La IMAGINERIA española escuelas y principales artistas. Curso 2015

EL BARROCO.
ESCULTURA
[ESQUEMAS DE HISTORIAL DEL ARTE]
10.5.- LA IMAGINERÍA BARROCA ESPAÑOLA: ESCUELAS Y PRINCIPALES ARTISTAS.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA BARROCA:
LA ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA
En España el Barroco coincide con el período cultural que se ha denominado el Siglo de Oro. Es un período de
máximo desarrollo de las letras y las artes, que contrasta con la profunda y compleja crisis política, social y
económica que se vive en España, lo que casi anula los encargos de la burguesía y de la aristocracia, que se
conforma con las grandes decoraciones barrocas de pintura. Por tanto es la iglesia el principal cliente y las ideas de
la contrarreforma las que en la escultura se van a manifestar.
A.- CARACTERÍSTICAS GENERALES
1.- La situación política que atraviesa España [ crisis política, social y Económica ] van a condicionar la escultura y
la imaginería barroca. La temática religiosa y la madera policromada serán fundamentales.
2.- La escultura se verá muy influida por las ideas Contrarreformistas: representar la realidad religiosa como
hechos cotidianos para mover al espectador hacia la piedad y hacia la religión. Lo sobrenatural como algo cotidiano.
La TEMÁTICA será religiosa INMACULADAS santos recientes: Santa Teresa, San Ignacio de Loyola, San Francisco
Javier, fundadores de órdenes religiosas como San Bruno , San Bernardo, San Francisco etc.
3.- Los materiales: más abundantes serán MADERA POLICROMADA, pocas veces el mármol y el bronce para las
esculturas ecuestres del foco de la corte. Se abandona poco a poco el ESTOFADO renacentista y se le va sustituir
por colores enteros en las vestiduras.
4.- La pintura de imágenes se convierte en especialidad y estuvo en manos de pintores renombrados como sucede
con Francisco Pacheco y las esculturas de Martínez Montañés.
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5.- Importancia de los PASOS PROCESIONALES tanto a nivel individual ( Cristo vírgenes, santos ) o bien en
grupos que narran una secuencia la Pasión y Muerte de Cristo. Se crea una muestra de gran espectacularidad: las
imágenes paseando calles, las saetas, los pasos que salen al amanecer o al atardecer creando unos espectáculos
festivo religiosos como sucede en Andalucía
6.- Los principales MECENAS será la IGLESIA a través de COFRADÍAS Y HERMANDADES, en menor
importancia la CORTE debido a la situación de pobreza que vivía el país
7.- EL REALISMO y esto les llevó a la introducción de los postizos en las esculturas ( uñas de cuerno, dientes de
pasta, ojos de cristal, pestañas y cabellos naturales etc )
8.- TIPOS: IMÁGENES DE VESTIR solo tienen las manos y la cara talladas, el resto es una estructura de alambre.
Posteriormente se realizarán las llamadas IMÁGENES DE URNA , pequeñas imágenes transportables.
9.- Ausencia de la teatralidad y del dinamismo de la italiana de Bernini. Continua la tradición de Juan de Juni y
Alonso Berruguete. Posteriormente evolucionará hacia el naturalismo; las figuras en escorzo, las diagonales y la
abertura hacia afuera en las líneas compositivas, la abundancia de plegados en los vestidos y las preocupaciones
lumínicas; y entre las características meramente españolas el fuerte realismo y la extremada expresividad de las
figuras humanas.
10.- A mitad de siglo llega la influencia de Bernini a la Corte e influirá en los maestros de la 2 ½ del siglo de las
escuelas Andaluza y Levantina. Esta influencia se prolongará en el s. XVIII con SALZILLO.
11.- Aparte de los focos Castellano y Andalucía el FOCO CORTESANO se compone de artistas italianos que
trabajan en las esculturas ecuestres de los reyes o en fuentes monumentales que se han perdido ( Fuente de la
Puerta del Sol, Fuente del Humilladero de San Francisco )
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B.- PRINCIPALES ESCUELAS Y ARTISTAS.
1.- ESCUELA CASTELLANA
GREGORIO FERNÁNDEZ [ 1576 / 1635]
Figura clave en la creación de imágenes religiosas. Tuvo importantes encargos de otras partes de la zona norte con
lo cual se difunde su influencia: Oviedo, Vitoria, Madrid, Oporto )
Se inicia en el taller de su padre como RETABLISTA E IMAGINERO.
Su actividad se enmarca en LA PIEDAD de la sociedad castellana y en el periodo donde la capital de la Corte estuvo
en Valladolid. Su CLIENTELA (la nobleza ) que le realizaron importantes encargos .
Su ciudad: VALLADOLID: importancia : aquí se daba el comercio más lujoso y contaba con instituciones como la
Universidad, la Audiencia y la Chancillería .
Artísticamente EVOLUCIONARÁ desde la influencias manieristas de Juan de Juni [ conocía la obra cuando trabaja
en Valladolid ] hasta conseguir gran naturalismo a través del tratamiento anatómico de las figuras.
Como RASGOS de sus esculturas son: los ojos entre abiertos, boca entreabierta, manos crispadas. Posteriormente,
en sus últimas obras ya se ven influencias de Bernini en su preocupación por buscar los efectos de teatralidad,
contrastes de luz y sombras etc. POPULIZARÁ imágenes de Cristos crucificados, yacentes, imágenes de San Isidro
Labrador, Santa Teresa. Como MATERIALES: trabajará será LA MADERA, nogal y cedro, con técnica de talla. La
madera se policromará utilizando el temple. Abandona el dorado renacentista y prefiere encarnaciones mate sin
brillo, se acercaban más a la realidad. EL TRATAMIENTO DE LOS PAÑOS: los tallaba como si fuera cartón
provocando pliegues con aristas lo que permite el juego de luces y sombras. Destaca también el gran
VIRTUOSISMO en el tratamiento del desnudo, de la anatomía marcando heridas, sangre, coágulos y destrozos de la
piel. SU ESCULTURA SE PUEDE AGRUPAR COMO:
A.- PASOS PROCESIONALES: Fueron encargos de cofradías, cabildos y órdenes religiosas para adornar capillas y
monasterios.
 El descendimiento
 Cristo con la Cruz a cuestas.
 CRISTO ATADO A LA COLUMNA
 La Coronación de espinas
EL DESCENDIMIENTO
IDENTIFICACIÓN
Autor: Gregorio Fernández
Fecha: 1623.
Estilo escultura barroca. Escuela castellana
Tipo: escultura religiosa / paso procesional
ANALISIS FORMAL
Resultado de encargos de COFRADÍAS Y HERMANDADES. Renueva los pasos a partir de la construcción de los
mismo en Madera policromada. Los construye como escenas vivientes, con muchas figuras. Enorme complejidad
técnica ya que todas las figuras están diseñadas de tamaño natural. Teatralidad, efectismo, barroquismo,
gesticulación. Naturalismo: tratamiento de telas y gestos.
Anatomía detallada, tratamiento de telas acartonadas
ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO
Imágenes en procesión contacto con el creyente / acercamiento a la piedad popular.
Las imágenes reflejan dos mundos: los buenos ricas indumentarias (la virgen, personajes bíblicos ) los malos: feos,
groseros, toscos , embrutecidos ( sayones, soldados y torturadores ). Los primeros el sufrimiento les ennoblece, los
segundos el aplicar el dolor, los embrutece y los hace bestias
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CRISTO ATADO A LA COLUMNA
IDENTIFICACIÓN
Autor: Gregorio Fernández
Fecha: 1615.
Estilo escultura barroca. Escuela castellana
Tipo: escultura religiosa / paso procesional
ANALISIS FORMAL
DESCRIPCIÓN: solo se conserva la imagen principal. Iba acompañada de dos sayones. Se daba culto el resto del
año y se sacaba en Semana Santa.
COMPOSICIÓN: Cristo en el momento de recibir los azotes. Figura ligeramente inclinada hacia adelante y hacia u
lado resultado del dolor del sufrimiento. Se observan aspectos manieristas en: frialdad de la imagen elegancia dentro
del dolor, cierto interés por la línea curva. Hay un giro y un movimiento muy medido: piernas y brazos se sitúan en
direcciones contrarias.
POLICROMÍA: realista, consigue la sensación de dramatismo. Se marcan las distintas heridas / se utilizan elementos
postizos ( ojos ) para causar sensación de realismo. Paño de pureza acartonado y anguloso. Claroscuro. Patetismo
contenido
ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO
Imagen que trata de revivir la Pasión y mostrar una lección al creyente. Aquí se mezcla realismo / teatralidad efectos
escénicos puestos al servicio de la difusión de una idea: servir al CATOLICISMO
B.- VIDA DE CRISTO
Cristo Yacente del Museo nacional de escultura
La Flagelación
Cristo de la Luz, Cristo de la piedad
La piedad.
En todas estas figuras lo fundamental EL REALISMO, el estudio anatómico, el tratamiento de las heridas o de la
sangre: usa la resina y el corcho para fingir los coágulos de sangre.
Concibe las obras con uno o con varios puntos de vista dependiendo el lugar donde va a ser dispuesto. Las obras
como la piedad predomina el punto de vista frontal. Los pasos procesionales tienen mayor puntos de vista.
COMPOSICIÓN: los grupos siguiendo diagonales bruscos, escorzos y ropajes muy plegados que se traducen en
juegos de luces y sombras.
CRISTO YACENTE
IDENTIFICACIÓN
Autor: Gregorio Fernández
Fecha: 1614. Dimensiones 1,90 x 73 cm
Estilo escultura barroca. Escuela castellana
Tipo: escultura religiosa Técnica: Talla:
ANALISIS FORMAL
DESCRIPCIÓN: Cristo acaba de morir. Todavía se ven el sufrimiento y las heridas entreabiertas
COMPOSICIÓN: el cadáver aparece desnudo, tendido y con la cabeza ladeada encima de una almohada Los signos
del sufrimiento se ven: la herida en un costado, la sangre que brota de ella, de las rodillas, los ojos medio cerrados
los cabellos rizados , la boca todavía abierta. El cuerpo: modelado suavemente, estudio anatómico, detalles
naturalistas: costillas o la elevación del esternón, los pliegues de la sábana.
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POLICROMÍA: realista, consigue la sensación de dramatismo la sangre, los moratones de los pies y del costado, las
rodillas ensangrentadas
ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO
Imagen de nueva creación solía estar delante del altar mayor en las iglesias de Viernes Santo. El objetivo promover
el fervor religioso de los fieles. Se busca el efectismo, la treatralidad con tal que el mensaje llegue mejor al fiel.
Imágenes sencillas para un público sencillo. Aquí se mezcla realismo / teatralidad al servicio de la difusión de una
idea: servir al CATOLICISMO.
C.- LAS INMACULADAS
Una forma de difundir los planteamientos religiosos de la Contrarreforma. Fija el tipo iconográfico de MARÍA
INMACULADA , muy atacada por el protestantismo a la que negaban su papel en el proceso de redención. Creará
la imagen: Niña envuelta sobre una nube, con una túnica blanca, con las manos cruzadas en el pecho y un manto
azul celeste cayendo sobre los hombros y una serpiente a sus pies en lugar del dragón del que hablan las Escrituras.
Se difunde la imagen de las PIEDAD de edad avanzada que sostiene en su regazo el cuerpo de Cristo. En estas
imágenes se acentúa la teatralidad y el patetismo invitando a los fieles a participar en el dolor y muerte de Cristo.
LA PIEDAD
IDENTIFICACIÓN
Autor: Gregorio Fernández
Fecha: 1616. Dimensiones 1,75 cm
Estilo escultura barroca. Escuela castellana
Tipo: escultura religiosa Técnica: Talla:
ANALISIS FORMAL
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ESCULTURA
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DESCRIPCIÓN: Cristo en el regazo de su madre unas horas después de haber muerto. COMPOSICIÓN: se trata de
un grupo escultórico compuesto por varias figuras San Juan, la Magdalena y los dos ladrones, y la Virgen con el
Cristo muerto. La virgen soporta el cuerpo que parece deslizarse, resbalarse por el peso, rompiendo con ello la
estructura piramidal y buscar las líneas diagonales y la asimetría tan propias del barroco. Teatralidad gestual y
patetismo. POLICROMÍA: realista, contrastada entre el cuerpo marmóreo con detalles de Cristo y los colores de la
túnica de la Virgen. Los paños acartonados consiguen introducir la luz en la escultura
ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO
España fue la principal abanderada de la Contrarreforma y por ello los principales encargos fueron de la Iglesia a
través de las Cofradías y Gremios. Hay que expresar una religión de puertas a fuera, de manera pública contraria a
las reformas protestantes más intimista. Para ello habría que utilizar todos los medios posibles: madera policromada,
objetos realistas etc.
D.- SANTOS
Difundirá tipos y santos de reciente creación, canonizados en ese siglo o en el anterior, como: santa teresa de
Jesús, San Ignacio de Loyola u otros vinculados a la piedad popular como San Isidro.
Santa Teresa de Jesús:
Se le representa con sus hábitos y libro con pluma buscando inspiración divina.
Estática, con la pluma y la mente en espera de la comunicación divina.
San Ignacio de Loyola
San Isidro.
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B.- PRINCIPALES ESCUELAS Y ARTISTAS.
2.- LA CORTE
Madrid sede de la corte fue un foco básico de la escultura. Los encargos de la Corona hizo que coincidieran aquí
escultores Italianos y nacionales. Serán un grupo de escultores extranjeros al servicio de la Monarquía: Juan de
Bolonia Pietro Taca que realizarán las esculturas de Felipe III y Felipe IV
MANUEL PEREIRA
Portugués afincado en Madrid.
Realizará muchas obras en PIEDRA destinadas a ornamentar el exterior de los edificios. También trabajará la
madera y el alabastro.
Sus rasgos: Estilo sereno, elegante, sobrio. Figuras esbeltas y llenas de sentimiento místico. Realismo intenso
La estatuaria oficial apenas existe, los mayores clientes de los escultores barrocos son las iglesias y conventos, sólo
cabe citar:
Estatua Ecuestre de Felipe III en la Plaza Mayor de Madrid: Regalada al monarca español por el gran duque de
Florencia, Cosme de Médicis, está situada en el centro de la plaza, fue realizada en Florencia por los escultores Juan
de Bolonia, que hizo el vaciado en bronce, y Pietro Tacca, que remató la obra.
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Estatua ecuestre de Felipe IV en la Plaza de Oriente: Una de las más importantes estatuas ecuestres de la
historia, fue diseñada por Velázquez, fundida en bronce por Pietro Tacca en Italia y se supone que Galileo hizo los
cálculos para que pudiera sujetarse en un difícil equilibrio, en corbeta y sostenido con las patas traseras y la cola.
3.- LA ESCUELA ANDALUZA: SEVILLA
MARTÍNEZ MONTAÑEZ
Tiene enorme importancia en al escuela andaluza: maestro, inspirador, gran taller de gran influencia. Su
personalidad evolucionará desde: Torrigiano y Miguel Ángel hasta conseguir su propio estilo.
Tiene un REALISMO DE CARÁCTER DIDÁCTICO con los encargos de los Jesuitas y un profundo conocimiento de
la anatomía. Sus proporciones son clásicas y en sus obras a veces se aparta del patetismo y del dramatismo.
Predominan LO MELANCÓLICO Y LO MÍSTICO alejándose del patetismo de le Escuela castellana. Le interesa LA
BELLEZA SERENA, REAL. Creará esculturas que perdurarán en la iconografía española como San Ignacio, San
Bruno etc. En su tiempo considerado “ un dios de la escultura “
Intervendrá en muchos retablos que también era tracista y ensamblador. Sus obras más destacadas son:
LAS INMACULADAS: Tema muy solicitado por cofradías y órdenes religiosas. Sus imágenes aparecen con el
manto terciado y en actitud ascendente, como trasportada por los ángeles al cielo.
INMACULADA
LOS CRISTOS CRUCIFICADOS.
CRISTO DE LA CREMENCIA
SAN JERÓNIMO DE MARTINES MONTAÑES
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MARTINEZ MONTAÑES. SEVILLA
IDENTIFICACIÓN: CRISTO DE LA CLEMENCIA
Autor: Martínez Montañés
Fecha:
Estilo escultura barroca. Escuela andaluza
Tipo: escultura religiosa Técnica: Talla:
ANALISIS FORMAL
DESCRIPCIÓN: Cristo en el momento de morir- Uno de los crucifijos más expresivos de todos los pasos de Semana
Santa. COMPOSICIÓN: Serenidad y amabilidad en esta escultura es resultado del contrato y los términos del
mismos.“ el Cristo ha de estar vivo antes de haber expirado, con la cabeza inclinada hacia el lado derecho mirando a
cualquier persona que estuviera orando al pie como que le esta hablando el mismo Cristo y como quejándose que
aquello que padece es por el que está orando”
Anatomía muy estudiada como en los clásicos. Paño de pureza complejo con plegado menudo y múltiple donde nos
expresa la habilidad del escultor como tallista. POLICROMÍA: fue policromado por Francisco Pacheco.
ANALISIS NO FORMAL / SIGNIFICADO
España fue la principal abanderada de la Contrarreforma.
JUAN DE MESA
Discípulo de Martínez Montañés
Añade al anterior mayor dramatismo y violencia expresiva muy especialmente en sus crucifijos. La diferencia con
Martínez Montañés radica en el tratamiento del cuerpo, el abuso de sangre y heridas, el plegado complejo y mas
hinchado.
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PEDRO ROLDÁN
Es el escultor el dramatismo a su máxima expresión. Realiza complejas escenografías integrados dentro de retablos
como EL RETABLO MAYOR DE LA IGLESIA DEL HOSPITAL DE LA CARIDAD DE SEVILLA. Una obra
concebida como una representación teatral con lo cual los personajes son tallados con gran realismo, resaltando los
efectos de luz y sombra. De fondo colocará un paisaje pintado con el Gólgota y las tres cruces.
3.- LA ESCUELA ANDALUZA: GRANADA
ALONSO CANO
Era escultor arquitecto, pintor. Primer escultor andaluz que no utiliza ni el oro ni el estofado, por lo que emplea
colores puros en la policromía de sus esculturas, aumentando así su valor expresivo. También se caracteriza por una
mayor expresividad en rostros y actitudes, por un mayor dinamismo y por la búsqueda de la perfección, del equilibrio
y la idealización de los modelos. Su escultura se ve influencia por Martínez Montañés en aspectos como:
Contención expresiva y el clasicismo.
Del renacimiento el gusto por la estilización y lo delicado y menudo.
Creará modelos iconográficos que perdurarán en el tiempo . Su traslado a la corte gracias al Conde Duque de
Olivares, su protector, como pintor, le influirá Velázquez.
IDENTIFICACIÓN:
Nombre: INMACULADA DEL FACISTOL
Fecha: 1655, Técnica: Talla . Material: madera Policromada. Dimensiones: 55 cms
Iba destinada al atril o facistol del coro de la catedral de Granada, por ello con diversos puntos de vista que se
recogen en la escultura.
COMPOSICIÓN: de aspecto fusiforme la esculpe girando la cabeza y disponiendo las manos en dirección contraria
con lo que rompe la visión frontal y le da otros puntos de vista.
De pequeño tamaño esta inmaculada se apoya en una nube de ángeles y querubines. Muestra a la virgen niña muy
dulce, de rostro sencillo y concentrado. Las manos están talladas con finura y delicadeza.
POLICROMIA: muy cuidada, se nota aquí sus conocimientos como pintor.
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ESCULTURA
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Virgen de la Oliva del Retablo de la Iglesia de Lebrija:
Cano se hizo cargo de la parte arquitectónica y escultórica, representando una revolución barroca en el diseño
arquitectónico, siendo su rasgo principal el orden colosal a gran escala. Aparece la Virgen, enormemente clásica, en
actitud contemplativa y con una gran dignidad. Se aleja de sus contemporáneos en dos rasgos iconográficos: la
desnudez del cuerpo del Niño y la cabeza cubierta de la Virgen, dos rasgos renacentistas que Cano conserva, junto
con la pervivencia del estofado.
PEDRO DE MENA
El verdadero fundador de la Escuela de Granada. Discípulo de Alonso Cano, aunque muy distinto a él, es más
realista que su maestro e intenta representar en sus obras incluso los estados de ánimo de los protagonistas,
manifestando también la emoción contenida y la tensión dramática de los temas, pero siempre con la mesura y
sensibilidad andaluza.
Difundirá tipos iconográficos como las esculturas de busto de Dolorosas, Ecce Homos. En los rostros sabía muy bien
reflejar el misticismo, el dolor. Se recrea en el patetismo
Conectó muy bien con la sensibilidad de su época: comunicaba al fiel un tipo de religiosidad exteriorizada y para ello
no dudó en utilizar recursos como postizos muy naturalistas y propios de su época.
Un tema muy trabajado por él será las imágenes de San francisco copiadas a partir de la momia del Santo y en las
imágenes de la Inmaculada penitente siempre muy teatrales, mucho dramatismo en el rostro y detalles en el vestido
de estameña.
Obras:
 Busto de la Dolorosa
 San Francisco
 Magdalena Penitente
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IDENTIFICACION
Nombre: La Magdalena Penitente
Fecha: 1664
Técnica: Talla
Material: madera policromada
Dimensión , 1,65
ANÁLISIS FORMAL
TEMA: imagen de una mujer pecadora arrepentida por su pasado, que mira la cruz en señal de arrepentimiento y
redención. COMPOSICIÓN: figura de tamaño natural exquisitamente labrada. Refleja el fervor religioso mediante
gestos muy teatrales : mano derecha de dedos finos, reposa sobre el pecho; el izquierdo sostiene con fuerza el
crucifijo, el cuerpo ligeramente inclinado hacia adelante. El rostro muy detallado: boca entreabierta, ojos enrojecidos,
mejillas rígidas del llanto y frente arrugada. La túnica de palma oculta las formas femeninas hasta el punto que ni
siquiera se insinúan.
Imagen llena de sensibilidad, emoción y realismo, aunque no tanto como las castellanas; el punto de mayor
expresividad es el bello rostro, donde refleja la pena y la angustia sentidas por la santa, magníficamente reflejado en
la emotiva mirada dirigida al crucifijo que sostiene con una de sus manos, destaca el virtuosismo de la talla, con el
que consigue magníficos efectos realistas en el tratamiento de las calidades.
ANÁLISIS NO FORMAL
La escultura cumplía muy bien su función: la penitencia, el arrepentimiento reflejado en los pies descalzos y el
cinturón de cuerda. Pedro de mena no esculpía cuerpos, reflejaba estados del alma. Solía firmar sus obras ya que
sus encargos provenían de diferentes lugares.
San Francisco: El estilo maduro de Mena se caracteriza por un vigoroso naturalismo y un interés por el patetismo
que le alejan de la sensibilidad de Alonso Cano, su maestro.
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4.- LEVANTE: EL FOCO DE MURCIA
FRANCISCO SALZILLO.
Se desarrollo durante el s. XVIII. Hay una serie de autores que entran en contacto con Italia, con Génova y Nápoles y
van a unir en las esculturas: la sensibilidad del Barroco y su espiritualidad con el gusto por las imágenes frágiles y
delicadas.
La obra de Salzillo coincide con un periodo próspero de Murcia, de la explotación de la Huerta, la construcción de la
Catedral y de la comercialización de la seda. Continuación de la tradición barroca pero inclinado a figuras finas y
delicadas, con un tratamiento especial de la pintura, casi porcelana, muy entusiasta del color. Tenía unas enormes
capacidades creativas muy especialmente para los Belenes y pasos. Sus encargos provenían de la burguesía
enriquecida con el comercio.
Es autor de muchos belenes donde la expresividad y el realismo es más libre y sobretodo de muchos pasos de
Semana Santa. Autor principalmente de pasos de Semana Santa, grupos complejos más que figuras aisladas, que a
modo de secuencia van narrando la Pasión de Cristo a los fieles. En su obra se aprecian claras influencias italianas,
sobre todo por su equilibrio clásico, y se hace evidente el encanto rococó de moda en la Europa del siglo XVIII.
Obras:
 La oración en el huerto
 El prendimiento
 Imágenes de Belenes.
La Oración en el huerto: su obra más importante, es un grupo en madera policromada perteneciente a las escenas
de la Pasión y destinado a ser paseado por las calles en Semana Santa; por sus características plásticas se sitúa en
la transición entre el barroco y el refinamiento y delicadeza del rococó, destacando el canon neoclásico en el desnudo
del ángel.
El Prendimiento: Destacan el contraste entre los rostros de Jesús y Judas, la belleza y bondad frente a la fealdad y
maldad, y el realismo del brazo que porta la espada de San Pedro.
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EL BARROCO.
ESCULTURA
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FRANCISCO SALZILLO
IDENTIFICACION
Nombre: Belén
Fecha: 1776
Técnica: Talla
Material: cerámica policromada
ANÁLISIS FORMAL
TEMA: la representación de el Nacimiento de Jesús de larga tradición napolitana introducida aquí por los contactos
económicos que tenía levante con Nápoles.
COMPOSICIÓN: figura de pequeño tamaño, donde se refleja el realismo y espontaneidad del autor. Además de
realizar los temas tradicionales Natividad, Adoración de los Reyes Magos, Huida de Egipto etc, introdujo escenas
populares desde pastores, mendigos, hombres desollando a un animal etc.
Tratamiento de las figuras es de frescura y naturalidad, expresividad natural sin maquillajes. Imita ropas vulgares ,
objetos caseros etc.
ANÁLISIS NO FORMAL
La tradición viene de Italia donde las familias nobles rivalizaban por poseer el belén más detallado y cuidado. Se
trataba de escenas de la vida cotidiana tanto urbana como rural donde se representaban a escala reducida los
aconteceres de la vida.
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