como mirar un cuadro - arteyestetica-b

I N T E R UNIVERSITARIO
COMO MIRAR UN CUADRO
*1
Al observar las obras expuestas, se puede notar una serie de cambios
en el tiempo, sin conocer la necesidad que tenia el artista al plasmar
ciertas emociones, sentimientos o vivencias que lo rodeaban en el
momento.
año II volumen II número I
agosto de 2008
Bogotá - Colombia distribución gratuita
ES
En la primera pintura, se puede
decir que es un cuadro simple,
donde se ve la figura de un
animal, que juzgando por la
lectura, representa la costumbre
de una tribu, que se dedicaba a la
caza, lo cual puede representar la
importancia de esta costumbre
para ellos.
Boletín de actividades de la red arte, diseño y comunicación visual labproducciongrafica.ning.com
QUE
ARTE
En cuanto a la segunda pintura, es
fácil observar que es una pintura
simple, que representa la fe o espiritualidad de una comunidad; pero
basándose en el texto, era algo de
trascendencia para la iglesia en esa
época, debido a que con este tipo de
pinturas la iglesia trataba de llegar a
las personas analfabetas, con el fin
de representar una historia.
En la tercera pintura se puede notar
una mezcla de sentimientos rodeados hacia un tema principal, pero
que debido a la carga de imágenes
que posee, es más complejo
entender a simple vista la intención
del pintor. Según la lectura, se trata
de Venus, la diosa del amor, quien
se encuentra rodeada del placer, la
envidia y los celos, encontrándose
enmarcada entre la verdad y el
tiempo. Sus imágenes son mas
claras, mas reales y susceptibles a
la vista.
En conclusión, es importante retomar lo que dice la lectura, debido a que
el arte no tiene una sola definición y no se basa tan solo en una
perspectiva o en una sola opinión, es difícil llegar a concluir una pintura
desde un solo punto de vista, porque no es fácil comprender el
sentimiento que tiene el artista para llevar a cabo su realización. Al final
el arte se trata de contemplar y analizar un mundo irreal.
i
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BOGOTÁ - COLOMBIA
2009 / II
Arte se entiende
como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad
estética o comunicativa, a través del cual se
Expresan ideas, emociones o, en general,
una visión del mundo,
mediante diversos
recursos, como los
plásticos, lingüísticos,
sonoros o mixtos.
La definición de arte
es abierta, subjetiva,
discutible. No existe
un acuerdo unánime
entre historiadores,
filósofos o artistas. A lo
largo del tiempo se
han dado numerosas
definiciones de arte,
entre ellas:
Has ta el renacimiento, arte solo se consideraban las artes liberales; la arquitectura,
la escultura y la pintura eran “manualidades”. El arte ha sido
desde siempre uno de
los principales medios
de expresión del ser
humano, a través del
cual manifiesta sus
ideas y sentimientos,
la forma como se relaciona con el mundo.
Su función puede
variar desde la más
práctica hasta la ornamental, puede tener
un contenido religioso
o simplemente estético, puede ser duradero o efímero.
sentido más amplio
del concepto, decimos
que el talento o habilidad que se requiere
para ejercerlo está
siempre situada en un
contexto literario, musical, visual o de puesta
en escena. El arte involucra tanto a las personas que lo practican
como a quienes lo
observan; la experiencia que vivimos a través del mismo puede
Arte es disciplina o ser del tipo intelectual,
actividad, pero en un emocional, estético o
EL
ARTE
DE
PLATÓN
bien una mezcla de valoración de él y
todos ellos.
transmiten lo que
interpretan a otros
Arte y ciencia hacen individuos; de todas
un paralelismo; se formas no podemos
asegura que tanto el establecer una pariarte como la ciencia dad entre el arte y la
requieren de habili- ciencia.
dad técnica; tanto los
artistas como los cien- Existe una diferencia
tíficos tratan siempre esencial entre ambas:
de impartir un orden los artistas selecciopartiendo de sus nan las percepciones
diversas experien- cualitativamente y
cias vividas. Ambos luego las ordenan de
pretenden compren- manera que manifiesder el universo en el ten todos ellos.
que habitan y se desarrollan, hacen una Arte y ciencia hacen
un paralelismo; se asegura que tanto el arte
como la ciencia
requieren de habilidad
técnica; tanto los artistas como los científicos tratan siempre de
impartir un orden partiendo de sus diversas
experiencias vividas.
Ambos pretenden comprender el universo en
el que habitan y se
desarrollan, hacen
una valoración de él y
transmiten lo que
interpretan. a otros
individuos; de todas
formas no podemos
establecer una paridad
entre el arte y la ciencia.
Existe una diferencia
esencial entre ambas:
los artistas seleccionan
las percepciones cualitativamente y luego las
ordenan de manera
que manifiesten .
Platón a través de sus
diálogos logra expresar su concepción
sobre lo bello y el arte;
en este sentido la
belleza adquiere para
el filósofo una importancia fundamental al
trascenderla al nivel
metafísico planteado
en su teoría sobre el
mundo de las ideas.
En este orden, la
belleza está asociada
en la jerarquía de las
ideas como la manifestación resplandeciente de la causa
absoluta que es el
Bien Supremo del
cual dimanan la
inteligencia y la
realidad.
El arte por el contrario
es considerado según
su naturaleza, como
una representación
apariencia -imitación
o mimesis- en segundo grado del mundo
fenoménico -sensibleel cual a su vez, es
imitación del mundo
ideal o formas trascendentes.
BARROCO
fue un periodo de la historia en la cultura
occidental que produjo obras en el campo de
la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca
desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el
Renacimiento y el Neoclásico, en una época
en la cual la Iglesia Católica europea tuvo que
reaccionar contra muchos movimientos
revolucionarios culturales que produjeron
una nueva ciencia y una religión disidente
dentro del propio catolicismo dominante: la
Reforma protestante.
Como estilo artístico el barroco surgió a
principios del siglo XVII y de Italia se irradió
hacia la mayor parte de Europa.
Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el
término barroco tuvo un sentido peyorativo,
con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que posteriormente fue
revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob
Burckhardt y luego por Benedetto Croce y
Eugenio d'Ors.
Se establecen de esta mismo sino un instrumanera, tres realida- mento al servicio de lo
des de diferente orden bueno y verdadero como son la realidad rasgos que son estipuideal, la sensible y la lados por el saber
artística.
filosófico.
El desarrollo del
pensamiento platónico en lo referente a la
concepción de la
belleza y el arte son
expuestos en sus
diálogos separadamente; por un lado la
belleza es tratada
metafísicamente y por
el otro, el arte con sus
manifestaciones mas
importantes como la
poesía y la pintura, se
supedita a la filosofía
debido a no considerarlo un fin en sí
El punto de relación
entre belleza y arte lo
expresa Platón en su
subordinación a la
Teoría de las Ideas y a
la Metafísica.
El aspecto trascendental de la Belleza va
a estar indisolublemente unido a la
Teoría de las Ideas por
ser aquélla parte de
una realidad profunda
y eterna que existe en
un mundo ultraterreno.
La palabra barroco fue inventada por críticos
posteriores, más que por los practicantes de
las artes en el siglo XVII y principios de siglo
XVIII, es decir, los artistas que plasmaban
dicho estilo. Proviene de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"),
que significa "perla de forma irregular", o
"joya falsa".
Una palabra antigua similar, "barlocco" o
"brillocco", es usada en el dialecto romano
con el mismo sentido. También se le llama
"barro-coco". Todas ellas significan lo mismo.
Otro interpretación lo deriva del sustantivo
"Baroco", usado en tono sarcástico y polémico para indicar un modo de razonar artificioso
y pedante. En ambos casos el término expresa el concepto de artificio confuso e impuro,
de engaño, de capricho de la naturaleza, de
extravagancia del pensamiento.
El término "barroco" fue después usado con
un sentido despectivo, para subrayar el
exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más
clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ).
Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el
historiador alemán de arte Heinrich Wölfflin
(1864-1945), quién identificó al Barroco
como oponente al Renacimiento y como una
clase diferente dentro del arte "elaborado".
El Barroco realmente expresó nuevos valores; en literatura es abundante el uso de la
metáfora y la alegoría. Representa un estado
de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aun cuando es un
movimiento que nace al mismo tiempo que
este último en algunos países.
El dolor psicológico del hombre, en busca de
anclajes sólidos, se puede encontrar en el
arte barroco en general. El virtuosismo fue
investigado por los artistas de esta época
junto con el realismo. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en
el lector, en el oyente. Todo fue enfocado
alrededor del Hombre individual, como una
relación directa entre el artista y su cliente. El
arte se hace entonces menos distante de las
personas, solucionando el vacío cultural que
solía guardar.
ANTIGUO EGIPTO
Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que
generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso. Aunque el concepto de Arte es
moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias,
siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras de arte y no simples trabajos de artesanía.
Gracias al seco clima de Egipto y a ser enterradas por la arena del desierto (o por sus propietarios, para gozar de ellas en la "otra vida") nos han llegado en aceptable estado de conservación
multitud de auténticas obras de arte, a pesar de la utilización de los monumentos como canteras,
las guerras o los innumerables saqueos de tumbas y templos.
Las expresiones artísticas egipcias más antiguas se clasifican en las siguientes etapas: Periodo
Neolítico, periodo Badariense , Nagada I - Amratiense, Nagada II - Gerzeense nagal. En estos
periodos predomina la pintura decorativa (en cerámicas) o simbólica (en tumbas) y pequeños
objetos de carácter utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las "mazas" y "paletas"
votivas, como la de Narmer.
La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. La técnica pictórica de los egipcios
fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya que hacían de los pigmentos naturales,
extraídos de tierras de diferentes colores, una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo
y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido
"seco" de yeso.
ALFABETOS
El alfabeto, abecedario o abecé es el conjunto ordenado de las letras de un idioma. Es la
agrupación, con un orden determinado, de las grafías utilizadas para representar el lenguaje que
sirve de sistema de comunicación.
Recibe este nombre por las dos primeras letras griegas alfa (α) y beta (β), que
originalmente, en hebreo y en fenicio, significaban "toro" y "casa"; el alfabeto griego es una
adaptación del alfabeto fenicio, que también dio lugar entre otros al hebreo.
Algunas letras pueden recibir uno o varios diacríticos con el fin de diferenciar los sonidos de la
lengua o poder evitar las ambigüedades. De la misma forma, el alfabeto puede ser entendido por
el uso de letras suplementarias. Las evoluciones fonéticas de una lengua se crean a un ritmo
diferente de la evolución escrita. La escritura alfabética no garantiza una correspondencia
unívoca entre los fonemas y los grafemas. En el idioma español, al alfabeto también se le llama
abecedario o abecé, nombre derivado igualmente de las primeras letras del mismo . En
matemáticas, un alfabeto es un conjunto finito y ordenado de símbolos
Sus procedimientos fueron el fresco, el temple,
el encausto y a veces también el esmalte en
joyas, amuletos, escarabeos, estatuillas de
respondientes y azulejos de revestimiento en
muros interiores. Sus colores fueron vivos y
variados en cada escena y las más antiguas
pinturas que se conocen fueron polícromas, y
de colorido uniforme.
Los egipcios pintaban los bajorrelieves los
cuales, por su escasa profundidad, propician la
identificación con la escultura y el arte pictórico.
A partir de la dinastía IV la pintura sobre los
muros de las tumbas es sustituida por bajorrelieves, de la que adopta las principales convenciones.
Se caracteriza principalmente por presentar
figuras yuxtapuestas en planos superpuestos.
Las imágenes se representan con criterio
jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un
tamaño más grande que los súbditos o los
enemigos que están a su lado.
Predominaba el canon de perfil que consiste en
representar la cabeza y las extremidades de
perfil pero los hombros y los ojos de frente. Las
CONTRIBUCIÓN ASIÁTICA
Se conocen como obras de pintura las decoraciones de ladrillos vidriados (azulejos)
y de relieve y asimismo otras murales sobre estuco. En todas ellas, se divisan figuras
de personas, animales, florones y palmetas trazadas con una técnica semejante a
sus esculturas o relieves. Son notables entre los mencionados ladrillos esmaltados,
el del palacio de Nimrud (siglo VII a. C.) que hoy se halla en el Museo Británico, los
del palacio de Sargón en Kórsabad (siglo VIII a. C.) y los célebres Friso de los leones
y Friso de los arqueros del palacio de Susa (siglo IV a. C.), hoy en el Museo del
Louvre. Se distinguieron también los asirios y persas en la composición de mosaicos
para pavimento con labores geométricas y de allí se importó su conocimiento a
Europa al igual que de su cerámica esmaltada.
En la India, se decoraban los muros de importantes edificios con frescos de vivos
colores representando varias escenas de caza y procesiones en honor de Buda y se
animaban con esmalte y policromía las estatuas o relieves de las divinidades. Sólo
las figuras de animales y las de Buda se hallan tratadas en la antigua India con cierta
imitación del natural de que desdichadamente se ven privadas las representaciones
mitológicas.
Frida
En China y Japón se cultivó la pintura a la vez que la escritura jeroglífica y de trazos
caligráficos, desde varios siglos antes de la era cristiana. Hacia los comienzos de
ésta se empezaron a pintar las figuras con bastante sentimiento de realidad aunque
se presentan casi siempre con cierto amaneramiento de fórmula y de raza. Se fijan
los artistas chinos en el contorno del dibujo y en la perspectiva lineal
preocupándoles poco o nada el claroscuro y es característico en ellos el representar
en un cuadro todas las variantes de una escena, repitiendo las figuras de los
personajes en acción. Son de muy antiguo célebres sus pinturas sobre porcelana
(quizás desde los principios de nuestra era) con dibujos típicos de follaje y otras
figuras extrañas. La más antigua pintura del Japón, entre las conocidas, data del
siglo VII de la era cristiana.
Entre los pintores
contemporáneos de
China, unos dibujan
solamente doncellas,
y otros, animales o
un animal solamente:
el gato, caballo o
burro. Como dedican
sus energías a un
solo tipo, dibujan
cada vez más finamente y se hacen
famosos.
Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los
grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una
pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.
La artesanía china se
caracteriza por sus
numerosas varieda-
Los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del
complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista
Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le
inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja
simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados
sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos
Fradas.
des y finas técnicas. Muchas obras trabajadas con técnicas especiales atraen a los
expertos y coleccionistas. La artesanía de China se divide en dos ramas: la especial y
la folklórica. La artesanía especial incluye las tallas en marfil, en jade y en piedra
shoushan y otros artículos, los cuales, hechos con diseños meticulosos y materias
preciosas o particulares.
Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la
invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida.
Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no se
correspondía con su creación artística. En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida
Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana
Autorretrato con Mono 1938. Pintura al
Óleo16x12 pulgadas. El mono es el
patrón de la danza en la mitología
mexicana, pero también un símbolo de
lascivia. Frida representó a este animal
en esta pintura como el único ser
realmente vivo, cariñoso, animado y
protector.
MIGUEL
ÁNGEL
Michelangelo di Lodovico
Buonarroti Simoni (Caprese, 6
de marzo de 1475 – Roma, 18
de febrero de 1564), conocido
en español como Miguel Ángel,
fue un escultor, arquitecto y
pintor italiano renacentista,
considerado uno de los más
grandes artistas de la historia
tanto por sus esculturas como
por sus pinturas y obra arquitectónica.
Autorretrato con traje de terciopelo1926. Óleo sobre
lienzo31 x 23 pulgadas. Este autorretrato constituye el
primer cuadro profesional de la artista. Lo pintó como
regalo para su amante Alejandro Gómez Arias, que la
Las dos Fridas1939. Pintura al Óleo había abandonado y a quien pretendía recuperar de
sobre Lienzo 68x68 pulgadas. Poco esta forma.
después de que Frida Kahlo y Diego
Rivera se divorciaron, ésta realizó este
autorretrato constituido por dos
personalidades. Aquí meditó sobre la
crisis matrimonial y la separación.
Su labor artística la desarrollo
a lo largo de más de setenta
años entre Florencia y Roma,
Fue el primer artista occidental
del que se publicaron dos
biografías en vida: Le Vite de'
più eccellenti pittori, scultori, ed
architettori, de Giorgio Vasari,
publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único
artista vivo incluido. Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor
y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti Triunfó en
todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según
había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi
como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de
Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de
fauno, en la actualidad desaparecida.
El pequeño Venado1946. Pintura al Óleo 8 7/8 x 11 7/8.
Esta obra Frida la terminó luego de que se sometió a la
operación de sus espina dorsal en Nueva York. En este
Frida se representa como un pequeño venado, con
flechas en su torso.
Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados
en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una
vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros
se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en
pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos
serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.[34] Ascanio Condivi,
en su biografía sobre el artista, refirió haberle oído decir: Otra escultura de la misma época (hacia
1490) es también un relieve con tema mariano, la Virgen de la escalera, que presenta un cierto
esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura
de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno.
Pablo Ruiz Picasso (* Málaga, España, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de
1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español. Considerado uno de los
mayores artistas del siglo XX, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y
colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el
grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario
para montajes teatrales.
Aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su
gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona). Con este mismo cuadro obtuvo
la mención honorífica en la exposición de Bellas Artes.
El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos
pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de
los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana,
con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas.
Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y
análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo
analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente
fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de
Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que
destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art Institute,
Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso,
París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas
zonas, que representa un vaso, un periódico.
colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate
del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando
con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951,
Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960.
PABLO RUIZ PICASSO
Los últimos cuadros de Picasso están
basados en las obras de los grandes
maestros del pasado como Diego
Velázquez, Gustave Courbet, Eugene
Delacroix y Édouard Manet. Además
en la pintura de cuadros, Picasso
trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de
Fernande Mourlot. Se interesó también
por la cerámica, y así, en 1947, en
Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo
también importantes esculturas: El
hombre del carnero (1944, Museo de
Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño
natural y La cabra (1950, Museo de
Arte Moderno), también en bronce
obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a
cabo la maqueta de Cabeza de mujer,
una monumental escultura levantada
en 1966 en acero soldado en el Civic
Center de Chicago. En 1968, y a lo
largo de siete meses, creó las notables
series de 347 grabados con los que
retornó a sus primitivos temas: el circo,
las corridas de toros, el teatro y las
escenas eróticas.
Picasso murió el 3 de abril de 1973 en
Notre-Dame-de-Vie, su residencia
cercana a Mougins.
De su primera época en París datan su
amistad con el poeta Max Jacob, el
escritor Guillaume Apollinaire, los
marchantes Ambroise Vollard y Daniel
Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia
Gertrude Stein y su hermano Leo,
quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron
retratados por el pintor. En el verano de
1906, durante una estancia de Picasso
en Gósol, España, su obra entrará en
una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El
célebre retrato de Gertrude Stein
(1905-1906, Metropolitan Museum of
Art, Nueva York) revela un tratamiento
del rostro en forma de máscara. La
obra clave de este periodo es Las
señoritas de Avignon (1907, Museo de
Arte Moderno, Nueva York), tan radical
en su estilo que no fue comprendido.
VINCENT WILLEM VAN GOGH
(Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue
un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su
hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran
amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde
agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los
grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente
entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.
Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la conciencia artística general y mantienen su actualidad en
todo el mundo.
Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período
de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y
siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares
donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde
la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que
más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizó
numerosos dibujos de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito
Millet.
La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas
que pretendían romper con el academicismo de la época, con el traslado a las pinturas de las
impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el
color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que
una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas
japonesas.
Quizá Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente
en un periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los
pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término fue utilizado por primera vez
en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en
Londres: «Manet y los postimpresionistas». Fue utilizada por artistas como Cézanne, Van Gogh
y Seurat pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880)
como Matisse y Pierre Bonnard.