EN BUSCA DEL REPLICANTE PERDIDO

Nº10
ABR
2015
PUBLICACIÓN GRATUITA
CICLO
ADAPTACIONES
LITERARIAS
HASTA
EL INFINITO
Y MÁS ALLÁ
LAS UVAS DE LA IRA
EL GATOPARDO
EXTRAÑOS EN UN TREN
MATAR A UN RUISEÑOR
EL CARTERO SIEMPRE
LLAMA DOS VECES
EN BUSCA DEL REPLICANTE PERDIDO
Sitges Tour: cuatro títulos que pasaron por el Festival de Sitges
SUMARIO
EDITORIAL
03 EDITORIAL
Nadie hubiera previsto hace 30 años que Blade Runner
se convertiría en la pieza clave de la ciencia ficción que
es hoy. Recuerdo su discreto estreno el cine Novedades
de Barcelona; una mísera copia para una ciudad que se
apelotonaba en las taquillas con las primeras aventuras
de Han Solo o Indiana Jones. Su estrella era un
tremendo reclamo publicitario, pero ni Blade Runner era
la aventura espacial que el público esperaba, ni su tono
se asemejaba al de otras películas del bien intencionado
binomio Lucas/Spielberg. Todo lo contrario, Blade
Runner era una historia sombría, existencialista, sucia
y tremendamente nihilista que despertó la antipatía de
crítica y público a partes iguales. Bien es cierto que tuvo
sus defensores, pero, como muchos films coetáneos –
recuerdo especialmente La Cosa, del gran Carpenter-,
fue injustamente denostada. Su fracaso comercial se
extendió a otras partes del mundo y pronto cayó en el
olvido. Víctima de su propia condición visionaria, fue
una película realizada a destiempo y consumida con la
rapidez que te zampas un bocadillo. Fue una pena. Años
más tarde, sería el video doméstico el que insuflaría una
nueva vida al film de Scott. Paradoja; el film que había
sido vapuleado por el público era ahora ensalzado por
el mismo como la pieza de culto que nadie supo ver. Los
VHS se desgastaron visionado tras visionado, y llegó
un día en que desde Warner Bros. decidieron darle una
segunda oportunidad en salas. Fue ya entonces cuando
Blade Runner asumía su estatus de icono moderno,
fundamental en la filmografía de cualquier cinéfilo de
“pro”. Así son las cosas, el tiempo las ensalza o las
hunde en la miseria, y por suerte, a Blade Runner los
años le sentaron mejor que al buen vino. Dios existe.
04 BLADE RUNNER
18 MARATÓN TOY STORY
26 SITGES TOUR
32 CICLO ADAPTACIONES LITERARIAS
40 V DE VENDETTA
44 PURO VICIO
48 PROGRAMACIÓN
Director
Nacho Cerdà
Editora
Sandra S. Lopera
Redacción
Pablo Mérida, José Antonio Pérez Guevara, Carlos Murcia,
Jaume Miranda, Erika Tiburcio Moreno, Coral Ferrero,
Pablo García Márquez, Misael Sanroque
Diseño y maquetación:
Miki Edge
Nacho Cerdá
Director de Phenomena Experience
Contacto
[email protected]
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Por Pablo Mérida
Phenomena recupera la obra maestra de Ridley Scott en cuatro pases, de la versión Final Cut, que volverán a abrir los numerosos
interrogantes planteados por Phlip K. Dick en su novela.
MIÉ 8 21h VIE 10 19:30h DOM 12 21h SÁB 18 22:45h
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EL SUEÑO DE LOS ANDROIDES
Los orígenes de Blade Runner se remontan hasta 1969,
justo un año después de que el conocido autor de
literatura de ciencia ficción Philip K. Dick publicara su
obra ¿Sueñan los androides con ovejas electrónicas? Un
jovencísimo Martin Scorsese sería el primer cineasta en
mostrar interés por llevar esa historia a la pantalla. Luego
llegarían otros directores, actores y productores que, a lo
largo de los años, le darían vueltas a esa posibilidad, sin
demasiada colaboración por parte del autor, que en una
entrevista llegaría a declarar: «Para que yo me acercase
a Hollywood, tendrías que matarme, atarme al asiento de
mi coche y pintarme una sonrisa en la cara» (1). Chispo
radical que era Philip K. Dick.
El guión, finalmente acreditado a Hampton Fancher
y David Webb Peoples, llevaba a escena de forma
exquisitamente ambigua a la figura del replicante fugitivo.
¿Los malos de la película? «Como la Criatura del Dr.
Frankenstein, como tantos otros excluidos de la Historia,
los replicantes solo querían el amor y el reconocimiento
de su padre y de los demás. Y, sin embargo, los demás
y su padre mismo les niegan, ya de entrada, la premisa
esencial: que sean hombres y que también ellos, tan
diferentes, tengan derecho a la libertad» (2).
RIDLEY SCOTT,
REGRESO AL FUTURO
Tras barajar los nombres de Adrian Lyne y Michael Apted,
la dirección de la película quedó al cargo de Ridley Scott,
que poco antes había asombrado a medio mundo con
Alien, el octavo pasajero.
Antes del rodaje, Harrison Ford gozaba ya de
popularidad porque había triunfado como Han Solo
No tuvo la gran acogida que la primera trilogía de La guerra de las galaxias. Pero, desde el mismo día de su estreno, muchos
comprendieron que Blade Runner iba a marcar un antes y un después en el género de la ciencia ficción. Como siempre ocurre,
a varios críticos se les pasó por alto. Fue el caso de la muy respetada Pauline Keel, que en las páginas del New Yorker de
julio de 1982 escribió: «Si alguien inventase un test para detectar humanoides, quizá Ridley Scott y sus colegas deberían
esconderse». No estuvo muy acertada porque, desde entonces y hasta hoy mismo, la fama de Blade Runner no ha dejado de
crecer. Como buena película de culto que es, cuenta con todo tipo de versiones, libros y ensayos que discuten sobre el más
insignificante de sus detalles, webs, blogs y, por supuesto, una nutrida legión de seguidores.
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Después de numerosos avatares y cambios de guión, a
comienzos de los 80, las productoras The Ladd Company
y Shaw Brothers, en colaboración con el estudio Warner
Bros., decidieron poner en marcha el proyecto de
Blade Runner. Esta era la historia: la superpoblación
y el deterioro de la tierra en el 2019, obligan a los
humanos a colonizar otros planetas; en estas colonias
terrestres se empiezan a emplear trabajadores creados
genéticamente: replicantes. Un grupo de los más
perfeccionados, los Nexus 6, escapa de las colonias
y regresa a Los Ángeles con la intención de prolongar
su existencia. Rick Deckard, un «Blade Runner»
especialmente entrenado para capturar replicantes,
recibe el encargo de localizar a los renegados y
eliminarlos.
En un primer momento, Scott tuvo la tentación de
rechazar el proyecto, ya que no quería significarse como
director especializado en temas futuristas. No obstante,
la calidad de la historia y la posibilidad de llevar adelante
una ambiciosa producción de 30 millones de dólares
le convencieron para embarcarse en la película. De
cualquier forma, el realizador puso especial cuidado en
que no existiesen demasiadas similitudes entre Alien, el
octavo pasajero y esta película. Por eso se esmeró en la
puesta en escena del largometraje, creando un ambiente
sórdido y sombrío con calles nocturnas y lluviosas, luces
de neón, y grandes anuncios publicitarios, lo que en
suma creó un tipo de imagen que marcó un antes y un
después en el género de la ciencia ficción. (3)
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«En una película —llegaría a comentar Ridley Scott—,
hay momentos donde el escenario en que se desarrolla
la acción puede ser tan importante como el actor». (4)
La historia del cine está plagada de casos de parejas que, mientras fingían adorarse ante las cámaras, lejos de ellas se llevaban a
matar. Así cuentan, sin ir más lejos, cómo Fred Astaire y Ginger Rogers bailaban y se sonreían embobados, cuando en realidad no
se soportaban. En el caso de Blade Runner, la mala relación de su pareja principal se intuye en la misma película. Las secuencias
protagonizadas entre Harrison Ford y Sean Young son frías, carentes de cualquier tipo de química. Y es que durante el rodaje,
ambos actores no pudieron llevarse peor. Sus broncas eran constantes. «En conjunto —declaró Sean Young poco después—,
Blade Runner fue una buena experiencia, excepto por Harrison Ford. Podría hablar de ello durante días, pero basta decir que no
llamaría a Harrison generoso». (8)
El director tuvo la intención de rodar en exteriores
de la ciudad de Nueva York, pero la idea se terminó
descartando por ser poco viable. Al final, los estudios de
Warner Bros. en Burbank se convirtieron en el principal
centro de operaciones de la producción. En concreto, el
Old New York, que años antes había servido de escenario
a películas míticas, como El sueño eterno. Durante el
rodaje, el equipo bautizaría cariñosamente el estudio
como «Ridleyville».
«Mi objetivo es conseguir una historia situada dentro de
40 años —explicaría Scott en 1982— hecha con el estilo
de hace 40 años». (5)
ESTRELLAS EN PIE DE GUERRA
El director insistió en contratar a Rutger Hauer para
el papel del cabecilla de los replicantes, Roy Batty,
sin siquiera haber tenido una entrevista con él, solo
impresionado por las intervenciones del actor en películas
como Delicias turcas o Eric, oficial de la reina. Después
de intervenir en Blade Runner Hauer se convirtió en una
auténtica estrella internacional.
Algo similar le ocurrió a Daryl Hannah, que llamó
poderosamente la atención en el papel de Pris, una bella y
letal replicante que nada tendría que ver con el personaje
de dulce sirena de Un, dos, tres… Splash, película que
terminaría por confirmar su éxito dos años después.
También se benefició del impacto de la película la por
entonces poco conocida Sean Young, elegida para
convertirse en la fría y enigmática Rachel, protagonista
femenina de la historia.
Quien antes del rodaje sí gozaba ya de notable
popularidad era Harrison Ford, puesto que ya había
triunfado como Han Solo en el inicio de la trilogía de La
guerra de las galaxias y como el intrépido Indiana Jones
para En busca del arca perdida. Para interpretar el papel
de Rick Deckard, el actor desbancó a otros posibles
candidatos, como Dustin Hoffman, Tommy Lee Jones o
Christopher Walken. Pero, posiblemente, la fama de Ford
no contribuyó a que las 17 semanas de rodaje de Blade
Runner resultaran especialmente plácidas para nadie.
«El rodaje de Blade Runner no fue una buena experiencia
para Ford; el astro discutía frecuentemente con Ridley
Scott y con los otros miembros del reparto, dentro y fuera
del plató. Lo cierto es que todo el mundo se peleaba con
los demás en esta caótica producción. Scott, en particular,
tenía que batallar constantemente con un equipo y unos
actores exhaustos que le acusaban de preocuparse más
por los efectos especiales que por las interpretaciones.
Sin embargo, el mayor dolor de cabeza del director eran
los inversores, que intentaron echarle de la película en el
momento en que se pasó del presupuesto». (6)
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El rodaje de Blade Runner no fue una
buena experiencia para Ford; el astro
discutía frecuentemente con Ridley Scott
y con los otros miembros del reparto,
dentro y fuera del plató.
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DEL MIEDO AL ÉXITO
Entre las presiones de los inversores y las voces de alarma
de los directivos de Warner Bros., que se temían que
Blade Runner fuera un sonoro fracaso, Ridley Scott tuvo
un fin de rodaje movido. Es lógico que buscara refugio en
los departamentos de efectos visuales, supervisando la
creación de los ingeniosos trucos del filme, o se deleitara con
las composiciones que Vangelis realizara para una banda
sonora memorable.
Pero ninguno de esos buenos momentos pudo compensar
el mal sabor de boca que le produjo tener que estrenar la
película con un montaje impuesto por Warner Bros. Casi 10
años después, cuando Blade Runner ya se había convertido
en un auténtico clásico, Ridley Scott consiguió que la película
volviera a comercializarse tal y como él la había concebido
originalmente. De paso, así inició la moda del reestreno de
éxitos pasados en la versión denominada «Director’s Cut».
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En este nuevo montaje, el director facilitaba la respuesta al
enigma que, desde el mismo día del estreno de Blade Runner,
había provocado encendidos debates entre los fanáticos de
la película: ¿era Rick Deckard también un replicante o no?
«Yo siempre tuve en mente la ironía de que Deckard acabase
resultando ser un ser humano sintético —confesaría Ridley
Scott—. Un detalle que permanecería oculto para todos
menos para aquellos espectadores que prestasen atención y
se dieran cuenta de ello». (7)
Así que, si alguno quiere salir de dudas, no tendrá más
remedio que estar muy atento a la pantalla porque la
solución… está en la película.
Como buena película de ciencia ficción, Blade Runner está repleta de curiosos gadgets. La combinación entre el diseño, la
dirección de arte y los efectos visuales es casi perfecta en la obra de Ridley Scott. Entre los artilugios más llamativos que
se muestran en el filme se encuentran los «Spinner», nombre que reciben los coches voladores de 2019. Para el rodaje, se
crearon cuatro vehículos a escala real. Uno de ellos era el modelo volador, que lo sostenía una grúa con cables con el fin de
crear ese efecto. El coste de fabricación de este vehículo superó los 35.000 dólares. Aparte de los «Spinner» de tamaño real,
el departamento de efectos especiales creó varios en miniatura, que iban desde uno que medía 1,20 m de longitud a otro que
apenas superaba las 4 pulgadas.
NOTAS
1 · Cómo se hizo Blade Runner. Futuro en negro, de Paul M. Sammon (Alberto Santos, 2005).
2 · Blade Runner. Lo que Deckard no sabía, de Jesús Alonso Burgos (Akal, 2011).
3 · 100 películas para amar el cine, de Pablo Mérida (La Biblioteca del Cine, 2014).
4 · Cómo se hizo Blade Runner. Futuro en negro.
5 · Idem.
6 · Blade Runner, de Miguel Ángel Prieto (T&B Editores, 2008).
7 · Blade Runner. Lo que Deckard no sabía.
8 · Blade Runner, de Miguel Ángel Prieto.
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LA PUERTA
DEL CIELO
LA DESMITIFICACIÓN DE LA TIERRA PROMETIDA
El sello Phenomena Premiere, dedicado a rescatar films que permanecen inéditos en nuestras salas de cine, proyecta este
mes el ambicioso western que marcó la carrera de Michael Cimino: La puerta del cielo. Una versión restaurada que recupera su
duración original, estrenada en el festival de Cannes en 1980, y que se podrá ver el 29 de abril en Phenomena.
Por José Antonio Pérez Guevara
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la puerta del cielo
“En aquel maravilloso lugar, aquel día
perfecto, soñé que podía hacer cualquier
cosa. Conocí a una chica maravillosa,
tenía buenos amigos y una buena familia.
Pero cuando era joven, el mundo me
parecía injusto. Se seguía explotando
y abusando de la gente del Sur, a los
inmigrantes los trataban aún peor. Vi
marchar a miles de ellos hacía el oeste
sin más que su dignidad y la ropa que
llevaban. Y yo fui también. Creía que
podía ofrecer un servicio importante. Así
que mi vida tomó otro rumbó”.
JAMES AVERILL, 1870
Wyatt y Billy, dos jóvenes estadounidenses emprenden un
viaje cruzando EE.UU., a lomos de sus dos Harley para
asistir a un carnaval. Un viaje financiado gracias al tráfico
de cocaína en la frontera de México. Esta es la sinopsis
de Easy Rider, dirigida por Dennis Hopper en 1969, e
interpretada por él mismo, Peter Fonda y Jack Nicholson.
El enorme éxito de la road movie, recaudó 100 veces
más de su presupuesto, fenómeno que la convirtió en la
película bandera para toda una generación de jóvenes
desencantados y ansiosos de libertad, en el emblema de
la contracultura, y además fue una de las propulsoras
del cine independiente americano que se instalará en
Hollywood en la década que iba a arrancar. Una década,
la de los 70,denominada por el admirado crítico José
Luis Guarner, como “La década de la fantasía”, donde
la fábrica de sueños, recogerá el testigo de los nuevos
cines europeos, asiáticos y sudamericanos, para instalar
una forma diferente de hacer cine, la llamada New Wave
Americana, donde el mando de las películas será cedido
a los jóvenes cineastas que revolucionarán el medio
con talento, trabajo y compromiso, herramientas que les
servirán para reflexionar sobre su país y los problemas
que lo condicionan.
La década de los 70, estuvo sacudida por la derrota en
la guerra de Vietnam, la retirada se producirá en enero
de 1973, y la dimisión del presidente Nixon, en verano
de 1974, por el escándalo de las escuchas ilegales
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del Watergate. Hechos que alimentaron el desencanto
de unos estadounidenses sumidos en una profunda
depresión y perdidos a la deriva, en la que los referentes de
los 60 se iban esfumando sin dejar rastro. Una década en
quese consolidará la carrera como director de Eastwood,
la aparición de la mirada desencantada de Altman, la
consagración de Coppola con El Padrino (The Godfather,
1972), y Apocalypse Now (1979), la maravillosa aparición
de Scorsese con Malas calles (Mean Streets, 1973), y
Taxi driver (1976), la mirada cínica de Woody Allen en
Annie Hall (1977) y Manhattan (1979), las inquietudes
y complejidades de De Palma, Lumet, Malick, Lucas, y
muchos más… El noir se convertirá en espejo social de
los avatares políticos con nombres como Pakula, Penn o
Pollack… Otro de los géneros que también resurgirá será
el Western, derivado del empuje de títulos como Grupo
salvaje (The Wild Bunch, 1968) o Pequeño gran hombre
(Little Big Man, 1970), entre otros… que explorarán
una vertiente realista y desmitificadora del Far West,
indagando en la memoria histórica, y en los hombres
y mujeres que sufrieron el dolor y las penurias del
nacimiento de la nación. Una de esas producciones es
La puerta del cielo (Heaven’s Gate), de Michael Cimino,
producida en 1980, película que marcará el final de esta
década prodigiosa y brillante, pero antes de indagar en
los acontecimientos que derivaron en el ocaso de los
independientes americanos, nos centraremos en las
circunstancias que llevaron a ese desgraciado fin.
LA AMARGA REALIDAD
DE CIMINO
Michael Cimino, nacido en New York en 1943, estudió Arte y Arquitectura en Yale. Autor de diversos documentales y
cortometrajes, debutó como guionista en Naves misteriosas (1970, Silent Running), de Douglas Trumbull, a la que siguió
la segunda entrega de Harry el fuerte (1973, Magnum Force), de Ted Post, protagonizaba por Clint Eastwood, que al año
siguiente, le encargará la dirección de Un botín de 500.000 dólares (Thunderbolt and Lightfoot). Después de un par de
proyectos frustrados, uno de ellos era una nueva versión de El manantial (The Fountainhead, 1949), de King Vidor, emprende
la producción de El cazador (The Deer Hunter, 1978), película que le llevará al estrellato con gran éxito de crítica y público,
consolidado con 9 nominaciones en los Oscar, de los que logró llevarse 5, entre los que destacan Mejor Película, Director y
Actor de Reparto para Christopher Walken. La película protagonizada por el citado Walken, Robert De Niro, John Cazale y
Meryl Streep, entre otros, se centra en un grupo de amigos que vivían de la metalurgia en Pensilvania, la existencia de los
cuales va a cambiar profundamente por la guerra de Vietnam. A lo largo de 180 minutos, y a través del período comprendido
entre los años 1968 y 1975, Cimino, con resonancias de la novela rusa y el cine de Ford, realizaba un profundo, minucioso y
amargo retrato de los jóvenes de fuera que asimilaban la cultura norteamericana sin renunciar a la vida de sus antepasados.
Unos hombres que se enfrentarán a la otra cara del sueño americano, a la amargura de la guerra, y a ellos mismos, y se ven
inmersos en la defensa de unos valores de un país que son pura falacia, que en realidad no son más que un slogan, una
invención, ya que la realidad siempre emerge de manera cruel y frustrante.
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la puerta del cielo
Aupado y envalentonado por el éxito, Cimino propuso
a los ejecutivos de la United Artists la historia de La
puerta del cielo, sobre los acontecimientos históricos
del Condado de Johnson, cuando a finales del siglo XIX,
la Asociación de Ganaderos asesinó impunemente a
cientos de colones inmigrantes de origen polaco, con el
beneplácito del ejército y el gobierno, a los que acusaba
injustamente y sin fundamento del robo de ganado.
Tomando como inspiración las películas de Los vividores
(Mr. Cabe & Mrs. Miller, 1971), de Robert Altman, Pat
Garret y Billy El Niño (Pat Garret & Billy The Kid, 1972),
de Sam Peckinpah o Missouri (1976), de Arthur Penn,
y varias reminiscencias del cine de John Ford, en la
manera de ilustrar la hermandad de los personajes a
través de sus cantos y bailes. La película tuvo un rodaje
extremadamente laborioso, aunque Cimino se rodeó
de un equipo muy eficaz. En el apartado de fotografía
contó con los excelentes servicios de Vilmos Zsigmond,
que ya fabricó la luz de El cazador, y que aquí realizó un
trabajo extraordinario apoyándose en el polvo, el barro,
el fuego y la suciedad y asfixiante ciudad, componiendo
una luz inspirada en el expresionismo y en las imágenes
pictóricas del siglo XIX, dotando a la historia de una luz
latente y feroz que brillaba con luz propia.
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Una situación hostil y tensa la que se vive en el condado, sólo aliviada en los momentos en que todos se reúnen en “La puerta
del cielo”, lugar donde cantan y bailan, y local social donde se reúnen para buscar soluciones al conflicto que tienen. La
intensidad y la épica son los cimientos en los que está construido el relato de Cimino, un retrato descarnado de lucha, poder y
muerte, que funciona como paradigma de esa América inocente que el tiempo, el capitalismo y el desencanto se encargarán
de destruir. Una alegoría de los sueños perdidos, de las relaciones estrechas e íntimas del poder y la ley, representados en
la burguesía/ganaderos, el ejército y el estado. Una admirable epopeya, que no solamente desmitifica el western en todos los
sentidos, fusionando el clásico con la modernidad, sino que lo ensalza a un nivel crepuscular y negro, desde la miseria de los
desplazados y los nadies, en una exploración terrible sobre la brutal condición humana y los métodos que utiliza para llevar a
cabo sus planes de expansión, codicia y locura.
En el apartado de arte contó con el trabajo del fantástico
Tambi Larsen, (con experiencia en Missouri, de Penn)
un maestro en recrear la atmósfera brutal, carcelaria y
de tonos sucios que caracteriza la película y la obra de
Cimino. En el casting, recurrió a Christopher Walken,
uno de los hombres de El cazador, Kris Kristofferson,
cantante country que ya había trabajado con Peckinpah,
Isabelle Huppert, una joven actriz francesa que ya había
despuntado a las órdenes de Chabrol o Techiné y que
arrancaba su carrera en Hollywood, John Hurt, Sam
Waterston, Jeff Bridges, otro actor de gran trayectoria
que ya había tenido Cimino en Un botín de 500.000
dólares y, finalmente, la colaboración de Joseph Cotten,
en un breve papel como reverendo lanzando un discurso
a los imberbes licenciados sobre la nación y sus valores
y principios. Una honesta y épica reflexión sobre los
cimientos de la nación estadounidense, que arrancaba
en 1870, en Harvard, Cambridge, en el estado de
Massachusetts, donde dos amigos, James Averill y Billy
Irvine, asistían a su graduación y posterior fiesta, -como
sucedía con la boda en El cazador-. Después de este
bellísimo y larguísimo prólogo, y a través de una cuidada
elipsis (marca de la factoría Cimino), la trama recorría
20 años para meterse de lleno en 1890, y en otro lugar,
situado en el medio oeste norteamericano, en el Condado
de Johnson, en Wyoming, donde Averill se ha convertido
en el sheriff, y ayuda a los infelices inmigrantes (hecho
que lo ha denostado del círculo burgués del estado), que
llegan en masa, cargados de ilusión, a un lugar que los
odia y los somete a pobreza, sufrimiento y muerte. Su
compañero de pupitre, que pertenece al otro lado, es
uno más de la asociación de ganaderos/terratenientes
que domina la situación económica, política y social de la
zona. Dos hombres enfrentados en sus ideologías, en su
manera de ser y sobre todo, en ver la realidad que asola
el territorio.
PROBLEMAS EN EL CIELO
Película denostada y vapuleada en su tiempo, ha devenido un clásico imperecedero que sigue ganando adeptos a lo largo de
los años, aunque si bien es cierto que la cinta estuvo contaminada por innumerables problemas derivados de una producción
que se saltó todas las normas, hecho que acabó afectando de manera fatídica a su carrera comercial. Entre sus problemas
destacan el presupuesto, que se disparó aumentando tres veces más, sumando un montante final de 40 millones de dólares.
Otro problema que acabó por hundir la película, fue su duración, en un principio, debía tener 220 minutos, pero sus raquíticos
resultados en taquilla cuando se estrenó en noviembre de 1980 (retirada a la semana del único cine que la estrenó) llevaron a
los responsables a reducir su metraje hasta los 150 minutos, versión que se estrenó en febrero de 1981, con unos resultados
financieros igual de calamitosos. La taquilla obtenida después de estos intentos infructuosos de recuperar la inversión ascendió
a unas paupérrimos 5 millones de dólares, muy lejos de lo invertido. Todas estas desgracias económicas repercutieron de
forma negativa en la carrera de Cimino, que apenas ha tenido unos pocos títulos sin apenas relevancia alguna.También, provocó
la eliminación del género del western de las pantallas durante una década, y llevó a la compañía United Artists a ser adquirida por
la MGM. El sueño para muchos directores murió, todo quedó reducido a cenizas. El final de una década de fantasía, donde el cine
americano vivió la última mejor época de su historia había sido muerto y enterrado. La película Toro salvaje (Racing Bull, 1980), de
Scorsese, el cual pensaba que sería la última que dirigiese, podría tomarse como poema funerario del final de lo que fue, y lo que ya
no será. A partir de ese momento, el cine cambiará y ya nada volvería a ser igual.
EL FIN DE UNITED ARTISTS
La compañía fue fundada el 5 de febrero de 1919 por cuatro grandes de Hollywood: Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary
Pickford y David Wark Griffith, con el objetivo de desafiar el poder de los grandes estudios de la época. Tras casi 62 años de
historia, el batacazo en taquilla de La puerta del cielo, acompañado de la deserción de Woody Allen que se marchó con Orion,
obligó a la compañía a liquidar a varios de sus ejecutivos, y finalmente a ser adquirida por la MGM
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CUANDO LA ANIMACIÓN
NO ES SOLO COSA DE NIÑOS
Por Carlos Murcia
El domingo 19 de abril, Woody y Buzzlightyear se instalarán en Phenomena con una maratón de Toy Story, la trilogía que
convirtió a Pixar en uno de los estudios de animación más importantes de la historia del cine.
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En 1995, nacía una de las sagas cinematográficas más importantes de la historia del cine. Una saga a la que, a menudo, solo
se le suele asociar un gran logro tecnológico: la invención del cine de animación digital, pero que, en realidad, significó el inicio
de una fábrica de ideas, de una nueva forma de narrar historias, y de entretener no solo a los más pequeños sino también a
los más grandes. Pixar se consolidaba como industria a través de una película conmovedora que cambiaría la vida de muchos
niños y adultos. Ya nunca veríamos los juguetes como un pasatiempo infantil y estúpido, gracias a Woody y Buzz Lightyear,
entre otros, los juguetes se convertirían en una herramienta perfecta para dejar volar la imaginación, la creatividad y vivir las
aventuras más emocionantes jamás contadas.
Toy Story se caracteriza por jugar con grandes
aventuras épicas a la vez que transmite ideas
y conceptos muchos más profundos
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Y es que a partir de las ideas, aparentemente, más simples se puede conquistar el corazón de miles de espectadores. Eso
es algo que Pixar demostró ya con su primer largometraje. A través de la sencilla premisa de dar vida a los juguetes no solo
consiguió crear una de las historias “infantiles” más entrañables, entretenidas y épicas de la historia; sino también generar
millones de espectadores alrededor del mundo y cerrar las bocas de todos aquellos que no confiaban en el potencial de
la animación por ordenador. La cuestión no residía en la calidad de las imágenes (tema en el que la animación digital ha
demostrado su valía), sino en la creación de personajes, historias, conflictos y aventuras capaces de seducir al espectador.
Toy Story nace a partir de un cortometraje, Tin Toy (1988)en el que John Lasseter, el principal artífice y creador de la saga,
ya exploraba la idea de dar vida a los juguetes. Gracias a los cortometrajes, los fundadores de Pixar, no solo valoraban las
posibilidades del cine digital sino también el potencial de sus historias. Y la historia de un muñeco con vida maltratado por
un bebé tenía su encanto. Lasseter fue un visionario al querer adaptar esta idea en forma de largometraje, pero lo realmente
fascinante fue su forma de edificar la película. El protagonista tenía que ser un héroe que hubiese sobrevivido generación
tras generación, que generase empatía fácilmente, que tuviese sus debilidades, pero que sobre todo fuese valiente y sin
miedo a nada. El cowboy era el prototipo de personaje idóneo para capitanear Toy Story, así nació Woody, un líder que
necesitaba también un fiel escudero, cuyo protagonismo fuese incluso a veces más importante. Buzz Lightyear, el cowboy del
futuro, el héroe galáctico, era el perfecto contrapunto. En juego estaba lo viejo (Woody) contra lo nuevo (Buzz). Factor que
desencadena el principal conflicto de la primera película: la idea de reemplazo, de abandono y de sentirse menos querido.
No debemos olvidar que Toy Story no es solo un pasatiempo, sino también un mediador de conflictos universales que afectan
sobre todo a los más pequeños. El sentimiento de Woody tras la llegada de Buzz, no es muy diferente al sentimiento que tiene
un niño tras la llegada de un hermano pequeño.
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Precisamente la saga Toy Story se caracteriza por jugar
con grandes aventuras épicas a la vez que transmite
ideas y conceptos muchos más profundos. En Toy Story
(1995), Woody y Buzz han de huir juntos de la casa de
un malvado niño que maltrata sus juguetes para volver
con Andy, su auténtico dueño, antes de que se mude.
Pero la película trata realmente el manejo de la envidia,
el miedo a ser sustituido, la aceptación de los demás y la
importancia de la amistad.
El universo Toy Story es el que mejor ha aguantado dentro
de la animación, donde es muy difícil encontrar secuelas
que funcionen tan bien como las películas fundadoras.
Probablemente sea por los grandes valores que transmite,
a la vez que desarrolla aventuras tremendamente
entretenidas y épicas. Pero sobre todo es por el carisma
que transmiten cada uno de sus personajes, su condición
como grupo inseparable y el mejor tratamiento de uno
de los grandes temas que más deberíamos valorar tanto
niños como adultos: la amistad.
TOY STORY Y PIXAR
En Toy Story 2 (1999), Woody sufre una especie
de síndrome de Estocolmo al ser capturado por un
coleccionista de juguetes. La duda entre quedarse con
sus auténticos compañeros o con las nuevas amistades
que ha forjado, rige la obra. Pero el gran concepto que
trata la película es el de la fidelidad. Toy Story 3, es
quizás la aventura más épica que viven Woody y sus
compañeros, que buscan un lugar en el que encajar a
causa de la inevitable marcha de Andy a la universidad.
Acaban en una guardería, lugar aparentemente idílico
pero que esconde mucha maldad. Toy Story 3 es quizás
la obra más arriesgada ya que trata conceptos tan
significativos como el abandono, el rechazo, el grupo
unido, la supervivencia, la adaptación e incluso la muerte.
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EL VAQUERO TOM HANKS
El gran cariño que como espectadores tenemos hacia
la saga es debido en parte gracias a su diversidad de
personajes carismáticos, desde los héroes Buzz y Woody
hasta Mr. Potato, Rex o Slinky. Todos ellos doblados
en la versión original por magníficos actores. Destacan
sobre todo en el papel de protagonistas, Tom Hanks y
Tim Allen como las voces de Woody y Buzz Lightyear
respectivamente. Probablemente dos de los actores que
más nos han entretenido, conmovido y divertido durante
la década de los 80 y 90. Pero interpretando al resto de
personajes también se cuelan las voces de otros grandes
actores y/o humoristas como Wallace Shawn, John
Ratzenberg o Don Rickles.
Por Jaume Miranda
La compañía Pixar, autora de Ratatouille (2007) o Up (2009) y, a día de hoy, mundialmente reconocida y establecida con sus
imparables triunfos de taquilla y crítica (tales como la obtención de 27 Oscars durante todo su recorrido histórico), tuvo unos
inicios poco prometedores antes de su pistoletazo hacia el éxito con Toy Story (John Lasseter, 1995).
Dando un salto temporal hacia atrás, en 1979, mientras el director George Lucas estaba en plena producción de Star Wars,
Pixar fue fundada por éste como subdepartamento de investigación en animación digital dentro de su sello Lucasfilms. Sin
embargo, la división verdaderamente encargada de la producción de efectos digitales era la Industrial Light & Magic, dejando
a la Pixar en un plano totalmente secundario.
No sería hasta 1986, cuando Steve Jobs (el gran cofundador de Apple Inc.) adquirió la empresa, cuando Pixar iniciaría su
camino en el campo de la producción digital propia. Vinculada desde sus comienzos a la compañía Walt Disney (de donde
Jobs era también máximo accionista individual), la productora empezaría a lanzar pequeños cortometrajes de considerable
notoriedad artística.
De este modo, y respaldada por un acuerdo con la Disney (que intuyó el futuro éxito de su “oponente”), la productora en
cuestión culminó su recorrido inicial con el lanzamiento de su primer largometraje, Toy Story, el cual también figuró como la
primera película de la historia desarrollada enteramente en ordenador.
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Ya desde su estreno, este film supuso una auténtica
revolución cinematográfica en muchos sentidos, sobre
todo técnicos. Sin embargo, el torbellino Toy Story también
constituyó una revolución artística y social, convirtiéndose
en el título más taquillero del año y obteniendo un Óscar
de Mención especial hecho a su medida.
De hecho, pocas películas cuentan con tantos personajes
célebres por su aspecto y personalidad como Toy Story. Ya
no sólo sus protagonistas, Woody y Buzz Lightyear, sino
toda una comitiva de secundarios en forma de juguete que
han pasado a instalarse en el imaginario cinematográfico
colectivo: el temeroso Rex, el fiel perro-muelle Slinky, el
testarudo Señor Patata, los estrambóticos marcianos del
Pizza Planet... incluso en las secuelas, la franquicia Toy
Story ha conseguido introducir nuevos personajes igual
de populares para el público (la Señora Patata, el caballo
Perdigón, Barbie y Ken, el Emperador Zurg, etc).
Como era de esperar con tal puntera compañía y con el
vertiginoso ritmo del avance digital, esta segunda parte
(sólo separada por cuatro años de su predecesora),
presentó multitud de progresos y novedades técnicas que
hicieron de Toy Story 2 un film, no sólo igual de interesante a
nivel formal, artístico o argumental, sino también de un interés
industrial y tecnológico equiparable al Toy Story original.
Sin embargo, no llegó a ser hasta el 2010 cuando, con el
estreno de Toy Story 3, la trilogía acogió un sentido mucho
más trascendental y profundo que en las anteriores; como
si de una película de Richard Linklater se tratara (Antes
del anochecer, Boyhood), la tercera entrega plantea temas
tan profundos como el efecto del tiempo en las relaciones
y el individuo o el paso de la juventud a la edad adulta.
Tras la gloria de este film, Pixar ha continuado lanzando
obras maestras animadas igual de memorables que
su antecesora, así como también continúan con
una ininterrumpida producción de cortometrajes
complementarios. Sus títulos más memorables han sido
Bichos (1998), Monstruos S. A. (2001), Buscando a Nemo
(2003) o Cars (2006).
Debido a las continuas alabanzas cosechadas desde el
1995, Pixar ha conseguido revolucionar radicalmente la
industria audiovisual de la animación, dejando en segundo
plano las animaciones más tradicionales y clásicas (que
anteriormente dominaba la Disney) y propiciando el
desarrollo de nuevas propuestas digitales.
Probablemente, la fórmula victoriosa del trabajo de Pixar
residió en no limitarse únicamente a experimentar con
los avances técnico-informáticos a su alcance (lo cual
ya es plausible), sino que también se preocuparon en
desarrollar un minucioso e impecable guión en el que
podían desarrollarse sus maravillosas creaciones (de
hecho, también estuvo nominado a la estatuílla por ello).
Al igual que su fantástica banda sonora (obra de Randy
Newman), también la dirección artística y el tratamiento
visual (todo ello, como es evidente, hecho en ordenador)
dan pie a un bello, detallista y colorido mundo, a medio
camino entre la realidad conocida y la fantasía, que
enmarca la cotidianidad de unos curiosos individuos,
igualmente diseñados de forma excepcional.
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En ese sentido, si se deja de lado el trabajo pionero de
Pixar, uno no podría entender el nacimiento posterior
de compañías competidoras, entre las cuales destaca
la Dreamworks Animation, su mayor contrincante y
productora de taquillazos como Shrek (2001), Madagascar
(2005) o Cómo entrenar a tu dragón (2010).
A pesar de la gran variedad de nuevas propuestas,
mundos e ideas de los “creadores Pixar”, la productora ha
regresado al universo Toy Story en dos ocasiones más,
transformando sus secuelas, no sólo en una admirable
continuación, sino también en la cimentación de una
compacta y redonda trilogía.
En 1999, se estrenó Toy Story 2, film que, al mismo
tiempo que desmitifica la idea de que segundas partes
nunca fueron buenas, se plantea como una continuación
similar a las aventuras iniciales de Woody y su tropa,
manteniendo también como tema central el significado de
la amistad, el sentido contemporáneo de la fidelidad y la
importancia de la etapa infantil en la vida.
El dueño de los protagonistas, Andy, deja de ser un crío
para marcharse a la universidad, pasando por una dura
crisis identitaria que será transmitida a sus queridos
compañeros, los cuales deberán entender, asumir y
sobrellevar el abandono sufrido y un cambio de ciclo que
no esperaban. Con un aire ligeramente más agridulce
y reflexivo que las anteriores, Toy Story 3 desarrolla y
concluye diferentes planteamientos acerca de la infancia,
la adolescencia, la edad adulta y el sentido del paso de
una a la otra.
De este modo, esta tercera entrega, aparte de obtener
un valor innovador, sobresaliente y detallista a nivel
formal y creativo comparable a sus anteriores, consigue
transformarse en una verdadera fábula generacional de
profundo sentido para los que han crecido con Andy y sus
amigos del alma.
En definitiva, las tres obras de Toy Story, que justifican su
existencia debido a las grandes diferencias de contenido
y forma entre ellas, tienen una similitud básica en su
ejemplificación del impacto social, industrial, histórico y
económico que supuso, supone y supondrá la existencia
de Pixar en el panorama cinematográfico contemporáneo.
Siempre viene bien repasar esta exquisita trilogía antes
del estreno de la cuarta entrega en 2016.
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UN PASEO POR LA VIOLENCIA
Por Erika Tiburcio Moreno
Dos programas dobles forman Sitges Tour, una iniciativa con la que se podrán ver cuatro
títulos que pasaron por el Festival de Sitges y que no han llegado a nuestra cartelera. La
primera sesión, que tendrá lugar el 9 de abril, estará centrada en el terror, con Oculus: El
espejo del mal y Zombeavers (Castores zombies), mientras que el programa del 16 de
abril deja paso a la acción y al thriller con Lawless (Sin ley) y The Target.
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Sitges Tour da la oportunidad de conocer algunos de los títulos que pudieron visionarse en el festival catalán de fantasía, terror y
ciencia ficción, los cuales, la mayoría de las veces, no vuelven a aparecer en una sala, a no ser que sea en otro festival. Aunque se
corresponden con diferentes géneros, los cuatro títulos que vamos a analizar tienen como tema central la violencia y, desde diferentes
propuestas como la venganza, el terror ante lo desconocido o la defensa ante unos bichos que se parecen mucho a unos castores,
reflexionan sobre este asunto.
La violencia ha sido un tema recurrente en el cine casi desde
sus orígenes. Durante el periodo de entreguerras, Estados
Unidos se convirtió en la potencia cinematográfica indiscutible
hasta finales de la Segunda Guerra Mundial, cuando diversas
cinematografías europeas intentarían hacer frente a este gigante
mediante la innovación técnica y narrativa. Quizás cuando uno
piensa en las primeras décadas del cine, el género que a uno le
viene a la cabeza es el cine de gángsters, que basó gran parte
de sus historias en personajes reales como Al Capone. Uno de
los títulos más célebres de esta primera etapa es Scarface, el
terror del hampa, dirigida por Howard Hawks en 1932. Pocos
años más tarde, el código Hays sería el encargado de censurar
cualquier tipo de apología a la violencia, lo que trajo consigo la
aparición de títulos acordes a esta mentalidad, como es el caso
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de Los violentos años veinte (Raoul Walsh, 1939). A lo largo de
la década de los sesenta, empezarán a aparecer títulos que
explotarán el tema de la violencia con una visión mucho más
cercana y humana, como es el caso de Bonnie & Clyde (Arthur
Penn, 1967). El establecimiento del sistema de clasificación por
edades de la MPAA, en ese mismo año 67, abrió el camino a los
distintos usos de la violencia desde diferentes géneros como el
terror (Halloween, John Carpenter, 1978). El cine exploitation y
el gore también harían de la violencia su firma, los cuales habían
comenzado, antes del fin de la censura, a convertir la sangre y las
masacres en su reclamo, destacando Herschell Gordon Lewis con
obras como Two Thousand Maniacs!, estrenada en 1964. Desde
entonces, la violencia ha encontrado su hueco en casi todos los
géneros, como veremos en tres de los títulos.
Corea del Sur es otra de las grandes potencias
cinematográficas que ha explotado las posibilidades de la
violencia en el cine. Kim Ki-Duk es uno de sus directores
más conocidos gracias a títulos como Hierro 3 (2004) o La
isla (2000), consiguiendo la adhesión a sus creaciones por
parte de sus leales seguidores. Chan-Wook Park es otro
de esos directores que ha demostrado sus habilidades en
este tipo de cine con Área común de seguridad (2000) o con
sus tres títulos de la trilogía de la venganza, Sympathy for
Mr. Vengeance (2002), Oldboy (2004) y Sympathy for Lady
Vengeance (2005). Esa misma esencia de apreciación por
la violencia coreana la encontraremos en el último de los
cuatro títulos que forman el Sitges Tour.
La primera película que se proyectará es Oculus, dirigida
por Mike Flanagan. El traumático pasado de los hermanos
Russell es el hilo conductor de esta película donde razón
y superstición se colocarán frente a frente y darán sus
argumentos para ganar la batalla. Tras el asesinato de
su madre, Tim es ingresado en un psiquiátrico en el que
permanece durante años. Tras su liberación, su hermana
Kaylie, que está convencida de que el responsable de la
desgracia de su familia es un espejo maldito con el que
deben acabar. Para ello, ambos vuelven a casa de sus
padres para demostrar que lo maligno no es algo terrenal.
En un alarde de inteligencia, el director utiliza toda la escena
en la que Kaylie se graba, mientras que cuenta todos los
casos de asesinatos envueltos en el misterio del espejo,
para hacer una referencia directa a Oculus: Chapter 3 The Man with the Plan (2006), un corto anterior con el que
iniciaba sus andaduras dentro del género. El terror y la
violencia se mezclarán aquí para mantener al espectador
en vilo acerca de dos posibilidades: que un espejo maldito
pueda adueñarse de los actos del ser humano para
cometer las mayores atrocidades, o bien, que dichos actos
sean debidos a la locura del propio ser humano.
Continuamos con Zombeavers o, como se le conoce en
español, Castores Zombies (2014), la ópera prima de
Jordan Rubin como director de largometrajes. Esta historia
con una premisa que es ya conocida: un grupo de chicas,
que no demuestran una gran inteligencia, sus respectivos
novios, que muestran aún más idiotez, y una reunión en una
casa alejada de la civilización al lado de un lago. Ese fin de
semana de alcohol, sexo y diversión se verá tambaleado
por la aparición de un grupo de castores asesinos que
desean comerles hasta los intestinos.
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Se trata de una obra que rinde homenaje a todas esas
películas de serie B que comenzaban con unos residuos
tóxicos que iban a parar a los lugares más insospechados,
cuyas consecuencias siempre eran la aparición de una especie
de monstruos, similares a los zombies, que amenazaban con
exterminar a toda la población, como es el caso de Abrazo
mortal (The Children, Max Kalmanowitz, 1980). Estéticamente
recuerda muchísimo a la Troma, productora de películas de
serie Z como El vengador tóxico (The Toxic Avenger, Michael
Herz y Lloyd Kaufman, 1984), la cual utilizaba la casquería sin
preocuparse del realismo en los efectos especiales, para así,
dotarles de un toque cómico y exagerado que tanto gusta a los
fans del género. Sin aspirar a ser recordada en los anales del
género, Zombeavers busca provocar las risas con situaciones
y diálogos estúpidos (“No nos podemos poner los unos contra
los otros. Eso es exactamente lo que los castores querrían”),
y despertar la melancolía de muchos aficionados al género.
La siguiente película, Lawless (2012), nos ofrece un relato
centrado en la violencia como forma de vida, y como algo
necesario para la supervivencia. John Hillcoat dirige esta
historia de gánsters, similar un western, basada en la novela de
Matt Bondurant, descendiente de los hermanos protagonistas
de esta historia, que se dedicaban al negocio del tráfico ilegal
de alcohol durante la época de la Ley Seca. La familia se verá
obligada a enfrentarse al nuevo Sheriff y a sus secuaces, que
se encargarán de ponerles trabas y hacerles la vida imposible.
Es destacable la galería de personajes, donde encontramos
a Charlie Rakes (Guy Pearce), que encarna a un malvado y
sibarita sheriff, y frente a éste, a Forrest (Tom Hardy) y Howard
Bondurant (Jason Clarke), que encarnan la rudeza masculina,
y a Jack (Shia LaBeauf), que encarna la bondad y la valentía
sentimental. Por último, la banda original, compuesta por Nick
Cave y Warren Ellis, es destacable por su potencia musical y
por su capacidad para reforzar las ideas en las que insiste el
film: la violencia como único medio de supervivencia frente a
un mundo hostil.
Para finalizar, Sitges Tour nos ofrece The Target (2014), la
primera obra del director surcoreano Chang, quien decidió
inaugurar su carrera con este remake de Cuenta atrás, film
francés dirigido por Fred Cavayé en 2010. Este thriller de
acción se centra en hombre que ha cometido un asesinato y un
doctor cuya mujer ha sido secuestrada. El director, siguiendo
las directrices de la original, es capaz de contener toda la
tensión acumulada a lo largo de la primera hora para hacerla
explotar durante los últimos treinta minutos con un ritmo in
crescendo, dejando al espectador muy buen sabor de boca.
La riqueza de su argumento, además, queda acentuada por
el reparto coral de unos personajes que son tan importantes
para la historia como el mismo protagonista, convirtiéndolos
en piezas clave para el devenir de los acontecimientos.
Aunque evidentemente toda esta historia no tendría lugar
sin el villano, que destaca por el carisma que desprende y
que recuerda, en cierta manera, a esos malvados de las pelis
de acción de los ochenta. En resumen, venganza y violencia
son los dos elementos que se han conjugado en esta historia
para, sin abusar de las peleas, ofrecernos un relato lleno de
emociones y acción sin límites.
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CICLO
ADAPTACIONES
LITERARIAS
Abril es el mes más literario del calendario, por eso Phenomena dedica un ciclo especial a las películas basadas en libros. La
programación estará formada por El cartero siempre llama dos veces, Extraños en un tren, Las uvas de la ira, Matar a un ruiseñor
y El gatopardo. Además, fuera del ciclo también se podrán ver grandes adaptaciones literarias como Lo que el viento se llevó.
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CICLO ADAPTACIONES LITERARIAS
CINE NEGRO Y SUSPENSE LITERARIO:
EXTRAÑOS EN UN TREN Y
EL CARTERO SIEMPRE
LLAMA DOS VECES
Por Jaume Miranda
Phenomena nos ofrece una colección de clásicos
hollywoodienses con la adaptación literaria como nexo
en común. Entre estas, todas recomendables y brillantes,
se encuentran dos títulos inolvidables del cine negro y
de suspense: El cartero siempre llama dos veces (Tay
Garnett, 1946), y Extraños en un tren (Alfred Hitchcock,
1951).
Sin embargo, a pesar de las apariencias, no se trata de una
clásica y habitual obra del autor británico, especialmente
debido a la elección del reparto. Hitchcock ya había
demostrado a Hollywood su valía en el suspense y el
thriller con Rebeca (1940) o Encadenados (1946), entre
otras, pero siempre se sostenía de actores tan célebres y
masivos como Cary Grant o Ingrid Bergman.
Por primera vez, el director decidió no reforzar su cartel
con el star-system de la época, dando así oportunidades
a nuevos actores y, sobre todo, demostrando que
la gigantesca popularidad de sus obras provenía
especialmente por un talento propio. De hecho, Hitchcock
se convirtió en el primer director de la historia capaz de
mover masas con su nombre de una forma equiparable a
las superestrellas ante pantalla.
En el sentido fotográfico, tal vez la más destacada e
impecable de las dos sea Extraños en un tren, con
dirección de fotografía de Robert Burks (nominado
al Óscar por ello). Precisamente, esta fue la primera
colaboración entre Burks y Hitchcock, quiénes, debido
al buen resultado, seguirían trabajando juntos hasta en
doce obras más.
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Con mayor romanticismo oscuro podemos disfrutar de El cartero siempre llama dos veces, obra esencial del cine negro y,
sin lugar a dudas, la mejor y más reconocida película de su director, Tay Garnett. En ella, el trotamundos Frank Chambers
empieza a trabajar en un bar de carretera regentado por el simpático viejo Nick, casado con la bella y enigmática Cora.
Haciéndose evidente desde su primer encuentro, Frank y Cora se verán atrapados por una desenfrenada, secreta y fatídica
pasión que pondrá en juego su libertad, sus vidas... y el rico patrimonio de Nick.
Con una dirección menos relevante que la anterior, el film destaca especialmente por su gestión narrativa, la actuación de sus
actores y su cuidada dirección de fotografía.
De este modo, el autor inglés, en una de sus pocas
películas de total protagonismo masculino, ofreció los
papeles principales a los “anónimos” Farley Granger y
Robert Walker, quiénes están en puro estado de gracia en
sus respectivos personajes: el desafortunado y temeroso
Guy (Granger) y el oscuro y demente Bruno (Walker).
Aún así, cabe destacar también el reparto femenino del
título, más secundario pero no menos brillante: sobresale
Ruth Roman, como la fiel acompañante de Guy, Laura
Elliott, como la esposa infiel del mismo, o Patricia
Hitchcock (la hija del director), como la asustadiza
hermana de la primera.
Estas películas en cuestión, además de coincidir en ser de
las más destacadas obras de sus respectivos directores,
comparten gran cantidad de ingredientes propios de su
género: secretismos y engaños, crímenes sin resolver,
pasiones y destinos fatales, giros inesperados, herencias
en juego, misteriosas y cautivadoras féminas,... todo
ello, como no podía ser de otro modo, enmarcado en
tenebristas y fatídicas atmósferas en blanco y negro.
Igualmente, Hitchcock en ningún momento deja de lucir su dominio por narrar con imágenes, por mantener el filo del suspense
y por girar la tortilla de forma magistral, entregando al espectador algunas de las mejores escenas de toda su filmografía, como
la escena de presentación con los zapatos, la tenebrosa escena del asesinato o la pelea final en un parque de atracciones.
Una vez más, también El cartero siempre llama dos
veces cuenta con un brillante guión adaptado por parte
de Harry Ruskin y Niven Busch a partir de la novela de
James M. Cain (maestro de la novela negra) donde los
engaños, confusiones e incertidumbres entre la pareja
son los protagonistas totales y absolutos.
Ello, evidentemente, no podría ser posible tampoco sin
la chispeante y palpable química que nace entre Lana
Turner y John Garfield ante cámara, dos estupendos
actores que se encuentran aquí en el mejor trabajo
interpretativo de su carrera, respectivamente: Turner
personifica a una de las mejores femmes fatales de toda
la historia del cine negro (sólo comparable a la Gilda de
Rita Hayworth) con un no menos admirable partenaire a
su lado (Garfield).
Sin embargo, no debe cederse todo el mérito del
“hechizo” que crea Cora a su atractiva actriz; la dirección
de fotografía de Sidney Wagner, siempre ejemplar y
meditada, ensalza la belleza y magnetismo de Turner a
través de diferentes juegos fotográficos; ya sea por luz,
encuadre (la sugerente presentación del personaje con
sus piernas) u ópticas utilizadas.
Igualmente, la fotografía también consigue construir
una interesante atmósfera (propia del género) repleta
de luces y sombras contrastadas, borrosos humos y
nieblas y evocadoras composiciones que no hace más
que acrecentar y poner marco a la peligrosa y, a la vez,
hipnotizante pasión mortal de los protagonistas.
De algún modo, más allá de nacer de una novela o de
pertenecer a un cierto género común, estas películas,
como se ha comentado ya, también comparten el
tener un excelente reparto, una estudiada dirección, un
completo y cerrado guión, una meticulosa fotografía,...
En definitiva, son dos títulos con la etiqueta de clásicos y
obras maestras ganadas por mérito propio.
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CICLO ADAPTACIONES LITERARIAS
EL SUEÑO MÁS AMARGO
Por Sandra S. Lopera
Cuando se trata de hablar sobre la literatura en el cine y
las adaptaciones de libros, la lista sería infinita. Pero sin
duda dos títulos esenciales de obligada referencia serían
Las uvas de la ira y Matar a un ruiseñor, dos novelas
que le valieron el Premio Pulitzer a sus autores y que
compartían una época común: la Gran Depresión que
castigó Estados Unidos durante los años treinta.
John Steinbeck fue uno de los autores más lúcidos y
críticos con el capitalismo y las miserables condiciones
en las que tuvieron que sobrevivir miles de personas
durante la Gran Depresión que sufrió el país tras el crack
del 29. Así lo mostraba en De ratones y hombres, una
novela publicada en 1937 (y llevada al cine en 1992)
donde narraba el periplo de dos amigos que iban de
rancho en rancho buscando trabajo. Pero fue en Las uvas
de la ira donde Steinbeck volcó sus propias experiencias
como vagabundo durante los años veinte, algo que ya
había utilizado en los artículos que había escrito para
The San Francisco News en 1936. Textos que acabaría
recopilando en su libro Los vagabundos de la cosecha,
una vertiente realista y documental sobre el tema que
dramatizaría para su novela. Su amarga visión de los
campesinos que, despojados de sus tierras, se veían
obligados a emigrar a California en busca de trabajo, se
convirtió en una de las críticas más feroces al capitalismo
y a la miseria a la que condenaba a miles de familias que
tuvieron que instalarse en improvisados campamentos
plagados de hambre y miseria. Es precisamente una de
estas familias la que servirá como hilo conductor de Las
uvas de la ira.
El autor ganó el Premio Pulitzer gracias a esta novela,
que solo un año después de su publicación saltaba a la
gran pantalla de la mano de John Ford, que consiguió el
Oscar al Mejor director gracias a este film. El realizador
insistió en que sus actores no pudieran utilizar maquillaje
durante el rodaje, buscando transmitir el mayor realismo
posible con una historia de dramatismo latente que, 65
años después, mantiene una actualidad escalofriante.
Ford se permitió, además, un pequeño cambio al final de
la historia, dejando al espectador un poso de tristeza, que
hoy en día, cobra una dolorosa sensación de realidad.
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Ambientada también en la época de la Gran Depresión,
pero mostrándola solo de fondo, situaba Harper Lee
su aclamada Matar a un ruiseñor, por la que ganó el
Premio Pulitzer. Amiga desde la infancia de otro gran
escritor, Truman Capote, Lee no centró su novela en las
penosas condiciones en las que tuvieron que soportar
los trabajadores que peregrinaban por las carreteras de
Estados Unidos en busca de comida y trabajo, sino en
temas como la tolerancia, la amistad y la justicia.
Atticus Finch, interpretado por Gregory Peck, un
respetado abogado de un pequeño pueblo sureño de
los años treinta, acepta el caso más difícil de su vida:
defender a un joven negro, claramente inocente, que ha
sido acusado de violar a una chica. Los prejuicios racistas
marcarán un juicio seguido atentamente por los hijos del
protagonista, una mirada inocente a la que su padre
trata de proteger de todo el odio y la intolerancia que
les rodea. Ahí es donde radica la belleza de una historia
extremadamente sencilla y delicada. Unas veraniegas
vacaciones infantiles que se tiñen de una amargura
hasta entonces desconocida por los pequeños.
Lee no centró su novela en las penosas condiciones en las que tuvieron
que soportar los trabajadores que peregrinaban por las carreteras de
Estados Unidos en busca de comida y trabajo, sino en temas como la
tolerancia, la amistad y la justicia.
Robert Mulligan, director forjado en series de televisión, tuvo su primer gran éxito con esta adaptación, que significó además
el debut en el cine del actor Robert Duvall. Matar a un ruiseñor se ha convertido en un clásico no solo por la conmovedora
cercanía de un reparto en estado de gracia, en el que destacaba Mary Badham, la adorable Scout que tanto admira a su padre,
que obtuvo una nominación a los Oscar como mejor actriz secundaria con tan sólo diez años.
Harper Lee se emocionó al ver a Gregory Peck durante el rodaje, y llegó a regalarle el reloj de su padre, en quien se inspiraba
el personaje de Atticus, por lo mucho que le recordaba a él. Y es que, más allá de su argumento, Matar a un ruiseñor transmite
una cálida sensación de humanidad, honestidad y coraje que ha permanecido intacta a lo largo de los años.
Dos versiones diferentes de una época amarga en la que la supervivencia primaba por encima de cualquier otra necesidad.
Dos novelas ganadoras del Premio Pulitzer que dieron origen de dos grandes clásicos del cine.
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CICLO ADAPTACIONES LITERARIAS
EL REFERENTE DE LA
ADAPTACIÓN LITERARIA
CINEMATOGRÁFICA
Por Coral Ferrero
No es fácil que toda la crítica se ponga de acuerdo
en lo mismo. Sin embargo, decir que El Gatopardo es
considerada una de las mejores adaptaciones de la
historia del cine parece ser la excepción.
El Gatopardo narra la historia de Don Fabrizio, el príncipe
de Salina (Burt Lancaster), que se muda con su familia
a la casa de campo que tienen en Donnafugata al sufrir
la invasión en Sicilia por parte de las tropas de Garibaldi.
Tancredi (Alain Delon), sobrino del príncipe y simpatizante
de la causa Garibaldi, se enamora de Angélica (Claudia
Cardinale), hija del alcalde burgués de Donnafugata.
Esta relación es de vital importancia en la película, ya
que en su naturaleza se ve reflejado el cambio social en
el que se ven envueltos los personajes.
En el film destaca la escena del baile, de una duración
aproximada de 45 minutos, y que es el punto culminante
de la narración. En ella se observa como el mundo, tal
y como lo conoce Don Fabrizio, ha llegado a su fin. La
aristocracia agoniza y su lugar ha sido ocupado por la
burguesía, enriquecida gracias a la guerra.
Al principio, Visconti se mostró contrario a la imposición
de la productora de contratar a Lancaster como
protagonista. El director creía que no era el actor
adecuado para el papel, ya que hasta ese momento
le parecía un “cowboy” que sólo “había protagonizado
películas banales”, y prefería a otros como Lawrence
Olivier o Nikolai Cherkasov. Aunque la elección de
Lancaster como protagonista hizo que el ambiente entre
él y Visconti fuera tenso, después de un enfrentamiento
en el set del rodaje el director cambió su impresión del actor
y limaron asperezas, lo que dio fruto a una amistad y a una
nueva colaboración en la película Confidencias en 1974.
El autor del libro homónimo, el príncipe Tomasi di
Lampedusa, intentó sin éxito que publicaran su obra
en diversas editoriales. Después de ser rechazado una
y otra vez, el libro vio la luz de la mano de la editorial
Giangiacomo Feltrinelli en 1958, un año después de la
muerte del autor. La novela se convirtió en un éxito de crítica
y público, al igual que cinco años más tarde haría la película.
El Gatopardo recibió la Palma de Oro de Cannes en 1963
y consiguió una nominación al Oscar por el vestuario
preciosista de Piero Tosi.
En el film destaca la escena del baile, de una duración aproximada de 45
minutos, y que es el punto culminante de la narración
Luchino Visconti, director reconocido por films como
La Terra Trema o Noches blancas, fue el encargado de
llevar a la gran pantalla el texto del escritor italiano. Con
marcados tintes autobiográficos, Visconti, al igual que
Lampedusa, pertenecía a la aristocracia y se identificaba
con los protagonistas de la película.
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V DE VENDETTA
Por Pablo García Márquez
La venganza de V llega a Phenomena el 26 de abril con la adaptación de la novela gráfica de Alan Moore,
producida por los hermanos Wachowski.
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V DE VENDETTA
Andy y Lana Wachowski sacudieron la industria del cine
como nunca antes se había visto con Matrix. Tanto fue
la sorpresa mayúscula que produjo la cinta, que desde
entonces se les presenta como “los directores de Matrix”.
Punto. Como si no hubieran estado detrás de Lazos
ardientes, su primera y muy reivindicativa obra, o de ese
caramelo pop que resultaba ser Speed Racer. O incluso
esa bendita locura que era desde su planteamiento en
El atlas de las nubes. Y vale, claro, desde luego que la
segunda y tercera parte de Matrix no está a la altura de
la primera (hasta Keanu Reeves admitió que no entendía
muy bien qué pasaba en las secuelas), pero simplemente
por la persecución en la autopista de la segunda, autopista
que construyeron para esa escena, ojo, ya merece la
pena. Michael Bay puede seguir filmando una y otra vez
persecuciones, con los perseguidos tirando coches todo
el rato, que jamás logrará el impacto que los Wachowski
consiguieron.
Y también están detrás de V de Vendetta, claro. Para la
ocasión escogieron a su ayudante de dirección de siempre,
James McTeigue, para ponerlo al cargo de la difícil tarea
de realización. No obstante, como otras veces, ellos se
encargaron de la producción y de la propia adaptación del
cómic (o novela gráfica, como lo llaman ahora).
CAMBIOS RESPECTO
A LA NOVELA GRÁFICA
V de Vendetta es una de las mejores obras de los
cineastas. Para algunos fue un sacrilegio el simple hecho
de adaptar el cómic de Michael Moore y es cierto que
algunos detalles se suavizaron, como el personaje de
Natalie Portman, que pasó de una sufrida trabajadora en
una fábrica que se ve obligada a prostituirse para ganar
un extra, a trabajar en un informativo de televisión. Pero
los hermanos supieron transmitir el espíritu de Moore.
Esa no tan lejana distopía, donde cualquier herramienta
es usada por el poder para mantenerse. Esos guiños
a la novela 1984 y, sobre todo, ese héroe que no duda
en utilizar a la población en general a al personaje de
Portman en particular para su causa y con unos métodos
que basculan desde el terrorismo en prime time hasta
hacer volar por los aires edificios.
Una sociedad oprimida que es sacudida de lleno por
un misterioso personaje que lleva una máscara y que
esconde el rostro de otro colaborador de los Wachowski,
el actor Hugo Weaving (el agente Smith de Matrix), al que
nunca vemos en pantalla. Una obra que tiene algunas
escenas de acción con el sello inconfundible de sus
responsables pero que en esta ocasión sabe tomar otra
intención y potencia el drama. Es difícil quedarse con
un único momento de la película, pero puestos a elegir
me quedaría con ese montaje de las fichas de domino
cayendo y descubriendo a la vez el verdadero plan de V.
Porque V se alza como una persona llena de matices y
lo mismo se nos aparece como un salvador al uso que
salva a la típica damisela en peligro que como un mero
vengador lleno de odio que utiliza a la gente para sus
planes, manipulando emocionalmente a quien tercie. De
hecho su objetivo parece ser salvar a la sociedad aunque
para ello tenga que desatar el caos como herramienta y
de paso llevar a cabo su venganza personal. Alguien, en
definitiva, que ya no puede perdonar.
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Puro vicio (Paul Thomas Anderson, 2014)
PERDIENDO LA VITAMINA C
Por Misael Sanroque
Phenomena dedica los primeros días de abril a recuperar algunos de los títulos más interesantes del año, como
Relatos salvajes, El francotirador, Birdman y el último film de Paul Thomas Anderson, Puro vicio, que sigue
dividendo opiniones con su personal puesta en escena.
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En El detective cantante, la influyente teleserie británica
de Dennis Potter, éste hacía hincapié en que en toda
historia detectivesca “siempre hay una mujer”. En Puro
vicio, la nueva película de Paul Thomas Anderson hay
varias, y a diferencia de lo que ocurre en otras películas
de temática similar, son la base del relato.
Tras The Master, Anderson embarca a Joaquim Phoenix
en un viaje a caballo entre las películas de Chee & Chong
y las novelas de Raymond Chandler. Y aunque esta
misma comparación podría ajustarse a El gran Lebowski
(Joel Coen, 1998), ambas películas son diametralmente
opuestas. Puro vicio nos cuenta la historia de Larry ‘Doc’
Sportello, un detective privado del valle de San Fernando
que investiga la desaparición del multimillonario magnate
inmobiliario que se acuesta con su ex. Casi como un favor
a su ex novia, Shasta, más que un encargo, Sportello se
meterá de lleno en los asuntos sucios de la ciudad, como
el Gittes de Chinatown. Pero en vez de un problema
de agua, aquí encontrará un problema aún mayor: los
Estados Unidos.
Sportello se topa de frente con la paranoia, los hippies, la
policía secreta, el FBI, los dentistas que se aprovechan de
la droga (¡brillante Martin Short!) y el mar. Generalmente
los barcos surcando el horizonte marítimo al atardecer
han sido metáfora de melancolía, libertad, tranquilidad...
en Puro vicio la imagen del velero, Golden Fang, es como
echar una mirada morbosa, peligrosa, a las entrañas de
la bestia. Podríamos decir que fueron los mismos que
asesinaron a Kennedy los que intenta que Doc Sportello
no consiga encontrar al magnate desaparecido.
Hay que agradecer toda la conspiranoia y el sin
sentido a la base de la película: la novela homónima
de Thomas Pynchon, a la sazón un autor de rostro
desconocido que vive, quizás recluido, sin que nadie
sepa quién es.
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Puro vicio comparte algunos de los temas (y tramas)
de El largo adiós (The Long Goodbye, 1971), novela de
Raymond Chandler que llevó a la pantalla Robert Altman,
ídolo y maestro de Anderson. Igual que el personaje de
Elliot Gould, o, incluso, que el protagonista de El proceso,
de Kafka, Doc Sportello va de un lado a otro, en vértigo,
a través de los testigos, las oficinas y la burocracia. Y los
porros, claro. ¿Y si fuera todo la alucinación de un colgado?
¿Y si los hippies fueran los malos de la película? Algo así
parecen querer decir con el personaje de Clive Owen. Y
hay que agradecer toda la conspiranoia y el sin sentido
a la base de la película: la novela homónima de Thomas
Pynchon, a la sazón un autor de rostro desconocido que
vive, quizás recluido, sin que nadie sepa quién es.
Y ésa es la cuestión de la película, narrada por otra mujer,
Sortilegio, acaso una alucinación de nuestro protagonista.
Es curioso también cómo el policía interpretado por Josh
Brolin es apodado Bigfoot: el monstruo del que todo
el mundo ha oído hablar y que nadie ha visto. Como
las víctimas de las novelas negras y el propio Thomas
Pynchon. Puro vicio está trufada de detalles que nos
hacen dudar de lo que estamos viendo. Como si nos
faltara la vitamina C de la que habla la canción de los
créditos. Y lo más interesante es la puesta en escena de
Anderson para este “viaje”.
La cámara de Anderson sigue siendo clásica, dócil, casi
acomplejada, lo cuál es impropio de alguien de su talento.
Sí es cierto que compone varias escenas magistrales,
baste como ejemplo el largo plano secuencia de Sportello
y Shasta en un sofá. Un plano secuencia casi invisible.
En Puro vicio no es una cámara caleidoscópica a lo
Ken Russell, ni una simetría crípitca a lo Kubrick lo que
nos encoge y marea: es el relato, un relato hard boiled
que surca por ríos de marihuana y LSD. Una humareda
espesa que se adhiere a nuestra mirada: no tenemos ni
idea de lo que está pasando, a pesar de que Anderson nos
lo muestra con toda la claridad y naturalidad del mundo,
igual que el sol ilumina el mar a mediodía. Estamos tan
acostumbrados a que nos manipulen que no nos damos
cuenta, y esta vez Paul Thomas Anderson ha conseguido
lo contrario: hacernos vomitar no en una montaña rusa,
sino en un paseo por la playa.
Tu gobierno te hará llorar. No necesitas las drogas para
fliparlo, basta con darte una vuelta por las oficinas del
FBI. Entre el Oliver Stone de JFK y los cortos de Tex
Avery, Anderson nos regala una interesante reflexión
sobre la paranoia y los recuerdos. El vicio propio es, en el
mundo de las aseguradoras, una etiqueta para aquellos
objetos y productos que, por propia inercia, por su propia
naturaleza, están destinados a degradarse a sí mismos.
Como la fruta o los seres humanos. Y Doc Sportello, los
yonquis, los fumados, los policías, los magnates y Benicio
del Toro son ese ácido corrosivo dispuesto a comerse a
los Estados Unidos. Pura poesía beatnik. Puro vicio.
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PROGRAMACIÓN
ABRIL 2015
Ciclo Adaptaciones Literarias
Reestrenos Imprescindibles
MIÉRCOLES 1
16:30h
RELATOS SALVAJES
Damian Szifrón, 2014. Int: Ricardo Darín, Darío Grandinetti,
Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Oscar Martínez,Julieta Zylberberg,
Rita Cortese. ARGENTINA · 122’ · DCP
Seis historias cruzadas de salvaje humor negro, desde un conductor
furioso, con instintos asesinos, hasta una novia que descubre algo que le
va a amargar la boda. Magnífica producción argentina cargada de buenos
diálogos y mala baba.
Repetición el día 4
18:30h
EL FRANCOTIRADOR American Sniper
Clint Eastwood, 2014. Int: Bradley Cooper, Sienna Miller,
Luke Grimes. USA · 132’ · DCP · VOSE
Tercera nominación consecutiva al Oscar para el actor Bradley Cooper,
quien compró los derechos de la biografía de un francotirador del ejército.
Eastwood provocó cierta polémica al presentar al protagonista como un
héroe con sus momentos de flaqueza y su humanidad.
Repetición el día 5
21:00h
BLACKHAT Blackhat
Michael Mann, 2015. Int: Chris Hemsworth, Tang Wei, Leehom
Wang. USA · 133’ · DCP · VOSE
El director de Heat sigue demostrando su buen gusto con el thriller, tejiendo
esta vez una trama basada en internet y las nuevas tecnologías. Mann contó
con la colaboración de varios hackers reales para escribir la historia.
Repetición el día 4
JUEVES 2
17:00h · ESPECIAL SEMANA SANTA
SANSÓN Y DALILA Samson and Delilah
Cecil B. DeMille, 1949. Int: Hedy Lamarr, Victor Mature, George
Sanders, Angela Lansbury, Henry Wilcoxon
USA · 131’ · Versión restaurada DCP 4K · VOSE
22:00h
NIGHTCRAWLER Nightcrawler
Dan Gilroy, 2014. Int: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed
USA · 117’ ·DCP · VOSE
En época de crisis, hay quien tiene que dejar a los escrúpulos de lado para
salir adelante. Una idea desarrollada con astucia por un guión perturbador.
Un drama sin concesiones que brinda a Gyllenhaal el mejor papel de su carrera.
VIERNES 3
16:30h · ESPECIAL SEMANA SANTA
ESPARTACO Espartacus
Stanley Kubrick, 1960. Int: Kirk Douglas, Tony Curtis, Laurence
Olivier, Peter Ustinov. USA · 197’ · DCP · VOSE
Dalton Trumbo, uno de los mejores guionistas de Hollywood, hizo uno
de sus mejores trabajos escribiendo este épico drama sobre un esclavo
convertido en gladiador. Impresionante música de Alex North y gran papel
de Kirk Douglas.
A medio camino entre la parodia refinada de las películas de James Bond
y la comedia de aventuras, Kingsman es puro entretenimiento con un
contagioso sentido del humor y buenas dosis de acción. Una organización
de agentes secretos británicos entrena a un joven aspirante.
DOMINGO 5
16:30h
EL FRANCOTIRADOR American Sniper
Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes.
USA · 132’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 1
19:00h
PERDIDA Gone Girl
Alejandro González Iñárritu, 2014. Int: Michael Keaton, Emma
Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts.
USA · 119’ · DCP · VOSE
Cuando su mujer desaparece, Ben Affleck se convierte en el centro de
todas las sospechas. Pero nada es lo que parece en esta adaptación del
best-seller de Gillian Flynn. Una certera reflexión sobre el circo mediático y
los prejuicios.
Gran ganadora en la última edición de los Oscar, la película de González
Iñárritu, rodada en hábiles planos secuencia, se cuela en los ensayos de la
obra de teatro que prepara un actor en horas bajas. Una ácida mirada al
mundo del show business.
Repetición el día 6
23:00h
BABADOOK The Babadook
Jennifer Kent, 2014. Int: Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel
Henshall. AUSTRALIA · 93’ · DCP · VOSE
David Fincher, 2014. Int: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick
Harris, Tyler Perry. USA · 149’ · DCP · VOSE
22:00h
PURO VICIO Inherent Vice
Paul Thomas Anderson, 2014. Int: Joaquin Phoenix, Josh Brolin,
Katherine Waterston. USA · 148’ · DCP · VOSE
Paul Thomas Anderson mantiene su sello personal en esta historia que sigue
los pasos de un detective de los años 70 que investiga una desaparición. Un
film complejo, lleno de texturas visuales, que adapta la novela de Thomas
Pynchon.
21:00h
BIRDMAN
O (LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORACIA)
Birdman: Or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Alejandro González Iñárritu, 2014. Int: Michael Keaton, Emma
Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts.
USA · 119’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 3
MIÉRCOLES 8
16:15h · Grandes Directores Europeos
ROMA, CIUDAD ABIERTA Roma città aperta
Roberto Rosellini, 1945. Int:Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello
Pagliero. ITALIA · 103’ · DCP · VOSE
20:00h · PROGRAMA DOBLE: SITGES TOUR
OCULUS: EL ESPEJO DEL MAL Oculus
Mike Flanagan, 2013. Int: Karen Gillan, Brenton Thwaites, Katee
Sackhoff. USA · 104’ · DCP · VOSE
ZOMBEAVERS (CASTORES ZOMBIES) Zombeavers
Jordan Rubin, 2014. Int: Bill Burr, Courtney Palm, Rachel Melvin,
Hutch Dano. USA · 85’ · DCP · VOSE
Doble programa de terror con dos títulos que se pudieron ver en
el pasado festival de Sitges: un terrorífico juego de espejos y unos
hambrientos castores mutantes que causaron furor entre el público,
convirtiéndose en uno de los títulos más comentados e irónicos de la
edición.
VIERNES 10
Federico Fellini colaboró en el guión de este drama, ambientado en la Roma
ocupada por los nazis. Una pieza clave del neorrealismo italiano, que se
caracterizó por su manera humana y honesta de mostrar las consecuencias
de la posguerra.
16:30h
AMORES PERROS
18:00h · Ciclo Divas de Hollywood
EVA AL DESNUDO All About Eve
Título clave en el nuevo cine mexicano que abrió las puertas de Hollywood
a su director: Alejandro González Iñárritu, reciente ganador del Oscar por
Birdman. Tres historias se cruzan a raíz de un accidente de coche. Guillermo
del Toro ayudó con el montaje final.
Joseph L. Mankiewicz, 1950. Int: Bette Davis, Anne Baxter, George
Sanders, Celeste Holm. USA · 138’ · 35mm · VOSE
Uno de los films más importantes de la historia del cine, y un verdadero
duelo interpretativo entre una grandiosa Bette Davis y la trepa Anne Baxter
que ansía su fama como estrella de cine. Breve aparición de una primeriza
Marilyn Monroe.
21:00h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
BLADE RUNNER Blade Runner
Alejandro González Iñarritu, 2000. Int: Emilio Echevarría, Gael
García Bernal, Goya Toledo. MEXICO · 154’ · 35mm
19:30h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
BLADE RUNNER Blade Runner
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young.
USA · 117’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 8 · Repetición los días 12 y 18
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young.
USA · 117’ · DCP · VOSE
22:00h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
CAPITÁN HARLOCK Space Pirate Captain Harlock
La obra maestra de Ridley Scott no es sólo un film de culto que revolucionó
la ciencia-ficción, sino también una película que invita al debate y a las
múltilpes interpretaciones gracias a un final lleno de incógnitas. Fascinante
diseño de producción y banda sonora de Vangelis.
Shinji Aramaki, 2013. JAPÓN · 115’ · DCP · VOSE
Repetición los días 10, 12 y 18
El manga de Leiji Matsumoto se convirtió en una popular serie de
animación a finales de los años setenta. Los fans del pirata espacial pueden
ahora disfrutar del personaje por primera vez en la gran pantalla con esta
adaptación de dibujos generados por ordenador..
16:30h
EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
Rise of the Planet of the Apes
SÁBADO 4
16:30h
RELATOS SALVAJES
Damian Szifrón, 2014. Int: Ricardo Darín, Darío Grandinetti,
Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Oscar Martínez,Julieta Zylberberg,
Rita Cortese. ARGENTINA · 122’ · DCP
Ver reseña del día 1
19:15h
BLACKHAT Blackhat
Michael Mann, 2015. Int: Chris Hemsworth, Tang Wei, Leehom
Wang. USA · 133’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 1
Christopher Nolan, 2014. Int: Matthew McConaughey, Anne
Hathaway, Jessica Chastain. USA · 169’ · 70mm · VOSE
La odisea espacial de Christopher Nolan está destinada a ser un film de
culto. Su poderoso diseño visual y la original manera de acercarse a las
dudas y retos que plantean los viajes al espacio la han convertido en uno de
los films del año. A redescubrir en formato 70 mm.
DOMINGO 12
11:30h
FANTASÍA Fantasia
James Algar, Samuel Armstrong, Ford Beebe Jr., Norman Ferguson,
Jim Handley, T. Hee, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Bill Roberts,
Paul Satterfield, Ben Sharpsteen. USA · 125’ · DCP · VOSE
La tercera película de animación de Disney se propuso traducir en imágenes,
en dibujos, la música de ocho sinfonías entre la que destaca El aprendiz de
brujo, con Mickey Mouse haciendo bailar las escobas.
16:30h · PROGRAMA DOBLE: CURSO DE 1984
LOCA ACADEMIA DE POLICÍA Police Academy
Hugh Wilson, 1984. Int: Steve Guttenberg, Kim Cattrall, Bubba
Smith, G.W. Bailey. USA · 96’ · 35mm · VOSE
TOP SECRET Top Secret!
Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, 1984. Int: Val Kilmer,
Lucy Gutteridge, Omar Sharif, Christopher Villiers.
USA · 90’ · 35mm · VOSE
Dos de las comedias más locas de los años 80. El inicio de una prolífica
saga sobre aspirantes a agentes de policía, y una disparatada parodia de
films de espionaje en la que Val Kilmer se convirtió en una estrella pop que
hacía desmayar a sus fans.
21:00h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
BLADE RUNNER Blade Runner
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young.
USA · 117’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 8 · Repetición el día 18
16:15h · Grandes Directores Europeos
FRESAS SALVAJES Smultronstället
LUNES 6 · Especial El día de la mona
Jim Mickle, 2014. Int: Michael C. Hall, Sam Shepard, Don Johnson
USA · 109’ · DCP · VOSE
21:30h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
INTERSTELLAR Interstellar
MIÉRCOLES 15
La ópera prima de Jennifer Kent ha causado sensación en festivales de
género de todo el mundo, en los que ha ganado más de 50 premios, entre
ellos el de mejor actriz en el Festival de Sitges y el premio del jurado. Un
film de terror aclamado por el director de El exorcista.
19:45h
FRÍO EN JULIO Cold in July
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Matthew Vaughn, 2014. Int: Colin Firth, Taron Egerton, Samuel L.
Jackson. USA · 129’ · DCP · VOSE
20:30h
BIRDMAN
O (LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORACIA)
Birdman: Or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Épico drama de tintes bíblicos en el que Cecil B. DeMille supo aprovechar
muy bien la espectacularidad del Technicolor en sus decorados y en el
diseño de un vestuario que encumbró a Hedy Lamarr como un mito del cine.
Michael C. Hall, el protagonista de la serie Dexter vuelve a sacar su lado
oscuro en este thriller cuya espiral de violencia se basa en una novela del
prolífico escritor Joe R. Lansdale. Una de las sorpresas del pasado Festival
de Sitges.
22:00h
KINGSMAN: SERVICIO SECRETO
Kingsman: The Secret Service
PROGRAMACIÓN ABRIL 2015
Rupert Wyatt, 2011. Int: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto,
Brian Cox, John Lithgow. USA · 105’ · DCP · VOSE
Las nuevas tecnologías permitieron que esta precuela de El planeta de los
simios contara con un personaje creado por ordenador. Un simio generado
a partir de la captura de movimientos del actor que también interpretó al
Gollum de El señor de los anillos utilizando la misma técnica.
18:30h
EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
Dawn of the Planet of the Apes
Matt Reeves, 2014. Int: Jason Clarke, Gary Oldman, Andy Serkis,
Keri Russell. USA · 130’ · DCP · VOSE
Después de renovar la saga con la precuela en 2011, Matt Reeves
(Monstruoso) retomó la historia planteando una verdadera guerra entre
simios y humanos. El film tiene numerosos guiños a la película original de
1968.
SÁBADO 11
JUEVES 9
16:00h
LA DALIA NEGRA The Black Dahlia
Brian De Palma, 2006. Int: Josh Hartnett, Scarlett Johansson, Aaron
Eckhart, Hilary Swank. USA · 121’ · 35mm · VE
Tras el éxito de L.A. Confidential, el autor James Ellroy volvió a la gran
pantalla, esta vez de la mano de Brian DePalma, con un caso inspirado en
un crimen real: el de una joven que apareció descuartizada. Dos detectives
investigarán su asesinato en Los Angeles de los años 40.
18:00h · Ciclo Divas de Hollywood
LA FIERA DE MI NIÑA Bringing Up Baby
Howard Hawks, 1938. Int: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles
Ruggles, May Robson. USA · 102’ · 35mm · VOSE
Las locuras de Katharine Hepburn llevarán de cabeza a un pobre Cary Grant
que sólo quiere recuperar un hueso de dinosaurio y volver a su aburrida
vida de paleontólogo. Una maravillosa comedia que no fue bien acogida
en su estreno y a la que el tiempo ha colocado como una de las mejores del
género.
16:00h
CON LA MUERTE EN LOS TALONES North by Northwest
Alfred Hitchcock, 1959. Int: Cary Grant, Eva Marie Saint, James
Mason, Martin Landau, Leo G. Carroll. USA · 136’ · 35mm · VOSE
Hitchcock solía decir que este film era la quinta esencia de sus películas
americanas. Un falso culpable, una trama de espionaje, una rubia de poco
fiar… todo lo necesario para que el maestro del suspense lograra escenas
inolvidables como la avioneta disparando a Cary Grant.
18:30h · EL BUQUE MALDITO PRESENTA:
LOS ABANDONADOS The Abandoned
Nacho Cerdá, 2006. Int: Anastasia Hille, Karel Roden, Valentin
Ganev. USA · 96’ · 35mm · VOSE
Tras su elogiada trilogía de la muerte (formada por los cortos The
Awakening, Aftermath y Génesis) el director Nacho Cerdá firmó una ópera
prima de terror latente y frías texturas visuales que van envolviendo a una
protagonista que jamás debió indagar en su pasado.
Con la presencia de Nacho Cerdá y debate posterior
Ingmar Bergman, 1957. Int: Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid
Thulin. SUECIA · 91’ · 35mm · VOSE
Bergman explora de nuevo la compleja naturaleza humana a través de la
nostalgia y la soledad que siente un profesor cuando, de camino a recibir
un homenaje por su carrera, se detiene en la antigua casa donde pasaba las
vacaciones y se deja llevar por los recuerdos.
18:00h · Ciclo Divas de Hollywood
LA CONDESA DESCALZA The Barefoot Contessa
Joseph L. Mankievicz, 1954. Int: Humphrey Bogart, Ava Gardner,
Edmond O’Brien. USA · 128’ · 35mm · VOSE
Tras su funeral, Humphrey Bogart repasa la vida de una famosa estrella,
interpretada por la mítica Ava Gardner pero inspirada en la vida real de
otra actriz: Rita Hayworth, quien iba a ser la protagonista original. Preciosa
fotografía del impecable Jack Cardiff.
21:00h
EL GRAN LEBOWSKI The Big Lebowski
Joel & Ethan Coen, 1998. Int: Jeff Bridges, John Goodman, Julianne
Moore. USA · 117’ · DCP · VOSE
Uno de los trabajos más divertidos y surrealistas de los hermanos Coen, que
crearon el personaje del Nota inspirándose en el peculiar productor que
les ayudó a distribuir su primera película. Una comedia con momentos tan
alucinados como míticos.
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PROGRAMACIÓN ABRIL 2015
JUEVES 16
16:00h
EL AMERICANO IMPASIBLE The Quiet American
Philip Noyce, 2002. Int: Michael Caine, Brendan Fraser, Do Thi Hai
Yen. USA · 101’ · 35mm · VE
Adaptación de la novela de espionaje de Graham Greene, autor de El tercer
hombre, sobre un periodista británico y un médico norteamericano que se
conocen en la Indochina francesa. Sorprendente Brendan Fraser en un papel
dramático y nominación al Oscar para Michael Caine.
18:00h · Ciclo Divas de Hollywood
NINOTCHKA Ninotchka
Ernest Lubitsch, 1939. Int: Greta Garbo, Melvyn Douglas, Bela
Lugosi. USA · 110’ · 35mm · VOSE
Promocionada bajo el lema de “La Garbo ríe”, esta comedia permitió
descubrir el lado más divertido de la actriz, que fue nominada al Oscar por
su papel de funcionaria rusa enviada a Francia. Billy Wilder participó en el
guión de su amigo Ernst Lubitsch.
20:00h · PROGRAMA DOBLE: SITGES TOUR
LAWLESS (SIN LEY) Lawless
John Hillcoat, 2012. Int: Shia LaBeouf, Tom Hardy, Jason Clarke.
USA · 116’ · DCP · VOSE
THE TARGET Pyojeok
Chang, 2014. Int: Jin Guo, Yeo-Jeong Jo, Jin-Wook Lee, Ryu
Seung-Ryong. COREA DEL SUR · 98’ · DCP · VOSE
Segundo programa del Sitges Tour, esta vez cargado de acción con
Lawless, un thriller ambientado en plena Ley Seca con Shia Labeouf
como traficante de alcohol, y The Target, trepidante remake coreano de
Cuenta atrás, de Fred Cavayé.
VIERNES 17
16:00h
MILLION DOLLAR BABY Million Dollar Baby
Clint Eastwood, 2004. Int: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan
Freeman. USA · 132’ · 35mm · VE
Lo que comienza como un drama de superación personal, con una chica
entrenando duro para ser boxeadora, va dando paso a una historia durísima
y profundamente conmovedora. Rodada en apenas tres semanas, es sin
duda una de las obras maestras de Eastwood como director.
18:30h
DELIVERANCE Deliverance
John Boorman, 1972. Int: Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty.
USA · 110’ · DCP · VOSE
Film de violencia salvaje en la que cuatro amigos que estaban de acampada,
liderados por Burt Reynolds, se enfrentan a un grupo de hombres que
atacan brutalmente a uno de ellos. Un film que sacude con la dureza de
algunas de sus escenas.
21:00h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
STARSHIP TROOPERS (LAS BRIGADAS DEL ESPACIO)
Starship Troopers
Paul Verhoeven, 1997. Int: Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise
Richards, Michael Ironside. USA · 129’ · 35mm · VOSE
HORIZONTE FINAL Event Horizon
Paul W.S. Anderson, 1997. Int: Laurence Fishburne, Sam Neill,
Kathleen Quinlan. USA · 96’ · 35mm · VOSE
Dos propuestas de ciencia-ficción tan diferentes como interesantes. Paul
Verhoeven apuesta por la acción con los equipos que luchan contra una
invasión de bichos gigantes, mientras Paul W.S. Anderson, creador de la
saga Resident Evil, explora el terror en una nave que se mantuvo perdida
en el espacio.
SÁBADO 18
MIÉRCOLES 22
16:15h · Grandes Directores Europeos
LA GRAN ILUSIÓN La grande Ilusion
Jean Renoir, 1927. Int: Jean Gabin, Erich von Stroheim, Pierre
Fresnay FRANCIA · 114’ · DCP · VOSE
Los intentos de fuga de un grupo de soldados franceses, presos en un campo
alemán durante la I Guerra Mundial, se convirtieron en uno de los films más
emblemáticos de Jean Renoir, un director que ha influenciado a cineastas
como Orson Welles o Charles Chaplin.
18:15h · Ciclo Adaptaciones Literarias
LAS UVAS DE LA IRA The Grapes of Wrath
John Ford, 1940. Int: Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine,
Charley Grapewin. USA · 129’ · 35mm · VOSE
16:00h
LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ Gone With the Wind
John Ford prohibió que sus actores se maquillaran, o arreglaran sus ropas,
para interpretar a una familia que malvivía en los poblados creados por
los inmigrantes que iban a la ciudad en busca de trabajo durante la Gran
Depresión. Un film duro y polémico basado en la obra de John Steinbeck.
Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939 Int: Vivien Leigh,
Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel.
USA · 238’ · 35mm · VOSE
21:00h
EL CUERVO The Crow
Oscarizada superproducción sobre las desvatadoras consecuencias de
la guerra civil americana. Cerca de 400 actrices hicieron pruebas para
conseguir el papel de Scarlett O’Hara que finalmente interpretaría una
primeriza Vivien Leigh.
20:30h
BATMAN Batman
Tim Burton, 1989. Int: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim
Basinger, Robert Wuhl. USA · 126’ · 35mm · VOSE
Tim Burton aportó su sello personal al personaje creado por Bob Kane,
consiguiendo que el film respirara una estética de cómic oscuro perfecta para su
historia. Mel Gibson, Harrison Ford o Tom Cruise fueron algunos de los aspirantes
a hombre murciélago, papel que finalmente recayó en Michael Keaton.
Alex Proyas, 1994. Int: Brandon Lee, Ernie Hudson, Michael Wincott,
Bai Ling. USA · 102’ · 35mm · VOSE
La atmósfera gótica y el impactante diseño de producción confirmaron el
poderoso estilo visual del director Alex Proyas. Adaptación del cómic de James
O’Barr sobre un joven que regresa para vengarse de los criminales que le
asesinaron.
JUEVES 23
16:15h · Ciclo Adaptaciones Literarias
EL GATOPARDO Il Gatopardo
Luchino Visconti, 1963. Int: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain
Delon. ITALIA· 187’ · 35 mm · VOSE
22:45h · ESPECIAL FICOMIC · SALÓN DEL CÓMIC
BLADE RUNNER Blade Runner
Compleja y lujosa superproducción con la que Visconti retrató a una nobleza
europea que llegaba a su final. La extensa y detallista escena del baile,
la clave del film, muestra el inmenso trabajo del director, con una nota
melancólica del compositor Nino Rota.
Ridley Scott, 1982. Int: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young.
USA · 117’ · DCP · VOSE
Ver reseña del día 8
20:00h · BALLET
ROMEO Y JULIETA
DOMINGO 19
Música Sergei Prokofiev. Coreografía Yuri Grigorovich. Basada en la obra de
William Shakespeare . 150’
Desde el TEATRO BOLSHOI DE MOSCÚ
16:30h · MARATÓN TOY STORY
TOY STORY Toy Story
John Lasseter, 1995. USA · 81’ · DCP · VOSE
TOY STORY 2 Toy Story 2
John Lasseter, Ash Brannon, Lee Unkrich, 1999.
USA · 92’ · DCP · VOSE
TOY STORY 3 Toy Story 3
Lee Unkrich, 2012. USA · 93’ · DCP · VOSE
El vaquero Woody y el astronauta Buzz Lightyear hicieron historia
protagonizando la primera película de animación creada totalmente
por ordenador. El film que consolidó al estudio Pixar, nacido como una
pequeña división de Lucasfilm, y que dio origen a una aclamada trilogía.
VIERNES 24
16:00h
LA CAJA KOVAK The Kovak Box
Daniel Monzón, 2006. Int: Timothy Hutton, Lucía Jiménez, David
Kelly. ESPAÑA · 102’ · 35mm · VE
El director de El niño, Daniel Monzón, se inspira en la leyenda de una
canción maldita, Gloomy Sunday, a la que se le atribuyeron cientos de
suicidios, para tejer un thriller cuyos protagonistas han de investigar porqué
todos se matan a su alrededor. Curiosa escena clave en las mallorquinas
Coves del Drach.
50
PROGRAMACIÓN ABRIL 2015
18:00h · Ciclo Adaptaciones Literarias
EXTRAÑOS EN UN TREN Strangers on a train
Alfred Hitchcock, 1951. Int: Farley Granger, Ruth Roman, Robert
Walker. USA · 101’ · 35mm · VOSE
El novelista Raymond Chandler ayudó a adaptar un relato de Patricia
Highsmith para que Hitchcock creara el crimen perfecto: dos desconocidos que se
intercambian sus respectivos asesinatos para quedar libres de toda sospecha.
20:30h · MARATÓN EVIL DEAD
POSESIÓN INFERNAL The Evil Dead
Sam Raimi, 1981. Int: Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Betsy
Baker. USA · 85’ · DCP · VOSE
TERRORÍFICAMENTE MUERTOS Evil Dead II
Sam Raimi, 1987. Int: Bruce Campbell, Sarah Berry, Dan Hicks.
USA · 84’ · 35mm · VOSE
EL EJÉRCITO DE LAS TINIEBLAS Army of Darkness
Sam Raimi, 1992. Int: Bruce Campbell, Embeth Davidtz, Bridget
Fonda. USA · 81’ · DCP · VOSE
Sam Raimi demostró que con poco presupuesto se podía hacer una
película de terror eficaz, convertida en un film de culto cuyas secuelas
ganaron en humor gamberro y sustos. Un grupo de amigos desencadena
las fuerzas malignas cuando lee el libro de los muertos.
SÁBADO 25
16:30h · Ciclo Adaptaciones Literarias
MATAR A UN RUISEÑOR To Kill a Mockingbird
Robert Mulligan, 1962. Int: Gregory Peck, Mary Badham, Brock
Peters, Phillip Alford. USA · 129’ · 35mm · VOSE
Adaptación de la novela con la que Harper Lee ganó el premio Pulitzer,
sobre un abogado que defiende a un joven negro acusado de violación en
un pueblo sureño de los años 30. Primera aparición en la pantalla del actor
Robert Duvall.
19:00h
FRENCH CONNECTION:
CONTRA EL IMPERIO DE LA DROGA The French Connection
DOMINGO 26
11:30h
EL REY LEÓN The Lion King
Roger Allers, Rob Minkoff, 1994. USA · 89’ · 35mm · VE
Los paisajes de la sabana africana, las manadas de animales exóticos y los
números musicales costaron mucho esfuerzo a unos animadores capaces
de dedicar tres años a una sola secuencia: la espectacular estampida. Elton
John ganó un Oscar gracias a la balada Can You Feel the Love Tonight.
16:00h · PROGRAMA DOBLE: CURSO DE 1984
TRAS EL CORAZÓN VERDE Romancing the Stone
Robert Zemeckis, 1984. Int: Michael Douglas, Kathleen Turner,
Danny DeVito, Alfonso Arau, Zack Norman.
USA · 106’ · Versión restaurada DCP 4K · VOSE
KARATE KID The Karate Kid
John G. Avildsen, 1984. Int: Ralph Macchio, Pat Morita, Elisabeth
Shue, William Zabka, Randee Heller, Martin Kove.
USA · 126’ · DCP · VOSE
Dos clásicos ochenteros repletos de aventuras. Michael Douglas y
Kathleen Turner se pierden en la selva para encontrar un tesoro perdido
mientras que Ralph Macchio aprenderá karate poniendo y puliendo cera
a las órdenes del señor Miyagi.
21:00h
V DE VENDETTA V for Vendetta
James McTeigue, 2005. Int: Natalie Portman, Hugo Weaving,
Stephen Rea, John Hurt. USA · 132’ · 35mm · VOSE
Adaptación del conocido cómic de Alan Moore, guionista del film, que
dibuja un futuro distópico en el que impera el fascismo. La máscara tras la
que se oculta el personaje de V y su sombrero y capa negra son ya todo un
icono del cine contemporáneo.
MIÉRCOLES 29
16:15h · Grandes Directores Europeos
LA STRADA La Strada
William Friedkin, 1971. Int: Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando
Rey. USA · 104’ · DCP · VOSE
Federico Fellini, 1954. Int: Anthony Quinn, Giulietta Masina,
Richard Basehart. ITALIA · 108’ · 35mm · VOSE
Friedkin impactó con el estilo realista de este film sobre narcotráfico,
ganador de cinco Oscar. Fernando Rey fue contratado por error cuando el
director pidió al actor de Belle de jour, donde Rey compartía protagonismo con
Francisco Rabal.
Este drama, protagonizado por una chica que es vendida por su madre
a un hombre que se dedica a hacer espectáculos itinerantes, significó la
consagración internacional de Federico Fellini. Oscar a la mejor película de
habla no inglesa y León de plata para el director en el festival de Venecia.
22:00h · NOCHE DE KARAOKE
GREASE (BRILLANTINA) Grease
18:15h · Grandes Directores Europeos
AL FINAL DE LA ESCAPADA À bout de souffle
Randal Kleiser, 1978. Int: John Travolta, Olivia Newton-John,
Stockard Channing. USA · 110’ · DCP · VOSE
Jean-Luc Godard, 1960. Int: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg,
Daniel Boulanger. FRANCIA · 90’ · 35mm · VOSE
Esta adaptación de una obra de Broadway lanzó a la fama a sus
protagonistas y volvió a poner de moda los musicales. Su banda sonora
y las coreografías de Patricia Birch siguen entusiasmando al público,
convirtiéndola en un clásico.
Las rupturas narrativas y la forma en la que Godard experimentó con el
montaje hicieron de este film un título clave de la Nouvelle Vague francesa.
Un ladrón que huye tras atropellar a un hombre y una chica con la cabeza
llena de sueños se convirtieron en un símbolo del nuevo cine europeo.
20:00h · PHENOMENA PREMIERE
LA PUERTA DEL CIELO Heaven’s Gate
Michael Cimino, 1980. Int: Kris Kristofferson, Isabelle Huppert,
Christopher Walken, Jeff Bridges, Sam Waterston.
USA · 219’ · 35mm · VOSE
Ambicioso western cuyo elevado presupuesto, y fracaso en taquilla, hundió
a la productora United Artists que acabó siendo comprada por MGM. Sin
embargo, el film empezó a ser reivindicado por la belleza de las imágenes y
la calma con la que Cimino observa a sus personajes. Versión restaurada que
recupera su duración original estrenada en Cannes en 1980
JUEVES 30
16:30h · Ciclo Adaptaciones Literarias
EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES
The Postman Always Ring Twice
Tay Garnett, 1946. Int. Lana Turner, John Garfield, Cecil Kellaway,
Hume Cronyn. USA · 113’ · 35mm · VOSE
La descarada sexualidad con la que Lana Turner seducía a John Garfield fue
un escándalo en el momento de su estreno, sobre todo teniendo en cuenta
la forma en que este título esencial del cine negro tuvo que lidiar con la
censura para hablar de adulterio y asesinato.
18:30h
LAS ZAPATILLAS ROJAS The Red Shoes
Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948. Int: Anton Walbrook,
Marius Goring, Moira Shearer. USA · 133’ · 35mm · VOSE
Imprescindible musical que parece sacado de un sueño. Los impresionantes
decorados podían llegar a combinar hasta 120 dibujos para crear el mundo
onírico en el que se mueven los bailarines de ballet. Una joya admirada por
el mismísimo Scorsese.
21:00h · BEER & PIZZA NIGHT
SOUTH PARK South Park: The Movie
Trey Parker, 1999. USA · 81’ · 35mm · VE
Desde Beavis and Butthead, ningún dibujo animado se había atrevido a ir
tan lejos. Malhablados y gamberros, los chavales de South Park hicieron
temblar la televisión y luego el cine con esta película en la que hay
canciones memorables como Eres un cabrón hijo puta.
HORARIO
Abierto de miércoles a domingo y festivos.
Taquilla abierta de 16:00 a 23:30h.
PRECIOS
Sesión individual 6€ / Sesión doble 9€ Maratones
12€.
DESCUENTOS Y ABONOS
Mayores de 65 años y Menores de 12 años:
Sesión individual 5€ / Sesión doble 8€ Maratones
10€.
Abono P-10: 50€:Tarjeta recargable, personal
e intransferible. Válido para 10 sesiones
individuales.También será válido para las
sesiones dobles abonando 3€, y 5€ en el caso de
las maratones.
PHENOMENA
C/ Sant Antoni Maria Claret, 168
08025 Barcelona
Tel.93 252 77 43
[email protected]
METRO
L5 Sant Pau / Dos de Maig
L2 Sagrada Familia
L4 Alfons X / Joanic
AUTOBUSES
19 / 20 / 45 / 47 / 92 / H8 / V21 / N1
51
Nº10 ABRIL 2015
www.phenomena-experience.com