1 1: Información básica Baile en el Moulin de la Galette hecha por

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1: Información básica
Baile en el Moulin de la Galette hecha por
Pierre Auguste Renoir. Pierre, nació el 25 de
febrero 1841 en Limoges,Francia .Murió el 3
de diciembre de 1919 en Cagnes-SurMer,Francia, a los 78 años de edad Esta obra
es sin duda la obra más importante de Renoir
a mediados de la década de 1870, fue
presentada en la exposición del grupo
impresionista de 1877. Esta obra se encuentra
en el Museo de Orsay y mide 131cm x 175cm.
El estilo de esta obra hecha por Renoir, es impresionista y la hiso de oleo sobre lienzo. Pierre tuvo
movimientos artísticos como por ejemplo, renacentistas y barrocas. Dentro de las obras más
destacadas del Sr Renoir se encuentran obras como: El cabaret de la mère Anthony, El pintor Jules
Le Coeur en el bosque de Fontainebleau ,Diana cazadora , Lisa , La señora Clémentine Valensi
Stora , Odalisca y El baile en en Moulin de la Galetta
2: Descripción general
En esta obra primero que nada el detalle más importante de la obra son las dos mujeres en los
bancos. Estas dos mujeres serian el centro de la obra. También se puede reconocer que se está
llevando a cabo una reunión o festival al aire libre. Se puede ver que el día esta soleado y hay
mucha alegría en las caras de las personas y se puede ver gente bailando. Esta gente baila gracias
a que hay una orquesta atrás, en el fondo de esta obra, tocando música. También se pueden ver
luces que iluminan esta escena. De esta escena también podemos ver que hay un lugar donde la
gente se puede sentar a comer y beber algo y que la zona de baile está rodeada por bancos de
madera donde se pueden ver barias mujeres sentadas por motivos imaginarios. Estas mujeres
están sentadas porque están cansadas, tenían calor o porque estaban esperando a ser invitadas a
bailar.
3: Análisis Formal
Esta obra es figurativa, ya que predominan formas similares a los círculos. Es una composición
dinámica porque la obra transmite movimiento atreves de las personas bailando. El centro de
interés en la composición esta, son aquellas dos mujeres abrazadas conversando con un
muchacho. No hay mucha sensación de espacio en ella ya que el único espacio que hay es al
costado de la pista de baile y luego todos los lugares de la composición están ocupados. Hay tonos
de colores que realza la profundidad como por ejemplo los tonos oscuros que se ven al final de la
composición. Las formas están distribuidas equilibradamente en la obra.
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Esta obra es acromática ya que claramente se puede ver que no está hecha de un solo color sino
que predominan los siguientes colores: Azul, negro, amarillo, etc. En la obra hay colores
secundarios como el verde en el árbol, primarios como el amarillo que vendría a estar en los
sombreros de los caballeros, colores análogos no se pueden distinguir casi en la obra y colores
complementarios son claramente los que predominan en la obra ya que hay tonos amarillos,
azules y verdes. Predominan los colores fríos ya que hay más colores de ellos como el azul, verde,
ect.
La luz y la oscuridad se proyectan a través de las copas de los árboles. Ya que la parte que se
encuentra debajo del árbol se encuentra tapada por la sobra de este. La luz aparece en el suelo en
las partes que no se encuentran debajo de los árboles y también aparece por los faroles. Hay
gama de contaste tonal ya que se puede diferenciar el tono fuerte de los sacos de los caballeros
con el aire alrededor por ejemplo las hojas de los árboles, o el suelo.
Las formas que se utilizan en esta obra son orgánicas ya que son curvas, especies de círculos, no
son exactas como las inorgánicas que requieren de la ayuda de la geometría. Hay mescla de
formas ya que hay círculos, las caras de las personas, una especie de cilindro en el banco.
La dirección de la línea del cuadro es en diagonal y lo que produce es la división del cuadro. En la
parte superior de la reunión donde la gente baila de la parte inferior donde las personas están
sentadas. En el primer plano de la obra predominan las líneas verticales y rectas, en el segundo
plano predominan las líneas moduladas.
El medio que ha sido utilizado en esta obra es la pintura al óleo. Esta obra fue pintada
minuciosamente ya que tiene muchos detalles y sombras. Lo que me hace pensar esto es los
detalles que tienen las personas en su ropa y las caras de las dos mujeres principales.
4: Interpretación
El tema principal o la idea detrás de esta obra es que en aquella escena se está celebrando algo. La
gente está feliz y se reúne para festejar un evento bailando y charlando. LO que nos quiso
transmitir el artista atreves de esta obra es que el Baile en el Moulin de la Galette era un evento
donde se festejaba alegremente y la gente disfrutaba. Para crear un estado de ánimo el artista no
usa formas geométricas que resultarían aburridas, sino que usa formas más circulares, líneas
curvadas y rectas. También utiliza colores alegres no tristes como el negro. Utiliza el amarillo,
verde, blanco y azul. Por lo menos a mí estas cosas fueron las que me causaron un estado de
ánimo.
5: Juicio
Yo no soy quien para juzgar a un artista como este pero tal vez al comunicar formas más
geométricas pero con más colores alegres podría transmitir un estado de ánimo de manera
diferente. Lo que cambiaría seria el tipo de formas y líneas pero aumentar los colores primarios,
para mí que vendrían a ser los alegres.
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1: Información básica
Desayunando sobre la hierba, hecha por Edward
Manet nació el 23 de enero de 1832 en
Paris,Francia. Falleció a los 51 años, el 30 de abril
de 1883 en Paris, Francia. Fue un pintor francés,
reconocido por la influencia que ejerció sobre los
iniciadores del impresionismo. Hijo de un
importante funcionario del ministerio de Justicia.
Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Sus obras más
importantes fueron Música en las Tullerías (1862), Olimpia (1863), Retrato de Émile Zola y La ninfa
sorprendida.
Desayunando sobre la hierba fue creada en 1863 y ahora se encuentra en el museo de Orsay.
Mide 214cm x 269’9cm. El estilo que utiliza Eduardo es el Impresionismo y la realizo con óleo
sobre lienzo.
2: Descripción general
En esta obra podemos ver claramente res personas sentadas en una especie de bosque
compartiendo un buen momento. Dentro de estas tres personas hay dos hombres y una mujer.
Los hombres están elegantemente vestidos pero la mujer se encuentras sin ropa, desnuda. La
mujer tiene una de sus rodillas flexionada y los hombres están recostados apoyando uno de sus
codos en el pasto. La mujer tiene el codo apoyado en el piso, y su mirada es hacia el horizonte.
Pero si lo vemos de otro lado, esta mujer mira al que está viendo la obra artística. Al costado de la
mujer desnuda se puede ver claramente una canasta, que supongo que está llena de comida, y
abajo del canasto hay como una especie de mantel azul o el vestido de la mujer. Se puede ver que
a lo lejos, donde el bosque ya se abre y hay más luz, hay otra mujer que se encuentra casi sentada
mirando el piso, y se puede decir que está recogiendo comida. Ambos hombres tienen un saco
negro pero uno de ellos tiene el pantalón más gris oscuro y otro tiene el pantalón blanco. El
hombre de más a la derecha de la mujer tiene una corbata roja y se encuentra con uno de sus
brazos levantado apuntando al otro. Se puede decir que esta obra artística es un paisaje ya que
nos brindan una linda imagen de un bosque pero al mismo tiempo podemos decir que es una
naturaleza muerta ya que donde se encuentran sentados los dos hombres y la mujer están en una
zona del bosque donde es muy oscura y triste. Pero en el horizonte se encuentra una mujer donde
está en la parte más cálida del bosque. Es un muy lindo paisaje.
3: Análisis Formal
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Esta obra es figurativa ya que siempre conserva su fácil identificación. Esta obra es una
composición dinámica porque casi todos los elementos de la composición son difíciles de
entender, es decir que por ejemplo cerda de la mujer desnuda, no se entiende bien si es la ropa de
la dama o es un mantel, o un ejemplo mejor es que no se sabe si uno de los hombres esta elevado
o sentado en el piso. Hay mucha sensación de espacio ya que es al aire libre y el espacio es
atmosférico. Esta sensación está dada al uso de respectiva ya que se ve en el fondo una línea del
horizonte y todas las líneas diagonales de la cabeza de las personas van hacia el horizonte. Hay
diferencia de color ya que donde están sentados los hombres y la mujer está todo oscuro y eso lo
hace ver más de cerca pero en el horizonte es más claro entonces crea profundidad. Dentro de las
obras predominan las formas de los triángulos. El centro de interés de la composición es donde se
encuentran sentados los cuatro hombres y la mujer desnuda pasando un buen momento.
Esta obra es acromática ya que en ella hay más de un solo color. No es monocromática porque
esta echa de los colores verdes, amarillos, azul, negro, marrón, rojo, etc. Predominan los
complementarios y primarios. Predominan los colores saturados, pero como no brillan tanto, no
están tan saturados. Eso lo podemos ver en el horizonte, donde se encuentra una señora en
cuclillas. Los colores no llegan a brillar. En esta obra predominan los colores fríos ya que donde se
encuentra el centro de interés predominan estos colores. Pero en el horizonte de esta escena
donde hay una mujer también, se puede decir que en ese espacio predominan los colores cálidos.
Estos colores están utilizados por la temperatura. Dentro del bosque esta todo oscuro y se puede
ver que hace un poco de frio, pero al mismo tiempo podemos ver que hay una mujer desnuda.
Pero los hombres están de traje. Los presentan matices
Existen fuertes luces y sombras, y las sombras están tapadas por los matices verdes que están en
esta obra. La luz viene de en dirección de donde termina el bosque de donde se encuentra una
mujer recogiendo frutas. Hay una amplia gama de contraste tonal ya que hay valores altos y bajos.
Esto se puede ver en el final del bosque y dentro del bosque. Es decir, donde estaba la mujer sola,
y donde se encuentra el centro de interés de la obra. La luz se puede decir que también bien de los
espacios que hay entre los árboles. Por eso se puede decir que las personas están muchísimo más
iluminada que sus alrededores que serían los árboles, donde está toda la luz, y ahí se produce un
contraste.
Esta obra utiliza formas orgánicas ya que no las realizo con ayuda de la geometría sino que son a
ojo. Las formas son abiertas. Hay mescla de formas pero hay varias similares por ejemplo el
triángulo se presenta en muchas partes de la obra. Pero también hay ovaladas, etc.
Hay una línea que es la que más se puede reconocer que es la que va hacia el horizonte. Luego se
puede ver que en las sobras del bosque se pueden ver muchas líneas cortas y curvas. Líneas
onduladas.
Ambos, el fondo y la figura, son complejas. Ya que las figuras principales están realmente bien
detallada y el fondo también.
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El medio que utilizo fue la pintura al óleo sobre lienzo. Fue pintada de manera minuciosamente.
Esto me hace pensar ya que por lo bien que está hecha la canasta, las tres perdonas principales de
la obra.
4: Interpretación:
La idea detrás de esta obra, para mí, es lindo paisaje que se encuentran en las selvas. El lindo
momento que pasan entre amigos charlando. Para mí lo que quiso transmitir atreves de esta obra
fue el paisaje y el movimiento que hay dentro de él. Para crear un estado de ánimo crea como un
contraste de sombras donde se puede distinguir el clima en dos lugares distintos en una sola obra.
También el cambio de colores que usa en el centro de la obra y después en el horizonte es muy
bueno. Esto por lómenos a mí me produjo un sentido de ánimo.
5: Juicio:
Si, se podría generar de una manera distinto, por ejemplo que en el lugar donde se encontraban
sentadas las personas compartiendo el tono de los colores tendrían que ser más claros donde no
haya sombras y que en el horizonte se valla oscureciendo.
Kazuya Sakai
Óleo sobre tela. Pintada durante 1962. Sus medidas son
200x176 cm. Al ser una colección privada no se encuentra
en ningún museo.
Su producción está basada en temas y procedimientos
musicales o en homenajes a intérpretes y compositores de
la música experimental contemporánea y del jazz. Kazuya
Sakai nació en Buenos Aires en el seno de una familia
japonesa y regresó a Japón a educarse, mientras allí se
sobrevivía a la Segunda Guerra Mundial. De vuelta en
Buenos Aires, en 1951, comenzó a pintar de manera
autodidacta y sus primeras obras se inscriben dentro de la corriente de la abstracción geométrica,
por lo que se vincula con el grupo de artistas concretos locales. Al mudarse a México al principio
de los 70’ introduce allí el arte con figuras geométricas por primera vez. En 1957 participó de las
exposiciones Primer Salón de Arte No Figurativo en la Galería Peuser, y Siete pintores abstractos
en la Galería Pizarro, junto con Osvaldo Borda, Víctor Chab, Josefina Robirosa, Martha Peluffo,
Rómulo Macció y Clorindo Testa. Sus obras figuran en distintos museos alrededor del mundo y/o
en colecciones como la del MACBA y museos como el Museum of Modern Art de Tokio, el Museu
de Arte Moderna do Rio de Janeiro, y los museos Nacional de Bellas Artes y de Arte Moderno de
Buenos Aires. En 1977, se trasladó a Estados Unidos por una convocatoria de la Universidad de
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Texas en Austin, para trabajar como profesor de estética y artes visuales, lo que hizo durante 20
años. Murió en 2001 en la ciudad de Dallas, Texas.
En la obra podemos observar poco color. Puedo ver manchas negras, blancas y algunas rojas. Es
una figura abstracta. La composición es dinámica ya que pareciera que se encuentra en pleno
movimiento. Existe una pequeña sensación de movimiento. El espacio está dado por la
superposición de las distintas partes de la obra. El color no realza la profundidad. El artista utiliza
una paleta muy reducida, en la que usa principalmente el blanco y el negro. La obra es acromática.
La mayoría de los colores, aunque son muy pocos son complementarios. El artista utiliza colores
neutros pero hay algunas excepciones en los que los colores están más mezclados. Predominan los
colores fríos. Los colores están utilizados según el tono y presentan algunos matices.
En esta obra existe el uso de la luz pero no de la sombra. La luz viene del exterior de la obra y es
arbitraria. Existe una amplia gama de contraste tonal con valores muy altos y muy bajos.
En la obra se utilizan formas cerradas pero indefinidas. Son inorgánicas. Las formas son
mayoritariamente similares pero hay algunas que se caracterizan por su indefinidez y su
particularidad.
Las líneas provienen de todas la direcciones. Son moduladas, es decir que su grosor varía a lo largo
de su recorrido y la forma que tienen es continua y recta con la excepción de algunas que son más
onduladas.
Se puede decir que hay un ritmo en la composición que está marcado por las líneas de la obra.
Entre el fondo y la figura hay un pequeño contraste pero al no estar muy definida la obra este
contraste no se destaca demasiado. Igualmente, está identificado con el color que se utilizó para el
fondo y el color que se utilizó para todo el resto de la obra. La figura que se presenta es muy
indecisa. En cambio el fondo es más complejo.
En la obra hay una pequeña textura que es visual. La obra fue pintada. El uso de materiales es
gestual porque pareciera que el autor de la obra se inspiró en algún elemento para realizarla por
todas las representaciones de movimiento que hay. Yo pienso que no hay ninguna relación entre
el mensaje de la obra y el material que utilizó el artista.
Yo pienso que el tema principal de la obra es representar una tarde oscura y fría de la vida del
pintor en la que con un poco de esperanza esperaba el día en que se le diera lo que estaba
esperando y luchando para poder lograrlo. El fondo o lo naranja de la obra representa ese calor
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que te transmite esa esperanza de que todavía se puede. Después de haber investigado sobre el
autor, creo que el artista quiere mostrar los sentimientos que te provoca el jazz. Para crear un
estado de ánimo característico utiliza este gran contraste de color y las líneas fuertes que
representan dolor y angustia.
Éste mismo estado de ánimo se podría representar utilizando colores fríos y creando sentimientos
de soledad. Esta situación se podría cambiar de diversas maneras. Una de ella podría ser darle un
poco más de color y de forma a la obra para que se muestre un poco más lo que está pasando y se
pueda definir la situación. Otra sería alegrándola un poco más con colores más cálidos y formas
moduladas y homogéneas.
Pintura Madí o persistencia de un contorno Madí
Esmalte sobre madera terciada. Tamaño: 44x84 cm. Fue pintada durante
1946. La obra se encuentra en una colección privada, en Buenos Aires. El
autor es Rhod Rothfuss.
Carlos María Rothfuss nació en 1920 en Montevideo. En 1938 ingresa en el
Círculo de Bellas Artes. A principios de los ‘40 estudia en la Academia de
Bellas Artes de su ciudad natal, donde en 1939, en una exposición de Emilio
Pettoruti, conoce a Carmelo Arden Quin. En 1946 funda el Movimiento
Madí junto a Arden Quin, Gyula Kosice y Diyi Laañ, entre otros. Con el
grupo participa en la1ª Exposición MADI, realizada en la galería Van Riel
(1946), donde se da a conocer el manifiesto, se exhiben pinturas, esculturas, poemas, maquetas
arquitectónicas y se realizan audiciones de música y espectáculos de danza. Entre 1945 y 1950
crea esculturas abstractas con algunos componentes practicables y utiliza rombos y figuras
geométricas irregulares en sus pinturas. En Montevideo integra la exposición Arte no figurativo,
realizada en la Facultad de Arquitectura de la Universidad (1952), que dedica una sala a Madí.
Fallece en Montevideo el 31 de diciembre de 1969.
En esta obra podemos observar distintas figuras, rellenadas con colore como el amarillo, verde,
azul y rojo. También podemos observar líneas bien marcadas y un fondo. Esta obra es una figura
geométrica.
La figura es figurativa. Presenta una composición estática. Existe una sensación de espacio que es
atmosférico. El espacio está dado por los indicadores de espacio que hay en la obra. El color no
realza la profundidad. Las formas están distribuidas equilibradamente en toda la obra. No hay un
centro de interés específico.
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El artista utiliza una paleta muy ajustada, solamente cuatro colores, azul, verde, amarillo y rojo;
además del negro para las líneas. Es una obra acromática. Los colores son primarios y secundarios.
El artista utiliza colores neutros. Predominan los colores cálidos. Los colores están utilizados según
el tono y han sido aplicados de forma plana.
En la obra no existe ni el uso de valor ni el de sombra. La luz es predominante de la propia obra.
No viene de ningún lado sino que predomina en la obra. La gama tonal es más o menos parecida.
Se utilizan formas orgánicas, las cuales se encuentra cerradas. Las formas tienen un estilo parecido
pero son todas de diferente tipo o de diferente tamaño.
Las líneas son verticales y horizontales. También, son homogéneas y algunas son onduladas
mientras que otras son curvas, rectas y/o continuas.
En la composición existe un cierto ritmo característico, el cual está marcado por las líneas y el
color.
El medio que ha sido utilizado es la madera terciada. En la obra no hay una textura visible. Yo
pienso que la obra fue pintada porque podemos observar algunos rasgos que nos identifican esto.
Creo que una relación entre el mensaje de la obra y los materiales que usó porque yo pienso que
el autor trata de ejemplificar lo simple que puede ser la vida y como se puede comparar con unas
simples figuras geométricas que pueden ser utilizadas por un niño de tres años para jugar.
Yo pienso que la idea principal de esta obra es comparar la vida real con unas simples figuras
geométricas. Creo que las figuras geométricas están para representar distintos elemento,
momento, épocas de la vida. Hay veces en las que uno gira alrededor buscando alguna respuesta.
Hay veces que uno crece estrechamente y no piensa en lo que hace. Hay veces que uno se da
cuenta de lo que hizo y trata de volver atrás pero no puede, entonces el camino se ensancha en
busca de alguna dirección que no se consigue y se crea un vacío interior. Y hay veces en las que
uno recuerda todo lo que hizo y se lamenta pero trata de seguir adelante y olvidar todo lo que
sucedió un tiempo atrás.
Yo creo que este estado de ánimo se puede generar con paisajes del mundo, con imágenes del
pasado o con más figuras geométricas que te hacen pensar acerca de tu vida. Esta situación la
podría cambiar pensando antes de actuar, en cada decisión que voy a tomar para después en un
futuro no arrepentirme de lo que hice. Esta obra puede ser muy relevante en el estudio del
Madismo ya que nos da una pequeña idea de las características de este movimiento artístico y de
lo los artistas trataban de mostrar con sus obras.
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Asado Criollo, Marcos López
1: Información básica:
Asado Criollo, hecha por Marcos López quien nació en 1953 en Santa Fe, Argentina. Ingreso a la
Universidad Tecnológica Nacional donde comienza a tomar fotografías en 1978. En 1982 abandona
los estudios universitarios para dedicarse por completo a la fotografía. La obra más destacadas de
todas las que creó el, fue “El Martir”. [NO ENCUENTRE MUCHA INFORMACION BASICA DEL AUTOR,
POR EJEMPLO SI PERTENECIO A UN MOVIMIENTO ARTISTICO O NO, ETC]
2: Descripción General
Dentro de esta obra, se puede ver que hay una reunión de hombres donde se juntan a comer
asado. Esto es un tradición en argentina, el asado. Se puede ver cómo están todos disfrutando de
la carne y de muchos tipos de comida más. Hay 13 hombres y se puede ver como esta vestido cada
uno. De algunos podemos ver que llevan la camiseta de su equipo puesto, ya que en la argentina
el fútbol es una tradición también. En el centro de la mesa, se puede ver que hay un hombre
parado, en cuero, con el pelo largo, mirando a los que disfrutan de esta obra, cortando la parte de
carne más grande de toda la mesa. Se puede observar que están en una zona amplia y despoblada.
Es un muy lindo día y lo que se puede ver es también las típicas bebidas argentinas.
3: Análisis Formal
Esta obra es figurativa ya que conserva su facilidad para la identificación de la obra. Esta obra es
dinámica ya que se puede ver como las personas llevan su alimento a su boca, o como se sirven
agua o también como cortan su comida. Hay sensación de espacio ya que el espacio es
atmosférico y esto está dado por indicadores del espacio. Porque en el horizonte se puede ver un
gran campo, muy amplio lleno de espacio. Si están las formas distribuidas equilibradamente en la
obra ya que en la mesa podemos distinguir que la mesa es un gran rectángulo y las bebidas son
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cilindros asique, si están bien distribuidas. El centro de interés en la composición es la mesa
enorme pero más que nada es el hombre parado con el pelo al viendo y mirando fijo a la
fotografía.
No utiliza ninguna paleta entonces no utiliza paleta sino que una cámara de fotos. Es acromática
ya que se pueden distinguir más de dos colores. Los colores complementarios son los que
predominan en esta obra ya que el color verde es el que más se puede ver en la obra. Pero
también dentro de la obra misma, podemos encontrarnos con colores primarios y secundarios.
Utiliza colores saturados, ya que el brillo del color blanco es muy impactante y también el verde en
el horizonte en algunas partes también está un poco saturado. Utiliza colores cálidos. Los colores
están utilizados según la temperatura.
Hay uso de luz ya que la luz principal se encuentra en la pesa. La luz cae sobre la mesa y produce
que todos los objetos, personas, etc brillen más. Hay muy poca sobra en esta obra. La única
sombra que se puede ver dentro de esta fotografía, es la sombra de los árboles, en el horizonte. Y
también hay sobra bajo la mesa. Si hay una gama tonal muy similar ya que los valores son muy
similares. Dentro de la mesa hay tonos muy altos de luz, pero bajan los tonos debajo de la pesa o
en las sombras de los árboles.
Se utilizan formas orgánicas y inorgánicas. Digo esto porque dentro de las formas orgánicas
podemos ver que hay objetos que se realizaron con la ayuda de la geometría por ejemplo la mesa
o los cuchillos etc. Pero también hay formas inorgánicas que son las personas o los árboles. Son
formas abiertas. Hay una gran mezcla de diferentes formas son desde ovaladas a rectas.
Todo tipo de líneas, curvadas, rectas, onduladas, etc. Las rectas se encuentran en la mesa o los
cuchillos. Las onduladas y curvas de los troncos de los árboles.
Hay ritmo por la repetición de personas realizando distintas actividades con las manos.
Hay un contraste en con el fondo de la obra, ósea que las personas se ubican en un plano mucho
más cerca con colores que las destacan y hacen resaltar del fondo. Ambos son complejos debido a
que la figura del plano principal que serían las personas comiendo en la mesa, está compuesto por
varios planos utilizando distintos recursos y el fondo también está compuesto por varios planos
dados por los árboles.
El medio que ha utlizado es la cámara de foto. La textura es visual ya que textura no puede ser
porque es una fotografía. Fue sacada con una cámara de foto. No fue pintado ni dibujado ni
esculpido. Únicamente utilizo una cámara de foto. El mensaje que nos deja el autor sobre esta
obra, seria sobre el asado criollo. Pero no creo que tenga ninguna relación el asado criollo con una
cámara de fotos. La relación que puede ser es la diferencia de años, es decir, lo viejo que es el
asado criollo y como se mantuvo como una tradición y llego a la época más moderna, hoy en día.
4: Interpretacion
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La idea detrás de esta obra y el tema principal, es tratar de transmitir la tradición del asado
criollo en Buenos Aires haciendo un paralelismo con la última cena de Leonardo Davinci.
Los colores también crean un estado de ánimo muy distinto al de la última cena, ya que esta
es más vivaz, cambia la intención, es un encuentro de festejo no anuncia nada trágico como
lo sucedido en el pasaje bíblico.
Bibliografía
Páginas web
ArteHistoria (2008)
Ingresado 06/05/2014
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/1529.htm
Historia del Arte (2012) - (Maria Dolores Granja-Licenciada en Filosofía y Letras de la Universidad
de Valladolid en 1970) Ingresado 06/05/2014
http://www.selectividad.tv/S_A_1_2_4_S_almuerzo_en_la_hierba_de_manet.html
MailxMail.com (1995)
Ingresado 06/05/2014
http://www.mailxmail.com/curso-teoria-color/colores-primarios-secundarios-terciarioscomplementarios-efectos-psicologicos-color
Desarrolloweb.com ‘’Teoría del color. Propiedades de los colores’’
Ingresado 06/05/2014
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1503.php
Arts4x.com ‘’Inorgánico ‘’ (2011)
Ingresado 06/05/2014
http://www.arts4x.com/spa/d/inorg%C3%A1nico/inorg%C3%A1nico.htm
Terra ‘’Kazuya Sakai: La pintura desde el espíritu de la música’’ Ingresado 06/05/2014
http://noticias.terra.com.ar/sociedad/kazuya-sakai-la-pintura-desde-el-espiritu-de-lamusica,6dce402adf950410VgnCLD2000000ec6eb0aRCRD.html
BuenosAires.gob.ar Ingresado 06/05/2014
http://www.buenosaires.gob.ar/areas/cultura/arteargentino/04biografias/rothfuss.php