ORQUESTA DE CÁMARA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE

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AUDITORIO
PALACIO DE CONGRESOS ZARAGOZA
X I V T E M P O R A D A DE
GRANDESCONCIERTOSDE
SALA MOZART
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FEBRERO/MAYO 2008
jueves 3 de abril • 20,15 horas
ORQUESTA DE CÁMARA
DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
DE MÚSICA DE ARAGÓN
«CAMERATA ARAGÓN»
ROLANDO PRUSAK DIRECTOR/CONCERTINO
PETER-LUKAS GRAF FLAUTA
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ORQUESTA DE CÁMARA
DEL CONSERVATORIO
SUPERIOR DE MÚSICA
DE ARAGÓN
«CAMERATA ARAGÓN»
La «Camerata Aragón», junto a la Orquesta Sinfónica y la Banda Sinfónica, constituyen el elenco de grandes formaciones instrumentales representativas del Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA),
resultado de su nuevo proyecto iniciado ahora hace cinco años. A pesar
de ser un proyecto eminentemente joven, el CSMA se ha convertido ya
en este tiempo en un centro de referencia para los estudios superiores
musicales en nuestro país, y así en una de las primeras alternativas que
los estudiantes más dotados, no solo de la Comunidad aragonesa sino
del resto de España, eligen para iniciar o continuar en él sus estudios
superiores, lo que unido al perfil de su profesorado (gran experiencia
artística y pedagógica) y a la orientación eminentemente orquestal e ins-
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trumental del Centro, supone una garantía de calidad para cualquiera de
sus formaciones representativas.
Patrocinada por el Gobierno de Aragón, la Orquesta de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Aragón «Camerata Aragón» fue presentada públicamente el 5 de febrero del 2004, en la Sala Luis Galve del
Auditorio de Zaragoza.
Las razones para la creación de la Orquesta de Cámara del Conservatorio, como sucedió en su momento con su Orquesta Sinfónica, y luego
su Banda Sinfónica, transcendían el plano educativo, respondiendo a
una voluntad de proyección del Conservatorio hacia su exterior, además
de al deseo de contribuir de forma activa al impulso y desarrollo cultural de la Comunidad aragonesa.
La «Camerata Aragón» está dirigida y preparada por el profesor Rolando
Prusak, responsable a su vez de una de las cátedras de Violín del Conservatorio Superior. Está formada en su totalidad por alumnos del Conservatorio y consta básicamente de 24 componentes, elegidos entre los
estudiantes de las especialidades de cuerda (según las obras programadas, eventualmente, pueden participar también instrumentistas de otras
especialidades).
La calidad demostrada por la «Camerata Aragón» desde sus primeras apariciones públicas propició que el Auditorio de Zaragoza decidiera incluirla en su temporada de conciertos, participando desde hace tres temporadas en todos los ciclos que programa el Auditorio: este año en el Ciclo
de Introducción de la Música y en el de Primavera, compartiendo programación siempre con orquestas de gran prestigio internacional.
Esa misma calidad demostrada por esta formación ha propiciado también la participación con la Camerata de grandes solistas que son actualmente referentes en el ámbito internacional en sus respectivos instrumentos: Lucas Macías (oboe), Nicolás Chumachenco (violín), Franco
Petrachi (contrabajo) y Eric Terwilliger (trompa). Pudimos escuchar a
todos ellos en el último concierto de la pasada temporada, y también a
Stefano Canuti (fagot) en el pasado mes de febrero último cuando la
Camerata participó en el Ciclo de Introducción a la Música. En el concierto de hoy, el CSMA presenta a uno de los grandes maestros de la
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flauta de todos los tiempos: Peter-Lukas Graf. Todos estos grandes instrumentistas son actualmente profesores del CSMA y los responsables
directos de los cursos para postgraduados que desde el curso pasado
oferta el Conservatorio Superior, aunque atienden también a los alumnos de grado, lo que vuelve a dar idea del gran prestigio que en pocos
años ha ido adquiriendo el Centro. No es en absoluto normal encontrar
en un centro de enseñanza musical en España ni el número ni la calidad de los profesores que pertenecen actualmente al CSMA.
Aparte del valor en sí mismo que para los estudiantes representa la
escucha en vivo de estos grandes maestros, y lo que supone para algunos compartir además escenario con ellos, el Conservatorio pretende
con esta iniciativa presentar al público aragonés a sus profesores y compartir así el orgullo de su presencia en Aragón a través de dicho Centro,
además de brindar a ese público la posibilidad de disfrutarlos, obteniendo con ello todavía un mayor provecho, del que ya supone su
importante e inestimable contribución al Centro y a la propia Comunidad en el plano propiamente educativo.
Desde el comienzo, una de las aspiraciones del Conservatorio ha sido,
y sigue siendo, que todas sus formaciones orquestales e instrumentales
lleguen a convertirse en un referente de calidad en el ámbito nacional
de las jóvenes orquestas (y por qué no, también internacional), al igual
que ha sucedido y está sucediendo con el propio Conservatorio.
ORQUESTA PATROCINADA POR
Departamento de Educación,
Cultura y Deporte
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ROLANDO PRUSAK DIRECTOR/CONCERTINO
Rolando Prusak realiza su formación en Buenos Aires con el profesor
Ljerko Spiller. Desde muy joven fue galardonado con diferentes premios
y fue becado por distintas entidades, entre ellas, la Fundación Wagneriana de Buenos Aires y la Fundación Antorchas. En 1980 recibe una
beca concedida por la International Menuhin Academy en Gstaad (Suiza), donde estudia Violín, Viola y Música de Cámara con los profesores
Alberto Lysy, Sándor Vegh, Yehudi Menuhin, Felix Andreievsky, Ana
Chumachenco y Robert Masters. Asimismo, realiza estudios de postgrado en la Musikhochschule de Friburgo (Alemania) con el maestro Nicolás Chumachenco.
Ha tocado como solista con prestigiosas orquestas de Argentina, Uruguay, Francia, Suiza y Alemania, y como músico de cámara, entre otras,
en las siguientes salas: Kennedy Center de Washington, Rockefeller University de Nueva York, Sala Tchaikovski de Moscú, Queen Elisabeth Hall
de Londres, Palacio Wallenstein de Praga, Herkulessaal der Residenz de
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Múnich, Teatro Colón de Buenos Aires, Kömische Stadt Oper de Berlín,
Teatro de Kiev, Bratislava Teatras, etc.
También ha participado en numerosos festivales, entre ellos los de Montreux, Assisi, Gstaad, Engadin, Estoril y Edimburgo. Ha sido solista de la
«Camerata Lysy Gstaad» y fue miembro de la Camerata Bariloche, así
como del Cuarteto Brahms de Buenos Aires. Además, ocupó la plaza de
concertino de la «Neues Orchester Basel» y fue integrante de numerosas
formaciones dedicadas a la música contemporánea.
Actualmente integra el grupo «Plural Ensemble» de Madrid y es miembro
del «Johannes Klavierquartett».
Ha sido durante muchos años preparador y responsable musical del grupo de cuerdas de la «Orquesta de las Tres Naciones (Francia, Alemania
y Suiza) y Director de la Orquesta Juvenil de Südliche Breisgau (Alemania). Asimismo, es invitado a dictar cursos de Violín y Música de Cámara en diversos marcos y ciudades de Europa y Latinoamérica.
Rolando Prusak fue catedrático de Violín en el Conservatorio Nacional
de Música de Buenos Aires antes de que entre los años 1996 y 2002 lo
fuera de la Musikhochschule de Friburgo (Alemania). Desde el curso
2002/2003, y paralelamente a su actividad artística, ejerce como profesor
ocupando una de las cátedras de Violín en el Conservatorio Superior de
Música de Aragón, siendo el Director/Concertino de su Orquesta de
Cámara «Camerata Aragón».
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PETER-LUKAS GRAF FLAUTA
Peter-Lukas Graf nació en Zúrich (Suiza). Fue alumno de André Jaunet,
y más tarde asistió al Conservatorio de París, donde obtuvo el Primer
Premio como flautista y director de orquesta con Marcel Moyse y Roger
Cortot.
Durante tres años estudió Dirección en Múnich. Ganó el Primer Premio
del Concurso Internacional de Música del «ARD» en la ciudad bávara y
el Premio de la «Bablock Prize del H. Cohen Internacional Music Award»
de Londres.
Por su gran talento musical fue reconocido como el más joven flauta
solista de la Orquesta de Wintertur y en la Orquesta del Festival de
Lucerna, tomando también las responsabilidades de dirección. A todo
esto le siguió un período de dedicación plena a la dirección sinfónica y
operística. A los 21 años, la grabación de Graf del concierto de Ibert le
hizo ganar inmediata y aplastantemente el reconocimiento internacional.
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Desde entonces, ha realizado giras internacionales de conciertos, así
como numerosas grabaciones de radio y televisión, a la vez que es invitado en festivales internacionales de música. Asimismo, ha sido profesor
de la «Basle Music Academy» desde 1973 e imparte clases a nivel internacional, siendo autor de tres monografías didácticas.
La Academia de Música de «Cracow» le concede el título Doctor Honoris Causa, la Asociación Estadounidense Nacional de Flauta le otorga el
premio «Life achievement Award 2005», y de la Asociación Italiana Falaut
recibe el «Premio alla Carriera Flauto d´oro».
En 2008 participa como profesor de postgrado en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.
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COMPONENTES
PRIMEROS VIOLINES
Víctor Martínez
Irene Cano-Cortés
Rocío Rossi
Elisa Ferrer
Virginia Sanagustín
SEGUNDOS VIOLINES
César Sánchez
Pablo Yagüe
Roldán Bernabé
Elena Nuño
Ana Albero
Daniel Hurtado
VIOLAS
Alicia Salas
David Tejeda
Lucía Ortiz
Helena Torralba
VIOLONCELLOS
Guillermo Turina
Marta Mulero
Eva Otero
Guillermo Alzugaray
CONTRABAJOS
Héctor Sapiña
Antonio Ibáñez
CLAVE
Silvia Márquez
DIRECTOR/CONCERTINO
Rolando Prusak
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COMENTARIOS AL PROGRAMA
El veneciano Antonio Vivaldi fue el mayor de los seis hijos habidos en el
matrimonio formado por Giovanni Battista, eminente violinista, y su esposa
Camilla. Nació el 4 de marzo de 1678, y desde muy pequeño su padre se
encargó de la formación musical del futuro compositor. Como era costumbre en aquel tiempo, las familias de escasos posibles destinaban al sacerdocio al mayor de sus hijos varones, con el fin de que adquiriesen una educación gratuita; éste sería el caso de Antonio Vivaldi: en 1703 se ordenó
sacerdote, pero pasado un año tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio a causa de una enfermedad, llamada entonces «strettezza di petto»,
posiblemente algún tipo de asma, según la referencia que Vivaldi hace en
una de sus cartas al Conde Guido Bentivoglio, su mecenas de Ferrara.
«Il prete rosso», llamado así por el color rojo de su cabello, dedicó toda su
vida a la música desde que, en el mismo año de su ordenación, fue nombrado profesor del Conservatorio de Pietá, institución que contaba con
extraordinarios instrumentistas, coros y cantantes y que, bajo la dirección de
Vivaldi, celebraban numerosos conciertos con las obras del músico de Venecia. Rápidamente sus obras llegaron a ser muy populares y los encargos eran
tan abundantes que Vivaldi se vio superado ante las peticiones que tanto aficionados como profesionales le solicitaban. Ni Torelli, Corelli o Albinoni llegaron a alcanzar su celebridad; Vivaldi es tan diferente, tan innovador en
sus instrumentaciones y en el espíritu de su obra, que se aparta por completo de los antes citados, quienes, aún concediéndoles el valor que merecen, no pasaban de hacer música amable, ligera o levemente espiritual. La
obra de Antonio Vivaldi está marcada por la riqueza de sus contrastes, el
dramatismo y la introducción en sus melodías de elementos muy líricos y
atractivos.
Si el violín es el instrumento barroco por excelencia y es durante ese período cuando se desarrolla su técnica y se consolida su papel preponderante
en los conjuntos instrumentales, algunos instrumentos de viento ocupan un
lugar importante en la atención de los compositores barrocos. Vivaldi en Italia y Telemann en Alemania, durante la época inmediatamente anterior a
Bach, dedicaron especial atención a dos instrumentos de viento: uno de
madera, la flauta; otro de metal, la trompeta. El Op. 10 de Vivaldi está dedicado por entero a la flauta solista; su forma es exacta a los escritos para violín y podrían tocarse con él, por su semejanza en la tesitura. Existen en
música ejemplos de autores que han utilizado temas de otros músicos o de
ellos mismos. En estos seis conciertos del Op. 10 encontramos movimientos
ya escritos por Vivaldi en otras obras, aunque en diferentes tonalidades y
con otra instrumentación. En la serie de conciertos de Vivaldi para flauta
encontramos denominaciones muy concretas debido a su carácter descripti-
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vo: el primero, La Tempesta di mare o el segundo, La Notte, y el que nos
ocupa, el número tres: Il Cardellino o El Jilguero, en el que la flauta imita
el canto de este pájaro. Vivaldi se sirve de la dulzura del timbre de la flauta y su capacidad para sostener, vibrando, notas prolongadas para elaborar
pasajes de gran dificultad, llegando a los máximos extremos de lirismo y
expresividad en el segundo movimiento de Il Cardellino, escrito en forma
de «siciliana». El tercer movimiento del concierto entraña una enorme dificultad por su rapidísimo «tempo», que en el final pone a prueba la capacidad virtuosística del intérprete.
Personaje central de la historia de la música noruega, Edvard Grieg pudo
conservar este lugar hasta nuestros días aunque la reacción antiromántica
atacó su música. Nació en Bergen a mitad del mes de junio de 1843 y su
fallecimiento tuvo lugar en la ciudad que le vio nacer, en 1907. Su madre
era una pianista de talento y le enseñó los primeros pasos en el mundo de
la música. A los 15 años y gracias a la intervención de Olle Bull ingresó en
el Conservatorio de Leipzig, donde prosiguió sus estudios hasta 1862.
Como compositor partió de las ideas de Bull y de Nordraaak, para continuar
en la línea romántica de Kjerulf, un músico que introdujo el romanticismo
nacional en la música noruega. Esta corriente musical sirvió de norma tanto a sus contemporáneos como a sus próximos sucesores. En Grieg, la música popular noruega influyó en la creación melódica y rítmica; la escritura
armónica revela también, en las últimas obras al menos, un recuerdo vivo
de la particular polifonía de los «hardingfele», una suerte de instrumento
similar al violín, construido con maderas ligeras profusamente decoradas y
que consta de ocho o nueve cuerdas, se tañe con arco y su sonido es rico
en timbre y polifonía; se puede escuchar aún hoy en día en las fiestas tradicionales del sudeste de Noruega.
En diciembre de 1884, la ciudad de Bergen celebró el bicentenario del nacimiento de Ludvig Holberg, filósofo, escritor y humorista danés. Grieg compuso para la ocasión una Cantata para coro de hombres y una Suite para
piano que transcribió para cuerda el año siguiente, mientras realizaba un
viaje a Berlín. La obra tuvo un gran éxito, circunstancia que no convenció
al autor: no apreciaba demasiado la trascripción y le pareció exagerada la
reacción de la crítica y del público. Grieg consideraba esta música como una
mala copia de las danzas al estilo de las de Bach, Händel o Rameau. Sea
como fuere, la cuestión es que se trata de una de las obras más populares
y más interpretadas del músico noruego.
Los números de la Suite Holberg principian con un Preludio solemne pese
a su ritmo animado; la Zarabanda es una música dulce y atrayente, especialmente cuando el canto pasa a las violas. Una ligereza casi impertinente
caracteriza a la Gavota, que contrastará con los deliciosos pasajes de la
Musette, que se divide en dos partes, ambas de una rusticidad elegantemente sofisticada. La pieza siguiente es un Aire de desgarradora melodía,
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repartida entre los primeros violines y los cellos. Finalmente aparece el Rigodon, expresado con brío por los violines y las violas sobre un acompañamiento en «pizzicato». Se trata de una obra delicada y sensible, eco de un
pasado resoñado.
La villa de Lucca, localidad próxima a Florencia, fue la patria chica de Giacomo Puccini, quien nació en 1858 en el seno de una familia de músicos.
Hizo sus primeros estudios musicales en su pueblo, donde fue infante de
coro y organista en diversas iglesias y de la región, actividades que muy
pronto se le quedaron cortas; al joven Puccini le atraía el teatro y hacer
música que se pudiese representar, lo que por otra parte resultaba ser el
único camino para un músico joven de la época. Buen conocedor de la
música de Wagner, lo que no quiere decir que se dejase influir por el músico alemán, el toscazo de nacimiento viajó a Milán para estudiar con Ponchielli. Rápidamente se volcó en la composición y su primera ópera Le Villi,
tuvo tal éxito que las representaciones se sucedieron inmediatamente en
Turín y en La Scala. Su siguiente estreno, Edgard, sobre un tema demasiado romántico, no tuvo la misma acogida, pero Manon Lescaut representa,
en 1893, su gran trabajo hasta entonces, porque más tarde llegarían Madama Butterfly y La Bohème, considerada como su obra maestra y una innovación en el ámbito operístico. Es una novedosa concepción verista del
tema, con personajes modernos de modestos medios y una imagen del
romanticismo burgués muy lejos del romanticismo heroico de Verdi.
Puccini no cultivó la música sinfónica como no fuese en los intermedios de
sus óperas, pero aún así se aprecia una orquestación maestra y unos sonidos insólitos para su tiempo. Tampoco es abundante, sino todo lo contrario, su música de cámara, y quizá la más conocida sea el Cuarteto Op. 70
Crisantemi, un andante maestoso que dedicó en 1890 a la memoria del
Duque de Aosta, Amadeo de Saboya. Parte de este material fue empleado
por Puccini en un pasaje de Manon Lescaut, escrita tres años más tarde.
El día 4 de enero de 1874 nace en Krecovice el que sería uno de los violinistas más estimables de su tiempo y también notable compositor, Josef Suk.
Durante siete años asistió como alumno en el Conservatorio de Praga a la
^
clase de Antonín Dvorák, quien algún tiempo
después se convertiría en su
^
suegro, al casarse Suk con Otilka Dvorák. Suk creció y se educó en una
familia de melómanos; su padre era maestro de músico y bajo su dirección
Josef ya tocaba el violín a los 4 años.
Suk fundó junto a tres instrumentistas más –Karel Hoffman, violín, Oskar
Nedbala a la viola y el cellista Otto Verger– el Cuarteto Checo, dirigido por
el notable violoncellista Hanus Wihan. Dieron su primer concierto el 19 de
enero de 1893, en Viena. Josef Suk fue el segundo violín del conjunto hasta su despedida el 20 de marzo de 1933. El primer día de mayo de 1904,
mientras Suk recibía los aplausos del público checo al finalizar su inmenso
^
Poema Sinfónico Praga, Dvorák falleció súbitamente; un año después mue-
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re su esposa Otilka a causa de la tuberculosis, y a partir de entonces Suk ya
no es el cantor de la primavera y del amor: su estilo adquiere una gran complejidad polifónica y polirrítmica que se aprecia en la enorme sinfonía, el
inmenso canto fúnebre que dedica a la memoria de su suegro y de su esposa: Asraël, su gran obra inspirada sobre el «tema del destino». Su Serenata
^
para cuerda Op. 6 se presenta bajo la directa influencia de Dvorak. Suk es
el fundador de la escuela checa moderna, y con Novak, el que hizo evolucionar la forma del cuarteto y del poema sinfónico. Hoy Suk, como la otra
escuela de Viena que transcurre de Hauer a Franz Schmidt, espera su rehabilitación.
Alberto Ginastera, bonaerense nacido en 1916 y fallecido en Ginebra en
1983, es uno de los músicos más representativos del continente sudamericano. Desde muy joven, este nieto de catalán vivió inmerso en la música,
centrándose en la composición. Apenas finalizados sus estudios en el Conservatorio de Buenos Aires, se representa su ballet Pananbi en el Teatro
Colón de su ciudad. Son los principios de su carrera y Ginastera se siente
unido a un desbordado nacionalismo, y aunque en sus últimas obras utiliza
un lenguaje más libre, en el que las técnicas compositivas de vanguardia son
habitualmente usuales, su obra no se desprenderá nunca de unas fuertes
reminiscencias americanas. Su famosa Sonata para piano y los doce Preludios americanos muy pronto tuvieron gran aceptación entre el público e
intérpretes, al igual que las Pampeanas para violín y piano. El catálogo de
Ginastera es considerablemente amplio, sobre todo a partir de los años 70,
tras su matrimonio con la violoncellista Aurora Natola, con quien se traslada a residir en Ginebra, libre de sus actividades como pedagogo y de sus
quehaceres al frente del Instituto Torcuato di Tella, que acoge el Centro de
Altos Estudios Musicales de Buenos Aires.
En Suiza el ritmo de trabajo es mucho mayor y Ginastera, que dispone de
tiempo y tranquilidad, escribe sus obras despojado de todo tipo de presiones. Pero la composición que aquí no ocupa se remonta a su época de estudiante, en 1934. Impresiones de la Puna es la primera obra de cámara de
Ginastera y curiosamente recrea a través de la música el paisaje de una
región de los Andes que Alberto Ginastera nunca llegó a conocer. Del mismo modo ocurre con su composición para cello solo Puneña, dedicada a
Paul Sacher y estrenada por Rostropovich.
Impresiones de la Puna está dividida en tres partes: Quena, en tiempo lento, toma su nombre de la flauta tradicional de los indios sudamericanos; la
segunda parte es un moderato llamado Canción, y la última, en animado,
es una Danza que se basa en la tradición musical de esta región situada al
noroeste de Argentina, en las elevadas montañas de los Andes: la Puna.
Juana Bonafé
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PROGRAMA
PRIMERA PARTE
E. GRIEG
Suite Holberg, Op. 40
Preludio
Zarabanda
Gavota
Musette
Aire
A. GINASTERA
Impresiones de la Puna
Quena
Canción
Danza
PETER-LUKAS GRAF
FLAUTA
A. VIVALDI
Concierto n.º 3 para flauta y orquesta de cuerdas, Op. 10
«Il Gardelino»
Allegro
Larghetto cantabile
Allegro
PETER-LUKAS GRAF
FLAUTA
SEGUNDA PARTE
G. PUCCINI
Crisantemi
J. SUK
Serenata en Mi bemol para orquesta de cuerdas, Op. 6
Andante con moto
Allegro ma non troppo e grazioso
Adagio
Allegro giocoso, ma non troppo presto
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DE MÚSICA DE ARAGÓN «CAMERATA ARAGÓN»
ROLANDO PRUSAK DIRECTOR/CONCERTINO
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Imprime: Navarro & Navarro Impresores • D. L. Z-4.356/2007 • La organización se reserva el derecho de variaciones de días y sustituciones de orquestas, solistas y programas por causas obligadas de fuerza mayor. http://www.auditoriozaragoza.com
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