unidades de descripción del texto fílmico

UNIDADES DE DESCRIPCIÓN DEL TEXTO
FÍLMICO: NARRATIVA Y TRATAMIENTO
AUDIOVISUAL
Documento de trabajo elaborado en el marco de creación del
Seminario de Investigación: “Tendencias Cinematográficas del Cine
Chileno de Ficción, Grabado en Digital y Exhibido Comercialmente
Durante los Años 2003 – 2008”, realizado y evaluado el año 2009,
en el curso Técnicas de Investigación en Comunicación, en el
Instituto de la Comunicación e Imagen de la Universidad de Chile
Cristian Ahumada
Constanza Godoy
Katherina Harder
Guillermo Jarpa
2011
Esta ficha intenta sumergirse en el análisis del texto cinematográfico, en cuanto lenguaje
compuesto por distintos elementos observables y analizables. En este nivel, nuestra
principal preocupación es por la técnica y su uso, en tanto representativa de las
posibilidades estilísticas que permite la utilización de un formato Digital de registro. El
conjunto de las variables fueron divididas en dos dimensiones: Narrativa y Tratamiento
Audiovisual.
I) Narrativa
Para el análisis de la primera dimensión se procederá a desmenuzar el guión
cinematográfico en sus distintos elementos narrativos para lograr comprender la
construcción dramática que el realizador sugiere, y si logra aventurar y proponer una
nueva perspectiva y mirada autoral que el Digital puede proporcionar. La intención es
captar qué tipo de estructura narrativa impera en la película. Para ello, se utilizarán
algunos elementos de análisis proporcionados por Robert McKee 1, quien define estructura
como “…una selección de acontecimientos extraídos de las narraciones de las vidas de los
personajes, que se componen para crear una secuencia estratégica que produzca
emociones específicas y expresen una visión concreta del mundo.2” Las variables para
estudiar la narrativa son las siguientes:
1) Setting: comprende el contexto donde se sitúa la historia, de modo que condiciona
el límite de verosimilitud de la narración. Para ello se deben de reconocer las
siguientes variables:
a) Periodo histórico: corresponde al momento o a la ubicación en la historia en la cual
se enmarca el relato. INDICADOR: año en el que trascurre relato, en lo posible, y
estación del año en la cual se avoca.
b) Duración: avoca al tiempo extendido de la vida del personaje protagonista que es
parte de la diégesis. INDICADOR: días de historia que se contemplan a lo largo del
relato.
c) Ubicación geográfica: lugar en el cual se desarrolla la historia y se sitúan los
personajes. INDICADOR: ciudad(es) donde se construye(n) y desenvuelve(n) la
película.
d) Nivel/escala de conflicto: refiere a los valores representados en el relato, que
generalmente se presentan en oposición con el fin de demostrar las fuerzas en
conflicto. INDICADOR: valores en oposición que representan la fuerza protagónica
versus la antagónica, sean el conflicto de los personajes consigo mismos, con el
medio o con otro personaje.
e) Trama: siguiendo la perspectiva de Robert McKee, ésta “se refiere a la pauta de
acontecimientos internamente coherente e interrelacionados, que se deslizan por
1
Reconocido escritor y catedrático norteamericano reconocido por el seminario “Story Seminar” (“El guión”)
que actualmente imparte en distintos países. Entre sus alumnos se reconocen 32 premios Oscar, y más de
105 nominaciones, y 168 premios Emmy, con más de 500, entre ellas, “El señor de los anillos”, “Grey’s
anatomy”, “Shrek”, “Wall-e”, “Million dollar baby” y “Forrest Gump”.
2 MCKEE, R. El guión. Sustancia, estructura, estilo y principios de le escritura de guiones. Barcelona, Alba,
2002. 53p.
el tiempo para dar forma y diseño a una narración. 3” Bajo esta definición se
desglosan tres tipos de trama a identificar: la arquitrama, minitrama o antitrama,
establecido por el autor como “el triángulo narrativo”, que se pueden reconocer
según la disposición y el resultado de los elementos narrativos tales como el modo
del final del relato, el conflicto del personaje, la cantidad de protagonistas, la
actitud de el (los) protagonista(s), la estructura del tiempo del relato, la presencia
de elementos causales, y la manifestación de la realidad presentada. De este modo,
se pretende reconocer la trama que mejor correspondería a cada película según las
siguientes definiciones:
i) Arquitrama: refiere a lo “clásico”, implica una historia construida con un
protagonista activo que lucha principalmente contra fuerzas externas
antagonistas en la persecución de su deseo, a través de un tiempo continuo,
dentro de una realidad coherente y causalmente relacionada, con un final
cerrado de cambio absoluto e irreversible.
ii) Minitrama: deriva del minimalismo, el guionista utiliza elementos clásicos para
luego reducirlos. Persigue la simplicidad y la economía a la vez que mantiene
suficientes aspectos clásicos como para que la película logre satisfacer a la
audiencia.
iii) Antitrama: contrapartida de la antinovela, Nouveau Roman o teatro del
absurdo. Suma un conjunto de variaciones antiestructurales que no reducen lo
clásico sino que los contradice, explota e incluso ridiculiza la idea misma de los
principios formales, de modo que tiende a la extravagancia y a la exageración.
INDICADORES: elementos narrativos que construyen el triángulo narrativo de
McKee:
(1) Final cerrado ó abierto: el primero responde todas las preguntas planteadas
por la narración y satisface todas las emociones del público, la segunda deja
una pregunta o dos sin responder y alguna emoción sin satisfacer.
(2) Conflicto externo ó interno del personaje: en el externo se destacan las
luchas en sus relaciones personales, con las instituciones sociales o con las
fuerzas de su mundo físico, en cambio en el interno se destacan las batallas
que se producen en sus sentimientos o pensamientos, conscientes e
inconscientes.
(3) Protagonista único ó protagonista múltiple: si es que el relato instala sólo a
un protagonista como núcleo de la narración ó el relato proporciona
3 MCKEE, R. El guión. Sustancia, estructura, estilo y principios de le escritura de guiones. Barcelona, Alba,
2002. 65p.
pequeños relatos de distintos personajes.
(4) Protagonista de voluntad activo ó protagonista de voluntad pasiva: un
protagonista de voluntad activa persigue un deseo y realiza acciones que
entran en conflicto directo con las personas y el mundo que lo rodean,
mientras que un protagonista de voluntad pasiva se mostrará externamente
inactivo mientras persigue un deseo interior que está en conflicto con otros
aspectos de su propia naturaleza.
(5) Tiempo lineal o tiempo no lineal: es lineal si la historia - incluya o no
flashbacks - desarrolla sus acontecimientos en orden temporal, y es no
lineal cuando la historia reproduce un caso temporal o enturbia la
continuidad temporal de modo que el público no logra averiguar qué ocurre
antes y después.
(6) Causalidad: puede haber una causa que produce un gran efecto y ese
efecto, a su vez, se transforma en causa de un nuevo efecto. De otro modo
emprende la coincidencia, donde hay colisiones aleatorias de las cosas en el
universo sino colisiones que rompen las cadenas de la causalidad y
producen una fragmentación absurda.
(7) Realidad coherente o realidad incoherente: la primera corresponde a
ambientaciones ficticias que establezcan los modos de relacionarse de los
personajes y su mundo, y que mantengan su coherencia a lo largo de la
narración. En cambio la segunda, mezcla modos de interacción, de tal forma
que los episodios de la historia saltan de manera incoherente de una
“realidad” a otra, creando una sensación de lo absurdo.
f) Idea controladora: McKee instala la “idea controladora” como la idea clave o
central que expresa el significado irreductible de la historia en una frase. Según su
valor y la causa, que puede ser identificada como positiva o negativa en el clímax
del último acto y hacia el cierre de la narración, se indicará el tipo de idea
controladora para cada película a partir de las definiciones proporcionadas por
McKee. INDICADOR: valor del cierre de la película, que se puede manifestar en una
entre las siguientes modalidades:
i) Idealista: historias con “final feliz”, expresan optimismo, esperanza y sueños de
la humanidad, una visión positiva del espíritu humano.
ii) Pesimista: historias con “final triste”, expresan cinismo, sensación de pérdida y
de infortunio, una visión con carga negativa, vinculada al declive de la
civilización, es decir, las dimensiones oscuras de la humanidad.
iii) Irónica: historias con “final triste/feliz”, expresan sensación de naturaleza dual
y compleja de la existencia, una visión simultáneamente cargada de aspectos
positivos y negativos. Se funde el optimismo e idealismo, el pesimismo y
cinismo. Puede estar cargada de modo positivo o negativo.
g) Tipo de personaje representado: se propone aquí cierta categorización que busca
dilucidar qué tipo de personaje domina a lo largo del relato. Esto ya sea ubicándolo
dentro de una categoría definida o bien presentándolo como una mezcla híbrida de
diferentes categorías. Dicha categorización se enfoca principalmente en el
comportamiento de éstos. INDICADOR: comportamiento, relación con otros
personajes, actúa o reacciona, relación con el dispositivo. Categorías:
i) Personaje clásico: se caracteriza por estar adaptado a la historia, hay una
coherencia psico-sociológica con sus acciones. Sabe lo que quiere y va en
busca de ello, por ende tiene una voluntad activa. Es transparente, posee un
objetivo claro. Encarna una fuerza.
ii) Personajes modernos:
(1) Personaje problemático: no tiene objetivo ni motivación clara. No es activo,
sino que reacciona frente a las situaciones que se le presentan. Tiende a ser
un sujeto alienado. Su fractura o herida psíquica no tiene solución.
(2) Personaje opaco: carece de características psicológicas acentuadas. Tiene
más de un objetivo y motivación. Son paradójicos, no se sabe lo que
quieren. Pasa de un estado a otro sin que se subrayen las relaciones de
causa y efecto, producto de esto mismo suele terminar cometiendo un acto
extremo.
(3) El no-personaje: Habita en una anti-estructura, es decir, es una realidad
inconsistente de tiempo no lineal en donde hay ausencia total de
causalidad. Es un “personaje” indescriptible, sobre el que no se puede
saber ni decir nada.
i) Brechtiano: Cuestiona la representación. Pone en entredicho y devela el
dispositivo. Se sale de la diégesis de la narración para hablarnos y reflexionar
con respecto a ésta.
h) Tipos de diálogos: este elemento nos permite acercarnos tanto a un tipo de
narración, como al comportamiento mismo de los personajes y la interacción entre
ellos. INDICADOR: lo dicho, lo hablado y lo callado según la siguiente
categorización:
i) Clásico: Funcional. Está para ayudarnos a llegar a un “algo”. Debe dar y ocultar
información al espectador. Se transmite mucha información a través de ellos.
Trabaja en el ámbito de lo explícito, “lo dicho”, lo latente y manifiesto.
ii) Moderno:
(1) Naturalista: Predomina la caracterización de personajes y devela relaciones
entre ellos. Busca reproducir interacción humana tal como es. El imperativo
de la acción dramática es menos rígido puesto que el objetivo que se
persigue corresponde más bien a la reproducción de la interacción humana
de una manera orgánica. Basado en improvisación o semi-improvisación,
por lo que se admiten frases entrecortadas, interrupciones, equivocaciones,
lagunas entre la acción, errores de sintaxis, entre otros.
(2) Pasivo: Escasez de palabras. Lo principal se encuentra en lo contenido, en lo
no dicho, en el silencio mismo. Hay una actitud más reactiva que activa.
(3) Sobreescrito: No son los personajes mismos los que hablan sino que es el
autor el que habla por medio de los personajes. Lo dicho no suena
orgánico. No busca tanto la descripción del personaje en sí, sino que más
bien dar a conocer una visión del autor con respecto a “un algo”.
II)
Tratamiento audiovisual.
La forma en que se exprese el contenido de una obra es determinante en la
generación de un estilo por parte del autor, pues es su forma de ver la que se traduce en
las herramientas y técnicas audiovisuales con las cuales se armará para presentar su
película. Identificar las técnicas y bajo que intenciones se utilizan sería un buen camino
para la determinación de un estilo audiovisual.
1) Encuadre y fotografía.
a) Encuadre: es el límite material de lo representado en la pantalla, no obstante, no es
simplemente un borde natural; crea un determinado punto de vista sobre el
material de la imagen. Se pueden observar en ella los siguientes elementos:
tamaño del plano, angulación y movilidad, los cuales se conjugan expresivamente
para poder narrar, observando así que la preferencia por un uso de tamaño de
plano, una angulación, un movimiento de cámara (o la ausencia de él),
dictaminarán un punto de vista del realizador sobre como representar una obra.
i) Tamaño del plano: que tan cerca o lejos esté la persona u objeto que se grabe
no es una elección que esté libre de consecuencias, pues esto añade o subraya
significados a lo propio de lo encuadrado. Por esta razón, la elección de cada
plano está condicionada por la necesidad del relato, existiendo así una
adecuación entre el tamaño del plano y su contenido material (por ejemplo en
un plano muy abierto o cerrado dependiendo de cuantas cosas se quiera
mostrar), además de su contenido dramático (por ejemplo, mientras más se
cierra el plano mayor es su valor dramático). Hay que percibir si existe la
utilización expresiva de los tamaños de plano y/o angulaciones dentro de la
película. Hay diferentes tipos de planos:
(1) Planos cerrados: los tamaños de planos que conforman este grupo serían:
primerísimo primer plano (va sobre el rostro, desde el cuello hasta la punta
de la cabeza), primer plano (desde la punta de la cabeza hasta donde
termina el pecho), y plano medio (desde la punta de la cabeza hasta las
rodillas del personaje). Los planos cerrados se utilizarían para acentuar el
dramatismo dentro de la escena, o dar un carácter psicológico emocional
denso a la situación que vive el personaje. Aquí el rostro humano exalta el
poder del significado psicológico y dramático de la película, y es la
herramienta más utilizada para un cine “interior”.
(2) Planos abiertos: incluye el plano americano (el personaje aparece desde la
punta de su cabeza hasta los pies, dentro del encuadre) y el plano general
(encuadre que abarca un ambiente por completo, sus acciones y
personajes). En ellos un hombre se ve como una silueta minúscula dentro
de un paisaje, lo cual lo haría víctima de las cosas, lo “objetiviza”. También
puede crear una atmósfera psicológica pesimista, o por otro lado puede dar
una dramática dominante exaltante, lírica y hasta épica.
(3) Planos detalle: en este tipo de planos hay ausencia de una figura humana,
se pone énfasis en el detalle, mostrando al objeto muy cercano, pero
también puede encuadrarse una parte de una persona (una mano, una
nariz, un pie, etcétera), pero no la persona en sí (la cara sería la excepción).
Muestran sólo por detalles significativos o simbólicos, mostrando el todo
por la parte. Además pueden dar alusión a la mirada de un personaje sobre
un objeto.
ii) La Angulación (respecto del trípode): la imagen implica un ángulo de encuadre
con respecto a lo que se muestra. De este modo, nos coloca en algún ángulo de
la puesta en escena del plano. El número de ángulos es infinito, puesto que hay
un número indefinido de puntos en el espacio que pueden ocupar la cámara.
Tres angulaciones son las más utilizadas en el cine: el picado, es una toma
desde sobre el objeto; el contrapicado, desde bajo el objeto; y el oblicuo,
donde la imagen está ladeada. La interpretación tradicional de estas
angulaciones (contrapicado: el personaje es fuerte; picado: el personaje está
derrotado; oblicuo: el mundo está descentrado) es utilizada con una función de
añadir significación a la situación y/o personaje encuadrado.
iii) Movilidad: el hecho de que la cámara esté fija o en movimiento puede generar
diferentes efectos sobre el espectador, dando lugar a ambientaciones
diferentes. Los movimientos utilizados pueden corresponder a Travelling
(movimiento sobre un plano frontal, en donde la cámara se mueve fluidamente
sobre un carrito), movimientos sobre trípode (Tilt: movimiento fluido de la
cámara sobre su propio eje en el sentido vertical. Paneo: movimiento fluido de
la cámara sobre su propio eje en el sentido horizontal). Las funciones que
puede cumplir son:
(1) Función descriptiva: su importancia radica en mostrar al espectador, en
darle a conocer, propinarle información directa. Puede usarse para
acompañar un personaje, crear movimientos ilusorios, o para describir el
espacio físico. Los movimientos de cámara tendrían como propósito
solamente propinar información narrativa.
(2) Función dramática: el movimiento en sí tiene un significado de calidad de
tal y tiende a expresar un elemento material o psicológico llamado a
desempeñar una función decisiva en el desarrollo de la acción. Puede
usarse para dar relieve dramático a un personaje u objeto, para definir
relaciones espaciales entre 2 sujetos en la acción, para expresar la visión
subjetiva de un personaje, o también para expresar la tensión mental de un
personaje. Los movimientos de cámara tendrían como propósito el generar
un entorno psicológico.
(3) Función rítmica: se trata de una cámara móvil en todo momento, que
generaría una dinamización del espacio, dando fluidez y vividez. Estos
movimientos incesantes modifican en cada momento el punto de vista del
espectador sobre la escena, lo cual emularía un tipo de montaje análogo
que daría un ritmo propio a la película. Esto podría generar sensaciones de
movimiento interminables, que terminarían condensando al espectador.
Los movimientos de cámara muy continuos, en donde la imagen se mueve
constantemente, tendrían como fin generar un ritmo en la imagen.
b) Fotografía: la iluminación cumple funciones de definir y modelar las siluetas y los
planos de los objetos, crear la sensación de profundidad espacial y producir una
atmósfera emocional, o también efectos dramáticos. El modo en que se emplee la
luz dentro de una imagen encuadrada puede añadirle contenido, pudiendo generar
nuevos niveles de significación, por lo que es necesario identificar el tipo de
iluminación del cual un realizador se valdría como recurso estilístico para ser
utilizado en forma expresiva, emotiva y narrativa. Una forma en que se puede
comprender los tipos de fotografía es:
i) Iluminación naturalista: es aquella donde se recurre a nada de iluminación
artificial, tratando de buscar una luz natural. Se da principalmente en
exteriores. Sus intenciones son generar un naturalismo en la película
basándose en la ausencia de la luz natural. La consecuencia de usar este tipo de
luz es la búsqueda de un realismo total en lo que se narra. Se nota con la
ausencia de luz artificial creada en un set dentro de la imagen de la película,
aquí la fuente de iluminación principal es generalmente el sol, pero en caso de
existir luz artificial, su fuente es parte de la historia en la película.
ii) Iluminación neutra: en ella sólo se quiere hacer reconocer los objetos
encuadrados, por lo que se hace recurso de iluminación artificial para lograr
ese objetivo. Su intención es crear un realismo dentro de la escena. Aquí la luz
presente en la película se acentúa en los objetos y personajes que tienen
relevancia al momento de aparece en cuadro.
iii) Iluminación pictórica: es un tipo de iluminación que subraya, que altera el
contorno de los objetos y consigue resultados altamente antinaturalistas,
llegando incluso a cambiar las tonalidades de color naturales de la escena. Su
objetivo es crear atmósferas con la luz, e incluso ir más allá y utilizarla
explícitamente como una herramienta de lenguaje, permitiendo generar
metáforas visuales de la imagen. La iluminación usada en la imagen no se ve
realista, los colores de las cosas pueden alterarse, y ser diferentes a como son
en la realidad.
2) Sonido: se divide en voces, música y ruidos. Es parte esencial de la realidad presentada
en una película. Lo que hay que determinar es cómo el realizador muestra y hace uso
de ella.
a) Voz humana: la voz humana presente en las películas tiene un carácter histórico de
proporcionar realidad a la imagen, añadiendo el elemento natural que es la voz
propia del actor que habla dentro del cuadro. No obstante, sus funciones pueden ir
más allá, pudiendo ser utilizada como el principal generador de información
narrativa dentro de la película, o ser utilizada la ausencia de la misma, el silencio,
como un recurso expresivo. Hay vislumbrar el uso de la voz humana, verificando la
existencia de las siguientes funciones dentro de la obra audiovisual:
i) Función informativa: la voz humana es utilizada como transmisor de la
información narrativa, pudiendo caracterizar personajes, dar a conocer los
motivaciones y objetivos que se trazan, los conflictos que se deben superar, o
también dar a entender las temporalidades (las elipsis, los flashbacks,
flashforwards). La presencia de una voz narradora es un fuerte indicio de este
tipo de función, pues permite la exteriorización de ideas íntimas de un
personaje, ampliando así el campo psicológico de la película. Aquí los diálogos
usados constantemente para proporcionar información sobre la trama, los
personajes, el tiempo, etcétera.
ii) Función de tensión dramática mediante su ausencia: el silencio, dado por la
eliminación de la voz humana, puede generar un papel dramático importante,
pudiendo ser símbolo de angustia, soledad, muerte, peligro, incitando a una
atmósfera de suspenso o también de intriga. La ausencia o poca existencia de
diálogos puede acentuar el valor de la imagen como narración.
iii) Función atmosférica: podría estar la alternativa en que las palabras estén en la
banda sonora, pero su funcionalidad no esté basada en sus significados, sino en
su significante sonoro, de manera que las palabras no generarían sentido
alguno para nosotros, sino que estarían para generar una atmósfera en la
película. Las voces humanas que aparecen en la película no tienen importancia
y/o coherencia.
b) Música: es utilizada para generar ambientes psicológicos, acentuar las acciones,
también disminuirlas, proporcionar realismo, generar atmósferas psicológicas, dar
énfasis retóricos, o también entregar fluidez a las mismas, entre otras más,
pudiendo así construir intenciones narrativas claras. La música puede cumplir con
las siguientes funciones:
i) Función rítmica: es cuando la música realiza un contrapunto con la imagen en el
plano de movimiento y ritmo, y correspondencia métrica exacta entre el ritmo
visual y sonoro, dando resultados más poéticos y añadiendo poder emocional a
la acción. La música que está en contrapunto con la imagen y está asociada
rítmicamente una acción. Existen 3 categorías:
(1) Reemplazo: la música se usa para sustituir un ruido real o virtual, que
originalmente debería ser correspondiente a la imagen (en el caso de lo
real, es un objeto físico al que acompaña, y en lo virtual, debería
acompañar a un rememoración, por ejemplo).
(2) Sublimación: un ruido o una voz se convierte gradualmente en música. Esto
brinda mayor emocionalidad a la escena (por ejemplo, el ruido del mar que
se transforma en una música suave, o un grito de dolor que es
transformado en una música trágica).
(3) Resalto: la música acompaña a una acción, a ritmo con el movimiento
visual, propinándole mayor énfasis al mismo, y subrayándole el valor y la
emoción.
ii) Función dramática: la música interviene como contrapunto psicológico, cuyo
propósito es proporcionar al espectador elementos útiles para comprender la
tonalidad humana de la escena. La música que está en contrapunto y que
proporciona datos psicológicos de los personajes. Hay tres tipos:
(1) Atmósfera: da apoyo a una acción o más, recalca las cualidades psicológicas
del personaje u objeto encuadrado.
(2) Metáfora: la música da el carácter psicológico al personaje, el cual no es
proporcionado por la imagen, y propina un tono emocional que es
necesario para la historia.
(3) Leitmotiv: es un uso simbólico, en donde se evoca la presencia de una idea
fija o una obsesión en un personaje. La repetición del mismo le acentúa el
carácter obsesivo.
iii) Función lírica: refuerza con vigor la importancia y densidad dramática de un
momento o de un acto dándole la dimensión lírica que específicamente le es
apropiada. La música se presenta en una acción y refuerza el simbolismo de la
misma (por ejemplo, una mujer abre una ventana y ve el sol, como símbolo de
felicidad, la música alegre aparece).
c) Ruido: puede provenir de seres vivos o de objetos, y ser utilizado en la generación
de la ambientación de la obra audiovisual. Dependiendo de como se use, podemos
hablar de una tendencia a lo realista, o a lo simbólico. Los usos que puede cumplir
el ruido pueden ser:
i) Uso realista del ruido: se utiliza conforme a la realidad de la película, sólo se
escuchan los sonidos producidos por seres o cosas que están en pantalla o
conocidos por estar cerca, sin que por ello exista voluntad alguna de expresar
algo especial en la yuxtaposición imagen-sonido. El punto principal aquí es
producir un realismo sonoro.
ii) Uso irrealista del ruido: se define por un asincronismo con la imagen, por lo que
podemos escuchar sonidos que no tienen procedencia original en la realidad
encuadrada o en el fuera de campo de ésta. Su utilización puede generar
metáforas audiovisuales mucho más complejas que las que podrían crearse con
un uso realista del sonido.
3) Montaje: “Es el principio que regula la organización de elementos fílmicos visuales y
sonoros, o el conjunto de tales elementos, yuxtaponiéndolos, encadenándolos y/o
regulando su duración.”4 Este es un elemento vital para determinar el estilo de un
realizador dentro de su obra. El montaje se comprenderá en su dimensión sintáctica,
comprendida como la unión de dos imágenes dentro de una película, que tiene como
consecuencia la creación de un vínculo significativo entre ellas. La complicación de
esas asociaciones da origen a estructuras sintácticas, las cuales se utilizan para dar
forma y estructura a la obra. Hay que identificar el tipo de asociación principal con el
cual el autor trabaja narrativamente dentro de la película, mediante la identificación
de la estructura sintáctica que prima en el montaje de la película:
a) Plano-secuencia: todos los momentos que componen una secuencia son incluidos
en el encuadre. Resulta utilización de un montaje análogo, realizado en el mismo
plano que puede cambiar su punto de vista.
b) Découpage: es la asociación de una serie de imágenes que son diferentes a la
misma situación, pero en donde cada cual subraya un aspecto. Es el tipo de
montaje más común, y se podría decir que representa la secuencia por las
imágenes de sus acciones fragmentadas. Se basa en las asociaciones por identidad,
analogía, proximidad, y trata de dar una fluidez basado en esos principios.
c) Montaje-rey: en este la asociación de las imágenes no presenta un nexo directo
entre sí. Su fuerza está en la yuxtaposición entre las imágenes, la cual genera un
posible nexo entre ellas. La extrañeza y la metáfora audiovisual son las principales
metas de esta estructura.
4
AUMONT, J; et. al. Estética del cine. Barcelona, Paidós, 1983. 62p.
4) Puesta en escena: son elementos narrativos que juegan a favor del realismo presente
en la película, o jugar hacia el simbolismo, siendo parte de la propuesta de estilo del
director. De ellos se distinguen dos grandes elementos:
a) Vestuario: tal como los diálogos y la iluminación, forma parte del arsenal de los
medios audiovisuales de expresión, y se considera con respecto al estilo de
realización, para que pueda acrecentarlo o disminuirlo. Los vestuarios vistos en las
películas, que llevan los personajes, se pueden clasificarse según época histórica,
estilización y uso simbólico:
i) Realista: es conforme a la realidad a la realidad histórica (cuando la película se
remite a una época). Aquí la prioridad está en la exactitud.
ii) Pararrealista: se inspira en la moda de época, pero se lleva a cabo una
estilización. La preocupación por el estilo y la belleza está por encima de la
exactitud. El vestuario posee una elegancia intemporal.
iii) Simbólica: la exactitud histórica no tiene importancia y el traje tiene antes que
todo la misión de traducir simbólicamente caracteres, tipos sociales o estados
de ánimo.
b) Decorados: una obra audiovisual puede tener un decorado real y auténtico, en el
cual el realismo se apega a lo grabado, o por otro lado, puede apelar al simbolismo
mediante la expresividad de un decorado que vaya en contra de la realidad formal
de la historia, construidos por un deseo de estilización y significación. Comprende
desde los paisajes naturales hasta construcciones humanas. Interiores o exteriores,
reales o construidas en un estudio. Los decorados vistos en las películas, los cuales
se clasifican según la forma en que representen la realidad:
i) Realista: el decorado no tiene más importancia que su materia misma y sólo
significa lo que es.
ii) Impresionista: el decorado (paisaje) se elige bajo la dominante psicológica de la
acción, de esta manera condiciona y refleja el drama de los personajes.
iii) Expresionista: aquí se crea el decorado casi siempre en forma artificial, con el
fin de sugerir una sensación plástica.