pintura siglo XX

I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata
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PINTURA DEL SIGLO XX
Las vanguardias históricas
1-. Arte fin de siglo: Simbolismo y Modernismo.
Los años finales del siglo XIX se caracterizaron por una crisis generalizada de la
cultura europea. Los valores firmes que el positivismo habían implantado no
consiguieron generalizarse y gran parte de los artistas e intelectuales comienzan a
manifestar una actitud critica y hostil hacia ellos. Esa crítica hacia la burguesía y sus
ideales estéticos ya la habíamos visto en los realistas e incluso en los impresionistas;
pero en los ultimas décadas del siglo XIX y comienzos del XX el rechazo toma otra
dirección. Ya no se trata de reflejar la realidad industrial, el mundo del trabajo y las
condiciones de vida de los obreros con un afán de denuncia; o de buscar una forma
experimental de percibir y plasmar la realidad. Ahora se trata simplemente de huir de
ese mundo que no gusta, refugiarse en un idea estético basado en el decadentismo, en
buscar nuevos mundos en donde el artista se encierra como en una torre de marfil. Ya
pintores como Gaugin habían realizado esa huida, en su caso de manera real en Tahití,
donde encuentra una sociedad sin contaminar por los principios morales de la Europa
burguesa.
En el caso del simbolismo y del modernismo esa huida se hace hacia mundo
figurados, a pesar de ser una actitud antiburguesa, no hay ninguna intención de cambiar
la sociedad que se rechaza y por la que además se sienten rechazados. Se crea un mundo
artificial que evoca el pasado más o menos legendario, de ambientes orientales,
sensuales y decadentes. En cierta forma se busca una defensa de lo espiritual, ya que
consideran que la sociedad industrial basada en el materialismo destruye la esencia del
hombre.
Supone una vuelta al contenido, a que la obra de arte transmita un mensaje o al
menos este dotada de un contenido más o menos claro, El simbolismo vuelve sobre la
relación tradicional entre literatura y artes plásticas, pero además quiso que su mensaje
fuese espiritual, transcendente, evocador de otros mundos diferentes del cotidiano, un
mundo que no es aprehensible por la razón y la ciencia. Se produce una renovación de
los valores y las creencias, como la religión. Sobreviene una
oleada de irracionalismo a la vez que, perdida la fe en la
colectividad social, se cultivaba el mundo interior, lo subjetivo, el
individualismo y el aristocratismo. Fue una cruzada contra la
vulgaridad, representada por la cultura de masas, contra el
materialismo y el positivismo, su culto al dinero, su desprecio del
arte. Además en un clima de gran pesimismo y decadentismo
total, en oposición a optimismo de la época anterior.
Como principales representantes del impresionismo en el
mundo de la pintura tenemos por un lado al grupo de PontAven al
que perteneció durante algún tiempo Gaugin; pero además de este
colectivo hay también artistas individuales que desarrollan un
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estilo mucho más personal, aunque recurriendo casi siempre a temas tomados de viejas
mitología o de la propia literatura símbolista, entre estos artistas individuales tenemos a
Gustave Moreau (18261898), representante perfecto del decadentismo, y del gusto por
los temas orientales, introduciendo temas en los que presenta la imagen una la mujer
con fuerte carga sexual, que atrae y destruye, como en “Salomé” (1879) la perversa
bailarina que pidió como premio por su baile la cabeza de San Juan Bautista. Si una
pintura es densa, profusamente decorativa, abigarrada, que define a Moreau como un
“creador de inquietantes y siniestras alegorías, fruto de las desasosegantes percepciones
de una neurosis enteramente moderna, obsesionado por los símbolos de perversidad y
amores sobrehumanos”, que busca reflejan lo exotérico, lo que no se percibe a través de
la razón, como decía el mismo “creo sólo en lo que no veo y únicamente en lo que no
siento”
Odilon Redon (18401916) busca también ese acercamiento a lo místico o lo
mistérico pero de un forma más sutil que Moreau, al que rechaza por su exceso de
“retórica óptica”, busca que las imágenes
sugieran con su simple presencia. Realiza
una labor muy destacada como ilustrador,
por ejemplo de los libros Flaubert.
Sugiera siempre más que describe, el
sentido del misterio para él esta en lo
ambiguo y en lo equivoco, durante mucho
tiempo trabaja tan sólo en blanco y negro
y sólo vuelve al color muy tarde.
El simbolismo floreció en muchos lugares
con núcleos particularmente interesantes en
los países nórdicos, donde nos encontramos a
figuras Puvis de Chavannes (1824-1898),
formalmente mas cercano al clasicismo
aunque su obra este basada en cuadros de
trazo sencillo y limpieza en los colores, llenos
de esa melancolía, de cierta añoranza por un
mundo perdido y desconocido.
A la mayoría de los pintores fin de siglo es difícil de encuadrarlos dentro de un
movimiento determinado ya que sus características no se adaptan perfectamente a las de
uno en concreto, y además no todos mantuvieron el mismo estilo durante toda su vida.
Por otra parte son muchos los movimientos que surgen en esos años, algunos de
duración muy efímera difícil clasificación. Aunque en todos ellos encontramos el
mismo ansia por romper las normas establecidos, la angustia por vivir en una sociedad
cuyos valores rechazan, cierto existencialismo, que les llevará la marginación, a
situaciones límite que no todos superaron ( recordemos el caso de Van Gogh).
De estos pintores, a caballo del simbolismo y otros movimientos, los que mas
importancia tendrán por sus repercusiones futuras, podemos citar a Ferdinand Holder,
James Ensor (1860-1949), Edward Munch o Gustav Klimt.
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Ensor desarrolló toda su producción en Bélgica, aunque eso no evitó que tuviera
contacto con las principales novedades artísticas de París, mantiene esa decidida
voluntad de ruptura con los convencionalismos académicos, muy influenciado por la
literatura de su época sobre todo por Poe, su gran obra es “La entrada de Cristo en
Bruselas”, 1889, rechazada por la crítica que la consideró como las “alucinaciones,
monstruosas de un inculto”. Pero en realidad él se había propuesto reflejar la otra cara
de la sociedad burguesa, la del carnaval grotesco, un mundo de superstición y engaño,
de vicio y de mentira; superar lo que
para Nolde es un mero
decorativismo de los pi ntores
postimpresionistas.
Los
protagonistas de sus cuadros son
personajes enmascarados, seres
grotescos, calaveras. El tema va
empujando a la técnica, que se va
haciendo cada vez más
expresionista, con formas
distorsionadas amenazantes y
colores amenazadores, precursores del expresionismo
alemán.
La obra de Munch también es fundamental
para entender el origen del expresionismo alemán, su
obra es la de un pintor que decide reflejar la angustia
de no poder alcanzar los secretos de la vida, el amor o
la muerte. Su interés por la filosofía de Nietzsche, su
concepción del amor basado en el antagonismo y el
odio mortal entre los dos sexos, le lleva a pintar el choque entre los sentimientos
personales y el entorno hostil y opresivo en el que el hombre habita. Nace en Oslo y su
una infancia es t traumática por la presencia de la enfermedad y la muerte en su entorno,
influenciado por escritores noruegos de su época (Visen, Strindberg) y el rechazo de
estos a la moral convencional y el odio a la sociedad pequeño burguesa, lo que el
llamaba la “mentira vital del hombre medio”. En París conoce el uso del color de Van
Gogh y Gaugin, y el ámbiente simbolista de esos años. Una de sus preocupaciones
continuas será el choque entre del hombre sólo ante la multitud o ante una naturaleza
hostil. Este tema, propio de la pintura romántica, adquiere en Munch una dimensión
dramática, angustiosa, que oprime al individuo y que le lleva al grito desesperado. El
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color adquiere una connotación simbólica, no le interesan los colores reales del mundo,
sino las tonalidades de ese mundo interiorizado. La línea es ondulante y rítmica, con
diagonales que nos adentran en el cuadro, con turbulencias y ondulaciones que generan
un torbellino de color, cuya fuerza expresiva quiere trasmitir los aspectos mas
profundos de su alma atormentada.
Todos estos aspectos los podemos observar en la que se ha convertido en su obra
más conocida, casi mítica, “El Grito” de 1893. en el
podemos observar en un primer plano un individuo que
se lleva las manos a la cabeza y abre la boca para gritar
con toda su energía y su desesperación, sus rasgos
aparecen deformados, nos recuerdan a las máscaras del
arte primitivo, aparece sólo en medio un puente, tan
sólo dos siluetas le observan ajenas e indiferentes. El
mismo reflejo el sentido de la obra.
“ Iba con dos amigos por el paseo, el sol se ponía, el cielo se
volvió de pronto rojo, yo me paré cansado me apoyé en una
barandilla, sobre la ciudad y el fiordo azul oscuro no veía sino
sangre y lenguas de fuego, mis amigos continuaron su marcha y yo
seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo y sentía que
un alarido infinito penetraba toda la naturaleza.”
Gustav Klimt parece alejarse algo de
esta línea existencialista, angustiosa y se
inclina más por las tendencias decadentistas,
el lujo, la exquisitez, cuadros y murales
recubiertos de panes de oro, formas
decorativas, que nos acercan a la estética
modernista y Art Noveau. Fue uno de los
principales promotores del movimiento vienés
conocidos como la Sezession, formado en
1897 como un grupo alternativo al arte oficial, aunque sin un ánimo combativo,
difundieron sus ideas a través de la revista Ver Sacrum, como en este fragmento de uno
de sus miembros, R.M. Rilke “No conocemos ninguna distinción entre arte elevado y
arte menor, entre el arte para ricos y el arte para pobres. El arte es un bien común”. En
la Sezession participaron los principales artistas del momento, buscando siempre la
integración entre todas las artes, como el arquitecto Olbrich, que diseña el edificio para
su sede, en cuya fachada coloca el lema del movimiento: Der Zeit ihre Kunst. Der
Kunst ihre Freiheit (A cada época su arte; al arte, su libertad”)
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En su pintura, unque predomina el gusto decorativo y exuberante,
su sentido es mucho más profundo, sigue preocupado por la
desesperación humana, por encontrar un sentido más transcendente a
la existencia, rechazando la concepción racionalista y positivista del
mundo, siempre con cierta desesperación o pesimismo: “No puedes
satisfacer a todos con tu forma de actuar y tus obras de arte; agrada a
los menos, es malo satisfacer a muchos” . Se interesa especialmente
por el universo femenino, por los cambios en el cuerpo de la mujer,
por su vinculación a la fertilidad, con una concepción que lucha
entre
lo virtuoso, lo puro, lo maternal y la diabólico y lo
amenazante. En 1897 recibió en encargo del friso sobre Beethoven,
realizando un gran friso sobre el tema central de la novena sinfonía,
la liberación de la
humanidad a través
del amor y del arte, con una fuerte carga
conceptual y simbólica; el friso comienza
con el panel izquierdo que refleja el
anhelo de felicidad de la humanidad
como la súplica de la pobre humanidad a
un caballero armado, como fuerza
externa, y a la compasión y la ambición,
como fuerzas internas; en el panel central
se centra en las fuerzas enemigas,
representadas como el mítico gigante
Tifeo, contra el que los dioses lucharon
en vano, sus hijas las tres Gorgonas, la lujuria, la impudicia y la desmesura, la pena
aguda; finalmente el anhelo de felicidad encuentra su reposo en la poesía, con alusiones
directas al Himno de la Alegría de Schiller, que Beethoven musicó en el último
movimiento de la Novena Sinfonía.
A través de la espléndida bóveda celeste
Corred hermanos, seguid vuestra senda,
Alegres como el héroe hacia la victoria.
¡abrazaos, millones de seres!
¡este beso para el mundo entero¡
hermanos, sobre la bóveda de las estrellas
seguramente debe habitar un Padre amado
¿os venís abajo, millones de seres?
Mundo, ¿presientes al Creador?
¡Búscalo por encima de las estrellas,
allí debe estar su morada!
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2-. EXPRESIONISMO.
El expresionismo es una corriente que engloba a muchos artistas y
muy diversos, que incluso podríamos considerar como algo
continuo en la historia del arte, una tendencia que aparece y
desaparece con cierta frecuencia. Momento expresionistas en la
historia del arte fueron por ejemplo el Helenismo, el Gótico final,
sobre todo en el norte de Europa, ciertos
momentos del Barroco... que subyace
sobre todo en la tradición alemana
(recordemos por ejemplo la pintura de los
primitivos alemanes como Grümewald y
su retablo de Isenheim).
Pero a
comienzos del siglo XX adquiere una
dimensión nueva, una voluntad de rechazo
explicita, tanto formal como ideológica.
No sólo se rechaza el positivismo, la sociedad burguesa y sus
valores, como ya habían hecho otros movimientos
contemporáneos, sino que lo que repugna a los expresionistas es
el tono de felicidad, de alegre hedonismo y de ligereza, propio
de los impresionistas, que ignora los problemas que se agitan
bajo la aparente calma social.
“El hombre ha sido privado del alma, la naturaleza ha sido privada del hombre.
Nunca hubo época más turbada por la desesperación y por el horror de la muerte. Nunca
la alegría estuvo tan ausente y la libertad más muerta. Y he aquí gritar la desesperación.
También el arte grita entre las tinieblas, pide socorro e invoca al espíritu, es el
expresionismo. Nunca había sucedido que una época se e reflejase con tan nítida
claridad como en la era del impresionismo el predominio
burgués, el impresionista es el hombre degradado a la condición
de gramófono del exterior. Se ha reprochado a los
impresionistas que no acaban sus cuadros, en realidad no
terminan algo más, no terminan de ver. “ el oído es mudo, la
boca sorda, pero el ojo oye y ve”. El ojo del impresionista sólo
oye, no habla. Recibe la pregunta pero no responde, en vez de
ojos, tienen un par de orejas, pero no tienen boca. El hombre de
la sociedad burguesa no es más que oído, escucha el mundo,
pero no lanza su grito, es incapaz de hablar al mundo, de
expresar la ley del mundo. Y he aquí que el expresionismo le
vuelve a abrir la boca la hombre, demasiado ha escuchado el
hombre en silencio, ahora quiere que el espíritu responda”
Aunque esa voluntad de expresar, que comunicar, ya estaba en pintores franceses
posteriores al impresionismo como los Fauves, será en Alemania donde tome cuerpo y
donde surgen los grupos y movimientos plena y conscientemente expresionistas. En
gran medida las circunstancias políticas y sociales de Alemania en la época de
Guillermo posibilitaron la vitalidad del movimiento expresionista: la difusión de los
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ideales de supremacía y fuerzas de la aristocracia entre las clases medias, el triunfo del
militarismo, los sueños de gloria y dominación previos a la Primera Guerra Mundial,
fueron el germen en que se incubó el malestar expresionista. La intención del artista es
desencadenar las potencias liberadoras de la naturaleza, de la libertad y del instinto
incapaz de soportar la falsa moral burguesa. Se quiere alejarse de la vulgaridad y la
dureza de la sociedad, romper con la mediocridad y la cortedad de miras, e incluso
mantener una oposición activa crítica, polémica, con objetivos de cambio social o
político. Para ello es necesaria una concepción completamente nueva del arte, que se
alejara de la experimentación impresionismo o neo impresionista, que rompiera
también con el decadentismo y el escapismo de simbolistas y modernistas. El artista
busca percibir la realidad de forma completamente nueva, partiendo que la única forma
de reflejar de forma fiel la realidad es través de su propia interpretación personal. Se
entiende por lo tanto que la subjetividad es la condición primera para una compresión
veraz del mundo. No se limita a mirar, ve; no cuenta, vive experiencias; no reproduce,
recrea. Los hechos adquieren importancia sólo cuanto la mano del artista los modifica
en su lienzo. Ya no tiene sentido hacer una replica fotográfica del
mundo, la función del artista esta en desvelar su sentido mas
profundo y recrearlo. Evidentemente en esta forma de entender el
arte y la vida tiene mucho que ver la filosofía de Nietzsche y el
psicoanálisis de Freud, o la obra de artistas anteriores como Van
Gogh, Munch, autores que ya habían expuesto en esos años en
Alemania, el conocimiento del arte primitivo de pueblos africanos
o asiáticos a través de colecciones como la del Museo Etnográfico
de Dresde....
El expresionismo se irá desarrollando a través de distintos
movimientos, grupos de artistas con inquietudes similares que se
unen para compartir su trabajo, exponer juntos, reflexionar sobre
su arte y difundir sus planteamientos artísticos.
El primero de esos grupos y el que tuvo más peso en el
expresionismo alemán fue Die Brücke (el puente) formado en Dresde en 1905. Sus
fundadores fueron Emil L. Kirchner (18801938). Erich Hecke1 y Karl SchimdtRoffluff,
que vieron en la pintura una liberación, pretendían con el nombre de su movimiento
afirmar la unidad entre ellos y paso al futuro, en 1906, publicaron su programa de
redactó Kirchner, el alma y guía del grupo. Defendían como rasgo fundamental que el
arte fuera la expresión directa de la vida, así como de la sensación inmediata y personal
y su plasmación sin interferencias. Desde el punto de vista artístico, adoraban la
escultura de los primitivos de África y Oceanía, los antiguos grabados alemanes en
madera y entre los contemporáneos a Van Gogh. Por otra parte cultivando hasta el
exceso lo instintivo en sus vida cotidiana, su existencia se vio envuelta en un clima de
fuerte desequilibro emocional, que propicio la exageración de sus rasgos pictóricos. Al
primer núcleo fundacional de El Puente se suman posteriormente Emil Nolde
(18671956), Max Pechsteín y Otto Müller. Estilísticamente todos comparte una gran
cercanía al uso fauvista de los colores, sacando sus temas de la naturaleza, el culto por
lo primitivo, y la utilización no descriptiva de los colores violentos, aplicaron estos
principios sin cortapisas, se trata de superar todo canon que pudiera obstaculizar la
fluida manifestación de la inspiración inmediata
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Posiblemente sea Kirchner el pintor que mejor representa el estilo expresionista
de “Die Brücke”, es el pintor de la ciudad, de la vida artificial, de las calles, sus formas
son tensas y agudas, con figuras en descomposición y colores ácidos. Uno de los temas
más frecuentes en su pintura es el de mujeres en la calle, ¿acaso prostitutas?, son figuras
de contornos bruscos, formados por líneas con ángulos muy marcados y donde el color
es extremadamente contrastado e incluso chillón.
Aunque las figuras aparezcan juntas, no se comunican,
son completamente ajenas unas a otras, sin mostrar
nada de una posible vida interior. La calle por la que
andan es también extraña y sus edificios aparecen
deformados con planos violentamente segmentados.
No podemos olvidar que pinta cuando se está
desarrollando la Primera Guerra Mundial y que los
efectos dramáticos se hacen notar en lo impersonal y
trágico de sus personajes.
Sobre su propia obra escribe:
La pintura es el arte que representa en un plano un fenómeno
sensible. El pintor transforma en obra de arte la concepción
de su experiencia. Con un continuo ejercicio aprende a usar
sus propios medios. No hay reglas fijas para esto, Las reglas
para una obra sola ase forma durante el trabajo, y a través de
la personalidad del creador, la manera de su técnica y el fin
que se propone... La sublimación instintiva de la forma en el
hecho sensible se traduce impulsivamente en el plano. No es
correcto juzgar mis cuadros de acuerdo con la norma de la
fidelidad a la realidad, porque no son retratos de objetos o
seres concretos, sino que más bien son organismos
independientes por si mismos, compuestos de lineas, planos y
colores. Solo contienen formas naturales en la medida en que estas son una clave
necesaria para comprenderlos. Mis cuadros son alegorías, no retratos.
Nolde, vinculado originalmente a El puente, a finales de 1907 se aleja de él,
siguiendo una evolución propia. En él se percibe una mayor influencia de Gaugin y el
gusto por el primitivismo, donde encuentra lo primordial
del hombre, aquella primera sustancia del universo. De la
misma forma entiende la naturaleza, dominada por un
sentido trágico, manteniendo el uso expresivo del color. “
Al pintar hubiera querido que lo colores, a través de mi
como pintor, se desarrollasen en la tela con la misma
consecuencia con que la naturaleza misma crea sus
figuras, como se forman los minerales y las
cristalizaciones, como crece el musgo y las algas”. Su
temática es más variadas, desde bailarinas que danzan en
convulsos movimientos, a cuadros de temática religiosa
aunque tratados de forma muy distinta a como había sido
tradicional, los rostros se han reducido a mascaras,
marcados por gruesos trazos, con gran influencia del arte
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africano y del arte primitivo como hemos
dicho.
Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul )es el
nombre de un segundo grupo expresionista
alemán (Der Blaue Reiter) fundado en
Munich en 1911 por Fran Make (18801916),
Auguste Mackey el ruso Wassily Kandinsky
(18661944) Alfred Kubin y Gabriele Münther.
La zona bávara donde surge "El jinete azul"
es de tradición diferente a la zona norte, es de
mayoría católica, campesina y más
extrovertida y el ambiente artístico menos
cerrado y agónico. En su fundación no hubo un programa o declaración tan definida
como en "El Puente. Aunque como grupo no tuvo la cohesión interna y el sentido
programático que El Puente, la formación y la ambición intelectual de alguno de sus
miembros era mayor, sobre Marc y Kandinsky, que fueron los que decidieron fundar el
movimiento.
Esa importancia de los religioso es patente en Kandinsky, rechazan la actitud
beligerante de “el puente” e intenta captar la esencia espiritual de la realidad. Como
decia Kandinsky “ Hablar de lo recóndito a través de los
recóndito”, Se trata de una orientación estética, basada en una
mística ascética, en la destrucción de la idolatría del artista por los
fenómenos de los real, purificar lo impuro, liberarse de las formas
que esclavizan, la vía hacia la abstracción está abierta y a ella
llegará Kandinsky en 1910. En su libro de 1912, De lo espiritual
en el arte, desarrolla todos estos planteamientos estéticos y casi
filosóficos, para él la historia de la humanidad está toda encerrada
en la marcha ascética del
materialismo al espiritualismo, es
decir del mal al bien, de la oscuridad
a la luz, y el arte debe recorrer el
mismo camino, del pesado y humillante lazo de la
realidad material a la abstracta libertad de la abstracción
pura. El medio para transmitir esas ideas ya no es la
forma figurativa, sino tan sólo el color, que habla
directamente al alma. Kandinsky da incluso al color un
valor simbólico, asociando cada tono a un valor o una
idea, Incluso va más a allá al asociar los colores a notas
musicales, colaborando para ello con el compositor
Stravinsky. La obra se convierte ya en un mundo en si mismo, en un mundo autónomo
con sus leyes propias
En “Composición VI (diluvio)” Kansdinsky hace una de sus aportaciones más
revolucioanrias a la historia del arte; el subtitulo de diluvio no alude a la realidad
material, sino a todo aquello que la palabra evoque en el espectador. El tema del diluvio
como una caos cósmico creador fascinó al pintor. Kansdinsky imagina a la pintura como
“un grito desgarrador de distintos mundos destinados a crear el mundo combatiéndose
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entre sí. Toda obra de arte surge técnicamente como surgió el cosmos, mediante
catástrofes que, del caótico estruendo de los instrumentos, forman finalmente una
sinfonía que se llama música celestial. La creación de una obra es la creación del
mundo”
La evolución y la obra de Franc Marc es mucho más corta, por su temprana
muerte durante la Primera Guerra Mundial. Pinta obsesivamente figuras de animales,
sobre todo caballos, pero con un tratamiento completamente personal, no sólo en cuanto
al proceso de síntesis que sufre las figuras, sino también en cuanto al empleo arbitrario
del color, dando a sus últimos cuadros un dinamismo dramático, que envuelve todo en
un aire estremecedor.
Otros miembros del grupo son Macke y sobre todo Paul Klee (18641941), un
autor completamente independiente y con un estilo personal muy desarrollado, a medio
camino entre la abstracción y evocaciones figurativas, con caligrafías infantiles" que lo
acercan a Miró y cierto íngenuismo, con cuadros divididos en pequeñas parcelas de
diferentes colores. Para Klee el artista debe ser el mediador entre la naturaleza con sus
fuerzas primitivas y el mundo, comparándose con un árbol, las raíces son la conexión
con el mundo subterráneo, con las esencias de la naturaleza, con la fuerza primigenia,
de donde el tronco que es el artista toma la sabia que lleva a la copa, que es la obra, que
nunca es el reflejo fiel de las raíces, se extiende en todas las direcciones con total
libertad, autónoma de la voluntad racional del artista.
Al margen de los movimientos podemos citar la obra de autores como Oscar Kokoschka
o Egon Schiele, con una mayor individualidad artística, pero también con una posición
más marginal en eso años, especialmente la obra del segundo, que
en ocasiones tiene un carácter sexual explicito, con la voluntad de
romper la estrecha moralidad sexual de la burguesía y de la
iglesia.
La Primera Guerra tuvo un impacto tremendo en el
mundo del arte, la visión de la realidad ya nunca
volverá a ser la misma después de la guerra. La
experiencia bélica hace que mucho pintores pinten,
como ya había hecho Goya, los desastres de la guerra
y sus consecuencias. vuelve a tener en Alemania un
segundo momento de esplendor, conocido como la
Neue Sachlichkeit ( la nueva objetividad) esta segunda
generación de expresionista mantienen una actitud
mucho mas militante en cuestiones políticas, motivada por la grave social y
política que se vive en esos años, el ascenso de movimiento como el
nazismo, provoca a los pintores expresionista a tener una actitud mucho
más combativa con un arte claramente politizado, buscando nuevas formas
expresivas como el fotomontaje. Ejemplos de esta pintura de denuncia de la
situación de las calles alemanes es la obra de Otto Dix, con el triptico
“Metrópolis” de 1927, en el que refleja de forma cruel la situación de
Alemania, en la que conviven los lujosos cabarets de Berlin, con los mutilados y
lisiados de la guerra, los grandes empresarios enriqueciéndose, y el extremismo nazi
ascendiendo. Otro representantes de la Nueva Objetividad con George Grosz, Max
Beckmann o el fotógrafo Jean Heartfield, posiblemente el más politizado de todos, con
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claras crticas a Hitler y al régimen nazi, lo que les llevó a ser perseguidos y su arte
considerado como “degenerado” por las nuevas autoridades.
3-. EL CUBISMO.
El cubismo significó una absoluta revolución
cuyo formidable impacto en el lenguaje artístico fue de
tal calibre que generará diversas olas de movimientos
de vanguardia. En primer lugar tendríamos a los
seguidores más o menos cercanos al cubismo que desarrollan de diferentes formas sus
planteamientos, como los llamados "cubistas órficos", los "puristas'; y en segundo lugar
una importante corriente, la de quienes basándose en él, descubrieron nuevas
perspectivas, como los futuristas, los vorticistas, los rayonistas, constructivistas,
suprematistas y finalmente neoplásticístas. En realidad su influencia va mucho más allá
y de hecho no ha habido ningún movimiento vanguardista que haya realizado alguna
aportación formal desde entonces, que no haya partido del cubismo. El cubismo es el
punto de arranque de todo el arte de vanguardia del siglo XX
Tal revolución consistió en que se rompió con el sistema artístico heredado
desde el Renacimiento, un sistema que se basaba en la imitación de la realidad, vista y
representada a través de la perspectiva. Picasso y Braque sustituyeron ese modo de
representar la realidad, que dependía de la visión de un objeto en un lugar y en un
momento determinado, por otro sistema en el que los objetos eran presentados en sí y
no por su apariencia, esto es, en vez de representar la realidad, ellos la construían, la
fabricaban, la producían, la presentaban.
Para lograr un objetivo tan novedoso, básicamente se dedicaron a descomponer
las múltiples facetas de un objeto y presentarlas todas a la vez, prescindiendo de
cualquier punto de vista privilegiado. En la primera fase, denominada analítica que se
extiende hasta 1912, esta descomposición del objeto se hizo mediante el análisis de
formas geométricas, en principio el cubo (de ahí su nombre), a las que se fue restando
toda sensación volumétrica hasta no dejar sino una mera trama reticular de líneas
multiplicadas sobre un fondo casi monocromo; en la segunda fase, llamada "sintética" y
que se desarrolló entre 1912 y 19145, se reconstruyó el objeto disuelto con fragmentos
de formas sueltas, que, a veces se aprovechaban recortando trozos de papel, o letras
reales que luego se pegaban al lienzo (técnica que recibió el nombre de collage),
empleándose en estafase colores más vivos y formas y dibujos más rotundos.
Las dos figuras fundamentales para el movimiento cubista fueron Pícasso y
Braque, sobre todo el primero que crea el cubismo en 1907 con "Las señoritas de
Avignon”, aunque la pintura de Picasso va más allá de lo propiamente cubista con
diferentes fases como veremos:
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3-1. PICASSO (18811973)
Como ya hemos dicho Pablo Ruiz
Picasso va a ser la figura fundamental del arte
del siglo XX su obra
señala un punto de
no retorno, después
de sus aportaciones
el arte no volverá a
ser como antes. Su
obra es inmensa,
abarcando desde la pintura más tradicional de sus años de
aprendizaje, las diferentes épocas anteriores al cubismo, las
sucesivas fases cubistas, escultura, cerámica. A pesar de los
difícil de hacer una sistematización de sus obra, debido a los
continuos experimentos, la participación en diversos
movimientos de vanguardia.
Nace en Málaga, su padre era profesor de dibujo, y su
aprendizaje es rapidísimo, pero manteniendo fiel al estilo realista que imperaba en
España en esos años, alejada aun de los movimientos de vanguardia europea. Es en
Barcelona donde Pícasso comienza a mostrarse como un pintor de enorme calidad, con
obras realistas, en las que el control del espacio, de la perspectiva y del color son
magistrales, a pesar de que tan sólo tiene unos quince años. De esta época son cuadros
como "Ciencia y Caridad", dentro del realismo social de moda en este momento. Con
este cuadro superó el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de San
Fernando, que abandonó al año siguiente descontento con el rígido academicismo
imperante. A su vuelta a Barcelona entra en contacto con el ambiento bohemio y
literario de la ciudad, convirtiéndose en una figura habitual del ambiento modernista, en
este contexto realiza su primera exposición y empieza a relacionarse con los grandes
artistas del momento. Comienza a realizar viajes a París, centro de la vanguardia
mundial, desde 1901, aunque no se instala definitivamente hasta 1904. Antes de su
instalación en París su estilo está muy relacionado con el modernismo imperante en
Barcelona (Mujer en azur')
En 1901, comienza la llamada Época Azul de Picasso, llamada así por ser este el
tono predominante en sus cuadros, esta nueva etapa está marcada por un acercamiento
al simbolismo que se estaba desarrollando entonces en París. Elige el azul por su
atmósfera calmante, su capacidad para resaltar la armonía de la composición y su
simplicidad. Son cuadros que reflejan una visión de la vida pesimista, denunciando la
soledad, el abandono o la pobreza, y reflejo también de las condiciones tan precarias
que tuvo que sufrir en París. La tristeza y la denuncia de esta época se ve potencia por el
empleo de gamas de colores muy fríos y por las figuras extremadamente alargadas, de
perfiles angulosos y huesudos, con manos muy desarrolladas, elementos estos que
muestran la influencia que tuvo en Picasso la pintura del Greco. Se elimina cualquier
referencia espacial, y las figuras están ubicadas sin ningún elemento que nos indique
cual es su contexto. Entre los cuadros de esta Época Azul vamos a destacar. "El viejo
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guitarrista" (1903) en la herencia del El Greco es evidente por ejemplo en el rostro del
anciano, con una composición dominada por el primer plano de la figura sumamente
compacta, replegada sobre si misma; el tema tratado y los tonos fríos potencian esa
sensación de soledad y de melancolía propia de esta época de Picasso y fruto de la
influencia modernista y simbólica. Otros cuadros de esta época azul son: "La
Celestina”, "Mendigos a orillas del mar", “El abrazo”...
En 19041905, el azul da paso a una nueva gama en la que predomina el rosa, por
lo que se conoce como “Época Rosa",
el dramatismo de la época anterior se
atenúa algo en esta época y da paso a
un sentimiento de tristeza o
melancolía. Los temas más empleados
en esta época, son arlequines, escenas
circenses, acróbatas.... Las figuras son
menos angulosas y estilizadas, los
rostros expresan una indiferencia
sosegada. En estos años parisinos,
Picasso se relaciona con los principales
autores de la pintura francesa, como
Matisse, que influirá en el
enriquecimiento de su paleta. También
es cuando conoce a Braque, con el que
comenzara una estrecha colaboración que culminará en la época cubista
En torno a 1905, 1906, la Época Rosa de Picasso empieza a sufrir
transformaciones debido a diversos factores, entre los que están el ya mencionado
conocimiento de Matisse, pero también el descubrimiento de la escultura y del arte
africano, cuyo primítivismo y sencillez obsesionarán a Picasso, la influencia del
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primitivismo le llega a Picasso también a través de la escultura ibérica que por esa
época se exponía en el Louvre. Dentro de la pintura de la época rosa
mencionamos cuadros como 'Familia de saltimbanquis"(1905)
refleja mucho mejor que otras ese momento de la producción de
Picasso, el grupo está dominado por el silencio, colocadas en medio
de un paisaje casi fantasmagórico los personajes no se comunican; el
color empleado no es el tradicional de la época rosa, sobre todo por
la gran mancha roja del personaje del centro. Estos cuadros de
saltimbanquis y titiriteros bien podrían ser una metáfora del gusto de
Picasso por la vivir sin ligaduras, nómada. “'Joven acróbata y niño",
“Holandesa con cofia"... son otros cuadros de este momento de
transición.
En estos años sus experiencias van
culminando en una serie de obras que
anticipan lo que va a ser el cubismo, en
los que reduce la figura a volúmenes sumamente sencillos y
geométricos, con gran influencia del primitivismo en las
facciones del rostro, como vemos en el retrato de "Gertrude
Stein" de 19051906, el tratamiento
geométrico de esta cabeza, casi de
mascara, evidencia el conocimiento
que tenía del arte de los llamados
"pueblos primitivos", así como el
contacto con la pintura románíca y con
los relieves ibéricos, así como la
enorme influencia de Cezzane en las formas geométricas puras.
Las experiencias plásticas precubistas de Picasso culminan
en 1907 con 'Las Señoritas de Avignon", la obra en la que
podríamos decir que funda el cubismo, aunque no se expuso
hasta 1916. Una escena del interior de un prostíbulo con
cinco mujeres desnudas, son figuras situadas en un espacio
cercano, pero totalmente aisladas entre sí, la diversidad de las
figuras. algunas de ellas conservan rostros más o menos
simplificados mientras que otras se han convertido en
auténticas mascaras, culminando la evolución que veíamos en
el retrato de Gertrude Stein. Su genialidad está en el lenguaje
que inaugura. El cuadro se ha convertido en el símbolo del
cubismo, una nueva manera de representar la realidad,
Picasso apuesta por la forma geométrica estructura de forma
geométrica estructurada de manera dinámica en grandes
planos geométricos, planos que se extienden más allá de la
propia figura. De todas formas cada figura recibe un
tratamiento diferenciado, no todos los rostros son del mismo
“estilo”, por ejemplo, los dos que están en la derecha del cuadro muestran un cubismo
mucho más avanzado que los otros, rompiendo por completo con el retrato tradicional,
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ya que buscan representar todos los puntos de vista a la vez.. El tamaño de pies y de
manos también se modifica, posiblemente por influencia del expresionismo alemán.
A partir de ahora Picasso desarrolla ya plenamente su obra cubista, en estrecha
colaboración con Braque, juntos se trasladan al pueblo catalán de
Horta en donde realizan una serie de paisajes.
El primer cubismo que se desarrolla es el cubismo analítico
(19101912), las figuras se analizan y descomponen en elementos
geométricos que el artista combinará sobre la superficie del cuadro
de forma bidimensional y monocroma, no siguiendo la realidad
sino su propia interpretación intelectual. La luz no tiene ninguna
relación con la realidad. Esta corriente del cubismo llegará a una
descomposición tal de la figura que en ocasiones nos será casi
imposible distinguir el tema, denominándose entonces
cubismo hermético. De esta época analítica son obras como
"Hombre con mandolina" "Mujer en sillón” "Retrato de
Ambrosio Vollard". En este momento la sintonía entre
Picasso y Braque es tal que no se diferencia fácilmente la
obra de uno u otro.
El cubismo analítico comienza evolucionar con la
introducción de elementos materiales, tales como fragmentos
de periódicos, papel de embalaje, cartones... Son los llamados
"papiers collés". La fecha de estos primeros "collages" es de
1912, en la que empieza a percibirse una tendencia
simplificar las líneas de descomposición de la figura, que
traerá como consecuencia la superación del cubismo analítico
para entrar en un cubismo más sencillo en cuanto a líneas,
que será el cubismo "sintético" de 19131915. Se trata de
superar la dificil legibilidad y compresión de la fase anterior,
volviéndose además a una mayor presencia del color, como elemento de referencia con
el modelo, en este momento y los primeros años de la Primera Guerra
Mundial Picasso muestra una tendencia por los perfiles rectilíneos en
sus composiciones, lo que llevado a algunos críticos de cubismo
cristalino.
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Una vez acabada la Primera Guerra Mundial. Picasso viajará a Italia, donde la
tradición pictórica, la luz del Mediterráneo, los colores... el deseo de superar los traumas
de la guerra le llevan a una pintura muy diferente del cubismo. En esta época clásica
(19201923) Picasso adopta los volúmenes de la tradición clásica, pero con gran
sencillez y depuración de líneas, que recuerda las esculturas de la antigüedad griega,
figuras con volumen escultóricos, de tonos luminosas y que frecuentemente son
desnudos, escenas en la playa, símbolos de la necesidad de empezar de nuevo después
de la Guerra.
Simultaneamente a esta pintura clásica Picasso sigue desarrollando el cubismo
sintético, cada vez más reducido a los volúmenes más esenciales, son bodegones en los
que se identifican sin ninguna dificultad los objetos que los forman, con colores
brillantes y bastante puros en tintas planas..
El idealismo de estos año empieza a ser superados y a mediados de los años
veinte ya ha desaparecido por completo, rompiendo la tendencia a lo sosegado. Además
en estos años Picasso, sin llegar a ser nunca
un pintor surrealista, se acerca estéticamente
y teóricamente a algunos de sus
planteamientos. su cuadros empiezan a
llenarse de cierta estética de los monstruoso
o deforme, con figuras delirantes, huesudas,
de ritmos descoyuntados y movimientos
violentos. En los
últimos años de la
década de 1920 realiza
una serie de
g r a b a d o s d o s
ilustrando las
Metamorfosis de
Ovidio, empleando figuras sin corporeidad y llenas de una
consistencia pétrea. Las figuras parecen enormes colosos
abandonados a la orilla del mar y desgastados por la erosión.
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Realiza ahora sus primeras esculturas, en la línea de lo que es pintura, por influencia del
pintor español, afincado en París Julio González.
Los años treinta supone un nuevo momento en la vida de Picasso, su producción
es abundantisima, con grabados (Minotauromaquia). Se abandonas los perfiles rectos de
las metamorfosis, y aparecen formas redondeadas, de pronunciadas exuberancias,
dominadas por una color estridente y fuertes líneas negras que perfilan todos los
contornos ("Mujer frente al espejo" 1932)
El Guernica: En 1936 estalla la Guerra Civil, un acontecimiento que marcará
profundamente la obra de Picasso, que poco tiempo antes había sido nombrado directos
del Museo del Prado. Cuando en 1937 se celebra una Exposición Universal en París, el
Gobierno de la República, decide que el pabellón gire en torno al drama que se está
viviendo en España y que esté presidido por un mural de Picasso, Lógicamente Picasso
acepta el encargo y decide que el tema pintado sea el bombardeo de la ciudad vasca de
Guernica, símbolo de la identidad vasca, que había sido bombardeado por aviones
alemanes en el 26 de abril de 1937; pero el cuadro, va a superar esa idea, no va a ser
sólo una denuncia del bombardeo, un alegato contra los fascismos y una defensa de la
legitimidad de la República, sino sobre todo un alegato contra la guerra, la barbarie, el
sufrimiento... que se convertirá en un auténtico símbolo en
España durante mucho tiempo. Picasso es consciente de la
importancia que va a tener su cuadro y realiza numerosos
bocetos y dibujos preparatorios del cuadro
El cuadro va a pasar por varias fases sucesivas, sus
dimensiones son inmensas, un gran mural de lienzo de
3,51 por 7,82 metros, pintado sólo en blanco, negro y gris,
como forma de potenciar la expresividad del cuadro y sus
valor documental, podríamos decir que Picasso hace una
fotografía, un reportaje de los que ocurrió en Guernica.
La composición está distribuida a manera de tríptico, cuyo panel central esta
formado por el caballo y la mujer portadora de la lámpara, el lateral izquierdo por el
toro y la mujer con el niño en brazos, mientras que el derecho es la visión del incendio.
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Dentro de este sistema de tríptico, coloca las figuras formados grandes triángulos, de los
cuales el central es el más importante.
La escena abigarrada de personajes da la sensación de
desarrollarse ante un decoración teatral, rehuyendo cualquier
referencia al escenario real del pueblo en donde ocurre.
Picasso hace de cada figura un símbolo, una mujer que grita
con los brazos implorantes, hacia el cielo, otra se asoma
desde sus ventana llevando una lámpara de la mano
intentando averiguar lo que pasa, un guerrero y un caballo
caen derrotados, el toro (símbolo del valor y del país)
envuelve protectoramente a una mujer que llora desesperada por la muerte de su hijo.
La mayoría de los símbolos son de fácil lectura, aunque algunos de ellos presentan
varias lecturas, la lámpara rota que no ilumina, sería la versión falsa dada por el ejercito
franquista, según la cual el bombardeo habría sido realizado por la propia aviación
republicana; frente a esta falsa luz se alza con fuerza la verdad, representada por la
pequeña lámpara portada por la mujer que se asoma por la ventana, y que además es el
foco luminosos de todo el cuadro, Además hay que fijarse en el brazo cortado con la
espada rota, la paloma herida del fondo, la pequeña flor apenas visible...
El pabellón español además de esta obra de Picasso exhibía algunas esculturas
suyas, otras de Alberto Sánchez, cuadros de Benjamín Palencia y una fuente de
mercurio de A, Calder. Picasso estableció en su testamento que el destino del Picasso
debía ser el Museo del Prado, pero que no se podría traer a España hasta que no hubiera
desaparecido la dictadura. Finalmente regresó a España en 1980
Una vez acabada la Guerra Civil comienza la Segunda Guerra Mundial y Picasso
sigue haciendo cuadros que insisten en la denuncia de la barbarie y del sin sentido de la
guerra. Tan sólo cuando acaba la Guerra Picasso vuelve a una pintura más optimista y
colorista, es la llamada fase de Antibes, diversificando sus producción con cerámica,
escultura, diseño de carteles.... Es esta última fase de su obra, nos encontramos en
primer lugar con naturalezas muertas, junto a balcones abiertos a la luz y el paisaje de la
Costa Azul. Aunque su producción es
muy abundante hasta el final de sus
vida, también es cierto que es menos
original y con menos aportaciones.
Ahora Picasso es
ya un pintor
reconocido, con
una
fama
internacional, y un
estilo definido. Es
la época en la que
realiza series
interpretando cuadros de la tradición clásica, la más famosa
posiblemente la de las Meninas, aunque hay otras sobre el
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"Desayuno en la hierba" de Manet
“ Lo que distingue al cubismo de la antigua pintura se basa en que no es un arte
de imitación, sino un arte de concepción que intenta elevarse hasta la creación. Es el
arte de pintar composiciones nuevas con elementos extraídos no de la realidad de la
visión, sino de la realidad del conocimiento”
G. Apollinaire. Los pintores cubistas, 1913
32. OTROS CUBISTAS.
Además de Pícasso, Braque es el gran representante del
cubismo, aunque su evolución no va
ser tan personal como la de Picasso,
quedándose anclado en los collages.
Muy similar es la situación del
español Juan Gris, cuya obra esta
formada casi en su totalidad por
naturaleza muertas muy semejantes
a la del cubismo sintético de
Picasso, Además dentro del cubismo
hay que incluir a una serie de
pintores, que forman parte de este
movimiento en sus años de formación, aunque partiendo
de la base cubista lleguen a resultados muy diferentes.
Como F. Leger (18811955), que logró fundar un nuevo
lenguaje con gran presencia del mundo de las maquinas y
de la modernidad, con figuras de contornos muy marcados
y aspecto metálico; Leger evoluciona de ser un cubista a ser un realista, buscando la
simplificación de las formas y el uso de planos de color uniforme
Robert Dalaunay (11851941) merece una mención especial, desarrolla un
movimiento independiente que se conoce como ORFISMO, sus investigaciones se
centran ya no en la descomposición de la forma, sino en el uso del color, empleando las
posibilidades científicas del espectro cromático, yuxtaponiendo
colores primarios y secundarios, alcanzando un grado de
luminosidad en sus cuadros ; la luz, los rayos del sol, el
resplandor incorpóreo de los colores del arco iris llenan la obra
de Roberts Delaunay y de su mujer Sonia, en un estilo que le
mismo denominó cubismo
abstracto, superando cualquier
referencia figurativa, “Mientras
el arte no se separe del objeto
seguirá siendo solo descripción”
dijo en 1913, aunque nunca
abandonó completamente la
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representación fgurativa, sus últimos cuadros son completamente abstractos, discos de
colores que descomponen el espectro, con una sensación dinámica, “ un microcosmos
adaptado a los ritmo del macrocosmos.
4. EL FUTURISMO.
El termino futurismo fue creado por el poeta
Marinetti en 1909, uno de los primeros y más importantes
promotores del movimiento y de sus manifiestos, que
llegaron a ser mas de cuarenta. No fue hasta 1912 cuando se
dio a conocer el futurismo por toda Europa, con una
frenética actividad pública internacional, con la
inauguración de una gran exposición futurista en París, que
luego recorrió, Londres, Berlín, Bruselas... ; cada
inauguración iba acompañada de da una campaña de
publicidad, anuncios, lo que contribuía a su éxito y a
la aparición de movimientos locales semejantes.
El grupo inicial futurista se forma después
del manifiesto de Marinetti de 1909, formado por
Carlo Carra, Umberto Boccioni, Giacomo Balla,
Gino Severini, Luigi Russolo, con nuevos
manifiestos en 1910. Surge en Italia, que hasta
entonces había estado al margen en gran medida de
la vanguardia, y donde se mantenía aun el estilo
academicista e historicista del siglo XIX.
Culturalmente se vincula con el Risorgimento y el nacionalismo italiano de corte
radical, que en esos años estaba liderado por D´Anunzio y se articulaba en torno a
revista como La Voce. El proceso de renovación en Italia fue radical y rapidísimo, las
novedades francesas llegaron en avalancha en pocos años, y no estuvo exento de cierta
asimilación caótica, que no cristaliza de forma creativa hasta la llegada del cubismo. La
asimilación del cubismo se hace buscando marcar distancias respecto a él. Esta
innovación está la temática, para los futuristas el arte moderno no lo será hasta que no
incorpore los temas del mundo contemporáneo, lo que este tiene de nuevo respecto a lo
anterior, la velocidad, las máquinas, “ ¿Es mas moderna la velocidad que, por ejemplo,
la lenta vida de las profundidades submarinas?”.
Ya en el primer manifiesto se proponen ensalzar y testificar la vida moderna,
transformada incesante y violentamente por la ciencia en ascenso” . La velocidad, en
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dinamismo mecánico, el deseo de plasmar esa realidad en continuo movimiento, será el
principal objetivo de la pintura futurista. Se oponen a la estática clasicista, al hieratismo.
No es algo nuevo, ya el impresionismo buscaba reflejar el mundo fugaz de meras
impresiones, pero la novedad está de nuevo en el tema buscado, representar el
dinamismo de esos objetos de la vida moderna. “ Es más bello un automóvil que la
Victoria de Samotracia”
Desde el punto de vista artístico, el futurismo era algo así como un cubismo
dinamizado. Para lograr esa sensación de dinamismo vertiginosos, los futuristas
atraviesan el cuadro por una retícula de líneas diagonales y toda suerte de figuras
geométricas que expresasen movimiento como la diagonal, además aprovechan las
combinaciones cromáticas, que movimientos como el orfismo estaban desarrollando.
Además no hay que olvidar las aportaciones de otras técnicas de representación que
como el cine y la fotografía aportan también una nueva forma de entender la imagen y
el movimiento.
El futurismo esta obsesionado con la
introducción del movimiento en sus cuadros, y eso le
hace buscar temas muy dinámicos, como trenes, carreras,
automóviles... Muchos de los futuristas estuvieron
vinculados al pensamientos fascistas de Mussolini, en el
gusto por la violencia, la guerra, la eliminación de toda
tradición. De la abundante obra futurista podemos
destacar la obra de Carlo Carra, “Funerales del
anarquista Galli” ; de
Bocioni, “La carga de los
lanzeros” ; o de Balla “Muchacha en el balcón” o
“Dinamismo de un perro con correa”
“Formas únicas de continuidad en el espacio” es una de las esculturas futuristas
que hizo Bocciioni, con ella abole la escultura de forma finita y de volúmenes cerrados.
La escultura se desarrolla en su periferia prolongando las
formas que provoca el movimiento
Su éxito está en ser una plataforma de agitación, no
sólo en pintura sino en todos los ámbitos. Por su capacidad
de movilización y propagando logró extender a muchos
países, con implantación en Gran Bretaña (donde se le
conoce como Vorticismo).
En España la llegada del
futurismo se vinculó con otros movimientos de vanguardia,
en torno a publicaciones, como Prometeo, de Ramón Gómez
de la Serna
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5. CONSTRUCTIVISMO Y SUPREMATISMO.
Antes de producirse la Revolución de 1917, Rusia vivía
en medio de fuertes convulsiones, que todo caso sirvieron
como caldo de cultivo para la agitación artística de
vanguardista. A Rusia llega una corriente futurista conocida
como rayonismo; pero además de esta corriente, bastante
fugaz, en Rusia nos encontramos con un importante
movimiento de renovación artística, que incluso supera en
algunas cuestiones al de Europa Occidental.
El primer movimiento de vanguardia propiamente ruso
es el Suprematismo, creado por K. Malevich (18781935), que
partiendo de una interpretación radical del cubismo, hace lo
que el llamaba un arte noobjetivo, sus inicios son de 1915, el
nombre de suprematismo, viene de la supremacía dada en su
obra del sentimiento puro en el arte, su finalidad es liberar al arte
del lastre del mundo de las cosas, buscar la abstracción neta
basado en los colores más simples y en las formas geométricas
más puras.
En sus composiciones suprematistas realizadas entre
1915 y 1922 combina formas geométricas de diversos color
sobre fondos generalmente blancos; finalmente llega a reducir
las formas a un solo cuadrado (negro, rojo o blanco) de gran
tamaño sobre el fondo. Genera una gran corriente de seguidores,
aunque a partir de los años veinte abandona esta temática y se
orienta hacia una pintura social con una figuración muy básica
Vinculado al suprematismo en sus inicios, aunque
posteriormente se aleja de él, está el constructivismo, cuyo
principal representante en Tatlin (18851953) muy vinculado a la
ideología comunista de la revolución de 1917, fue un promotor
de las transformaciones artísticas para el estado revolucionario.
El arte vinculado a la revolucionen los primeros años pretende
superar la mera reproducción, el artista quiere ser un productor,
la igual que el obrero, nos remite a la utopía de los materiales y
de la construcción, de la técnica, desconfía de los plantamientos
estéticos y de los lirismos sentimentales, y parte de la idea de los
estilos anteriores no sirven para representar al hombre nuevo
socialista
El arte para los constructivistas debe ser un arte de
masas, producido incluso de forma industrial, negando los
planteamientos del arte por el arte. Pero el constructivismo produjo muchos más
proyectos que realizaciones concretas; el mejor ejemplos es el proyecto de Tatlin para el
Monumento a la Tercera Internacional, encargado en 1919, nunca llego a realizarse; era
una torre inclinada que se desarrollaba en espiral , el andamiaje monumental sostenía un
cuerpo arquitectónico compuesto por formas geométricas básicas, un cilindro que
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giraría sobre su propia eje una vez al año, con salas de conferencias , una pirámide para
los órganos ejecutivos, y un cilindro para el centro de información. Se trata de un
proyecto utópico que simboliza el nuevo mundo en construcción iluminado por la
técnica, una obra de arte total que fusiona arquitectura, escultura y pintura.
Las teorías de Tattlin tuvieron mucho impacto en los artistas soviéticos, como El
Lissitzky, o los hermanos Pevsner.
5. NEOPLASTICISMO.
Las revoluciones estéticas de comienzos del XX tuvieron
en Holanda una especial incidencia especialmente la
abstracción, que reunió a un grupo de arquitectos y de
artistas que llegaron a articular un proyecto estético común
y unitario, cuyo principal objetivo era el crear una nueva
experiencia a través de
un obra de arte total, que
se fue concretando en las
páginas de la revista De
Stijl
(El Estilo)
publicada entre 19171932, su principal promotor fue
Theo von Doesburg, aunque adquirió mas fama por la obra
del pintor Piet Mondrian (18271944) Fue Mondrian el que
creo el término neoplasticismo, el punto de partida de
la propuesta neoplasticista es la imposibilidad de una
pintura que derivara de la imitación de la naturaleza,
para él las formas de la pintura deben ser creadas de
nuevo. Su objetivo fue realizar formas armónicas
visualmente en el menor número de elementos posible, buscando las constantes
inmutables del lenguaje plástico. Mondrian, en sus obras de madurez de los años veinte,
eliminó completamente la noción de profundidad en el cuadro, trabaja solamente con
formas planas, y para el esa armonía se encuentra en el uso de la línea recta y las formas
ortogonales. La composición descansa en la división estudiada del lienzo en un trama de
líneas rectas y ángulos rectos. Los cuadrados se rellena de color, uniforme y plano,
además siempre colores básicos (rojo, azul, amarillo, negro y blanco) Hay un esfuerzo
continuo por eliminar todo aquello que pudiera remitir a la naturaleza, llegando así a
consolidar el estilo abstracto. Se trata de estilo conscientemente antiindividualista y
antinaturalista.
“¿Qué quiero expresar con mi obra? Nada más que lo que busca todo artista;
alcanzar la armonía por medio del equilibro de las relaciones entre lineas, colores y
planos. Pero sólo de forma más clara y poderosa”
Piet Mondrian.
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6. DADAISMO.
En Dada nos encontramos con algo diferente lo que han
sido las vanguardias hasta ahora, incluso algo completamente
contrario, la crítica a la propia vanguardia y al mismo arte,
pero también respecto a la vida. No quieren un nuevo tipo de
arte, simplemente acabar con él, destruir la noción de arte.
Dada es la negación, la oposición, el nihilismo, Dada no
significa nada, dijo Tzara, frente al cubismo como escuela de
pintura o al futurismo como escuela política, es más bien un
estado de ánimo. Las razones de esta respuesta están en la
posición excéntrica del artista en la sociedad y el malestar
profundo malestar producido por la guerra. “El disgusto se
hacía extensivo a todas las formas de civilización llamada
moderna, a sus mismas bases, a su lógica, a su lenguaje, y la
rebelión asumía modos en los que lo grotesco y lo absurdo
superaban ampliamente los valores estéticos.” Hay una
conciencia de la inutilidad del arte, y un actuar en consecuencia, si
es inútil se destruye.
Los llamados dadaistas se dieron a conocer en Zurich en 1916,
donde se unieron exiliados de diferentes países en el cabaret
Voltaire, escritor, pintores, escultores... que coincidían en un
profundo rechazo al racionalismo burgués y una crítica a la situación
bélica europea. La suya es una rebelión contra la “historia, la
lógica, la moral común, el honor, la patria, la familia, el arte, la
religión, la libertad, la fraternidad... de las cuales no quedaban más
que esqueléticos convencionalismos, porque se habían vaciado de su
contenido inicial.
Sus comunes preocupación culturales les llevaron a expresar su
visión del mundo en una serie de acciones escenográficas, de lo que podríamos llamar
“bufonadas de cabaret” y es ahí donde surge la palabra "dada”', intraducible, no
significa nada o lo significa todo. Inauguran el motín o el escándalo como instrumento
cultural con sus primeras veladas literarias en 1917, en las que se mezclaban la poesía, la
fotografía, la pintura
En el terreno pictórico el primer artista "dada" es Hans Arp que comienza a
hacer collages abstractos con hojas de árboles, papeles rotos dispuestos
al azar, acaba produciendo relieves en madera pintadas y recortadas con
formas circulares.
Al acabar la guerra el grupo dada de Zurich se dispersa y sus
ideas se propagan por el mundo, en esta difusión jugó un papel
importante Francis Picabia, cuyos cuadros recuerdan un mundo de
absurdas maquinas, en el que no hay ningún componente humano.
Picabía es el fundador del grupo Dada de Nueva York con Marcel
Duchamp y Man Ray.
En Nueva York había buenas condiciones para el triunfo del
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mundo dada, el primer acontecimiento dada fue la exposición de 1917 en la de
Duchamp instaló su “fuente” , un urinaria firmado con el seudónimo R. Mutt, rechazado
por el propio grupo que organizaba la exposición y que fue el comienzo de una gran
polémica sobre su obra y el sentido del arte contemporáneo.
Duchamp (1887-1968) es posiblemente el mejor ejemplo de la actitud artística
del Dada, y es una de las figuras claves del arte contemporáneo,
sus primeras obras se vinculan ala experimentación cubista y
futurista, como en “Desnudo bajando las escaleras” de 1912. Sus
más importantes descubrimientos son los llamados "readymakes",
esculturas hechas con objetos encontrados, prácticamente sin
ninguna transformación, se trata de objetos realizados en serie, y
según el hecho artístico es su selección como objeto de arte, su
utilización para un fin distinto para el que fue diseñado. El
primero de estos fue la “fuente” de 1917 en la exposición de
Nueva York, aunque anteriormente ya había realizado distintos
experimentos con objetos, como la rueda de bicicleta sobre
taburete de 1913, o la pala de nieve de 1915. No hay ninguna
pretensión estética en estas obras de Duchamp, sino más bien
encauzar la reflexión del espectador hacia otros ámbitos menos visuales. El
atrevimiento, la idea de escandalizar al espectador acomodado en el arte tradicional, el
sentido iconoclasta con la tradición es lo que define la obra de Duchamp, la “Gioconda”
pierde su valor estético al pintarle unos bigotes. Descontextualiza los objetos o las obras
de arte clásica, las coloca en un entorno difierente, para provocar a las sensibilidades
tradicionales, para destruir el concepto de arte vinculado a la belleza y a la estética.
En Berlin el Dada encontró uno terreno abonado para su difusión, en ambiente
expresionista, la coincidencia de intereses con el movimiento de la Nueva Objetividad,
y la propia situación revolucionaria de Alemania después de la Primera Guerra
Mundial, a Berlín acuden algunos de los dadaísta procedentes del primer grupo de
Zurcích. Adopta un fuerte sentido crítico hacia el nazismo y el fascismo, empleando
fotomontajes como los de John Heartfield, sumamente sarcásticos hacia el régimen
nazi; en esta misma línea de trabajo con fotomontaje, podemos mencionar a Hanna
Höch o Raoul Haussmann. En Colonia fue importante la actividad de Marx Ernst y en
París la de André Bretón. aunque estos dos autores evolucionarán y formaran el núcleo
originario del surrealismo.
En la década de los años veinte París se convierte en el principal centro del
Dada, en donde confluyen algunos de sus principales protagonistas, Man
Ray, Max Ernst, Tzara, o Andre Breton, aunque las diferencias entre ellos,
provocaran que finalmente se acaba diluyendo el movimiento, sirviendo de
germen para otras actitudes artísticas posteriores, especialmente el
surrealismo,
Manifiesto Dada,1918,
La magia de una palabra –dada- que ha puesto a los periodista ante la
puerta de un mundo imprevisto, no tiene para nosotros ninguna
importancia.
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7. PINTURA METAFÍSICA.
Se desarrolla en Italia, en torno al pintor G. de Chirico (18881978), supone una
reacción contra el futurismo y sus principios de dinamismo, maquinismo.., la pintura
metafisica es un anticipo del surrealismo, sobre todo en su afán por buscar asociaciones
de ideas que aparecen de forma evidente en el cuadro. Se representan
trozos sueltos de la realidad, en los que el hombre está siempre
ausente, aunque halla elementos que indiquen su existencia y su huella,
en muchos cuadros la figura humana es reemplazada por maniquíes o
esculturas. En los cuadros de Chirico nos encontramos amplias
perspectivas de ciudades abandonas, deshumanizadas. que más bien
parecen reflejar el mundo de los sueños.
8. SURREALISMO.
El surrealismo arranca de los principios provocadores e
iconoclastas del dadaismo y de la visión oníríca de la pintura
metafisica, gestándose a partir de 1924. Los artistas manifiestas que
tiene que existir una realidad al margen de lo visible. El poeta André
Bretón fue quien se encargó de dar una alternativa al dadaismo parisino
y quién protagonizó el movimiento de vanguardia en los años de
entreguerras. El principio fundamental del
Surrealismo es el automatismo, o la expresión
directa, sin control. El término se halla tomado
de la literatura psiquiatrica y trata de designar
sucesos inconscientes e involutarios. El
movimiento responde a una profusa teoría y
tiene su plasmación en diversos manifiestos y
principios. En el surrealismo tuvo un gran
importancia el psicoanálisis, y los surrealistas
querrán manifestar en sus cuadros el mundo del
subconsciente, librarse del control de la razón
para pintar los sentimientos y los deseos más
profundos, Su arranque literario explica la total
ausencia de un código o formula plástica
uniforme para todos los pintores. Una de las
primeras discusiones que hubo entre sus
fundadores fue determinar si se podía hacer
una obra plástica surrealista.
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Podemos definir el surrealismo como: “Puro automatismo psíquico por el cual
se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el
funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la
razón, al margen de toda preocupación estética o moral” . Asi aparece en 1924 en el
Primer Manifiesto. Es la teoría de lo irracional, de los inconsciente en el arte y en la
vida, liberado de los condicionamientos sociales. No
se trata de un movimiento artístico con el estilo
concreto, sino de una actitud ante la vida, la sociedad,
el arte y el hombre. Una actitud crítica pero también
constructiva, quieren cambiar la sociedad por medio
de la revolución. Todos caben dentro del surrealismo
como demuestra la lista de los participantes en la
primera exposición de 1924.
Es imposible concebir el surrealismo sin la aportación
de la psicología freudiana sobre el sueño y el
subconsciente. Su descubrimiento del sueño, como
una expresión de lo básico del ser, fascinó a Breton,
que escribió: “El surrealismo se basa en la creencia de
la realidad superior de ciertas formas de asociación
descuidadas hasta ahora, en la omnipresencia del
sueño y en el libre ejercicio del pensamiento” . Para
ellos la razón pueda dar lugar a la ciencia, pero sólo el
inconsciente puede dar lugar al arte, se trata de dejar que éste saque a la superficie lo
más profundo, lo censurado, que el artista se convierta en un mero espectador que
presencia como se va formando su obra. Se eliminan totalmente las barreras de las
buenas costumbres, la moral, el buen gusto y se busca un equivalente plástico de la
pintura automática, ejercida especialmente por Miró y Max Ernst . Para ellos el propio
acto de pintar es surrealista, independientemente de los resultados, no se planifica lo que
se va a hacer, no hay ideas preconcebidas, de hay que en muchas ocasiones los
resultados coincidan con los de la abstracción.
El surrealismo es muy abierto en sus opciones plásticas, e incluso admite
posibilidades formales cercanas al mundo académico, ya que se trataba en cierta forma
de pintar los sueño, y estos pueden adoptar múltiples formas, Dalí habla por ejemplos
de cuadros como “ fotografías de sueños pintadas a mano”, camino muy semejante por
el que se mueve Magritte.
Políticamente el surrealismo mantuvo durante algún tiempo el ideal del cambio
revolucionario de la sociedad, sobre todo por parte de Breton, Aragon,
Eluard, que militaron en el partido comunista francés, aunque su
espíritu crítico casaba mal con la disciplina de partido y acabaron
renunciado a la participación política. Otros surrealistas mantuvieron
por el contrario posiciones completamente conservadoras, como el
apoyo de Dalí a la dictadura franquista a su regreso de Estados Unidos.
En el surrealismo podemos distinguir dos grandes periodos, el
primero abarca de 1924 a 1929 y está dominado por el principio del
automatismo y el segundo de 1929 a 1945, durante el cual se vivió una
radicalización política muy polémica y en la que el discurso
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psicológico se hizo más complejo y menos compatible con todo tipo de fórmulas y
medios artísticos. Cada una de las etapas tiene principios, protagonistas y métodos muy
distintos. En la primera época, dominada por el automatismo el lenguaje artístico
bordeó muchas veces la abstracción, quedando muy pocos elementos figurativos que
sirven poco soporte simbólico a esos mensajes del inconsciente. A esta primera etapa
pertenecen Joan Miró y Andre Masson.
“Quizá haya llegado el momento en que la imaginación esté próxima a volver a ejercer los derechos
que le corresponden. Si las profundidades de nuestro espíritu ocultan fuerzas extrañas capaces de
aumentar aquellas que se han advertido en la superficie o de luchar victoriosamente contra ellas; es del
mayor interés captar esas fuerzas, para someterlas al dominio de nuestra razón si resulta procedente”
Breton
Andre
De la primera generación de surrealistas hay que citar Max
Ernst (1891-1976), aunque pasó un tiempo por Die Blaue Ritter, en 1922 se instala
definitivamente en París y allí entra en
contacto con el germen surrealista. El
surrealismo de su pintura no está sólo en el
resultado final, sino que es uno de los más
desarrolla el método surrealista de pintura,
para el la obra es su realización, por esos
cualquier técnica es válida con tal de
conseguir acrecerse a la pintura automática,
desarrollando así técnicas como el collage, el
frottage, decalcomania, oscilación
(antecendente el dripping de Pollock) ,
aunque es con la primera con la que alcanza
mayor éxito. En Ernst no es el sueño el que
da lugar a la imagen sino que es la imagen casual la que desarrolla el cuadro, y el
artista en cierta forma en un mero espectador de su propia creación. Por eso es
considerado el más surrealista de todos. A esa misma generación pertenece André
Masson (1896-1987), interesado también por los procesos de creación automática, por
lo casual, a través de dibujos a tinta, más rápidos y espontáneos que el óleo.
8-1-. Joan Miró.
Joan Miró nace en Barcelona en 1893, en el
seno de una familia de artesanos de clase media.
Sus raíces catalanas y el recuerdo a las temporadas
pasadas en la masía familiar de Montroig, estarán
presentes en toda su obra. Superados los recelos
iniciales en su familia a la vocación artística de
Miró, entra en 1912 en la Escuela de Bellas Artes de
Barcelona. Allí conoció las tendencias fauves y el
impresionismo tardío, contactó con distintos artistas
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y demostró sus innatas cualidades de observación y captación de las formas animado
por los originales métodos del director de la escuela (como pintar con los ojos cerrados).
Miró asistió a las clases del circulo artístico de San Lluc, donde permanecía viva la
impronta de Gaudí, cuyas formas libres e imaginativas influyeron poderosamente en
Miró, Como último elemento clave en la formación del artista catalán, los críticos
también han resaltado sus afición por la pintura románica catalana, dominada por la
expresividad, la fuerza de los colores, la planitud y una sugerente riqueza rítmicaA la
vez Miró participa activamente en el ambiente cultural de la ciudad, que entre el espíritu
nacionalista y cosmopolita, acoge algunas de las novedades que emanan de París, como
la exposición cubista de 1912, o la exposición sobre Vollard de 1916, además de la
amistad con el dadaista Picabia, refugiado en Barcelona durante la Guerra Mundial.
Sus primeras obras reflejan todas estas influencias. Sus cuadros están llenos de color,
detallistas donde se perciben las referencias fauves y cubistas ("Bodegón con cuchillo"
o "El Camino")
Miró y el surrealismo:
Miró llega a París en 1919 y sus primeros años allí serán años de miseria y
privaciones, Muchas veces hablará de la alucinación producida por el hambre a la hora
de pintar un cuadro. Es esta la época en la que entabla amistad con los dadaistas y
surrealistas, con los que coincide en la necesidad de reinterpretar la realidad, de
trascender la pintura, de buscar nuevos personajes y nuevos lenguajes de expresión.
La comparación entre "La masia” de 1921 y 'El campo labrado" de 1923
evidencia la evolución estética sufrida por Miró en sus primeros años parisinos. Las dos
pinturas coinciden en recordar el paisaje
catalán de su infancia, pero en el primero
nos encontrarnos con un lenguaje
evidente, de perfiles nítidos y formas
precisas; mientras que en el último nos
encontramos con un mundo fantástico
poblado de animales contrahechos o de
árboles de los que nacen orejas u ojos,
Similar ensoñación aparece en "El
carnaval del arlequín" auténtico universo
de pájaros, peces e insectos de
desproporcíonados rasgos y formas.
Estas recreaciones mironianas de la realidad nos ofrecen mundos
fantasmagóricos, imágenes fantásticas producidas por el inconsciente, por la libertad de
la imaginación ajena a todo tipo de condicionantes. Estos cuadros son "visiones
oníricas", claros ejemplos de la estética surrealista, a la que Miró se acerca desde la
mentalidad infantil, desde la más pura inocencia del nido libre de todo prejuicio o de la
mediación de cualquier educación recibida.
El éxito de su exposición de 1925 aliviaron la precaria situación económica de
estos años donde participa en numerosas actividades promovidas por el movimiento
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surrealista, por ejemplo su trabajo junto
a Marx Ernst en los decorados de ballet
para "Romeo y Julieta".
Desde 1925 Miró empieza a
utilizar fondos monocromos, de texturas
irregulares y donde coloca su particular
universo, en el que aparece con
frecuencia el tema de la mujer, autentica
obsesión del universos mironiano. Es el
caso de "La maternidad" de 1924 donde
unos signos a modo de embriones
permanecen suspendidos de las formas
cónicas y redondas de los pechos de una
mujer que ha reducido su cuerpo a las
pura linealidad. Es el dominio de la pintura, no hay limitaciones formales ni coloristas,
ni el enmarque de un espacio tridimensional, el lienzo es una superficie plana,
bidimensional. Esta simpleza se ve parcialmente interrumpida por la riqueza colorista y
el plural universo animado que inunda sus
cuadros, como "Interior holandés". A esta
época pertenecen sus cuadros poemas y las
primeras ilustraciones de poemas ajenos. La
afición a la poesia será una constante en toda la
obra mironiana dado su covencimiento de la
unidad existente entre ambas artes.
Durante sus años parisinos Miró alterna su
prolífica abra pictórica con la asistencia a las
tertulias nocturnas organizadas por los
surrealistas donde se discuten dispares
propuestas. Esta reuniones tenían como
protagonista indiscutible a André Bretón, cuyas
proclamas radicales influirán en la posterior
actitud artística de Miró,, que afirma su deseo
de "asesinar la pintura". Esta actitud extremista
le conduce a nuevos campos de
experimentación
plástica, Elabora objetos
poéticos con materiales
de desecho o fortuitas y paradójicas asociaciones como en "El
personaje", figura asexuada, hecha con un paraguas, una percha y
unas flores; realiza collages con recortes de prensa que luego
puede emplear como modelo de creaciones artísticas. La
continuidad creadora se ve interrumpida por la Guerra Civil
Española y la Segunda Guerra Mundial: "Naturaleza muerta, con
zapato viejo" evidencia su protesta por el desarrollo del fascismo.
Es un imagen del dolor y del sufrimiento, conseguida por la
presencia de objetos cotidiano de aspecto amenazante.
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Los cuadros de la época muestran unas figuras agresivas, feroces, envueltas en
un colorido radical y agrio, que nos inquieta y perturba.
Son las llamadas "pinturas salvajes" como "El segador"
cuadro encargado por la República para el pabellón de la
Exposición de París, u otros como "Hombre y mujer
delante de un montón de excrementos". Igual
agresividad aparece en sus lienzos dedicados a la mujer,
siempre vista de forma violenta, con sus órganos
sexuales realzados, en sus identidad con la divinidad
productora de vida. La mujer es también objeto de
frecuentes metáforas, las más positivas y también las
más negativas. Cuadros como "Mujer y pájaros a la luz
de la luna" revelan esa asociación.
El tema de la noche es otro de los grandes temas de
Miró, símbolo constructivo como destructivo. La serie
de las "constelaciones" ocupa s u actividad durante los
años de la Segunda Guerra Mundial, serie que termina
en Mallorca, donde se retira en 1940 y que no abandonará hasta su muerte. Sobre fondos
preparados con aguadas de color sucio, Miró pinta nuevamente su universo, su pequeño
microcosmos. Las Constelaciones nos presentan un mundo orgánico, creación personal
de Miró, con una gran identidad entre poesía y pintura. Las Constelaciones fueron su
forma de evadirse de los temores que le amenazaban.
Al final de la contienda bélica las Constelaciones son enviadas a Nueva York y
expuestas en 1945. A partir de entonces se suceden los reconocimientos oficiales, Miró
viaja a Estados Unidos en 1947, en 1948 vuelve a París. En 1952 realiza un exposición
en Basilea, y en 1954 recibe el Gran Premio de la Bienal de Venecia y en 1959 el de la
Fundación Gugenheim.
Sus colores se van aclarando y los cuadros se llenan de una nueva luminosidad.
E esta época trabaja tanto en las llamadas "pinturas lentas", muy acabadas y perfectas de
colores brillantes; como en las "pinturas espontáneas", donde prevalece la rapidez, la
absoluta ingenuidad y la introducción de materiales como cuerdas y alambres.
Tanto en las obras de pequeños tamaño, como en los grandes murales que hace
para instituciones como la UNESCO, el universos de Miró aparece reducido a la más
pura esencialidad, a composiciones sencillas de colores
primarios, que conducen a la abstracción. Abstracción
entendida como reducción a la esencia de las figuras y
objetos, y no en el sentido de no figuración propia de la
pintura abstracta con la que Miró no se sintió
identificado.
Miró también trabajo en el campo de la escultura, la
cerámica o las litografías. En estas obras encontramos de
nuevos, simples volúmenes hasta dispares asociaciones,
pasando por las grandes obsesiones mironianas evidentes
en el "Monumento a la Maternidad" "Pájaro de día" y
"Pájaro de noche".
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8-2-. Salvador Dalí. (19041989)
Dalí pertenece a una segunda generación de surrealistas, en la que se impuso la
teória de la carga inconsciente espontánea que existe en la mirada humana, a la que no
hay que forzar con ningún método para que revele su fuerza delirante. Este significa que
cualquier imagen aportaba datos reveladores y que por lo tanto que había que molestar
en deformarla; incluso alcanzaba su máxima potencia delirante cuando estaba pintada
de la forma más cuidadosamente realista, tal y como teorizó Salvador Dalí y René
Magritte.
Dalí nace en una familia acomodada de la burguesía catalana, ajena al mundo
artístico. En sus años escolares ya mostró una gran
capacidad para el dibujo, que lleva en 1921 a
trasladarse a Madrid e ingresar en la Escuela de
Bellas Artes de San Fernando, aunque su
permanencia estuvo llena de turbulencias provocadas
por sus carácter extravagante y polémico que le
llevaron a la expulsión en 1926. De esta época
madrileña data su amistad con Buñuel y Lorca, con
quíenes coincide en la Residencia de Estudiantes.
Fruto de las relaciones con este último Dalí realiza
algunos diseños de vestuario y escenograflas para
obras teatrales de Lorca. Dalí accede a través del
mundo intelectual de la Residencia a un ambiente
cultural nuevo, interesándose por las nuevas
corrientes artísticas, evolucionando hacia las
vanguardia,
Todavía no ha encontrado una personalidad
artística propia, sus primeras exposiciones nos
revelan un artista con un espléndido dominio del dibujo y con una estética fluctuante
entre las más pura tradición acadérnica e incursiones vanguardistas vinculadas al
cubismo o a la pintura metafisica. Como en " Muchacha a la ventana" (1925) donde el
misterio de la figura de rostro oculto o el interés por la mirada recuerdan las sensaciones
del arte de Chirico, aunque el tratamiento realista del tema y la solidez del dibujo
evidencian la personalidad propia de Dalí. Se trata de un retrato de su hermana Ana
María, que continua logros de pintores clásicos, como el incluir el cuadro dentro del
cuadro, o la ventana dentro del cuadro. La importancia del paisaje sigue siendo muy
grande, un paisaje que Dali no consideraba como un elemento aislado, sino en relación
con el personaje, esa relación entre los personajes y el paisaje con el paso del tiempo
acabo haciendo que ambos se fundieran y fuera difícil distinguir el uno del otro.
En 1926 viaja por primera vez a París, repitiendo el viaje al poco tiempo. Allí
conoce a Picasso, Tristan Tzara y el nuevo ambiente artístico del surrealismo en pleno
auge. Se instala definitivamente en 1928. La libertad de pensamiento del surrealismo
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seducirá a Dalí, adhiriéndose a él tras la admiración que algunos de los fundadores del
surrealismo mostraron por su obra. En estos años conoce a Gala, amante de A. Bretón y
esposa del poeta Elluard, que se convierte en su compañera inseparable, su eterna musa
y modelo para la mayoría de sus cuadros. Las sucesivas exposiciones de Dalí en París
evidencia la capacidad creadora de estos años, Pinta el mundo de los sueños,
influenciado por las investigaciones de la psiquiatría y la psicología. Desarrolla el
método que el denomina "paronoicocrítico" y que define como el "medio espontáneo de
conocimiento irracional, basado en la asociación interpretativa crítica de los fenómenos
delirantes". Sus cuadros se llenan de imágenes desconcertantes, inquietantes, de un
universos de formas cartilaginosas, blandas, de interminables extensiones de terreno, de
luces ardientes y deslumbrantes, donde se mezcla lo humano y lo monstruoso. Como
fruto de sus experiencias surrealistas, va a realizar junto con Buñuel la película "El
perro andaluz".
En estos cuadros, Dalí a través del más puro formalismo académico, con un
dibujo claro de correctas perspectivas, que sólo son alteradas por la originalidad de sus
ideas pictóricas. Esto le permite plasmar visiones oníricas con objetos de la más pura
cotidianiedad como observamos en su
cuadro "La persistencia de la
memoria" (1931) definido por un
universo de relojes blandos, o "El gran
masturbador", en donde hace un
autorretrato fruto de sus complejos
sexuales y su compleja relación con
Gala... Junto a los temas sexuales,
plasma en esta época su obsesión por las
pesadillas o las visones terroríficas.
Reflejo de la situación política del
momento realiza cuadros como "El
enigma de Hitler" "Alucinación parcial,
seis apariciones de Lenin sobre un
piano".
A la vez Dalí empieza a pintar cuadros de "engaño visual" donde juega con el
doble sentido de los elementos plásticos, con
figuras ocultas entre otras, como en "El hombre
invisible", "El gran paranoico". Estos juegos
visuales con el tiempo desembocan en las
"imágenes múltiples” posibles por su absoluta
maestría en el dominio del dibujo que permitirá por
ejemplo que un frutero sea también una mujer de
espaldas ("Aparición de rostro y frutero en la
playa")
Junto a esta actividad estrictamente pictórica
Dalí explora en otras formas de expresión artística
como evidencian las distintas obras literarias que
escribe por estas fechas o la ya citada colaboración
con Buñuel en "Un perro andaluz".
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En 1933 comienza su éxito y el reconocimiento internacional, del que pronto
intentará sacar el mayor rendimiento económico posible: "Despues de Gala, lo que más
amo en el mundo es el dinero'” actitud que llegará a sus limites en los años finales en
perjuicio de su valoración como artista. Bretón llamaba a DAli
"Ávida
Dollars" (Salvador Dalí ) Esta actitud materialista, junto con sus ideología conservadora
y el empleo de numerosos academicismo en su obra le condujeron a la expulsión del
movimiento
surrealista, a lo que Dalí
responde diciendo "El surrealismo soy yo".
Las continuas referencias al mundo onírico no
excluyen la plasmación de la situación
histórica del momento como en
"Construcción blanda con habichuelas
cocidas, premonición de la Guerra Civil" ,
pero a diferencia de la crítica y el
progresismo de Picasso en el Guernica, Dalí
se muestra apolítico sin comprometerse con la
defensa de un bando u otro, aunque
posteriormente se vinculará al franquismo.
Durante la Segunda Guerra Mundial se
traslada a Estados Unidos, allí continua su
actitud destinada a llamar la atención entre la
alta sociedad americana (su principal
clientela) Abandona progresivamente la
experiencia surrealista, e inicia lo que se conoce como "época clásica", definida por una
mayor figuración, Analiza las diversas mutaciones de los objetos que producen visiones
fantasmagóricas como en "Las tentaciones de San Antonio" (1946) o mezcla realidades
contradictorias e impactantes como en "Sueño causado por el vuelo de una abeja en
tomo a una granada un segundo antes de despertar" (1944)
Estas tendencias figurativas realistas se acrecientan a su regreso a España, donde
pinta especialmente cuadros de temática religiosa, llenos de misticismo conforme a su
declaración de católico y hablar públicamente de su admiración a Franco. Este retroceso
ideológico, coincide con una mayor valoración de la pintura tradicional y de sus grandes
genios como Vermeer, Leonardo o
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Velázquez.
A esta época mística pertenecen cuadros como la "Ultima cena"(1955), ' Cristo
de San Juan de la Cruz", "Santiago, el Mayor" o "El sueño de Cristóbal Colón".
Los últimos cuadros de Dalí revelan una vuelta a la más pura tradición tanto
formal como temática. Es este momento se produce la consagración total del artista con
exposiciones retrospectivas, la inauguración del Museo Dalí en Figueras... su
consagración definitiva coincide con la época de menos fuerza creativa, de repetición de
modelos o un desmesurado deseo de
hacerse comercial.
De la misma generación que Dalí
hay que mencionar a otros pintores
surrealistas, como René Magritte
(1898-1967) de origen belga, su pintura
plantea el Surrealismo como un engaño de
la mente, como una trampa en la
percepción. “El arte de la pintura es un arte
del pensamiento, cuya existencia pone de
manifiesto la importancia que tienen en la
vida lo ojos para el ser humano”. Se
establece en París desde 1927, decide pintar
de forma realista, pero con una técnica
deliberadamente fría, representando los objetos de forma simplificada, fácilmente
reconocible..
estas representaciones se limitan a pocos objetos, repetidos en
asociaciones absurdas; cada objeto de forma aislada tiene su propia coherencia, pero al
aparecer asociado con otro descubrimos en una segunda mirada, un mundo insólito,
desordenado. Se centra en ocasiones en los problemas de la percepción, poniendo en
cuestión la existencia misma del cuadro, como “Ceci n´est pas une pipe” .
En España otros surrealista fueron el canario Oscar Domínguez y Maruja Mallo,
que desarrollaron su obra en el exilo después de la Guerra Civil.