Arte Griego

PRESENTACIÓN: Los griegos
Clase sin Power Point, introducción a “los griegos”. Nos presentamos y hablamos con
los alumnos: por qué han elegido la asignatura, qué estudios se plantean de cara al
futuro, grado de interés (introducir dinámica del seminario). Puntos tratados:
a. El espíritu griego: la excelencia (areté), mentalidad agonística. La kalokagathía:
la búsqueda de lo bello y verdadero
b. Ars y techne. Concepto de akmé
c. Griego vs. bárbaro: lengua y religión (excursus sobre los santuarios griegos
fundamentales, el término de graeci)
d. Cronología básica de los griegos:
1. preguntamos aquello que conocen: helenismo (Alejandro, 323 a. C.)
2. Situamos el I milenio a. C: origen de la POLIS, s. VIII a. C. (recordar)
e. Diferenciamos entre polis y ethnos, la Grecia clásica definida como poliádica, la
Grecia helenística presidida por la figura del basileus.
f. Introducimos el concepto de clásico, en el sentido de referente. Situamos el
momento clásico de Grecia: Atenas en el siglo V a. C. Explicamos el sentido
diacrónico de selección
g. A partir de la ubicación de la época clásica introducimos el sentido de
postclasicismo en relación al helenismo, y de arcaísmo en relación al período
preparatorio
h. Insinuamos los dos espacios geográficos principales de la Grecia clásica: la mal
llamada “Grecia continental”, en realidad Mar Egeo, y la Magna Grecia:
exponente del fenómeno colonial (ad s. VII a. C.)
i. Justificamos nuestra selección del temario a partir de la Grecia del I milenio a.
C.: limitaciones tiempo, selección externa en función temario prueba selectivo,
pero sin olvidar su importancia capital en el origen de la cultura occidental
GENERAL ARTE GRIEGO
1. Ars / Techne:
2. Curiosidad intelectual del artesano griego ante ciertos problemas, en especial a partir
del siglo VII a. C., de donde se marca inicio de la época arcaica para el arte:
o Problema general: estática y movimiento (recordar filosofía presocrática:
SER y DEVENIR)
o Problema construcción: sostener una construcción de piedra
(PERMANENTE) en lugar de una de madera y adobe
3. Con Grecia apreciamos una completa evolución desde lo arcaico a lo helenístico
(barroco)
4. En el arte griego desaparece el colosalismo oriental: el hombre es la medida de todas
las cosas (Sócrates), de ahí que su arquitectura esté proporcionada y en armonía con
el hombre
ARQUITECTURA GRIEGA
Introducción
Una de las máximas consecuciones del arte griego ha sido dar una tipología de
construcción arquitectónica a través de unos estilos1 u órdenes que han perdurado a lo
largo del tiempo, por lo que hoy conocemos la arquitectura griega con el nombre de
arquitectura clásica.
Esta tipología no surgió ex nihilo, sino de un arduo proceso de prueba y
selección, en el que a partir del siglo VII (inicio del período arcaico) fue decisiva la
trasposición a piedra de formas arquitectónicas muy anteriores realizadas antes en
materiales tales como la madera, el adobe o la terracota. Las formas básicas a las que
nos referimos son el mégaron (rectangular) y el tholos (circular), la búsqueda
arqueológica de precedentes nos retrotrae más allá del II milenio a. C., si bien en lo que
a nosotros nos interesa, las bases de la arquitectura griega se gestaron en época
histórica, culturas minoica y micénica, que a su vez estaban influenciadas por culturas y
civilizaciones mediterráneas tales como la egipcia o la hitita.
Baste aquí señalar que la cultura micénica (mediados II milenio a. C.) presenta
con función palacial el mégaron y con función funeraria el tholos. La cultura micénica
no desconoce el empleo de la piedra en sus construcciones, la clave del período arcaico
es que traspone a piedra las formas de construcción que eran propias en Grecia en ese
amplio y muy desconocido período que conocemos como época oscura, que enlaza la
cultura griega desde el final del mundo micénico hasta la aparición de la Grecia arcaica
En este estudio, partimos siempre de restos arqueológicos, sitos en yacimientos
ocupados durante siglos (reformas, destrucciones, abandonos, etc.), de donde
necesitamos de plantas y reconstrucciones aproximadas para recuperar el sentido
estético original de una construcción en un momento dado.
Las principales construcciones que protagonizan este paso fueron realizadas para
honrar a sus dioses con el fin de que perduraran en el tiempo. Es por ello que el estudio
de la arquitectura griega parte y tiene como base principal el estudio del templo griego,
entendido como morada del dios (en concreto de su estatua de culto), y que es por ello
la manifestación más representativa y monumental. En este sentido cabe tener en cuenta
dos variables:
1. Desde sus orígenes, la construcción en piedra en Grecia se distingue por una
rara perfección, especialmente patente en los aparejos2: los sillares eran
asegurados con grapas y al muro, una vez finalizado, se le sometía a un
cuidadoso alisado
1
2
Etimología: stu=loj, o(, pilar o soporte de madera.
Forma de disponer los elementos empleados en la construcción de un muro.
2. El templo griego ignora el espacio interno, está concebido como la morada del
dios y los ritos tienen lugar fuera del mismo.
El esquema constructivo del templo griego es muy elemental: el trilito, esto es,
la combinación de una losa de piedra horizontal, con otros bloques de piedra vertical
para su apoyo, lo que conocemos como arquitectura adintelada o arquitrabada (si bien
conocían también, el arco y la falsa bóveda), en la que la carga se dispone de forma
horizontal, de suerte que las columnas ayudan a aliviar la sensación de masa.
En cuanto a la planta, eligieron, especialmente, un tipo planta rectangular
derivado del mégaron micénico, de función palacial y no diferenciadamente sagrada. Se
trataba de una sala rectangular, precedida por un porche sostenido por columnas, que
presenta en el fondo el espacio dedicado a la eschara u hogar, sobre este esquema nos
aparece mutatis mutandis la estructura del templo griego que diferencia atrio y cella
Porche sostenido por columnas (1)
Pronaos
Sala rectangular (2)
Naos
Eschara u hogar (3)
Estatua de culto
____________(2)__________
(3)
__(1)__
Palacio de Tirinto, ca. 1450 a. C. (apud. Arte Griego I)
Proporción y belleza
Para los griegos, la búsqueda de una correcta disposición del templo lleva a que la
arquitectura antes que una técnica de construcción se convierta en número, proporción y
equilibrio. El período arcaico muestra los esfuerzos que llevan a la fijación en época clásica
de unas leyes o normas que codifican la organización del edificio según un “orden”
interno, un kosmos, de proporción y analogía recíproca, esto es, un esquema fijo
reglado de relaciones recíprocas entre las partes y los elementos constituyentes que
permitiera al arquitecto controlar el resultado final en un espacio dado, ya que el templo
–edificio sagrado- debe adaptarse al templum –espacio sagrado- y no al revés. La
belleza del edificio es según este orden, de la misma forma que sucede en escultura con
las partes y miembros del cuerpo de un hombre bien formado.
Estas reglas fijas son desconocidas en gran medida, no porque no faltaran
tratados de arquitectura, sino porque estos se han perdido mayoritariamente, de forma
que a penas sí contamos con obras tardías como De Architectura del romano VITRUVIO
e indicaciones diseminadas aquí y allá en las fuentes clásicas, que se ven
complementadas con las hipótesis generadas a partir de los restos arqueológicos, en
muchas ocasiones muy exiguos. Aún así y sin descender aquí a detalles más precisos,
podemos distinguir unos principios directrices de equilibrio:
proporción: fijación de medidas a partir del cálculo de módulos constantes
(número de oro o número F)
analogía: simetría y correspondencia entre las partes y los elementos de la obra y
de toda la obra en su conjunto.
La construcción del templo requería armonizar las partes diferenciadas en la planta
del edificio con los distintos elementos constitutivos del mismo. Es por ello, que a
través de planta y elementos los historiadores del arte catalogan a un templo griego
cualquiera:
I.
Planta:
Partes
Uno de los logros de la arquitectura griega es la distinción orgánica de tres
partes fundamentales en el templo,
a. Sala, naos (lat. cella): espacio central del templo en el que se guardaba la
estatua de culto
b. Atrio, pronaos
c. Atrio posterior, opistodomos (recordar simetría)
A ello se pueden añadir ciertas variaciones, en especial:
o el ádyton (lit. “inaccesible”), espacio independiente de la naos que en ciertas
ocasiones aparece como una subdivisión de la cella sólo accesible desde el
opistodomos (en otros casos se halla rodeando o bajo la cella)
o templos hípetros: algunos templos no contaban con una cella propiamente
dicha, sino que el espacio de ésta era ocupado por un patio a cielo abierto en
el que se halla uno o varias capillas con la estatua del dios (naiskos)
Tipología
Según la distribución de la planta
 Áptero puro (21)3 (edificio sin pórtico columnado)
 Áptero (22) in antis (30), columnas entre las antas4. Normalmente aparece como
dístilo: di-stilo, “dos columnas” entre las antas
 Áptero próstilo (23). Normalmente aparece como tetrástilo (32). El desarrollo
simétrico entre fachadas conduce al áptero anfipróstilo (24)
 Períptero (25)= peristilo, peri-stilo: la cella está rodeada de columnas: (pteroma).
Entre columnas y paredes de la cella se distribuye un paso, ambulatio. La distancia
del intercolumnio será regulada según proporción (misma distancia entre
intercolumnios que la que guarda respecto a las paredes en derredor). Una versión
es el templo pseudoperíptero (26), en el que las columnas aparecen adosadas a los
muros de la cella. Por el contrario, el templo díptero (28), es aquel templo
períptero con doble fila de columnas (entre fila y fila, distancia de un
intercolumnio). Versión de este es el pseudodíptero (29), templo períptero de una
sola fila de columnas, pero situadas estas a una distancia superior a dos
intercolumnios respecto a las paredes de la cella.
Según la cella:
 Íptero (27), templo con columnas dentro de la naos
 Hípetro, “a cielo abierto”, templo cuya cella está descubierta
Según el número de columnas en los lados cortos:
 Dístilo (30). Normalmente in antis
 Tetrástilo (31)
 Hexástilo (32)
 Octástilo (33)
 Decástilo
3
Etimológicamente “áptero” ( a-ptero) significa “sin alas”.
Anta: pilastra cuadrangular que refuerza o decora el final de una pared, especialmente los muros largos
que forman la cella del templo, prolongados en la fachada formando un pórtico.
4
II.
Elementos: de la misma forma que señalábamos para la planta, la arquitectura
griega tiene también como logro la distinción funcional entre:
o Elementos de base: estilóbato o crepidoma, en forma de tres escalones o
gradas sirve siempre como base o pedestal del templo
o Elementos de soporte: columna (basa, fuste y capitel) y muro
o Elementos de coronamiento:
 arquitrabe o elemento horizontal sostenido, donde se distingue friso
y cornisa de la techumbre,
 frontón: la techumbre a dos aguas conforma este espacio triangular
en los lados cortos
Los tres órdenes griegos: dórico, jónico y corintio
La codificación de la arquitectura griega condujo al surgimiento de los estilos u
órdenes, que pueden definirse como soluciones armónicas, orgánicas y razonadas de
elementos estructurales y decorativos, que acaban por ser canonizadas a partir del período
clásico. A partir de la codificación en piedra que nos permite rastrear la evolución la
arquitectura griega distinguimos dos órdenes, dórico y jónico, cuyos principios divergentes
justifican el que se les estudie siguiendo una oposición rigurosa:
GEOGRAFÍA ORIGEN
Orden Dórico
Grecia continental y
Magna Grecia
Orden Jónico
Jonia y fachada
oriental egeo
VALORES ASOCIADOS
Viril: fuerte y señorial
Calificativos: Solidez, claridad
orgánica, precisión,
magnificencia
Femenino: elegante y fastuoso
Calificativos: Gracia, esbeltez,
decorativismo, lujo
MATERIAL
Piedra local
Mármol
El orden corintio es en origen una variación del capitel del orden jónico, que se creó
a finales del siglo V y que tuvo un enorme éxito a partir de época helenística.
Nosotros vamos a estudiar la evolución de los órdenes distinguiendo desde el origen
a la codificación clásica de los órdenes dórico y jónico, añadiendo un apéndice sobre el
origen del orden corintio. A partir de época clásica veremos la arquitectura desde un punto
de vista conjunto, a sabiendas que vamos a limitar injustificadamente nuestra exposición al
siglo V a. C.
Orden dórico arcaico
El orden dórico parece ser el más antiguo, y se le considera el orden básico, generador
de los posteriores. Según los valores estéticos asociados al dórico, se trata de una
conceptualización sencilla del espacio arquitectónico, tanto por la distribución de sus
elementos constructivos como por los escasos elementos decorativos.
Desde el punto de vista formal,
a. La columna no presenta basa, y si la tiene es la más simple. Su fuste,
monolítico o compuesto por tambores es liso o recorrido por canales verticales
que se llaman estrías. Su capitel, es el más sencillo de decoración: después de
una pieza de transición del fuste, llamada collarino, se pasa al equino de sección
oblicua biselada y posteriormente al recto ábaco, donde apoyaran los bloques
del arquitrabe.
b. El entablamento se divide en tres partes:
o el arquitrabe, normalmente liso,
o el friso dividido en triglifos, a modo de tres líneas verticales, y las
métopas, que generalmente contienen decoración en relieve. Los triglifos
se sitúan sobre columnas, en los intercolumnios y en las esquinas
o la cornisa. Sobre esta, en los lados cortos se sitúa el tímpano triangular
que también suele hallarse decorado con esculturas de bulto redondo a
modo de relieve
Repasando las principales etapas de su evolución:
a. Ca. 625 a. C. los etolios renuevan el santuario de Thermos, consagrado
desde ahora al dios Apolo (sin fuentes documentales es imposible
asegurar si el templo anterior, cf. arte pregriego, estaba consagrado a
Apolo u otra divinidad).
Todavía: número impar de columnas en la fachada (pentástilo)
Cella alargada y profunda (la pronaos es muy reducida)
Hilera de columnas en medio de la cella (para sostener la
techumbre)
Perístasis alrededor de la cella
La planta manifiesta ya un criterio de claridad orgánica
b. Templo de Ártemis en Corfú (ca. 600 a. C.)
Octástilo
Cella muy alargada, dividida en tres naves por dos hileras de
columnas
Perístasis: ambulatio muy ancha
Presenta pronaos y opistodomos, en ambos se define ya la
solución canónica de columnas pares entre las antas
c. Templo de Hera en Olimpia (ca. 600 a. C.)
La cella sigue siendo alargada, pero mejora la organización del
espacio colocando dos hileras laterales de cuatro columnas cada
una.
Templo que manifiesta ya con seguridad el modelo de templo
dórico
d. Templo de Apolo en Corinto (540 a. C.)
Hexástilo (columnas monolíticas): 6 x 15
Ubicación: paraje despejado presidido por la mole de Acrocorinto
(leyenda de la captura de Pegaso por Belerofonte)
Columnas: estampa típica del clásico arcaico: estría viva, equino
bulboso, ábaco macizo. En origen, las columnas llevaban un
estuco calcáreo que disimula la porosidad de la piedra local
Cella subdividida en tres naves por dos hileras de columnas
(quizás distribuidas en dos pisos). Particularidad: la cella está
distribuida en dos espacios diferenciados e independientes, a los
que se accede respectivamente desde pronaos y opistodomos.
En el estilóbato se consigue un efecto convexo en el piso.
Evergetismo: tiranía de los cipsélidas (Cipselo, 657 a. C.)
La actividad constructiva de la época viene en buena parte determinada por la
rivalidad de las grandes familias que ven en la construcción de grandes templos
una forma de expresar su fuerza y su poder: Cipsélidas en Corinto, Alcmeónidas
en Delfos
e. Templo de Apolo en Delfos (525 a. C.): erigido por los Alcmeónidas
(exiliados de Atenas). Hexástilo, canon según templo de Corinto.
Decoración escultórica: maestro ático, Antenor
f. Templo arcaico de Atenea en la Acrópolis de Atenas: erigido por los
Pisistrátidas (tiranía de 561 a 510 a. C.). En esta época se introduce el
gusto por introducir rasgos jonios a edificios dóricos, aspecto que será
retomado por los arquitectos del Partenón clásico
g. Templos arcaicos en colonias griegas de la Magna Grecia (Sur de Italia y
Sicilia):
Posidonia (Paestum en época romana, actualmente Pesto)
“Basílica”, ca. 550 a.C. Dedicado a Hera: elementos inusuales en
distribución (Perístasis de 9 x 18; ) y decoración inusual en
arranque del equino. Arte “colonial”.
“Templo de Ceres”, dedicado realmente a Atenea, fin. S. VI:
hexástilo, más canónico y en las líneas de la Grecia continental
(incorporación de elementos jónicos y evolución del capitel, más
cerrado concorde con las tendencias en la Grecia continental), sin
dejar formas “provinciales”: decoración labrada por debajo del
equino.
Sicilia: templos grandiosos en sus principales ciudades, como
Siracusa, Selinunte, Acragas, Segesta.
Acrópolis de Segesta
Templos C y D, dedicados a divinidades locales. El templo C, ca.
550 a. C., el templo D es algo posterior. Rasgos arcaicos: Cella
alargada, adyton al fondo de la misma, ambulatio amplia;
asimismo presente en decoración metopas
Templo F, ca. 530. Da sensación de mazo de columnas por los
muretes que cierran los intercolumnios
Templo G, ca. 520, dedicado a Apolo. Su dilatada construcción
ofrece una muestra de la evolución de las columnas dóricas entre
510 y 470. De hecho la obra (templo octástilo y períptero), quedó
inacabado.
Templo E, dedicado a Hera, relacionado estrechamente con el de
Zeus en Olimpia. Su construcción pudo llevar a que el anterior
quedara inacabado.
Arquitectura jónica:
Desde un punto de vista formal:
a. la columna:
o reposa sobre una basa cuyo diseño tiene una ornamentación propia, la ática:
dos toros y una o dos escocías
o el fuste muestra mayor esbeltez de proporciones que el dórico; y se presenta
normalmente acanalado (no arista viva)
o el capitel esta formado por una gran espiral doble o voluta que se origina
después del collarino.
b. El entablamento es menos alto que en el dórico.
o el arquitrabe se desarrolla en tres bandas lisas o platabandas,
o el friso es corrido, y suele estar decorado con relieves
o la cornisa suele estar decorada con dentículos, flechas y ovas.
Desde un punto de vista orgánico:
a. El templo jónico gusta del modelo díptero
b. La amplia cella suele contar sólo con pronaos
c. El sentido innato de pulcritud y suntuosidad lleva a la utilización de materiales
nobles (mármol), en lugar de la piedra local propia del templo dórico arcaico
El historiador romano del Arte, VITRUVIO, nos habla de su génesis:
“Cuando decidieron levantar un templo en honor a Diana, inventaron un nuevo estilo,
dándole esbeltez al aplicar la misma proporción que en el estilo anterior, pero ahora
relacionándolo con las pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna
fuera la octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil. Después
pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el capitel colocaron como
cabellera unos bucles rizados que le caían a derecha y a izquierda, y con ondas y
guirnaldas adornaron la rente como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste
marcaron estrías como si fuesen los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Así
hicieron el modelo de los dos estilos de columnas uno de belleza severa, sin adornos,
varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y la proporción femenina... Y como
los primeros que lo usaron fueron los jonios se le llamó estilo jónico.”
Tres templos de época arcaica representan las esencias del arte jónico. Se trata
de tres santuarios que vamos a ver por orden cronológico, a sabiendas de que como
lugares de culto centenarios explicar la evolución diacrónica de los templos requeriría
un espacio inabarcable para nosotros
Por orden cronológico: Heraion de Samos, Artemision de Éfeso y Didimaion de Apolo
(Dídimo, cerca de Mileto)
1. Heraion de Samos:
a. Primera construcción jónica en la primera mitad del siglo VIII, realizado en
piedra, madera y adobe.
b. 670 a. C. Cella muy alargada rodeada por una perístasis sencilla que en el
frente principal se hace doble. Precedente de la perístasis
c. Tirano Polykrates (537-522 a. C.), respeta planta pero aplica perístasis en 3
columnas en los lados cortos a imagen del Artemision de Éfeso. Decoración
con palmetas y capullos de gran plasticidad (antecedente en tesoro de los
Siphnios en Delfos)
2. El Artemision de Éfeso (1 de las 7 maravillas del Mundo Antiguo)
550 a. C., los efesios, aprovechando la experiencia del Heraion de Samos
construyeron un templo monumental a su patrona Ártemis. Se conoce el
nombre de los arquitectos cretenses: Chresiphrón y Metágenes, junto a
Teodoros (arquitecto en el Heraion, fase intermedia). La solución fue la
creación de un templo díptero con triple fila de columnas en los lados cortos,
prolongándolas en una pronunciada pronaos que las lleva hacia el interior del
edificio: apariencia de un auténtico bosque de columnas de tamaño colosal.
La gracia no sólo es la multiplicación y dimensiones de los elementos, sino
el descubrimiento de multitud de soluciones que articulan sabiamente el
conjunto. Junto a ello: suntuosidad del mármol y copiosa y original
decoración, especialmente los tambores inferiores de las columnas decorados
con figuras en relieve.
3. Didymaion de Apolo (en Dídyma), cercanías de Mileto, iniciado ca. 300 a. C:
sigue la línea de colosalismo del Artemision, aquí santuario oracular. Se recurre
a un templo díptero, pero introduciendo la novedad de convertir la cella
propiamente dicha en un espacio descubierto dentro del que se sitúa una capilla
o naiskos para la imagen de culto. Desde el exterior parecía un templo
convencional. Toma también del Artemision la solución de decorar la parte
inferior de los fustes, en este caso con imágenes de korai jónicas.
El orden corintio
Es el último de los órdenes clásicos en aparecer, en esencia no constituye un orden de
arquitectura, sino que es una variante más esbelta y decorativa del estilo jónico. Se creó
a finales del siglo V a. C. pero su uso se generalizó en la época helenística (a partir del
siglo III a. C.). Formalmente consta de una basa y un fuste acanalado y lo más específico
de dicho estilo es su capitel que después de un collarino resaltado, consta de una doble
fila de hojas de acanto, caulículos, y cuatro volutas simétricas en las esquinas que
sostienen el ábaco. Este capitel tendrá numerosas variantes griegas y romanas que
darían origen al orden compuesto romano.
Según la tradición griega, su inventor no es un arquitecto, sino el escultor Kallímachos.
Se explica así que el orden corintio ofrezca un sentido más decorativo y estilizado. El origen es
muy curioso: Kallímachos había encontrado en el suelo una cesta con hojas de acanto.
Inspirándose en ese hallazgo, realiza la forma del capitel corintio. Progresivamente se fue
introduciendo la columna corintia, consagrada en el Templo de Apolo, en Bassae. Cuando
lleguen los ss. IV y III a.C. se generalizará el empleo del orden corintio.
Ejemplos representativos del estilo corintio son en Atenas: La Linterna de
Lisícrates (finales s. III a. C., que luce en primicia columnas corintias en el exterior) y el
colosal Olimpieon (s. II a. C.). La importancia del orden corintio se abre paso con el
Helenismo, siendo progresivamente el más empleado, hasta el punto que en época del
Imperio Romano se crea su celebérrima variante del orden compuesto. Una y otra
variante tendrían un éxito absoluto en el arte europeo desde el renacimiento al
neoclásico.
ARTE CLÁSICO
El clasicismo griego no puede ser asignado a una polis u otra, sin que por ello
podamos negar que fragua en la Atenas de la segunda mitad del s. V a. C., la polis
liderada por Pericles se convierte en centro helénico del arte y del pensamiento. La
arquitectura alcanza plenamente su grado de madurez en el templo, pero a ello se
añaden edificios que al compás de ciertos certámenes religiosos van ganando
protagonismo, nos referimos a las instalaciones vinculadas a los agones deportivos,
musicales o teatrales desarrollados en las panegirías griegas tales como teatros, odeones,
estadios o hipódromos. Este tipo de edificios van a ir ganando un protagonismo civil
antes incluso que religioso que va preparando a la eclosión arquitectónica a partir de
época helenística. La amplia época clásica abarca un período cercano a dos siglos de
historia y producción artística griega, no nos debe extrañar que según su origen,
madurez y desarrollo final se hallan distinguido hasta cinco etapas dentro de la misma:
1.
2.
3.
4.
5.
Transición de la época Arcaica a la Clásica (500-490 a. C.)
Alta época clásica o estilo severo (490-450 a. C.)
Época clásica plena o madura (450-430/420 a. C.)
Estilo bello (430/420 – 400 a. C.)
Segundo Clasicismo o clasicismo tardío (400-320 a. C.)
Transición de la época arcaica a la clásica (500-490 a. C.)
A principios del siglo V el orden dórico se acerca a la consecución definitiva del ideal
del templo clásico a través de dos edificios, el templo de Aphaia en Egina y el tesoro de
los atenienses en Delfos
o Templo de Afaia en la isla de Egina (500-490 a. C.): los eginetas erigen este
templo en honor de Aphaia, una divinidad local asociada a la diosa Atenea.
Templo hexástilo y períptero
la naos adopta una estructura simétrica: pronaos y opistodomos
sendos atrios columnas in antis.
El espacio interior de la cella se divide en tres naves, más ancha la
central, por medio de dos filas de columnas, que además sustentan
un orden superior.
El material utilizado fue la caliza local, estucada, lo que le
confiere una extraordinaria blancura y luminosidad
Policromía: el blanco se la piedra se conserva en los elementos
arquitectónicos que definen la fábrica del edificio (muros, fustes,
arquitrabe), mientras que los elementos complementarios son
policromados según la alternancia bícroma que es ya típica desde
época severa: negro o azul para resaltar las verticales, rojo para
iluminar las horizontales.
De la misma forma, en las esculturas de los frontones (escenas de
la Guerra de Troya relacionados con héroes eginetas), se conserva
el blanco resplandeciente del mármol de Paros para las partes
desnudas de los cuerpos, mientras que los detalles (armas, chiton
de la diosa, peinados, etc.) estaban policromados predominando el
rojo. Toda la escena resaltaba sobre el fondo azul del frontón,
conforme al carácter etéreo e ideal de la escena.
La obra es dotada de un carácter mucho más airoso, apenas es
perceptible el avance que supone el inmediato templo de Zeus en
Olimpia. Ello es conseguido a través de:
 El friso se contrae (menor sensación de pesadez)
 Las columnas resultan más esbeltas, en ello resulta muy
importante la evolución del perfil del equino, mucho más
airoso
 Incorporación de refinamientos ópticos
o Tesoro (thesauros) de los Atenienses (490 a. C.): se halla junto a la Via Sacra
que conduce al templo de Apolo en el santuario de Delfos, junto a la stoa de los
atenienses. Templo áptero, in antis. Manifiesta el templo dórico reducido a su
esencia más sucinta. Metopas: tema de amazonomaquia y hazañas del héroe
ateniense Teseo y de Heracles.
Alta época clásica o estilo severo (480-450 a . C.)
o Templo de Zeus en Olimpia (472-457 a. C.):
Los habitantes de Elis deciden erigir un nuevo templo a Zeus tras aniquilar a la
vecina ciudad de Pisa (742 a. C.). El prestigio del santuario, la importancia de
los Juegos Olímpicos, el celebérrimo Zeus de Fidias, crearían el sentido
panhelénico del mismo.
Las fuentes conservan el nombre del arquitecto: Libón de Elis, autor del canon
clásico, del arquetipo del templo dórico que resume y revisa toda la experiencia
anterior.
Templo hexástilo y períptero de proporciones perfectamente pensadas y
observadas, sin que ello resienta el sentido de libre plasticidad, es decir la
individualidad de cada elemento según su función y significado en el conjunto.
La perístasis aparece definida según el módulo de 6 x 13 columnas.
Desconocemos el sistema de proporciones, pero se rige por la organicidad, el
orden y la subordinación de las partes al todo.
Interior de la cella: tres naves, la central el doble de ancha que las laterales, y
con doble orden de columnas superpuestas. La colosal estatua de Zeus, realizada
por Fidias unos 30 años después de la edificación del templo, guardaba
proporción con la cella (basa ocupaba todo el ancho y una tercera parte de la
nave central, el alto por completo), sin embargo, a posteriori, según el gusto en
época romana fue muy criticado, tal y como reflejó ESTRABÓN: si se levantara se
golpearía la cabeza contra la techumbre.)
Material: piedra local, sobre el que se aplicaba un estuco de mármol en polvo,
dejando el mármol tallado para la decoración arquitectónica.
Refinamientos y correcciones:
Principio de contracción de esquina, para corregir las desavenencias de
triglifos y metopas respecto a los ejes de las columnas
Estudio de la proporción adecuada para el éntasis de los fustes de las
columnas
Forma canónica de ábaco y equino, de dimensiones interdependientes y
ajustados a la tensión precisa del edificio.
Los elementos horizontales se someten al efecto de la curvatura, antídoto
ideal contra deformaciones ópticas.
o Canon dórico en Magna Grecia: templo de Posidón o Zeus en Posidonia, templo
E de Selinunte. Sendos ejemplos se corresponden a la perfección con los
modelos continentales en Egina y Olimpia.
Época clásica plena o madura (450-430/420 a. C.)
El arcontado de Pericles (461-429 a. C.) constituye la pentecontecia, período de apenas
50 años, cuyo esplendor y brillantez inextinguibles, constituye un cenit en la historia de
la Historia de la Cultura.
o Acrópolis de Atenas: Partenón (448-447 a. C.), Propíleos (437-432 a. C.),
Erecteion (406 a. C.)
o Hephasteion (449 a. C.): monumento ateniense en el que más se deja sentir el
impacto del Partenón. Templo ubicado en el extremo noroccidental del ágora de
Atenas a Hefesto y Atenea, divinidades protectoras de la industria artesana.
Templo dórico canónico (6 x 13)
Mármol pentélico
Interior de la Cella delimitada en forma de U, como Partenón
Incorpora correcciones en materias de proporciones: esbeltez columnas,
contracción de metopas, curvatura y policromía.
Decoración mural pintada y estucada de las paredes de la cella, que
incorpora la columnata interior a la visión pictórica: enmarque
arquitectónico o integración de la arquitectura en la pintura: germen de
un género de gran desarrollo en el tiempo.
o Templo de Poseidón en el cabo Sunión: arquitecto ateniense influido por
Iktinios, como Hephasteion. Extremo más meridional del Ática, última
proyección sobre el Egeo, ideal para sugerir la epifanía del dios, y recordar el
imperialismo marítimo ateniense.
Templo hexástilo
La esbeltez de las columnas recuerda a la arquitectura jónica del siglo IV.
o Templo de Apolo Epicuro en Phigalía (Bassai): templo erigido a Apolo Epicuri
en acción de gracias por haber remitido una peste terrible en la región de Bassai
(Phigalia, Arcadia), año 429 a. C. Se llamó al arquitecto Iktinios, que puso en
marcha soluciones aún más avanzadas que en el Partenón.
Arquitectura que gusta sorprender
Utiliza piedra local para el núcleo de la obra y mármol para los elementos
decorativo
Templo dórico, cuya planta presenta una inspiración arcaica: alargada (6
x 15)
Cella: de las paredes salen contrafuertes a los que adosa medias columnas
jónicas, introduciendo la movilidad en las líneas. Parece recordar a la
cella del Heraion de Olimpia, pero lo organiza según la forma en U del
Partenón, añadiendo la novedad de un capitel corintio en las columnas
del fondo.
Estilo bello (430/420 – 400 a. C.)
o Erecteion
o Templo de Atenea Nike
Segundo Clasicismo o clasicismo tardío (400-320 a. C.)
o Mausoleo de Halicarnaso (ca. 350 a. C.): Mausolo, sátrapa de Caria, mandó
construir en Halicarnaso (Bodrum), una tumba monumental en forma de casa o
templo en mármol, al modo de las tumbas que se veían en el sur de Anatolia.
o Santuario de Epidauro: Teatro de Epidauro
El teatro era, junto con otras construcciones como anfiteatros y circos, un
edificio para espectáculos públicos. Su función era la de servir de marco a las
representaciones teatrales a las que acudía numeroso público, de ahí que se
construyeran con gran cabida.
Los griegos aprovecharon la pendiente natural de las colinas más próximas
a la ciudad para excavar en ellas las graderías de sus teatros, a veces tallados en
la misma roca, aprovechando el pié mismo de la colina para la construcción de
la escena y la orchestra.
Las partes del teatro son: la gradería (cavea o koilón) que son los
escalones destinados al público, en ocasiones cubiertos con grandes losas de
piedra. La orchestra que corresponde a la zona situada entre el graderío y la
línea recta que limita el escenario. Era el lugar dedicado a los coros, que
acompañaban la representación teatral. Debido a la mayor importancia que tenía
el coro en el teatro griego, éste tenía forma circular, a diferencia del romano, que
tenía forma semicircular. El escenario (scena) era un largo rectángulo frente a la
orquesta donde se realizaban las representaciones teatrales y que estaba
levantado sobre un zócalo para facilitar la visión de la representación teatral.
Análisis de la obra.
El teatro de Epidauro constaba de cincuenta y cinco graderías, divididas en
dos fases, calculadas según una pendiente perfecta, al pie de la cual se situaba la
orquestra y la escena. Las dimensiones de las graderías para el público
alcanzaron enorme extensión en las ciudades helenísticas. Los teatros eran una
verdadera vanidad de la época; las ciudades menos importantes rivalizaban entre
sí para
construir grandes teatros que pudieran acoger cada vez más
espectadores, el de Epidauro tenía capacidad para albergar a 12000 espectadores.
El arquitecto que lo construyó, con toda probabilidad, fue Polícleto el
Joven, nieto del escultor del siglo V, que lo comenzaría en torno al año 330 a.
C., situándolo a unos 500 m. al sudeste del santuario de Asclepio.
Cada cuatro años tenía lugar la panegiría de las Asklepeia en Epidauro, que
combinaba pruebas gimnásticas y musicales.
Significado.
El teatro de Epidauro es una de las maravillas de la arquitectura griega, por la
geometría de sus líneas, por la perfecta visibilidad de escena y por su asombrosa
acústica, siendo además el que está en mejor estado de conservación. El teatro
griego, al igual que otros modelos artísticos griegos, sobre todo de la época
helenística, fueron los grandes inspiradores de la arquitectura romana posterior.
CARACTERÍSTICAS Y EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA
A. Características generales
a. Materiales: Piedra (mármol) y bronce, siempre policromados.
La escultura procede de modelos orientales, que se van perdiendo,
progresivamente, formalismos y convencionalismos.
b. Cuerpo humano: Se representa como ejemplo de belleza física y equilibrio
espiritual. La figura humana es el leit-motiv de la escultura griega, el hombre:
vestido o desnudo, en reposo o movimiento, erguido o sedente.
c. Idealización: La representación masculina y femenina se idealiza. Se busca el
modelo ideal aplicando un canon de anatomía y proporciones.
Desde fecha se conquistará:
El volumen
El movimiento
La expresión de sentimientos y emociones
B. Escultura arcaica (siglos VIII-VI a. C.)
o Influencia oriental, sobre todo egipcia. En el siglo VIII a. C. encontramos
estatuillas femeninas de marfil. En el siglo VII a. C. leones vigilando santuarios y
esfinges. Sabemos de la existencia del xóanon: esculturas de dioses de madera
recubiertas de láminas metálicas, cuya invención se atribuye a Dédalo.
A mediados del siglo VI a. C. el repertorio se multiplica con esculturas de bulto
redondo y relieves. Entre las esculturas de bulto redondo son importantes las
korai y los kouroi.
o Las korai: son figuras femeninas siempre jóvenes esculpidas en piedra, vestidas
con el chiton, túnica, encima el péplum, manto corto o el himatión o manto largo
formando pliegues. Inspiradas en modelos orientales, son frontales, planos,
hieráticas y de bulto redondo.
Su rostro con ojos almendrados, que miran al espectador, sonrisa arcaica, rizos
ordenados simétricamente y algún indicio de movimiento (brazos), las manos y
los pies grandes y desclazos (dignidad)
Dama de Auxerre (cf. comentario)
Escultura de bulto redondo que representa a una mujer joven vestida con
el chiton y el peplo.
Figura erguida. El punto de vista es frontal. Piernas juntas, brazos
adheridos al cuerpo, con el derecho tocando el pecho.
La cabeza está muy trabajada: sonrisa arcaica, ojos almendrados, pelo
con tirabuzones ordenados simétricamente.
La túnica tiene decoración incisa, y un cinturón que resalta las caderas y
los senos. De los hombros sale un manto corto.
Las manos y los pies son especialmente grandes. Estuvo policromada
como toda estatuaria griega. El conjunto se ha esculpido sobre una peana
cúbica que forma parte de la misma pieza.
Es una obra bastante arcaica y tosca pero con un intento de modelado que
la aleja de los modelos egipcios.
o Los kouroi: es el tipo masculino, desnudo, con la pierna izquierda adelantada y
los brazos pegados al cuerpo.
Son esculturas monumentales en los que predomina la ley de frontalidad, son
rígidos y de anatomía geométrica.
El rostro tiene ojos almendrados, sonrisa arcaica y rizos ordenados
geométricamente sobre los hombros.
A finales del siglo VI a. C. evolucionan hacia el naturalismo.
Tenían dos funciones, función votiva (monumento que recuerda a un personaje)
y función funeraria (muestra al difunto en plena vitalidad).
Aunque cada kouroi se aplicaba a un individuo no pretendía retratarlo
Kouroi de Anavyssos
Escultura funeraria de un joven fallecido en combate, esto lo sabemos
por la inscripción de la base.
Es un de los kouroi más representativos del intermedio entre los arcaicos
y de los que anuncian el naturalismo. Sus formas son más redondeadas,
la anatomía mejor conseguida y el volumen se ha tratado con delicadeza.
Es de composición cerrada, sin flexibilidad, gira sobre sí misma, lo
brazos pegados al cuerpo.
La cabeza es lo más tradicional: ojos almendrados, sonrisa arcaica, larga
cabellera de rizos sobre los hombros, expresión distante, representando
una idea y no el retrato de una persona. Algunos aspectos anatómicos
nos muestran el camino hacia el naturalismo.
o Los relieves y otras esculturas
Moscóforo: joven que lleva un becerro para el sacrificio, esta imagen
será tomada por el cristianismo representando a Jesús pastor de hombres.
Jinete rampín: hombre sobre caballo (hippos)
Decoración escultórica de los templos: en esta época aparecen los
relieves para metopas, frisos y frontones; son los primeros programas
narrativos. Parten de un tema mitológico.
Los escultores tienen que vencer dos dificultades: adaptar las figuras a un
marco determinado, componer las escenas de una forma equilibrada
C. ESCULTURA CLÁSICA
Estilo severo (1ª mitad s. V a. C.)
Es una etapa de transición entre el período arcaico y el pleno clasicismo.
o La representación anatómica ya es natural y empiezan a centrarse en la
interioridad del ser humano (Atenea pensativa).
o También se domina el movimiento potencial (Poseidón del Cabo Artemisión y
Auriga de Delfos). Estas dos últimas obras son originales, pero la mayoría que
conservamos son copias romanas.
o También es original el Trono Ludovisi, gran bloque de mármol que representa
en bajorrelieve el nacimiento de Venus del mar (Venus Anadiómena). Dos horas
paradas en la costa, se disponen a cubrirla con un lienzo.
Estilo clásico (2ª mitad s. V a. C.)
Es la culminación de la escultura griega. Se domina la anatomía y el movimiento, la
musculatura es real (diartrosis: articulación movible).
Se representan acciones, las vestiduras dejan translucir el cuerpo, técnica de los paños
mojados, se utilizan nuevos recursos: como el contrapposto, un pie adelantado y
apoyado en el suelo y el otro levantado como si estuviera caminando.
Todo está subordinado a la belleza ideal de dioses y héroes, los rostros son inalterables,
serenos y con una dignidad suprema. Se representan héroes y dioses con las mismas
características.
Destacan tres grandes escultores: Mirón, Polícleto (el viejo) y Fidias.
MIRÓN (480-440 a. C.)
Realizó un gran número de bronces representando a dioses y atletas vencedores. Le
preocupaba representar el acto de movimiento sin violencia ni agitación. Mostraba
posturas inestables que sugirieran la acción. Se conservan numerosas referencias
escritas de su obra, pero nada original perdura. Conocemos dos de sus obras, gracias a
las copias en mármol romanas: el grupo de Atenea y Marsias y el discóbolo.
Comentario del discóbolo: representa a un joven atleta que concentra todo su esfuerzo
en el momento previo a lanzar el disco.
Su postura es inestable y su composición cerrada: formada por una curva –
brazo-cabeza-brazo- y por una “S” –cabeza-tronco-extremidades.
Representa el movimiento en potencia; el estudio anatómico, la tensión de los
músculos, etc. es perfecta.
Sin embargo, el rostro no acompaña la acción: es sereno y distante, el cabello es
plano.
Escultura de bulto redondo que se hizo para representar la victoria de un atleta.
El punto de vista es frontal
POLICLETO
Representa la realidad basada en las proporciones matemática, escribió un tratado sobre
las proporciones ideales entre las partes del cuerpo, Canon. Aplicó esta teoría a una
escultura en bronce conocida como el dorífero.
Comentario del dorífero: siguiendo el Canon, esta escultura tiene como unidad básica
la cabeza, y el cuerpo es 7,66 veces la cabeza. Además el rostro se divide en tres partes
iguales.
Representa a un joven desnudo, en marcha, contrapposto.
Porta una pesada lanza.
Un brazo está flexionado por el codo mientras que el otro está relajado junto al
cuerpo.
El rostro es sereno, gira levemente, y termina con la ley de frontalidad.
Escultura de bulto redondo, exenta.
La original era de bronce, pero la conocemos por copias romanas en mármol.
A pesar del realismo es una abstracción idealizada abstracta.
Otras obras de Policleto son el diadumeno (“el que ciñe”… la cinta de la victoria) y la
amazona herida.
FIDIAS
Es la figura más importante de la escultura clásica. Fue arquitecto, pintor y escultor.
Trabajó como coordinador de la obras de la Acrópolis bajo mandato de Pericles.
Concede a sus personajes un aspecto superior y semidivino. Es la culminación de la
belleza serena, del equilibrio físico y moral y de la flexibilidad y trasparencia de las
vestimentas.
Su principal innovación técnica es la de “los paños mojados”.
Tenemos muchas referencias a obras suyas. Realizó esculturas colosales en bronce:
Atenea Promachos. Esculturas crisoelefantinas: Atenea Partenos y el Zeus de Olimpia,
su obra más importante es la decoración del Partenón.
Comentario del friso de las Panateneas: es el friso del muro exterior del Partenon, de
un metro de alto y 160 m. de largo.
Es un relieve corrido que representa la solemne procesión de las Grandes Panateneas,
fiesta que se celebraba cada cuatro años, en la que se subía a la acrópolis a entregar un
peplo al templo:
En los laterales aparecen los atenienses a caballo (hippeis) con carros de
ofrendas y animales para el sacrificio
En la fachada oriental se relata la entrega de un peplo al arconte Basileo
(magistrado que asumía las funciones sacerdotales del antiguo rey o basileus).
La escena es observada por los Doce dioses principales sentados en sus tronos.
Destaca por la variedad: se diferencian posturas y actitudes.
Se domina el movimiento de personas y animales, se aplica la técnica de los
paños mojados, los pliegues se mueven con naturalidad y el volumen de los
cuerpos está plenamente conseguido. Esta variedad de elementos queda
conjuntada por un ambiente solemne, religioso y grave que envuelve por igual a
bestias, hombres y dioses.
Es un relieve pictórico, destaca la iluminación que es, en parte, provocada por el
reflejo del mármol, lo que incrementa el claroscuro.
Estilo clásico (s. IV a. C.)
Es una época de crisis político-religiosa. Se desarrolla un creciente escepticismo
religioso. Esto influye en la escultura:
Comienza a desaparecer el distanciamiento por la serenidad clásica
Preocupación por el naturalismo
Gestos y actitudes humanas
Expresión de sentimientos y pasiones
Autores: Praxíteles, Escopas y Lisipo
PRAXÍTELES
Las características de su obra son la gracia, la delicadeza y la elegancia. Destacan por
tener formas blandas y redondeadas, sin aristas ni rugosidades. La luz resbala
suavemente por la superficie, el cabello está formado por grandes mechones con
claroscuro.
Introduce la curva praxiteliana, el cuerpo se arquea (por lo que necesita un apoyo
externo) y el personaje, dirige su mirada hacia algo. Sus obras producen sensación de
esbeltez y tienen muchos puntos de vista. Entre sus obras destacan: Hermes con el niño
Dioniso (original), Apolo sauróctono y Afrodita de Cnido.
Comentario de la Afrodita de Cnido (ca. 360 a. C.): Constituye el mayor éxito de su
producción, es la diosa del Amor (Eros), que fue adquirida por los habitantes de Cnido y
es considerada protectora de los navegantes.
Es la primera representación desnuda de una diosa (con el pretexto que sale del baño).
Con la mano izquierda coge el paño apoyada en la hidra, y con la derecha se tapa
púdicamente, la mirada es dulce y sonríe levemente.
Esta obra nos muestra la progresiva desacralización de los dioses griegos.
Es una escultura de bulto redondo con múltiples puntos de vista. El templete donde
estaba colocada estaba abierto por todas partes para que pudiera verse desde cualquier
ángulo la efigie de la diosa, esculpida, según se creía, con el favor de la misma.
Es un modelo de belleza femenina y se pueden observar todas las características de las
obras de Praxíteles:
gracia
delicadeza y elegancia
formas blandas y redondeadas
sin aristas ni rugosidades
curva praxiteliana
punto de apoyo externo
mirada dirigida hacia un punto
mechones con claroscuro
ESCOPAS (380 – 330 a. C.)
Escopas, arquitecto y escultor, fue el inventor del estilo patético, así llamado por el
pathos (el sentimiento), bien definido por la expresión doliente con el que era usual
caracterizar la cara de las propias estatuas. Se caracteriza por expresar la condición
humana revelando las interioridades del alma y sus pasiones.
Escopas exalta este sentimiento trágico, con características bocas entreabiertas, cuerpos
que se mueven en espiral y ojos hundidos.
Ha sido seguramente el primer escultor de la mente humana, casi un escultor-psicólogo,
un artista capaz de robar los sentimientos, la angustia, la expresión de sus sujetos para
poder infundirlos en el mármol. No se contentaba con representar el exterior del sujeto
sino que quería a toda costa entrar en los pliegues del alma y descubrir todos los
secretos recónditos: el dolor, la tristeza, la desilusión.
Desaparece la serenidad clásica y hay una mayor teatralidad.
Los relieves del friso oriental del Mausoleo de Halicarnaso (en su juventud):
Amazonomaquia.
Frontones del templo de Atenea Alea en Tegea (Peloponeso): lucha de Aquiles y Télefo
(hijo de Heracles y de Auge, princesa de Tegea) y cacería del jabalí calidonio por
Atalanta
Ménade: retorcida bajo el efecto de la locura báquica
LISIPO (390 a. C. – 300 a. C.)
Con él surge el retrato, fue el retratista oficial de Alejandro Magno (a partir del 335 a.
C.). Aparecen aspectos físicos y belleza interior.
Crea un nuevo canon de belleza, el cuerpo 8 veces el tamaño de la cabeza.
Las obras en las que retrató a Alejandro se han perdido (a penas sí se conserva algún
fragmento de copias romanas e informaciones en obras literarias)
Su obra más importante es el Apoxiómeno, del que se conserva una copia romana en
mármol, mientras que el original era de bronce. Representa a un joven atleta griego en
una posición vulgar. Se está quitando la arena pegada a su cuerpo debido al sudor con
un estrígilo, instrumento de la época, de metal, hierro o bronce (que los romanos
llamaban strigilis), que sólo usaban los hombres y, principalmente, los atletas: parecido
a un rascador, se utilizaba para limpiarse el polvo, sudor y el aceite en exceso que se
extendía por la piel antes de los concursos.
La copia romana decoraba las termas de Agripa en Roma (junto a la copia de un león
también de Lisipo)
Su principal problema era la conquista de la tercera dimensión, realizar estatuas que no
tengan un único punto de vista esencial, sino que inviten a darles la vuelta. El
apoxiómeno entusiasmaba al público romano, la idea de lanzar hacia delante los brazos
del atleta vencedor que se limpia el sudor, brazos que sólo pueden verse si se da la
vuelta a la estatua.
Hércules en reposo o Hércules Farnesio: conocido por la copia libre y con músculos
exagerados. En este caso el pie se avanza, mientras que la mano se esconde tras la
espalda, para invitarnos a rodearla.
D. ESCULTURA HELENÍSTICA
Características generales
Durante este período predominó la representación de la realidad (apareciendo
elementos feos). El movimiento se representa en acción y las composiciones son
complejas. Se representan sentimientos, sobretodo dolor (pathos).
Abundan los retratos que buscan representar física y moralmente al personaje.
Alegorías sobre temas religiosos (representación de un símbolo). Se abandonan los
modelos clásicos. Intenso realismos representando el drama y el sufrimiento.
Se representa al hombre en todas las etapas de la vida, la figura humana pierde la
medida. Se representan estados emocionales muy intensos.
Cambian los temas: son menos los religiosos y entran temas alegóricos.
Se forman grupos escultóricos. La técnica es muy depurada, superficies lisas y
pulidas, utilización del claroscuro. Composiciones llenas de diagonales, curvas y
escorzos, que rompen con lo clásico.
En esta etapa no hay escultores únicos, sino escuelas regionales con características
propias:
1. Escuela de Atenas: La escuela más clásica de todas, en la que los escultores
hacían copias de obras clásicas para los romanos. Las obras más importantes son
Apolonio de Atenas (s. I a. C.): “Torso de Belbedere”
Boeto de Calcedonia (ca. 200 – 150 a. C.): “el niño de la Oca” . Grupo
original en bronce, esquema en pirámide, ritmo helicoidal.
“La Venus de Milo” (ca. 130 – 100 a. C.)
2. Escuela de Rodas: Escuela que se caracteriza por la grandiosidad y el
barroquismo. Las obras que más destacan son “La victoria de Samotracia” y
“Laoconte y sus hijos”.
Victoria alada de Samotracia (ca. 190 a. C.): juega con el efecto de las
corrientes de aire y las de agua. La victoria, nike, de tamaño más del doble del
natural, desciende sobre la proa de la nave con sus vestimentas sacudidas hacia
atrás en grandes masas por la resistencia del viento.
LAOCONTE Y SUS HIJOS
Se trata de una escultura de bulto redondo que representa un grupo escultórico
de 3 cuerpos enteros, uno de pie y dos sentados.
La escena representa el castigo de la diosa Atenea al sacerdote Apolo Laoconte
por dudar del caballo de madera que regalaron los griegos a Troya.
Representa tres cuerpos retorcidos de dolor y agonía, luchando contra la
serpiente pitón que van a morir aprisionados por ella.
Esta realizada en materiales duros, modelado en mármol. Obra independiente de
la arquitectura, hecha para ser expuesta en un lugar público.
Elementos formales:
- La superficie es lisa, fina y pulida.
- La sensación es de blandura.
- Representa perfectamente la musculatura humana
- La obra tiene muchos puntos de vista en semicírculo, pero predomina la
frontal.
Composición piramidal con una gran representación del movimiento, tanto físico
como de la representación interior.
Predomina el claroscuro generado por el movimiento, las telas, los anillos de las
serpientes y la trepanación de los cabellos.
No está policromada, pero hay que suponer que lo estuvo, igual que toda
estatuaria griega.
Obra de carácter realista y naturalista. La representación está jerarquizada en
sus figuras, porque Laoconte es mucho mayor que sus hijos.
3. Escuela de Pérgamo: Autor influenciado por la Escuela de Rodas que representa
el dolor y el sufrimiento. Entre sus obras destaca “El altar de Zeus” en
Pérgamo (ca. 180 a. C.) y todo el friso que lo rodea que muestra la
gigantomaquia (lucha entre dioses y gigantes).
4. Escuela de Antioquía: Entre sus obras destaca “El sátiro barberini” (fauno
embriagado, quizás exvoto en un templo de Dioniso). Obra original
5. Escuela de Alejandría (Egipto): La escuela griega de Alejandría se distinguió por
los asuntos simbólicos o alegóricos y los rústicos o campestres que fueron objeto
de sus relieves o estatuas
Representación del río Nilo y sus hijos: el río es tratado como un ser humano,
con coronas de espigas, relajado, con el cuerno de la abundancia y 16 niños que
representan los puntos de la crecida anual del Nilo.
Vieja borracha:
LAOCONTE Y SUS HIJOS
La obra se titula Laoconte y sus hijos, fue realizada en el s.I. a.C. y sus autores
son Agesandro, Polídoro y Atenedoro.
Es de estilo helenístico y pertenece a la Escuela de Rodas, que se caracteriza por
el realismo, las representaciones de grupo y la complejidad de las composiciones.
La obra tiene todas las características del helenismo: representación del Phatos,
grupos escultóricos, técnica depurada, realismo, estudios anatómicos, etc.
El helenismo es la época en la que el arte griego se mezcla con las influencias
orientales de territorios que forman parte del imperio de Alejandro Magno.
El tema es la muerte del sacerdote Laoconte con la serpiente Pitón, vinculado
con la guerra de Troya y muestra la desesperación de Laoconte por su muerte y la de sus
hijos. Es de carácter civil, pública y con función política. Fue descubierta en el s. XVI y
tuvo gran influencia en el “Moises” de Miguel Ángel.
Anatomía perfecta: En Laoconte resalta la musculatura y la fuerza. Los hijos no
representan fuerza, pero la anatomía de sus cuerpos también es perfecta. Hay que
destacar el rostro de Laoconte (fuerza, valor), con la boca entreabierta y el cabello con
gran movimiento. Los cuerpos están desnudos y las telas acentúan el claroscuro.
Conocemos la obra por una copia romana. Sabemos que fue realizada por tres
escultores y hay una gran diferencia entre la escultura de Laoconte y las de sus hijos.
Es una de las obras más importantes de las conservadas del período helenístico,
mostrando una gran evolución de la época clásica.