La música infinita de Bach

La música infinita de Bach
Concierto didáctico para alumnos de Educación Primaria y Secundaria
Música:
Intérpretes:
Texto:
Johann Sebastian Bach
Orquesta Sinfónica de Navarra
Coral de Cámara de Pamplona
Joachim Harder (director)
Arantza Irañeta (soprano)
Fernando Palacios - Ana Hernández (narradores)
Fernando Palacios
GUÍA DIDÁCTICA:
Ana Hernández Sanchiz
La músi ca i nfinita de B ac h
Índice
El concierto
3
Johann Sebastian Bach
5
El Barroco
7
El bajo continuo
7
La orquesta barroca
8
Periodos del barroco
9
Cantatas, oratorios, suites, toccatas... y otras fantasías
10
La Cantata
10
El Oratorio
12
La Suite
13
La Toccata
14
La Fantasía
15
Los intérpretes
16
Bibliografía, discografía y enlaces
19
ACTIVIDADES
1. Cantata: para cantar
20
2. Toccata: para tocar
23
3. Suite: para bailar
25
4. Oratorio: para orar
26
5. Fantasía: para...
27
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EL CONCIERTO
Con La música infinita del Bach se cierra el ciclo que el programa Música en Acción ha
dedicado los tres grandes, las tres “B” de la música alemana... y de la historia de la música
occidental: Beethoven, Brahms y Bach. Los dos conciertos anteriores, que tuvieron lugar
en los cursos 2009-2010 (Beethoven) y 2010-2011 (Brahms) estuvieron dedicados a los
estudiantes de Educación Secundaria. En esta ocasión el mundo sonoro del gran maestro
de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach, se abre también a los alumnos de Educación
Primaria. Así nos presenta el autor del guión, Fernando Palacios, su propuesta:
¿Cuántos rayos de sol caben en una botella? ¿Cuántos espíritus pueden bailar en la
punta de una aguja? ¿Qué refleja un espejo frente a otro?... Más granos de arena que
un desierto, más gotas de agua que un océano, más grande y profundo que lo que
podemos imaginar... por esos caminos del infinito se pasea la música de Bach. Allá
donde las medidas son inútiles y al tiempo no le es permitido regular las horas de la
vida, en esos lugares incomprensibles suena la música infinita de Bach.
Escuchando la música de Bach se pierden los límites y se alcanza el núcleo de la
eternidad. No hay explicación posible, pero lo cierto es que “el músico poeta” (así se le
ha llamado), tocó con su mano las esencias del tiempo y las traspasó a la música. Da
la sensación de que su música ha existido siempre, que surge de las profundidades y
que nunca se va a acabar. La música de Bach no es de Bach, es parte de nosotros, en
ella encontramos la belleza oculta del infinito.
Fernando Palacios, 2011
La guía didáctica
La presente guía consta de unos apartados introductorios, a modo de programa de mano
para el profesor, en torno al autor, su época, las formas musicales que escucharemos en
el concierto y los intérpretes que lo pondrán en pie en el escenario.
El repertorio musical de La música infinita de Bach será el mismo para los dos tramos de
edad a que se destina el espectáculo, si bien el tono y la dirección de la presentación
estarán adaptados a cada uno de los niveles educativos. Por esta razón, hemos optado
por la elaboración de una guía didáctica conjunta, con la información previa para el
profesorado, común a los dos niveles, seguidos de un bloque de actividades con
propuestas concretas susceptibles de ser adaptadas y utilizadas en cada nivel con el fin de
ser utilizadas para el trabajo previo o posterior al concierto, a criterio del docente,
verdadero conocedor de la realidad de sus aulas.
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LA MÚSICA INFINITA DE BACH
Obras programadas*
Suite nº 2 en Si m, BWV 1067
Obertura: fuga (fragmento)
Badinerie
flauta, cuerda y clave
flauta, cuerda y clave
Cantata “Herz und Mund und Tat und Leben”, BWV 147
Aria de soprano (nº 5, fragmento)
soprano, violín y continuo
Coral
(nº 10)
coro, trompeta y orquesta
Cantata “Was mir behagt”, BWV 208 (Cantata de caza)
Aria de soprano (nº 2)
soprano, 2 trompas y continuo
Aria de soprano (nº 9)
soprano, 2 flautas y continuo
Coro
(nº 11)
coro y orquesta
Magnificat en Re M, BWV 243
Magnificat
(nº 1)
coro, 2 flautas, 2 oboes, 3 trompetas
y orquesta
Oratorio de Navidad. Cantata BWV 248
Coral final
(nº 6)
coro, 2 oboes, 3 trompeta
y orquesta
Pasión según San Mateo, BWV 244
Coral
(nº 72)
coro y continuo
Toccata y fuga en Re m, BWV 565
(fragmento)
órgano
Fantasía cromática y fuga Re m, BWV 903
(fragmento)
clave
*
Por tratarse de un programa en creación que se estrenará en el ciclo Música en Acción, el orden de las obras no
está decidido en el momento de realizarse esta guía didáctica y, así mismo, puede darse alguna modificación en
las obras seleccionadas, a criterio del diseñador del guión.
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JOHANN SEBASTIAN BACH
(Eis enac h, Tu rin gia 16 8 5 – L ei pzig, 1750)
Bach, organista, violinista, cantante y compositor barroco
considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, en
un retrato realizado en 1746 por Elias Gottlob Haussmann.
Johann Sebastian fue el pequeño de los ocho hijos de
una familia humilde pero de gran tradición musical. Las
seis generaciones que le precedieron habían conseguido
vivir de la música. Perdió a su madre a los nueve años y a
su padre a los diez. Pasó entonces al cuidado de su
hermano Johann Christoph, que fue su primer profesor
de música. Al mismo tiempo comenzó a ganarse su
manutención como “niño de coro” en la Escuela de San
Miguel de Lünebourg. En la biblioteca de la escuela
estudió de forma autodidacta a los grandes
compositores (Monteverdi, Shütz, Pachelbel...).
Johann Ambrosius Bach, padre de
Johann Sebastian.
Tras concluir sus estudios encuentra su primer puesto de trabajo, como afinador de
órganos en Arnstadt, consiguiendo gran prestigio. Después se emplea como violinista,
organista y director de coro, aunque debido a su carácter seco y obstinado, siempre en
defensa de la independencia artística, no permanece mucho tiempo en ningún puesto,
cambiando de destino con frecuencia. En 1703 es organista en la iglesia de San Bonifacio
de Arnstadt, de la que parte dos años después hacia Ludeck parar conocer a Buxtehude
(no se sabe bien si con la intención de verlo en acción o con la de intentar ocupar su
plaza). En 1707 se convierte en el organista de Muhlhausen y en el esposo de su prima
María Bárbara, con la que tendrá 7 hijos. Un año después se traslada a Weimar como
organista de la Corte, donde llegará a ser Konzertmeister en 1714. Allí, donde escribe la
mayor parte de sus obras para órgano, entre ellas la Toccata y Fuga en Re menor, es
consciente de que no podrá llegar a Kapellmeister, puesto que parecía reservado para
Telemann, por lo que en 1717 acepta la oferta del príncipe Leopold para convertirse en
su maestro de capilla. El tono de su exigente petición de libertad al duque de Weimar le
cuesta un encarcelamiento de un mes por desacato. Una vez cumplido el arresto, viaja a
la corte de Cöthen, donde compone sus Conciertos de Brandemburgo. Tres años más
tarde muere Bárbara; un año después Johann Sebastian se casa con Anna Magdalena, una
brillante cantante del coro hija de un músico de la corte, con la que tendrá 13 hijos más.
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La familia Bach se traslada a Leipzig en 1723, como Cantor de Tomaskirche. En esa
ciudad, donde permanecerá el resto de su vida, conoce a Haendel dos años más tarde.
En 1729 es nombrado director del Collegium Musicum y en 1736 Compositor de la Corte,
desarrollando una gran actividad compositiva y pedagógica, con más de 80 alumnos a su
cargo. Las obras cumbre de su carrera fueron compuestas desde su llegada a Leipzig: la
Misa en Si menor, la Pasión según San Juan, la Pasión según San Mateo, el Oratorio de
Navidad o las Variaciones Golberg. Su prestigio va en aumento e ingresa en la
Correspondirende Societät der Musicalische Wissenschaften. Visita la corte de Federico el
Grande, quien le entrega un tema sobre el que Johann Sebastian compone su Ofrenda
Musical.
En los años sucesivos el maestro, afectado de cataratas, va
perdiendo la vista y la salud. En 1750 fue operado dos
veces por el oftalmólogo John Taylor, cuya última
intervención parece ser la causa de la embolia que le
produjo la muerte en Leipzig el 28 de julio del mismo año.
Curiosamente, el mismo médico operó posteriormente a
Haendel con igual resultado. Johann Sebastian Bach falleció
dejando inconclusa una de las cimas de su creación
musical: El arte de la fuga.
Bach en los últimos meses de su vida.
Retrato “Volbach”, 1750
Su obra manuscrita fue repartida entre sus hijos, perdiéndose gran parte de ella, a pesar
de lo vasto del legado que ha llegado hasta nuestros días. El viejo Bach, como le conocían
sus alumnos, fue olvidado durante más de un siglo hasta que, a finales del siglo XVIII y
principios del XIX algunas figuras historicistas alemanas e inglesas fueron conscientes de su
maestría, como el barón Gottfried van Swieten (1733-1803), que se lo mostró a Mozart
(1756-1791), Johann Nikolaus Forkel (1749-1818), que escribió la primera biografía de
Bach en 1802 y, especialmente, Felix Mendelssohn (1809-1847), gran impulsor del
resurgimiento de la música del maestro, especialmente tras su interpretación de la Pasión
según San Mateo en Leipzig, que le dio gran popularidad.
La música de Johann Sebastian Bach es una referencia imprescindible en la música
occidental, como culminación de una época, el Barroco. Las características propias de la
música de Bach, en opinión de M. F. Bukofer (La música en la época barroca), son las
siguientes:
1. Poder de condensación de los tres estilos de la época: alemán, italiano y francés.
2. Gran habilidad técnica para transformar ideas en motivos musicales fijos y
comprensibles por los músicos y el público de la época, dentro de la retórica
barroca.
3. Equilibrio entre homofonía y polifonía (escritura vertical y horizontal). Este aspecto
tiene una gran transcendencia en la historia de la composición musical.
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EL BARROCO
El Barroco musical es el periodo que se extiende aproximadamente desde 1600, época
de aparición de la ópera, hasta 1750. Precisamente se toma como referencia esta fecha
final por ser el año de la muerte de Johann Sebastian Bach. En América, sin embargo, se
alargó más tiempo por influencia de los imperios europeos, incorporando las influencias
de los estilos musicales autóctonos y dando como fruto obras de gran calidad e interés.
El término procede del portugués barroco, que describe una perla grande de forma
irregular, aunque también se barajó la posibilidad de que su origen estuviera en el italiano
baroco, término lógico referido a un tipo de silogismo. En cualquier caso, ambas
etimologías sugieren las connotaciones de algo extraño, antinatural y deformado. De
hecho, en los siglos XVIII, XIX y, ocasionalmente, en el XX, se utilizó el término con un
matiz peyorativo.
En cuanto al estilo, la música barroca se caracterizó por una textura homofónica en la
que la parte superior lleva la melodía sobre una línea de bajo de carácter armónico,
dando lugar al bajo continuo (basso continuo o bajo cifrado), que comienza a utilizarse
hacia 1600. Además, la modalidad propia de la música antigua y renacentista da paso a la
tonalidad.
El bajo continuo
El basso continuo es una línea de bajo independiente que se extiende a lo largo de toda
una pieza, sirviendo de base sobre la que se desarrollan o improvisan armonías en un
instrumento de teclado o en un conjunto de instrumentos que forman acordes. Los
acordes se van especificando por medio de números y símbolos escritos encima, debajo o
al lado de las notas del bajo, por lo que en ocasiones se le da también el nombre de bajo
cifrado.
Ejemplo del bajo conti nu o del Coral I de la “Pasión según san Mateo” de J. S. Bach
Los instrumentos que interpretaban este bajo solían ser un
clave, órgano u otro instrumento polifónico para realizar
las armonías y uno o varios instrumentos melódicos como
el violonchelo, la viola da gamba o el fagot, para tocar la
línea del bajo.
Habitualmente, el intérprete del teclado tocaba la línea del
bajo con la mano izquierda e improvisaba el
acompañamiento armónico con la derecha, en función del
cifrado.
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La orquesta barroca
Con anterioridad a la época barroca, los compositores centraban la mayoría de sus
esfuerzos en la música vocal, considerándose la música instrumental un género menor.
Aunque las líneas vocales de la polifonía medieval y renacentista solían ser dobladas por
instrumentos, esas agrupaciones instrumentales no se especificaban y, además, tenían un
tamaño tan reducido que apenas se parecían a las orquestas modernas.
La llegada de la ópera en torno a 1600 ayudó a concretar la instrumentación y a crear
una dependencia cada vez mayor de un gran número de instrumentos de cuerda, para
aportar cuerpo y equilibrio al viento y la percusión.
A lo largo del siglo XVII se da una gradual aceptación de la música instrumental, que se
independiza de la música vocal. En Italia comienzan a componerse más y más sonatas y
conciertos. La orquesta nace gracias a la perfección técnica que alcanzan los instrumentos
de cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Fue la época de máximo apogeo de los
constructores de instrumentos italianos, los grandes luthiers, como Stradivarius, Amati y
Guarnieri.
Durante el período barroco (1600 – 1750) la orquesta empezó a consolidar la
forma que tiene hoy en día. Estaba formada básicamente por los instrumentos de cuerda
frotada y el bajo continuo, que incluía un clavecín. Además, contaba con instrumentos de
viento madera (flauta, oboe y fagot), viento metal (trompetas y trompas) y de percusión
(timbales), pero su inclusión en cada formación no era fija, sino que dependía de cada
composición. Una formación media constaba de alrededor de veinticinco músicos.
La figura del director ha ido evolucionando desde estas primeras formaciones orquestales
hasta nuestros días. Habitualmente era el clavecinista quien dirigía desde su instrumento
ya que, colocado correctamente en el centro del conjunto, podía ser oído por el resto de
músicos. No obstante, en las cortes del siglo XVIII, el maître de la musique o Kapellmeister
era a menudo el concertino, nombre con el que se denomina al primer violín solista de la
orquesta.
Al respecto de la figura del director, existe una conocida anécdota sobre un compositor
de la época, el músico francés de origen italiano G. B. Lully (1632-1687), que se convirtió
en el “primer director de orquesta muerto en acto de servicio”. Lully murió en París, siendo
“Secrétaire du Roi”, a causa de una gangrena producida tras clavarse en un pie el bastón
con el que marcaba el pulso a la orquesta.
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Periodos del Barroco
Primer Barroco (1590-1640): época de experimentación, conocida como el
seicento, en la que predominan los estilos monódicos, herederos de los del Renacimiento
(madrigal, aria para solista, sonatas, ópera con aria y recitativo...). La disonancia del
madrigal polifónico se traslada al contexto monódico. Destaca la utilización del bajo
continuo y los bajos repetitivos (basso ostinato), así como las formas de variación estrófica
y de recitado poético. Se desarrolla la armonía tonal frente a la modalidad de los géneros
anteriores. Fue una de las épocas más fecundas y revolucionarias de la música occidental.
Destaca en este periodo el compositor Claudio Monteverdi
(1567-1643), maestro en los dos géneros imperantes: la prima
prattica (el madrigal polifónico) y la seconda prattica (linea vocal
solista con bajo continuo). Compuso una de sus obras más famosas,
el “Lamento d’Arianna”, tanto en versión polifónica como en versión
para solista y bajo continuo.
Monteverdi sería el máximo representante de la recién
creada ópera, con su Orfeo (1607), que se extendió con éxito por
otros países, con excepción de Inglaterra. Paralelamente se
desarrolla el oratorio, principalmente en San Felipe Neri.
Barroco central (1640-1690): periodo de consolidación en el que la disonancia se
controla más estrictamente que en el primer Barroco. Pierde fuerza el recitado expresivo,
otorgándoselo al aria lírica, con formas nuevas como el Aria da capo (ABA). Los géneros
vocales, como la cantata, reciben influencias de la ópera y alternan aria y recitativo. El
oratorio y la cantata religiosa transforman el concepto de concierto sacro.
En este periodo intermedio sobresalieron, entre otros, los
compositores Jean-Baptiste Lully (1632-1687) en Francia, Johann
Pachelbel (1653-1706) en Alemania y Henry Purcell (16591695) en Inglaterra. Este último fue quien impulsó el desarrollo de
la ópera en su país. Tras escribir numerosas partituras de música
escénica para textos de los grandes escritores coetáneos, como
Moliêre o Shakespeare, escribió varias semióperas en las que el
texto recitado tiene tanta importancia como el cantado (The
Tempest o The Fairy Queen) y una ópera en sentido estricto, Dido
and Aeneas, la auténtica joya del barroco inglés.
Barroco tardío (1690-1750): el estilo antiguo (stile antico)
conservado en la música religiosa e instrumental durante el siglo
XVII culmina en el estilo fugado tonalmente ordenado de Bach y
otros compositores. El movimiento moderado de ritmo ternario
propio de las arias líricas da paso a ritmos insistentes, concebidos
para proyectar un afecto concreto, estático.
En esta época destacan Domenico Scarlatti (1685-1757) en España,
Antonio Vivaldi (1678-1741) en Italia, Georg Fiedrich Häendel
(1685-1759) en Inglaterra, Jean Philippe Rameau (1683-1764) en
Francia y, por supuesto, Johann Sebastian Bach en Alemania.
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CANTATAS, ORATORIOS, SUITES, TOCCATAS... Y OTRAS FANTASÍAS
!
Éstas son las formas musicales que escucharemos en el concierto. En ellas, junto a la
ópera u otras obras instrumentales como el concerto grosso o la sonata, se centra el
repertorio musical del Barroco, repleto de contrastes rítmicos, dinámicos y tímbricos.
Vamos a ir presentando brevemente estas formas barrocas.
Formas vocales religiosas
Durante el Barroco la música religiosa tiene una enorme importancia. Debido a la
Reforma protestante de Lutero, la Iglesia necesita de este tipo de obras que se
interpretan en grandes ceremonias para influir sobre sus fieles. Las principales formas
vocales religiosas desarrolladas en el Barroco son la Cantata (aunque ésta también puede
ser una forma profana, las compuestas por Bach son todas religiosas), el Oratorio y la
Pasión. De todas ellas tendremos muestra en La música infinita de Bach.
La Cantata
Se trata de un género vocal barroco formado por una sucesión de recitativos, arias,
ariosos, dúos y coros. Su tratamiento puede ser lírico, alegórico o dramático, aunque no
tienen como fin la representación escénica.
Las Cantatas corales están basadas en el texto, o en el texto y la melodía, de un coral
protestante alemán. Las más de 200 cantatas compuestas por Bach se enmarcan dentro
de la tradición de la Cantata luterana. Especialmente las primeras, se encuentran cerca de
la construcción fluida y en secciones del antiguo motete luterano. Otras incluyen las
técnicas de expresión emocional y dramática de las cantatas profanas y las óperas italianas
de la época, sobre todo en los recitativos y las arias.
Un aria es una composición independiente para voz solista, generalmente con
acompañamiento instrumental y ubicada en el contexto de una forma más amplia, como
una ópera, un oratorio o una cantata. El aria está concebida como medio para expresar
las emociones del personaje, deteniendo la acción dramática. Tiene más importancia
musical que textual.
El recitativo, en cambio, se encuentra entre la voz hablada y cantada, centrándose en el
texto: hace avanzar la acción, exponiendo los hechos sin repetir palabras y sin detenerse,
por lo que el aspecto literario está por encima del musical.
La mayoría de las cantatas de Bach utilizan un coro, pero algunas son exclusivamente para
cantante solista. Los corales se utilizan también de muy diversos modos y muchas obras
finalizan con una pieza homofónica a cuatro voces de una sola estrofa.
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En el concierto escucharemos el Aria nº5 y el Coral nº10 de la hermosa Cantata
BWV 147 “Herz und mund unt that und leben” (El corazón, la palabra, los actos y
la vida). Esta cantata fue escrita en 1723, aunque Bach terminó de darle forma en 1728.
Es una obra extensa en dos partes, la primera de las cuales se ejecutaba antes y la
segunda después del sermón.
Aria nº5 “Bereite dir, Jesu”. Primera frase de la solista. Reducción para teclado.
El Magnificat
Es un género polifónico vocal similar a la cantata, pero basado en el pasaje bíblico del
“Cántico de la Virgen” (Lucas, 1: 46-45), cuyo texto latino comienza “Magnificat anima
mea Dominum” (Proclama mi alma la grandeza del señor). No pertenece al año litúrgico,
sino que se utiliza en las Vísperas (servicio católico romano) y en la Oración Vespertina
(anglicano). Este uso y ubicación propicia que tenga una extensión menor a la habitual de
las cantatas.
Johann Sebastian Bach compuso inicialmente su Magnificat BWV 243 en Mi bemol
mayor, para ser interpretado en las vísperas de Navidad de 1723 en Leipzig, por lo que
incluía cuatro piezas navideñas. La versión que conocemos y de la que escucharemos en
el concierto su nº1 Magnificat, es la segunda versión, escrita en Re Mayor y que no
incluye ese material navideño.
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Número inicial del Magnificat. Fragmento de partitura manuscrita.
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El Oratorio
El término Oratorio procede del latín oratorium (lugar de oración), palabra derivada del
verbo orare (orar). Los oratorios eran lugares de oración, edificios contiguos a las iglesias y
concebidos como escenario de experiencias distintas a la liturgia habitual, aunque con
fines religiosos. Este tipo de edificios surgieron en torno a la Congregación del Oratorio,
un movimiento reformista católico fundado por San Felipe Neri (1515-1595) y podían
albergar entre 200 y 400 personas sentadas.
Musicalmente, los oratorios son dramas musicales con texto surgidos en el siglo XVII,
cuyo argumento gira, en su mayoría, en torno a temáticas religiosas. Fueron concebidos
para ser interpretados sin decorados, vestuario o acción escénica. No obstante, algunos
oratorios han sido llevados a escena. Constan de coros, recitativos (en los que se
describen las acciones de la trama) y arias (en las que se comenta lo ocurrido), ejecutados
por cantantes solistas, coro y orquesta.
En el concierto escucharemos el Coral final del Oratorio de Navidad, BWV 248 de
Bach, que se interpretó por primera vez entre 1734-35. Está integrado por seis cantatas
sacras concebidas para interpretarse en seis días sucesivos entre el día de Navidad y el día
de Reyes. Bach reutilizó en él algunas piezas de cantatas anteriores.
Coral final.
Primera frase del coro.
La Pasión-oratorio
La Pasión es una versión musical de los sufrimientos y la muerte de Jesús tal y como los
relataron los cuatro evangelistas (habitualmente se centra en el texto de uno de ellos).
Tras las Pasiones en canto llano, las Pasiones responsoriales y las motéticas, se desarrolla
en el siglo XVII la Pasión-oratorio, que utiliza textos no bíblicos en corales y arias, textos
libres que comentan los sucesos representados en la narración bíblica, que se presenta
normalmente en forma de recitativo seco, es decir, la voz se acompaña únicamente
por el bajo continuo. La pasión oratórica tiene prácticamente las mismas características
musicales que el oratorio, siendo realmente una variante de éste.
La Pasión según San Mateo BWV 244 fue escrita por Bach a partir del evangelio de
Mateo y con textos poéticos libres de Picander, para solistas, dos coros y orquesta. Fue
estrenada en Leipzig en 1727 y revisada para una interpretación posterior en 1736. En el
concierto escucharemos el Coral 27 “Wenn ich einmal”.
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La Suite
Durante la segunda mitad del siglo XVII el ballet francés alcanzó una gran popularidad,
especialmente la música de Lully, lo que propició la práctica de extraer danzas y arias de las
obras escénicas, presentando el conjunto como una obra independiente denominada
suite (en francés “sucesión, secuencia”, en italiano se denomina partita). Posteriormente,
en la década de 1680, los compositores comenzaron a escribir suites originales en un
estilo similar. La mayoría comenzaban con una obertura francesa a la que seguía una serie
de danzas elegidas entre las más populares en escena y en los salones de baile (zarabanda,
bourrée, polonesa, minuet, etc.), alternándose los tiempos lentos con los rápidos, los
ritmos binarios con los ternarios.
Con la llegada del clasicismo y la forma sonata, este tipo de suite cayó en desuso. A partir
de mediados del siglo XIX, la suite creada a base de extractos de otra obra más extensa,
habitualmente un ballet, recuperó prácticamente la popularidad que había tenido en el
siglo XVII. Por citar algunos ejemplos famosos, pensemos en la Suite de Cascanueces o la
Suite del Pájaro de fuego de Stravinsky.
En el concierto escucharemos dos movimientos de la Suite nº 2 en Si m., BWV 1067,
escrita para flauta, cuerda y continuo. En concreto, escucharemos la fuga de la Obertura y
el último número, la famosa Badinerie, pieza de carácter virtuoso para la flauta solista. La
suite completa consta de las siguientes siete piezas: I. Ouverture, II. Rondeau, III. Sarabande,
IV. Bourrée, V. Polonaise, VI. Menuet y VII. Badinerie.
Éste es el comienzo de la Badinerie, donde se puede observar la línea superior para flauta
solista, seguidas de las partes para violines I y II, las violas y el bajo continuo.
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La toccata
Es una composición de carácter virtuoso para un instrumento de teclado o de cuerda
pulsada, que incluye pasajes brillantes y, a menudo, interludios imitativos o fugados. Los
elementos principales de este estilo son las armonías disjuntas cuasi-improvisatorias, las
escalas majestuosas, la figuración en acordes partidos y las roulades (pasajes melódicos
ornamentales, a modo de coloratura instrumental) que a menudo recorren todo el
instrumento. En algunas épocas, anteriores a Bach, este estilo se encuentra también en
piezas como el preludio, tiento, ricercar o fantasía.
Las toccatas de Bach, escritas para clave y órgano, son algunos de los ejemplos más
famosos de esta forma. Las toccatas para órgano, como la Toccata y Fuga para
órgano en Re menor, BWV 565 de la que escucharemos un fragmento en el
concierto, son composiciones muy virtuosas e improvisatorias, y generalmente están
seguidas de una fuga independiente.
El órgano
Órgano de Weimar en 1660.
Entre 1708 y 1717, Bach ocupó el puesto de Kapellmeister en
esta corte y compuso en este instrumento gran parte de su obra
organísitica. Resulta destacable la curiosa ubicación del órgano y la
orquesta, justo debajo del tejado, lo que confería al recinto una
peculiar sonoridad.
Este instrumento aerófono posee uno o varios
juegos de tubos controlados por uno o más
teclados. El aire es insuflado a través de mecanismos
de fuelles.
Bach, ligado al órgano como intérprete, afinador y mantenedor desde su juventud,
escribió un gran número de obras para este instrumento, con el que se le identifica
habitualmente. Fusiona en sus composiciones el estilo de la escuela del norte de Alemania
(Buxtehude) y la del sur (Pachelbel), convirtiéndose en el último representante y en la
máxima expresión de la escuela alemana, así como en el más importante compositor de
música para órgano de la historia.
Buena parte de su repertorio organístico se compone de piezas para solista, catalogadas
como BWV 525-771 y divididas en dos grandes bloques: las de temática libre (toccatas,
preludios, fugas y sonatas) y las religiosas (corales instrumentales , variaciones-partitas y
preludios corales).
El resto del catálogo corresponde a órgano solista-acompañante, en las cantatas sacras,
donde el órgano tiene papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías, como si se
tratase de un concierto para órgano y orquesta. Tras este papel solista, el órgano
acompaña a la voz en algunas arias, solo o con el bajo continuo.
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La fantasía
Muy relacionada estilísticamente con la toccata, la fantasía es una composición
instrumental libre, imaginativa e ingeniosa, que se distingue por su carácter improvisatorio
y su alejamiento de las normas estilísticas y la estructuración rígida de los temas. Por
extensión, puede aplicarse el término a una pieza que trata de dar la impresión de fluir
espontáneamente de la imaginación y el disfrute de la interpretación por parte del músico.
Sin embargo, la fantasía no carece totalmente de estructura formal, muchas de ellas se
basan en la forma sonata en cuanto al uso y la reexposición de varios temas, aparición de
secciones contrastantes, etc., aunque con un tratamiento más libre.
la Fantasía cromática y Fuga para cla ve BWV 903 de Johann Sebastian Bach
muestra los estados de ánimo contrastantes, las repentinas cadencias rotas, el recitativo
instrumental y las audaces modulaciones habituales en las creaciones de los compositores
del norte de Alemania del siglo XVIII, que aumentaron la sensación de libertad
improvisatoria en obras que deben mucho al recitativo vocal y al tombeau (lamento) para
laúd y para clave, con sus armonías quejumbrosas y su flexibilidad rítmica.
El clavecín
Instrumento de teclado con cuerdas pulsadas por plectros
de pluma montados en la lengüeta central de un martinete
en forma de horquilla que se encuentra en la parte trasera
de la palanca de la tecla.
Su apogeo tuvo lugar entre los siglos XVI al XVIII y su
resurgimiento a partir de la década de 1880.
Durante el Barroco el clave fue el instrumento principal
para la realización del acompañamiento del bajo continuo,
especialmente en la música de cámara, aunque en
ocasiones sustituía también al órgano en la música
religiosa.
Johann Sebastian Bach acumula 245 obras para clave. Al igual que en el caso del órgano,
el clavecín posee repertorio como solista y como acompañante.
Algunas de las obras de Bach para clave solista son de suma importancia en la historia del
instrumento y del compositor, como las Variaciones Goldberg BWV 988, una de las más
exigentes para el intérprete del periodo barroco, el clave bien temperado BWV 846-893,
las partitas BWV 825-830 o el Concierto italiano BWV 971.
Como acompañante y solista, Bach otorga un papel novedoso al clave en sus sonatas y
conciertos. En el Concierto de Brandenburgo nº5 BWV 1050, alterna por primera vez el
papel de bajo continuo con el de solista, uniéndose a los otros dos solistas en la cadencia.
En las trío-sonatas, además de la función tradicional del bajo continuo, se forma un dúo de
instrumentos solistas más el clave solo.
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LOS INTÉRPRETES
Orquesta Sinfónica de Navarra
La OSN presentará una formación reducida, acorde al repertorio barroco ofrecido.
La actual Orquesta Sinfónica de Navarra fue fundada por Pablo Sarasate en el año 1879,
lo que hace de ella el conjunto orquestal en activo más antiguo de España .
Su Director Titular y Artístico es, desde 1997, el Maestro Ernest Martínez Izquierdo.
Durante este último periodo la Orquesta ha experimentado una profunda
transformación, siempre con la búsqueda de la excelencia en la calidad artística como
objetivo principal, de tal manera que hoy día la Orquesta Sinfónica de Navarra abarca el
más amplio repertorio, colabora habitualmente con solistas y directores de renombre
mundial y es considerada una de las mejores orquestas del panorama español,
asiduamente invitada a salas de conciertos y festivales del máximo rango nacional e
internacional.
En las últimas temporadas, la OSN ha sido invitada tres veces al prestigioso Theatre des
Champs-Elysées de París con solistas como Daniella Barcelona, Juan Diego Flórez y
Roberto Alagna. En el año 2009 la OSN permaneció un mes en París para la producción
de “Cyrano de Bergerac”, con Plácido Domingo en el papel principal, en el Théâtre du
Châtelet, donde además ofreció un concierto sinfónico con gran éxito de crítica y público.
En mayo de 2010, la OSN estuvo de nuevo en París ofreciendo 5 funciones de la ópera
Magdalena de H.Villalobos, también en el Théâtre du Châtelet donde volverá en 2011
para trabajar de nuevo junto a Plácido Domingo en la Ópera "Il Postino" y ofrecer de
nuevo un concierto sinfónico. También en su papel de embajadora cultural de Navarra
realizó recientemente una gira de 7 conciertos por 5 de las más importantes ciudades de
China con música de su fundador, D. Pablo Sarasate.
Además, la Orquesta Sinfónica de Navarra mantiene una importante labor pedagógica
hacia los más jóvenes colaborando con el programa Música en Acción y con una serie de
conciertos populares con música de películas, cine mudo con música en vivo, así como
acompañando a nombres mundialmente conocidos del jazz y otras músicas.
Más información en:
www.orquestadenavarra.es
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La músi ca i nfinita de B ac h
Coral de Cámara de Pamplona
En 1946 la Coral de Cámara de Pamplona daba su primer concierto en el Teatro Olimpia
de Pamplona bajo la dirección de D. Luis Morondo, su fundador y director durante 37
años, hasta su fallecimiento.
En la actualidad, la Agrupación Coral de Cámara de Pamplona tiene como misión
contribuir al desarrollo de la cultura en general y de la cultura musical en particular, en el
contexto de la Comunidad Foral de Navarra y colaborar tanto a la difusión y extensión
de la música a todos los públicos como, de forma especial, a la recuperación y
conservación del patrimonio musical de Navarra y al fomento de la creación
contemporánea.
Este año ha tenido presencia en algunos de los más prestigiosos festivales españoles
como son la Quincena Musical de San Sebastián, en el Festival Internacional Camino de
Santiago de Jaca, Ciclo de Música Clásica de la Semana Grande de Bilbao, el Festival
Internacional “Itsas Soinua” de Lekeitio, el Festival de Música Antigua de Sevilla, etc.
Además, se han realizado dos giras por Alemania, una en el pasado mes de junio, y otra
en el próximo mes de septiembre, que nos ha llevado a los escenarios de una decena de
ciudades diferentes.
Josep Cabré es el director titular de la agrupación desde septiembre de 2009.
Más información en:
www.coraldecamaradepamplona.com
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La músi ca i nfinita de B ac h
Arantza Irañeta, Soprano
Profesora Superior de Canto por el Conservatorio Superior de
San Sebastián y Licenciada en Geografía e Historia por la
Universidad de Navarra. Inicia sus estudios con Eugenia
Echarren, los completa en Milán (Italia) con Fernando Bandera,
Escuela Superior de Canto de Madrid con Ana Higueras y
Fernando Turina y los perfecciona con Angeles Chamorro y
Linda Mirabal y repertorio con Enza Ferrari y Celsa Tamayo. Así
mismo asiste a las Clases Magistrales de de Alfredo Kraus, Jaume
Aragall y Raina Kavaivanska.
Debuta como profesional en el Palacio de Festivales de La Coruña con la ópera Manon
de J. Massenet bajo la dirección de Miquel Ortega, continuando su carrera con todo tipo
de repertorio (Ópera, Zarzuela, Oratorio...) en representaciones escénicas, conciertos y
recitales ofrecidos en los más prestigiosos teatros españoles. Cabe destacar su habitual
interpretación en recital de música española y navarra, así como su dedicación a los
estrenos de música contemporánea. Ha realizado numerosas grabaciones en vivo para
RNE, así como grabaciones discográficas de la ópera contemporánea Caronte de Javier
Jacinto, el disco Aniversario de la Peña Mutiko y dos discos con música inédita de Juan
Francés de Iribarren junto al grupo Nova Lux Ensemble de la Coral de Cámara de
Pamplona.
El pasado curso 2010-2011 colaboró con el programa Música en Acción en la
interpretación en concierto de la ópera El planeta Analfabia de Fernando Palacios, en el
Auditorio Baluarte.
Joachim Harder, Director
Después de sus estudios en Hannover y Viena, Joachim
Harder trabajó en los años 1974-79 como director en los
teatros de ópera de Colonia, Hagen y Münster. De 198083 fue director de la Orquesta Sinfónica de La Concepción
(Chile). Desde su regreso a Alemania, se dedica tanto al
trabajo artístico como pedagógico. Como director invitado
colabora periódicamente con varias orquestas en Alemania
y en el extranjero. En especial se dedica a conciertos para
niños, incluyendo grabaciones en CD. Al mismo tiempo
dirige orquestas de jóvenes y estudiantes, regionales y
nacionales. Es decano y vicerrector de la Escuela Superior
de Música de Detmold, donde enseña desde 1991
dirección orquestal y en la que ha elaborado muchos
proyectos político-culturales.
En cooperación con la Escuela Superior de Música de Karlsruhe y el Centro del
Desarrollo de Universidades de la Bertelsmann-Stiftung ha realizado una evaluación
completa de la Escuela Superior de Música.
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Bibliografía
BERNSTEIN, L. El maestro invita a un concierto. Siruela. Madrid, 2004.
BUKOFZER, M. F. La música en la época barroca. De Monteverdi a Bach, editorial Alianza Música.
DOWNS, Ph. G. La música clásica. Akal Música.
RANDEL, D. Diccionario Harvard de Música. Alianza editorial.
Discografía
Existe una inabarcable cantidad de grabaciones de la obra de Bach. Gran parte de ella está
disponible en iTunes o, de forma gratuita, a través de Spotify.
Además, Youtube contiene interesantes versiones en directo de las obras programadas.
Enlaces
www.jsbach.org
www.coraldecamaradepamplona.com
www.orquestadenavarra.es
Música en acción:
www.cfnavarra.es/conciertosescolares/
Partituras de J. S. Bach:
http://imslp.org/wiki/Category:Bach,_Johann_Sebastian
Partituras de Corales de Johann Sebastian Bach:
http://imslp.org/wiki/Chorale_Harmonisations,_BWV_1-438_(Bach,_Johann_Sebastian)
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ACTIVIDADES
1. Cantata: para cantar
Las cantatas de Bach son Cantatas corales, es decir, están basadas en el texto y la melodía
de un coral luterano. Por eso es interesante conocer esta forma vocal para comprender
su adaptación a los instrumentos y el coro.
!
El Coral proviene del himno tradicional de la Iglesia Protestante alemana. Sus
características principales son el canto homofónico y la utilización de melodías
diatónicas con ritmo pausado y sencillo, que permitan un canto fácil y una rápida
comprensión del texto. Por eso, es muy habitual que estén escritos en compás
cuaternario, aunque también los encontramos ternarios, como el que escucharemos
a continuación, el Coral nº10 “Jesus bleibet meine Freude” de la Cantata
BWV147.
!
Escuchadlo y fijaos en una de las características propias de los corales: las
sucesivas frases descansan, generalmente, en un acorde final con calderón.
Johann Sebastian Bach. Coral
Nikolaus Harnoncourt – Bach, JS : Cantata No.147 Herz und Mund und Tat und
Leben BWV147 : X Chorale - "Jesus bleibet meine Freude" [Choir]
!
En la página siguiente incluimos la partitura vocal de este coral, con el texto
original en alemán. Tratad de seguirla durante una segunda audición.
Después podéis aprender la melodía y, si es posible, añadir una segunda
voz.
!
Como habréis comprobado, en la partitura no aparece la sección
instrumental, que introduce la pieza, acompaña el canto y se desarrolla en
los silencios del coro entre frases. Aquí tenéis la melodía de los violines y la
línea del bajo, que podéis tomar como referencia para crear vuestro propio
acompañamiento con láminas, flautas u otros instrumentos:
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La música, y el arte en general, evoluciona a través de la revisión y la reinterpretación de
estilos anteriores. Dos siglos después de Bach, Igor Stravinsky recupera en su obra La
historia del soldado la estructura musical del coral luterano, reinterpretándolo y
acercándolo a su lenguaje compositivo.
!
Escuchad ahora el Gran Coral de La historia del soldado. ¿Se parece a los corales de
Bach? ¿Cumple las características que hemos citado antes?
Igor Stravinsky. Historia del soldado, Gran Coral
Lorin Maazel;Heinrich Braun;Karlheinz Steffens;Eberhard Marschall;Wolfgang
Bauer;Hansjörg Profanter;Markus Steckeler – The Soldier's Tale: Great Choral
!
Os proponemos realizar un trabajo similar al de Stravinsky a partir de un coral de
Bach. Podéis utilizar la partitura que incluimos o bien seleccionar otra pieza del
extenso catálogo del compositor alemán. En el siguiente enlace encontraréis un
volumen de sus corales, seleccionados por su hijo Carl Philipp Emanuel.
Partituras de Corales de Johann Sebastian Bach:
http://imslp.org/wiki/Chorale_Harmonisations,_BWV_1-438_(Bach,_Johann_Sebastian)
!
Tomad únicamente la melodía del coral elegido y decidid con qué
instrumentos la vais a interpretar. También podéis cantarla, con o sin texto
(intentad crear uno nuevo en castellano). Interpretad la melodía.
!
Fijaos ahora en los patrones del acompañamiento original de Bach.
Seleccionad algunos de ellos para crear vuestra versión a 4 voces. Fijaos más
en el aspecto rítmico que en la armonía, intentando que cada voz realice
una línea melódica coherente. Los acordes resultantes pueden ser
aleatorios; únicamente deberéis buscar un acorde reconocible para la nota
final de cada frase, en la que descansa el calderón. Decidid cuándo tendrá
carácter suspensivo y cuándo conclusivo.
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2. Toccata: para tocar
La palabra Toccata viene del italiano toccare (tocar). Vamos a comenzar descubriendo los
instrumentos que se tocarán en el concierto La música infinita de Bach.
!
Al comienzo de la guía encontraréis el listado de “obras programadas”. A la derecha
de cada una aparece la plantilla instrumental que se precisa para su interpretación.
Haced un listado de instrumentos y realizad un esquema o dibujo con la posible
ubicación en el escenario. El día del concierto podréis comprobar si el director,
Joachim Harder, ha coincidido con vosotros en la colocación o no.
!
Escuchad alguna audición de todos los instrumentos participantes, especialmente de
los solistas: el órgano, el clave, la flauta travesera...
La Toccata y Fuga en Re menor BWV 565 es una de las obras para órgano solista
más conocidas de Johann Sebastian Bach. Sin duda, además, su comienzo es uno de los
más populares de la historia de la música. Escuchadlo siguiendo la partitura:
Johann Sebastian Bach. Toccata y Fuga
Werner Jacob – Toccata und Fuge d-moll BWV 565 für Orgel
La fuerza de este comienzo ha llamado la atención a muchos artistas
fuera del ámbito clásico. Uno de ellos es el músico británico Jon Lord
(1941-), intérprete de Jazz, Blues y Rock, fue componente de la mítica
banda Deep Purple. Es considerado uno de los mejores intérpretes
de órgano Hammond de la historia. Ved y escuchad su versión en el
siguiente video e investigad sobre el Hammond y otros tipos de
órganos:
Jon Lord: Toccata y Fuga
http://www.youtube.com/watch?v=l9OFZ9Mh7GA
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La músi ca i nfinita de B ac h
La Toccata y Fuga en Re menor es la pieza que abre la película Fantasía (1940) de Walt
Disney. La versión que se escucha no es la original para órgano, sino un arreglo orquestal
realizado por el director musical, Leopold Stokowsky, interpretado por la Orquesta de
Filadelfia.
!
Leed el siguiente texto, extraído de clasicosdisney.blogspot.com*
"La Tocata es impetuosa e intensa, y está realzada por bellos contrastes de tonos. la Fuga, divertida y
exhuberante, da a los artistas la oportunidad de trabajar con una pieza abstracta"
Así se describe esta pieza en el prólogo de Fantasía. La animación de esta parte de la película fue todo un
reto para los animadores que por primera vez en su vida debían interpretar sus propios sentimientos y
emociones a través de imágenes abstractas. El título de la obra evoca imágenes indefinidas y no cuenta
ninguna historia, por lo que permitía dar libertad para interpretar la música con las imágenes que ésta
producía en las mentes de los animadores al escucharla, sugiriendo formas, colores, figuras en movimiento...
Walt Disney llevaba años pensando en un proyecto de dimensiones abstractas y esa era la oportunidad que
había estado esperando para llevarlo a cabo.
La decisión de abrir la "Película Concierto" con la Tocata y Fuga de Bach fue bienvenida por todo el equipo,
pues las clásicas notas iniciales de la pieza musical llaman la atención, suenan como el anuncio de algo
grande que está comenzando. Al principio el oyente es consciente de la orquesta, pero conforme se va
adentrando en la música, ésta va tomando forma en su imaginación, y esto es lo que plasmaron los
animadores.
La obra, originalmente escrita para órgano, fue adaptada para orquesta por el propio director, Stokowski,
que tenía experiencia ya en este tipo de transcripciones.
El famoso artista Oskar Fischinger fue contratado para el proyecto debido a su dilatada experiencia con el
arte abstracto y la animación en este estilo, pero sus ideas no coincidían con las de Walt Disney, así que lo
"invitaron a abandonar" el equipo. Sin embargo su trabajo con la productora sirvió de guía y de inspiración a
los animadores que tomaron las ideas de Fischinger como punto de partida para expresar sus propias
impresiones.
Tocata y Fuga es original, llamativa y se puede apreciar en ella un trabajo hecho con mucha vitalidad. Las
ganas de experimentar y de transmitir sentimientos son palpables a lo largo de los 9 minutos que dura toda
la sección.
!
Visionad en el aula todo el fragmento inicial de la película dedicado a esta obra de
Johann Sebastian Bach. Podéis encontrarlo en alta definición en este enlace:
Tocata y Fuga (Fantasía de Disney HD)
http://www.youtube.com/watch?v=uOtFR5WG9K8
*
!
Volved a leer el texto y comentadlo. Después de asistir al concierto La música
infinita de Bach, escribid vuestros propios artículos o comentarios sobre la obra que
más os haya impactado.
!
Proponed versiones instrumentales distintas del comienzo de la Toccata, ahora que
conocéis la de Jon Lord y la de Stokowsky.
http://clasicosdisney.blogspot.com/2007/11/fantasia-tocata-y-fuga-por-johann.html
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3. Oratorio: para orar
Según el diccionario de la Real Academia Española:
Orar (del latín orare):
1. Hacer oración a Dios, vocal o mentalmente.
2. Hablar en público para persuadir y convencer a los oyentes o mover su ánimo.
3. Rogar, pedir, suplicar.
!
¿Decimos igual una frase concreta atendiendo a cada una de estas tres acepciones?
Probad con esta frase u otras similares inventadas por vosotros: “Que la paz llegue a
todos los rincones del mundo”.
Los cantantes, igual que los actores, deben expresar una intención cuando cantan:
conmover, avisar, amenazar, rogar, convencer, enamorar, castigar... Y deben hacerlo en
otros idiomas diferentes al suyo. En el concierto escucharemos alemán (la lengua de Bach,
en la que se cantaba en la Iglesia Luterana) y latín (la lengua de la liturgia católica, que
Bach comprendía a la perfección porque le gustaba estudiar su gramática).
!
Aquí tenéis un par de textos que escucharemos en La música infinita de Bach. El
primero está en alemán y pertenece a un coro de la Pasión según San Mateo. El
segundo está en latín y es un fragmento del Magnificat, una oración a la Virgen. En
el concierto sólo escucharemos la primera frase (aunque ser repetirá muchas
veces).
Wenn ich einmal soll scheiden,
so scheide nicht von mir.
Wenn ich den Tod soll leiden,
so tritt du dann herfür.
Wenn mir am allerbängsten
wird um das Herze sein,
so reiß mich aus den Ängsten
kraft deiner Angst du Pein.
Magníficat ánima mea Dóminum:
et exsultávit spíritus meus in Deo, salutári meo.
Quia respéxit humilitátem ancíllae suae:
ecce enim ex hoc beátam me dicent omnes
generatiónes.
Quia fecit mihi magna qui potens est:
et sanctum nomen ejus.
Glória Patri.
(Pasión según San Mateo BWV 244)
(Magnificat)
!
Escuchad el Coral 72 de la Pasión y fijaos en la pronunciación del alemán
(ich=ig , ei=ai , etc.). Leed ambos textos despacio y en voz alta.
!
Dividíos en cuatro grupos, como un coro mixto. Cada grupo recitará parte
del texto con voz impostada en una tesitura diferente: 1º muy agudo
(sopranos); 2º agudo (altos); 3º medio (tenores); 4º grave (bajos). Buscad
efectos diferentes: recitado alterno, simultáneo, canon...
!
Realizad una traducción fonética de los textos, es decir, según el “parecido”
con el castellano.
Ej. “Wenn ich einmal soll scheiden” (Ven, hijo. Un mal sol sale)
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4. Suite: para bailar
La Suite es una obra formada por un conjunto de piezas basadas en diferentes danzas
populares o cortesanas que se interpretan seguidas según un orden determinado,
alternando normalmente ritmos y tempos diferentes.
!
Posiblemente hayáis trabajado en clase algunas danzas populares, ya sea a nivel
instrumental o vocal (interpretando la música), o coreográfico (bailándolas).
!
Haced una recopilación y selección de estas danzas conocidas por el grupo.
!
Si algunos de vosotros conocéis otras danzas, procedentes de otro país,
populares en las fiestas de vuestro pueblo, etc., enseñádselas a los demás.
!
Cread vuestra propia “Suite popular”. Podéis alternar piezas instrumentales,
canciones con movimiento, coreografías, etc.
En el concierto escucharemos dos números de la Suite nº2 en Si m. BWV 1067 de
Johann Sebastian Bach: la obertura y la badinerie (quiere decir broma, pieza jocosa). Ésta
última es una pieza muy famosa en la que la flauta solista muestra todo su virtuosismo.
Jordi Savall – Ouverture #2 Bwv 1067 7. Badinerie
!
Muchos artistas de todos los estilos se han quedado fascinados con esta badinerie y
han querido mostrar también su virtuosismo, pero adaptando la pieza a su propio
lenguaje. Aquí tenéis una selección de algunos de ellos:
Eugen Cicero (Piano – Jazz)
http://www.youtube.com/watch?v=XQdAQStm0FQ
Swingle Singers (Vocal a capella)
http://www.youtube.com/watch?v=hZQG8xmrGok
Arturo Sandoval (Trompeta – Jazz)
http://www.youtube.com/watch?v=PNNn_eh36PI
Barroco andino (Instrumentos andinos: solista de quena)
http://www.youtube.com/watch?v=z-0bUh0803M&feature=related
Luis Moreno (Guitarra eléctrica – Rock)
http://www.youtube.com/watch?v=N-dK8aMNxq0
Evil Masquerade (vocal y banda de rock – Metal)
http://www.youtube.com/watch?v=X6DoQpfojw4
!
¿Qué os parecen estas versiones? ¿Cuál os gusta más?.
!
¿Cómo sería vuestra adaptación de la Badinerie?
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5. Fantasía: para...
... ¿Fantasear?
Os proponemos un ejercicio de imaginación con esta Fantasía cromática y Fuga de Bach,
que debe su nombre a la continua utilización de escalas y armonías cromáticas, y al sujeto
cromático de la fuga.
!
Escuchad alguna versión para clave de la obra. Nosotros os proponemos ésta de
Christophe Rousset, disponible en Spotify. Dejad que vuestra imaginación vuele y
plasmad vuestras fantasías en un trabajo plástico, de forma simultánea o posterior a
la audición.
Christophe Rousset – J.S. Bach: Chromatic Fantasia and Fugue in D minor, BWV
903 - Fantasia
!
Volved a escucharla ahora con los ojos cerrados, pero con una idea a desarrollar:
La música de Johann Sebastian Bach ha dado la vuelta al
mundo: imaginad que la música describe el devenir y el viaje
de las partituras desde que, al morir éste, fueron repartidas
entre sus hijos... olvidadas en un cajón, archivadas en la
biblioteca de una iglesia... utilizadas para envolver un regalo,
para escribir una carta al dorso... hasta que fueron
redescubiertas por un músico que las hizo sonar nuevamente.
!
Contad de viva voz y/o escribid las historias que la música os haya sugerido.
!
Para terminar, ahora que conocéis bien la pieza podéis escucharla en una versión
pianísitica, mientras seguís la partitura. Podéis hacerlo en el siguiente video, diseñado
a tal efecto:
Fantasía cromática. Piano.
http://www.youtube.com/watch?v=f9Lt9F6DIoE
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Cantata 208. Nº 9. Aria
Music by: Johann Sebastian Bach
Lyrics by: Fernando Palacios
Andante q = 60
Soprano
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Coral nº 21
Music by: Johann Sebastian Bach
Allegro q = 100
Soprano
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Coral 21
Unimos nuestro canto
Music by: Johann Sebastian Bach
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Lyrics by: Fernando Palacios
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