el arte del siglo xix

Hª del Arte – 2º de Bachillerato
EL ARTE DEL SIGLO XIX
ARQUITECTURA
LA ARQUITECTURA HISTORICISTA
Los historicismos arquitectónicos son retornos a los estilos del pasado. La arquitectura, tanto
en lo constructivo como en lo decorativo presenta caracteres nacionales, pocas novedades y nula
inventiva. El interés es exterior, como medio de encauzar el desastre urbanístico producto del crecimiento urbano por la revolución industrial; de ahí que las remodelaciones de la 2ª mitad del siglo
XIX, en especial la de Haussmann en París intenten dar soluciones al caos urbanístico.
El primero de los historicismos será el neogótico, surgido en Inglaterra a mediados del siglo
XVIII y puesto de moda el Romanticismo del siglo XIX. Este estilo disminuye su ímpetu, aunque
no desaparece totalmente. Un ejemplo sería el edificio del Parlamento de Londres.
El eclecticismo tuvo interés a lo largo del siglo y se inspira en la antigüedad clásica, renacimiento y barroco, y crea un estilo pomposo y superficial que tiene su máximo exponente en el edificio de la Ópera de París de Garnier. Este estilo adquiere enorme prestigio en toda Europa y se
copia en Viena, Budapest y fue el estilo elegido para construir los grandes hoteles de lujo a finales
del siglo XIX en todo el mundo.
Las excelencias estéticas del medievalismo y del orientalismo fueron divulgadas entre la sociedad burguesa por dos grandes ensayistas, el restaurador francés Viollet-le-Duc y el crítico británico John Ruskin.
El imperio colonial inglés proporciona el exotismo, que transmiten al Pabellón del Príncipe
de Gales, obra de John Nash, construido bajo las pautas del arte islámico de la India.
Franceses y alemanes prestigian también el gótico en sus edificios religiosos. En cambio,
prefieren el neorrenacimiento y el neobarroco para las obras civiles. Así lo acreditan los franceses
en la homogénea red de viviendas que surcan las avenidas radiales y bulevares de París que, partiendo del Arco del Triunfo, en la Plaza de la Estrella, conectan con el museo del Louvre a través de
los Campos Elíseos.
Idéntico eclecticismo siguen los alemanes en los deliciosos castillos que manda erigir Luis II
de Baviera.
En España el medievalismo se regionaliza. Asturias recupera el neorrománico en la Colegiata de Covadonga y Cataluña el neogótico en la Universidad de Barcelona. Pero será el neomudéjar
el estilo que mejor defina el historicismo español. Estos edificios se desarrollan bajo dos principios
inmutables: el uso del ladrillo y un repertorio estructural y decorativo basado en los arcos califales,
en los paños de sebka almohades y en las yeserías de la Alhambra. Son ejemplo las Escuelas Aguirre (Madrid), la portada neomudéjar de la Catedral y la Escalinata de la Estación (Teruel) o el
Pabellón Mudéjar del parque sevillano de Mª Luisa.
LA ARQUITECTURA DEL HIERRO. ARQUITECTOS E INGENIEROS.
A finales del siglo XIX la revolución industrial ofrece posibilidades técnicas y plantea unas
nuevas necesidades que posibilitarán la aparición de una arquitectura muy diferente a la tradicional,
y que sentará las bases de la arquitectura del siglo XX. Las vigas de hierro, los grandes paneles de
cristal, darán estructuras articuladas y un concepto nuevo de espacio que se pueden considerar una
revolución frente a la arquitectura tradicional.
Los ingenieros cursaban su carrera en escuelas o universidades técnicas; los estudiantes de
arquitectura acudían a una Academia, o aprendían en el taller de un maestro arquitecto. La mayoría
de estos artistas–arquitectos detestaba el desarrollo industrial, marginándose de los nuevos materiaEl arte del siglo XIX – pág. 1/11
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les y de las nuevas técnicas. No fue fácil, por tanto, la adopción de los nuevos materiales que producían terror en hombres tan notables y de tanta influencia como Goethe, Blake, Dickens…
Hacia mediados del siglo XIX en la Inglaterra victoriana se iniciaba una arquitectura basada
en la ingeniería, para dar soluciones a las necesidades edilicias que planteaba la revolución industrial: estaciones de tren, puentes, grandes salas de exposiciones… El hierro permitía también una
construcción rápida debido a su fácil ensamblamiento, consiguiendo, además, estructuras de enormes proporciones impensables para materiales tradicionales.
En los primeros treinta años del siglo, en Gran Bretaña, se construyeron numerosos puentes
de hierro. En cuanto a Francia, la utilización del hierro se acrecentó sobre todo a partir de la Restauración (El pont des Arts), el estilo gótico de las iglesias de Sainte-Clotilde y de Sainte Eugéne revisten unas armaduras de hierro. En esta última iglesia, sólo la fachada es de albañilería.
Labrouste fue uno de los primeros arquitectos en mostrar las posibilidades estéticas de la
fundición, ya que si bien utiliza el hierro con fines estructurales, no desdeña por ello sus aspectos
decorativos. Se abrirían nuevas perspectivas en este campo, que sólo se aplicarían a la construcción
de edificios públicos, como estaciones de ferrocarril, grandes almacenes y mercados.
La llamada Gran Exposición del Trabajo y la Industria de todas las Naciones, conocida como la Primera Exposición Universal, se celebró en Londres. Para albergarla, se construyó un edificio que iba a constituir un verdadero hito en la historia de la moderna arquitectura: el palacio de
Cristal. Su creador, Joseph Paxton, un ingeniero experto en la construcción de invernaderos, se
basó precisamente en este tipo de instalaciones para el proyecto del grandioso pabellón que iba a
cubrir ocho hectáreas. Para su realización se centró en la utilización del hierro, del vidrio y de elementos prefabricados construidos en serie.
El éxito del recinto fue tal que todos los pabellones que habían de albergar las sucesivas Exposiciones Universales celebradas a partir de entonces se inspirarían en él.
Respecto a la Torre Eiffel; nombre del famoso arquitecto que la proyectó, célebre por sus
puentes y creador de la estructura metálica que sostiene la Estatua de la Libertad de Nueva York; se
trata de una obra no utilitaria, de trescientos metros de altura, concebida sólo como una imponente
presencia de las nuevas estructuras de hierro. Se eleva como un rascacielos, carente de espacio interior, y fue desde entonces el símbolo de París.
Estos avances técnicos europeos, unidos al invento del ascensor, favorecieron la aparición
en América del rascacielos.
LA ESCUELA DE CHICAGO
La relevancia de la Escuela de Chicago tuvo como causa desencadenante el desastroso incendio de 1871 que cruzó el río y destruyó gran parte del centro de la ciudad, incluyendo un grupo
de edificios de hierro colado que no habían sido construidos a prueba de fuego. La reconstrucción
de la ciudad iba a permitir erradicar los materiales de construcción inflamables y desarrollar la edificación en altura para resolver la masiva inmigración.
El elemento crucial de ese momento fue el rascacielos. Se establecieron las directrices esenciales de la arquitectura comercial del siglo XX. Surgió un nuevo tipo de edificio, y con él, un nuevo tipo de ciudad. Resumiendo, la escuela de Chicago tiene especial relieve debido a dos razones:
- La creación del rascacielos como alternativa funcional.
- Por primera vez fueron los arquitectos quienes emprendieron la renovación y no los
ingenieros.
Los forjadores de la escuela arquitectónica de Chicago van a ser William Le Baron Jenney y
Louis Henry Sullivan, estrechamente vinculados a las sociedades inmobiliarias. Sus edificios se
reducen a un armazón metálico, que permite abrir grandes ventanas apaisadas en el exterior. La
distribución es siempre idéntica: locales comerciales en los bajos, oficinas en los pisos y servicios
en la planta alta.
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En 1899, Sullivan construía los Almacenes Carson, Pirie and Scott, en Chicago, un “building” profético de diez pisos, que anticipaba el sueño americano del siglo XX. Le Baron construye
el Home Insurance Company Building.
EL MODERNISMO
A finales del siglo XIX, la reacción contra los historicismos y la frialdad neoclásica desarrollados durante el siglo se hace cada vez más patente. Los nuevos materiales, el hierro y el cemento,
aconsejan buscar las formas artísticas en su propia estructura, y no copiarlas de estilos tradicionales.
Mientras, la burguesía comienza a desarrollarse en España; el modernismo nace de minorías
sociales exquisitas con un carácter tan individualista que resulta difícil de resumir en un programa
homogéneo. Este movimiento ornamental, que rompe con el pasado historicista y decora el fin de
siglo con obras refinadas, se denominó en Francia y Bélgica Art Nouveau, en Inglaterra Liberty y en
España Modernismo.
Sus características definitorias fueron su esteticismo, refinado, renovador, interesado por la
obra de arte total y la línea sinuosa, basada en los tallos vegetales, en las elegantes flexiones de los
cuellos de cisne, y en el ritmo ondulante de la rizada melena femenina. Su temática va desde la naturaleza a la geometría.
La manifestación más importante de Modernismo es la arquitectura, que reacciona frente a
los historicismos académicos. Se incorporan como materiales el vidrio y el hierro. La gran novedad
es el tratamiento espacial interno, en el que se utiliza la planta libre y la luz obtenida por grandes
ventanales, claraboyas, etc.
El catalán Antonio Gaudí (1852-1926) está considerado como la mente más creativa de toda
la arquitectura contemporánea. Formuló las leyes totalizadoras del urbanismo, al proyectar la ciudad, la casa, sus objetos y los muebles que la decoran. Destaca su afinidad política con el partido de
la Llig ga Regionalista y sus creencias religiosas.
En 1878 se diploma x la Escuela de Arquitectura de Barcelona, donde recibe una formación
historicista, visible en sus primeros trabajos. El neomudéjar domina en El capricho, la villa de soltero que le encarga don Máximo Díaz de Quijano, mientras que el neogótico está presente en el Palacio Episcopal de Astorga.
Estas obras despiertan la admiración del empresario Güell, que se convertiría en el gran
cliente de Gaudí, encomendándole la construcción, en Barcelona, de su finca de recreo en el barrio
periférico de las Corts, de su palacio urbano en el corazón de las Ramblas y de la cripta para los
oficios religiosos de la colonia obrera de Santa Coloma de Cervelló; así como una ciudad−jardín
vanguardista en la Muntanya Pelada, que ha recibido el nombre de Parque Güell.
En la cripta y en el Parque Güell se encuentran ya todos los rasgos de su estilo maduro: la
audacia técnica de sus arcos parabólicos y columnas inclinadas, las paredes y techos ondulados, y el
empleo de materiales tradicionales como el ladrillo y fragmentos de cerámica de color integrados en
la masa de cemento. El hierro y el cristal se utilizan sólo con fines decorativos. Sus fuentes de inspiración son la geología, la botánica y la zoología.
Con el advenimiento del siglo XX, Gaudí construye en el barcelonés Paseo de Gracia dos
obras, que rompen con el esquema convencional de la vivienda de pisos: la Casa Batlló,, cuya línea
quebrada, estructura ósea y escamas del tejado recuerdan la espina dorsal de un dinosaurio, y la
Casa Milá , universalmente conocida como La Pedrera por simular un escarpado muro de cuevas,
que parece una inmensa escultura, coronada por chimeneas gelatinosas.
Todos estos trabajos fueron el laboratorio experimental para un proyecto titánico que le ocupó íntegramente su vida y que dejó inacabado: el templo expiatorio de La Sagrada Familia, una
catedral fantástica, emblema de la pujante y cosmopolita ciudad condal. En ella sobre un esquema
gótico emplea arcos parabólicos, curvas de formas caprichosas, y acumula en la portada abundante
decoración vegetal y figurada de un naturalismo barroco. Gaudí construyó la cripta, el ábside, una
de las tres fachadas y parte de sus torres, y concibió todo un poema místico (las torres previstas son
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símbolos de los apóstoles, de Cristo, de los Evangelistas y de la Virgen), tremendamente rico en
sugerencias simbólicas y en audacias constructivas.
Gaudí se hizo cargo de las obras en 1883 y llegó a vivir en el mismo taller hasta cerca de su
muerte acaecida cuando se dirigía al templo en 1926. La conocida Fachada del Nacimiento correspondiente al extremo de uno de los brazos del crucero. A pesar de ser sólo un fragmento del conjunto es impresionante en las soluciones técnicas. Las cuatro torres de perfil parabólico horadadas para
mejor resistir los vientos, son a la vez instrumentos sonoros y símbolos religiosos. Sobre la fachada
se desarrollan libremente más de cien especies vegetales y decenas de esculturas perfectamente integradas. El cemento, la piedra, el hierro y los mosaicos cerámicos le dan una riqueza de texturas
inaudita.
Más sorprendente aún es el interior, del que se conocen proyectos y una gran maqueta en yeso. Las columnas se inclinan para recoger los empujes oblicuos de las bóvedas, pero a pesar de ello,
y como el peso de estas resultaría excesivo, las columnas se ramifican en la parte superior para distribuir mejor el soporte de los empujes.
Con este proyecto, Gaudí se nos muestra como uno de los más claros resúmenes de arquitecto-artista-ingeniero que ha conocido la arquitectura contemporánea.
ESCULTURA
Aunque la escultura no sea en el siglo XIX la principal disciplina artística, existen importantes artistas. Cabría destacar dentro del movimiento romántico a François Rude (1784-1855), formado inicialmente dentro del clasicismo, cuya obra más destacada es La Marsellesa, un monumental
relieve que decora el Arco de la Estrella de París, caracterizado por dinamismo exaltado de las figuras.
Renoir y Degas también practicaron la escultura en la etapa final de sus vidas. En sus obras
intentaron captar los efectos de la luz resbalando por los cuerpos mediante un modelado rugoso de
las superficies. Pero quien mejor consiguió esta impresión y que las estatuas simulasen posiciones y
actitudes cambiantes fue Auguste Rodin (1840-1917), que en sus comienzos sería también rechazado en los salones oficiales.
Reaccionó contra los modelos inmóviles que hacían los académicos. Centró su atención en
la naturaleza y abandonó intencionadamente el acabado perfecto, creando un claroscuro pictórico.
Su trabajo más ambicioso fue Las puertas del infierno, encargadas en 1880 para el futuro Museo de
Artes Decorativas de París; sin embargo, el Gobierno francés canceló el proyecto y el colosal pórtico permaneció en el taller del artista donde fue añadiéndole elementos hasta su muerte, se inspiró en
el infierno de La Divina Comedia de Dante y en el poemario Las flores del mal de Baudelaire. Aquí
emergen, en pequeño formato, varios modelos como Las tres sombras del ático o El pensador.
Otras obras memorables son Los burgueses de Calais, El beso y el doble retrato psicológico de Balzac, en busto y de pie, el último de los cuales constituye su aproximación más notable al impresionismo.
PINTURA
EL ROMANTICISMO
En la 1ª mitad del siglo XIX se desarrolla el Romanticismo. El origen se remonta al s. XVIII
cuando en Alemania e Inglaterra aparecen movimientos denominados prerrománticos en respuesta
al racionalismo de la Ilustración ante problemas que el empirismo ha suscitado y para los que la
razón no tiene respuesta.
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El romanticismo es más un modo de vida que un sistema de pensamiento, que se rige por
dos principios básicos:
- El predominio de la imaginación y la sensibilidad frente a la razón, que trae consigo la
evasión de la realidad, la exaltación de las pasiones y la defensa de la libertad.
- Defensa del individualismo, que favorece la actitud subjetiva y la afirmación de la personalidad histórica y cultural; el sentimiento romántico apoya el desarrollo del nacionalismo y la independencia de los pueblos tras la caída de Napoleón.
Desde el punto de vista artístico no podemos hablar de un estilo, ya que el romanticismo rechaza las reglas, sino de rasgos comunes en los artistas románticos:
- El arte se hace espontáneo y subjetivo. El artista se interesa por la expresión de los sentimientos.
- La naturaleza, en su aspecto mágico−religioso, tiene un enorme interés. Se busca lo exótico: Oriente e incluso la España d los bandoleros.
- Se pone de moda el mundo medieval, idealizándolo frente al concepto oscurantista de
esta época que se tiene en el neoclasicismo.
La pintura es el arte CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA ROMÁNTICA:
que tiene mayor desarrollo, ya
que permite expresar los - Frente al dibujo preciso, el romanticismo apuesta por la mancha
gorda de color.
sentimientos de forma plásFrente
al equilibrio del neoclasicismo, el romanticismo apuesta por
tica. Se apuesta por el color,
el desenfreno.
sin duda el gran protagonista - Frente al retrato del neoclasicismo, el romanticismo explota las
de la pintura a diferencia del
miradas ausentes, melancólicas, enamoradas… (expresan los
neoclasicismo. Hay interés
conflictos sentimentales).
Frente
a los temas clásicos el romanticismo busca temas de:
por
el
dinamismo
de
o
La
Edad
Media.
composición y las formas y la
o Temas Exóticos (de civilizaciones lejanas, desconocidas,…)
expresión, especialmente de
o Paisajes románticos (idealizados, con misterio, ensueño)
estados pasionales extremos.
o Temas políticos (libertad de los pueblos, el heroísmo, …)
En este entorno, el
o Ambientes de ruinas y cementerios, la soledad del hombre
frente a la omnipotencia de la Naturaleza.
paisaje
cobra
relevancia
especial. Los ingleses, como
Turner, representan una naturaleza tempestuosa de incendios y
EUGENE DELACROIX
tormentas reales donde los efectos de luz crean una atmósfera
cambiante, como su obra Lluvia, vapor y velocidad, el gran
Características:
- Da más importancia al color
ferrocarril del oeste; y los alemanes, como Friedrich, optan por
que al dibujo y la composila quietud imaginaria de las cordilleras, acantilados y lagos
ción.
nórdicos contemplados por silenciosos caminantes: Dos
- Muchos de sus dibujos son
hombres contemplando la luna.
característicos porque se basan en modelos exóticos
Otros temas comunes a toda la pintura romántica euroorientalizantes.
pea van a ser las ruinas de las iglesias, que son interpretadas
- Su ideología es liberal.
como una muestra de la decadencia de la fe católica que es
- Defiende la libertad (personal
necesario revitalizar; y los cementerios a la pálida luz de la luna,
y de los pueblos)
que plasman la obsesión romántica por la muerte y sus
- Cierto individualismo, tendencia a la melancolía, hiperfantasmas, la melancolía y la soledad.
sensibilidad.
Los franceses se distinguen a su vez, por el reportaje de
- Rebeldía frente a las normas.
los acontecimientos contemporáneos y el exotismo oriental;
- Predominio del sentimiento
Eugene Delacroix (1798-1863) resume ambas tendencias y se
sobre la razón (reacción frente
erige
en portavoz del pintor romántico: bohemio, apasionado,
al neoclasicismo)
seguro de sí mismo y partidario de la mancha de color en
Obras:
- Muerte de Sardanápalo
detrimento de la rígida preceptiva del dibujo.
- La Libertad guiando al pueblo
En La matanza de Quíos, rinde un homenaje a los colonos grie- La matanza de Quíos
gos de esta isla que trataron de independizarse de los turcos; y
- Mujeres de Argel
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en La Libertad guiando al pueblo exalta la revolución parisina que facilitó la llegada al poder de la
burguesía liberal. La sensibilidad oriental y el espíritu aventurero de Delacroix se manifiestan en
Mujeres en Argel, pintado a la vuelta d un viaje a Marruecos.
EL REALISMO
Las tendencias realistas maduran hacia 1850 en el seno del romanticismo. Ya no era preciso
pintar a los héroes y dioses de la antigüedad para ser considerado como un gran artista. Por el contrario, la atención se dirigía hacia el paisaje, hacia los tipos populares, hacia lo particular y lo perecedero. A partir del siglo XIX aparece una corriente filosófica llamada “positivismo” que se basa en
observar la realidad e interpretarla, de la cual llegará a surgir la fotografía y otros desarrollos técnicos que serán un reto para los pintores.
El arte para el realismo puede estar al servicio de una idea. Muchos artistas se adhieren a la
causa del socialismo, asumiendo como propios los sufrimientos y las aspiraciones de las clases desposeídas, del proletariado. Ellos acentúan su apego a la realidad presente; frente al subjetivismo, lo
objetivo. Hay un cierto deseo de transformar el mundo en que les ha tocado vivir. Los temas son
menos heroicos y amables: campesinos embrutecidos por el trabajo agotador, emigrantes, lavanderas o simples paisajes pintados ante la naturaleza en un deseo de representar la realidad tal como se
supone que es.
Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)
En sus obras representa el realismo aplicado al paisaje. Pinta paisajes donde aparecen grandes construcciones arquitectónicas reflejando su volumen (puentes, catedrales). Tenía como lema el
conservar la inmediatez de la impresión de una mirada a la naturaleza a fin de ser capaz de transmitirla en todo su frescor y espontaneidad a la tela.
La disposición clara y serena de todos sus elementos sobre el lienzo dio la impresión al público de la época de que sus obras eran relativamente sencillas, algo frías, carentes de brillantez.
Corot, como en una fuga romántica, empezó a ejecutar paisajes con ligeras brumas, más vaporosos, donde danzan o reposan ninfas o diosas. El color de su paleta, fresco y brillante en su época italiana, fue adquiriendo una tonalidad verde-gris.
Destacan entre sus obras: la Ville d’Avray, Roma vista desde los jardines Farnese, La catedral de Chartres, Mujer con una perla.
Gustave Courbet (1819-1877)
Courbet era un verdadero socialista, educado en los ideales de la Revolución. Es por esto
que pinta un realismo social. Es uno de los más grandes pintores europeos del siglo XIX. Nieto de
revolucionarios y amigo personal de Proudhon, será la cabeza visible de este movimiento pictórico.
El proletariado ocupa la atención de sus cuadros: en Los picapedreros eleva a valor de símbolo la
miserable existencia de los peones camineros; en Las muchachas al borde del Sena denuncia la
situación marginal de las prostitutas; y en La salida de los bomberos corriendo hacia un incendio,
expresa los accidentes laborales a que están expuestos. El público y la crítica rechazaron estos asuntos contemporáneos, calificándolos de «feos» por romper con la idea convencional de elegancia.
En 1850 pinta Un entierro en Ornans, que el propio Courbet, en un juego de palabras, consideró «el entierro del Romanticismo». La composición y el formato enlazan con los retratos de
grupo de la escuela barroca holandesa, pero los integrantes de la procesión fúnebre carecen de las
poses estudiadas y de la grandilocuencia académica. Alfred Bruyas, un rico hacendado, será el único comprador de este arte libre, cuya fuerza reside en la pintura misma y no en el asunto representado. Fruto de la amistad con Alafred Bruyas, rico hacendado, será El encuentro (¡Buenos días,
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señor Courbet!) en el que se recoge un acto intrascendente: el saludo matinal de ambos personajes
en el campo.
En 1855, ante el rechazo sistemático de sus obras por los jurados de los salones oficiales,
decidió abrir un barracón frente a la entrada de la Exposición Universal de París. Lo rotula con el
nombre de «Realista» y en su interior expone 43 lienzos, presididos por El estudio del pintor, que
define como «una alegoría real de su taller» y donde, con una prodigiosa técnica de empastes, demuestra su talento como paisajista y retratista, donde “retrata” sl conjunto de la sociedad, explotadores y explotados, de cuyas costumbres debía ocuparse el arte realista por igual.
Su compromiso político con la Comuna, le lleva a ocupar en 1870 el cargo de Presidente de
los Museos de Francia, decretando el desmantelamiento de la Columna Vendóme, que servía de
peana a una estatua de Napoleón. Restablecido el orden, fue condenado por la Asamblea Nacional a
seis meses de cárcel y a pagar la reposición del monumento devastado. Courbet huye a Suiza, donde
pasa sus últimos años dedicado a pintar paisajes y retratos, reflejando la realidad de forma objetiva,
sin embellecerla.
La oposición al realismo
El realismo de Courbet y de los demás artistas y literatos post-románicos no agradó a la burguesía francesa de Segundo Imperio. Su enorme poder económico le permitía todo tipo de lujos,
pero no lograba hacerle olvidar la modestia de su origen. La hostilidad que manifestó hacia el realismo fue radical. La crítica conservadora opinaba que lo feo, lo vulgar y lo obsceno era absolutamente reprobable en arte. Los realistas, en cambio, pensaban, que todo arte que representase la vida
cruda e imparcialmente era, en si, algo revolucionario.
El tema de todos ellos lo constituye el bosque, los prados, los arroyos de los alrededores…La elección de motivos banales les permite investigar los cambios atmosféricos, los efectos de
lejanías, las filtraciones de luz entre los claros del arbolado, etc. De unas preocupaciones similares
surgirá el Impresionismo.
EL IMPRESIONISMO 1
El punto de arranque de este movimiento se encuentra en la tradición paisajista de la escuela
de Barbizán, que propugnó la pintura al aire libre; y en la figura de Manet. Hay antecedentes que se
remontan al s. XVI, pintores que avanzan esta técnica (Velázquez, Goya), pero la fecha de inicio de
este movimiento es en torno a 1863 cuando se expone en el salón de los rechazados una serie de
obras que habían sido rechazadas en el Salón oficial.
El contexto histórico de los pintores impresionistas es la Francia de las revoluciones liberales y la Comuna. Los impresionistas presenciaron la transformación de la ciudad de Haussmann,
que hace de París 1a gran ciudad, luminosa, de grandes bulevares, parques inmortalizados por los
pintores en sus obras…
La 2ª revolución industrial se inicia al compás del desarrollo de este movimiento y los nuevos avances científicos, junto a las nuevas transformaciones urbanas influirán en el movimiento. El
ferrocarril ha dado otra visión del mundo. La cámara fotográfica se ha generalizado y se ha perfeccionado la química, desarrollándose pigmentos variados y de mayor calidad –teorías del químico
Chevreul–. La física óptica ha experimentado un avance espectacular.
El crecimiento de la ciudad, constante el siglo XIX y acelerado en el último tercio del mismo, había impuesto una forma de vida distinta caracterizado por el dinamismo y la rapidez. El boom
1
Para el tema del Impresionismo se recomienda la realización de la actividad on line de la Caza del
Tesoro sobre los autores y la pintura impresionista que está disponible en la siguiente dirección de
Internet: http://www.uchbud.es/WebQuest/CT-Impresionismo.htm
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del negocio inmobiliario en París, consecuente con la política de Napoleón III había creado una
inmensa cantidad de nuevos ricos. Ellos fueron los responsables del desarrollo del marchante, figura
muy conocida en Holanda, pero no en Francia hasta este momento. El marchante liberaba a los artistas de su dependencia del salón, le brindaba nuevas oportunidades, aconsejaba a clientes y pintores, y sin duda sin su presencia, la vanguardia no hubiera existido. En el caso de impresionismo, la
figura de Durant Ruel, su principal marchante, fue importantísima, debido a su perspicacia y lealtad.
El término impresionista fue utilizado en el semanario satírico Le Charivari por el crítico
Louis Leroy, al comentar un paisaje de
Claude Monet, titulado Impression, soleil
CARACTERÍSTICAS DEL IMPRESIONISMO:
levant (Impresión, sol naciente), que
1. TEORÍA DE LOS COLORES: Fundamentalmente
muestra el nacimiento del sol en los
existen tres colores primarios (amarillo, rojo y
muelles del Havre. La etiqueta contenía
azul), y tres complementarios (violeta, verde y nauna carga despectiva y englobaba las 165
ranja). Asociados los colores primarios dan el
telas, pertenecientes a 30 artistas
complementario del tercero, pero en vez de fundirrechazados en los certámenes oficiales,
los en el pincel ha de ser el ojo del espectador el
que confunda los toques próximos de colores prique habían inaugurado una exposición
marios.
colectiva en el estudio que el fotógrafo
2. PLASMACIÓN DE LA LUZ: Los objetos sólo se
Nadar tenía abierto en el bulevar de los
ven en la medida en que la luz incide sobre ellos.
Capuchinos de París. El fracaso fue
El pintor recompone los colores en sensación luestrepitoso.
mínica. Hay que dejar de pensar en la paleta y en
los objetos y estudiar el color como una modalidad
En realidad, Monet, Renoir, Degas
de la luz y la pintura como un entretejido de tonaliy el resto de los participantes trataban tan
dades luminosas.
sólo de atrapar la naturaleza en el cuadro,
3. APARIENCIAS SUCESIVAS: Un mismo tema es
tal como ellos la veían, sin añadir ningún
pintado, repetidas veces sin más cambio que mamensaje moral. Como método de trabajo
tices de iluminación, de intensidad solar o de espesor de la neblina. El cuadro es simplemente un
defendían la pintura al aire libre frente al
efecto de luz.
ambiente cerrado del taller, que impedía
4. COLORACIÓN DE LAS SOMBRAS: Las sombras
ver los cambios que sufre un mismo
dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coobjeto bajo la luz diferente del amanecer,
loreados con las tonalidades complementarias; en
del mediodía o de la tarde.
consecuencia, desaparecen los contrastes del claroscuro, y el dibujo se extingue o reduce a leves
El modelo sería el paisaje, con el
trazos disueltos entre el color.
fulgor de sol reflejado sobre el agua, las
5. PINCELADA SUELTA: Prefieren la mancha pastohojas o la piel. Se interesan po los
sa y gruesa. La pintura será tan suelta que, a verecientes progresos, como los barcos de
ces, parece un dibujo inapreciable, confuso, difuvapor y las estaciones de ferrocarril
minado.
6. TÉCNICA AL AIRE LIBRE: Los pintores huyen de
envueltas por el humo que arrojan las
los talleres al campo. Esta proyección hacia los lulocomotoras. Les entusiasma el mundo
gares abiertos viene impuesta por la temática, pecotidiano de la vida moderna: las regatas,
ro más todavía por el deseo de ver y reproducir los
las carreras de caballos, la ópera y el
colores puros.
ballet. Su temática es ajena al cuadro de
historia oficial; para documentar los acontecimientos ya estaba la fotografía.
En el colorido huyeron de las sombras negras que empleaban los académicos. La técnica fue
de pincelada fragmentada, de toque suelto y espontáneo, a menudo aplicado directamente con el
tubo, consiguiendo una superficie pastosa que, de cerca, daba la sensación de que el cuadro estaba
inacabado.
Claude Monet (1840-1926) es el paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo fidelidad absoluta al movimiento impresionista. Deseaba pintar lo intangible. Su pasión por la atmósfera
le condujo a diferentes ambientes europeos: Londres, el Midi francés, la Provenza; y los fiordos
noruegos. Una consecuencia d esta ambición estética fue el serialismo: varias reproducciones de un
mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones difeEl arte del siglo XIX – pág. 8/11
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rentes. Sus series más conocidas son las referidas a la Fachada de la catedral de Ruán, y las 12
pinturas de nenúfares sobre el agua, tituladas genéricamente Ninfeas, donde las formas están disueltas en charcos de color.
Auguste Renoir (1841-1919) es el retratista con mayúsculas, su interés por la figura humana constituye su mayor contribución personal al Impresionismo. Retrató varias veces a Monet, y dejó un
retrato colectivo de sus amigos, charlando despreocupadamente en los veladores del Moulin de la
Galette. Poco después pintó a Madame Charpentier y sus hijos, que le catapultó al éxito y le franqueó los cerrados ambientes de la sociedad burguesa. Desde entonces, es el más popular de los impresionistas.
Ello se debió también a que hacia 1883 se produjo una especie de ruptura y recupera la línea.
Esta crisis se observa en sus escenas callejeras de París. Mientras en El almuerzo de los remeros
compone todavía con manchas d color, en Los paraguas vuelve al dibujo y a la enseñanza de los
museos. Tras estas reflexiones se retira a la Costa Azul y empieza a reproducir desnudos femeninos,
caracterizados por una fuerte sensualidad.
Édouard Manet (1832-1883). El tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical del
campo únicamente preocupado por el mundo visual. Él es un sofisticado habitante de la ciudad, un
caballero que se ajusta en todo al concepto decimonónico de dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde esta perspectiva
destacan obras como el Desayuno sobre la hierba; en otras, como Olympia, destaca fuertemente el
desnudo femenino con una luz frontal. Obra destacada es, también, el retrato de Émile Zola.
Edgar Degas (1834-1917) es el más atípico de los impresionistas. Excepcionalmente pintó al aire
libre y su concepción de la pintura se basaba en el dibujo. Su inclusión en el movimiento se debe a
su pincelada clara y al uso d colores puros. Es el más clásico. Comenzó su aprendizaje siendo artesano de cerámica.
La técnica y la composición de toda su producción es muy personal. Degas emplea el pastel
y sus composiciones resultan instantáneas fotográficas, secuencias cinematográficas de primeros y
primerísimos planos, mostrando la deuda contraída hacia la cámara en sus encuadres y enfoques.
Destacan obras como la Clase de baile, La Estrella y El café–concierto Ambassadors.
Georges Pierre Seurat (1859-1891), fundador del neoimpresionismo, pensaba que el conocimiento
de la percepción y de las leyes ópticas podría ser utilizado para crear un nuevo lenguaje artístico,
que llamó cromoluminarismo; su obra Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es un icono
de la pintura del siglo XIX, y uno de los ejemplos más claros del puntillismo..
EL POSTIMPRESIONISMO
El término no es demasiado preciso. Se incluyen una serie de pintores en este periodo, que si
bien no forman un grupo en el sentido clásico de la palabra, sí contribuyen de forma decisiva a las
transformaciones artísticas del siglo XX. Son todos pintores franceses, excepto van Gogh, que se
integra con dificultad. Viven en París y esta ciudad, aunque alguno la abandone, marca un hito en su
obra.
Entre 1886, año en el que tiene lugar la última exposición impresionista, y 1907, año en el
que se presenta Las señoritas Avignon (Picasso) que significó el lanzamiento del cubismo, transcurren 20 años en el que se desarrolla la obra de estos autores postimpresionistas, llamados así porque
se formaron en el impresionismo al que abandonaron, derivando hacia una pintura más personal en
la que todos recuperan la definición de la forma por medio del dibujo que el impresionismo había
abandonado prácticamente. Por tanto, se recupera de la importancia del dibujo y de la expresividad
de los objetos y de las personas iluminadas.
El arte del siglo XIX – pág. 9/11
Hª del Arte – 2º de Bachillerato
Tras la muerte de Seurat, tres grandes artistas emprendieron la renovación del Impresionismo: Cézzane, que preludia el cubismo; Gauguin, que anticipa el movimiento nabi; y Van Gogh, que
preludia el Fauvismo y el Expresionismo.
Paul Cézanne (1839-1906) alcanza la madurez pictórica a los 50 años, era hijo de un sombrerero
enriquecido, que llegó a fundar su propio banco. En 1886 moría su padre, librándole la herencia de
penurias económicas y rompiendo, también, la amistad con su condiscípulo de juventud Zola.
Su concepción pictórica no descansa exclusivamente en la mirada, sino en la vista y el cerebro. Este desarrollo mutuo de los sentidos y la reflexión en el cuadro le llevan a forjar su credo artístico: En la naturaleza todo se modela según la esfera, el cono y el cilindro. El cubismo está a la
vuelta de la esquina. La simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y diagonales, donde la pincelada de color tiene volumen y peso, aparece en sus bañistas, jugadores de cartas, bodegones y paisajes. La serie de cuadros dedicada a La Montaña de Santa Victoria, condensa la novedad
de su arte: formas geométricas construidas con grandes pinceladas verdes, rojas y azules. Destacan,
también, obras como Los jugadores de naipes y el Bodegón con manzanas y naranjas.
La existencia de Paul Gauguin (1848-1903) es una novela de aventuras. Pasó la infancia en
Lima y la juventud en París, donde siguió la carrera de marino mercante y corredor de bolsa, hasta
la quiebra financiera de 1883. Entonces, descubre su vocación pictórica. Expone con los impresionistas, pero se aleja del grupo. Marcha a Bretaña en busca del primitivismo, viaja luego a Panamá
con el deseo de vivir como un salvaje.
Cuando regresa a Francia funda junto a
CARACTERÍSTICAS DE GAUGUIN:
Van Gogh el Taller del Mediodía,
1. Simbolismo (exageración de las impresiones en
separándose más tarde por una
un sentido lírico y poético).
discusión. Finalmente la nostalgia del
2. Se inicia en el impresionismo con Pissarro, adetrópico le llevan a los mares del sur.
más posee gran influencia de los pintores japoneGauguin
abandona
a los
ses y egipcios.
impresionistas,
porque
estos
no
buscan
3. Pintó en estos lugares buscando la inspiración
que él quería: París, Bretaña, Martinica, Arlés,
en el fondo misterioso del alma. Ya en
Tahití.
sus primeros cuadros carga el acento en
4. La luz pierde importancia en cuánto a la exaltael mundo interior, utilizando una técnica
ción del color: colores planos aplicados a grandes
decorativa que recuerda los esmaltes y
zonas uniformemente ( como esmaltes o vidrielas vidrieras. La figura y el paisaje están
ras)
5. Renuncia a la perspectiva geométrica y a las
contorneados con líneas negras. El tema
sombras (perfiles bien delimitados)
bíblico de La visión después del sermón
6. Temas exóticos ( Bretaña, Tahití) en los que une
presenta
estas características, que serán
lo que ve con lo que imagina ( colores inverosímiya
constantes
en toda su producción.
les en la Naturaleza)
La mentalidad ingenua y
7. Los colores están perfectamente delimitados, cosa que es propia del impresionismo (colores difuprimitiva la desarrolla en la Polinesia,
minados).
retratando
una
civilización
sin
8. Las formas son precisas y los colores uniformes.
contaminar
a
través
de
los
indígenas,
sus
9. No hay profundidad ni distanciamiento.
casas, sus playas y sus selvas. Su obra
10. Sus cuadros tahitianos recuerdan a figuras egipmaestra es ¿De dónde venimos?
cias, con manos rígidas, frontalidad…
¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?
Vincent van Gogh (1853-1890) es el artista del siglo XIX que mayor entusiasmo ha provocado en
nuestra sociedad actual.. Apasionado, sensible y desequilibrado mental, vivió 37 años, pero únicamente los nueve últimos los pasó dedicado a la pintura, dejando 879 cuadros. Sólo logró vender un
lienzo en vida.
Era hijo de un pastor calvinista, y sus contactos con el arte se iniciaron en 1869, cuando entra a trabajar como marchante. La cadena de desengaños amorosos que sufre ahonda su estado deEl arte del siglo XIX – pág. 10/11
Hª del Arte – 2º de Bachillerato
presivo, llevándole a desatender el negocio, por lo que fue despedido. Inicia entonces una frecuente
correspondencia con su hermano Theo, en la que le revela por carta la inquietud que atormenta su
trágica existencia. Busca consuelo en la religión y decide convertirse en evangelizador de los pobres.
Ante un nuevo infortunio, CARACTERÍSTICAS DE VAN GOGH:
intenta salir de la crisis espiritual,
o Busca expresar su interior, sus desequilibrios y su locura al
volcándose en la pintura. Cultiva
sentirse perdido en sí mismo.
una temática social, a base de
o Es un precursor del “expresionismo” (se intenta reflejar las
tonos oscuros y grises, que
vivencias personales del autor en la pintura).
resume en Los comedores de pao Pinta paisajes y figuras serpeantes muy retorcidas.
tatas.
o Toques irregulares de pinceladas largas, sueltas, deshechas, muy rápidas.
En 1886 Van Gogh fija su
o
Líneas
negras que aumentan el color expresando sentiresidencia en París, donde alegra
mientos.
la temática de sus cuadros. Theo
o Subordina todo al color, estridente y violento, y al dibujo
le presenta a los impresionistas, y
muy ligero pero muy sinuoso.
aprende el valor de la pintura
o Transforma la realidad, la exagera y la deforma conscientemente.
colorista y clara. Los dos últimos
o
Utiliza
los colores puros en contraste unos con otros. Coloaños de su vida transcurren en el
res intensos. Predominan los rojos, y sobre todo el amarillo
sur de Francia, donde su
(expresa más y mejor sus sentimientos).
temperamento ardiente alcanza la
madurez del genio. Vive en Arlés, pasando temporadas internado en el hospital psiquiátrico.
Su estilo se define por la línea firme de los japoneses y el color como gran motor de la emoción. Pinta entonces retratos (El doctor Paul Gachet), paisajes (La iglesia de Auvers-sur-Oise), noches estrelladas (Noche estrellada sobre el Ródano), campos de trigales, olivos, cipreses, bodegones
(Los girasoles); representa escenas de interior, entre las que no falta su propia habitación (El dormitorio de van Gogh en Arlés), y culmina la serie de 43 autorretratos.
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