INTRODUCCION I) Presentacion del cuadro.

INTRODUCCION
Vamos a estudiar el cuadro de las Hiladeras, pintado por Velazquez. Veremos a lo largo
de nuestra explicacion que se plantean diferentes interrogaciones, tanto sobre la fecha del
cuadro como su
interpretacion o la intencion de Velazquez. Entonces, dividimos nuestra explicacion en
tres partes. Primero, vamos a presentar el cuadro, luego, vamos a describirlo y para
terminar vamos a intentar dar
diferentes interpretaciones. Entonces, pasamos a la primera parte : la presentacion del
cuadro.
I) Presentacion del cuadro.
El titulo del cuadro es problematico. En efecto, hay diferentes titulos para esta obra. Al
principio, recibio por titulos La escuela de lanificacion y las hilanderas. Pero, los
inventarios de las colecciones
reales que registraban los cuadros de Velazquez no mencionaban este cuadro hasta 1772
en que se le citaba en el palacio como procedente del Buen Retiro y bajo el titulo de Una
fabrica de tapices y
varias mujeres hilando y devanado. Finalmente, aparecio en el inventario de 1794 bajo el
titulo de Las Hilanderas, nombre dado por Mengs en su carta a Pinazo en el tomo VI de
su Viaje a España.
Y posteriormente, Diego Angulo lo interpreto en clave mitologica y le dio el titulo de la
Fabula de Palas y Aracné. La facha, en cuanto a ella, no es cierta. En efecto, podemos
considerar varias
opiniones. Perez Sanchez duda sobre si se realizo antes o despues de su regreso de Italia
en 1651. Brown, expone que si bien los cuadros no estan documentados es generalmente
admitido que fueron
realizados en torno de los años 56-58. Fernando Checa, en cuanto a él, afirma que
Velazquez pinto por Don diego de Arce su obra en el momento final de su carrera hacia
1656 o aun un poco después.
Y por fin, Fernandez, Azcarate y Casado y Lopez creen tambien que su realizacion es
posterior a Las Meninas y la situan en 1657, fecha que es aceptada de forma general.
Entonces, no se puede decir
con certidud en qué año Velazquez realizo esta obra. El cuadro tiene otra particularidad.
En efecto, la obra, situada en el museo del Prado, esta expuesta alternativamente con sus
dimensiones reales es decir
167x252cm y con los añadidos y entonces, mide 220x289cm. En efecto, hubiera sido
deteriorado durante el incendio del Palacio en 1734 y de hecho, añadidos fueron
realizados. Podemos verlos en esta
fotografia. Entonces, ahora vamos a interesarnos un poco por el tema del cuadro. Durante
mucho tiempo, la obra esta considerada como un cuadro de género con la representacion
del taller de hialnderas.
En efecto, la escena muestra unas mujeres trabajando en el taller de la fabrica de tapices
de Santa Isabel. Pero hoy, esta probado que ese cuadro trata de un tema mitologico.
Veremos esto en la parte
"interpretacion del cuadro". Ahora vamos a describir el cuadro.
II) Descripcion del cuadro.
A) Descripcion general del cuadro.
1) El primer plano.
Entonces, voy a intentar hacer una descripcion precisa y ordenada. Vamos a describir el
cuadro empezando por el primer plano, de la izquierda a la derecha. Leugo, pasaremos al
segundo plano, también
con una descripcion de la izquierda a la derecha y por fin, veramos el tercer y ultimo
plano de la izquierda a la derecha. 1) Primer plano. Entonces, el primer elemento que
notamos es una cortina de color
rojo sostenida por una mujer. Esta mujer esta inclinada hacia una vieja. Probablemente
esta hablando con ella. Tiene el pelo castaño peinado en moño. Lleva un camison blanco
y una falda de color naranja.
Delante de sus pies aparece algo negro pero no distinguimos lo que puede ser. Quizas sea
simplemente una sombra. Al lado de la mujer encontramos a una vieja. Esta mirando a la
primera mujer y como lo
hemos dicho antés, esta hablando con ella. Pero, al mismo tiempo, esta hilando lana con
el torno. Tiene también el pelo castaño. Lo vemos un poco delante del pañuelo blanco
que lleva en la cabeza y con
sus cejas. Lleva un vestido negro y debajo lleva probablemente un camison blanco cuya
manga puede verse en su brazo izquierdo. Tiene la pierna izquierda descubierta y vemos
asi que esta descalza y
debajo de su pie aparece un tejido marron o negro. Vemos muy bien lo que esta haciendo.
En efecto, la vieja, con la mano derecha hace girar la rueda de hilar y en la mano
izquierda esta sostenindo un hilo
de lana que va a pasar en la rueda. Y por fin, notamos que esta representado un ovillo de
lana bajo la rueda. Algunos criticos creen reconocer en su postura un ignudi de la Capilla
Sixtina. En efecto podemos
ver muy bien una simulitud entre los dos. Luego, detras de la
pierna de la vieja, notamos la presencia de un gato. Esta blanco y negro y
mira hacia el sol o quizas mire un ovillo de lana que esta en el suelo. En el centro del
cuadro, en el primer plano, en el suelo esta un ovillo de lana. Esta dispuesto entre la vieja
y la mujer de derecha y frente a
la mujer del fondo. Y también, frente a esta mujer estan disparados trozos de lana. La
mujer del fondo esta morena y lleva un corsé negro o marron y un camison blanco cuyas
mangas estan subidas y lleva
una falda roja. Esta descalza. No sabemos bien lo que esta haciendo. Podemos pensar que
esta recogiendo lana en el suelo. Luego, vemos a una mujer jovén con el pelo de color
moreno, peinado en moño y
con una cinta (ruban) blanca. Tiene el pelo rizado.Lleva un camison blanco con mangas
subidas y una cintura ancha blanca y una falda azul. Ella también esta descalza y se va
una parte de su pierna. No se
puede ver su cara porque da la espalda al espectador. En su puño izquirdo lleva una
pulsera negra. Esta sentada sobre un banco de madera donde se encuentra también un
tejido rojo. Y esta enrollando su
ovillo de lana con mucha agilidad. Distinguimos a penas los dedos de su mano izquierda.
Otra vez mas, Velazquez consigue mostrar el movimiento con mucha perfeccion. Y aqui,
otra vez mas, los criticos creen reconocer otro ignudi de la Capilla Sixtina y aqui tambien
la similutud es evidente. Al lado de esta mujer, vemos a otra
mujer jovén. Esta rubia y tiene el pelo peinado en moño con una cinta roja. Esta de perfil
y esta inclinada hacia la mujer jovén. Esta apoyada sobre una cesta de mimbre donde
estan dispuestos tejidos y
probablemente lana. La mujer lleva una camisa blanca : podemos ver una parte de las
mangas y el cuello. Y por encima de esta, lleva otra camisa de color marron. Tiene las
mangas subidas. En el cuadro
original no se puede ver la falda de la mujer pero en los añadidos percibimos una parte de
esta. Podemos suponer que esta negra.
2) El segundo plano.
En el segundo plano, vemos detras de la primera mujer una pila de vestidos o tejidos no
sabemos bien. Son de color azul, ocre, rojo... En realidad los colores se mezclan en la
pila. Luego, podemos ver una
escala apoyada contra la pared. Luego, percibimos las dos marchas que conducen hacia la
escena superior. Y por fin, sobre la pared de derecha aparece un monton de lana
suspendido a esta pared. Y al
lado de esta lana, descubrimos una abertura que conduce probablemente a otra
habitacion.
3) El tercer plano.
Pasamos al tercer y ultimo plano de nuestra descripcion. En la parte superior del cuadro,
notamos que estamos en otra habitacion, es como si ya no estuvieramos en el taller. El
decorado es diferente y les
mujeres tambien. A la izquierda, vemos una silla en la que esta apoyada una viola de
gamba. Al lado de esta viola de gamba vemos a una mujer elegamente vestida. En efecto,
lleva un vestido de color mas o
menos amarillo, tiene el pelo castaño y apoya su mano sobre el (dossier) de la silla y esta
miranda hacia la escena interior,probablemente esta mirando el tapiz. Luego, vemos a un
personaje que lleva un
casco de metal, una camisa blanca y por encima tenemos la impresion de que lleva una
armura y lleva un (bas) de color mas o menos rojo. Esta mirando hacia el personaje que
esta frente a él y lleva la mano
derecha hacia el cielo. Después, vemos al otro personaje que tiene también el pelo
castaño. Lleva una camisa blanca y parece que sus mangas estan subidas, una falda de
color marron y entre la camisa y la
falda, lleva una especie de cintura roja. Tambien, sobre la camisa vemos una linea negra,
pero no distinguimos a lo que corresponde. Esta mirando al personaje con el casco y
dirige su brazo derecho hacia el
suelo. Luego, a la derecha, vemos a otra mujer con el pelo mas o menos rubio que lleva
un vestido de color rojo. No sabemos bien si esta mirando al espectador o si esta
hablando con la mujer que esta a su
izquierda. Y detras de ella distinguimos también un tapiz pero no sabemos si es una
continuacion del tapiz o si es un refejo como si hubiera un espejo que refleja la imagen
del tapiz. Luego, vemos a la ultima
mujer que tiene el pelo castaño, atado en moño y que lleva un vestido de color azul y
sobre las mangas vemos dos trozos de tejido rojo, pero no sabemos si son mangas bobas
o si representan una estola. Y
acabamos con la descripcion del tapiz. Vemos que esta lujoso. Esta (bordé) por una (frise)
que mezcla diferentes colores como por ejemplo el rojo, el negro y probablemente el oro.
Lo que podemos
distinguir del tapiz es el cielo gris y azul y también vemos claramente a dos angeles.
Luego vemos verde y rojo pero no sabemos bien lo que representan estos colores. Y
ademas, no sabemos si los dos
personajes centrales en la parte superior pertenecen al tapiz o no. Y por fin, la habitacion
superior esta decorada sobre los añadidos por una decoracion redonda.
B) La técnica de Velazquez.
1) La luz ; elemento para poner de relieve el arte.
Notamos inmediatamente al mirar el cuadro que la luz esta demasiado presente en el
tercer plano que en el primero. En efecto, Velazquez consigue dirigir la mirada del
espectador gracias a la perspectiva
pero también gracias a la luz. Al iluminar la escena del fondo, el espectador sigue la luz.
También, el hecho de dar una luz menos intensa en el primer plano confiere a las figuras
de las hilanderas, segun
Azcarate y Casado, un vibrante sentido de realidad. Ademas, gracias al fondo claro del
escenario y a la oscuridad de la pared, resalta claramente la luz y el color del tapiz.
Entonces, para resumir, el tapiz
recibe una luz que destaca los colores mientras que las paredes de la fabrica reciben una
luz oscura que da una impresion de desnudez y tristeza pero al mismo tiempo de realidad
a la habitacion. Por lo tanto,
el ambiente prosaico del lugar donde uno trabaja se opone a la atmosfera poética del
lugar donde esta expuesta la obra acabada.
2) Los colores.
En cuanto a los colores, Velazquez usa aqui gamas reducidas, una paleta casi monocroma,
en capas (couches) de pintura finas y diluidas. Podemos ver en estas caracteristicas, las
preocupaciones de
Velazquez sobre el hecho de reivindicar la pericia (habileté) del pintor por encima del
valor de los pigmentos. Utiliza una gran variedad de ocres, tierras, oxidos aplicados
también de una manera poco comun
a su época : muy diluidos y con pinceles de astas (manche) finas y largas. De ahi viene el
caracter abocetado que presentan las hilanderas y especialmente la que se encuentra en el
centro del cuadro.
Podemos decir que este método de borrones y manchas demuestra el dominio de
Velazquez en el manejo de los pinceles, ya que es capaz de transformar una mancha en
figura, segun la distancia del
espectador.
3) El movimiento.
En el cuadro, el movimiento se ve primero de manera general. En efecto, cuando
miramos el cuadro por primera vez, tenemos la impresion al entrar en la fabrica de ver los
movimientos de las hilanderas.
Imaginamos muy bien la escena que se esta desarrollando. Imaginamos el ruido del torno
y también las hilanderas hablando. Al mirar el cuadro, entramos directamente en la
accion. Pero, los dos elementos
que muestran muy bien el movimiento son el torno y los dedos de la mujer joven. En
efecto, la vieja, con la mano derecha hace girar la rueda de hilar y eso aparece claramente
con los rayos que desaparecen
debajo del impulso de la mano y asi imaginamos la rapidez del movimiento. Y luego, la
mujer joven que esta enrollando su ovillo de lana lo hace con tanta rapidez que apenas
distinguimos todos sus dedos.
Y con estos dos ejemplos podemos decir que el arte de Velazquez culmina. Algunos
pintores diran que Velazquez consigue anticiparse al Impresionismo.
III) Interpretacion del cuadro.
Algunos autores excluyen toda interpretacion simbolica, y hablan del cuadro diciendo
que solo representa la visita de tres damas a la manufactura de Santa Isabel. Podemos
decir que si es el caso, Velazquez consigue algo fantastico. En efecto, coloca la escena
principal, es decir la visita de las tres damas, al fondo del cuadro y crea asi una
perspectiva interesante ya que tenemos asi un cuadro en el cuadro. Notamos que Le Brun
hizo la misma cosa con su cuadro de Visite de Louis XIV à la manufacture des Gobelins
para poner de relieve el trabajo de las hilanderas.
Se dice que al pintar este cuadro, Velazquez quiere indicarnos que la pintura es un arte
liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesania como la labor que realizan las
mujeres en primer término. Despues, tenemos la interpretacion mitologica que podria ser
la mas probable en cuanto al titulo de la obra. En efecto, el cuadro tiene como titulo la
Fabula de Aracné. Eso hace referancia a Las Metamorfosis de Ovidio. La leyenda cuenta
como Palas-Atenea es decir Minerva, habil en todos los artes, se enfado al enterarse de
que Aracné, una tejedora de la cuidad de Lidia, se jactaba de tejer mejor que la Diosa.
Entonces, Minerva propuso una contienda (compétition) para averiguar la que de los dos
tejaba mejor. Una vez los tapiz acabados, Minerva descubrio que Aracné represento a
Jupiter, padre de la Diosa, bajo la forma de un toro para seducir a la joven Europa. Asi,
Minerva decidio castigar a Aracné tranformandola en araña con la meta de tejer toda su
vida. Entonces, vamos a ver por qué podemos decir que este cuadro representa una
escena mitologica y en particular la de la contienda entre Atenea y Aracné. Vosters
acompañado por Angulo y sus partidarios nos proponen lo siguiente. La escena del
primer término retrata a la joven Lidia, que podemos ver a la derecha, vuelta de espaldas
y trabajando afanosamente en su taller con sus obreras preparando hilo que empleara para
sus bellos tapices. Ella asegura en este momento ser superior a Atenea en este oficio. A su
lado se encuentra la diosa Atenea que, como lo dice el texto de Ovidio, finge ser una
anciana y añade falsas canas a sus sienes. Atenea aconseja a Aracné que mida sus
palabras de desafio ante los dioses y que se contente con ser la mejor tejedora entre las
mortales. Sabemos que se trata de la Diosa Atenea porque, a pesar de su aspecto
envejecido, Velazquez la representa con una pierna de ternura adolescente. Al no
escuchar los consejos de la diosa, Aracné, se encuentra frente a ella con el desafio de tejer
un tapiz mejor que el de la diosa. Asi, la contienda empieza. Las dos mujeres tejen con
gran rapidez. Entonces, el primer plano, representa tanto el momento en que Atenea da
consejos a Aracné, como la contienda entre las dos. El segundo plano, en cuanto a él,
representa, siempre segun Angulo y Vosters, el desenlace del desafio. En efecto, los dos
personajes del fondo representan a Atenea, que esta representada bajo su forma de diosa
con el casco, y a Aracné que esta al lado de ella. Algunos autores dudan sobre si los dos
personajes pertencen al tapiz o si estan representados delante de él. Pero, al mirar los pies
de Aracné, podemos pnsar que estan bien delante de él y no dentro. Entonces, detras de
las dos mujeres suponemos que el tapiz colgado a la pared es el de Aracné. Este tapiz
constituye una evidente ofensa contra Atenea ya que representa uno de los engaños
utilizados por su padre Zeus para conseguir favores de las mujeres y diosas. Asi,
Velazquez decide representar el episodio donde Zeus rapta a la diosa Europa,
transformandose en toro. Lo que nos permite dar esta interpretacion son los dos angeles
que aparecen en el tapiz y gracias a los cuales reconocemos aqui el cuadro de Titien El
rapto de Europa. En cuanto a las tres damas que contemplan la escena, siguiendo el texto
de Ovidio, podriamos pensar que se trata de "las ninfas y las mujeres migdonides", que
estan presentes durante el enfrentamiento y que contemplan en la fabula de Ovidio como
la Diosa Atenea, en señal de castigo, tranforma a la joven Aracné en araña, condenada a
tejer eternamente. Luego tenemos otras interpretaciones. Tenemos una interpretacion de
alegoria politica. En efecto, R.J Fernandez afirma que la hilandera de mas edad
representa la obediencia al poder constitucional, mientras que el torno representa la
velocidad y la variabilidad de los mandatos. También, cita al gato como la libertad
doméstica, el buen cuidadano, independiente y a la vez sumido y por fin la viola de
gamba representaria la buena politica. En cuanto a las figuras del fondo, Atenea y Aracné
serian las alegorias de los reinos de Portugal y Cataluña, cuya insurreccion mantenia en
jaque (échec) a la Corona Española, mientras que las ninfas representarian a las
problematicas Castilla, Andalucia y Aragon. También, en este mismo tema, podriamos
identificar a Atenea con Felipe IV y la lectura final de esta interpretacion seria un alegato
(plaidoyer) contra la arrogancia de quien se subleva y quiere igualarse a los dioses, y en
el siglo XVII, al rey. Y ademas, podriamos ver en esto alguna relacion con el perdon del
rey a Cataluña (representada por Aracné), famosa por sus manufacturas textiles, mediante
el gesto altivo de Atenea. Luego, Tolnay y posteriormente Fernandez, intentan una
explicacion alegorico artistica de la obra. En efecto, toman la presencia de las ninfas y de
la viola de gamba como una personificacion de las trs artes mayores : Arquitectura,
Escultura, Musica, acompañadas por la Pintura, representada por Aracné. Y por fin,
tenemos una interpretacion moral del cuadro. Vosters indica que con este motivo
mitologico como excusa, Velazquez nos quiere decir que la tapiceria, hermana industrial
de la pintura, es arte liberal superior, igual que la teoria musical, la geometria y la
aritmética. Y esta escena de la parte superior representa una moraleja eductiva, un tanto
intelectual que es la siguiente : "la apoteosis de la virtud pagana, que enseña que la
modestia es superior a la laboriosidad artistica y que la rebeldia contra los dioses sera
justamente pagada." Y Vosters añade que pudiera tratarse de una glorificacion de la virtud
cristiana ya que la Aracné de Velazquez no apareceria castigada sino como una heroina,
sufriendo el martirio por oponerse al culto de los dioses paganos. Y por fin, Fernandez
añade otra explicacion. Tal vez con esta obra quisiera destacar la prudencia frente a los
desvios (déviations) libinidosos (.....) y la cautela (précaution) frente a la lisonja (flatterie),
mensaje dirigido a Felipe IV, al que llamaban El Rey Galante, y serviria como
advertencia contra la vanidad, la adulacion y sobretodo contra el peligro de los pecados
carnales.
Conclusion.
A modo de conclusion, podemos decir que este cuadro suscito mucha polémicas y que
hoy aun no se puede decir con certidud el mensaje que Velazquez quiso poner en esta
obra. Pero, lo que podemos afirmar es que con esta pintura, Velazquez se revela ser un
pintor exceptional con su técnica de manchas y borrones que nos hacen claramente
pensar en la técnica de los pintores impresionistas. Al final de su carrera, la pintura de
Velazquez alcanza su apogeo.