Adjudicadas las primeras Ayudas Fundación BBVA a la Creación en Videoarte

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RELACIONES INSTITUCIONALES
NOTA DE PRENSA
Adjudicadas las primeras Ayudas
Fundación BBVA a la Creación
en Videoarte

Es la primera edición de esta convocatoria, que concede diez ayudas para
otros tantos proyectos en videoarte dotados cada uno con hasta 30.000 euros
y que será de carácter anual
Madrid, 9 de octubre de 2014.- La Fundación BBVA ha adjudicado su primera edición
de las Ayudas a la Creación en Videoarte, dirigida a impulsar diez proyectos con una
dotación económica de hasta 30.000 euros. Los objetivos son promover la creación de
obras
de
videoarte
realizadas
por
videoartistas
españoles,
fomentar
la
experimentación e innovación en la creación audiovisual y favorecer la difusión de las
obras resultantes. La Fundación BBVA expondrá las obras resultantes en sus sedes de
Bilbao y Madrid y realizará otras actividades complementarias como Encuentros con
videoartistas.
La comisión evaluadora ha estado integrada por Juan Antonio Álvarez Reyes, director
del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo; Laura Baigorri Ballarín, profesora de Arte
y Nuevos Medios de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona; Javier
Díaz-Guardiola, coordinador de las secciones de Arte, Arquitectura y Diseño de ABC
Cultural; María Pallier, directora del programa Metrópolis de TVE; Álvaro Rodríguez
Fominaya, comisario del espacio Film & Video del Museo Guggenheim Bilbao; y Elena
Vozmediano, historiadora de arte y crítica de arte en El Cultural.
“Esta convocatoria resulta muy oportuna en el actual momento de la creación de
videoarte en España porque el problema no es tanto de exhibición, algo que también
se contempla, como de producción de nueva obra”, ha señalado Laura Baigorri. Para
Álvaro Rodríguez Fominaya, esta convocatoria puede tener un impacto significativo
en el videoarte español: “Es un salto cualitativo y cubre un hueco fundamental para la
madurez de cualquier sistema artístico. La producción de obras en soporte vídeo o
imagen en movimiento requiere de un grado de colaboración y de un soporte
tecnológico al que a veces no se puede acceder por su elevado coste. Esta iniciativa
incide en la eliminación de esta barrera de acceso a la producción de videoarte”.
Los miembros de la comisión evaluadora también destacan dos factores claves en la
definición de esta convocatoria: la flexibilidad en el destino de la financiación y la
dotación en sí. “Hemos seleccionado a artistas que ya han demostrado su calidad y
han trabajado de forma solvente con recursos muy limitados, así que pensamos que
con esta dotación, que es generosa, su potencial es enorme”, afirma Javier DíazGuardiola. En cuanto a la flexibilidad, Baigorri señala que es clave para el desarrollo
creativo “porque permite abrir todo un abanico de posibilidades para una producción
elaborada: desde recorrer un desierto hasta alquilar un dron”.
La comisión ha valorado el alto nivel del centenar de proyectos presentados y DíazGuardiola ha destacado la responsabilidad que recae sobre los evaluadores: “En este
campo se produce la contaminación de otros como puede ser el documental, pero la
propia composición de la comisión indica ya la apuesta por el videoarte en sentido
más estricto. A partir de ahí dependerá de los evaluadores marcar la pauta para
futuras convocatorias. Nosotros hemos intentado seleccionar a los destinatarios de las
ayudas valorando su trayectoria, pero también el proyecto y su viabilidad, porque
tenemos una responsabilidad hacia la convocatoria en sí y hacia quienes solicitan una
ayuda”. “Y nos hemos permitido hacerlo al margen del mercado de arte, así que ha
sido un ejercicio saludable para el proceso creativo”, añade Rodríguez Fominaya.
Los destinatarios de las diez Ayudas Fundación BBVA a la Creación en Videoarte en
esta primera edición y las obras presentadas son:
Juan Carlos Bracho. Obra: Imitación a la vida
Bracho (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1970) ha sido artista residente en
instituciones como Hangar (Barcelona), Axenéo7 (Gatineau, Canadá) y el Künstlerhaus
de Salzburgo (Austria). El conjunto de su trabajo incluye vídeo, fotografía, instalación,
performance, escultura, dibujo y libros de artista. Desde los inicios de su carrera ha
indagado sobre cuestiones como el espacio y nuestra vinculación con él y más
recientemente sobre las derivaciones del dibujo, la circularidad de los procesos
creativos contemporáneos y el estatus de la imagen. Su obra se expresa a través de lo
mínimo, se mueve en terrenos efímeros y subjetivos y trata de poner al público ante un
espejo, “donde sólo podremos encontrar tanto como estemos dispuestos a dar: la
experiencia a través de la experiencia”. Recientemente ha expuesto en Madrid,
Barcelona y Salt Lake City.
El proyecto consiste en la grabación de un vídeo a tiempo real y en un único plano
secuencia de una acción sencilla, lenta y obsesiva: el borrado del alumbre de un
espejo de grandes dimensiones ubicado en un paisaje desértico. Una propuesta que
invita a reflexionar sobre el poder, el significado y el proceso de consolidación mental
de las imágenes, y sobre las posibilidades que ofrece el paisaje como campo de
transformación simbólica. El proyecto se llevará a cabo con el apoyo y la
colaboración del Contemporary Utha Art Center (CUAC) y la grabación se realizará en
el Death Valley National Park, de California. El resultado final de este superplano
secuencia es una narración -sin clímax- en la que el peso del relato y la acción se
diluyen otorgando a la imagen una dimensión plástica total. En palabras de su autor,
es un trabajo “que muestra al paisaje como espejo de nosotros mismos, nuestra más
insondable conciencia, y al espejo como una superficie que refleja lo que no le
pertenece”.
La comisión evaluadora ha destacado en esta propuesta “su investigación formal en
la construcción del paisaje a través del análisis de lo que percibimos”.
Regina de Miguel. Obra: Una historia única nunca contada desde abajo
De Miguel (Málaga, 1977) es una artista cuya obra desarrolla las conexiones entre
situaciones de análisis científico y la percepción como objetivo científico, el
aprendizaje no experiencial derivado de la imaginación tecnológica y los niveles de
desarrollo de la conciencia ideal y crítica. En los últimos años ha expuesto en Sao Paulo
(Brasil), Berlín (Alemania) y Madrid, Vitoria, León y San Sebastián (España). Su
producción previa en vídeo incluye Nouvelle Vague Science Fiction, que aborda las
relaciones entre la construcción y el análisis de las ecologías humanas; y Knowledge
never comes alone, en el que los cambios en el modelo cosmológico derivado del
estudio de la materia oscura y la energía sirven de alegoría e imagen mental sobre la
necesidad del cambio en los arquetipos sobre la producción del conocimiento y los
paradigmas.
Su proyecto, estructurado en ocho actos, toma como punto de partida la historia del
proyecto Cybersyn o Synco, dirigido por el cibernético Stafford Beer en Chile entre
1971 y 1973, durante el gobierno del presidente Salvador Allende, y que proponía
“entregar las herramientas de la ciencia al pueblo”. El proyecto se sitúa entre el
documental histórico, la ciencia ficción social y el retrato psicológico y trata, según la
artista, “de repensar de qué forma el cambio propiciado por el uso positivista y
generalizado de los dispositivos tecnológicos, ligados a las condiciones de poder que
los propician o anulan, ha afectado para siempre a las relaciones de solapamiento
entre áreas de conocimiento haciendo desaparecer la distancia entre humanidad y
técnica pero dejando abiertas otras fisuras”.
La comisión evaluadora ha valorado “su interés por indagar en la noción de futuro a
través de herramientas tecnológicas del pasado reciente, además de por su
capacidad de aunar distintos géneros como la ciencia ficción, el documental histórico
y el retrato psicológico”.
Juan del Junco. Obra: El mensaje
Del Junco (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1972) es licenciado en Bellas Artes
(especialidad grabado y diseño) por la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. De madre
artista y padre ornitólogo, la fotografía -especialmente de aves- es la base de su
trabajo: “Hago arte contemporáneo usando la fotografía para expresarme”. Su obra
tiene una relación directa con el acercamiento a la naturaleza, la clasificación y la
taxonomía, “utilizando estos conceptos para mostrar metáforas, tesis propias y
consideraciones personales sobre el mundo que me rodea”, como las fricciones que
se producen entre la lógica racional y científica y el orden de lo emocional y simbólico
o la búsqueda de metáforas naturalistas sobre la crisis y la globalización”.
El objetivo, según el autor, es utilizar la capacidad comunicadora del arte para lanzar
mensajes con el fin de buscar los cambios necesarios en la difícil relación entre el ser
humano y la naturaleza. Se trata de participar en el programa de residencias de
FLORA ARS+NATURA, que se desarrolla en Bogotá, Honda y Tolima (Colombia), para
realizar una videocreación donde las aves envíen un mensaje. Sus cantos serán
traducidos con subtítulos y estarán acompañados de poéticas imágenes de paisajes.
La comisión evaluadora ha elegido este proyecto “por su compromiso con la defensa
de la naturaleza a través de la representación anticonvencional del paisaje y de la
colaboración con instituciones académicas, científicas y conservacionistas. Arte y
ciencia se encuentran en su acercamiento a la ornitología que, en este proyecto,
aporta su dimensión sonora, con una ficcionalización del lenguaje de los pájaros”.
David Ferrando. Obra: La Part Maudite
Ferrando (Negreira, A Coruña, 1978) Es Graduado en Bellas Artes por la Universidad
Politécnica de Valencia y MFA en Bellas Artes por el Goldsmiths College. En 2010 fue
uno de los ocho vídeo-artistas seleccionados para el LUX Associate Artists Programme
de Londres. Su trabajo, centrado principalmente en vídeo, sonido e instalación, se
encuentra en la intersección de varios hilos conceptuales, entre los que figuran la
hibridación de elementos naturales, tecnología y organización sociopolítica y cómo
ésta se ha gestionado a lo largo de la historia; las tensiones entre representación y
realidad representada; y la experiencia estética como herramienta cognitiva. Entre sus
exposiciones recientes destacan: Luminous Flux, Arti et Amicitiae, Amsterdam (2014);
ARCOmadrid 2014, Galería Bacelos; IndieLisboa14, Festival Internacional de Cine
Independente; Veraneantes, MARCO, Vigo (2013-14); It´s a Place of Force en REMAP4,
Atenas (2013) y MACO 2013, México.
Se trata de un ensayo audiovisual que se servirá de recursos provenientes de lenguajes
diversos: el documental y la grabación de campo, la infografía, la estética del cine de
ciencia ficción especulativa y de terror, y la instalación. Se contempla una utilización
intensiva de animación 3D combinada con vÍdeo tradicional, probablemente
grabado en plató, y material de archivo proveniente de la historia del arte de las
últimas cinco décadas.
Estos recursos se pondrán al servicio de una reflexión sobre el ámbito del arte
contemporáneo como actividad cultural y política. A partir de un proceso de
investigación en profundidad y recopilación de material sobre esta temática, la pieza
se construirá en torno a un relato de ciencia ficción distópica sobre el expolio de la
experiencia estética a manos de un ente psíquico apocalíptico.
La comisión ha valorado “su ambicioso proyecto de análisis y cuestionamiento de la
iconofobia en las tendencias artísticas conceptuales de las últimas décadas,
abordado desde un cruce de puntos de vista de las ciencias sociales y de la
economía, y que se formalizará a través una combinación de medios al servicio de
una experiencia estética compleja”.
Sally Gutiérrez. Obra: Ta acordaba Filipinas?
Gutiérrez (Madrid, 1964) es máster en Estudios Mediáticos por la New York School
University. Participó en el Whitney Independent Study Program, en 2000/2001 obtuvo
una beca del Lower Manhattan Cultural Council para un estudio y exposición en las
Torres Gemelas. Ha vivido ocho años en Berlín y pasado estancias con diversas becas
en Filipinas y en Sudáfrica, donde ha realizado varios proyectos. Ha expuesto su obra
en museos y galerías nacionales e internacionales: Matadero, Museo Nacional Reina
Sofía, MACBA, Jeu de Paume, Kunstwerke, Akademie de Künste, Berlin, Parker’s Box,
Whitebox Gallery, PS1, Nueva York, etc. Es integrante del grupo de investigación DKA
Decolonizando el Pensamiento y la Estética / Matadero / Goldsmith University, así
como de Península, grupo de investigación basado en el Museo Reina Sofía. En 2014
ha expuesto en el MUSAC de León, el Jeu de Paume (París) y la Fundación Miró
(Barcelona), entre otras sedes.
Es un proyecto audiovisual experimental en formato largo y de vídeo instalación, que
plantea a varios niveles, y mediante varios lenguajes, una conversación fílmica entre
Filipinas y España. La pluralidad y complejidad del lenguaje mismo, entendida en el
sentido lingüístico pero también en el sentido estético, se convierte en hilo conductor
de una narración no lineal que entrelaza tres grupos de conversadores: los miembros
de la minoría hispano-hablante filipina; los habitantes de Zamboanga, que hablan una
lengua criolla –chabacana- y los miembros de la generación de jóvenes filipinos
nacidos en España. En última instancia, el lenguaje refleja aquí la relación de Filipinas
con las sucesivas potencias coloniales que ocuparon el archipiélago.
La comisión la ha elegido “por proponer una mirada innovadora sobre el espacio
urbano y colonial y por el creativo uso de datos historiográficos al servicio de la ironía y
la crítica”.
Marla Jacarilla. Obra: Manual de instrucciones para interpretar novelas falsas
Jacarilla (Alcoy, Alicante, 1980) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad
Politécnica de Valencia y máster de Producción Artísticas e Investigación por la
Universidad de Barcelona. Ha asistido a workshops impartidos por escritores y artistas
como Eloy Fernández Porta, Rafael Argullol, Vicente Gallego, Vicente Muñoz Puelles,
Marina Abramovic, Dara Birnbaum, Malcolm Le Grice, Dan Graham, Dora García o
Andrés Duque. Desde 2008 es redactora en la revista de crítica y análisis
cinematográfico
Contrapicado. Ha
colaborado
en
publicaciones
artísticas
y
cinematográficas como Paesaggio, A* Desk, El Rayo Verde, apuntes cinematográficos
o Cortosfera, entre otras. Sus exposiciones más recientes se han celebrado en Tarrasa,
Valls y Barcelona.
El proyecto consiste en la creación de un “manual de instrucciones” que se concreta
en un vídeo estructurado en seis capítulos, que da algunas de las claves para
interpretar la literatura “falsa” y en concreto las Seis falsas novelas escritas por Ramón
Gómez de la Serna en alusión irónica a las “falsas” novelas de las que hablaba Bretón
en el manifiesto surrealista. Esas falsas novelas de Gómez de la Serna fueron
compiladas posteriormente en una única publicación. En ellas realiza un acrobático
ejercicio de impostura al parodiar diversos estilos literarios que en principio le son
ajenos.
La comisión ha valorado en este proyecto “su mirada sobre las vanguardias como
elemento de investigación para la creación de esta obra y la singular visión sobre la
relación entre ficción, historia y literatura”.
Natalia Marín. Obra: New Madrid
Marín (Zaragoza, 1982) es profesora de Realización de Cine Experimental y Videoarte
en TAI Escuela Superior de Artes y Espectáculos. Ha comisariado programas en
Tabakalera de San Sebastián y el Museo Nacional de Arte Reina Sofía. Es miembro del
Colectivo de cine experimental y documental Los Hijos y su filmografía incluye títulos
como El sol en el sol del membrillo, Circo y Árboles. Sus trabajos han sido seleccionados
en festivales de Marsella, Mar de Plata y Lima, entre otros. Su obra Los materiales le
valió el Premio Jean Vigo a Mejor Director del Festival Punto de Vista y la Mención
Especial del Jurado en el FID Marsella.
En Estados Unidos existen nueves localidades llamadas New Madrid ubicadas en los
estados de Missouri, Alabama, Colorado, Iowa, Maine, Nebraska, Nuevo México,
Nueva York y Virginia. La vídeo instalación New Madrid es la unificación de estos nueve
lugares que dan como resultado uno nuevo, inexistente, “que nace de ser otros que
no son ninguno”. Vincular estas nueve poblaciones tiene un triple objetivo: el estético
con la representación de un no-lugar, el objetivo previo de investigación histórica y la
persecución de lo simbólico. Con una función utópica se construirá un “Nuevo Madrid”
quizá distópico, a través de ciudades dobles, espectrales, espejos, con la intención de
cuestionar y reflexionar sobre el Madrid que vemos y habitamos.
La comisión ha elegido este proyecto “por proponer una investigación audiovisual
sobre la lengua y la cultura que analiza simultánea y críticamente el pasado colonial y
la actualidad más candente”.
Lois Patiño. Obra: Tiempo vertical
Patiño (Vigo, 1983) compaginó sus estudios de psicología en la Universidad
Complutense de Madrid con los de cine en la escuela Tai. Continuó su formación de
cine en la New York Film Academy de Nueva York y en Barcelona, donde realizó el
Master de Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra. Ha realizado
cursos de videocreación en la Universität der Künst de Berlín y talleres con artistas y
cineastas como Joan Jonas, Pedro Costa, Víctor Erice, José Luis Guerín o Daniel
Canogar. Con su trabajo Montaña en sombra ganó premios en el Festival de
Oberhausen (Alemania), en Clermont-Ferrand (Francia), en Bucharest Experimental IFF
(Rumanía) o en FIDOCS (Chile), entre otros. Y en 2013, en el Festival de Locarno, recibió
el premio al mejor director emergente con su largometraje Costa da Morte. Este
trabajo también ha recibido premios en festivales como Jeonju IFF (Corea del Sur),
FICUNAM (México D.F.), Festival dei Popoli (Italia), Valdivia IFF (Chile) o en el Festival
Europeo de Sevilla.
A partir de los conceptos vinculados al tiempo subjetivo del filósofo Henri Bergson tiempo interior frente a tiempo exterior-, el proyecto plantea una contraposición entre
el movimiento y lo inmóvil. Se explora esta idea trazando un recorrido por un espacio
donde todas las figuras humanas que se van encontrando están paralizadas, mientras
los elementos naturales -viento, agua, luz- siguen su ritmo habitual. El proyecto se
desarrolla en una doble dirección: la realización de una pieza de videoarte de unos 20
minutos grabada en Marruecos y una serie de videoinstalaciones que buscan crear
una experiencia sensorial para el visitante, trabajando con pantallas múltiples. Cada
una de las piezas abordará la experiencia espacio-temporal desde perspectivas
diferentes y, a la vez, complementarias unas con otras.
Los evaluadores han valorado en esta propuesta “su análisis sobre la idea del tiempo
como elemento fundamental de la imagen en movimiento, y su vinculación al ámbito
de las ideas partiendo de Bergson y Bachelard entre otros”.
Andrés Senra. Obra: Ojalá estuvieras aquí
Senra (Río de Janeiro, 1968) ha disfrutado de una beca en el Instituto Goethe de Berlín,
una residencia artística en el Centre d’Art Contemporani de Girona y una residencia
de investigación MNCARS. Su obra reciente utiliza el ordenador, la videocámara o la
cámara de fotos para retratar la ciudad y sus habitantes, con un lenguaje visual que desde la escucha y la contemplación. Presta atención al detalle mínimo y al paisaje
personal de las personas retratadas. Sus últimos trabajos se han presentado en
Alemania, Dinamarca, Brasil, Francia, Italia, Reino Unido y Perú, fundamentalmente en
el espacio público de la ciudad con la intención de reinterpretar su operatividad en la
construcción de la identidad individual y colectiva.
Su proyecto consiste en la realización de una serie de videocreaciones en las que se
realiza un retrato individual de ciudadanos españoles que han tenido que emigrar
para resolver situaciones personales de desempleo y ciudadanos inmigrantes en
España. La imagen pivotará entre la intención artística y el documento. Las personas
retratadas se presentarán como modernos callejeros en su deriva por la nueva ciudad
de destino pero, en este caso, no solo en el espacio físico sino también en el tiempo.
Con esa deriva el artista pretende trabajar en la producción de un mapa emocional
en relación con iconos, símbolos y lugares geográficos. Partiendo de estos supuestos el
trabajo aborda cuestiones como los sentimientos, la estructura, el empoderamiento,
los sueños, las expectativas, la organización, los temores, a través de las reflexiones
personales de los emigrantes, los inmigrantes y del propio artista.
La comisión evaluadora ha valorado “su sensibilidad para abordar un tema
especialmente acuciante y de actualidad como es el de la emigración española”.
Daniel Silvo. Obra: Viento y polvo
Silvo (Cádiz, 1982) se doctoró en Bellas Artes por la Universidad Complutense de
Madrid. Gracias a diversas becas de residencia e investigación se ha formado en Berlín
(Universität der Künste), Aix-en-Provence (Pépinières européennes pour jeunes artistes),
Bilbao, Madrid, Cuba, Utrecht (IMPAKT Foundation) y San Luis Potosí (México) (EMARE,
en el Centro de Arte y Nuevas Tecnologías). Ha participado en exposiciones colectivas
en centros internacionales como el Museo Reina Sofía de Madrid, la Fondation Cartier
Paris, Laznia Centre de Gdansk, entre muchas otras; y ha expuesto de forma individual
en las galerías Isabel Hurley, Marta Cervera, Centro Cultural de España en México DF o
la École Súperieure d’Art d’Aix-en-Provence. Define su aproximación al arte como
“una suerte de pista de pruebas donde experimentar con ideas contradictorias y
experiencias extremas”.
Será un vídeo de unos 30 minutos de duración, un trabajo documental planteado
como una road movie en el que se grabarán una serie de obras de de artistas
mexicanos dispersas a lo largo de algunos de los desiertos de la frontera sur de los
estados de California, Arizona, Nuevo México y Texas. En este recorrido se registrarán
también una serie de escenas en el camino que establecerán una narración paralela
sobre los habitantes de los estados del sur de los Estados Unidos. El objetivo es realizar
un proyecto transversal en el que se relacionen distintos ámbitos: el comisariado, el
Land art, el vídeo documental y la denuncia de una situación de conflicto
transfronteriza.
La comisión ha valorado “su original enfoque de la compleja situación fronteriza entre
Estados Unidos y México, a la vez que revisión del Land Art. Un proyecto que combina
la creación artística y el comisariado en una road movie”.
Si desea más información, puede ponerse en contacto con el Departamento de
Comunicación y Relaciones Institucionales de la Fundación BBVA (91 374 52 10 10;
91 374 81 73 y 91 537 37 69 o [email protected]) o consultar en la web
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