Between East and West

Between
East and West
Mario Caroli
flauta
Marco Del Greco
guitarra
30 de enero de 2016
Fundación BBVA · Palacio del Marqués de Salamanca · Madrid
Between
East and West
FUNDACIÓN BBVA
El programa de Cultura de la Fundación
BBVA dedica especial atención a la música
clásica, con énfasis en la composición del
siglo xx y comienzos del presente. Pocas
áreas de la cultura expresan de manera
tan acabada como la música el equilibrio
entre el mantenimiento de una rica tradición reactualizada y enriquecida permanentemente y de innovación radical, aportando ambas una componente esencial de
la sensibilidad de nuestro tiempo. Y por
ello forma parte central del programa de
la Fundación BBVA.
La tipología de actividades incluye las
siguientes:
•Concursos y premios, como son el
Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento y la Cultura, en la categoría
de Música, y el Premio de Composición
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS)-Fundación BBVA.
• Ciclos de interpretación de música de los
siglos xx y xxi, entre los que destacan el
Ciclo Retratos, a cargo de PluralEnsemble,
en el Auditorio Nacional de Música de Madrid; el Ciclo de Solistas, en la sede de la
Fundación BBVA en Madrid (Palacio del
Marqués de Salamanca); y el de Concier-
tos de Música Contemporánea, en la sede
de la Fundación BBVA en Bilbao (Edificio
de San Nicolás), bajo la dirección artística
del compositor Gabriel Erkoreka.
•Ciclo de conciertos teatralizados
El Mundo de Ayer, que combina música,
trabajo actoral y creación audiovisual, dirigido por el maestro José Ramón Encinar.
•Formación académica de excelencia, a
través de un programa de becas destinadas a la Joven Orquesta Nacional de España
(JONDE), complementado con la creación
de la Academia Orquesta Nacional de España-Fundación BBVA, un nuevo programa
pedagógico en colaboración con la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), que
hace posible la participación de músicos de
la JONDE en conciertos de la OCNE, además
del apoyo a la Cátedra de Viola Fundación
BBVA Escuela Superior de Música Reina
Sofía y a la Sinfonietta de Música Contemporánea de la misma escuela.
•Ciclos de Jóvenes Intérpretes, desarrollados en las sedes de la Fundación en
Madrid y Bilbao.
• Grabaciones en audio y vídeo y difusión
de la música de nuestro tiempo, señala-
damente la serie NEOS-Fundación BBVA y
la Colección de Compositores Españoles y
Latinoamericanos de Música Actual, impulsada por la Fundación BBVA en colaboración con el sello Verso. Se desarrollan
también proyectos singulares dedicados
a la grabación en audio o en vídeo de la
interpretación de artistas particularmente
destacados, entre ellos los dos dedicados
al maestro Joaquín Achúcarro (con Opus
Arte y Euroarts), a obras o figuras emblemáticas, como Tomás Luis de Victoria (con
la BBC), la Carta Blanca Ecos y sombras
dedicada al maestro Cristóbal Halffter (con
Koala Productions) y la grabación del estreno mundial de su ópera Lázaro (con NEOS),
Panambí de Ginastera (con Deutsche
Grammophon), las óperas Eugene Onegin
de Chaikovski y Rigoletto de Verdi (con la
Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera
[ABAO]), Spanish Landscapes de Leticia
Moreno (con Deutsche Grammophon), y
Aura de Judith Jáuregui (con BerliMusic).
Orquesta Sinfónica de Madrid, el Teatro
Real de Madrid, y el Gran Teatro del Liceo
de Barcelona.
•Entre las colaboraciones que la Fundación BBVA ha venido desarrollando en los
últimos años, se encuentran las establecidas con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO), el Teatro de la
Maestranza de Sevilla, la Orquesta y Coro
de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la
La dedicación de la Fundación BBVA a la música y a la cultura le ha hecho merecedora de
la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes así como la Medalla de Honor de la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando.
• Encargos de composición a creadores españoles e internacionales en colaboración
con el Centro Nacional de Difusión Musical
(CNDM), la ORCAM y la Orquesta Sinfónica de
Euskadi, además de otros encargos directos.
•Ciclos de conferencias y actividades
orientadas a difundir y desvelar al público interesado el significado de la creación
musical. La Fundación BBVA apoya también publicaciones de referencia en el ámbito de la música como la revista Scherzo.
La actividad de la Fundación BBVA en
otras áreas de la cultura incluye la serie
El Quijote del siglo xxi: versión radiofónica
y el programa sobre pintura contemporánea Punto de fuga, ambos en colaboración
con Radio Nacional de España (RNE).
INTÉRPRETES
Mario Caroli
flauta
Marco Del Greco
guitarra
PROGRAMA
Franz Schubert (1797-1828)
Sonata en La menor, D. 821, para flauta y guitarra
(transcripción para guitarra de Marco Del Greco)
· Allegro moderato
· Adagio
· Allegretto
Tōru Takemitsu (1930-1996)
Equinox, para guitarra
Air, para flauta
Toshio Hosokawa (1955)
Serenade, para guitarra
· In the Moonlight
· Dream Path
Vertical Song I, para flauta
Tōru Takemitsu
Toward the Sea, para flauta contralto y guitarra
· The Night
· Moby Dick
· Cape Cod
NOTAS AL PROGRAMA
De la vieja Europa al moderno Japón
La única obra de Schubert que los solistas
de violonchelo tienen en repertorio es la
Sonata en La menor, D. 821 que, en rigor,
no fue escrita para violonchelo, sino para
arpeggione, un instrumento que intentó
promoverse en la época y que rápidamente cayó en desuso, hasta el punto de que
podemos afirmar que su efímera existencia es conocida tan solo gracias a la
denominación de Sonata «Arpeggione»
con que universalmente es conocida esta
bella obra schubertiana.
Y, ¿cómo era el arpeggione? Era un instrumento híbrido entre el violonchelo
(o la viola d’amore) y la guitarra. La forma, el tamaño y el hecho fundamental
de que se tañera con arco remitían al violonchelo, mientras que sus seis cuerdas y
la presencia de trastes en el mástil eran
características que lo acercaban a la guitarra. Se le denominaba indistintamente
guitarra-violonchelo, guitarra d’amore
o arpeggione, pero fue Schubert quien,
al utilizar este término en el título de
su obra, determinó la adopción definitiva de tal nombre para el instrumento.
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Su inventor fue el luthier vienés Johann
Georg Stauffer y el instrumentista que recibió con entusiasmo la idea fue Vincenz
Schuster. Seguramente, Schubert escribiría la Sonata por encargo directo de
Schuster y consta que la obra fue terminada en noviembre de 1824 y que en las
siguientes semanas fue dada a conocer
por Schuster a sus allegados, en su propia casa, con el compositor al piano.
En su sencillez, la Sonata «Arpeggione»
es música de indefinible encanto, tocada
por la magia del excepcional melodismo
schubertiano. Se estructura en tres concisos movimientos, especialmente breve
el segundo de ellos, un Adagio que no
es sino una «canción sin palabras», con
el violonchelo cantando y el piano arropando su voz. Antes, en el amplio Allegro
moderato, habremos admirado el oficio
de Schubert para hacer de las melodías
temas susceptibles de desarrollo. Dos
son los temas enunciados: melancólico y
cantabile el primero, más vivo el segundo. El Finale es un Allegretto en forma de
rondó en el que, después de explotadas
las posibilidades expresivas y cantables
del arpeggione en los dos primeros movimientos, se pone a prueba la destreza
virtuosística que el instrumento permite
desplegar al ejecutante.
dores: Tōru Takemitsu –fallecido en 1996–
y Toshio Hosokawa –compositor ahora en
una cima de madurez–, de quienes nuestros intérpretes ofrecen una preciosa selección de obras a solo o para el dúo.
Pero las adaptaciones que históricamente
ha recibido la Sonata en La menor para
arpeggione y piano de Franz Schubert no
se han limitado a esa obvia sustitución del
arpeggione por el violonchelo. De hecho,
muchos instrumentos melódicos como,
por ejemplo, la flauta, han querido para
sí la deliciosa partitura schubertiana, con
los atractivos resultados que vamos a comprobar en este concierto, mientras que el
acompañamiento pianístico ha sido objeto de transcripción para guitarra por parte
del instrumentista que hoy aplaudiremos:
Marco Del Greco. De este modo, vamos a
tener la música de Schubert, fielmente
leída, pero con otro ropaje instrumental y
tímbrico bien distinto.
Las dos primeras obras de Takemitsu que
vamos a escuchar nacieron con destino
a sendos intérpretes concretos. Equinox,
para guitarra, fue compuesta en 1993 y
dedicada al guitarrista Kiyoshi Shomura
con motivo de sus bodas de plata como
intérprete, esto es, en el vigésimo quinto aniversario de su debut. Fue también
Shomura quien la estrenó en Tokio, el 4
de abril de 1994 y, para la ocasión, el propio Takemitsu escribió estas palabras de
presentación: «Equinox, para guitarra,
fue inspirada por el cuadro del mismo
título del pintor catalán Joan Miró, de
1967. Durante el equinoccio, la duración
del día y de la noche es la misma y el
título tiene alguna relación con las proporciones musicales y el campo armónico de la composición, pero no significado
literario». Tras este sucinto comentario,
Takemitsu expresaba su gratitud hacia
Shomura por haberle enseñado las atractivas posibilidades tímbricas y expresivas
Esta sesión nos hace viajar de Occidente
a Oriente y del siglo xix a nuestros días,
ya que, después de Schubert, vamos a escuchar música contemporánea japonesa
representada por dos de sus grandes crea-
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de la guitarra. En la cultura japonesa, el
equinoccio establece alguna relación con
la muerte, dado que es el momento en
que –como el día y la noche– la vida y la
muerte aparecen en equilibrio perfecto:
acaso esto, sumado a la incisiva expresividad de la pieza, ha llevado a algún
comentarista a opinar que Takemitsu, en
Equinox, escribió su propia elegía.
En 1996, el gran flautista suizo Aurèle
Nicolet iba a cumplir setenta años de edad
y, con este motivo, a modo de regalo de
cumpleaños, su amigo y admirador Tōru
Takemitsu compuso una pieza para flauta
sola titulada Air, que fue estrenada en la
ciudad suiza de Oberwil el 28 de enero de
1996, en versión del flautista Yasukazu
Uemura. Air propone un bellísimo recorrido que investiga en las más hondas posibilidades cantabile del instrumento.
Años antes, el maestro Tōru Takemitsu había compuesto para los dos instrumentos
conjuntamente (flauta y guitarra) a fin de
corresponder a un encargo que le había
hecho Greenpeace en el marco de su campaña en pro de salvar a las ballenas. Ese
fue el origen de Toward the Sea (Hacia el
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mar), obra de la cual estrenaron el primer
movimiento (The Night), en Toronto, el
flautista Robert Aitken y el guitarrista Leo
Brouwer, en febrero de 1981. El estreno de
la obra completa se produjo en Tokio, el 31
de mayo del mismo año, interpretada por
Hiroshi Koizumi y Norio Sato. Esta bellísima obra fue objeto de dos nuevas versiones instrumentales procuradas por el propio Takemitsu: en el mismo año de 1981
la reescribió para flauta, arpa y orquesta
de cuerda (versión que, para facilitar la labor del director, incluye barras de compás,
inexistentes en la redacción original); y, en
1989, para flauta y arpa sin más, versión,
por lo tanto, muy similar a la primera.
Para su obra Toward the Sea, con la que
concluirá este concierto, Takemitsu rememoró la novela Moby Dick, de Herman
Melville, y empleó, como célula temática
esencial, las tres notas que se corresponden –en la nomenclatura anglosajona–
con las letras de la palabra SEA, es decir:
S = Es = Mi bemol; E = Mi; A = La, una célula que reaparecerá en obras posteriores de
este compositor que tantas veces acogió
en su música referencias al agua. A su vez,
la composición presenta tres movimien-
tos. El primero, titulado La noche, es de
expresividad poética y mistérica; el segundo, Moby Dick, se refiere explícitamente
a la mítica ballena blanca, evocada sin el
menor atisbo de descriptivismo argumental; la partitura se cierra con una plástica
y atractiva referencia sonora a las aguas
atlánticas de Cape Cod, el cabo situado al
noreste de los Estados Unidos, el punto
más oriental del Estado de Massachusetts.
En justa correspondencia con su interés
artístico, la música de Toshio Hosokawa
tiene frecuente presencia en los programas de nuestros conciertos de música
contemporánea. Hoy escucharemos dos
composiciones suyas destinadas a la
guitarra y a la flauta, respectivamente.
La guitarrística es ya del siglo xxi, pues
fue escrita en 2003 para Timo Korhonen,
intérprete que la estrenó, en el Festival
Musica Nova de Helsinki, el 7 de marzo
de aquel año. Había sido encargada por
la Radio de Finlandia. Se titula Serenade y
se estructura en dos movimientos: In the
Moonlight (En el claro de luna) y Dream
Path (Camino de ensueño). Hosokawa,
como antes había procurado Takemitsu,
lleva a cabo con su música un interesante
maridaje entre la milenaria cultura nipona y la música culta occidental: así, en el
uso de la guitarra actual, Hosokawa busca y encuentra maneras de evocar el sonido y la tímbrica del shamisen o del koto,
especies de laúd y cítara, respectivamente, propios de la tradición japonesa.
La pieza para flauta data de 1995, se titula
Vertical Song I y fue encargada al compositor por el gran flautista italiano Roberto
Fabbriciani. Toshio Hosokawa declara haber encontrado en el primero de los Sonetos a Orfeo, de Rainer Maria Rilke, la motivación poética, el impulso estético para
abordar su composición: «¡Un árbol se
elevó ahí! ¡Oh, pura trascendencia! ¡Oh,
Orfeo canta! ¡Oh, alto árbol en el oído!»
En cuanto a la escritura musical, esta primera Canción vertical hace honor a su título al procurar que la escritura horizontal
propia de la flauta se enriquezca con las
sugestiones armónicas, es decir, verticales, que hace posible el virtuosismo técnico de los actuales intérpretes.
José Luis García del Busto
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MARIO CAROLI
flauta
Estudió con Annamaria Morini y Manuela Wiesler. Tras obtener a los veintidós
años, tan solo siete después de haber
empezado a tocar la flauta, el prestigioso
Kranichsteiner Musikpreis en Darmstadt,
comenzó una carrera que lo ha convertido en uno de los solistas de flauta más
solicitados de su generación. Se siente
igualmente cómodo en el repertorio
más clásico y en las composiciones más
radicalmente contemporáneas. Sus interpretaciones suenan siempre refrescantes y llenas de virtuosismo, intensidad y comprensión de todos y cada uno
de los sonidos. Ha inspirado a muchos
compositores a escribir numerosas obras
y conciertos para él, como es el caso de
Salvatore Sciarrino, Doina Rotaru, Kaija
Saariaho, Toshio Hosokawa, Ramon
Lazkano, Ivan Fedele, György Kurtág o
Stefano Gervasoni.
Como solista toca habitualmente en las
más importantes salas de concierto de
todo el mundo (Philharmonie de Berlín,
Konzerthaus de Viena, Royal Festival Hall
de Londres, Théâtre du Châtelet de París,
Suntory Hall de Tokio, Concertgebouw
de Ámsterdam, Herkulessaal de Múnich,
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Lincoln Center de Nueva York, Palais des
Beaux Arts de Bruselas y Parco della Musica de Roma, entre otras) con agrupaciones como la Orquesta Philharmonia de
Londres, Orquesta Filarmónica de Radio
France, Orquesta Nacional de Bélgica,
Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, Orquesta Sinfónica de la WDR, Orquesta Sinfónica de la SWR, Orquesta Sinfónica de
Islandia, Orquesta Filarmónica de Tokio,
Sinfonietta de Tokio, Orquesta de Cámara
de Sapporo, Orquesta de Cámara Aukso,
Les Percussions de Strasbourg o los Neue
Vocalsolisten de Stuttgart. Ha tocado
con directores como Pierre Boulez, Peter
Eötvös, Kazushi Ono, Marco Angius, Heinz
Holliger, Pascal Rophé o Lothar Koenigs.
Políglota y cosmopolita, con un doctorado en Filosofía, después de dar clase durante un tiempo en Suiza, actualmente
enseña Flauta en la Académie supérieure
de musique de Estrasburgo, la ciudad en
que reside, y es asimismo catedrático en
la Musikhochshule de Friburgo. Imparte
clases magistrales en las principales instituciones de todo el mundo y ha sido
artista residente en la Universidad de
Harvard en 2008.
Ha realizado más de cuarenta grabaciones discográficas, muy alabadas por la
crítica, y es posible oírle tocar con frecuencia tanto en radio como en televisión.
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MARCO DEL GRECO
guitarra
Nacido en Roma en 1982, recibió su
formación musical en la clase de Carlo
Carfagna en el Conservatorio di Musica Santa Cecilia de Roma, donde finalizó sus estudios con mención de honor.
Posteriormente completó su formación
realizando un máster en interpretación
concertística en la Musikakademie der
Stadt-Hochschule für Musik de Basilea
con Stephan Schmidt.
Ganador del Concurso Internacional de
Guitarra de Tokio, el Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz y el Concurso Internacional de Guitarra Nicola Fago,
así como galardonado con el segundo
premio en el Concurso Internacional de
Guitarra Mauro Giuliani y el tercero en
el Concurso Internacional de Guitarra
de Miami, está considerado como uno
de los más importantes guitarristas
clásicos de la nueva generación. Ha tocado en salas de concierto de todo el
mundo, como el Auditorio Nacional de
Música de Madrid, Bunka Kaikan, Sala
Nikkei y Sala Yamaha Ginza de Tokio,
Sala Minato Mirai de Yokohama, Centro
Nacional para las Artes Interpretativas
de Pekín, Centro de Artes de Hong Kong,
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Auditorium Conciliazione de Roma o Teatro Drama de Kaliningrado.
En 2014 grabó para el sello alemán
NEOS, en colaboración con la Fundación
BBVA, las obras para guitarra sola de los
compositores Tōru Takemitsu y Toshio
Hosokawa, un disco que ha recibido grandes elogios en la prensa y las emisoras
radiofónicas de todo el mundo, como
RAI Radio3, NDR Kultur, Kulturradio, ORF
Ö1, Bravo Radio, Il Fronimo, Seicorde,
Gendai Guitar, Fono Forum, Classic Voice,
Scherzo o Süddeutsche Zeitung. El disco
obtuvo el premio Guitarra de Oro en la
vigésima edición de la Convención Internacional de Guitarra de Alessandria.
En la actualidad da clases de Guitarra en el
Conservatorio Umberto Giordano de Foggia
y enseña como profesor invitado en el Conservatorio Ottorino Respighi de Latina.
Depósito legal: BI-2028-2015