El poeta, dice:
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"Amé cuerpos/ sólidos/ gloriosamente erguidos/
henchidos de arterias y de rosas/ anchos vasos/
donde no pudo rebozar sino el amor.
Todos viajan, definitivamente/ algunos flotan/ rítmicos/
callados/ hasta un rincón de violetas/ y cruces carcomidas.
Otros hay/ danzantes/ con los cabellos pesados de sol..."
(Melancolía de los cuerpos)
Pinceladas poéticas realmente originales, descubrimientos, no se encuentra nada semejante en la lírica
coetánea:
"Como se llama tu sombra maltratada por la lluvia
surgida de ese paisaje con ríos negros"
(Salutación al extranjero)
"Se puede pensar en la muerte
como en un camino que pasa detrás de las cosas
a través de comedores sumidos en penumbra
donde un cubierto solitario espera..."
(Los parientes de la muerte)
"Afuera/ el día martillea en las fábricas/
los trenes desfloran la mañana transparente/
yo el aroma del pan fresco/
se confunde con el húmedo olor de los mercados/
Es el día de diamante/ eterno en su vaivén/
y rebosante de preguntas/ caminando con ásperas botas/
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sobre la losa que cubre el solitario en su tumba"
(Amanecer)
Emerge el misterio abscóndito de la cotidianidad, del pasado memorioso, la presencia de la muerte, una
amalgama insistente de vivencias y de presencias, el terror y temblor de la soledad del espíritu:
Conozco mucha gente que no volveré a ver
sus rostros se esfuman con el paso de los días
y es como si una agonía en mí
y un anticipo de su futura muerte fuese,
y es como si sus voces mezcladas
o destacando su rítmico perfil,
sonasen tras un espeso muro invisible
en lugares que ahora imagino solitarios,
lugares que no volveré a ver.
Conozco muchas gentes que ya habrán muerto/y yo lo ignoro/
y en mi viven muriendo/ con mi pasado y con mis sueños.
(Ha comenzado el otoño)
Nuestra sed de canícula resquebraja las piedras
los potros aplastan las hierbas de olor
y el río arrastra búfalos y racimos.
Dónde se erige la ciudad de las pesadas orquídeas
y las torres erizadas de hierro
allí donde confluyen los viajeros de suave pupila
y palabras doradas?
En qué gran plaza congregarnos
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para la coral del crepúsculo
para el grito y la sal repartida entre hermanos?
Día y noche escucho el tambor lejano del viento
que amanecía un invierno de rosas azules
y lluvia fría y larga de alambres infinitos.
(El Pantano)
...No hablo de la presencia de los muertos
que construyeron y habitaron esta casa de piedra,
no me refiero a la añoranza de ilusiones a buena hora
perdidas
ni a los círculos del día que fluyen desde la eternidad hasta mi muerte,
hablo de la vida de las cosas en las casonas solas
del diamante del espejo en los días de sol
de la ropa de cama manchada en los abrazos
de la palabra enfriada en los objetos del trabajo del
hombre
de la felicidad frustrada en las intensiones latentes
que los instrumentos impregnan.
Hablo de las cosas que acechan mi cuerpo sordo
separado de las grandes llanuras del mar y las ciudades
por el aire luminoso que fluye de los cielos desiertos...
(Proximidad de las cosas)
Esa oquedad e inconsciencia del destino del hombre, objeto fútil
de fuerzas incontrolables:
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Hemos confiado demasiado en la palabra
y olvidado la violencia del dinero y de las armas.
Hemos juzgado sin poder comprender
y estudiado sin poder amar.
Hemos esperado demasiado el advenimiento de los
héroes.
Hablamos de las leyes de la historia
y olvidamos a los hombres que la hacen
condenamos al verdugo instalado en las bibliotecas
y golpeamos al amigo delante de todos en mitad de la
calle.
Los hombres que dieron su vida para ser libres
o aquellos que la arriesgan
nos han abandonado
y quienes agonizan en las calles
y en las noches
y en las fábricas
maldicen nuestra paz...
Cómo hemos quedado sin alma y sin pasado!
Cómo somos de resignadamente libres
en nuestra soledad de cámara
junto a los parques en donde crecen las tardes".
(El fugitivo)
La poesía de la oscura cotidianidad, de la hora del rimero y de
aquel incomprensible flujo de dolorosa arcanidad que se suscita en
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torno nuestro:
Buscando caminos entre las pálidas hogueras de un
sueño/ exploro ríos de silenciosa fuerza/
y calladas planicies donde converso con los muertos
sobre aquellos días palpitantes como heridas
y aquellos himnos guerreros ya olvidados para
siempre. (Nostalgia del pasado)
Suspendidos entre los cielos y los sueños
somos, en esa hora/ parecidos a un dios que medita/
escuchando el rumor de las ciudades,
sumergido en su propia sustancia
de voces oscuras y tenaces deseos....
(Retorno)
La poesía reminiscente que envuelve el tema de la pobreza, de las gentes olvidadas en los barrios
proletarios, sus angustias, sus inquietudes, sus afectos tímidos y lejanos:
La ciudad está por descubrir
en sus barrios obscuros
a donde no hay necesidad de ir
durante años cuando allí no se vive
porque las tiendas son estrechas y el pan duro
y no hay librerías y son barrios distantes
en donde hace frío.
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Nuestros pocos amigos allí
habitan en casuchas derruídas
cuya difícil dirección ya olvidamos.
Ellos forman un grupo aparte
y vienen de tarde en tarde a nuestra mesa
preguntan por trabajo con sonrisa crispada
nos hablan de esa búsqueda diaria
y de sus buenos amigos en el barrio lejano...
(De la ciudad y sus vecinos)
La congoja soporífera entre el sueño y la vigilia, entre la
imaginación y la realidad, entre la vida y la muerte, entre la
presencia y la huella:
Cuadrilátero de luz
tamizado por suaves cortinas
donde el aroma de las sábanas
y la fragancia de jabones de mármol
la mesa desgastada por las manos
y arañada por el recuerdo súbito,
rememoran la huella de los cuerpos
algún día amados
y el reposo tenso entre las cavilaciones y los viajes.
Oquedades amenazadas por ríos subterráneos
nudo de túneles bajo la ciudad enemiga
huecas murallas contra el viento salvaje
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y el incendio frío de neón
barcos navegando inmóviles en el fluir del tiempo,
las habitaciones prolongan la piel y los huesos del
hombre/ su envoltura palpitante y su rigidez de muerte.
(Elogio de las habitaciones)
Y al final de esta parte del libro en "La restauración de la
palabra":
Para qué escribir pequeños versos
cuando el mundo es tan vasto
y el estruendo de las palabras ahoga la música?
4.- El continente de los muertos
De un pueblo místico y creyente, colmado en enseñanzas y creencias religiosas, de todo esto queda la
agonía metafísica, una ululante torsión lírica sin final:
Fuga de arcángeles iluminan los bosques
veo la cola de fuego del cometa señalado
y un coro de lamentos se retuerce hacia la luna.
Galopan caballos alados desgarrando los cielos
donde el Señor de los ejércitos expande su gloria y a donde nuestra voz no llega sino como un suspiro.
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En el silencio que sigue a la tempestad del presagio
flota la angustia gozosa de la criatura caída
confinada en su reino ardiente de pecados y sombras
entre animales y plantas y metales dormidos,
destinada a la aventura de la sobrevivencia
a la concupiscencia de cantos roncos y enervantes
y al polvo venenoso de los caminos infinitos...
La visión cosmogónica del destino final, concluye en este
acápite, donde la imaginación no se arredra:
De todas las tardes muertas entre soles caídos
surge un halo tembloroso de agonía
donde ya la noche sopla sus vientos fríos
y navega una flota de ataúdes lentos.
Dónde reencontrar la luna perdida en lóbregos castillos
dónde recobrar las crispada sonrisa de Judas
los ojos oblicuos de traidor resplandor
el quejido de la virgen atravesado por gruesos cuchillos
la majestuosa bandada de mendigos que vuelan huyendo del invierno.
(Descenso)
"La poesía de Eduardo Gómez, anota Jaime Mejía Duque en "Literatura y Realidad", suele conjugar el
relato con la reflexión abstracta y rehuye con igual decisión lo anecdótico e ingenuo y las destilaciones
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formales. Tiene un poco de la gravedad de los poetas alemanes..." Pero, sigamos atentos la expresión
parabólica de estos versos:
La luna es el planeta de los agonizantes,
las suaves solteronas y los sepultureros
las viejas prostitutas y los niños azules
vuelan hacia su luz como grandes libélulas
y en diáfanas noches ensombrecen los cielos
como enjambres venidos de remota Walpurgis.
La luna es el astro de los muertos en vida
de las dulces monjitas que juegan con demonios
de los anacoretas que aúllan en las noches
del viajero extraviado en los grandes desiertos.
(Variaciones lunáticas)
Y en el campo de las definiciones y el sujeto de la "Subversión
del deseo":
Alguien que vive en un hotel abandonado en mitad de las llanuras,
fúnebre esposo de maternas nostalgias y retratos de familia
abogado de tiernos crímenes y simbólicas violencias
nocturno estrangulador de imaginarios cisnes negros...
Y el trémulo chacal no se oculta de nadie:
...bestia furtiva que la lujuria azuza
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su húmedo hocico husmea en mis sueños de argucia
o ronda de lejos en noches insomnes de aridez divina
agazapado en laberintos de ciudades secretas...
Y el tiempo y la muerte:
De todas las casas salen ataúdes
cuando la visión de siglos se desata en un instante
y ciudades enteras se desdoblan en el sueño
bajo la máscara de una esfinge distante.
"Uno y Diverso", un breve poema, misterioso y concitante, algo realmente nuevo en la poesía colombiana:
Somos los mismos pero por siempre inagotables
y el sueño de un reposo enerva nuestros músculos.
Siempre viviremos innumerables muertes
que se abrirán en nuevos campos de amapolas.
Solo existe un presente perpetuo viva llama,
continuamente a punto de florecer futuros.
Lo vivido se esfuma disuelto en ondas tristes
en ráfagas de viento que se funden con la noche.
Pero su marca queda aun en las más finas fibras
y un halo invisible va helando nuestros ríos.
Somos los mismos y sin embargo tan múltiples
que al final nos confundimos con todo el universo.
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5.- Movimientos sinfónicos
Ahora, sobrevolamos el territorio del tercer libro publicado por Eduardo Gómez "Movimientos Sinfónicos",
1980. Es la poesía del entorno, toda aquella angustiosa inquietud que suscita el desfile cotidiano de los
seres y las cosas, de las soledades y turbulencias del espíritu:
En el destierro cargamos, por fin, la cruz que nos aguarda
sin desviar ya los ojos de la llanura infinita
para mirar estrellas fugaces en un cielo cambiante
o buscar el espejismo que danza a los costados
o seguir los fuegos fatuos de ciertos cementerios
de ciertas casas solas cerradas como tumbas.
(Al final somos)
Se desliza por corredores afelpados
por calles al alba en los barrios pobres
entre empenachadas carrozas mortuorias
y niños con alas de papel celeste.
Busca entre tarjetas postales
entre cuellos de pajarita y roperos atestados
una nostalgia de violetas negras
un sollozo de violín roto
una palabra amarillenta que grite todavía
una pasión de alas heridas sepultada en los baúles.
(Cantinela invernal)
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El mar y su misterio y vitalidad de milenios, la selva, las fieras y las piedras, el Amazonas y los ríos de
caudales indomables, la lava terrorífica de los volcanes, los espíritus fabulosos de la selva virgen, en fin,
todas las premoniciones y terrores en torno a las fuerzas telúricas que desafían al hombre:
El mar viene de lejos para retornar siempre
callado en majestad de olas implacables...
De metales hundidos en el profundo pecho de los cerros
de orquídeas desgreñando la cabellera de las ceibas
del almizcle del puma en celo bajos las flores del Ocobo
del cacique cubierto de oro erguido sobre el agua de los lagos.....
De que levadura hirviente
de que remota fecundidad de los contrarios
brotó la erupción furiosa de la tierra
la blanda arquitectura estremecida hasta el cielo?
El lúpulo terrestre se endureció en raíces
disparando gigantescos cordajes y mástiles flexibles
hambrientos de claro espacio
y de la gracia de los soles.
La oscura substancia del seno terrestre
se abrió en la luz verde de las hojas
y estalló en las corolas de las flores salvajes...
Cruzar señales de ceniza
flechas que iluminan el aire pantanoso del crepúsculo
antorchas brillantes como estrellas de fiebre
danzando fantasmales sobre regiones densas de lodo
sobre territorios agobiados por la lluvia
aplastados por las piedras y el plomo desvaído del cielo...
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(Tierra virgen)
En "Resurrección" el hombre es el impasible protagonista del
eterno retorno, parece siempre estar de regreso:
del frío y de la niebla inmemoriales...
de la lejanía de las ciudades laberínticas...
de escuchar la queja infinita del Responso de Tinieblas
en esos crepúsculos soberbios como la agonía de un dios...
Pero el viajero atormentado por la idea de infinito, marcha entre
soledades y agonías cosmogónicas:
Alguien deambula por los bosques
bajo ramas goteantes y pájaros callados.(Transcurso)
Como arquero de la luna/ y arcángel sin alas
explora los dominios/ de un dios siempre distante.(Incursiones)
... y vislumbro temblando/ una lejanía que transfigura/
los ensueños de la muerte. (Conversión)
Un remoto clamor orquesta la fuga en los océanos desnudos
el vuelo de águilas que se precipitan en radiosas soledades
en cataclismo de luz donde palpita las alas de la paloma/ misteriosa/ mientras el planeta deambula hacia
su destrucción
matemática/ en la noche de los siglos. (Movimientos sinfónicos)
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El poeta cargado de cavilaciones frente al fluir de la eternidad
concluye, así, en apretada prosa-puente:
"Nunca es posible el regreso, ni siquiera a nosotros mismos. Extranjeros en medio de los gérmenes que
nos dieron la vida, condenados a la coexistencia distanciada, a la lejanía inmanente respecto a todo
organismo, a toda criatura y a los posibles espíritus del viento y las montañas; el paisaje es el contexto
perpetuo de nuestra separación, la inaccesibilidad presente, el misterio que nos envuelve, el desafío
tácito a nuestra posibilidad de adaptarnos. Inventamos patrias, pequeños terrenos cercados,
pretendemos la posesión pero todo se nos escapa, hasta nosotros mismos. Inasibles y ambiguos, sin
reposo posible, ni abstractos ni concretos, ni sólidos ni líquidos, ni espíritu ni cosa, nos definimos por
negaciones y carencias. Sospechamos haber caído y estar de paso pero nuestras sospechas no
encuentran asidero y se esfuman en el embudo inasible del espacio y los siglos. Secretamente
esperamos que la muerte no sea sino un cambio de eternidades superpuestas pero la podredumbre nos
agobia y nuestra esperanza gime vergonzante, construida de palabras como soplos.
6.- El viajero innumerable
"Búscame detrás de los árboles sumidos en la noche", dice el poeta en el verso auroral de este libro
conturbador. Y agrega:
"Más allá de las últimas casas de los barrios pobres
entre las callejuelas desamparadas y en los hoteluchos,
en los cementerios que sueñan con el coro infinito de los grillos
en los parque urgidos por el crimen y la pasión
en los palacios ruinosos que el crepúsculo agiganta
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soy el pasajero de los trenes de media noche
el viajero de barcos navegando entre nieblas".
Y dónde encontraremos al poeta?
"Allí donde Mefistófeles rasurado y cortés
escucha las cantatas de Bach y los gozos seráficos de Handel
Allí donde Bolívar destroza con su espada los altares patrióticos/ y echa del templo a los mercaderes de
la sangre,
allí donde Goethe medita ante la tempestad del Gran Océano
donde Beethoven suda sangre en los huertos silenciosos
donde Baudelaire conversa con los vampiros y los brujos
en laberintos donde la luna sueña sobras azules
y Proust se asfixia de amor con estancias de fieltro.
Allí donde Shakespeare vuela por cielos desmesurados
en los cárdenos horizontes de erizados Himalayas
allí estaré -infatigable- esperándote".
El poema "Apoteósis Sinfónica" es un homenaje a Beethoven, y nos demuestra por otra parte la
influencia de la gran música, particularmente de los grandes maestros europeos, en la concepción y
elaboración de los movimientos sinfónicos de la poesía de Eduardo Gómez. Necesariamente incluimos
aquí el texto:
De una fuga extasiada por entre soles y planetas
de un océano sumido en el suelo de las nieblas
de una noche erizada de lanzas y de ojos
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POETASYPINTORES
de la orquestación de las selvas y los ríos desatados
surge el canto de los espíritus desde las profundidades del Silencio
un concierto de voces que anuncian y exultan
una confusa sinfonía que entrelaza las galaxias
una danza que envuelve la Tierra y el Sol y sus planetas
un clamoreo de arcángeles traviesos y fugaces
un bullicio de serafines y legiones de leones alados
un coro de guerreros y de ninfas que agrandan el abismo
un aquelarre de gorgonas, hidras, scilas, erinias y centauros
una suntuosa orgía de dioses banales y espléndidos
un rugido de grandes ciudades exacerbadas y siniestras
un aullido de perros cancerberos en la noche
un estrépito de las cataratas de las multitudes
asolando palacios y tiranos
una canción radiosa como los millones de auroras
todo un desfile ordenado de los pueblos en el horizonte de la historia.
Más acá de la Eternidad y más allá de la muerte
vibra fuera del tiempo el canto del Hombre frágil e indestructible
como un surtidor vivo resuena inagotable
y las voces que lo entonan seguirán siempre solas
expandiéndose aligeras por todo el Universo
y las voces que lo animan recogerán todas las voces
renaciendo y muriendo en un eterno retorno".
El anterior poema, además, es la mejor explicación posible del contexto de la música de Beethoven.
Estos vigorosos versos libres permiten flexibilizar y dar puertas abiertas a la poderosa tensión del gran
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contenido poemático.
En "Letanías a una montaña" se reitera sobre el páramo amortajado el "lugar de citas de lujurias
salvajes".
En "Futuro" se cantan los días blancos para quienes no viven.
Y en "Las noches de Caín": Las aves viajeras emigran por encima de ciudades a oscuras donde el último
hombre hace señales desesperadas a los astros".
En "Legado amoroso" se concluye sobre el tema de la
"...sabia concupiscencia que asegura incólume
el curso implacable de una especie hermosa".
"Me visitas en silencio", es un poema esotérico, musical y tierno:
No traicionas ningún secreto/ con la levedad de tus danzas/
en mis palacios sumergidos/ nos buscamos en los espejos/
alucinados por nostalgias/ que no puede estrangular ningún abrazo".
Desfila luego el "Vagabundo" que ama la noche orquestada y suntuosa..."
En el bello y vigoroso poema "Sensualidad Nocturna":
"La lluvia hace sonar las distancias..."
Y como si fuera una premonición trágica en "Río de la Magdalena":
A lo lejos en medio de la rabiosa suavidad
una multitud de amigos difuntos se despide
desde los lagos estriados de sangre del crepúsculo
mientras una procesión de ahogados se desliza
sobre la beatitud de las aguas del gran río
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hacia un mar definitivo y sin orillas.
En el poema "Amanecer" imperan sin embargo los signos de la vida en toda su plenitud:
"otro día surge de la eternidad
y abre no obstante pupilas de asombro
en el niño desnudo sobre el hombro
del joven que exalta su paternidad."
En el breve poema "Vértigo" el poeta vuelve reiterativamente
sobre su gran tema , la muerte:
"Frente a la muerte todo es breve y pequeño
sólo los muertos se tornan eternos y distantes
pasan los días informes por mi sueño
y mi fatiga crece bajo un cielo de estrellas."
Con "El paisaje antiguo y nuevo" concluye la majestuosa y apesadumbrada procesión poemática de
Eduardo Gómez, con redobles de un bello y rudo presagio de acento político:
"El hombre muere ahora como antaño en medio de estos campos
agobiado por la ruda faena de exprimir los valles y collados.
Algún día el paisaje de los dioses será palacio de los pueblos
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y a la salvaje horda de Atilas desbocados
seguirán las ciudades de serena belleza."
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El poeta de la ruana
V.-LUIS CARLOS GONZALEZ MEJIA Y LA PERENNIDAD DEL BAMBUCO
Luis Carlos González Mejía, sigue siendo para Pereira la campana mayor. El visible rostro de un pueblo
espontáneo y descomplicado. La más genuina traducción humana de su verdadero espíritu y de su
sincero humor y sentimentalidad. La poemática bambuquera de Luis Carlos González Mejía, es parte
dinámica de este gran milagro humano que es Pereira.
En sus bambucos, el poeta risaraldense, aprisiona la tonada autóctona y la genuina que bulle en el
ambiente, que libérrima se desparrama sobre el paisaje nativo. La canción de Luis Carlos González, es
clara y natural como las obras elementales de la creación. Por ello, tiene un amplio ámbito de resonancia
para todos los oídos y para todos los lugares de la geografía patria. Cuántas veces hemos sentido el
aleteo melodioso de la estrofa milagrosa, sin encontrar las palabras exactas para estructurar un día el
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poema-canción!. El maestro pereirano sí pudo encontrar sin esoterismos, esas palabras justas del idioma
y el ritmo ajustado al sentimiento y a la emoción intelectiva, para configurar el canto perenne, la estrofa
inolvidable:
Vecinita de mi vida,/ vecinita de mi alero,/
por qué te muestras esquiva/ sabiendo que yo te quiero?/
Te quiero porque, anhelada,/ eres flor de mi sendero,
clara fuente en mi jornada/ y de mis noches, lucero.
En el bambuco "Antioqueñita", el poeta recoge toda la ternura y toda la dulce pasión que sabe encender
la bella mujer antioqueña. En esta rima, por ejemplo, no sobra ni falta una palabra:
Dime, antioqueñita hermosa,/ si fui trovero en tus sueños,
porque la voz que te canta/ es el alma de mi pueblo,
que vibra sobre las cuerdas/ del tiplecito bohemio
con que alegraron sus noches/ en la selva mis abuelos.
"La Ruana" es un bambuco que ha recorrido triunfante todos los caminos de América. Esa sencilla prenda
tiene su apasionada historia y su participación decidida en las faenas creadoras de una raza superior;
La capa del viejo hidalgo/ se rompe para ser ruana
y cuatro rayas confunden/ el castillo y la cabaña.
Es fundadora de pueblos/ con el tiple y con el hacha,
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y con el perro andariego/ que se tragó las montañas.
Abrigo del macho macho,/ cobija de cuna paisa,
sombra fiel de mis abuelos y tesoro de la patria;
calor de pecado dulce/ y dulce calor de faldas,
grita con sus cuatro puntas,/ el abrazo de la ruana.
Porque tengo noble ancestro/ de Don Quijote y Quimbaya,
hice una ruana antioqueña/ de una capa castellana;
por eso cuando sus pliegues/ abrazo y ellos me abrazan,
siento que mi ruana altiva/ me está abrigando es el alma.
En una forma total, la sensibilidad de Luis Carlos González, logró consustanciarse con el alma y el
destino de su pueblo. A través de sus bambucos pudo penetrar expresivamente el espíritu y el
sentimiento terrígenos. La ciudad, desde luego, ve en su poeta, al más significativo símbolo de su
autenticidad y de sus querencias. En realidad, no existen muchos ejemplos de grandes urbes que tengan
en tan notable estima a un hijo de la "civitas", que vivió apenas ocupado, con dedicación eso sí, a
expresar con palabras melodiosas las esencialidades intangibles del existir comarcano.
El relato-cantata de la génesis de la colonización, la plenitud de la colonia creadora, el avance hacia la
modernidad, hasta nuestros días cuando ya se vislumbra cierta decadencia de la sociedad industrial; todo
ello, en el oficio de cantar en verso encogido y matemático la épica montañera, el paso memorioso de los
hombres y mujeres que aprestigiaron el destino de un conglo-merado humano cargado de inmensas
calidades y energía creadora; ello, ha constituido tarea que la gente de Pereira entiende y sabe apreciar
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en todas sus dimensiones. Estos paisanos saben perfectamente que, sólo el poeta puede contar a la
posteridad con signos veraces, el sentido que presidió y magnificó la epopeya colonizadora, que fundó
pueblos y creó grandes emporios de riqueza campesina.
Gonzalez Mejía en su obra literaria, destacó todos aquellos episodios de viva humanidad a lo largo del
proceso evolutivo de
la aldea que se convierte en ciudad; de la descomplicada economía agrícola que cede el paso a las
confecciones y a las chimeneas. El giro de la infancia a la adolescencia, de la adolescencia a la juventud
de la vida campesina y, de esta, al fenómeno citadi-no:
Cansancio de tierra y hombre
-torpe ceguera de lámparaestá cerrando horizontes
y licenciando las hachas,
mientras el recuerdo siembra
sobre surcos de añoranza,
silencio de ruiseñores
en la tierruca y el alma.
El poeta descubrió y plasmó con indudable maestría y evidente sencillez, las vigorosas calidades de los
hombres y de las mujeres protagonistas de la etapa primigenia y promisoria de nuestro historial
comarcano. Sus virtudes y sus pasiones. Sus ambiciones y esperanzas. Su energía, sus afectos, su
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capacidad de ternura, su vida sentimental, la valentía y masculinidad egregia de los varones y la
capacidad de amor y de sacrificio de sus mujeres.
Dentro de una gran fuerza de síntesis los versos del poeta, engastan en el apenas necesario material
idiomático, las vidas y proezas de un pueblo con casta, su paisaje, sus ríos y la fresca
energía de sus pobladores. El poeta nos dice:
Sangre, sudor y fatiga,/ copla, oración y blasfemia,
semilla madrugadora/ y río escultor de piedra,
le dieron temple de acero/ y rubia miel de ciruela,
para el vigor de sus machos/ y el milagro de sus hembras.
No agobian sus muros nuevos/ leyendas de historia vieja,
ni su juvenil pasado/ es momia de biblioteca,
porque, apenas, es simiente/ de yunque, rosal y hoguera
Pereira, la querendona,/ trasnochadora y morena.
Porque la ciudad el alma/ se la da Colombia entera,
por derecho es pereirano/ todo al que sus lares llega;
y le abrigan como ruana/ los pliegues de su bandera,
porque aquí no hay forasteros,/ ni Pereira tiene puertas.
Su "Consumatum est" lo consideramos como uno de los cien mejores sonetos del Parnaso colombiano:
Vieja que desde el Cielo iluminado
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Por tu presencia, mi dolor abrigas:
Recibe la final de las espigas
Del sonoro trigal que has cultivado.
Por tu lección a todo le he cantado
Con el manso deber de las hormigas,
Mas, separadas ya nuestras fatigas,
Quedó en mi voz tu adiós crucificado.
Seré canario mudo, sordo y ciego;
No será el sol imposición ni ruego
Sobre los surcos de mi predio triste.
Y el silencio será mi compañero,
Porque se fue contigo, de mi alero,
El don del canto que, al nacer, me diste.
Tres poetas chilenos
VI.- OSCAR CASTRO, JULIO BARRENECHEA Y GUILLERMO BLEST-GANA
En Chile, país rico en metales y en letrados, la tierra de Pablo Neruda, Gabriela Mistral y Vicente
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Huidobro, no es fácil que alguien distinto a ellos, pueda prolongar por muchos años un gran prestigio y
principado literario. Neruda, la Mistral y Huidobro, llenarán por mucho tiempo los ricos espacios de la
historia literaria chilena, con poderosa figuración en las letras hispano-americanas. Ello, explica en parte
el relativo olvido de poetas tan auténticos y de poesía de tantas calidades, cifrados en nombres tan
esclarecidos como los nombres, en este caso concreto, de Oscar Castro, Julio Barrenechea y Guillermo
Blest-Gana. Esclare-cidos y olvidados, digo, porque hace algunos años conversando con un agregado
cultural de la Embajada de Chile en Bogotá, nos dimos cuenta que dicho funcionario, desconocía
totalmente a Oscar Castro y su posición en las letras chilenas e hispanoamericanas.
I.- OSCAR CASTRO
Un educador, maestro de escuela igual que Gabriela Mistral, nacido en 1910, vivió sólo 37 años. Poeta
en toda la dimensión de la palabra y autor, además, de varios cuentos de singular originalidad y belleza
literaria.
Recogemos de su muy sustantiva producción lírica, dos poemas,
poco conocidos en Chile, y que fueron publicados por primera vez
en Colombia, mes de agosto de 1945 y en la revista "América" que dirigían con notable sentido de la
actualidad de entonces, Germán Arciniegas y Roberto García-Peña.
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La poesía de Oscar Castro se distingue a simple lectura por la evidencia de su limpio lirismo. La
sustancia poética está por
encima del instrumental idiomático. Y, este, es manejado sin temores, pero, con espontaneidad y
maestría. Leamos:
BUEYES BAJO LA LUNA
Era la noche. Estaba la estatua de los bueyes
junto a las alambradas y los grandes potreros.
Un misterio finísimo de álamos y culenes
sintetizaba toda la paz del universo.
Recordaban los bueyes el alba en los caminos,
el cantar de los ejes, el crujir de los yugos.
Y se abrían sus ojos como mansas burbujas
entre un olor de hierbas y un asombro de yuyos.
Era la noche un día irreal y suavísimo.
Tanta paz, tantos oros transparentes y tibios.
Daban ganas de andar y de andar por el mundo.
Silenciosos, los bueyes salieron al camino.
La luna los llamaba con sus pastos maduros,
con su rueda redonda, silenciosa y ausente.
Los bueyes iban solos hacia la luna fría
por sentir en las fauces el frescor de su leche.
Y se fueron, se fueron caminito del cielo,
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con su paso tan lento, con sus ojos tan tímidos,
en busca de un arado que rompiera la luna
para que Juan Bastías pudiera sembrar trigo.
Y amanecido el día, cuentan que a Juan Bastías
en su lecho lo hallaron, solitario y celeste.
Nadie encontró su alma, ni al "Clavel" ni al "Pintado".
En la luna, una noche, lo verán con sus bueyes.
AQUI MATARON A UN HOMBRE
Un pequeño pedazo de tierra con sangre
para la soledad de Luis Esteban.
Un humilde cultivo de amapolas calientes
y el puño duro de una piedra.
Todo a la orilla de un camino solo,
cruzado puramente por ánimas en pena.
Lo mataron allí. Lo dejaron caído.
Una luna fantástica le alumbró la cabeza.
La soledad del campo en torno al muerto.
El latir de los trigos como una ola que besa.
Un vegetal aroma circulando despacio
sobre el cuerpo ya en viaje hacia la greda.
La puñalada le cayó en la espalda,
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silenciosa y segura como un rodar de estrella.
La noche le pisaba la herida por los bordes.
Ya no tenía frío al dormir, Luis Esteban.
Y el día ya llegaba con su diamante al dedo.
Y el sol era una voz: "Despierta, Luis Esteban".
Seis hombres lo supieron y un perro vagabundo
que miró sin asombro las dos pupilas muertas.
Un pequeño pedazo de tierra con sangre
y en la noche la esperma llorosa de unas velas.
Luis Esteban, astroso, a la orilla de Dios,
hace ahora milagros desde la vida eterna.
Otro gran poema de Oscar Castro, "Raíz del Canto", tiene 18 bellas cuartetas. Las cuatro primeras están
aquí:
Conozco el habla de los hombres
que van curvados por el campo,
y el grito puro de la tierra
cuando la hienden los arados.
Conozco el trigo que madura
-sol en monedas acuñadoy las mujeres que transportan
su llamarada entre los brazos.
Generaciones de labriegos
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van por el cauce de mi canto:
hembras del pecho en dos racimos,
firmes varones solitarios.
Ellos hablaban con Dios vivo
en el mensaje de los cardos
y conversaban con el agua
en el lenguaje de los pájaros.....
II.- JULIO BARRENECHEA
Un aristócrata de la poesía, por la temática y por el elegante manejo del idioma. Tiene un poema muy
conocido que lleva el
nombre de "Definición de la Suavidad". Cuando fue Embajador de Chile en Colombia, y !qué calidad de
Embajador!. En Lecturas Dominicales de El Tiempo de Bogotá, publicó muy trabajados y cuidadosos
poemas, verdaderas joyas de arte literario, como uno sobre el tema de las mariposas de Sogamoso. Otro
de variaciones muy ingeniosas sobre el mundo marinero, que inicia su navegación, así:
Las colegialas han venido
a ver mi roto bergantín,
turban hablando mi sentido
como un efluvio de jazmín.
Otro poema de Barrenechea de aquella fecunda etapa literaria suya, inicia su marcha, así:
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Río de las colegialas
que vais cantando en la calle,
tus uniformes azules
han inundado la tarde.
En Bogotá, Julio Barrenechea, publicó en 1946, su poemario "El libro del Amor". Un poema suyo, allí
recogido y muy recordado es "La luna de Monte Patria":
Era más grande que el pueblo
la luna de Monte Patria.
Los vecinos la cuidaban
como a una oveja de nácar.
En ella los campesinos
lavaban su ropa blanca.
En ella hacían sus fiestas,
y sus corridas de vacas.
La espina del algarrobo
a veces la desgarraba.
Era un guiño sobre el cerro
su nardo cuando asomaba.
Envuelta en su chal, tejido
con luz antigua llegaba.
Otro poema de Barrenechea muy recordado en Colombia, tiene estas cuartetas:
Mi padre fue de pueblo en pueblo,
fue por las ciudades buscándome
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hasta encontrarme escondido
bajo los ojos de mi madre....
Y mi padre con el más tierno
de los esfuerzos de su vida,
me sacó a jugar y a llorar
con los otros niños del mundo.
III.-GUILLERMO BLEST-GANA
Nació en Santiago en 1829, de complexión enfermiza. Hijo de un famoso médico fundador de la Escuela
de Medicina de Chile; además, hermano del novelista Alberto Blest-Gana, uno de los grandes de la
novela realista latinoamericana. Guillermo, gran lector y conocedor minucioso de la literatura romántica
europea, dedicó su vida a las letras y a la diplomacia. Es autor de las siguien-tes obras: "La muerte de
Lautaro" 1847. "Poesías" 1854. "La flor de la soledad" 1857. "Armonías" 1884. "Obras Completas" 1907
"La conjuración de Almagro" drama, 1858. "La poesía americana" ensayos críticos, 1863.
Guillermo Blest-Gana, fue notable sonetista, uno de los más recordados y verdadera pequeña obra
maestra suya, es su soneto "Mirada Retrospectiva":
Al llegar a la página postrera
de la tragicomedia de mi vida,
vuelvo la vista al punto de partida
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con el dolor de quien ya nada espera.
!Cuánta noble ambición que fue quimera!
!Cuánta bella ilusión desvanecida!
!Sembrada está la senda recorrida
con las flores de aquella primavera!
Pero en esta hora lúgubre, sombría,
de severa verdad y desencanto,
de supremo dolor y de agonía,
es mi mayor pesar, es mi quebranto,
no haber amado más, yo que creía;
!yo que pensaba haber amado tanto!
Sea el tema que aquí hemos expuesto, un grato homenaje a toda la literatura chilena.
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La poesía del boliviano Riveros Tejada
VII.- C A N T A F O R A S P A R A A M E R I C A
1.- Quién es él?
Para estos finales de centuria y de milenio, Guillermo Riveros Tejada, poeta de América, nacido en La
Paz (Bolivia) es un hombre joven que ha estructurado ya, una perdurable obra literaria.
Un despabilado creador, imaginativo por demás, para depararse un apropiado instrumental idiomático y
preceptivo. En consecuencia, un poeta no fácilmente imitable, con una música cosmogónica de fondo,
una concepción estética de equilibrio y madurez, donde juegan y se conjugan en armonía de mecánica
celeste, elementos esenciales del arte lírico: el pathos poético, el sentimiento sometido a dosificaciones
magistrales, y poco de teologías, filosofías, política o literaturas comprometidas o formalistas. Solo poesía
en su esencia única y exclusiva. Y allí está el secreto de esta genuina poemática, inconfundible en su
andadura, donde el verso tiene una medida y un ritmo perceptibles pero no mensurables, que escapan a
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las normatizaciones de las academias y capillas.
Riveros Tejada es peculiar en sus creaciones artísticas. Trabaja con palabras plásticas cargadas de
música y dinámica. Hace sus acabados y estucos con tonos y matices misteriosos, más semejante en el
pensar y en el hacer a los magos de la paleta para emplear un símil un poco más allá de los linderos
literarios. Digamos a Guayasamín el de sus vecindades ecuatorianas, a nuestro Pedro Nel Gómez en sus
Barequeras y Maternidad Americana, o por qué no a los muralistas mexicanos, testimoniales y heréticos.
Todo esto que elabora el poeta claro está, dentro del contexto del alma latinoamericana. Cierto que
Riveros Tejada, apremia su mundo hacia una definición universalista, con tanta fidelidad como nuestros
prosistas del gran Boom, o en la lírica, como Barbajacob el de la "Canción de la vida profunda", o el
Neruda de las "Alturas de Machu Pichu" o el canta autor austral, Atahualpa Yupanqui, en sus tonadas
andino-pamperas por ejemplo.
2.- El arte de las cantáforas
El poeta boliviano es el inventor original de la cantáfora, que puede ponerse de moda y permanecer como
el soneto o las liras de antaño.
Riveros Tejada escribe en cantáforas como otros han escrito en octavas reales. La imagen, los
espatulazos, las ideas, los arpegios, y sobre todo los silencios le advienen en cantáforas:
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Luz que emerge
en la niebla
gota a gota
leve y cauda;
suave mueve
el ala rauda;
la remota
cruz que alumbra;
que se eleva,
que se encumbra,
gota a gota
en la penumbra.
Los poemas cortos o largos, como "Yauri chamby" son construidos por una acumulación apretada de
cantáforas. El poeta habla en cantáforas como otros en parábolas. Solo que la cantáfora es una parábola
sublimada, donde se emplean las palabras estrictamente necesarias y se tiene una inclinación surrealista
y se somete el lenguaje a una sistemática operación de ecuaciones sintácticas.
La cantáfora en idioma castellano es la manera de hacer hablar el silencio. De allí por qué, podemos
asegurar que Riveros Tejada es un grande poeta de los silencios.
Así, como hay aspectos y aristas de los cimeros temas que no se pueden expresar en prosa, sino en
verso libre, existen en el universo del arte y de la inteligencia, paisajes que sólo es posible llevar al óleo
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de las palabras. A las cantáforas que, como relámpagos, pintan, entregan un mensaje, que puede verse y
oírse desde cualquier posición en el planeta. Todo en palabras escuetas, insinuantes, capaces de llegar y
comunicar en forma clarificadora a los más variados y complejos receptores intelectuales y psicológicos.
El mensaje se aproxima y penetra en los más contradictorios y disímiles estados del alma.
3.- Anfora de signos
Es uno de los poemarios cenitales de Riveros Tejada. El gran porcentaje de la obra emerge del universo
latinoamericano. Su lectura suscita en el alma los grandes afectos por la tierra continental, su gente y sus
hondos problemas. Razonable el concepto del académico boliviano Carlos Castañón Barrientos: "El
tiempo y el espacio contenidos en los poemas, pertenecen en su totalidad a la realidad
hispanoamericana. Los poemas más importantes se alimentan de la fuerza de nuestro pasado, ese que
convive y palpita entre nosotros a cada paso que damos y se convierte en parte inseparable de nuestro
presente.
Es decir y como bien lo expresa el poeta:
Solo queda lo eterno
endulzando la viña;
en el campo asoleado,
en la canción de la espiga.
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"Celadores del mar" es el gran poema con veste profética, para una patria mediterránea en medio de los
grandes océanos del mundo pero sin mar y acceso a los litorales.
En la voz del poeta aletea la demanda dramática de la gran patria, Bolivia:
!Marinero perdido!
!Viejo lobo extraviado!
Cuánto más debo andar para ver el milagro,
cuánto más debo andar para apretar tu mano,
cuánto más debo andar para ver el albatros
recorriendo la costa,
saludando a los barcos.
Cuánto más debo andar para ver a mis niños
nuevamente jugando
en las playas agrestes
de ese mar impregnado por mi sangre
y su llanto.
!Decidme celadores del mar!:
qué precio es el correcto que debemos pagar
por volver a lo nuestro,
para salvar del naufragio nuestros sueños?
Qué precio es el correcto?
Cuánto cuesta el velero
Que nos lleve a otras costas.
Que nos saque del tedio
que produce en el alma
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todo este enclaustramiento.
En realidad que ningún reclamo de los internacionalistas, de los diplomáticos de muchas décadas atrás,
puede tener más fuerza convictiva y más razón estremecedora que las cantáforas dramáticas de este
poema.
Y este cantafórico retrato del gran río de América:
Serpiente mineral. Hilo de estaño.
Acuario en el zodíaco de la tierra,
en busca de Paititi los heraldos
clavaron en tu pecho las banderas
venero en el pulmón de la montaña.
Hontanar en la sed de la floresta.
Cambiando piel tras piel, tu anatomía
recorre trasversalmente la selva.
Y en remotos confines te conviertes
sin atajo, medida, ni frontera
en el ancho Amazonas que inocula
al mar su antigua raíz de enredadera.
En el libro "Anfora de signos" encontramos versos que por sí solos salvaría del olvido un poemario
latinoamericano, en un ambiente literario donde con frecuencia un discreto silencio cubre grandes obras
poéticas. Leamos:
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!Silencio! celadores del olvido...
(La muerte del ruiseñor)
Y habrá jazmines que nazcan
en el perfil de tu tallo.
(Romance de Otoño)
Golpe a golpe, el escoplo acerado del agua
va dejando en la roca su obstinada semblanza,
(Arcángel tutelar)
Mientras el sol se apacigua
en una larga torera,
en el cristal de la tarde
sirven manzanilla fresca
(Tarde de tienta)
La muerte verde con alfanje negro,
(Armero)
El oro vesperal pintó la viña.
El otoño llegó. Pasó el verano...
(Nocturno)
Qué extraña antigüedad hay en las cosas
marcadas por el eco del silencio
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(El eco del silencio)
En su transcurso el tiempo, inexorable y ávido,
devoró la medida de antiguos calendarios,
la lámpara de arcilla ardió como el deseo!
"Ab Gesta"
La errátil sincronía del lamento,
que emerge con dolor desde la arcilla,
"El hombre y el silencio"
Los bueyes lentos, con su cruz a cuestas,
descienden por los surcos hasta el alma,
"Altiplano"
Mi balandra sin rumbo,
encallada en tu puerto,
con el óxido a cuestas
crujirá con el viento.
Yo estaré en su cabina
ensayando un lamento.
Tal vez tu no me escuches
porque yo estaré muerto
"Nicht Miehr"
Pero de la antología de la genuina poesía latinoamericana, es el romance a Juan Pérez, tan parecido a
Eleuterio Galván. El pináculo de la perfección es el poema "Canto vesperal a Tihuanaco", seis muy
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perfectas cantáforas, alienadas con rigor de roquedal andino.
La "Canción del arcano" tan característico y tipificante de la entonación y arte de Riveros Tejada.
4.- "Astrolabios del tiempo"
Este libro de 1989, lleva un revelador prólogo del Director de la Academia Colombiana de la Lengua, el
jesuita Manuel Briceño Jáuregui.
En los 88 breves poemas, cantáforas un poco liberadas, que integran este volumen, el poeta boliviano
alcanza altos niveles de universalidad.
Desde luego que para la interpretación plena de la poesía de Riveros Tejada, acudimos a su más idóneo
analista Bogdan Piotrowski, quien afirma en el Prefacio de este libro:
"... la fuerza expresiva de los poemas de Riveros Tejada resulta del desplazamiento de la metáfora por la
palabra simbólica. De modo que sus versos, para lograr el giro de los tropos, siendo sencillos en la forma,
se tornan transparentes en su lectura y más rico y sugestivo su contenido en su despliegue semiótico.
Por otro lado, la polisemia en esta poética, se incrementa gracias a las modificaciones sintácticas, juegos
de palabras, y por el frecuente uso de sustantivos que le permiten crear visiones plásticas abundantes e
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interpretaciones semánticas".
"Amonite" ciertamente es modelo de esta poesía, así delineada por Piotrowski:
Cápsula eres del sueño
que ha dejado en la piedra
la canción del silencio
amasado en la noche
de los cuarzos eternos.
Recordamos a Pedro Salinas en sus mejores momentos, cuando leemos estos tres versos de Riveros
Tejada en "Cristálida":
Allí te espero amada
en el confín del río
donde las piedras cantan.
Y en "Oceana":
Oigo tu voz amante
como un dulce llamado
que brota de la tierra
hasta nutrir el árbol.
Y esta perfecta estructura del romance castellano en "Romance de
sangre negra":
Oh, hermano mío, me siento
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pertenecer a tu pueblo,
pertenecer a tu raza.
Yo llevo un negro por dentro!
porque siento tu tambor,
tus danzas de arena y viento
que retumban en mi sangre
y crepitan en mi pecho.
La nostalgia de Dios, la soledad del hombre espiritual contemporáneo, la indefinible melancolía del alma,
la lejanía del mar, son grandes temas de "Astrolabios del tiempo" que Riveros Tejada escancia con
sobrada maestría, gracias a su "inagotable opulencia interior" como bien lo anota su prologuista Briceño
Jáuregui.
Los poemas "Fatamorgana", "Renacimiento", "El Callahuaya", traducen la inmensa fraternidad universal
del poeta, su ternura, su auténtica y dolorida pena por los que sufren. Y esta sextilla del poema "Los
albatros" tan original y honda que nos recuerda, sin embargo, las añoranzas líricas del viejo porteño
Héctor Pedro Blomerg:
Allí están, desde ayer y desde siempre
los albatros del puerto;
mientras llegan y parten
los barcos del recuerdo
en las tardes bermejas
del mar junto al desierto.
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Una elevada voz lírica del Eje Cafetero
VIII.- J U A N R E S T R E P O F E R N A N D E Z
Matinal es la voz de este poeta. El
nuevo día se levanta ante él. RAFAEL
ALBERTI
1.- PROEMIO
Juan Restrepo Fernández, nació en 1930, en Montenegro, Quindío. Estudió en Buenos Aires, Argentina,
donde se doctoró en Medicina con especialidad en Psiquiatría. Desde aquellos años dedicó buena parte
de su tiempo al estudio y composición de su obra poética. Su primer libro "La Idea que Verdece" data de
1953, publicado cuando el autor aún no había cumplido 23 años. A este poemario se refirió Rafael Alberti
con palabras jubilosas y justas.
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"La montaña incendiada" es la segunda obra poética de Restrepo. El laureado escritor guatemalteco,
Miguel Angel Asturias, después de leer esta poesía, solicitó a su autor "refugiarse en ella lo más posible."
Otros libros de poesía de Juan Restrepo, son los siguientes: "El Alba de los enterrados" 1981, "Los
zafiros del reino" 1989,
"El cetro de los anillos" 1989, y "Los templos del ónix" 1993.
Su obra inédita es extensa y sorprendente por sus calidades.
2.- EL ALBA DE LOS ENTERRADOS
"El Alba de los Enterrados", es el tercer libro de Juan Restrepo, fue publicado en Colombia en 1981.
Ratifica y prolonga la alta calidad lírica de la obra, su forma literaria y lenguaje de genuina y pura poesía
matinal. Juan Restrepo convoca con maestría materiales poéticos y no resonancias retóricas. Original en
la disposición del idioma lírico y hasta en la manera siempre sostenida y violenta de manejar los
gerundios para alcanzar sorpresivos efectos de percusión en su música poética de cámara.
El primer poema que encontramos en este libro, lleva el nombre de "El Silencio" y dice:
Llegó a caballo el silencio.
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Tocábale su cabeza
un sombrerón mañanero,
por su garganta anidaba
un pañolón de alto vuelo.
Detuvo en mí su galope
brillante como un lucero,
profundo como el verano,
azul como el mismo cielo.
Una sonrisa cantaba
sobre su rostro moreno.
Era un nido la mañana
con un pájaro en el centro,
el sol arriba aleteaba.
Dejó su cabalgadura,
miró radiante los gajos
que ya anidaban el vuelo,
pobló a la lumbre su cáscara
y ardiente entre su alborozo,
quemándose en su palabra,
me dijo azul como el aire,
vengo de hablar con el pueblo.
En su bello y desolado poema "Melancolía" nos detenemos en casa ante el tintineo y presencia de un
visitante extraño:
Contra el pilón de piedra/ mi madre daba voz al alimento./
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Desde chamizas secas/ llamó a mi casa la melancolía./
Se recostó en la hierba,/ miró los pocos frutos,/
el mínimo fogón, el breve techo,/ miró su largo viaje desde
Sobre el tizón mi madre/ soplaba su tristeza./
Se quedó entre las cosas/ tan leve, transparente/
que la tocaba al viento, al día, al juego, al canto./
Y ocupó nuestra mesa/ y pobló nuestro lecho.....
allá de nosotros./
Una voz poética pausada y tranquila la de Juan Restrepo, sin afanes ni arrebatos. Un tenue lirismo en las
palabras elementales y puras, necesarias para tejer una poesía llena de suscitaciones y rica en esencias
intimistas. Sobreagua en los silencios del tiempo, toda su armada domeñada de palabras que brillan en
altamar, retadoras de todo naufragio. Una discreta y delicada desolación en tierra firme, merodea los
territorios de la infancia:
Se acodó por las trojes un momento, un instante
que era también batalla de su propia ternura,
recordando su casa
y cantó,
cantó en barro encendido
y la muerte no pudo contener su palabra.
Oyó, sonrió la patria;
sintió almácigos verdes que entibiaban su carne.
(SE ALZO DESDE LA TIERRA)
Imposible evadir todo ese mundo que flota en el subconsciente, en la memoria triste de las cosas, de los
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instantes sepultos en el espacio de los días que pasan:
Tomó mi mano el tiempo y fui, troté en sus horas
por otros dulces sueños,
pero siempre en el alba, en mi temprano niño,
bajaban a mi encuentro dos maderos, dos sombras,
dos fosas del recuerdo.
(YO NO RECUERDO DONDE)
Se oían pequeñas lumbres ocultarse en los ecos,
débiles manantiales, pobres gotas del miedo.
Calla -secreteó mi sangreoíd la brasa en sombras,
el suave golpe apagando las puertas,
el temprano poniente.
Calla -secreteó mi sangre-.
(ALGUIEN EN MI MEMORIA)
Ay si pudiera volver/ a asir esa ave amarilla/
del poniente, que arrancando/ noches astros/
tiraba contra mis ojos/ polluelos del sol naciente./
Horcones de mi memoria,/ resquebrajados recuerdos/
que un día una lágrima negra/ descuajó hasta sus
Voló el tiempo entre una daga./ Quedó abierta para
(EL TORREON DE MI CASA)
cimientos./
siempre/ la frente de la mañana.
En secreto me dijiste alma mía
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como en anciana historia que lleva alegre un niño
la luz vocal, el día doncel,
la joven fresca noche reposando a mi orilla.
En secreto me dijiste alma mía.
Azulinos relámpagos de mi país natal.
Dónde la mano franca,la clara azul vasija,
el purísimo barro?
(ANDA MI PIE Y NO PUEDE)
En el poema "Padres míos..." la asordinada elegía, la mudez en el llanto, el gemido apagado del aire que
sufre:
Van cenizas ardiendo y esplenden los frutales;
labios en grano seco
pronunciando vacío y la muerta palabra.
En dónde padres míos el aire azul,
el aire?
Mirad el cielo en su hato,
sus nubes de onda en onda,
sus cabrilleantes mástiles por los ojos quebrados.
Finalmente, el soneto a su amigo Héctor Moreno, el periodista de elevado corazón, el poeta de "Voces
del hombre":
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Que la tristeza venga a verme
dijiste un día compañero,
que traiga aquí sus estandartes
y te sentaste junto al fuego.
Vi en tu palabra todo el grito
que da la brasa del madero,
la ausente puerta que se abre
por el silencio de los ecos.
Un hombre es llama que no puede
quedarse al borde de su sangre
o ir de bruces por el miedo.
Cimbró tu frente y fue la lumbre;
chisporroteando en los carbones
se oía el sepulcro de la noche.
3.- LOS ZAFIROS DEL REINO
El cuarto poemario de Juan Restrepo. Poesía oscilante, deslumbrada en los asombros de los silencios y
de los abismos. Pero, poesía libérrima y sin mezclas y en recipientes elementales, casi inmateriales.
Preserva sin anunciarlo, los humedales necesarios sobre la cálida superficie de la lírica contemporánea.
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Atolladeros y tembladerales, diría Bergamín. Su cortejo de ceguedad avanza por caminos incoherentes.
Una sorda cabalgata titubea por la pista de soledades absolutas y espacios desvertebrados. Espatulazos
y policromías, acomodándose en los marcos de la naturaleza muerta. Poesía con frecuencia
discretamente desolada. Huérfana en su errancia por los desfiladeros y los acantilados mudos frente al
infinito:
Lámparas que escucho camino a otra puerta
que no reconozco,
declives que una llave cierra,
una sola mano que su habla se lleva.
Qué vemos si no la alborada
de lo que termina?...
(COLINAS)
Ahora es tiempo, tiempo,
cerró la transparencia y las llaves se han ido.
Otra estrella es poniente.
Cuelgan las cabelleras por un aire que triste
da su río sin sonido,
orillas que en su túnica flotan el paso,
rozan, dando al vuelo otro acorde.
Lo lejano su vaso y un inclinado goce
que surte sin azules la delicada leña....
(LAS ORILLAS DEL REINO)
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Visión del entorno, pertinaz y angustiosa. El paisaje, sólo como un estado de conciencia, que decía
Byron. La explanada ilímite del "temor y el temblor" kierkegaardiano. El nocturno rueda inmerso en el
obscuro aislamiento del planeta. La poesía es el extraño viajante que, en la ciudad deshabitada, toca de
puerta en puerta:
Resuena ahora la noche,
inconsolable vaso que ha perdido el cristal
en un puñado de aire.
Llora./ Negro en su cuerda, el silencio,
el lamento y más allá en su bosque/ el desgarrado velo,/
la luz entre sus juncos,/ ella dormida,/ temblorosa,
pendiendo,/ flotando en las amarras,...
(RESUENA AHORA LA NOCHE)
Relampaguea en los hombros la propia
verde carga que hacia el tajo camina,
la luz con su filosa empuñada capucha,
el cuello en su sandalia.
(GRACIAS E INCIENSO)
Un jarrón en la siesta podría ser fuente amable
donde él se detuviera, jugueteara su pie,
llamara por su niño.
Transparencias, adioses, corredores
por donde el arropado recuerdo nos recoge...
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(V I E N T O)
Dadme la inmóvil pasión que penetra la piedra
llevándola quieta hasta el vacío.
Podríamos allí en el desierto
oírnos, ver correr el agua,
tocarle su fuego, ciñendo.
(DADME LA INMOVIL PASION)
De pronto se presiente el amanecer. Parece que se oyen ladrar los perros por los lados de Comala y de
Pedro Páramo. A la vuelta del horizonte como una visión del frío, un espejismo en la estepa, aparecen y
desaparecen figuras humanas. Quizás se oyen voces distantes. Tal vez el mundo lejano esté cantando el
Aleluya. El poema se viste de luces matinales. Ya ha concluido la pesadilla. El espíritu de la danza invade
los seres y las cosas:
Vastos susurros en el día del hombre,
pie de la tinieblas en su alto diamante.
Dónde los capullos que apartó el destello
dando su diamante?
Lloró el estampida !Oh! Estafan
!Oh! Estafan Hawking
y su asa fue leve
vertiendo color al sonido.
(EN EL DIA DEL HOMBRE)
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Cuáles gemas son esas que gimen?/ La vida y la muerte?
!Ah! mira, el cofre azul se ha colmado,/ el gentío de
estrellas se acerca,/ la mano del canto se
mueve,/
no cesa. !Ah! la hondura más joven/ volcando su foso, las
proas baldías/ que en ruta mueren en
Oriente./
Oye a Marzo/ cuando ellas repiten los altos montículos./
Anegan su lluvia dotando a nuestro ojo/
de danzas que en él se despliegan,/
llenan sus salones,/ hasta que los Canes deslíen sus
ladridos/ y Orión palidece.
(CUALES GEMAS)
Aquí la hierba, aquí la roca:/ un poco de alma de niños/
apareciendo y desapareciendo,/ jugueteando en apartado río/
!Señor, Señor!/ Una canción para el pobre fuego,/
un escondrijo para la ceniza,/ un dejo serio por la oscura
piedra,/ nuestras manos van en la
roca,/
cavan la lumbre, abren la llama:/ aquí es el templo,/
aquí su sombra,/aquí su jarro sin alimentar./
!Una canción para el pobre fuego!/
!Una canción para el pobre fuego!/
Adiós, adiós.../ Así es la danza de nuestro reino.
(AQUI ES EL TEMPLO)
Fue una visión
o tajo que en la memoria habita?
Saltaron los recodos por la encendida nave,
hacia el ojo rompieron las amuras.
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Danzas, piar de las orlas, brillos
y junto al bosque ráfagas,...
(F A R O)
Transparentales vigas que en el azul
sostienen columnas de los yendos,
templos huidos,
perlas rodando entre sus claridades.
Planicies de los muros en su cristal abiertos
para que una bandada de la memoria habite,
dé tibieza a algún árbol
en el cual picoteando vuelva el vivo plumaje.
(O T O Ñ O)
4.- EL CETRO DE LOS ANILLOS
El quinto poemario de Juan Restrepo, publicado en Colombia a finales de 1989. El sentido de la breve
introducción que al contenido de su obra, hace el autor, coincide perfectamente con el espíritu, con los
nuevos aires que alientan los poemas de este libro. Es la continuación jubilar de la última parte del
poemario casi gemelo de éste "Los zafiros del reino".
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El poeta, anota: "Los poemas de mi "Cetro de los anillos" tienen su inicio y su curso en el afecto
prodigado a mi esposa, Elida. A su llamado hallaron forma el agua, la tierra, el aire, el fuego, el amor, los
sueños, el dolor, el tiempo, lo leve, el misterio, la vida, la muerte, el hombre. Representan nuestra
memoria, lo real de la memoria. Sean ellos un testigo sagrado del deslumbramiento, el imperio de nuestro
mundo."
La temática esencial de los poemas aparece claramente enunciada en el introito citado.
Sesenta y ocho poemas breves, cargados de vida nueva, de alegre transparencia, son un canto amable a
la vida. La delicadeza de las formas se suma a la cristalería de obra de arte como armonioso bosque de
símbolos:
Los velloncitos del agua
amor saltando en tus playas,
los velloncitos del agua
y el heno en tu arboladura.
Palo mayor de la altura
tu capitán de centeno,
tus jarcias de levadura.
Los velloncitos del agua
amor saltando en tus playas,
balando la esquila pura,
!ay amor! desesperando
y el heno en tu arboladura.
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(VELLONES)
Nidales de fruta, si,
por las manos del naranjo,
yo yendo por mi cosecha
tronco arriba hasta tus labios.
Tronco abajo yendo yo
cargado con mi trabajo,
la tarde sobre una rama,
cesta de azul por los álamos.
(NIDALES DE FRUTA)
Oí remar a las tinieblas,
!Desplazadle altos espacios!
Bajé al hangar de las corrientes
y allí ahora eras disuelta.
Trozos de vino entre las aguas
te levantabas, copa plena,
entre el sonido de las manos
que lo profundo chorreaban.
Pliegues de piedra ahora enhebrando
dejabas ir hacia el tablado,
buscadme espuma tiempo blanco
tendréis por ello buena paga.
Acaso trigo de remanso
si reclinado ella me oyere
en la mirada que descuelgo
en una hoja por el agua.
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(ELLA)
5.- LOS TEMPLOS DE ONIX
El pulcro y muy original poemario de 1993. Su contenido denuncia la maestría alcanzada por el autor.
Todo es transparente y respira tranquila vida y alegría. Una clara visión de abstracciones líricas del
entorno, de los elementos, de la existencia de los seres y las cosas, del sueño, de lo erótico, del mar, del
tiempo y de la lluvia, del día y de la noche, de los amaneceres y del véspero. Es la poesía de ser y del
asombro de ser:
Si tocas en el aire la luz/ no te apiades, más bien vuelve,/
regresa sobre ti y adentrado/ busca un soleado árbol/
con serenas ventanas;/ ábrelas,/ sumérgelas un poco,/
devolver las palomas/
al blanco,/ la oscuridad al rayo,/
pues sin duda/ las interiores ramas/ solas de trinos/
o el jolgorio que habita/ el borde de los vientos/
no relucen/ y en silencio se callan./
Podrás volver !oh! encuentro, hábil ocaso en alba,/
así lo ido sea/ quien convoque, reclame,/
pugne por ti o tu sombra./
Juego y círculo aúnan,/ él sabe, así afuera la luz/
háblales;/ unas palabras pueden/
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te halle ceñido en hombre,/ aquí en lo vivo eterno.
(ASI LO IDO SEA)
El poeta pinta el aire sin nombrarlo, dibuja el perfil de un águila o de un árbol con precisión de palabras
que se asemejan o imitan las partes vitales del árbol o del ave. El poema es dúctil y jubiloso:
Venía, apenas el roce,/ ojo de los riscos./
Despiertos entonces moviendo el oído de un cuerno,/
colinas arriba de azul,/ ya mastines,
la presa un relámpago/ que ella sol terreno,/
sujetaba apenas.
Un arco diríase/ regresando el aire al fornido brazo/
pues del seco espacio de su luz,/ desiertos,/
voceando el ave.
Más allá lo esbelto,/ traslúcido asomo cubriendo la sombra/
de un trueno.
Y el lejos,/ chorreante péndulo huyendo a sus garras,/
entre un vaso,/ quieto.
(AGUILA)
El libro contiene 56 poemas breves. El poeta hace uso, muy a su manera, sutil, de los recursos del
lenguaje, para entregar al lector con naturalidad y confiado, el poema: el poema-águila, el poema-noche,
el poema-trino, el poema-cisne, o el poema-lluvia:
Como ella/ pie nocturno, por el arbóreo rostro
da su tejado/ se oye.
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Cómo desnuda/ bella/ bajo el álamo/
cortado azul/ y oro.
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CUARTA PARTE
VOCES DE LA POESIA COTIDIANA
Los poetas en sus libros
Guillermo Payán-Archer
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1.- EL MAR DE SIEMPRE
Guillermo Payán-Archer, de Tumaco Nariño (1921). No sólo es en toda su obra un artífice de la dicción
castellana, sino un auténtico poeta. Maneja con maestría las graves esferas espirituales y panteistas, los
más limpios y genuinos elementos del verso y de la estrofa. Con ritmo pausado pero seguro, el poeta se
aproxima con gran dominio de los espacios y circunstancias al anchuroso universo del mar. Conoce sus
secretos, como sólo los puede conocer quien ha vivido en las vecindades del misterio. Deslumbrado por
su cosmogonía y prisionero de sus símbolos. Entonces surge esta poesía cargada de suscitaciones.
Ebria de luces que ciegan, pero iluminan con deslumbramiento tranquilo las interioridades del alma. Es la
ruta de Paul Valery, quien hace un esfuerzo sin antecedentes en el intelecto humano, por explicar las
incógnitas del logos marinero. Logra, así, el esplendor secular del "cementerio marino". En Payán-Archer
y en su "mar de siempre" insurge el milagro de la palabra y de la imaginería occidental. Recreando el
espíritu sin angustias metafísicas. Navegando por el ilimitado horizonte del mar, del "mar siempre
recomenzando".
Inagotable venero de conmovedora belleza. El poeta se aproxima a las naves surtas, se acerca a facetas
desconocidas por lo intangibles, del drama de los hombres del mar; a los litorales, a las aguas vivas y
salobres, a los "tripulantes de la muerte", escucha los gritos que vienen del muelle, del poliedro de los
escollos; las voces y rumores de los acantilados, toda esa vida total que se contacta con la vida del
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cosmos. Toda esa inmensa polifonía, los vastos policromos en cuya explicación el verso se estira y
encoge, pero nunca concluye su tarea intelectiva, ni sus itinerarios estéticos.
El poeta viene del litoral Pacífico, se detiene espiritualmente en él, va hacia el mar empujado por fuerzas
misteriosas. Se solaza en los abismos subyugantes; quiere apurar con todos los sentidos los milagros y
deleites linfáticos; la orquestación wagneriana de los sones marinos, del movimiento eterno, de sus ecos
y murmullos; del color y de las luces, porque el alma está prisionera y atada a los grandes mirajes, a la
estela de los barcos que pasan, al fluir y refluir del cuerpo del agua y en todo este "terror y temblor" no
encuentra otra explicación del amor, de la vida y de la muerte. Sólo un experto en el mar, contemplando
desde la ensenada frente al véspero, mirando desde la "bahía iluminada" de las amables pasiones,
puede entender la leyenda de las "naves ágiles" y la historia de los hombres oceánicos. Quién ha vivido la
dicotomía del agua salobre y del litoral lujurioso, solo él puede escribir las estancias del "mar de siempre".
El recuerdo y la insistente nostalgia, nos revelan todo un proceso mental y sentimental del sujeto frente al
mar. Las vivencias y latencias, las experiencias quintaesenciadas, después de una imperceptible pero
sabia simbiosis. Su ensayo "Experiencia y Poesía", Néstor Madrid-Malo lo explica: "porque los vínculos
secretos que se observan entre el íntimo misterio del poetizar y la potente realidad de vivir, constituyen
elementos principalísimos de la creación poética. por eso la forma cómo esa experiencia se subsume, -a
través de recónditos procesos en la poesía, la manera como lo vivido en lo poético cobra una importancia
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digna de ser permanentemente resaltada". Y siguiendo las leyes de Dilthey, nuestro ensayista continúa:
"el tránsito de lo vivido a lo poético, a través de las múltiples vivencias que el sujeto incorpora a su
poesía, constituye el aporte de la experiencia vital de ese sujeto a las más altas esferas del poetizar".
Payán-Archer, es el erguido poeta del mar, del mar Pacífico si así se quiere, como Aurelio Arturo es el
poeta siempre vigente de las frondas meridionales, de la morada al sur, de los árboles musicales que se
miran en las aguas tranquilas; de los hombres del río que aman "trabajar entre ricas maderas, como
pretexto para no irse del río".
Payán-Archer, nos dice:
Siempre
he mirado el mar, con amor y con miedo...
atento a su silencio evocador y sugerente
el mar rutilante en el alba del mundo
el mar solitario bajo la estrella de la tarde.
En el poema "Llueve en la noche sobre el mar" la idea de la
infinitud obsede toda atención:
Llueve
en la noche sobre el mar,
y la noche y el mar
se hunden, como un esfuminio,
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entre una bruma fría de soledad y olvido...
A ratos,
solo el recuerdo de una palabra y un presagio
y la lluvia en la noche infinita,
y el mar...
La lluvia cae sobre el mar,
la lluvia
y el mar,
que no terminan nunca!
En el poema "Siempre tú y la luna del puerto" crece la imagen de
la soledad entre brumas y ruinas:
Seis calles
y una plaza de almendros con un farol al fondo.
diez casas a la orilla del mar
como un blanco desfile de ángeles soñolientos.
Y una rada de arenas traicioneras
-cementerio de naves destrozadasdonde hubo una sirena que todavía canta
y en el final, las velas y las redes
cuando las seca el aire de la madrugada.
"Y así llegué a tu corazón un día" es el poema que nos revela un
tranquilo arte poético, la compaginación de los enamorados y el
mar, la armonía del universo, el reiterativo júbilo de las almas:
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Te veía mirando el mar,
mirando el vuelo de las aves sobre el mar,
mirando el sol del trópico sobre el mar,
mirando las estrellas
de la noche cuando caen sobre el mar.
Tú, tú y el mar de siempre.
Tu vida estaba llena de mis palabras
que sólo tú podías entender,
llena de mis sueños
que sólo tú podías descifrar
y llena de mis canciones
que solo tú podías cantar.
Al final del poema "Una mancha de mil colores del medio día" hace
el prodigio de reunir los elementos gracias a mágica simbiosis,
trascendencia final de la gran poesía del trópico:
La playa ecuatorial
el medio día,
el mar,
la luz,
el trópico y la vida.
Y una red en el aire como la mano de Dios
y en los ojos sin fin de los peces
la soledad del cielo!
El amor es la ley y costumbre, lo profundo y reiterativo:
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La noche
presagiosa y agorera,
y tu amor como una esperanza
que empezaba a emerger
desde el silencio del mar
y desde el cielo.
A lo lejos,
las luces mortecinas del puerto
velando él la bahía...
Al término del poemario, los veleros y el marinero que se hunden
en el mar. Allí el misterio de los abismos, la inmensidad agitada, la vida y la muerte:
Los marinos
sabiendo que había luna esa noche,
esperaban anclar en algún puerto.
Desde el amanecer, las naves
comenzaron a derivar y a escorar
a merced de las primeras brisas
y la baja marea.
Más tarde,
con la resaca del mediodía,
recalaron hacia las coralinas
dando tumbos tras tumbos
bajo la mirada hostigante del sol.
En el último ocaso,
atrapados entre las rocas desnudas...
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y vino el viento del sur
siempre agorero y ululante...
sobre la borda de estribor...
La proa de la nave
viró en busca del viento
y continuó su rumbo del día anterior,
su mismo rumbo de todos los días!"
Libro deleitoso éste, por su contenido de elevada calidad espiritual y estética. Su autor, un poeta de
verdad, de todos los días y poeta en todos sus actos. De esos seres humanos de selección que uno no
concibe que puedan morir. Por ello, su muerte en 1993, nos golpeó tanto, a muchos.
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Carlos Castro Saavedra
2.- O D A A C O L O M B I A
Carlos Castro Saavedra, Medellín (1924), contemporáneo de Jorge Robledo Ortiz y de Manuel Mejía
Vallejo, éste, uno de los más altos prosistas nacionales y aquel, la más honda voz lírica del alma popular
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coetánea; (Castro, ocho años menor que Robledo y dos menor que Mejía.)
Autor, entre otros poemarios, de Fusiles y luceros (1946), Camino de la patria (1951), Toda la vida es
lunes (1963), Aquí nacen caminos (1964) El sol trabaja los domingos (1972), Las jaulas abiertas (1982), y
este libro Oda a Colombia (1987).
Castro Saavedra es un claro poeta de la paz. Pluma esencialmente pacifista dentro del historial literario
del país; sobre todo, muy decidida y radicalmente opuesta a todo signo de violencia y de contienda
fratricida.
Sus pareados "Camino de la patria" y el soneto "Maternidad", se constituyen en patrimonio muy querido e
imperecedero del Parnaso colombiano. Su poema laureado en Europa "Plegaria desde América", es un
rico promontorio de esencialidades líricas.
"Oda a Colombia" un voluminoso poemario, recoge la obra más reciente del poeta antioqueño,
hondamente angustiado por los reveses y dolores de la nación, hace una renovada declaración de afecto
patriótico.
En su técnica literaria combina con maestría el artificio con el quehacer poético, pues, Castro Saavedra a
más de poseer una alta inspiración lírica, instrumenta con donosura los recursos del idioma:
Será mañana mi Colombia
patria del pan y la justicia,
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de la madera que comienza
y la corteza que se inicia.
En el poema dolorosamente inspirado por la muerte y sacrificio del gran colombiano, Héctor Abad
Gómez, expresa el dolor de la patria herida, sueña para ella la esperanza de mejores días y dice en
memoria de su amigo:
Mañana serás paz y serás trigo
en medio de la gente desarmada...
volveremos a vernos
en la patria por todos esperada...
Antioquia, Armero, los ríos, los mares, los héroes, las aves, los trigos, las flores, los caballos, los árboles,
la tierra, el pueblo, las ciudades, los cien años de soledad, los caminos y las aldeas, los bosques, los
artesanos, la justicia, los indígenas, los valles, la paz, el amor, las mujeres y la muerte:
La paz es el amor, pero ya grande,
ya convertido en padre de si mismo,
de la miel, de la sal, del heroísmo,
que desborda los días y se expande.
Aunque nadie lo obligue ni lo mande,
este amor es el pan, el optimismo
y el peñón que se mira en un abismo
sin que se desfigure ni se ablande.
Amor de todos por la paz de todos,
de las mangas estrechas por los codos
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y de los pasos por los caminantes.
Paz redonda, total y construida
con materiales propios de la vida
y con leños ardientes y fragantes.
En conclusión, el libro de Castro Saavedra, "Oda a Colombia", no sólo es un canto hondo y sincero a la
patria, sino una viva voz de esperanza y de fe en los destinos del país. Es la clara palabra del poeta,
necesaria y profética.
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Eduardo Santa
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3.- EL PASO DE LAS NUBES
Un poemario de múltiples calidades, su autor el académico Eduardo Santa, un colombiano de muy seria
trayectoria intelectual.
Es sorprendente cuando un arquitecto resulta manejando el óleo con singular maestría; cuando un
ingeniero o un matemático puro aparece en público como un extraordinario virtuoso que domina las
técnicas del piano o del violín; cuando un investigador de la historia y severo ensayista y narrador como
Eduardo Santa, nos da la agradable sorpresa literaria de entregarnos un hermoso libro de pura y genuina
poesía. Poesía lograda a lo largo de una muy clara instrumentación castellana y de un sostenido tono
intimista y, por ello mismo, de indudable vocación universal.
"El paso de las nubes", de las nubes siempre pasando, recomenzando como el mar de Valery. Un libro
con esencias superiores, acendrado y denso, trabajado con detenimiento y hondura, con responsabilidad
de escritor público. Lírica limpia e inteligente, de tranquilo y distinguido abolengo literario. Además, un
poemario de gran originalidad, por los enfoques y ventilación de vivencias muy personales del autor, un
homenaje a la estética universal y al buen gusto de los lectores cultos, que buscan con secreta pasión en
la poesía y en el arte las más diversas, amables y reveladoras expresiones de la inteligencia humana.
Una poesía que no pretende efectos truculentos, sino que se orienta a tonificar, estimular, elevar la
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sensibilidad del mundo interior del hombre, siempre con indudable vocación superior.
El autor en nota introductoria del libro hace esta precisión:
"Siempre he pensado que publicar un libro de poemas es una doble responsabilidad con el arte y con la
vida. Tal vez por ello me había abstenido de hacerlo durante más de cincuenta años de permanente
actividad en el mundo de las letras, durante los cuales escribí poesías para expresar aquellas cosas que
definitivamente no caben en ninguno otro género literario y aquellos sentimientos y turbulencias del
espíritu que exigen ciertos cauces que solo pueden ser construidos con palabras que brotan con la
espontaneidad de los sueños y la profundidad de las vivencias misteriosas del subconsciente sublimado."
Todos los poemas de Eduardo Santa, son poemas con personalidad definida. Las partes y el gran todo
dan siempre la sensación de lo acabado, de lo bien logrado. Gestación, alumbramiento y vida plena, lejos
de lo frustrante o contrahecho. Nada hay allí con ambigüedades o bifurcaciones sospechosas. El imperio
del ritmo secreto y profundo sustenta matices inconfundibles; su poder y fuerza, sin un solo instante de
dubitaciones o caídas. El verso libre preserva la frescura y pureza de todas las páginas. "El paso de las
nubes", el paso del amor y su silencio, el paso de la juventud sin opción de regreso, el paso de la
estación florida, el paso de los recuerdos y su memoria, el paso de la vida...
El contenido del poemario "El paso de las nubes", está dividido en cuatro partes, a saber:
Los poemas del amor (22 poemas)
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Los poemas del recuerdo (8 poemas)
Los poemas de la Naturaleza (13 poemas)
Los poemas de la muerte (13 poemas)
La presencia maravillosa de la mujer en la vida y la autenticidad de los sentimientos, hacen este milagro
del canto dentro de los predios de la transparencia de las cosas elementales, del jardín y del tiempo;
promueven esa realidad y frescura de los poemas eróticos de esta, la primera parte del libro:
Nuestro tiempo de amor/ son tres instantes
que mide el corazón./ En su cuadrante
las agujas del día y de la noche/ señalan nuestro tiempo.
No hay un ayer ni un hoy./ Solo un mañana.
(Tiempo de amor)
Esta tarde de verano./ Una colmena
con su rumor de tiempo/ entre los árboles
madurando sus mieles/ perfumadas
en sotto voce está tocando/ saxofones profundos
cuyas notas/ son voces de misterio
que me vienen/ desde la misma eternidad.
(Tarde de verano)
Todo te espera, amada, sobre el césped
para vivir contigo este verano
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que nunca olvidarás acaso
porque las frutas rojas te recuerdan
el sabor, el olor y el movimiento
lujurioso que tiene nuestro campo
cuando los dos bajo el azul profundo
sentimos el amor que va pasando
sacudiendo la vida intensamente
como el viento que pasa a nuestro lado...
Mira/ que el verano ha dejado sobre el cielo
su sandalia de estrellas/ esperando
que le siga descalza/ como el viento
en busca del lucero enamorado.
(Ha llegado el verano)
"Nocturno en la floresta" es un trabajado poema panteista y erótico, donde el poeta convoca la apoteosis
fluvial y forestal, el mundo de la naturaleza sabiamente lujuriosa al escenario del amor:
Aquí quiero tenerte. En medio de este bosque
sobre las hojas secas, escuchando el murmullo
del agua en el arroyo jugando con la brisa.
Aquí verás el tiempo como una sombra oscura
que duerme en el follaje de la selva tranquila
para no despertarse mientras estés desnuda
temblando entre mis brazos como estrella cautiva.
Los poemas del recuerdo, la segunda parte del poemario, rememoran momentos de la niñez y de la
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primera juventud que se han quedado fijos en la memoria de los grandes afectos y sentimientos
elementales. Una sostenida tarea de rescate memorioso, de viaje evocador por los caminos subterráneos
del tiempo:
A veces me asomo/ a la casa
hermosamente triste/ de mi infancia.
Es como si viajara/ horas interminables
por entre el túnel/ húmedo/ fragante
hecho apenas/ con todas las hojas
de los árboles muertos/ a la hora del alba.
(La casa en la penumbra)
... La ventana/ que está en el corazón/
abierta para mirar el mundo/ asomado a mis ojos de poeta/
bajo una lluvia que cae sobre el alma/ como si fuera una floresta
donde crece la flor de la esperanza/ que siempre asoma su corola/
por la ventana abierta/ como si fuera esa muchacha/
en un día de fiesta.
(Caminos de la sangre)
Nuestros barcos/ no querían partir:
se resistían/ al viento y a las olas
que empujaban/ sus quillas
hacia el mar/ del olvido.
(Despedida)
Los altos candelabros de luz pálida, ingrave,
no han dejado de arder. Como arde mi sangre
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cuando miro el recuerdo fluyendo hacia el olvido
como los fuegos fatuos crepitando en la tarde.
(Réquiem para una Mujer)
En la tercera parte del poemario "Los poemas de la Naturaleza" el poeta deja oír su voz intermitente en
torno de las nubes, los árboles y las fuentes, es un estado ideal de adoración panteista, de "ese
desgarramiento interior, esa capacidad de entrega, ese soplo de vida, ese calor humano, ese
estremecimiento que debe comunicarse a las palabras mismas, como el misterioso temblor que el
cantante le imprime a su voz o como el tañedor de la guitarra le imprime a la mano estremecida por la
emoción", como lo escribió alguna vez el mismo Santa en páginas memorables. Leamos:
Mi corazón es una aldea/ donde cabe
todo el amor del mundo/ concentrado
en la dorada lluvia matinal/ que cae
sobre las blancas torres,/ y los árboles
en las corolas/ de las rosas alegres que en los huertos
perfuman la caída de la tarde,
en el regazo tibio de todas las doncellas
que juegan con el viento...
(Mi corazón es una aldea)
Con qué esencias fabricas/ tus perfumes ustorios?
En qué retortas mágicas/ puedes mezclar los besos,
las caricias, los frutos,/ la luz de las luciérnagas,
el brillo misterioso/ de todas las estrellas
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y los suspiros tiernos/ de las mujeres lánguidas?
(A un magnolio)
Mira correr las nubes sobre el agua
como góndolas blancas en la tarde
bajo el azul celeste./ Igual que nuestras vidas
van corriendo/ por el río del tiempo
bajo los árboles tranquilos/ y bajo los luceros y la luna
y bajo los ramajes florecidos/ que el viento apenas mece.
(Nuestro río)
Hermano árbol:
De todas las cosas hermosas de la tierra
lo que más me conturba es tu presencia
de leve surtidor en que se eleva
el corazón del mundo entre tus hojas
en busca siempre de la primavera
como el canto del pájaro en la noche
buscando el resplandor de las estrellas.
(Palabras para un árbol)
"Canto del bosque inmemorial" es un poema en verso libre, 210 versos, la exégesis y apología del
bosque conocido en la infancia y vivido y sentido durante toda la existencia:
Todo el tiempo/ he estado en este bosque.
Nadie diga/ que soy el habitante/ de parajes sombríos.
Conozco las raíces/ de los árboles altos/
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que suben hacia el cielo....
Toda mi fuerza está/ en los árboles
porque crezco con ellos/ y tengo sus raíces
enredadas,/ trenzadas/ en todas partes/ de mi cuerpo...
Porque las cosas fuertes/ siempre han salido de este bosque:
la cabaña de Lucas,/ el puente, los molinos,
la soledad, el viento,/ la noche, los demonios
y hasta mis propios sueños...
Sólo los hombres que aman las raíces,/ que son como los árboles,
capaces de hundirse entre la tierra/ y buscar en la oscuridad
el color de sus hojas/ y el sabor de sus frutos,
sólo esos hombres/ podrán morir dos veces...
"Los poemas de la muerte", la parte final del libro, constituyen sin duda la expresión de la plena madurez
lírica del poeta. El gran tema, tratado con grandeza y dignidad poética:
Todos traspasaremos las fronteras de sombra
que llevan al olvido. Por fin encontraremos
una patria común. Traspasando los ríos
del llanto y de la angustia
en nuestros caballos de sombra que se esfuman
lo mismo que nosotros. Porque somos los jinetes sonámbulos
que desaparecen lo mismo que la noche/ cuando llega la aurora.
(Los jinetes sonámbulos)
Sé que te llevo en mí como la sangre
que corre entre mis venas; que te siento
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aferrada a mis huesos como yedra
que va trepando por mi propia vida
día tras día y sin ninguna tregua;
que me sigues por siempre a todas partes
sin que te dejes ver, pues escondida
manejas mi destino como el viento
que sigiloso sopla en el espacio
y disuelve las nubes en el cielo...
(Inexorable compañera)
Madre tierra: a ti voy sin asombro,/ sin odio, sin tristeza,
apenas con el débil y efímero racimo que me diste/
y que mañana entregaré en tu lecho/ para que con tus manos bondadosas/ lo conviertas en polvo
y lo lleves al reino de las sombras...
(Madre tierra)
Me moriré a la orilla de un camino
quizás bajo la sombra de algún árbol.
Como mueren los que aman el silencio,
el paso de las nubes, la luz de las estrellas
y el aroma del campo.
Me moriré de luz como la sombra
un medio día cuando pase el viento
deshojando las horas del verano....
(El camino final)
Solo los árboles del bosque/ pueden darme la sombra
que cubre mi fatiga./ Los árboles que tienen
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sus ramas extendidas/ para albergar los nidos.
Los árboles que tienen/ sus raíces profundas
para extraer la vida/ de insondables abismos.
(Dimensión del hombre)
Todo va destilando/ su propio mosto que fermenta
en esos alambiques/ los sueños/ a la muerte.
(La rueda loca)
Veo pasar el tiempo quedamente/ desde lo hondo de mi ser
como si fuera la corriente/ de un río misterioso
que nunca deja de correr...
(Navegando en el tiempo)
Todo es un eterno/ fluir hacia la muerte./
Nadie detiene los horarios/ girando velozmente./
Nadie percibe el viento/ desprendiendo las hojas/
doradas/ del último verano...
Un libro de poesía se ha detenido y se ha quedado en nuestras manos, "El paso de las nubes". De esa
poesía que quiere morar en el corazón y en la memoria. De esa poesía que nos engrandece y ennoblece
el espíritu. El poemario de Eduardo Santa, un humanista, un intelectual que no ha perdido nunca las
coordenadas del arte verdadero, de los imperativos de la estética en la cultura humana, del goce plenario
de los eternos valores.
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Luis Zalamea
4.- VOCES EN EL DESIERTO
Luis Zalamea es un colombiano culto, que ha vivido la mayor parte de su vida en el exterior. Lleva en la
sangre el designio de las letras y la vocación para entender y sufrir las estaciones espirituales del arte.
Capacidad, asimismo, de captación y adivinación de los matices y elementos supramateriales que reinan
en el entorno y que emergen de las cosas, de los seres y de los aconteceres.
Como hombre de acción, por ejemplo en el universo turístico, Zalamea ha tenido éxito. Y es victoriosa su
praxis en el mundo del relacionismo, en sus aproximaciones y vinculaciones con la gente, con las
personas capaces todas ellas por sus condiciones específicas de hacer amable y productiva la vida.
Posiblemente la clave de todo este armonioso acontecer en la vida de Luis Zalamea, lo constituye el
hecho de que es un esteta. Una despierta sensibilidad, un espíritu penetrante, capaz de encontrar lo
esencial y descubrir los meridianos luminosos del mundo que lo rodea.
Sólo un carácter de selección y una sensibilidad morigerada, equilibrada dentro de los canones que
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confluyen a los estuarios de la estética universal, como norma de vida y el arte como objetivo, logran el
milagro del hombre pleno en conjunción con el entorno y con su prójimo. En perfecto equilibrio con sus
módulos de acción y con sus ambiciones, toda una andadura acompasada hacia la plena realización
cotidiana.
Porque la sindéresis del espíritu lleva a capacitarnos para tomar en positivo lo adverso y doloroso. Y,
desde luego, a hacer más amable lo amable y, más hermoso y fecundo lo positivo y significante que en
nuestro alrededor puede descubrir y promover un espíritu de selección.
Un buen poema, como una buena obra pictórica o una excelente composición musical, sólo la pueden
lograr quienes gozan del privilegio de esa cultura que como decía Scheler, es genuina cuando es capaz
de consustanciarse con el sujeto. Cultura, aquello muy hondo que nos queda después de que hemos
olvidado todo lo que aprendimos, que afirmaba el sabio renacentista.
Zalamea opina que llegó tarde a la poesía. Diríamos más bien que llegó oportunamente, después de un
proceso de acumulación de valores, de acendramiento de mieles, de acrisolamiento de materiales, todo
un ciclo evolutivo que en el ser humano y en su espíritu, logra el contacto pertinaz con los valores
estéticos, intelectuales y éticos. Todo el espesor de la historia en función creadora de maduración dentro
de una inteligencia avisada y una sensibilidad atenta.
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Se puede tener una alta sensibilidad poética y nunca escribir un verso. Pero cuando se escribe, después
de un largo proceso de asimilaciones y depuraciones, se logra una obra que armoniza con el universo.
Creación máxima o mínima, creación que entra a ser parte del gran todo que nos rodea. "Para Elisa" de
Beethoven bella expresión de la Europa decimonónica, la Gioconda de Da Vinci inigualable testimonio de
un ciclo supremo del arte, o "Hay un instante" de Valencia, depurada forma del modernismo poético, son
mínimas obras de arte, que han logrado entrar al gran torrente de la Creación, hacen parte ya de las
cosas necesarias e íntimas del hombre civilizado de Occidente. Pero, todas ellas son el fruto final de un
largo proceso de acendramientos que, en un momento luminoso del artista y de la cultura humana, toman
cuerpo definitivo engastados en materiales perennes.
El poeta ve insinuarse y descubre nuevas galaxias en el entorno, precisamente allí donde el común de los
mortales no encuentran nada tangible, ni escucha voces desconocidas, ni percibe aromas ni sabores. Y
cuando los fenómenos son irrebatibles y evidentes, el artista va más allá de lo evidente, para encontrarse
con aquellas fases no descubiertas, con las aristas ocultas, ubicadas dentro o detrás de las cosas
visibles. De allí por qué el arte y la magia tienen sus tangencias, y de allí por qué se dice, por ejemplo,
que la poesía es la flor del árbol de la ciencia.
El libro "Voces en el Desierto" de Luis Zalamea es coherente y orgánico. Es el testimonio de una vida y
de un espíritu expectantes y vigilantes, frente al discurrir del mundo coetáneo y de su propio mundo. Su
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autor, además, de un hombre culto, posee una fina sensibilidad, entendiendo esto último como esa
capacidad sutil para penetrar la significación y trascendencia de aconteceres que los seres letárgicos no
entienden y la ceguedad común no descubre y, así, avizorante, el ser de excepción, va acumulando
experiencias perdurables que, para la mayoría, no alcanzan a ser siquiera intrascendentes porque nunca
pudieron ver amanecer con jubilosas retinas fuera del rimero. Y esta acumulación, medida y armoniosa,
va perfilando la obra de arte. En el poema "Leyenda de Guatavita", el espíritu invisible de la esmeralda se
hace arcilla y paisaje. Fluye todo el embrujo que otrora cautivara a las sensibilidades primitivas, después,
al pincel de Obregón, y luego a la palabra escrita de Zalamea:
Hasta el fondo sin fondo,
hasta el limo de siglos,
a través de las nubes de líquenes y helechos,
de las algas nacientes y de las que agonizan,
y la fusión sin eco de cuarzos y cristales,
descendieron los Zaques cortejando a la luna,
en la tinieblas acuática trocada en esmeralda.
Y el tiempo quedó también cristalizado,
verde fulgor entre las glaucas aguas...
Zalamea crea con la fuerza de la abstracción y la capacidad reveladora de las palabras. Cuando el
elemento puramente poético se adelanta o fluye discreto, la música, los matices, los colores mansos o
violentos de los vocablos, sus timbres de arpegio y de campana, responden plenamente por su misterio y
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afán.
En las profundidades del espíritu están los lazos y ataduras con los muertos. Con "Los muertos míos". Es
algo indefinido, anhelante en su demencia, imperativo en su presencia cósmica:
Nunca quise pesar los muertos míos,
saber si cavan en efecto hacia el vacío,
o si en cambio flotan sobre el infinito...
Sería como medir la eternidad,
entrever el cielo por las rendijas de los astros,
lanzarse sin alas a lo desconocido.
Si pudiera pesar los muertos míos,
mi madre en su blancura transparente
sería tan sólo una pluma leve entre las raíces.
Y el peso de jinete de mi padre guerrero
rasgaría de la tierra sus entrañas más duras,
cabalgando, cavando chalaneando hacia abajo.
También hacia los fondos.
Cual volcanes cuajados,
descenderían los cuerpos de todos mis hermanos.
Más que hermanos, leyendas.
Más que leyendas, sueños.
El mes de marzo, por ejemplo, está lleno de premoniciones, lo
conocido es obvio, el misterio golpea la conciencia humana:
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"...La Osa Mayor despeña ahora
su trapecio sobre mi soledad...
No hay pájaros nocturnos
solo perros vecinos
que ladran su cercado celo
e imponen centinelas al silencio...
No están sobre el pez pétreo
sibilinas hondinas que incitan los galeotes,
ni cantan ya a este Ulises prisionero.
Cuan inútil mi erudición libresca
que sabe de epopeyas y de náutica..."
"El olor del exilio está muy próximo al aire que respira mi
perro". La patria lejana, siempre genera nostalgia, así el medio
actual nos llene de complacencias:
A mí me lleva a rastras Blackie,
compañero de silencio en la humedad
asfixiante del destierro...
La presencia de la muerte tiene fuerza reiterativa y
sobrecogedora de ronda, de movimiento telúrico entre las flores,
con el viento frío de julio entre los huesos, puede quedar trunco
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un destino:
Llegará disfrazada de ciclista?
Surgirá de uno de esos autos remendados?
Vendrá en la carroza musical del heladero,
o escondida entre los sobres del cartero?
Andará entre una manada de perros callejeros,
o fingirá surgir como un pájaro sin canto?
Esta vez en su baraja ineluctable
le tocó la suerte a mi vecino el chapetón.
Sentí en la noche ecos petrificados por el viento
y aulló de nuevo en el solar su perro.
(Soñé luego con los días de granizo de mi infancia,
volvió a surgir entre la sombra mi primer recuero:
mi padre y yo en una casona sin luz, desocupada.
Y llegaron mis hijos desde su lejanía
portando golondrinas de cal y de amaranto)...
(Quedó sin cortar el césped de su casa
y llenos de maleza los contornos del huerto)...
En "Un canto para John Lennon" hay un do sostenido de pecho
adolorido. La mejor definición.
Orfeo del abigarrado séquito de Acuario...
su clara misión de jilguero:
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sobre las rocas desnudas de Manhattan:
Libertador de las baladas prisioneras,
juglar en los funerales del rocío,
capitán germinal de la ternura...
Desatado por los malabares de tu canto
fluye un mar de ternura soterrada.
El ritornello "Despedida" con su adolorido "te fuiste", el tema
de la ausencia tan antiguo como el dolor humano, pero la
entonación tan personal y diciente, dentro de un Unico drama con
un solo testigo, el mar"
Te fuiste.
Como se van todas las cosas.
Yo me quedo solo
con las uñas clavadas en la arena,
viendo como se alejan las mareas.
En el poema "Júbilo y Nostalgia" se descubre la parábola del
amor, quién es quién en el drama cotidiano de los afectos. El se
pregunta.
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Quién soy, acaso el sombrío, el alquimista
que anida en lo profundo de la armadura urbana,...
discreto intérprete de los textos de la Kábala,
quizás virtuoso del clavicémbalo caucásico,
o al menos cultivador de pomas y viñedos...
El retrato de ella encierra en sus rasgos y tonos la simbología
apacible de la ternura:
Tú provenías, en cambio, de una esfera frutal
de efluvios resinosos y mieles domeñadas,
de predios sonorosos entre panal y palma,
de músicas vistosas a la orilla del mar y su yodado aliento.
Las afinidades electivas son profundas, quizá dispares la
apariencias externas:
Fusión extraña, la nuestra, de dos ámbitos
que antes ninguno ni siquiera habría soñado:
el tuyo jubiloso, preñado de cadencias,
el mío teñido por emanaciones y metales.
Yo andaba intoxicado de lirismo, de vuelta del asalto.
Tú añorabas un álbum de remansos y notas clausuradas...
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Unión elemental de furia y grito y ansia,
unión capaz de hacernos descender, entrelazados,
a los diez fosos del Octavo Círculo del Dante...
mi voz se licuó con sangre hacia otros cosmos,
tú conociste florestas y mares no soñados.
Y ambos proyectamos en carne y linfa, hacia lo ignoto,
esta aguerrida confusión de lo más revoltoso y lo más tierno...
cantamos estridencias bajo la sombra del Acrópolis,
enmudecieron tus palabras en profusión de estalactitas...
cortamos con nuestra proa corrientes levantiscas,
compartimos divanes triples en urbes clandestinas...
No escuchamos en la floresta sus flautas sibilinas,
ni del peyote sus transparente marimberos,
ni mucho menos bongos y pífanos nupciales...
Allí persisten, abrazados de luz y de penumbra,
tu júbilo telúrico y mi ancestral nostalgia.
El poema para las antologías del recuerdo, se llama "Castigo", encabezado con un apóstrofe de Sartre:
"el infierno son los otros". Es la voz con trenos lamentaciones del hombre superior y sensible, cuyo idioma
y reflexiones son muy distintos a lo que piensa, dice y siente la caravana:
Se llevaron mis pájaros/ a la ciudad donde nunca voy/
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se los llevaron./ Temprano, bajo la capa de mi sueño./
Quedó muda la casa/ y sin algarabía las ramas del jardín/
para las madrugadas....
Se llevaron mis pájaros./ Y empacaron sus trinos con máximo cuidado./ Todo en regla./ Recibo en
triplicado./ Constancia del secuestro./ Empaque de gorjeos....
Se llevaron mis pájaros./ Yo me quedé varado/ en mi viejo jardín,/ copia de las selvas de Guayana/ como
cualquier corsario jubilado/ a quien, con la marea/ de su postrer gaviota han despojado./ Se los llevaron
todos./ Hasta el cardenal y las dos mirlas./ Y los canarios que entonaban las arias de "Lucía"/ y que yo
alimentaba con el rocío de la mañana./ No me dejaron ni aquel cuervo ladino/ oscuro y fugitivo de los
versos de Poe,/ ni el pájaro Roc de mis cuentos de niño./ Se los llevaron todos./ Definitivamente./ A la
ciudad chata/ a donde nunca voy./ Urbe densa y supina/ con regias jaulas de oro para los pájaros de
plástico./ Si./ Los otros se vengaron./ Se vengaron de veras de mi rebeldía./ Hasta los trinos y gorjeos/
empacaron en caja a prueba de sonido./ Metieron todo en un camión de luto...
En el poema "Fuga en contrapunto con Prufrock", toma cuerpo el evangelio estético del autor y la historia
de su parábola intelectual. Lubin el trashumante, anuncia el periplo de su historia. Va de la mano del
maestro prufrock, "en medio del camino de la vida". Un niño del altiplano andino que conoció en su casa a
Sergio Stepasky y que sigue la voz melodiosa de Prufrock:
"La única sabiduría a que podemos aspirar
es la sabiduría de la humildad" dijo el maestro.
Yo acepto su sosegado desafío.
Lubín me llamo y nací en la humilde Santa Fe
que despertaba, aún hispana y colonial, al siglo Veinte...
Me miro en el espejo, y como Prufrock,
también yo me pregunto: Por qué no habré de presumir
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si hallé la poesía en la humilde huerta de mi casa?
Prufrock: mi Virgiliano cicerone, maestro mío,
domador de las felinas nieblas londinenses,
no me mires así, enmudecido, con esa enigmática sonrisa.
Yo me llamo Lubín,
y con algo de ironía, mi música interior,
y un ligero desdén ante la muerte,
me ha bastado para presumir,
aunque sea poco...
Y el mar, siempre el mar, obsesivo, pertinaz y luminoso a lo largo de estas páginas. Nacido en la
montaña, y para quien el mar es camino real que se bifurca y lleva a todas partes:
Quise ser marinero de horizontes abiertos,
tripulante en naves de amplio velamen desatado,
vagando a flor de ola por ínsulas gorgónicas,
a la deriva a veces, sin compás ni islario,
a sotavento de radas solitarias,
juguete de los alisios en la madrugada...
Luego, el interrogante, la vocación secreta, la consustanciación con los seres y las cosas que se aman:
Lubín, por qué eres poeta? me preguntan.
Quizás porque aún sigo siendo el niño enfermo,
cautivo en los recintos claroscuros de la infancia,
en el largo comedor con sus vitrales ahumados,
en los solares sembrados de plantas afelpadas, en los patios
y corredores donde aún deambulan mis fantasmas,
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en recuerdo del poeta enorme de mis pesadillas...
Después, nuevos tiempos, otros ámbitos, la catarsis:
Nueva York: cuadriculada pesadilla,
orgasmo de la más encumbrada geometría,
territorio de túneles y sótanos,
desafío de los logogrifos y la física,
vivero original de la penumbra,
donde inmensos espacios desplazados
forman una floresta de torres invisibles.
Catarsis! Catarsis!
Gritaba Lubín por las calles férreas de Manhattan.
Era el nuevo tiempo del óxido, las iracundas amazonas,
y el asalto a mano armada.
Nueva York: hambre, música, sexo.
Catarsis! Catarsis!
Nueva York: insurrección de hollín sobre la nieve.
Catarsis! Catarsis!
Al término de la odisea, tiene el protagonista al frente un
paisaje oceánico y una decidida comunión panteista:
Y ahora, maestro, hemos llegado a la lejana playa.
Ha caído el momento más azul del océano.
Es la hora en que las sirenas comienzan a cantar.
Hoy su canto nos invade sigilosamente.
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Rindámonos a él con la pleamar que nos está sitiando.
Y en el postrer descenso por los estratos de agua,
sangre y caldo original entremezclados,
despojados por fin de toda presunción humana,
nuestras náuticas voces a flor de marejada.
Somos ya de la espuma y su errátil comarca.
***
Concluye así la lectura analítica del libro de Luis Zalamea, "Voces en el Desierto" con un apéndice ritual
que contiene en este caso traducciones de grandes textos de Eliot, Crane y Wright.
La traducción de "La canción de amor de Prufrock", popular obra de T.S. Eliot, el gran poeta anglosajón,
es un trabajo tan esmerado que nada tiene que envidiarle a las traducciones de la misma canción
realizados por el argentino Enrique Revol o la de Miguel Brascó, el autor de la "Antología Universal de la
Poesía" de la editorial Castellvi.
Comparando la traducción del proemio del gran poema "El Puente" del notable poeta norteamericano
Hart Crane, considerado por sus contemporáneos émulo de Poe, es necesario aceptar que la traducción
de Zalamea es superior a la de Revol que aparece en la primera edición de "Poetas norteamericanos
contemporáneos", publicada por ediciones Librerías Fausto de Buenos Aires en 1976. Y decimos
superior, porque el colombiano usa un lenguaje realmente poético y su indudable conocimiento de la lírica
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de Crane, le presta instrumentos adecuados para una interpretación fiel de las imágenes y pensamientos
del poeta de Ohio.
Carmelina Soto
5.- TIEMPO INMOVIL
Alma sensible y espíritu vibrante de mujer condenada a la poesía. Carmelina Soto, modelaba con
intensidad de vaticinios, una poesía genuina, cargada de rumores, de lamentos y rechazos. Escribía
movida por imperativos profundos y muy suyos. Fue una artista de la palabra, de la superior
comunicación humana. No hacía versos retóricos, ni por encargo, sino poesía para toda la vida, transida
y desolada. Poemas en su estado más noble y espontáneo.
No administraba una fábrica de frases rítmicas y maquilladas, para ingresar por aclamación a la sociedad
pazguata, o a los cenáculos o parnasillos. Su poesía la presentaba ella misma, perentoriamente, ante el
mundo, ante el tiempo inmóvil, ante la vida plenaria.
Le repugnaban los actos inauténticos, los cumplidos hipócritas, las frases huecas de los paseantes sin
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mensaje. Su vida y su gesto, fueron siempre un reproche pertinaz contra las poses farisaicas, la
simulación intelectual, los monederos falsos de la literatura. Por ello, a Carmelina Soto, no se le puede
clasificar en ninguna escuela literaria del país, en ningún grupo generacional, en tertulia poética alguna.
Vivió siempre distante de "la literatura de alcoba" como bien lo hace notar su crítico y analista Jaime
Lecther.
Su soneto "Lejanía" nos pone en la pista de su definición:
Soy distante de todo. Tan distante
que si estuviera muerta, más lejana
no sería de las cosas, ni cercana
de esta muda distancia sollozante.
Y no es la lejanía vacilante
de una voz o de un doble de campana.
Ni es el tiempo de hoy a la mañana
de la niñez inútil y anhelante.
No es esa del camino largo y fuerte
ni esa otra dura y firme de la muerte
que esa no ha sido ni podrá ser mía.
Hablo de una distancia dolorosa
que hay de mi corazón a toda cosa,
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a todo ser, a toda lejanía.
La poesía de Carmelina Soto, aparece plena de estremecidos elementos espirituales. Hondos e
inquietantes en su miraje y andadura. El amor verdadero, no está tan próximo ni es tan frecuente. Las
actitudes injustas asedian al ser humano, ingenuo y espiritual. En una interpretación muy a su modo de
los motivos del barro de Omar Khayyan, "El vaso vacío", dice:
Llegó el amo una tarde que estaba haciendo frío
y me llenó hasta el borde de vino generoso
y al beber muy despacio, fue recobrando brío
y yo me fui sintiendo liviano y luminoso.
Así, por muchas veces me escanció con anhelo
hasta que al fin los dos rodamos por el suelo.
Después volvió a llevarme con torpe movimiento
a los labios resecos y yo estaba vacío.
Me arrojó de su lado con qué modo violento
y desde entonces, siempre, de todo desconfío.
La poetisa quindiana, nunca escribió poemas vacilantes de cuatro o cinco versos. El más breve es un
soneto. Sus grandes poemas, más de veinte, tienen la extensión apropiada y la temática de un gran
poema y tremenda argumentación sustancial, como aquel de
Rubén Darío "Hay un aire suave" o como "Cigüeñas blancas" de Valencia.
En uno de sus poemas, con cuerpo y contenido justos de poema, el poema "Confidencial", encontramos
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buena parte de su evangelio estético, de su sentirse extraña, de su destino terrenal y temporal:
Recordemos las estrofas finales:
Transito por la pávida ceniza
que otros dejaron porque yo viviera.
He sido nada más una extranjera
asomada al desdén de la sonrisa.
Quise vivir mi vida en cada hora
exactamente, sin mayor alarde
y dije: ya me voy porque es muy tarde
y en ese instante despuntó la aurora.
El aire no alcanzó para mi aliento
de agraz ternura. Campo renadío.
Pues yo he vivido como vive el río
con limo, con estrella, con lamento.
Cómo volver el rostro de este olvido
que la lámpara anuncia sin recelo.
Si en cada atardecer fui contra el cielo
y contra el viento las palabras mido?
No disculpo mi nombre ni mi frente.
No me hago perdonar esta presencia.
Mi rostro es nada más el de la ausencia
y mi ausencia es mi rostro solamente.
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Sin permiso de nadie, pienso y vivo
y paso por la vida que pasaba.
La vida no me pesa y me pesaba
con su juego pesado y agresivo.
Inauguro el instante en acto puro
con el oscuro cotidiano esfuerzo.
El verso no es trabajo pero es verso.
Vivir no es necesario y es muy duro.
Bajo la luz del sol, fiera y filante
-la que mide mi tiempo con cuidadoyo voy pasando sin haber pasado
pues no pasa el pasado en un instante.
Cómo se sufre, cómo trabaja el espíritu, cómo se maneja el verbo, cómo se fabrica una canción. Leamos
un aparte de su poema "Can-ción":
Se toma una palabra y se le exhausta.
Se le exprime su zumo, su grumo, su sentido,
su resistencia,
su resonancia, su asonancia
y su vigencia.
Se le aspira su aliento vital
hasta que dé su punto y su alarido.
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La palabra no importa.
Puede ser madre, amor, bandera, patria.
Importa sólo su alarido universal.
Su dimensión, su rebeldía,
su soledad, su frío...
que después canta sola como un río.
Canta. Canta. Canta!
hasta que sabe a hiel en la garganta.
Al final de "Viñas jóvenes", un poema breve de sólo 28 versos libres, da testimonio del gozo de la alegría,
del tiempo que pasa y del sabor a ceniza, después:
Celebremos, entonces, la brevedad del día.
Lo fugaz del momento.
Dolor de la alegría,
Paveza inútil de la poesía en las manos del viento.
"Una hora perdida" es la invocación del tiempo inmóvil para perdu-rar:
Pero el amor no vino (era noche cerrada)
y como no viniera... entréme a una posada
y con rencor y rabia le dije al posadero:
recíbeme esta hora
a cambio de buen vino y grato fuego.
Mi tiempo se ha quedado en el camino.
Quien pierde el tiempo ya no tiene nada.
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En el tiempo paralizado, está el amor, el dolor del amor, la nostalgia del bien perdido. Allí, todo un
universo memorioso, el poema "Esquema del amor en el tiempo" y aquella estrofa:
Transitabas confiado y yo te presentía
en las oscuras llamas de todas las pupilas.
El tacto de tu aliento apenas me llegaba
-anzuelo al pez de sangre por mis aguas tranquilas.-
"Pena de la muerte" es uno de los hondos poemas de Carmelina Soto. La invocación a la muerte tiene
acentos de belleza dramáti-ca, como el grito de los grandes poetas:
Yo que elevé los brazos como mástiles mudos
y a su silencio opuse los diamantes del verbo,
mirard que estoy viviendo vencida por sus lianas
y ya multipicada por sus verdes espejos.
....
Mirad que estoy hablando casi desde su patria
de maduros jacintos y laureles morenos.
Que ya mi ser enrumba sus ríos milenarios
y a media hasta se visten pabellos de duelo.
Carmelina Soto es autora de "Campanas del Alba" libro publicado en 1941. El libro de poemas "Octubre"
fue publicado en 1952. Finalmente, el gran libro de su madurez intelectual y lírica "Tiempo Inmóvil"
publicado en 1974. El poema final de este libro, trae esta bella estrofa a la muerte:
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Se va a parar mi corazón de pronto!
De pronto me van a enterrar viva
o voy a quedar viva y enterrada
y clavada en lo hondo de la tierra como un ancla!
Ya sin edad ni tiempo... abandonada,
sin ágiles antenas, sin días y sin noches,
sin regresos y sin la primavera en tu mirada.
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Cristina Maya
6.- DE PIE SOBRE LA VIDA
La lectura de este poemario nos permite descubrir, no solo una exigente sensibilidad estética, sino una
persona de claros principios y muy seria formación intelectual.
Cristina Maya es ensayista y, además, maneja con espontánea pericia la más desprevenida preceptiva y
el instrumental litera-rio en el campo de la poesía. Pocos en Colombia posiblemente conocen en forma
tan detallada y, asi mismo bien asimilada, la obra crítica y poética del maestro Rafael Maya, su padre.
Su poemario breve y denso "De pie sobre la Vida", muestra una Cristina Maya con pleno dominio en su
marcha vital por estas anchurosas comarcas de las letras, del arte poético. Versos libres y armonio-sos
con la agilidad y frescura de la juventud y de pleno dominio de un arte. Poesía introspecti-va y saturada
de hondo y equilibrado lirismo.
La "Verdadera Poesía" tiene un profundo sentido humano, leamos:
He salido de ti,/ poesía/ para buscar la nuez desnuda/ de la vida,
la pequeña cicatriz/ en el surco del tiempo,/
los sucesos/ marcados en los rostros.
No la abstracción/ de la palabra, sino su cruda huella/
en cada gesto,/ en las manos / de quienes día a día/
dejan sembrado/ un has de luz/ cuando amasan la tierra/
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y la germinan.
De quienes mueven la rueda/ de la vida/
con su quehacer infatiga-ble.
Poesía amorosa del entorno humano. A Whitman lo recuerda dentro de las múltiples facetas, como cantor
de las ciudades:
La ciudad era espejo de tu alma/ y el hombre su habitante./
De todos ellos/ mostraste un rostro:/ el más suave,/
vecino de primaveras y de auroras,/o el perfil más adusto,/
el más amargo y rudo.
Comprendiste el misterio/ de la ciudad taciturna
que vive de músicas y luces,/ o la que calla y duerme/
bajo la sombra del silencio.
No había para ti/ ni razas, ni colores,/ ni grandes, ni pequeños.
Todos cabían por igual/ en esas calles largas/
modeladas en el curso paciente/ de los años,
y cada cual sembraba/ en algún lugar su corazón.
En su poema al gran líder político y social asesinado, aparece una vez más la voz dolida por el destino
del ser humano, de su entorno, de su próximo:
Hoy nos duele el país
como tu ausencia.
Recorremos el miedo
en cada calle,
cargamos duramente la esperanza
y nos pesa el recuerdo.
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Aun así,
un reto superior nos une,
para seguir de largo
hacia la vida.
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Noel Estrada Roldán
7.- CLAMOR DE ESPAÑA
Pocas culturas personales han existido en el gran Caldas, tan cruentamente conseguidas y tan
hondamente vividas, para configu-rar así una original existencia de condotiero del espíritu y de señor
absoluto de sus querencias telúricas, como la cultura puramente libresca del poeta Noel Estrada Roldán.
"Clamor de España", un breve poemario, regia joyería de princi-pescos sonetos en los cuales admiramos
la limpidez de la idea central y la dorada facturación castellana de sus contornos. Detengámonos en el
soneto "Santiago de Compostela":
La rutilante estrella jacobea
-perla incrustada en el celeste lagoderrama en el sepulcro de Santiago
su providente y cenital marea.
La lanza del apóstol centellea
sobre el moro fatídico y aciago
y en dilatado afán crece el halago
de peregrina y mística odisea.
Un viento precursor de juglaría
agita bravamente los caminos
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en torno a la devota romería.
Y en el santuario diáfano y fecundo
colocan los ignotos peregrinos
la cristiana dalmática del mundo.
"Romanzas de mocedad", el último poemario de Estrada Roldán, tiene la indudable importancia de
recoger los trabajos primige-nios del autor. Un testi-monio de asombro, como el mismo Estrada los
califica.
En los sonetos y romanzas recogidos en el libro, en forma casi imperceptible, se dibuja la certidumbre
estética de Estrada Roldán, la que lo ha acompañará casi rabiosamente durante todo su ciclo de creación
literaria.
El soneto en alejandrinos "Elegía Pastoral" habla por si solo de las calidades y entonación lírica de toda la
obra poética de Noel Estrada Roldán:
El pastor yace inerte sobre el húmedo prado
donde trisca el rebaño claras hierbas fragantes.
Tiene el rostro transido y el cabello trenzado
por el soplo iracundo de los vientos errantes.
En sus yertas pupilas y en su abierto costado
ya no pulsa la vida sus alegres instantes.
La zampoña fraterna lo acompaña a su lado
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y musitan su duelo los cencerros distantes.
Ya la tarde recata sus postreros carmines
en el reino apacible de lejanos confines,
y el crepúsculo emerge sobre el fúnebre alcor.
La campana del Angelus llora júbilos truncos,
gime el viento en las hojas, se flagela en los juncos...
!La campiña está triste porque ha muerto el pastor!
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José Ortega Moreno
8.- MEMORIA DE LA PALABRA
José Ortega Moreno es un discreto humanista y fino poeta santan-dereano. Su libro de 1987 "Memoria de
la palabra" bien diseñado por Guillermo Serrano y adecuadamente ilustrado por Spinosa, ve frutecer en
abundancia a lo largo de sus páginas el genuino elemento poético, bien clara la andadura estética y lírica.
En el tema del mar, el lenguaje metafórico, magistralmente manejado con equilibrio medianero, la luz
vesperal, la torsión paisajista y el ademán espiritual acuden como testimonio:
Mar adentro
el horizonte es un canto.
Mar adentro
el corazón es un pájaro.
Cuando la arena se desborda
por tu cuerpo
aparece una isla rodeada de sueños.
Me olvidé del día
y fue atardeciendo en mi silencio.
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El viento eleva cometas
a la orilla del alma.
El misterio del tiempo que pasa, del amor presentido, del verano como un rito, concurren para dar forma
al poema elegiaco, cargado de símbolos y de reminiscencias, donde el material puramente poético va
haciendo presencia abrumadora:
Recuerdas cuando íbamos por los campos cazando mariposas?
Aún el aire no había inventado los abanicos
ni las palabras murmurado tu nombre.
Era el tiempo...
el tiempo en que los ruiseñores
ocultaban el sueño entre sus alas
y bebían el agua entre sus manos.
Era el tiempo...
el dulce tiempo del arpa y los duraznos
cuando el eco fue un niño que se perdió en el bosque.
Entonces presentía
tu sonrisa en la mirada de los ángeles
porque en tu sangre un día te nacería el verano.
Era el tiempo
en que los tréboles humedecían su sombra entre tus ojos
y las guitarras
desfallecían de amor en los balcones...
Con maestría llegan las alusiones históricas, las aproximaciones a los torrentes clásicos vienen y se
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hacen arte vivo, todo con ecuánime tono y original parsimonia:
En sueños vi a Troya,
la ciudad que una vez destruida
quedó dispersa flotando sobre el tiempo.
Troya yace ahora en ruinas
y yo como Ulises
regreso a la amorosa Itaca
perdida en el valle apacible y lejano de la infancia...
La vida es una lucha continua
inexorable
un anhelo infinito de conquistar la cúspide.
Lo demás es la muerte.
Largo ha sido el viaje
partiendo desde el Jónico
hacia esta ciudad hundida en el recuerdo...
Troya ha sido tan solo un sueño.
Cansado el ruiseñor
destila la música del tiempo
frente a la ciudad borrada por la niebla...
La fresca y lúcida poesía de José Ortega Moreno, un espíritu cultivado y una sensibilidad alerta, fluye
espontánea y tranquila sin empalagosos artificios, ni desfases por carencia de recursos.
El poeta sabe que es necesario embellecer lo sombrío y espiritua-lizar lo inane, exactamente "donde la
noche quema sus últimos geranios"; donde el escritor pobre suele caer en lo ripioso y pedestre.
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Finalmente, aceptemos, como bien lo expresa el autor de "Memoria de la palabra" que:
"Acariciar un poema
es como acariciar el alma secreta de los muertos".
Hernán Guillermo Acosta
9.- LA SANGRE CONSTELADA
Hernán Guillermo Acosta es un poeta. Esta calidad priva sobre cualquiera otra de sus calidades
espirituales. Tiene los defectos y las virtudes espirituales de un auténtico poeta. No es un versificador,
pese a las calzas ortopédicas de la rima a la cual somete sin ninguna consideración el caudal de su
inmensa poesía. El torrente del idioma castellano, muchas veces oculta o desfigu-ra la metafísica de la
genuina esencia poética.
Acosta, pertenece al cosmos de la poesía vallecaucana, rica en elemento puramente poético con Antonio
Llanos; profunda con Carvajal y Gamboa; universalista con Garrido, Vivas Balcázar, Piedrahita González;
eternamente amorosa con Villafañe, Héctor Fabio Varela; embriagada con el paisaje nativo como en
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Ricardo Nieto etc. Cada vallecaucano culto, tiene un poeta de cabecera que generalmente es un poeta
vallecaucano.
Lo mejor que le puede pasar a un hombre realmente educado, es que le llegue un poemario, que se lo
encuentre en las buenas libre-rías, o que lo reciba de las propias manos del letrado y que lo pueda
disfrutar plenamente frente a la ruda realidad del mundo contempo-ráneo. El libro de Hernán Guillermo
Acosta tiene 115 páginas. "La sangre constelada" edición pulcra de la Imprenta Departamental de
Caldas. Las veinte primeras páginas las dedica a la gratitud y a la alabanza de sus cien grandes amigos.
Allí está presto el corazón del poeta, transparente y sin fondos oscuros. Limpio de toda mácula en la
amistad.
La más transparente sinceridad discurre por este poemario. Poeta de Cristo, asi lo conocimos en la
década de los 60s. El "Canto Blanco de Amor para Jesús" que aparece en este libro, es de una belleza
aterradora, digno poema para las más exigentes antologías en idioma castellano. Son 28 quintillas, todas
con la calidad de esta:
Tú, amoroso Pastor de altos luceros
en estepas de azules primaveras
donde pacen tranquilos tus corderos,
mientras miro silentes los oteros,
yo, siniestro pastor de adormideras.
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Poesía trabajada esta de Hernán Guillermo Acosta, vivida y sufrida. En los tercetos de su "Canción
proterva" se insinúa un credo estético. Leamos tres de treinta y dos:
Por tus altos arpegios celestiales
donde lavas con rosas mis canciones,
está creciendo el sol de los trigales.
Por el vino maduro de tus viñas
donde mojan su lengua las alondras
están de fiesta todas mis campiñas.
Por la tea encendida de tus venas
que dan vida y color a mis palabras,
oyendo estoy rumores de colmenas...
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Hugo Chaparro Valderrama
10.- IMAGENES DE UN VIAJE
Hugo Chaparro Valderrama, es un joven hombre de letras, que sin mucha alharaca escribe una bella y
matinal poesía. A más de su evidente capacidad poética, es un hombre bien informado y con excelentes
lecturas. No se atiene sólo a su sensibilidad, alimen-ta su espíritu, se aproxima con ansias de
conocimiento a grandes y consagrados autores. Tiene un indudable porvenir literario.
"Imágenes de un viaje" es una muy lúcida y descomplicada poesía de los viajes, de los viajes en tren.
El siguiente poema nos dice de las evidentes calidades de una poesía honda y tranquila. "Resplandor en
la Memoria":
"La luz del pasado es un resplandor en la memoria",
afirma un pasajero agobiado por el largo traqueteo de los vagones
y un insomnio persistente que le abre los ojos al recuerdo.
Más por compasión que por gusto y necesidad de entablar
con él una conversación,
lo escucho suponiendo que así halla consuelo.
"Y esa luz, su relámpago" -continúa-, "el destello
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que ilumina a las criaturas del olvido,
invoca el sonido de los árboles en una casa que ya no reconoce-mos,
el eco de unas risas que conmueven aunque flotan en rostros espectrales,
las brisas que antes fueran como vientos tormentosos,
el ladrido de algún perro del que sólo capturamos
su forma de correr y sus colmillos.
Un paisaje que en la mente es tan difuso
como el aire que se ve a través de la ventana.
Una niebla que se espesa mientras más nos adentramos
en su brumy nos muestra -o nos deja presentirla visión de un fantasma que acaricia dulcemente los recuerdos
y sus viejas cicatrices,
nuestras emociones y todo lo que somos gracias a ellas.
Y lo único que importa, lo único que es en tal paisaje
como un cielo despejado, sin nubes o señales de aguacero,
es tratar de imaginar cómo fueron, algún día,
las felices imágenes de siempre,
las que hacen del pasado un tiempo que celebra la esperanza
o la alegría o algo semejante -si usted quiere la tristeza-...",
me dice el pasajero con el suave desaliento de un murmullo.
"Todo aquello que se pierde, como yo, en una noche
habitada por reflejos engañosos".
Es entonces cuando veo, en frente mío,
un espejo donde alguien repite mi figura,los rasgos de mi rostro,
incluso el sonido de mi voz que susurra solitaria
en un tren que se dirige
-hacia dónde...?file:///C|/Documents%20and%20Settings/Administrador/Mis%20documentos/Hector%20Ocampo/Temporal/POETASYP.htm (242 de 359) [10/10/2003 07:45:09]
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Este poemario fué galardonado por Colcultura.
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Juan Ruiz de Torres
11.-C R I S A N A T E M O S
"Crisantemos" es el nombre del poemario del escritor español Juan Ruiz de Torres, activo animador del
Taller Prometeo de Poesía Nueva con sede en Madrid.
Ruiz de Torres ha publicado las siguientes obras:
La Luz y la Sombra (1965), La Suma imposible (1968), Los brindis del Poeta (1970), Tiempo prestado
(1973), Un camino al futuro (1975), Trece Sonetos (1977), Trece Sonetos Dedicados (1978), Poesía para
sobrevivir (1980), Trece nuevos poemas (1981).
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La poesía elaborada dentro de la temática de los "Crisantemos" tiene la frescura y los colores
desvanecidos de la clásica flor del crisantemo. Hay una tendencia oriental que se aproxima a la delicada
pureza del arte chino o japonés, con la firme sensibili-dad de las culturas milenarias.
Este poema lo explica todo:
Hasta la madrugada
lloré mis crisantemos.
Habíamos perdido,
se deshojaban, caían rotos.
El hombre de la calle
agostaba sus pétalos.
No sigáis el sendero! Está vacío!
Aún no más, no hay ya sendero,
ni siquiera la fe de caminarlo.
(Era el sonido tenue de la lágrima
rodando en la penumbra.
Era el rencor, el ansia, el grito).
Vuelvo a sembrar, despacio.
Aspiro con cuidado del aire que me queda
limpio mis cuentagotas,
me acodo en mi ventana
para ver retoñar mis crisantemos.
Y es embriagante la obsesión poética en torno a las flores urgidas de perennidad. Ha llegado el invierno y
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la escarcha cubre los jardines. El poeta musita:
Humillo mi estandarte
delante de tu rostro.
Te ofrezco el homenaje del que muere.
El corazón se va partiendo a golpes,
ya no me queda apenas,
arenisca quebrada en las entrañas.
!Cómo duele,
el dolor de los otros!
Yo no tengo el valor de ir adelante
si voy pisando lágrimas.
Yo no puedo aplastaros,
dorados crisantemos ateridos.
Necesito gritaros con mi boca cerrada,
reconstruir mil pétalos quebrados.
Necesito lanzar el alma al aire
y acunar las estrellas.
Allí, donde nace el arco iris.
En el país de las flores inmortales.
Y existe un crisantemo mayor "recio contra los aires y los pétalos de oro". Otros crisantemos van al cielo y
los más hacen compañía al hombre que canta para pensar un momento en Dios. El poema discurre, asi
Flores de mi silencio/ crisantemos.
Luces, heridas / por la dureza del cerrado mundo,
venid, acompañarme.
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Pido sólo/ presencia, vibración doliente.
Contemplar un larguísimo segundo/
el delicado tallo,/ los elegantes cálices.
Ah, flores, que ya ni mías
vuelvo a llamar, porque perdí mis ansias,
Queréis estar, así, quedar
agitando el color ante mis ojos?
Retener un instante/ la mirada del que os ha creado?
Y no dejarme huir,/ rescatarme del vértigo?
Jorge Ernesto Leiva
12- DIARIO DE INVIERNO
Jorge Ernesto Leiva es un joven escritor tolimense, con estudios superiores en París, Pekín y Bogotá. Ha
publicado además los siguientes libros: "No es una canción", "Poemas de ausencia", "La Ceniza es el
infinito", y en 1975 el poemario "Diario de Invier-no" editado por la Universidad del Tolima.
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Se trata de una docena de poemas de corte libre y cargados de esencias poéticas, inquietante temática,
fuerza conceptual y decidida voluntad de testimonio. Es un poeta moderno, que hace poesía moderna y
es capaz de situarse erguido frente a las grandes inquietudes de nuestro tiempo.
Su prologuista, el notable crítico nacional Jaime Mejía Duque, dice con gran sentido interpretativo y de
síntesis: Jorge Ernesto Leiva nos entrega aquí un doble testimonio. El de aquellas vidas novelescas con
las que él naufragó y tuvo el aprendizaje de la compasión y del rencor: pudo haberse perdido con ellas en
el fondo del acuario. Y del latinoamericano de esta época revolucio-naria que de pronto, en una
iluminación de la historia, se avergüenza de acariciar su desamparo y mira más allá de los muros de autocompasión lírica y se encuentra en el campo más ancho, en donde los hombres se baten por la libertad".
Una breve muestra de la poesía que encierra "Diario de Invier-no", nos puede entregar la noción más
exacta de las calidades de originalidad, vocación de denuncia y arte superior de quien escribe. Leamos:
Nuevamente cae a trozos sobre la superficie
y el tiempo permanece con su apodo glacial.
En esta tarde todo canta las bondades
de la distribución,
las sillas ocupadas,
la satisfacción del reciente apetito...
Los cereales acumulados sobre las estanterías
dan esa sensación propia del abastecimiento...
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En esta tarde de noviembre cualquier habitante
de la tierra debe sentir pesada su osamenta,
nadie debe dudarlo
ni decir que siente lástima en lasa uñas.
Por todo el mundo se anunció:
"una bomba ha caído sobre una escuela de niños en Vietnam"...
una ciudad humeante agoniza bajo las estrellas de bambú".
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Guillermo Alvarez Ríos
13.-LAS ESPIRALES DE SEPTIEMBRE
Es el bello nombre del poemario de Juan Guillermo Alvarez Ríos, obra escogida para el número once de
la Colección de Escritores de Risaralda, por un severo y muy actualizado jurado compuesto por tres
verdaderas personalidades de las letras nacionales: Charry Lara, Hernando Salazar Patiño y Eduardo
López Jaramillo. Alvarez Ríos, un joven médico de Pereira, maneja un genuino y original idioma poético.
Tiene posibles influencias de la moderna poesía alemana. Y es un poeta de verdad. Habla ese lenguaje
sibilino y escribe esas frases onduladas cargadas de misterios y silencios de, por ejemplo, Mallarmé y de
Paul Valery. No palabras musicales, ni físicos ritmos o rimas, sino pura poesía. No hace crítica social, ni
filosofía, ni política, ni es sentimental, ni mucho menos hombre de prevenciones contra nadie. No. Hace
solo poesía a lo largo de las 160 páginas de "Las Espirales de Sep-tiembre".
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Leamos su breve poema "Canción Andina" que tiene un poco de autobiografía:
No hay un electrón inseguro
no queda un abrigo que ahogue al paria,
si el paria no quiere:
yo, por ejemplo, vago por mi órbita
con la venia del Artesano, no me entero
de las grises procesiones sonámbulas ante los sepulcros
no remuevo las cenizas rojas que son el pasado
ni me estremezco ante la visión del inmediato azul:
soy yo, uno solo, no almaceno bichos aletargados
ni aires deletéreos.
No es mi voz un bumeran,
camino con dos pies
y todo número mío tiene el deleite de ser entero,
no me abruma la observación de un hormiguero
ni de la arena, que me penetra y a la que penetro.
soy yo, pagano criollo, hirsuto hijo
de Risaralda montañosa.
Padre de un libro y hacedor de sueños más su víctima
de una moneda me gusta la cara y el brusco sello,
sé mi ajedrez como un borrego, y me enamoro en unos ojos
y hago una canción.
Este poema como todo el poemario, tiene un tono. Un autorizado crítico de la moderna poesía alemana,
Hans-Georg Gadamer, dice: "Que los versos tengan un tono", ese es el verdadero rasgo, el
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incomparable, el que define el auténtico poema. Es un tono que se sostiene, el que opera el milagro de
que el poema se "tenga en pie", de que, para citar a Holderlin, "algo permanezca en el instante pasajero".
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Orlando Sierra Hernández
14.- CELEBRACION DE LA NUBE
Orlando Sierra Hernández, otro hombre de letras risaraldense, nacido en 1959 en Santa Rosa de Cabal.
Actual Jefe de Redacción, muy dinámico, de La Patria de Manizales.
Su poemario obtuvo premio en 1991 en concurso convocado por la Casa de Poesía Fernando Mejía de la
capital de Caldas
Sus formas poéticas se identifican con la maestría de la más exigente poemática de fines de esta
centuria. Leamos:
Ahora que sé
que el aire más puro que respiro
es el que viene de tu aliento
reconozco que te amo.
....
En el cuenco de la mano
de la estatua del mendigo
beben los pájaros
....
Desfallece todo
mientras perdura nuestra entrega.
La noche en algún lado se destiñe de luz.
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Se desmorona la muerte
entre los besos.
.....
El sol es el diente de oro
en la sonrisa irónica de Dios.
Para escribir sobre la poesía de Orlando Sierra, es necesario insistir sobre una tesis de Gadamer, cuando
analiza la poesía de Ernesto Meister. Dice: "Vivimos en la época de la poesía semánti-ca. Ya no vivimos
en un mundo en que una leyenda común, un mito, la historia sagrada o una tradición surgida de la
memoria colec-tiva rodee nuestro horizonte con imágenes que podemos reconocer en las palabras. Con
el carácter común de los conteni-dos, a los que sólo basta con aludir, también se ha alejado del poema el
lenguaje de la retórica con sus conocidas fórmulas y ornatos. Lo que queda son unidades semánticas
que, dada su naturaleza, no tienden a unirse, sino más bien a alejarse unas de otras, disper-sas en una
pluralidad de sentidos".
En la poesía que escribe Rogelio Echavarría, Juan Manuel Roca, Humberto Senegal, etc., tan insular y
tan hermosa como la de Fray Luis, Bécquer o Barba Jacob, sólo que aquella está bajo distintas fórmulas
estéticas.
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Euclides Jaramillo Arango
15.- DOS CENTAVITOS DE POESIA
Es un libro amable de Euclides Jaramillo Arango. El trabajo de un folclorista e investigador, que sabe
ahondar en el mundo prístino de lo poético y esencial, siempre con oído atento y ojo avizor, para
descubrir aquí y recoger acullá coplas y decires, saberes y tradiciones, trovas y cantares de entre la
frondosidad de la literatura preludial, crédula y emotiva, que el alma polifacética del pueblo, exenta de
letra sutil y precepto normativo, genera torrencial y libérrima. Saberes y sentires de añeja prosapia, que
circulan con lentitud por el espesor acumulado de los siglos y de los estratos vivenciales de la cultura
comunitaria.
Trabajos de desprevenida erudición, que conforman un opúsculo unitario y diserto, encontramos la
explicación de la génesis y proceso de decantación geológica de esa ciencia anónima, fecunda e ilógica,
que suele derivar hacia la copla, la versificación ingenua, el refranero, el cantar, la cuentística arcaica, el
relato mayestático o fantasioso.
Euclides Jaramillo, veterano folclorólogo nacional, nos revela "los dos centavitos de poesía", de
melancolía, los dos céntimos de humor y otros tantos de sabiduría, que en estas obras nimias,
acrisoladas a lo largo y ancho del tiempo, tintinean en el arcón del ingenio colectivo.
No son muchos en Colombia los cultivadores y expertos en el campo del folclor, ciencia de lo popular que
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"es cosa viva y siempre palpitante" y que colinda con la Sociología y la Antropología, esta última, desde
luego, entendida como estudio del hombre y sus obras. Disciplinas que, si entre nosotros acreditan
verdaderos investigadores y teóricos, toman éstos con frecuencia el material y los esquemas de canteras
foráneas, dejando olvidada la arcilla fecunda y luminosa de nuestra entraña autóctona.
Euclides Jaramillo Arango está consciente de esta equivocación inveterada y hace un esfuerzo en la
cátedra y en sus obras, para lograr la inmersión decidida de los estudiosos en las fuentes primarias que
tocan con la desnuda y genuina realidad vernácula, para poder auscultar los sentimientos más íntimos y
las ambicio-nes, actitudes e índole de las gentes, nociones necesarias al gobernante y al investigador de
fenómenos sociales.
El autor destaca en su estudio una serie de observaciones y de atisbos cuantificantes que condicionan y
ameritan el folclor; el epifenómeno de las "variantes" que modifican el objeto folclórico al ser transmitido a
través de la espesura del tiempo y del torrente generacional destacando, así mismo, su capacidad
reveladora y clarificadora de anhelos, sentimientos, haberes doctrinales y aluvión cultural; haciendo luz,
además, sobre los equívocos respecto a la verdadera cuna, elementos y fieles manifestaciones del
folclor; su carácter anónimo y formas de presencia plástica y particularmente oral, desde el cuento y el
relato de tradiciones que han pasado de boca en boca, el refrán de añejo abolengo y la copla
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paremiológica, hasta la producción explosiva de los troveros y versificadores supersticiosos y emotivos,
que nos regalan una cierta filosofía folclórica" de la vida, un lote desconcertante de ciencia empírica y "un
centavito de poesía" a fuer de fármaco metafísico.
Así, el folclor en sus innumerables manifestaciones, acredita su capacidad orientadora, luz primigenia en
el fondo del subfondo de la cultura. Está allí en las creencias que relacionan el mundo natural y
sobrenatural, en las costumbres y tradiciones más hondas y arraigadas en el arte descomplicado y en la
literatura popular; la música y los cantares que nos entregan esencias y principios que pueden guiarnos
con base firme en investigaciones y estudios diversos, orientados a la búsqueda del alma auténtica e
identidad de un pueblo.
En fin, Euclides Jaramillo Arango, logra una explicación satis-factoria en su ensayo cenital: "Y qué diablos
es el folklore?" que complementa luego con su trabajo sobre la Copla y con la entretenida divagación
nemotécnica "Dos centavitos de poesía" con que concluye su agradable juguete didáctico con
desprevenida proyección definitoria.
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César Augusto Melo Barrera
16.- ANDARIEGO DE LA SAVIA
Sorprendente esta poesía de César Augusto Melo Barrera, por la desprevenida originalidad, su corte
moderno, su autenticidad y transparencia. Un fascículo de solo treinta páginas que recoge parte de la
obra literaria de este joven hombre de letras, muerto a la edad 27 años, víctima quizá de un entorno hostil
como le ocurrió hace años en estos mismos lares a Silva, o al pintor caribeño Hernando del Villar. Tiene
una introducción muy erudita y conceptual del profesor Gabriel Arturo Castro. Una poesía sugerente,
misteriosa, cargada de incógnitas:
"Soledad se cansó
después de recorrer avenidas,
mirando el paso de las sombras."
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El poema "Silencio" demuestra la fuerza de un lenguaje poético
nuevo, las imágenes novedosas, originales, urgidas de desolación:
"Hoy me ahogué/ con sabor a roca de silencio.
Noche sin imágenes,/ con sombras de risa,
quise hablar,/ pero las sombras me callaron.
Los pies cruzados,/ llenos de letras
y ahogados los ojos,/ con la lágrima que no pudo brotar."
Una poesía fresca, cosmogónica, cargada de ternura como en este
breve poema a la Luna:
"Lo dijimos una vez:/ -hagamos un tratoy la luna nos miraba/ con tanta alegría...
A la siguiente noche/ la sorprendimos dormida.
Recordamos nuestro trato,/ miramos por la ventana:
la luna sonreía.../ a hurtadillas,
iluminaba nuestros rostros."
El lenguaje de la poesía no es fácil de entender por el común de los mortales. Lo que el poeta ve con
claridad, para el rimero es oscuro o simplemente inexistente. Un bosque de símbolos puebla y enriquece
el mundo de la poesía, su ciudadela, su cotidianidad, la marcha misma del viajante incógnito que
armoniza y comulga con el entorno. El poeta inglés decía que "cuando muere una flor las estrellas se
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estremecen". El poema "Savia" nos retrotrae y recuerda instantes semejantes de la vida del cosmos:
"Una hoja
caída del árbol de la vida,
se aleja presurosa,
rompiendo el miedo al miedo,
secándose lentamente en el olvido.
Hoja de hojas,
corteza de árbol escapando
sin rumbo fijo;
la voz calla y en tu mente
hay una hoja que también fluye.
Resurge del pasado
el recuerdo de una hoja
que nos invadió el espíritu."
Si Melo Barrera hubiera vivido diez años más, su poesía hubiera logrado plenas aproximaciones a Charry
Lara o a Gaitán Durán.
Al final, ya el poeta se despide y hace recordaciones:
"Para los enterradores de la locura cotidiana,
un abrazo desde las alturas,
mis ruegos por una vida mejor...
Por fin nos atrevimos a sepultar la muerte,
la mar nos abrió paso en el osario...
Miren las estrellas.
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Acostados en aquel mausoleo
están los braceros de la noche...
Por ese silencio,
para que el latido de sus corazones sea oído,
por aquellos que se atreven a soñar,
aún a pesar de los sueños que no sueñan,
con la constancia de las cosas infinitas,
sin principio, ni centro, ni final."
Gustavo Tatis Guerra
17.- EL EDEN ENCENDIDO
Poemas breves, exactos y bien dotados de elemento poético. Estos que conforman el libro de Gustavo
Tatis Guerra, nacido en Sahagún, Córdoba, autor además de "Conjuros del Navegante" y "Convidado de
las nubes".
Leamos un poco de esta poesía desprevenidamente definitoria, fresca y viva:
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SIGNOS DEL CIELO
El amor
vuelve pájaro
el corazón del hombre.
EXISTO
Breve como todo milagro
breve el hechizo de existir.
En un parpadeo
el fulgor de otro paraíso.
ROSA
Como una diosa efímera
anónima, bella,
coronada por la puntualidad
de un aroma.
PADRE
Un pájaro oscuro
de sigilosa dicha
aletea sobre tu frente
en tu alma de niño
que juega a repetirme.
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Beatriz Rivera
18.- PALABRAS DEL BOLSILLO
Poemario de la antioqueña Beatriz Rivera. Edición de gran sencillez y pulcritud. Una temática muy
humana y llena de autenticidad. Versos con buena carga de elemento poético y escritos con sencillez y
espontaneidad:
"Me he pasado la vida
apacentando asombros
y guardando en el bolsillo del corazón recuerdos
para que no se mueran de nostalgia." (Lo que soy)
"Pero pasó la vida, pasó el tiempo
y nadie me abrazó para buscarte,
para sembrar en mi alma tu semilla
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o esa rosa del viento que te guiara
para que tú pudieras encontrarme."
(En donde está mi hijo?)
"Me gustaría tanto ser un árbol
de alta y fresca sombra,
de grandes ramas
como brazos abiertos para todos,
sentirme compañera del sol cada mañana,
peinada por el viento
y de nidos y trinos habitada.
Hundirme mansamente entre la tierra
buscando en sus entrañas
los más hondos secretos..." (Yo quiero ser un árbol)
Una poesía invadida de sinceridad, de muy espontáneo tono lírico. Un testimonio de notable valor
humano dentro de un trabajo literario sin gazmoñerías retóricas, ni afanes de necias origina-lidades. La
historia de un corazón, hilvanada con palabras elementales y honestidad literaria en su cometido.
Alfredo Ocampo Zamorano
19.- POEMAS REUNIDOS
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Premio Nacional de Poesía "Guillermo Valencia", el poeta Alfredo Ocampo Zamorano con apellidos
valluno y caldense, es un sociólogo PHD, economista y empresario. Pero, sobre todo un letrado, hombre
con gran sentido estético y sensibilidad en acción las 24 horas del día, sin solución de vacaciones
inactivas.
Un científico y un literato, quizá más comprendido en el exterior que en Colombia. Su obra es extensa y
de una maravillosa espontaneidad y transparencia. Las formas del poema, frágiles y originales,
caprichosas, llenas de inventiva. Su temática los días, la languidez de las mañanas y las tardes, los
discretos personajes de la historia; la enajenación de la gente que vive, sufre y goza; que trabaja en las
sordas ciudades, que cruza en silencio frente al cielo malva y los grandes edificios de cemento gris; la
gente que contempla ensimismada su entorno y su mundo interior. El universo todo, la gente
contemporánea, sus angustias, sus afanes.
Leamos el poema "...Y no sé que decirles":
Ya pasaron los silencios/ de las mañanas en flor/ los aguaceros/
al medio día/ entre las piedras de los ríos/ y de las plazas/
las horas del atardecer/ donde apasionadas/
te esperaban las cuencas/ de mis manos.
Ya pasaron/ y no llegaron los colores malvas/
nubes ocultaron/ su luminosidad/ salió la noche/
de los recién nacidos/ de los tugurios/ barrios marginados/
de los que recogen/ en las salas de/ urgencias del hospital/
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allí responsan/ si amarillentos debajo/ de luces de neón/
en sordina/ están amarrados a la vida.
El hombre de las ciudades, el de las llanuras, el hombre de los mares, cuyo destino parece no tener un
desenlace lógico:
Cual de los dos caminos/ escogemos en la vida/
con cada encrucijada/ es un tercer sendero/
contemplado al final de la ensenada.
Un recodo no hallado/ que se abre como la herida/
que deja nuestra nave/ en el atracadero/
de una vida sufrida y encallada.
"Desnudos ya de máscaras" un sutil poema de luminosa filosofía existencial. Expresa el clima poético de
Ocampo Zamorano:
Desnudos ya de máscaras/ contemplemos la piel de nuestros rostros/ emergiendo del agua./ Simple.
Limpia de afeites. Y en los ojos/
la luz que enciende el fuego del amor./
Dejemos los vestidos/ que ayer nos modelaron a su amaño./
Lavemos en el río/ nuestro modo de vernos y de hablarnos./
Mirémonos cantar y sonreír.
Así como sabemos/ vive el cocuyo en nuestro pecho oscuro,/
también adivinemos/ gestación de la larva en este duro/
menester de poder sobrevivir.
"Poemas Reunidos", un poemario fuera de serie. Denuncia una poderosa vocación lírica, sin ataduras
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metafísicas.
Jorge Marel
20.- EL MAR Y LAS PALABRAS
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Jorge Marel como Jorge García Usta, no son de esos jóvenes poetas de la segunda mitad del siglo XX
que se asoman al mundo de las letras, de la poesía, y brillan con muchos augurios, pero pronto
desaparecen, vuelven la espalda al infinito, como asustados de lo que vieron y se aquietan y se silencian.
No, Jorge Marel es hoy en Colombia el gran poeta vivo del mar y todo ese universo que gira en torno de
las inmensidades. Fecundo y denso poeta. "Un gran poeta interior que se contempla a sí mismo
contemplando el mar" dice Ramiro de la Espriella.
Es un oficiante de los misterios del mar:
Esta noche encendamos
un fuego junto al mar.
Un fuego en la noche,
bajo la luna.
Un fuego frente al viento.
Encendamos un fuego
y congregúemonos a su alrededor,
y toquemos nuestra música
y cantemos nuestro canto
y dancemos nuestra danza
sobre la arena de las playas,
desnudos bajo el cielo,
bajo las estrellas.
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Sí, esta noche encendamos
un fuego junto al mar.
Exacto lo que afirma sobre Marel, el escritor Roca Vidales: Su poesía es una lección de sobriedad y es
cada vez un poeta más personal, más decantado."
Es autor, entre otros, de los siguientes poemarios: Nocturnos del mar (1982) Las Antiguas Palabras
(1986) El Mar y las Palabras (1989) El Honor de las Palabras (1992)
Y Marel en su libro "El Honor de las Palabras" canta a su mundo, a su reino amado, canta con tranquilo
júbilo, con mayúsculas y sin frenos, ni señalizaciones atafagantes:
El verano de grandes soles/ La arena dorada de las playas/
Las noches azules de cielos estrellados/ El viento fragante que llega de lejos/ Las nubes de formas
misteriosas/ Los blancos pájaros volando/ Las barcas con pescadores silenciosos/
Las dulces muchachas de bella desnudez/ El claro horizonte sin fin/ Este es mi reino/ Mi reino amado
junto al mar.
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Quinta Parte
PINTORES EN L
AS GALERIAS
1.- APOTEOSIS DE OBREGON
Con motivo de los 35 años del Almanaque de la Productora de Papeles S.A., PROPAL, esta activa
organización del sector privado colombiano, realizó en el año de 1995, un verdadero homenaje nacional a
la memoria y a la obra del gran pintor barranquillero Alejandro Obregón.
El reconocimiento consistió en la dedicación del Calendario Propal 1996 a la obra obregoniana; una
trascendente Exposición retrospectiva de Obregón en la sala principal del Museo de Arte Moderno de La
Tertulia de la ciudad de Cali, telas supremas correspondientes a distintas etapas de la vida del maestro,
selección esta y la consiguiente del Calendario con la intervención muy autorizada de Diego Obregón y,
un libro maravilloso, "Obregón", en propalcote y pergamino, con magistral página introductoria de Carlos
Arellano. Dignos y severos el diseño, diagramación y producción de este libro por la Agencia de
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Publicidad McCann-Erickson Corporation, la misma de la División de Comunicaciones de singular eficacia
organizadora y programadora. Como orientación para entender el significado del evento, importante el
gran ensayo interpretativo de la personalidad y la gran plástica de Obregón con crédito de un idóneo
conocedor del arte nacional, el profesor Eduardo Serrano. Oportunas las páginas bellamente retóricas y
literarias de Cobo Borda y Fausto Panesso. Fotografías de Abdú Eljaiek, Olga Lucía Jordán, Carlos
Caicedo, Sergio Trujillo, Antonio Nariño, Elkin Mesa, Scopell, Juan C. Franco, Egar.
1.- De los "cantaclaro" a la fuga de los cóndores.
El maestro Alejandro Obregón, siempre estará catalogado como uno de los pintores más originales de
América. Un artista de pincel innovador, dueño de un estilo y de una singular fuerza en los trazos y
pinceladas, sin punto de comparación en el pasado, sin igual en su tiempo, quizás irrepetible en el futuro
de la plástica por estos contornos.
Cierta la pausada evolución desde una concepción figurativa y tranquilamente barroca, hasta bordear los
acantilados de la realidad expresionista y los abismos fulgurantes del mito, conservando a través de todo
este proceso evolutivo la "fina orquestación de matices cromáticos", que supo descubrirle el crítico de arte
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Walter Engel a partir de los lienzos de la década de los cuarenta. El pintor un poco distante, después, de
sus pertinaces objetos cotidianos, deshechos y recompuestos en sus telas, donde imperó la fuerza de
sus "rojos y amarillos calientes espléndidamente neutralizados por los grises", Obregón alcanza una
desasosegada hondura de ideas y una poderosa fuerza de expresión de sentimientos, caso único, hasta
allí, en la historia de la pintura nacional.
El genio de la obra del maestro Obregón, sólo puede tener explicación en el carácter, en la cultura y en la
inteligencia de un hombre-pintor, considerando la entidad Cultura, como la definía Alzate Avendaño
evocando sus lecturas del Cardenal de Cusa y de Max Scheler: "aquello que nos queda después de que
hemos olvidado todo lo que aprendimos.... el conocimiento asimilado, hecho vida y sumido en la
profundidad de la persona."
Sin embargo, ya en 1956, Marta Traba, escribía en "El Tiempo-Intermedio" sobre el trabajo de este gran
pintor:
"Lo que puede hacer el crítico es decirle al espectador que contempla los cuadros de Obregón, que es
inútil buscar en ellos verosimilitud, conexiones con la naturaleza, con la moral o con la historia. Que es
también inútil relacionarlos con otras obras conocidas o con los recursos tradicionales -perspectiva,
espacio-de la pintura naturalista o realista o académica, que intentaban una explicación distinta.....
La percepción del minucioso poder constructivo de las imágenes de Obregón, el dominio siempre
progresivo del color, que está convirtiéndose al fin en la razón misma de esta pintura, los sabios
desequilibrios de la composición, el espacio inmóvil donde se desarrollan silenciosamente sus formas,
todo se nos dará por añadidura, después que sintamos el lirismo total de la obra, después que
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comprendamos su explicación total."
Por 1959, la misma analista de arte, anotaba:
"La pintura actual de Obregón ha perdido por completo su antigua estabilidad y abandonando sus
estructuras geométricas con las cuales se lograba dicho equilibrio, acusa una franca y violenta inclinación
hacia lo romántico y lo barroco: romanticismos en la elección de ciertos colores "inorgánicos" como el
gris, por ejemplo, y barroquismo en las aceleraciones abruptas de los ritmos que de pronto se tornan
feroces y vitales u mueven algunas zonas del cuadro con un ardiente dinamismo......Obregón supera
ahora sus anteriores reconstrucciones sobre masas verticales, y tiene este aire nuevo de desafiante
libertad dentro del cual aquella apretada construcción formal y cromática sobrevive sólo como un núcleo
que se deshace, pulveriza y expande en el ámbito total del cuadro. De los gallos "cantaclaro" de hace dos
años a los cóndores de hoy día, Obregón ha aprendido a destacar sin temor el caudal de fantasía,
imaginación y lirismo que inunda y desbarata, a sus ojos, el mundo visible. Antes tenía Obregón el poder
de reconstruir espléndidamente lo físico; ahora ha alcanzado el poder de expresar lo metafísico, y sólo en
este momento su universo se integra por completo y deja de ser fragmentario. Sus formas tienen nueva
vida orgánica y nueva vida espiritual: el ciclo de la invención culmina en estos espléndidos cuadros. Lo
que entrega Obregón en ellos es una transposición poética total y no un sustituto a medias de la realidad:
ojalá el público siempre obstinado en limitar el arte al mundo de la naturaleza, sepa leer este gran
lenguaje plástico que se cierra, demostrándonos altivamente la autonomía del arte."
La década de los cuarenta, ya registra obras perdurables de Obregón, tales como: "Retrato de un pintor"
1943, óleo sobre lienzo, 176 cms de alto por 102 cm, admirable tela, austera en cromos y severa en la
forma.
Otra memorable obra de Obregón de su primera década como gran pintor, es el cuadro "Camión", óleo
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sobre lienzo, una bella e inolvidable lección de preceptiva plástica y de pintura ya con personalidad
definida.
2.- El exceso expresivo y el genio de los colores
En 1956, con motivo del premio Guggenheim, otorgado en Estados Unidos a Alejandro Obregón, Marta
Traba escribía para la prensa nacional:
"La pintura de Obregón está hecha de fuegos artificiales, de explosiones de color, de flechas, aves y
frutos fulgurantes, que señalan misteriosos caminos simbólicos. Es la tierra caliente de Colombia.... !con
qué eminente altura se lleva la patria, con qué esplendorosa fantasía se abre la patilla, se descabezan los
pájaros, se deshacen las flores del trópico y cae la noche azul y el día amarillo sobre las paredes,
quemándolas con colores desesperados! La geografía de Obregón no es "naturaleza americana"; es una
"naturaleza estética" que no se subordina a las cosas reales, sino que pone las cosas reales a su
servicio."
Es la plenitud de la vida del pintor. Una plenitud sin altibajos desde mediados de la década de los
cuarenta. Un artista arrebatado por su arte, embriagado por el furor de una estética atlética y de
velocidades. Un arte de invasiones por los cuatro puntos cardinales. Una pintura que se nos entra por
todas partes, por las vidrieras altas de las ventanas herméticas y por los techos de las torres y de las
manzardas. No se parece a nada de nuestro entorno figurativo, pero viene de los entornos grávidos del
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mundo. Obregón es un verdadero creador. Su mundo, es un mundo nuevo, arrebatador y estimulante. No
se asemeja a nada de antes, pero su riqueza y su fulgor, nos engrandece y alegra el espíritu. En 1959 su
gran analista, Marta Traba, anotaba en su columna de El Tiempo y de la Revista Semana:
"Dentro de la pintura colombiana, Obregón es el pintor menos fácil de acusar de influencias, de
estrategias o de disciplinas preconcebidas. El placer personal que lo domina pintando irradia, inunda y
fortalece sus cuadros......
Obregón, además, ha creado un pródigo y exuberante mundo de símbolos, de cosas compuestas, de
formas imaginarias. Esos símbolos llenos de gracia, de invención y de fantasía, no tienen más sentido
que el placer estético: Obregón los toma, los modifica y los deja, e incluso abusa de su crítico manipuleo
en serio y en broma, según ajusten o encajen en el rompecabezas general del cuadro. Se advierte que
los ha inventado y que, desde ese punto de vista de la creación, son legítimas criaturas de su
pensamiento: pero el cálculo que supone una meditación más larga, sosegada y fría está siempre
ausente de esta pintura cuya asombrosa vitalidad procede, por eso mismo de su calidad inmediata,
espontánea y restallante."
De la década de los cincuenta, es el grandioso óleo "Máscaras", 1952, lienzo de 210 x 107 cm., la
impasible dama con su mesa surtida con el perfil ambiguo de las más diversas máscaras y su falda
generosa de repliegues geométricos; severos los tonos apacibles.
"Cóndor", un bello óleo rico en incógnitas; "Volcán submarino", un óleo cargado de vitalidad y
espontaneidad, donde un misterioso horizonte y la concentración de colores en el centro, descubre los
ángulos de inocultable identificación cubista.
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"Entierro de Joselito Carnaval" una clara alusión en toda la composición a la cotidianidad de la región
caribe y a su contexto alegre y rico en tonos fuertes, a su simbología festiva y popular.
3.- Insolación de los colores
En su ensayo Figura y Presencia de su libro "Corriente Alterna", el escritor mexicano Octavio Paz,
analizando aspectos de la poesía de Apollinaire, hace esta observación: "El mundo de las calles, las
máquinas, las luces, las gentes -un mundo en que cada color es una exclamación y cada forma un signo
que emite significados contrarios." Todo esto, como para meditar y hablar de la pintura de Obregón. Pero,
Paz, más adelante, en el ensayo "Los nuevos acólitos" y al destacar las influencias del surrealismo
literario en relación con la obra de los pintores Gabriel Miró y Max Ernst, anota lo siguiente: "La poesía
anticipó y preparó el advenimiento de la nueva visión pictórica." En lo que respecta con Obregón, mucho
tiene que ver en su obra la gran poesía española, francesa y latinoamericana de la década de los
cincuenta. La plenitud lírica de Jorge Gaitán Durán y del Grupo de Barranquilla, Gabriel García Márquez,
Alvaro Cepeda Zamudio y otros, todos de espléndida y agresiva prosa con apertura poética.
A finales de la década de los cincuenta, Marta Traba, hacía estas consideraciones en la revista Semana:
"La pintura de Obregón no puede explicarse al público reduciéndola a un bello y complejo mecanismo de
fragmentos articulados dentro de una admirable atmósfera cromática. Su obra exige que se reconozca el
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lenguaje emotivo con que se expresa, advirtiéndonos que la forma externa de ese lenguaje incluye
contenidos inseparables. Ese contenido, que en épocas anteriores era más preciso y claro y se
comunicaba con mayor facilidad, tiene ahora un poder de significación que le pertenece por entero, sin
relación alguna con los significados reales de las cosas: un pescado, por ejemplo, perteneciente a la
pintura de Obregón, tiene tantos significados como el artista haya querido darle mediante asociaciones,
metamorfosis o inclusiones en espacios y ambientes distintos de los reales. Que Obregón entre, pues,
mediante su magnífico lenguaje poético en un legítimo reino de lo inverosímil, no quiere decir entonces
que su pintura carezca de sentido, sino que por el contrario, se multiplica en ella la posibilidad de decir,
expresar y significar. De allí esta sensación de satisfacción colmada y de goce estético duradero y
prolongable que causan sus obras, por el "exceso expresivo" con que cada una de ellas se dirige al
público."
4.- La espléndida década de los sesenta.
Lienzos de gran importancia dentro de la plástica nacional pertenecen a este período de la vida de
Obregón. Recordemos el óleo sobre lienzo "Flor calcinada", y "Manglar", y "Tormenta", y "El caballero
Mateo" maravilloso óleo, 120 por 120 cmts. y "Bodegón en Azules", "Fuga y muerte del alcatraz" etc
En los inicios de esta década, Marta Traba hizo el siguiente aserto al respecto del arte de Obregón:
"Parte de una pasión: la realidad. De una convicción nueva: la de que la realidad es la base del mito. De
una certidumbre: la de que solo vale la pena vivir el mito, porque solo en él la realidad cobra verdadera
fuerza."*
En 1961, la misma gran señora de la crítica y del sesudo análisis de la plástica nacional, se refiere así a
Obregón, con motivo de su exposición en la galería de "El Callejón":
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*"Obregón llega con los cuadros de esta exposición a un estilo que no forcejea ya entre las ambiciones
encontradas, confusas, pesadamente barrocas, de sus notables exposiciones anteriores. Los límites
complejos de sus volcanes y de sus cóndores, se han aquietado. Un solo gran espacio, asombrosamente
profundo, de color y no de perspectiva, crea la serena concavidad donde respiran ampliamente las
formas. El protagonista es ese espacio y no las formas, cuyos breves y brillantes estallidos lo iluminan y
subrayan." Los cuadros más notables de esta exposición según la crítica, fueron: "Aves cayendo en el
mar" y "El mago del Caribe", un pez rojo éste, que "navega solitario en un ángulo de otro vasto espacio
gris-negro. Después de la pirotecnia, esta podría ser la noche dramática, tendida sobre la playa,
desmintiendo su inercia por la actividad ardientemente sangrienta de los rojos. Al otro lado, una mancha
blanca, delgada y aguda, cortada la noche sin desmenuzarla. Obregón ha pintado el silencio, y la vida
secreta del silencio."
Premio nacional de pintura con el cuadro "La Violencia",1962. Su muy ilustre analista de cabecera, anota
con gran agudeza en la observación: "Obregón, que siempre tiende a salvar sus cuadros de los abismos
grises por medio de alguna nota fugaz y deslumbrante, no ha intentado aquí nada semejante. El cuadro
es absolutamente gris, absolutamente sordo, absolutamente silencioso: por vez primera la tragedia tiene
un intérprete a su inmensa medida."
En los días medianeros de la fecunda década de los sesenta, fecunda para el arte nacional gracias al
maestro Obregón, la crítica nacional destaca características y afinamientos en la pintura obregoniana:
incendio y explosión de los colores para expresar fuerza, movimiento y velocidad, la luz parece
contraerse o explotar. Marta Traba, anota:
"Los elementos puramente documentales, cóndor para el paisaje de montaña, o toro-cóndor; alcatraz,
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mojarra, iguana, aves para la playa, aluden al significado, jamás lo explican. Aluden no como símbolos
intermediarios para llegar al significado, sino como fragmentos de un hecho que no se cierra ni aspira a
culminación alguna. Que está ahí, expuesto a ser derrotado y reconstruido infinitas veces y a adquirir
otras tantas formas. La playa puede ahondarse o replegarse. La luz estallar o contraerse. El espacio es
inseguro y trémulo. No es espacio, es hueco, vacío. Lo que es, pescado, pájaro, centellea fugazmente, , a
pedazos; porque puede ser susceptible de ser fulminado. El brillo angustiado, fulgurante, de las cosas
inestables; el incendio repentino de una naturaleza en perpetua consunción, rehabilitada por luces
inesperadas, masacrada por sombras tempestuosas, por invasiones de sombra. esto es la naturaleza
pintada por Obregón, legislada, sin duda alguna, por la cordillera, no cualquiera, los Andes, y por el mar,
el mar caníbal, el Caribe."
Año de 1966, Alejandro Obregón, Primer Premio Nacional de Pintura en el XVIII Salón Anual de artistas
colombianos, lienzo ganador: "Icaro y las avispas".
5.- La década de los setenta
Grandes cuadros de Obregón en este período: El imponente "Cóndor", acrílico sobre lienzo, 190 x 200
cm, allá en el Palacio Presidencial, para recordar a los mandatarios de Colombia la necesaria grandeza y
limpidez de su misión frente al pueblo y la historia.
Otro gran cuadro de esta década obregoniana: "Retrato de un antepasado loco" 1979, acrílico sobre
lienzo 130 x 137 cm., toda la maestría y la técnica única de Obregón, como nunca, grandioso en la
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Exposición retrospectiva patrocinada por Propal en el Museo de Arte Moderno "La Tertulia" en Cali, fines
de 1995. Toda la extraordinaria agresividad de los colores primarios: blanco, rojo, negro, azul dinámico y
el amarillo del búho de grandes ojos interrogantes que nos miran sin parpadear y, al fondo, el perfil del
antepasado tan parecido al pintor, quizás aquel Obregón de México que convenció a Pancho Villa con el
fulgor ergótico de la palabra genial.
"Memorias de Grecia" 1975; "Sortilegio",1976, maravillosa combinación de paisaje y naturaleza muerta,
donde prima la fuerza de los colores primarios, arriba la espesa oscuridad terrorífica; la mesa con los
huesos del sortilegio como línea del horizonte y abajo las pinceladas mágicas del hechizo. Y los
singulares óleos "Elegía a Blas de Lezo", y "Tauro y Virgo"; el autorretrato "Blas de Lezo", "Cosas de la
Luna" magnífico lienzo, soberbio en estos días en el Museo de "La Tertulia" de Cali.
En 1977, Marta Traba, en el diario "El Espectador", hizo, entre otros, este comentario en relación con
Obregón y su exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá:
"Su pintura descriptiva y climática es un texto inédito, lleno de imaginación, fuerza y fantasía, armado
vitalmente a fuerza de talento personal y confianza en si mismo. También es, por suerte, una pintura
endogámica, desinteresada en absoluto por las alzas y las bajas del mercado externo cada vez más
desorbitado y estúpido.....
Por suerte para Obregón, su pintura es progresivamente, en el panorama general de las artes nacionales,
un monumento solitario..."
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6.- Década de los ochenta
La apoteosis y plenitud del arte de Alejandro Obregón.
El óleo "Victoria de la paz" es una de las obras supremas del arte pictórico moderno en Colombia. Todo el
conjunto del cuadro respira tranquila belleza, limpidez y vida y, desde luego, serena alegría y paz. No hay
vacilaciones en la dirección de las cosas y los seres. La clara figura femenina, los cóndores y las aves,
todos corren y vuelan hacia el futuro. La dicha de la paz sobre la tierra y un vital fondo azul de cielos y
mares. Grandiosa allá, una vez más esta tela en exhibición, ahora, en el Museo de "La Tertulia" de Cali.
"Victoria de tres cordilleras y dos océanos", 1985, gran mural del Capitolio, 900 x 500 cm. rojo horizonte,
arriba la revista aérea de los cóndores, abajo la fiesta cromática de los peces.
"Vientos", el triunfo de los azules y el movimiento. "Marina" la gran apoteosis del mar. "A la Tienne" una
de las obras maestras de Obregón, singularísimo juego de amarillo, blanco y azul, feliz connotación de
fuerza y movimiento. "Midnight Phosphorecence" 1987, acrílico sobre lienzo 150 x 150. y "High Tide",
1988, espléndidas concentraciones de elementos obregonianos en la plástica y el arte. "Tiburón y Andes"
1987 y "Brisa en el jardín", 1990, mágicos pasos de la realidad a la ficción. Todo el colorido violento y
fulgurante de la pintura obregoniana en los plenilunios de su vida y de su arte.
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7.- Obregón y la apoteosis de los cóndores
Eduardo Serrano es el crítico de arte contemporáneo que más ha ahondado en la significación de la obra
de Alejandro Obregón, considerándola cada día como de más trascendencia e influencia en las corrientes
con genuina prestancia de la pintura moderna en Colombia y América. Su ensayo crítico "Alejandro
Obregón, mucho más que un pintor moderno", trabajo medular en el libro "Obregón" publicado por Propal,
es la página más reveladora y elaborada sobre la obra del pintor barranquillero. Dice en uno de sus
apartes fundamentales:
"Con los "Cóndores" de 1956 comienza también la búsqueda de grandes significados en el trabajo de
Obregón, búsqueda que lo conduce finalmente a uno de sus más reconocidos logros. Es un hecho que a
través de esa temática inesperada y propia, tanto la crítica de arte. como buena parte del público
colombiano y latinoamericano, se han identificado con sus objetivos artísticos. A partir de entonces su
trabajo no sólo se ha convertido en impulso permanente de reflexiones sobre las relaciones entre el arte
del subcontinente y su cultura, sino que su obra, especialmente después de su muerte, ha devenido en
símbolos de identidad cultural, y de ahí, en parte, de la admiración casi reverencial que suscita entre los
historiadores, críticos y público de arte del país.....
Son amplios por consiguiente los caminos que Obregón trazó para el arte colombiano y latinoamericano,
colaborando a forzar una reflexión cultural en los derroteros de arte occidental. Más amplios y definitivos,
sin embargo, son los horizontes que contribuyó a despejar para el arte en general, esbozando desde
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mediados de siglo argumentos creativos que, como hemos visto, dejando de lado la premisa de "el arte
por el arte" remplazándola con responsabilidades sociales y morales. Mediante su trabajo Obregón hizo
evidente que incluso las más lógicas estructuras del modernismo, sus más puras formas y sus más
brillantes combinaciones cromáticas resultan anodinas y superfluas si se aíslan de causas y banderas
como la identidad cultural de América Latina, la inutilidad de la violencia y la supervivencia del planeta. Y
ése es, más que el poético sentido de sus pinceladas, el nostálgico vuelo de sus Cóndores o las
implicaciones metafísicas de sus paisajes, su más definitivo aporte tanto a la historia del arte como a la
conciencia de la humanidad."
* * *
Oportuno, hoy más que nunca, este homenaje a la memoria y a la obra del maestro Alejandro Obregón.
Allí está la patria viva. Y está en la idea y los actos de la recordación del artista, quién trabajó limpiamente
por Colombia. Y, por analogía, es un reconocimiento a todos aquellos colombianos, que sí luchan por
valores a veces abstractos, pero permanentes y absolutos.
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2.- DEL VILLAR Y SU DELIRIUM CARIBEÑO
Uno de los no muchos pintores colombianos con personalidad, solitario y clamoroso en medio de sus
creaciones, Hernando del Villar, nacido en Santa Marta en 1944 y muerto en Bogotá a los 45 años de
edad.
Murió joven casi como Rimbaud o como Bécquer. Así, como mueren los poetas y los artistas originales,
cuando ya han dado testimo-nio de su mensaje. Y mueren de un balazo o de una puñalada o de delirium
tremens.
Vivió y murió del Villar, soñando así su mar Caribe, de una manera muy peculiar, lleno de colores
febricitantes y absolutos y de arrebatada fuerza y movimientos envolventes. Pintó el vaivén del mar, su
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ritmo y su poesía ebria, todo con un lenguaje muy suyo y fiel a sus percepciones.
Los colores con su dispersión que vivió y sufrió siempre el pintor samario, generalmente colores que no
los ven así los demás mortales. Es necesario vivir un estado de alma muy especial, muy personal, muy
sobrenatural.
Su lienzo "Junto al mar" es una obra maestra de la pintura colombiana en estos últimos lustros. Color de
vida, energía de juventud y movilidad perenne. Tan poéticas y magistrales las pinceladas como en aquel
tranquilo lienzo de la canoa y el botero solitario en sus júbilos en medio de los balanceos infinitos del mar
caribeño, del "mar siempre recomenzando" como lo sentía y
presentía poderoso, Paul Valery en su poema inmortal del puerto de Cette.
Del Villar, lo dijo Marta Traba, "maneja muy bien las líneas y el color... la gruesa línea blanca, determina
los límites del color que prefiere, amarillo, verde, azules, o naranjas rotundos." Del
Villar hace la aplicación del color dentro de los presupuesto más difíciles, es decir dándole "cierta textura
romántica y vital a la superficie pintada, la superposición de dos actitudes, la línea rotunda y la pincelada
emotiva con las cuales, después de dubita-ciones, termina enriqueciendo la tela, como lo anotó alguna
vez Marta Traba.
El nombre de Hernando del Villar es dueño ya y señor de un muy original lote de la gran plástica nacional.
Allí, donde el lenguaje se hace inconfundible por sus altos voltajes de vida. Quizá su obra no sea muy
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extensa, pero sus lienzos son más reveladores que la realidad misma. La apoteosis de las formas y
colores, ha sido concebida como antes nadie lo ha hecho, capaz de enriquecer el espacio más exigente y
las geometrías más espontá-neas.
Satisfacen sus técnicas y maestrías. Avivan con plenitud de embriaguez el espíritu de quiénes detallan
con detenimiento este sorprendente e iluminado universo estético y lo estudian y meditan con dedicación
y delectación absolutas. El mismo artista se definió alguna vez como pintor: "soy el más claro poeta de mi
generación."
3.- SIEMPRE ROJAS HERAZO
Cuando un día de estos entramos al Planetario de Santafé de Bogotá, de inmediato percibimos en las
salas de la primera planta, una nueva y estimulante claridad. A más de las adecuadas luminarias
eléctricas, una muy definida pero apacible luminosidad marinera derramada en tierra firme. El milagro de
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una pintura cargada de fuerza. Son los cuadros del maestro Rojas Herazo, natural de Tolú, cordialísimo
gigante humano, pleno de energías creadoras.
Dentro de todas esas figuras plásticas, luminosas y enérgicas, plenas de melancolía sensual caribeña,
desbordantes de personalidad, señalemos: los amantes, los reyes hilanderos, el jaulero, el hombre
tocando tambor, el acordeonista. Se esconde sin esconderse allí un agujero negro, muy rico y diverso en
constantes agitaciones. Es el mundo desbordado del poeta y del novelista, del creador literario con la
antena puesta sobre el entorno dinámico. El mundo de la "agresión de las formas contra el ángel". Héctor
Rojas Herazo, uno de los narradores colombianos, que tenemos para mostrar en el ancho espacio
hispano-americano contemporáneo. El hombre que marcha en silencio agresivo, agitando su pincel y
enarbolando como un estandarte la fluidez de su pluma.
Las figuras al óleo de Rojas Herazo, parece que se salen del marco , agresivas y vigorosas. El hombre
tocando tambor, los rostros musculosos y abismales de los negros Adán y Eva, el visitante en verano, el
jaulero liberando sus pájaros, etc. son como aquel Horacio de "recia calma majestuosa" o aquella Celia
de "labios finos probando su amargo vinagre y el corazón lleno de sangre", cálidos personajes de
"Respirando el Verano". Son quizá los dobles de los Mendieta, del "sudoroso jinete, con la camisa y el
pantalón color de hierro", o esotro "con cabeza de verdugo y piernas arqueadas" o aquel "muchacho con
las carnes enjutas, sucio y huraño, con los ojos divididos por un brochazo de cabello" todos protagonistas
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de la magistral odisea: "En Noviembre llega el Arzobispo".
La pintura de Rojas Herazo es enriquecedora. Nos puebla el alma de suscitaciones. Es un canto a la
vida, a la vida que realmente vive, sueña y actúa. Todo allí parece que fuera a reventar, a estallar de
tanto contenido. Las figuras humanas de Rojas Herazo tienen la fuerza misma de la personalidad del
pintor. Luis Rosales, el poeta de "Abril", anotó alguna vez: "Su obra es un misterio" Si, la resultante quizá
de dos grandes funciones: escribir y pintar.
Rojas Herazo vivió en España muchos años. Puede pintar con el sello de su genio un "Guernica"
colombiano. Cuántas veces en los museos se quedó largas horas viendo el detalle que identifica las
creaciones picassianas. Su óleo y acrílico sobre lienzo, "Hombre tocando tambor", de 1993, enseña la
tranquila belleza de una obra maestra. La conciliación, en los terrenos de la originalidad, de varias
corrientes artísticas. La última nota de un pintor exigen-te, que no da nunca brochazos de ciego, sino que
sabe por donde va y, castiga si es necesario, con cada golpe futurista al brochazo anterior.
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4.- LA ABSTRACCION LIRICA DE OLGA DE BOTERO
-IA partir de la década de los sesenta, Olga de Botero inicia su participación en exposiciones individuales y
colectivas. Su trabajo a la postre registra un severo nivel académico, que pasa por los talleres de pintura
de David Manzur, la Universidad Nacional, el maestro Luis Paz, el profesor Marcos Irizary, en fin las
técnicas de S.W. Hayter, el profesor Juan Valladares y Héctor Saunier en su taller de París.
Pero, no obstante todo este recorrido de indagación y estudio, de activa presencia en el mundo del arte y
frente a los públicos más diversos, los últimos trabajos de Olga, los presentados en la actual exposición
de la Fundación Santillana, muestran no sólo los alcances de su evolución artística, sino una marcada y
sostenida originalidad. Es una plástica de notable equilibrio, un contrapunto de orden que tranquiliza el
alma. Sus flores, sus bodegones, sus nocturnos, en fin, todas sus abstracciones dentro de un extraño
dramatismo de desolación y de silencios, enseñan estados anímicos sorprendentes, plasmados con total
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dominio de la luz y de los colores, de las formas y de los volúmenes. Nada hay exagerado en estas
obras. Todo allí obedece a una concepción plástica, a un definido concepto estético. La inteligencia de
quien sabe ver, flota sin afanes sobre aquellos planos desolados, dentro de las ambientaciones de
geometrías angustiadas.
Tremenda búsqueda del ser y del espíritu de las cosas. De impacto la belleza de lo que se insinúa, de la
naturaleza cuyo esplendor bullicioso ha pasado, de algo que fue. La fuerza abismal del silencio de los
nocturnos, de las dimensiones de la soledad telúrica, de la desolación de los elementos. En la poética
colombiana no hay nada más hermoso que el soneto "La muerte del agua" de Jorge Rojas. Es la
apoteosis del fin en los cortejos del triunfo musical de las palabras.
La pintura de Olga de Botero, discurre con lenguaje muy propio, los signos de los espatulazos
sincopados. Todo tiene la policro-mía de una fina tristeza, donde nada, ni nadie hace ruido. Todo está allí
expectante, con presencia dramática, pero con sereno y tranquiliza-dor tono. Su mensaje artístico y lúdico
no es absolu-to, pero si revelador para toda sensibilidad. Las criaturas más vitales y amadas, persisten
ocultas en los repliegues de la luz, en el conciliador poema de los matices, en la penumbra de los vitrales,
en el nocturno de los puertos abandonados, en la espiritualidad anhelante de las corolas y de las frutas
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que fueron, pero que conservan el alma. Y esa alma ha quedado allí en la pincelada sobria, donde
ninguna línea ni trazo están de más, donde la lógica aristotélica luce una posición discreta y un marco
cesante. "Es la gracia perdurable y estimulante de los creadores" de que hablara Belisario Betancur la
noche de la apertura de las Abstracciones de Olga de Botero. Su arte es un devoto testimonio de
presencias tristes, pero humanizadas. Un aporte positivo a la plástica y una abstracción, al desgaire, de
las cosas y los ambientes del país que amamos y del entorno que vivimos.
- II -
En la Galería Gartner-Uribe de Santa Fe de Bogotá, 27 nuevos lienzos de Olga de Botero. Toda una
apoteosis de tranquila belleza plástica. La plenitud de una dura y amorosamente trabaja-da obra, donde
la alegre tenacidad y persistencia de una pintora vocacional, orante cotidiano de su quehacer, han
conquistado el pleno dominio y morigeración de la embriaguez de las policromías. El triunfo en el lienzo
de la oculta alma de la vida, de la espiritualidad sosegada y del tranquilo misterio del ser, donde
concurren los recursos de una técnica compleja, pero bien asimi-lada y medida.
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La fantasía bajo la batuta del pincel magistral y un amplio ingrediente de lógica, de paz y de seguridad
interiores de la artista. Todo ello, permite el advenimiento y presencia en el lienzo de una sana
arquitectura escolástica, para el sereno encantamiento de los entornos. Y hemos podido constatar en
estas pinturas, el avance sorprendente del imperio de lo inusitado e imprevisible, del lirismo intelectual y
de la intuición. Todo esto, con capacidad de inmediata recepción por parte de un público notable y,
ansioso de algo que lo desate del hosco rimero de la cotidianidad y lo sitúe en otras esferas y en otros
climas.
Allí, en los 27 nuevos mundos de Olga de Botero, la generación manifiesta de sentimientos de placer
estético, sin baches angus-tiosos, ni dubitaciones amargas. Autenticidad de designios y trazos, de líneas
y colores, de planos y profundidades, de composición certera y de originalidad descomplicada. Una obra
que no oculta los caminos de una laboriosidad sostenida y de eficien-cia en la operatividad de la
ejecución, cuando la teoría se ha consustanciado con el pincel y con la sensibilidad de la artista, para el
logro de valores de creación genuina, con reales proyec-ciones en el tiempo y en el espacio.
Una palabra mínima para cada lienzo: Astro: brillo y fondo de lúcida espiritualidad.
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Girasol: todos los posibles hechizos en el entorno y parábola de los heliotropos.
Cebollas: fecunda presencia de luces y sombras, de sutiles tonalidades.
Espejo astral, Otoño, Flor espacial, Abstracción, Bodegón negro con dorado, Bodegón: en todos ellos el
embrujo maravi-lloso y misterioso que logra sólo la tranquila magia idónea y el mensaje del arte.
Flores astros: Amable calidoscopio y lección muy concreta de abstracciones.
Paisaje lunar: la apoteosis de una rara policromía y exégesis de los silencios. Bodegón Paisaje: un lienzo
capaz de iluminar y engrandecer el más esquivo ambiente.
Barca, Marina, Barcas: nos sugieren estas pinturas, un mar amable para partir o naufragar, ebrios y
gozosos.
Azul para una copa: convocatoria de los cromos para la creación artística.
Copas: hechizos de ricos matices para la contempla-ción sin término de tiempo.
Inte-rior: cuadro que logra una inmensa paz del espíritu.
Bodegón y pájaros: allí, el alma pura y la ansiedad de las figuras biomórficas.
Flor: Un amable golpe de idealidad sin fronte-ras.
Rojos para una flor: una apacible y sabia carga cromáti-ca prealumbramientos.
Astro-flor: en un tranquilo fondo de secuencias de la vía láctea, una grandiosa textura de acantilados
metafísicos.
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Geometría de flor: allí, toda la abisal e iluminada figuración de una corola pascaliana.
Mi paisaje: suaves tonalidades que sosiegan el alma del artista y de los paseantes.
Sin título, Cristales, Naturaleza muerta: en estas plenas pinceladas abstractas sobre planos rituales,
tremenda acometida de suscitaciones y aproximación al alma siempreviva de las cosas.
Las Abstracciones II de Olga de Botero, con un profesionalismo de varios lustros, constituyen el claro
testimonio del dominio de un arte, donde los colores alcanzan evidentes niveles de misticismo cromático
y honda connotación simbólica. Nada de improvisaciones, de rutas del menor esfuerzo, de experiencias
sin método, de ensayos por si acaso. No. Las abstracciones que encontramos en este año de 1995, se
detienen sin vacilaciones, dentro de severas líneas cosmogónicas y claros cotos de identificación. Son el
fruto de un esfuerzo estético con solidez de ejecución y evidente carácter perentorio.
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5.- MANZUR Y SUS "SAN JORGES"
El maestro David Manzur en las artes plásticas, es una de las glorias más tranquilas y firmes del país.
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Como todo artista que se respete es un tenaz trabajador en su oficio, exigente con su propia obra, con su
diaria faena. Sin dejar nunca de admirar y valorar a sus contemporáneos, su empeño cotidiano casi
angustio-so, es la perfección y calidad de sus realizaciones, dentro de los canones de su personal
estética y los postulados universales del arte.
El bien afianzado prestigio del artista y la solidez de su obra dentro de la plástica nacional y del arte en
general, nunca ha sido el fruto de campañas periodísticas y costosas promociones o el trabajo de críticos
empeñados en imponer nombres de artistas que les deberán ser incondicionales. No. Es el poder de la
calidad y la maestría de una profesión ejercida con afán de conoci-miento como los maestros
renacentistas y un tenaz y denodado empeño de creador.
La obra de Manzur es vigorosa y cargada de suscitaciones intelec-tuales y poéticas. Así, la serie de las
trece obras interpretati-vas de la leyenda de San Jorge y el Dragón que conforman con serena
esplendidez el Calendario Propal 1995.
Un poco de historia al respecto nos hace el Ingeniero Jaime Gómez Figari, Presidente de Propal S.A. en
el texto de su intervención
en la rueda de prensa el día del lanzamiento del Calendario 1995:
"Es la tercera oportunidad que propal y Manzur se juntan en su tradicional Calendario. En 1971, en 1986
y este año de 1994, con trece obras de singular belleza y perfección, que hemos denomina-do David, San
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Jorge y El Dragón.
"En estas tres décadas el Calendario Propal ha sido testigo de la evolución artística del maestro Manzur.
Pasa de su período; abstracto a la figuración, busca la temática de la historia del arte y se perfila como el
más extraordinario dibujante de Colom-bia por el impactante realismo en sus dibujos y pinturas.
El resultado de su trabajo diario,constante, innovador, le ha permitido adquirir un estilo propio que lo
ubica dentro de los grandes de la plástica de América.
Según lo expresa el crítico de arte José Gómez Sicre, "David Manzur produce un arte reminiscente,
evocativo, que funde lo mejor de los flamencos preciosistas,especialmente los autores de bodegones del
siglo XVI y XVII. con los primeros renacentistas italianos, Leonardo,o antecesores como Ucello, David
muestra su capacidad para asimilar, para comprender la integridad de las formas, como total y como
detalle. Caballos y Laúdes, frutas y vasijas, reciben igual tratamiento que el de una figura reposada al
modo de la Mona Lisa."
"El Calendario Propal 1995 ha sido impreso litográficamente en 15 pliegos tamaño 69 x 69
centímetros,sobre papel Propalcote Esmal-tado, Acabado Mate de 240 gramos/m2, a 6 tintas,por la
empresa Eticar S.A.,División de Carvajal. El diseño fue ejecutado por la agencia publicitaria McCann
Erickson Corporation. La selección y colores por Reproscanner. Los textos escritos por el crítico Eduardo
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Serrano."
Sin lugar a dudas una de las obras de pintores colombianos de la cual se han ocupado con profundidad
verdaderos maestros de la crítica en las artes plásticas, es la obra de Manzur. Su presen-cia en
exposiciones nacionales e internacionales, ha sido de especial resonancia, en muchas de ellas con
premios y menciones, ejemplo, en el XIII Salón Anual de Artistas Colombianos 1961 con su obra
"Composición para una flor" y en el Salón Anual de Artistas Colombianos en 1966, Premio con su obra
"La luna de Valentina"; salones de arte éstos, donde Marta Traba tenía poderes absolutos.
Pero, recordemos aquí una buena semblanza sobre la personalidad del maestro Manzur, realizada por
Ovidio Rincón en la obra "Antología del Arte en el Viejo Caldas", dice:
"David Manzur. Nacido en Neira, inició su carrera en 1953 con una muestra corta en tiempo y obras. En
1954 realiza una exposición en la Biblioteca Nacional de Bogotá; viaja luego a los Estado Unidos, en
donde permanece algún tiempo, estudiando y revisando su obra. Al regresar presenta su primera gran
exposición con ensayos de color libre sobre formas apretadas. Desde entonces ocupa una posición
especial en el panorama artístico del país, es sujeto de críticas, elogiosas en su mayoría, y algunas
ácidas demostraciones de resentimiento. Manzur es uno de los pintores con mejor mercado, más
continuidad estética y más difusión internacional. Numerosas obras de su creación se encuentran tanto
en centros culturales, oficiales y privados del país, como en las siguientes colecciones extranjeras entre
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otras: Unión Panamerica-na, Banco Interamericano, Librería del Congreso de Washington, Museo de la
Universidad de Oklahoma. Con pleno dominio de los elementos artísticos tradicionales, la imaginación de
Manzur se mueve en la búsqueda de nuevos efectos, mediante series especia-les en que cuenta formas
y colores de la madera en mandolinas, mezclas de bodegones y algunas características que tienen que
ver con estados psíquicos. Cuentan entre las últimas la presencia de moscas en la superficie de las
cosas, rostros, manos, objetos diversos.
Una de las últimas series de Manzur, las que tienen como base la figura de San Jorge y su batalla con el
dragón, han sido califi-cadas como realizadas en Neira, ciudad de su infancia, sobre la que el artista
magnífico ha colocado sus buenos recuerdos."
Propal y sus asesores artísticos, hacen una magnífica presenta-ción de la temática del Calendario:
"Cuenta una leyenda del siglo IV que San Jorge enfrentó y derrotó a un dragón para salvar a una
princesa. Y este es el episodio que parece perseguir al maestro en la memoria de una representación
teatral del hecho vista en la infancia. "Es como un sueño -afirma el artista- que trato de precisar cada vez.
Como si quisiera descubrir donde, cómo o cuándo pasó."
Y en ese intento Manzur tiene un escenario permanente: su pueblo natal, Neira. Un pueblo idealizado,
con sus casas de arquitectura cafetera, perfectamente trazadas. Unos personajes, San Jorge, la doncella,
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el dragón y algunos cuadros el propio artista que llega mientras Obregón, desde una ventana, observa la
contienda.Elemen-tos que individualmente están trazados en forma totalmente realista pero que en
conjunto son una visión onírica, una parti-tura en la que cada personaje, cada trazo, cada claro oscuro se
concatenan para crear esta narrativa msuya, tan particular...
"Para dar una visión del maestro en cuanto a su evolución plásti-ca, retomamos algunos apartes de los
textos que el crítico Eduardo Serrano realizó para el Calendario:
Puede decirse que en su primeros años, Manzur incursionó en la estética de la vanguardia, puesto que
sus inicios pictóricos están signados por la actitud experimental propia de los movi-mientos modernos...
Posteriormente se harían reconocibles razona-mientos expresionistas y cubistas, y más adelante se haría
plenamente manifiesta la atracción irresistible que le produjo el expresionis-mo abstracto, con sus infinitas
posibilidades de elocuencia gestual, de ensayos cromáticos y, sobre todo, de deleite en la consecución
de ricas y sugerentes texturas...
"Pero, sería después de conocer y establecer una amistad con Naum Gabo, uno de los padres del
constructivismo, cuando el artista, cargado de enseñanzas, decide dar un viraje de ciento ochenta grados
y regresar a la figuración, convencido de que en el arte de representar y en el dibujo orgánico se
encuentra, no solo una manera de expresión cuyas facultades para conmover y emocionar son
atemporales e infinitas, sino la mejor forma para su innata capacidad de representación, para su
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personalidad culta y sensi-ble, para la visualización de sus inquietudes y percepciones."
Pero, detengámonos en los "San Jorge" del Calendario. Al respec-to, el maestro Serrano, anota: "Estas
obras de Manzur, celebran la infinidad de posibilidades diagramáticas, que le ofrece al artista el
descubrimiento renacentista, y presentan un exquisito modelado en claroscuro, un certero sentido de las
proporciones y la admirable precisión de su dibujo, que dan a la figura gran verosimilitud."
Las trece páginas del Calendario, incluyendo la portada, contienen: "El canto de las doncellas" San Jorge
dialoga con dos damas de distinta época.
"San Jorge, el Dragón y la Doncella" En este cuadro, San Jorge ataca con su espada al dragón, pero el
caballo aterroriza-do, se niega a avanzar. Una dama con atuendo de los años veinte, sin preocuparse por
la escena, toca el alud.
"El Juego" Aquí, el dragón ha tomado una rígida apariencia humana.
"El Canto del Jinete" El dragón huye ante la presencia de S. Jorge.
"San Jorge en las afueras de Neira" Envuelve la escena un atmósfera silenciosa y premonitoria. Sobre las
colinas, casa típicas de Neira de los años veinte. En el primer plano, el dragón ha logrado quebrar la
lanza de San Jorge.
"San Jorge vestido de azul" El dragón aparece atravesado por la lanza de San Jorge. En el fondo
ambiguo una figura femenina.
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"Obregón en la plaza de Neira" Como quienes miran una obra de teatro, Obregón y Manzur, miran desde
sus ventanas el desarro-llo de los acontecimientos, que parecen favorecer al Santo.
"Un Canto a mi Pueblo" San Jorge domina sobre el dragón. Una figura femenina se aferra al laúd,
mientras las casas de arquitec-tura colonizadora parecen retroceder y perderse en el horizonte.
"San Jorge, el Dragón y yo" Desde el portal de una casa en su pueblo, el artista observa impasible la
lucha, aquí desfa-vorable al caballo y su jinete.
"San Jorge y los monstruos" El dragón ha conseguido ayuda. Son dos los monstruos que amenazan a
San Jorge que, luciendo su atuendo color lila, parece reanimar al paisaje.
"La Batalla" Frente a un paisaje iluminado por los últimos rayos vesperales, el dragón aparece reforzado
con un caballo oscuro.
"La Doncella en traje amarillo" San Jorge hace un gesto vehemente. La dama semidesnuda se protege
con un paraguas cuya sombra impide visualizar la ausencia de su rostro.
"El Caballero y el Dragón" Impredecible de quien será la victoria final. El caballero tomado por sorpresa
cae estrepi-tosamente del caballo que abre ferozmente sus fauces.
En conclusión y siguiendo las opiniones y pautas del maestro Serrano, encontramos en estas obras,
paralelo con los "capriccios" del siglo XVIII, "aunque el principal punto de interés no está en el horizonte,
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sino en el primer plano". Una remembranza clara de los caballeros del arte gótico y renacentista italiano,
desde "Guido-riccio de Flogiano", de Simone Martini, hasta los bravos jinetes de "La Batalla de San
Romano" de Uccello, aunque en Manzur "no se trata de retratos, sino de misteriosos personajes sin rostro
y a veces sin cabeza".
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6.- MANUEL HERNANDEZ Y SUS SIGNOS FLOTANTES
Es apasionante encontrarnos en una exposición de pintura, donde nada obedece a los preceptos clásicos
del arte. Donde todo es una conjura abierta y sin vacilaciones contra los patrones estéticos más usuales y
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elementales de la pintura de Occidente.
En realidad el artista no está en contra de nada, sino que lo desconoce todo en un muy reflexivo gesto
cartesiano del primer día de la creación. Los cuerpos flotan en la infinitud de los espacios. Sus formas y
posiciones obedecen leyes gravitacionales de acuerdo con sus volúmenes; y cada forma tiene un color
carac-terístico, según los imperativos de la estética de Hernández.
El artista bogotano pinta a espaldas del mundo que vemos. Su cotidianidad plástica está en otras
dimensiones y en otros espacios del universo.Sus signos cuantifican y cualifican un mundo nuevo. Su
analista venezolano, el crítico Roberto Guevara, anota; "Hernández está centrado en ese proceso que es
a la vez revelación y rescate, conocimiento y presencia de lo desconoci-do."
En relación con las técnicas y últimos virajes de la pintura de Manuel Hernández, su más cercano crítico,
Eduardo Serrano, hace las siguientes acotaciones: "La exposición que se presenta en 1993, Taller y
Signos es, entonces, la tercera de la obra de Manuel Hernández en el Museo de Arte Moderno, y en esta
ocasión ocupa todo el espacio, los cuatro pisos de la sede. La muestra está constituida por una pequeña
introducción ilustrativa de sus períodos anteriores, pero se concentra en pinturas y dibujos ejecutados a
partir de su segunda exposición en el MAM, y en "ejercicios", o trabajos rápidos, de taller, realizados a lo
largo de toda su carrera, los cuales no se habían mostrado previamente.
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En cuanto a las pinturas, el acrílico es ahora colocado sobre el lienzo de manera más gestual, más
expresiva, lo que hace que sus formas adquieran una consistencia aún más ligera y vaporosa y que sus
ámbitos se tornen aún más atmosféricos. En ocasiones les añade carboncillo reforzando dicha
gestualidad y enriqueciendo las superficies con sutiles grafismos. Y en ocasiones las formas aparecen
entre una especie de bruma que las oculta parcialmente, reiterando la misteriosa inmensidad de sus
espacios, la profundi-dad pictórica que asumen, puesto que, como se ha visto, no por ser abstracto su
trabajo se conforma con las consideraciones propias de la bidimensionalidad.
Sus últimas pinturas proyectan, además, una gravedad o una solemni-dad desconocida y relacionada de
manera directa con la sobriedad de sus colores. Puede decirse que sus trabajos han continuado el rumbo
hacia la austeridad cromática que ya se había hecho percep-tible en su segunda exposición del MAM,
hasta tornarse monocromá-ticos y hasta desembocar en el negro, como si esa profundidad infinita de sus
fondos hubiera absorbido todos los rayos lumino-sos, dejando sólo aquí y allá algunos vestigios de sus
efectos.
Sus últimas pinturas son realmente impactantes, obras de gran aliento que proyectan toda la sabiduría
acumulada durante treinta años de meditar y experimentar sobre ideas con una raíz común. Han sido
treinta años de profundizar con cada obra en las impli-caciones de las anteriores, hasta alcanzar esa
sabiduría que hoy le permite, mediante el hecho aparentemente simple de añadir un color o una línea, o
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de cambiar las proporciones y posiciones de sus signos, crear una entidad renovadora que compendia
sus experiencias, conocimientos y filosofía.
Ahora bien, el desarrollo de la pintura de Manuel Hernández no ha sido tan lineal como puede inferirse
por sentido cronológico de estas palabras. En realidad el artista combina, hoy como ayer, todos los
aspectos que ha recorrido su trabajo, sintiéndose perfectamente libre para reiniciar, por ejemplo, el
empleo de bandas como en sus primeras obras, o para reducir la ambigüedad de los bordes de las
formas, o para incluir varios colores en una sola pintura. Es decir, en su tercera exposición en el MAM, se
hace patente que Manuel Hernández se considera autónomo para ir, venir y devolverse dentro de sus
propias definiciones, consciente como es de que su obra no "progresa": de que su trabajo penetra,
sintetiza y extiende en forma permanente y en todas direcciones, sus alcances."
7.- PEDRO MOLINA, PROFUNDIDAD EN LOS MITOS
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El maestro argentino, Pedro Molina, exhibió sus cuadros en la Galería Carrión Vivar de Santafé de
Bogotá. Es un artista y trabajador tenaz de la plástica moderna, con muy seria y vigorosa formación
académica, pero urgido por su genio cargado de origina-lidades e inmersión a profundidad en la
simbología y misterios de la cultura aborigen. De la gran cultura precolombina, de la estirpe inca, azteca,
maya, chibcha, muisca etc, su religión, mitos, leyendas y tradiciones, su original sentido del arte, sus
formas de conocimiento, su concepción del dolor, de la amistad vecinal, de los júbilos del placer y de la
dicha de vivir y de luchar.
Esto que aquí afirmamos, consecuente desde luego con el análisis de Alberto Perrone, uno de los más
autorizados críticos de arte contemporáneo, conocedor juicioso de la extensa obra del maestro Molina,
quién anota lo siguiente: "Contemplar el color en las pinturas de Pedro Molina, haberme detenido a
saborear la sutil oscuridad de sus grabados y recorrer las líneas de sus dibujos siempre significó para mí
asistir, inesperadamente, al tiempo musical de alguna remota región de la más antigua raíz de sueños de
los latinoamericanos....El imaginario de los ángeles
arcabuceros atesorados en iglesias y museos, tanto como esas privilegiadas instantáneas de culturas
prehispánicas que exhiben en dispares lejanías la vida cotidiana y la fiebre de las fiestas transculturadas,
vuelven de la mano de Pedro Molina para sobrevo-lar desde sus colores, climas, utensilios, ambientes,
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anécdotas. Así se instala ante la mirada de una ciudad sumergida en la titilante displicencia electrónica,
que postula iluminarlo todo, porque, me parece, no se refiere a nadie. Vuelve el hombre, su instrumento,
su hábitat y el animal, con su valor de pasado; vuelven las ceremonias inexplicadas en su tesón y
también vuelve un sutil intento de encontrarse, de otro modo. Quizá éste sea apenas uno de los
asombros que produce deambular ante una produc-ción pictórica que remite a cielos populares e
infiernos íntimos, renaciendo como posibilidades de un paisaje mítico que aún desvela, no sólo a los
herederos desbandados de los antiguos señores de América."
Pero, Molina posee una formación artística ecléctica y universal, académica por el dominio absoluto de
los volúmenes, las sime-trías, los colores, la suspensión de las formas, los golpes visuales de impacto,
las torsiones imprevistas de las pinceladas con personalidad, en fin,la concepción bidimensional de un
mundo.
Esto explica la presencia reminiscente, de ángulo en ángulo, en sus pinceladas más espontáneas de bien
interpretados rasgos sutiles y próximos a maestros como Picasso, Siqueiros, Guayasamin y por qué no
de las vibraciones e intensidades de los surrealis-tas de todos los tiempos.
Sin embargo, es evidente la posición de Molina como pintor- intérprete del alma genuina y original del
pueblo primicial de esta, hoy, América hispana. En este campo su trabajo involucra altas dosis de
reflexión, de extraña lírica, de intelectualidad y
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hasta de contestatarias posiciones ideológicas. Grandes etapas se estratifican en la laboriosa y fecunda
vida artística del maestro Molina. La década del cuarenta, el gran dibujante juvenil, el niño de Pinchas,
que dibujaba en la arena grandiosas imaginerías y esbozaba con gracia perdurable el perfil de los
fabricantes de ponchos, las vendedoras de collares en la estación de trenes, los burritos aguateros
arrastrando barriles, las carreras cuadreras, la riña de gallos, las comadres y compadres dicharacheros,
los frutos de las cosechas agrícolas y los temas navideños. Llega la década de los cincuenta, un pintor
con obras revolucionarias, gran capacidad de asimilación y de captación apasionada de las temáticas
vitales y hondas del pasado pampero; la década de los sesenta y setenta, la plenitud plástica, egresado
de la Universi-dad Nacional de Tucumán y de la Academia de San Fernando en Madrid. Década de los
Ochenta y avance de los Noventa, el maestro pintor, creador e incansable, con exposiciones en España
por Madrid, Barcelona, Valencia, Islas Baleares, Vigo, y en la sala Mayo Cultural de París, en Damasco
(Siria) en la Paz y otras ciudades de Bolivia, en la Galería Van der Vort de San Francisco, EEUU, en
varios centros de alta cultura de Chile y, en Buenos Aires, en las galerías Witcomb, Sala Bustillos del
Banco de la
Nación, la Galería Grousac y en el Hotel Bahuen; en México exposiciones en Acapulco, Puebla y Distrito
Federal, nuevamente en París en la Ciudad Universitaria, en la Casa de Cultura Puerta de Toledo en
Madrid y, desde luego, en Colombia Galería Carrión
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Vivar de Santafé de Bogotá 1994, con un buen nombre "Mito- América, Dibujos - Graba-dos."
En la obra de este maestro austral se descubre siempre la tremen-da búsqueda de nuestra identidad. El
alma compleja y única de la nación aborigen. Su genio magnífico y distinto al genio de Occidente. Su
clamoreo ante el infinito, su manera de ver y de sentir el mundo, su angustia metafísica, sus relaciones
con la naturaleza, con el agua, con los animales, con los árboles. Su cultura del color violento, su
presencia de piedra en el roquedal andino, la grandiosidad mitificada y revelada de la memoria y del
alma, por ejemplo, de quienes hicieron los prodigios de la cultura y monumentos aztecas y mayas, el
milagro de los templos y palacios de Machu Pichu, la estatuaria de San Agustín en Colom-bia, en fin, el
espíritu de la magnificencia pétrea como recuerdo y homenaje a toda una epopeya del pasado, antes del
descubridor y del conquista-dor ibéricos.
Hay una página autobiográfica del maestro de La Rioja, publicada en buena hora por la Revista
"Integración Cultural" de su ciudad natal y profusamente ilustrada con dibujos del mismo autor y pintor,
Molina, que recuerda con vigorosa memoria plástica inolvidables y marcadora horas y días de la niñez.
Para interpretar su arte, su vocación y su periplo vital, esta página es necesaria. Leamos: "De mi niñez
en Aimogasta recuerdo el terrible día del terremoto que destruyó San Juan, el paso de un gigante ovni ala delta- en noche de luna llena y algunos duelos criollos. Me afectaron para siempre el temor a la "mula
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ánima", el Mikilo que rasguña tanto a borrachos como a castigado-res de mujeres.
Pero marcado a fuego -de la creación?- quedaron en mi memoria aquellos cantores de acaballo, que a un
mes antes del Carnaval, templaban sus tambores en gonones de atardecer; estos provenían del barrio
estación, lego Arauco, San Antonio, Machigasta y Talacán continuaban en interminable lamento.
Pasaban a la siesta con ramos de albahaca en el bozal, en el aro del tambor y en la oreja del cantor y la
china enancada, algunos deambulaban con la noche azul prusia y verde oliva a sus espal-das, y
aparecían al amanecer envueltos en el humo de los cohetes en la amplia galería de nuestra casa; el
susto de los niños se justifica-ba pero no la imagen magnificada de bocas y ojos brillantes que vistos
desde una perspectiva especial, se magnifi-caban los testículos de las bestias de las bestias.
En Semana Santa acompañaba a mi padre al Señor de la Peña, llevaba alimentos y bebidas para ofrecer
a los peregrinos, nos protegía del sol una gran carpa de lona desteñida; afuera rielaba la luna en el
barreal y por fin ocurría el milagro de ver en letras fosforescentes la palabra DILUVIO en una cara de la
roca, ante la monótona insistencia de un bombo y un violín.
El sábado a la madrugada cuando levantábamos tienda, las luces malas bailoteaban enloquecidas por
esos campos de Dios."
Un gran pintor sabio y conocedor de nuestro hombre primitivo y su
entorno; un artista comprensivo y atento por los campos de esta América india, que ahonda en los
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secretos del alma enteriza de la personalidad indígena y abre las puertas de un mundo aparentemen-te
sepultado, pero que está allí, protestando y quizá guerreando encarnado y hecho hombre en los
marginados y ofendidos del inmenso pueblo, quizá maltratado y disperso por las llanuras cálidas y
altiplanicies ateridas de nuestra América.
Notable embajador del arte y la cultura de su pueblo argentino, este pintor humanista, Pedro Molina,
embajador de una plástica transida y testimonial que nos llega muy hondo dentro de nuestras apetencias
culturales. Consagrado por la crítica, por conceptos autorizados como los emitidos en años anteriores por
escritores y ensayistas como Raúl González Tuñón el notable autor del "Violín del diablo", como Enrique
Azcoaga, Alberto Baliari, Ariel Ferra-ro, Hugo Alarcón, Jorge Vehils, Daniel Moyano, Juan Carlos Martini
Real y, desde luego, el reconocido analista de arte Alberto Mario Perrone.
Buena labor la de los gobiernos amigos, cuando hacen posible la interacción artística y cultural, el
intercambio para conocimien-to mutuo de muestras de arte, de libros, de tecnologías, de intelec-tuales y
artistas, todo así, sin duda útil y provechoso para la elevación del nivel intelectivo, el arte y
las letras de los países con patrones culturales semejantes, máxime en estos tiempos de la apertura y de
una necesaria y eficaz política de integración americana y de los perdurables valores hemisféricos.
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8.- 400 PERSONAJES EN LA PLUMA DE RENDON
La Universidad Central, sus directivos, tienen un buen olfato para las obras editoriales que han de
entregar al público. Contenido realmente importante. Libros que enriquecen y se guardan con cariño en
las bibliotecas, por su rigor actual y notable espíritu de colombianidad. Y un excelente buen gusto en la
presentación, calidad y finura física del libro. Es el caso de este gran volumen con pasta dura, títulos
dorados, papel máximo, 426 páginas, como alguna vez lo pudo soñar el maestro Ricardo Rendón, el más
grande de nuestros caricaturistas, que escribió una parte cenital de la historia nacional a base de geniales
perfiles humanos.
Y algo realmente importante, cada retrato o caricatura de un gran personaje inmortalizado por Rendón,
lleva al pie una bien elabo-rada síntesis biográfica.
Jorge Enrique Molina Mariño, rector de la U. Central, en una elocuente página hace la presentación de la
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obra y, entre otros conceptos, expresa lo siguiente: "Ahora cuando la historia de Colombia ha
desaparecido como por encanto de los programas de enseñanza pública, cuando las nuevas
generaciones desconocen por completo la génesis de la formación de la nación colombiana y no saben
de la cultura de sus antepasados porque no les han inculca-do el amor a lo propio, a lo nuestro; e ignoran
las épocas que conforman el itinerario de nuestra nación y no conocen los varones ilustres cuyas vidas
han escrito los anales patrios, es necesario facilitarles los medios para que empiecen a conocer su
pasado, valoren el presente y tengan un esperanzado porvenir."
Finalmente, merece especial mención el antioqueño Jairo Tobón Villegas, que sabe responder por una
larga investigación, la compilación gráfica y los muy bien trabajados e integrales bocetos biográficos.
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9.- UN ESPLENDIDO LIBRO. LA OBRA DE DARIO MORALES
A medida que es conocida y estudiada la obra del pintor cartage-nero Darío Morales, muerto en París en
I988 a los 44 años de edad, esta faena artística va creciendo en el mundo oficial del arte y ocupando el
sitial público que desde hace buen rato le corresponde en razón de sus calidades profundas y de la
vigorosa personalidad del artista.
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En este momento una contribución efectiva al hecho aludido, lo constituye el esplendido libro de "El Sello
Editorial" empresa colombiana, sobre Darío Morales y su obra con textos magistrales del muy autorizado
crítico de arte Eduardo Serrano, de Fabio Giraldo Isaza, de John Stringer y de los editores, una de cuyas
elocuentes parrafadas en la parte introductoria del volumen, expresa lo siguiente: "Darío Morales
comunica con su arte un cúmulo de sensaciones y posturas existenciales que por su contem-poraneidad
y sinceridad son buscadas y recibidas con placer y hasta agradeci-miento por los más diversos
espectadores. En este libro se podrán corroborar todas las afirmaciones anteriores y obtener por primera
vez, el panorama general de su pintura y el plan que, casi de forma inconsciente, se había trazado para
entregar uno de los más cuidadosos y enérgicos proyectos pictó-ricos del arte de la segunda mitad de
este siglo."
Darío Morales, todos lo sabemos, no es un pintor improvisado, ni su trabajo producto de pesquisas
impacientes de un autodidacta. Desde muy joven lo encontramos como estudiante en escuelas de Bellas
Artes de Cartagena y Bogotá. Logra una seria formación
académica, que no limita sino que presta fuerza muy positiva a su
sensibilidad y a sus originales concepciones. Lo más admirable en él, es el ajuste y armonía entre su
fuerza creadora y su maciza formación escolástica a lo largo y ancho de su relativamente corta
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existencia. Con maestros como Ignacio Gómez Jaramillo, Carlos Granada, Arcadio González, Hena
Rodríguez y Umberto Giangrandi. Además, influencias pasajeras o absolutas de nombres consagrados
como Enrique Grau y Alejandro Obregón. Tremendo e innegable el ascendiente quizá pasajero, durante
activos y receptivos años de su vida y procedentes del Picasso de los desnudos y del inglés Francis
Bacon.
La obra pictórica de Darío Morales, sus desnudos y sus bodegones; y sus autorretratos y dibujos de la
década de los ochenta y sus trabajos escultóricos, tienen una sostenida fuerza de encanta-miento.
Detienen la mente del espectador los trabajos de los últimos años, porque invitan sin esfuerzo a la
meditación y consideraciones profundas. Prevalece en toda la obra una acari-ciante y delicada ternura.
La nostalgia cotidiana de los seres y las cosas amadas. La poesía de lo elemental e intimista, de lo
erótico, de las formas y presencias tranquilas y naturalmente sensuales. La ambientación y entorno de
esos maravillosos desnu-dos, por todas partes con tremenda capacidad suscitadora y evocativa,
refuerzan ante el espectador la dominante maestría del pintor y las calidades innatas y adquiridas del
artista pincel en mano, frente al lienzo, fronterizo con la energía latente de la modelo, de las vivencias
recordadas, de las rememoraciones pertinaces, de los grandes afectos: Ana María, Estefanía y Clara
Serena y de las amistades fecundas, su coetáneo Hernando del Villar, por ejemplo.
Desde el Bodegón de 1960, obra quinceañera del pintor, hasta sus elaboradas esculturas de los últimos
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años, prevalece en ellas cierto aire de ajuste y serena resignación, el sentido de la perfección y de la obra
acabada, la sostenida energía creadora como si la vida fuera a acabar mañana. El pintor parecía
delei-tarse en la dicha o angustia de vivir, enfrentando todas las expresiones vitales a cualquiera
manifestación de derrotismo o de
muerte. Con ansias de supervivencia, el artista cada día con el fulgor de su energía creadora, asumía el
reto de todo pronóstico o anuncio contrario a la plenitud de la vida. Su obra y en ella, particularmente la
magistral y delicada sensualidad de sus desnudos, define un triunfo total sobre la muerte y destrucción
vital. Tal era su filosofía estética y sus convicciones de artista. Hondura y carga de una transida poesía
existencial. Seguro el legado superior y subcutáneo del tío-abuelo Luis Carlos López, el amador y cantor
de los zapatos viejos. Pero, leamos algo del testamento estético de Darío Morales: "El hombre que se
siente bien ama la vida, se protege, trata de olvidar la muerte. Ama la mujer y las cosas bellas. Por eso
mientras la vida me ame, yo la amaré y la expresaré con amor. La sexualidad es lo contra-rio de la
muerte... Ese momento de sexualidad es un momento sublime de la vida y es el único que le hace
contrapeso a la muerte... Todo pintor cuando hace una obra, está haciendo su retrato, el retrato de su
alma... Me interesan más las sugeren-cias de la forma que la forma misma... Mis pintores preferidos son
aquellos en quienes veo confundidos su vida y su
obra, tan estrechamente ligadas que hacen una sola cosa, como en el caso de Vermeer, Rembrandt,
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Rubens o Degas...
El primer día que hago lo que se me ocurre, es para mí el momento grandioso... El momento capital es el
primer día de la obra..."
Concluyo. Estamos de fiesta por el hermoso y oportuno libro de El
SELLO Editorial. Por la recordación y análisis de la obra pictó-rica de Darío Morales, uno de los artistas
colombianos más completos. Que supo dejar en la plástica para la posteridad un rotundo testimonio de
vida, de fe en la vida y en el trabajo creador del arte, hasta la muerte allá muy cerca de su querido taller y
de los rumores lejanos del Sena. Quizás, alguna vez, Darío Morales, el artista, pudo tener el pálpito de
César Valle-jo, el poeta: "Me moriré en París con aguacero."
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10.- EL HECHIZO DE LOS MATICES ATEMPERADOS
Exposición en la Galería Belarca de Santafé de Bogotá. Grabados de Marta Pérez Temperley, con el
patrocinio de la Embajada de la República Argentina, que bien sabe de un necesario y oportuno apoyo en
el exterior para promover el conocimiento de sus artis-tas y de sus obras.
Una misteriosa y tranquila fuerza, lejos de todo sofisticado dramatismo, desarrollan como genuino
espectáculo intelectual, las figuras mecanomorfas de los grabados de la artista argentina.
La serena pero vigorosa belleza de estas obras, como primicial impacto; la inquietante poesía que
configura el encuentro armo-nioso de las formas naturales y mecánicas; los ágiles atornilla-dos y
remaches, los juegos de luces y sombras sobre las aristas y bajo relieves de las figuras que alargan
tonalidades sosegadas, matices atemperados, y dejan no solo una clara sensación de perdurabilidad en
el tiempo y en el espacio, sino que evidencian por si solas la imperturbable serenidad espiritual de la
artista, su dominio y maestría en el manejo de los complejos materiales, su decidida posición creativa
frente a una temática predilecta y amada. Predilecta y amada, porque le ha permitido al artífice, dar vida,
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seguridad e ilusión de movimiento a un universo de materiales inertes y de formas fugaces. A un universo
original, providente y opaco, que florece sin ser visto o atinado a nuestra vera, y que solo una sensibilidad
culta y avizora puede darle su voz imperativa de resurrección con sus mismos cuerpos y almas, y de
marcha por el espacio curvo y por la relatividad del tiempo.
Dentro de estas figuras, de sus singulares y novísimas mónadas, fluye la dinámica profética del mundo
mecánico, del entorno cada vez más automatizado, del hombre rodeado por los imperativos de la
computación. Es la nostalgia futura, el esfuerzo final de la inteligencia por mantener la presencia y la
prestancia de un mundo que agoniza o se siente amenazado por la inventiva pragmá-tica pero irracional
del hombre unimedensional.
Estos grabados traducen, desde luego, las calidades y factura de un trabajo previo, minucioso y sabio,
obrando sobre las láminas y las superficies de los metales. Allí está y queda para la poste-ridad la matriz
de maravillosa e inagotable fecundidad, cuya presencia es testimonio de un artificio normatizado por las
universales aristotélicas, que solo la inteligencia humana es capaz de dirigir y culminar, como expresión
imperativa de la sensibilidad de una especie superior, su capacidad poética y el espesor de sus
conocimientos y humanidades.
Marta Pérez Temperley, docente inolvidable de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano
Pueyrredón, sus grabados han obtenido distinciones y reconocimientos. Entre los más notables, en 1990
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Primer Premio en el XXXV Salón Municipal de Artes Plásticas "Manuel Belgrano"; en 1992 Primer Premio
en el LXIX Salón Anual de Santa Fe; en 1993, Gran Premio de Honor en el Salón Nacional de Buenos
Aires; también en 1993, Premio Bienal de Arte Latino-americano y del Caribe; y en este mismo año,
Segundo Premio en la IX Bienal Iberoamericana de Dibujo y Grabado Domecq México.
Sobre sus grabados, escribió Rafael Saquirru, uno de los críticos más autorizados de su país. Expresó,
entre otros, este valioso concepto: "La obra de Marta Pérez Temperley, oscila entre la evocación y la
fascinación que ejercen sobre ella las formas poderosas y austeras del mundo mecánico que aparecen
aquí trans-mutadas a partir de un hálito poético.
Por su parte Nelly Perazzo de la Academia Nacional de Bellas Artes, expresa:
"Con un particular dramatismo surgido del uso de los tonos bajos y de una notable movilidad de la
imagen, los grabados de Marta Pérez Temperley, se imponen a la atención del espectador. Sus chapas
de impecable factura nos informan acerca de la calidad de su oficio y de su profesionalidad sin fisuras.
De su lejana experiencia realizada en Somisa, en San Nicolás, Provincia de Buenos Aires, permanece su
fascinación por lo metálico, por la potencia emergente de las chimeneas, los altos hornos, figuras
humanas operando entre los resplandores y las chispas. Esa fascinación que persistió, aun transformada
en su serie de visiones fragmentarias de los trenes, ahora se despliega en sus guerreros y animales.
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Lo orgánico y lo mecánico, en monstruoso connubio construyen un mundo monumental y amenazante.
Vistos totalmente, sus caballos medievales impresionan por su fuerza y sus nombres -Bernardo de
Montpellier, vencedor de Brumamonte y Galiferno-, extraídos del mundo imaginario de Italo Calvino, con
quien estuvo ya vinculada en la primera de sus valiosas ediciones ilustradas.
Su bestiario recuerda en su delirio, la obsesión mecanomorfa de su admirado Max Ernst en los años
veinte.
Partiendo del natural vuela su fantasía, que queda apresada en sus chapas y sus impresiones con el
acierto inequívoco del artista que conoce a fondo los medios de que dispone."
En la exposición de Belarca, se descubre a golpe de vista todo un proceso espiritual en sus más altas y
felices consecuencias. La virtud terminante de un oficio llevado hasta los mayores logros de solidez y
armonía, de fuerza dentro del limitado mundo cromá-tico del blanco y negro sobre formas y estructuras,
capaces de animar, dentro de una clara economía dramática, un poderoso lenguaje que expresa y
sugiere limpias emociones y las comunica a las retinas de los ojos espirituales y cultos. Allí descubrimos
dentro de estos presupuestos el "Pasaje al cielo", premio en la Bienal Iberoame-ricana. "La caldera",
premio Bienal de Puerto Rico; "Las tres ruedas" premio en el Salón Nacional. Asi mismo, los fuera de
serie "Mamut" y "Camello en la Noche". Y como ejemplo de singular maestría "El Pájaro" y "La Serpiente
Anacon-da".
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Toda una aventura artística, crear contra la realidad, dar vida a lo contradictorio y caótico. Fundir lo
estático con el movimien-to, lo orgánico y vital con las bielas relucientes y las averia-das ruedas
mecánicas, nuevos seres extraños pero perdurables. Conmove-dora belleza, capaz de reconciliarnos
definitivamente con el entorno y con el áspero mundo coetáneo.
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11.- IMAGENES URBANAS DE LUIS ECHEVERRY
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Luis Echeverry no es un pintor trascendental, pero su arte si lo es. El artista no le pone ningún misterio a
su trabajo, pero sus obras están cargadas de enigmas estéticos, de espacios abismales, dentro de
colores violentos, a veces apacibles o sorpresivos. Sus espectros humanos no tienen la claridad
definitoria de las figuras de Rafael, por ejemplo, cuando el hombre no había inven-tado la luz, ni la noche.
Pero, Echeverry que es un pintor de nuestro tiempo, hace del hombre un ser indefinible y solitario frente
al infinito; un fantasma callejero desdibujado por la luz eléctrica y el juego de las sombras; el terror que el
hombre citadino ha inventado dentro de las pautas de su drama urbano, de su grito sin respuesta, de su
pesadumbre en la noche honda y larga como una calle sin nomenclaturas.
En la biografía del joven pintor, no hay postes desvelados y solitarios en su propia noche, agresivamente
erguidos en la vía e iluminados por luces indirectas; ni señalizaciones apenas conso-ladoras, ni esas
callejas húmedas de melancolía y pobladas de sombras que huyen, peatones sin itinerarios, seres en
fuga que vienen o van de mundos atormentados. Nada de eso hay. Pero, el mago pintor todo lo ha visto,
y su retina de artista ha captado y embodegado a tiempo las imágenes, para llevarlas luego a los lienzos.
Un artista con claros antecedentes familiares en la plástica, con evidencias de academismo y cultismo de
buena ley y vocación definida. No es un scholar medio burgués, sino un muy atildado y laborioso artista,
creativo además, que quiere ser original y lo ha logrado. Sus espacios, sus aéreas formas
arquitectónicas, denuncian un universo con densidad de elemento poético e intenso pero medido lirismo.
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Un joven maestro que sabe con exactitud donde estaciona el coche de su espíritu y donde pone su
pincel. Que de manera muy sugestiva y clamante, plasma los dramas calle-jeros del hombre
contemporáneo y su carga de soledad.
Sus "Imagenes Urbanas" son un contrapunto muy actual de la ciudad sin alma; cada muro entre
iluminado y sombrío, cada mancha en descomposición sobre las superficies sordas del pavimento
adolori-do, retratan y denuncian la cosmogonía de una angustia peatonal, anónima y sin fronteras.
Las perspectivas en segundo y tercer plano en los horizontes nocturnos, no son estados de alma, sino
memorias de una sensibi-lidad plena. Un artista nato que, amorosamente, colecciona recuerdos y sabe
evocarlos y fijarlos, como vivencias casi agresivas en su lugar y en su hora. Convocarlos a sus espacios
curvos y rectangulares y, en los corredores del tiempo, humani-zarlos a golpe de colores violentos o
tiernos, para lograr al fin; proyecciones de vida perdurable y mudez tormentosa para el poema existencial
del cuadro.
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12.- LAS AGUAS Y LAS NUBES DE JESUS CARDONA
Jesús Cardona Rincón, un antioqueño de Abejorral, pintor autodidacto. Hombre de muy espontáneas y
nobles calidades humanas.
Cuando pudo a la edad de treinta y cinco años y gracias a un afortunado golpe de suerte, viajó a Europa
a visitar grandes reliquias históricas, museos, galerías de arte y a hombres de letras famosos. España e
Italia, especialmente. En el Museo del Prado se detuvo varios días haciendo bocetos y esquemas a su
manera frente al espectáculo de grandes obras de la pintura. En Madrid visitó a Pio Baroja, quien le
cambió una boina vieja y usada a lo largo muchos años por el gran escritor por otra boina nueva y fina
que le presentó Cardona. Este siempre se mostró orgulloso de esa prenda entregada por Baroja donde
aparecían varias canas del ilustre novelista de la Generación del 98. Esto mismo ocurrió con el maestro
Azorín.
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En Roma, Cardona Rincón, tendido sobre bancas de las capillas Sixtina y de San Pedro, hizo por largas
horas apuntes esquemáticos de los imponentes frescos y pinturas de los grandes maestros renacentistas.
Visitó a Giovanni Papini, visita que el famoso escritor florentino registró en una de sus más famosas
obras sobre la vida de Cristo, pues la visita del latinoamericano de Abejorral coincidió con el momento en
el cual Papini escribía un capítulo relacionado con el nombre de Cristo. La presencia no anunciada con
antelación de un hombre de ojos verdes, vigorosa cara ovalada y rasgos no precisamente europeos,
según Papini, con el nombre de Jesús, impresionó en grado sumo al escritor, el cual también
cambalacheó su boina vieja por una nueva y fina que le presentó con arrolladora simpatía, Jesús
Cardona Rincón el pintor oriundo de Colombia, Suramérica.
La pintura de Cardona es en todo figurativa, paisajista de la naturaleza tropical. Buenos analistas del arte
doméstico, como el antioqueño Jorge Montoya Toro en el Suplemento Literario de "El Colombiano" en
página memorable de la década de los cincuenta, dedicada a la personalidad y a la pintura de Jesús
Cardona, lo presentan como inigualable como pintor de "aguas y cielos", particularmente de las aguas no
contaminadas de los ríos de su tiempo: las aguas bajo el sol veraniego y al amparo de los guaduales de
su lienzo "Rio Verde"; los cielos desolados y enlunados de su "Nocturno de Silva", en fin, todos sus
paisajes trabajados hasta pocos años antes de su muerte en un asilo de ancianos de Abejorral, y
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aquejado, además, del mal de Parkinson; obras suyas al óleo y acuarelas todas cargadas de luz y
transparencias, de amable jocundidad y serenidad espiritual, en poder de antioqueños y quindianos; y
contribución positiva al haber de la cultura regional.
13.- LOS DONCELES DE CHALARCA
El caldense de Manizales, José Chalarca, también es un escritor de muy notable trayectoria, entregado
en los últimos años a la faena del pincel. Sus 24 cuadros en exposición por las galerías bogotanas,
constituyen una bella muestra de colorido alegre y de pinceladas desprevenidas y limpias. "Los donceles
que están y las doncellas que no están" es una muy original temática. Poco trabajada en el ancho mundo
del arte contemporáneo. La preadolescencia, tiene muchos retratistas, pero pocos pintores en los días de
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la desnudez, las incógnitas y las revela-ciones. Esos donceles preocupados y medio atorados en razón
de las doncellas que no están, que alguien no les permite estar, tienen todos una singular significa-ción
para un artista en el campo de la plástica, donde los temas escasean cuando no hay un atento genio
creador y rebuscador.
Los colores primarios, el asunto así manejado por Chalarca, sin visos viciosos, sino con espontaneidad y
casi ingenuidad, dan un alto valor de alegría y elementalidad humana a esos cuadros, adecuadamente
enmarcados, además; que, sin lugar a dudas, pueden lucir muy bien, cualesquiera de ellos, en el cuarto
con buena luz primave-ral de una preadolescente normal y bien educada.
El maestro José Chalarca, que es un incansable trabajador en las cosas del espíritu, puede llegar muy
lejos en este nuevo campo que ha escogido para sus creaciones. Tiene cultura, gran sensibilidad,
muchas capacidades y diligencia sin vacaciones.
14.- LAS COSMOGONIAS DE VANEGAS
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Ramón Vanegas es un joven profesor de estética y un activo trabajador de las artes plásticas.
Su trabajo ha sido presentado en exposiciones individuales en los más diversos lugares. En París,
consulado general de Colombia. Cartagena, galería del Banco Ganadero. Cali, galería de la Cámara de
Comercio. En Armenia y Calarcá, Fomento y Turismo y Casa de la Cultura. En Pereira: Sociedad de
Amigos del Arte y en la galería El Taller. Santafé de Bogotá: Biblioteca Luis Angel Arango, Galería San
Diego, Galería Belarca, Música y Arte y, ahora, en el Centro Colombo Americano, presentación de quince
dibujos, Cosmogonías.
Ramón Fernado Vanegas, ha ingresado a la actividad artística, después de obtener el título de Licenciado
en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano; luego de sus estudios en los Estados Unidos de
Literatura Contemporánea en la Universidad de Pittsburgh, bajo la dirección de Octavio Paz. En YMCA
Community College de Chicago, estudios de Dibujo y Lengua Inglesa; en el Taller de Luis Camnitzer en
Lucca (Italia) Grabado en Metal, Fotograbado y Técnicas de Color. Finalmente, en la Universidad de San
José de Costa Rica, Litografía y Fotolitografía Artística en el Curso dirigido por el profesor Anthony Górny.
La presente Exposición de dibujos, anguilas, constituye la expresión artística de un hombre realmente
culto, un espíritu renacentista por su variedad de conocimientos. Esta observación se desprende de las
diversas alusiones a manifestaciones de la cultura procedentes de los más diversos meridianos, tiempos
y culturas. Todo esto enmarcado o con un fondo de imaginería cosmogónica y astral. A veces, semeja
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que esos laboriosos, delicados y complejos dibujos estuvieran plasmados sobre esquemas y proyectos
primigenios de trabajo de un Galileo, de un Leonardo.
El historiador del Arte y avisado analista, Germán Rubiano Caballero, define los itinerarios de la actual
actividad artística de Vanegas, dice: "Estos trabajos tienen cromática, formal y conceptual. Pese a la
variedad de rojizos combinados con el blanco y los varios tratamientos del dibujo que van de las líneas a
las manchas, salta a la vista que las obras tienen una misma matización, que resultan igualmente
entonadas. A esta homogeneidad de color se suma el parecido de las formas, de los temas y de los
contenidos. La mayoría de las sanguinas tiene una enorme libertad espacial y las representaciones
parecen "collages" de imágenes dispuestas sobre un escenario abierto que, casi siempre, puede
asociarse con cartas astronómicas, con detalles de constelaciones. Los temas provienen de muy diversas
culturas. Aunque sin duda hay un marcado predominio griego, no faltan las referencias precolombinas....
los contenidos, por su parte, remiten a la historia del arte y a la historia de la cultura y, de manera
específica, a los símbolos y a las metáforas que surgen aquí y allá. Lo que el artista recolecta, organiza y
presenta es un viaje libérrimo por los reinos de las creencias y de las concepciones del mundo que han
llegado hasta nosotros en una extraordinaria mescolanza. Todo dispuesto sobre un mapa cósmico que
invita a pensar en lo infinito y, al mismo tiempo, en lo relativo y perecedero de lo concebido por el
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hombre."
La divisa poética del Catálogo de la presente Exposición con el crédito de Jorge Gaitán Durán, es
definitoria del espíritu profundo y sentido del trabajo de Vanegas, dice:
"Soledades del cielo, las estrellas;
los hombres, soledades de la tierra;
nos separan dioses, mas luchamos
hasta habitar un día entre los astros."
La plástica de Vanegas, traduce la diversidad de su cultura y una temática polifacética, poco común en
las galerías de arte.
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15.- LA FASCINACION DEL DESORDEN Y LO VIOLENTO
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La pintora cartagenera, Marta Amorocho, a poco de concluir sus estudios superiores de pintura en la
Universidad Nacional de Santafé de Bogotá, expone en la Galería Belarca, su inquietante pintura con
evidentes arrestos juveniles, donde los resplandores del caos cromático imponen una estética y unas
premisas normativas. Es la apoteosis del desorden de lo violento. Estamos en el primer día de la
Creación, y Marta Amorocho sabe que son siete largos días de trabajo, que cada día es un siglo de
intensidad en la lucha, vadeando el infinito, superando etapas, domeñando con tenacidad las
adversidades más heterogéneas e imprevistas. Hay un estilo para imponer y unas técnicas para dominar.
El tema, lo violento en la vida, en la historia, en la literatura. Hay desmesura, imaginación y, sobre todo,
capacidad de trabajo, decisión por salir adelante, lo que no se puede ni siquiera dudar en quien posee
una tremenda volun-tad, conocimientos, sensibilidad, alma de artista y, sobre todo, sentido de la
disciplina. Lo violento demora en sus óleos, pero nunca en su vida, ni en las almenas de su espíritu culto
y libre de ataduras metafísicas. Marhta Amorocho ha visto desde lejos los resplandores de la violencia. Y
le fascinan más sus resplandores distantes que la violencia próxima. Conoce de oídas este drama. Por
eso lo pinta, lo hace objeto de recreación. Si hubiera vivido y sentido las garras de la violencia, de esa
cruel que si han vivido muchos compatriotas, nunca la pintaría, ni la haría objeto de recreación, jamás
imperativo estético.
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Martha Amorocho nos lo dice con su bella dicción y lo reitera en sana prosa castellana:
"Nuestra realidad actual es violenta e impositiva, y se manifiesta en mi trabajo en estos mismos térmi-nos.
Tomo como directrices el significado de la copia, no como tal sino como recreación. El cubismo y el
expresionismo son influencias que producen expresión y afirmación, como un hecho en el sentido de un
resultado que es externo.
Del cubismo retomó la fragmentación y gesticulación de las formas y espacios, del expresionismo la
manera de ejecución y la visión de ese mundo catártico y avasallador. Partiendo del arte de denuncia
realizado, en una época de exacerbada violencia por artistas como rendón, Alcántara, Rengifo, Quijano,
Granada, recreo esta atmósfera de discriminación, desgarramiento y violen-cia. En la historia existe
siempre una mirada retrospectiva que nutre la nueva etapa, se hacen apropiaciones de hechos,
elementos o estructuras. Nada es totalmente creativo, sino recreativo con alto grado de ejemplaridad para
imponerse como seudo-original.
Mi trabajo contempla también artistas como Chagall por el sentido de especialidad aérea y gravitación
como sus enamorados. Picasso por el sentido rígido, que acojo como pretexto para desorganizar y
reorganizar un mundo imaginario, además de sus elementos como la cabeza de yeso, el toro, las jaulas y
las ventanas. Goya por la exaltación de sus personajes acribillados, y el dibujo desgarrado y expresivo.
En el siglo XX, el expresionismo es una de las tendencias más vivenciales de lo caótico, pues resalta lo
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grotesco, lo agreste y caricaturesco. El expresionismo se manifiesta como la expresión de la percepción
vital de una joven generación que coincidió en su negación de las estructuras socio-políticas que rigen en
la época."
Muy claros los conceptos de Marta Amorocho. No hay lugar a equivo-caciones. Pero, a lo largo de su vida
y de su trabajo, se conven-cerá, además, que el arte no es capitalista ni comunista, no es liberal ni
conservador, el arte es el arte y la genuina creativi-dad del artista. Es la plenitud, el triunfo de la vida. No
hay nada mas extravagante y limitativo que la intrusión política y partidista en el arte, en la literatura, en la
poesía como ocurría en el Soviet, ya derrumbado, que nada era aceptable en la pintura, en la lírica, en la
narrativa, si no se iniciaba con una alusión elogiosa a un pensamiento político y a sus sostenedo-res,
apologistas y detentadores del poder.
Tan buenos artistas y hombres de letras hay en las llamadas izquierdas como en las llamadas derechas,
en el pasado como en el presente, y no podemos supeditarnos a las exigencias limitantes de una sola
línea, así, nos lo quieran imponer los dómines y profesores.
Martha Amorocho, acaba de pasar exitosa una dura prueba: su primera exposición, Galería prestigiosa,
gran concurrencia a la noche de inauguración. Se trata de Santafé de Bogotá, con sufi-ciente fuerza y
poder para calificar o descalificar, para consa-grar o no. El público mostraba caras alegres ante cuadros
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como "El Bodegón con Pájaro", ante los sin lugar a dudas bien logrados efectos de luz como en la
"Señora Santana" o el "Mambrú se fue a la Guerra", ante el bello "Paisaje Dunia" o el dramático "Casa de
Muñecas". Perplejidad y dubitaciones frente a ciertos paisajes o el "Leda y el cisne", "Noviembre 7" y
"Cuerda floja" donde parece imperar la anarquía cromática, que sobran más elementos que faltan. Pero
todo esto es potestativo de la rica y joven imagina-ción de la pintora que se inicia en la vida del arte con
una buena exposición de sus obras. Quizás y para concluir, sea pertinente la docencia de las palabras de
una analista de artes plásticas de la década de los cincuenta y sesenta que le decía, precisamente a una
pintora que se iniciaba: "Necesita, reposar más sobre el cuadro, meditar más en su forma, pintar con
mayor limpieza y cuidado, desconfiar incansable-mente de las trampas de la espontaneidad: sólo así será
posible que los ardores que asoman de pronto y sorpresivamente en sus cuadros lleguen a definir un
expresionismo no sólo combativo, sino también estéti-camente válido."
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16.-EL VALLE DE "COCORA" EN EL PINCEL DE BERNAL
Cocora en el Quindío, por el conjunto armonioso de sus características físicas y ambientales, se
constituye en uno de los parajes más hermosos del país. Es el habitat natural de la palma de cera,
(Xeroxylon quindiénsis) el árbol nacional de Colombia. Un panorama de suaves lomas y el impasible
estribo cordillerano, la presencia tranquilamente arrogante de la silueta distinguida, alargada y de
penacho cimbreante de la palma de cera. Sitio armonioso éste donde puede florecer la página literaria
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más encumbrada, el poema sinfónico o la obra pictórica de la más exigente y fresca textura.
Hasta este lugar llegó el pintor antioqueño, el arquitecto Juan Bernal, armado de sus instrumentos para el
arte y decidido a apoderarse del gran paisaje de Cocora. Una región alta y medio paramuna, distante
pero cercana al valle de Risaralda, al valle del Cauca y al valle del Quindío. Su aproximación a los valles
cálidos le cruzan y bombardean de repente los espacios con fogonazos de torrentes de luz y claridades.
Su dependencia a la región andina y cordillerana, le regala esa inmensidad de espacio curvo, de
fascinación aérea y de prestancia telúrica, ornando la inmensidad con la timidez de la niebla a trechos, el
signo de la soledad cósmica y del silencio con murmurios por hontanares y senderos, bosques y colinas.
Bernal capta y aprisiona en sus lienzos todo este universo polidimensional, de singular belleza física y
metafísica. No solo la majestad del gran paisaje andino como fondo y el cuerpo erguido y misterioso de
las palmas, sino el alma delicada pero inmensa de los atardeceres y amaneceres nativos.
Si el maestro Ariza en sus paisajes sabaneros, aprisiona con extraña maestría sobre todo el espíritu y la
melancolía que encierra ese paisaje que es el espíritu y la melancolía del alma de la sabana y de los
sabaneros, Bernal en sus paisajes del valle de Cocora, se apodera sobre todo de la vida subjetiva y
tonificante que hay en el frondaje, de toda su polifonía y música de cámara.
El artista descubre la gran arquitectura de ese horizonte; su pincel fino y ágil alcanza altos niveles de
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precisión, de misticismo y sutileza orientales, los conjuntos del tema central, las columnas anilladas de las
palmas, los ramajes que se confunden y deslíen en el aire y en los matices de la luz. En los paisajes
"Murmullos", "Montañas del Quindío", "Gigantes de los Andes", "Cocora", "Dorados", se impone la
presencia de la profundidad, de la tersura de los recodos, de ese más allá de las frondas distantes y
clamorosas en su mudez aérea.
Los paisaje sobre el valle de Cocora en el Quindío que en "Galería" de Santafé de Bogotá exhibe Juan
Bernal ahora, no tienen en el país contendor válido. Es la sorpresa del arte nacional. Un ver para creer, la
exuberancia de la finura, del equilibrio cromático, de la honradez de las formas vegetales y de los
volúmenes intangibles, de las razones y proporciones matemáticas en el arte, concretamente en la
pintura, en el manejo, ejecución y terminados de estos óleos y acuarelas que, un día, serán feliz y
rememorante testimonio de algo grandioso que existió para la vista de todos, pero, que el avance de la
cultura del "potrero" arruinó o arrinconó de manera definitiva en oscuros y poco accesibles recovecos de
los Andes.
Para su clara plasmación en el lienzo fue necesario descubrir, contemplar y haber amado mucho este
lotecito verde-amable-triste del planeta, tenerlo y acariciarlo en las retinas y en el alma del artista por
muchos días y noches para, luego, corporeizar con delectación y pureza de lenguaje, de ese lenguaje
plástico sin contaminaciones que Bernal maneja con tan amoroso dominio.
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17.- LOLA BARRANCO Y SUS ACRILICOS
Pintora española nacida en Trujillo y residente en Colombia. Estudios profesionales en la Facultad de
Bellas Artes de Barcelona y en el Instituto de Arte Urbino de Italia. Premios en Barcelona y Granada.
Exposiciones individuales en Gerona, Cartagena y Santafé de Bogotá.
Notable exposición individual ésta de la Galería Belarca en Noviembre de 1995. Sesenta cuadros entre
acrílicos sobre tela y
técnica mixta sobre papel.
Un persistente pero muy vivo aire de soledad preside todo el contenido de éste trabajo y se adentra y
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difunde por todos los espacios y poros de la tela. Arboles y animales cuyo habitat se encuentra definido
dentro del trópico y otros ámbitos del globo, siempre tiernamente desolados y huérfanos de toda
presencia humana. Pero, se descubre una gran limpidez y silenciosa alegría vital en este mundo pictórico
creado dentro de un persistente aire de poesía panteista y metafísica, de poesía adherida al lienzo en
cada brochazo, en cada trazo, en cada figura escuálida puestos allí con tremebunda emoción estética.
Con la plena desnudez y simplicidad en que han sido concebidas en el principio de la imaginación, de la
prefiguración dentro del largo y amoroso proceso de la creación expresionista, cuyo boceto y dintorno se
detiene al fin en esas realidades semi-desérticas y asombradas, cargadas de honduras sensibles,
perceptibles apenas para la vista y presencia del contemplador desprevenido o asombrado. Palmeras
robustas y bajas, bromelias misteriosas, reptiles, garzas, aves hechizadas por esos ambientes
tenazmente desolados pero llenos de luz. El entorno parece esmerarse en acompañar y seguir con
ternura fraterna a las elementales criaturas volátiles o reptantes en su mínimo y fugaz drama existencial.
Continuo alentar vida para esos seres contingentes y elementales a los cuales, una parsimoniosa magia
del color y de la espátula, suministra altas dosis de perdurabilidad, fijos allí en su amorosa patria amada,
en sus apartamentos de luces vacilantes y grises, luciendo siempre gratos y seguros.
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18.- EL PINTOR CARLOS ROJAS Y EL CRONISTA XIMENEZ
Y LA POESIA DE
LOS OLVIDADOS
- I En lo corrido de la presente década, el artista Carlos Rojas, al compás de sus penúltimos pasos en el
proceso creativo de su esclarecedora evolución plástica, ha llegado a la etapa del descubrimiento y
fijación de la ternura. De la indefensa ternura y el silencio de las cosas envejecidas y humildes. De los
pobres deshechos, quizás aparentemente olvidados. Exiliados y distantes del gran mundo, al otro lado,
en la sombría sordidez y ceguedad de los cordones de miseria de las grandes ciudades, de ese entorno
con fríos y calenturas. Una muy original y sorprendente combinación de escultura-collage y espacios por
pintar. Una bella e inusitada estrategia para aprisionar lo indescriptible: la protesta y dolorida presencia de
los seres inanimados. De esos seres capaces de denunciar ocultas facetas de la angustia humana y, allá
detrás, un pesaroso presente con pasado y futuro.
El portal cuya madera o lámina metálica ha empezado a deteriorarse en las superficies esquineras por los
efectos implacables del mal ajuste, el abandono, la humedad ambiental; por fuerza del poder erosivo del
trajín en el trabajo, la tarea cotidiana de abrirse y cerrarse.
La ventana asimétrica con el vidrio roto, furioso el color al principio, desvanecido el tono después, hasta
no alcanzar para el cromos final del gran todo; la cerradura desaparecida y su sitio ocupado por un
alambre mohoso o una cabuya destorcida. Puertas, muros, umbrales que se resisten al paso del tiempo,
que no quieren deshacerse, desmoronarse, amurallados y defendidos por sus formas desconyuntadas y
tridimensionales. Sostenidos por las urgencias imperativas de los más pobres, que exigen a los objetos
enfermos y cargados de tiempo viejo, la prolongación de sus presencias y servicios. Es todo esto. La pura
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poesía del destino de los materiales cotidianos y plebeyos que, humildes o rebeldes, enfrentan con
dignidad y sostenida paciencia la indefensión de la decrepitud; el terror a desleirse y confundirse con la
belleza recóndita de la fealdad absoluta; de lo descolorido y desolado en el gran mural de las grietas a
medias y las calcinaciones irregulares. La gran estética que, en otras dimensiones, medra por los lindes
de la miseria y el infortunio. Todo el tiempo, aquellas mezquinas cosas domésticas, aprisionadas y
retenidas dentro de la trágica verticalidad que señala el mísero status de los pobres del mundo. Nobles
enseres de los ricos de ayer, que hoy sirven con resignada eficacia a los pobres de siempre. Que de
pronto los encontramos, cumpliendo una función simple y humilde, pero útil, en una morada miserable de
un barrio de invasión.
Carlos Rojas, logra conjuntos armoniosos dentro de la cotidiana desarmonía de la miseria. Descubre el
alma de las cosas elementales y averiadas, castigadas por el paso de los años y el roce con
circunstancias empobrecedoras y violentas. El artista, es hondamente sensible al dolor humano, a la
inermidad de las cosas. A la angustia de los otros. A la atroz situación de grupos humanos que se
resisten a morir a la intemperie. Los materiales y objetos que rodean a ese hombre, a ese pueblo,
traducen en su mudez de tonos grises y asordinados, todo el drama, toda la tragedia de aquellos
próximos que agonizan con lentitud aterradora detrás de las paredes, de las puertas cerradas.
- II El crítico de arte Carlos Barreiro, se pregunta:
"¿Cómo explicar que un artista que ha logrado disciplinar los dictados de su innato buen gusto evitando el
facilismo de un esteticismo fatigante, se encuentre de pronto subyugado en el submundo alucinante de
los deshechos? La basura es lo feo a priori. Aquello que se descarta en forma voluntaria. Retomarlo sería
un suicidio social aún en medio de la vocación del reciclaje....
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En sus recorridos por la ciudad, Carlos Rojas enfrenta sin vergüenza el aspecto menos optimista. Así
como colecciona plantas a campo traviesa, este nuevo oficio de basuriego experto le proporciona
materiales insólitos para una obra también inesperada: cartones y papeles rasgados, pedazos de
madera, vidrio, carteles, telas manchadas, frases y letras. ¿Tienes ganas de verdad?, Riviera Niza -Tejas
y planchas metálicas, clavos enmohecidos, texturas y colores en proceso. Jugando al aprendiz de brujo
Carlos Rojas se apropia de la vida que existe detrás de este inventario ruinoso. Es así como construyen y
decoran sus refugios los marginados del campo en la ciudad, elaborando una cultura visual alternativa de
contenida violencia.
El artista acepta el reto que él mismo se impone. El resultados sigue siendo coherente: los desechos se
ordenan limpiamente en un marco previsto o se aglomeran en su propio perfil de seres mutantes. Como
se trata de escudriñar en el lado opuesto de la opulencia, algunas piezas parecen mostrar el revés del
bastidor; pero allí hay un signo esotérico, una cruz, un madero que desequilibra el cuadro en un triángulo
marginal o en una geometría fuera de inventario. A no ser por un brillo tornasolado, la basura conserva
las huellas de su azaroso trayecto antropológico (los objetos carbonizados atestiguan el castigo que el
fuego inflinje a la esperanza). Ningún intento de embellecimiento a pesar de algún encaje ficticio en el
latón."
- III Es la lírica pertinaz que la escultura erige en el silencio intermitente y timorato de las chatarras. La poesía
con que Dostoievski, Zolá, Hugo, glorificaron en sus libros la marcha de los marginados de la imperiosa
sociedad humana. La tarea de nuestro cronista Ximénez con los pobres y olvidados de la señorial
Santafé de Bogotá, a lo largo de su prosa literaria y periodística de las décadas treinta y cuarenta. Ir al
encuentro de seres, sitios y materiales cargados de sorda belleza, recónditos en su misterio, erguidos en
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la contemplación de su propia y dolorida insurgencia.
Ximénez, pinta con frases cortas el destino y presencia de los desdichados. El gesto de las existencias
humanas ignoradas. Como escritor y hombre de prensa, este artista de la pluma, fue dueño de un estilo
único, delicado y verídico. Rico estilo en facetas de comprensión afectuosa de esa larga perplejidad de la
gente pobre, enferma y fea. Su pluma no se precipitó alocada detrás de la "chiva" enervante, del
sensacionalismo lujurioso, sino del gesto singular pero amable, del detalle comprensible y puramente
humano. Su artística escritura para periódicos y revistas, para su leída columna "Babel del Dia", se
detenía con delectación y cariño frente a los lugares y personajes que poco preocupaban al periodismo y
a la literatura barrocos de la primera mitad del siglo Veinte: las viejas calles y carreras recargadas y
hediondas a pueblo; los sitios capitalinos más singularizados por la pobreza, el marginamiento forzado, la
austeridad limpia o sucia; las harto trasegadas esquinas y plazas, las cárceles y sus tribulaciones, los
montes de piedad, los hospitales y ancianatos, los hospicios y conventos, los permanentes de policía en
la noche, los mercados públicos.
Siempre en busca de los ignorados y desvalidos; de los humillados y ofendidos; de los miserables
distantes de toda esperanza. De aquel auriga de los coches pasados de moda; de la prostituta solitaria y
perpleja; del casi niño y hambreado lustrabotas "sin fuerzas en los brazos para dar lustre". Los sin trabajo
de la calle Doce; el vendedor de específicos y su clientela de la central de mercados; los "rateritos" de la
Estación de la Sabana; los romeros y limosneros por la Ermita de La Peña, en fin, los enfermos y
pretermitidos, los lisiados, los huérfanos en las casas de caridad; las monjitas de "tocas blancas" en sus
largas y frías salas hospitalarias, siempre laboriosas e incansables. Personajes, todos, que Ximénez
interpretaba y describía de tal manera que creaba entre sus lectores, no una atmósfera de horror y de
terror, sino de ternura, de simpatía, de delicada conmiseración por todos esos seres humanos. Un efecto
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muy distinto al que producen en el público, ciertos documentales de televisión.
- IV Es sorprendente la sostenida belleza y colorido de la prosa de Ximénez. Leamos un aparte de su crónica
"Las Mujeres Indigentes" para lograr una clara idea sobre las calidades plásticas de su estilo:
"La ancha calle se adorna de lúgubres pinos. En su humildad la carrilera del tranvía marca un signo
afanoso. Toda ella está llena de instituciones de beneficencia. Hospitales y asilos. Parece que la caridad
y la desgracia se hubiesen tomado allí de las manos y se dieran un abrazo de no terminar nunca.
En el frontis del edificio del asilo de Indigentes Mujeres, hay un nicho. Un pequeño agujero que guarda,
entre florecillas de artificio y ramos de laurel, la imagen del bendito señor San Antonio, con su niño Dios
muy mofletudo y regordete. Descansa la santa imagen su celestial pesadumbre sobre una avara urna de
limosnas que, de vez en vez, se colma de monedas. A la izquierda, aparece la fábrica del hospital de la
Hortúa. A la derecha, el hospital de la Misericordia, tierno e infantil. Al frente, modernas construcciones
muy pintadas y estaciones de gasolina, capitanes de trajín y maquinismo.
Se entra al asilo por un angosto pasadizo tenebroso, que sigue en declive y se resguarda de
inundaciones con dos murallitas de piedra y cemento. En el primer patio, claro, hay una estatua heroica
de San José. En el patio todo es aseo, pulcritud, discreción. Las hermanas de la caridad van y vienen por
los corredores, casi aéreas, sostenidas en el vuelo por las blancas alas de sus tocas. Se respira un
ambiente de beatitud y de sosiego. Como escarabajos, cubiertas de capuchones, las ancianas caminan
muy de prisa, o muy despacio, en pasos presurosos en su lentitud. Son títeres que mueve a su arbitrio
una aproximación de eternidad.
En el asilo, que se integra de cuatro amplios y modernos pabellones, viven más de 500 infelices mujeres.
Es una población de recuerdos, de memorias, de ausencias y de lejanías. Quinientas mujeres que
gozaron del sol y tuvieron belleza. Mil pupilas enantes luminosas, hogaño ensombrecidas de tiempo.
cada una de estas vidas es un novelín de grandes tristezas y diminutas alegrías. Todas fueron vencidas
por la suerte. Y hoy asisten defraudadas al espectáculo de su propia desventura.
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La madre superiora del asilo me sirve de guía. Es una bella mujer ya entrada en años. Usa gafas. Tras de
ellas, los ojos miran bondadosos. Es domingo y el asilo descansa. Ubicado en plena sabana, una brisa
tibia lo arropa. En el cielo, cubierto de nubes, destacan breves medallones de azul. La ciudad está atrás,
con sus estupideces y sus cuitas. Aquí el olvida prima y medra. La ancianidad del recuerdo asume
proporciones de dolor.
Voy con la madre visitando todos los departamentos del asilo. Primero las salas de recibo. son dos. Una
para las asiladas. La otra para las hermanas. En esta última las monjas platican. Los muebles son
antiguos. Las hermanas mayores en dignidad dirigen el palique. Hablase de la vida de Santa Inés.
Horribles torturas sufrió San Simeón, piadoso ermitaño. Hace tres años sor Blanca visitó el hábito. !Qué
linda nochebuena con oficio del señor arzobispo! Hay necesidad de reparar el armonium de la capilla: a
veces llora; en ocasiones gime o grita. La nueva estatua de la Virgen del Carmen luce maravillosamente.
El capellán ha engordado un poquitín y está más rozagante que nunca. Pasa la madre. Las cornetas se
inclinan. Es un revolar de blancas avecillas.
-Buenos días, hermanitas.
-Bendígaselo Dios- responden todas a una, las armoniosas voces contritas por la oración...
Me ha llevado la madre a los salones dormitorios. Las camas son pequeñas, blancas, infantiles.
Colócanse en simétricas filas. Al fondo de los dormitorios, destaca un Cristo su macilenta santidad. Hay
un olor de frío y de aseo. Las moscas no tienen entrada. La creolina es poderosa señora. En los
dormitorios comunes, tendidas sobre los camastros, algunas ancianas reposan. Las vence la vejez y la
pereza. Cúbrense los arrugados cuerpos con las frazadas. En presencia de la madre tratan de levantarse.
Pero la madre nada les dice. Las llama por su nombre.
-¿Cómo estás hoy, Encarnación?
Y una voz cascada, lejana, tísica responde:
-Madrecita, regular, alabado sea Dios. Estos achaques y este reumatismo....
Esta otra no tuvo hijos ni conoció amores. Fue pobrecilla desde pequeña. Vivió en el pueblo lejano. Fue
mofa de los grandes cuando niña: objeto de lujuria cuando moza y hazmerreir de los chicos cuando vieja.
Una vez se le descompuso el horizonte. Le clamaba adentro un ronco grito de rebeldía que no oyó nunca.
Se le rompía en el pecho el corazón candoroso. Así se fue, acompañada de su tristeza. Se fue por el
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camino, por cualquier camino que todos los caminos son cariñosos y acogedores y el estrujón del hambre
en las entrañas le hizo tender su mano suplicante.
La trajeron presa al asilo. La vistieron el capuchón, la enseñaron a rezar. Dijéronle que había un Dios de
inagotable misericordia........"
Artista pereirano en Santafé de Bogotá
UNA EXPRESIVA EXPOSICION DE PINTURA
Por Héctor Ocampo Marín
En la Casa de Risaralda de la capital de la república, ha estado expuesta al público durante el mes de
Octubre, una vigorosa y muy original muestra de óleos del joven maestro pereirano, César Piedrahíta
Bernal. La exposición de Piedrahíta Bernal en número de unos cincuenta lienzos, cuenta treinta por lo
menos con la memoriosa temática urbana en muy diversos aspectos y circunstancias. El pintor indaga
por el alma de la aldea y de los barrios, no tanto marginados, sino envejecidos de las grandes ciudades.
Inquiere y convoca el espíritu prevalente de las cosas y de los seres de la naturaleza que rodean al
hombre y, necesariamente, embellecen y avivan su habitat. Evoca la fuerza de los colores vivos y
sugerentes en contraposición a los grises mortecinos del cemento. El artista no muestra vacilaciones en
la aplicación de sus colores. Tiene el matiz adecuado para cada pensamiento rememorante, para todo
brochazo creador, para las formas y los volúmenes que dan entidad a los muy variados estados de su
universo cromático. El pintor lleva muy dentro la imagen de la aldea ecológica y mansa, de esa que
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parece morir, lentamente, crucificada por la velocidad y la altivez de la ciudad moderna. En los lienzos de
Piedrahita Bernal, van tomando vida corpórea diversos perfiles un poco desolados de la aldehuela de
ayer, de la que creció y vivió junto a los árboles, rodeada de una diaria apoteosis de la naturaleza y de la
vida primigenia. Una apretada nostalgia parece invadir el tema urbano que el artista ama y trabaja con
pasión. Y, sorpresivamente aparece un trazo blanco profundo que establece comunicación de vida plena
con el resto del mundo. La dirección de las pinceladas y los imprevisibles colores y matices, denuncian un
estado de alma, la silenciosa ansiedad del arte y del artista. La voz imperativa que nos convence que el
gran cuadro del barrio apacible, pero cargado de bellas historias secretas, está por llegar, va a salir de las
pinceladas expresionistas con la soledad de las calles, con los colores desvanecidos y oscuros de la
noche, de la noche antigua. El lienzo puede eternizar un instante y un perfil del barrio viejo, de la aldea
nocturna, de la calle muerta, de la rememoración pertinaz y dolida con un ligero barniz de llanto.
Exacto lo que sobre la plástica de César Piedrahíta, afirma la crítica y curadora de arte costarricense,
Alma Fernández:
"César no busca contar historias, no es lo anecdótico lo que le importa, sino el lado puramente estético, el
que no podemos narrar...ha diseñado su propio lenguaje, no se impone, sólo comparte, deja abierta la
puerta a un universo sensorial, en el cual existe una energía que puede gritar, en donde las referencias
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son sólo pretextos... inicia el cuadro y cada espectador lo acaba y cumple, así, con la difícil tarea del
pintor: comunicar."
El maestro César Piedrahita Bernal, ha expuesto en Nueva York, San José de Costa Rica, Santafé de
Bogotá, Popayán, Pereira etc.
La presente exposición en la Casa de Risaralda de la capital, consagra sin duda al pintor pereirano, por la
definida y abierta personalidad de su obra.
Santafé de Bogotá, Octubre de 1996
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