1 tema 10- el cinquecento italiano. arquitectura. el templo, el palacio

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TEMA 10- EL CINQUECENTO ITALIANO. ARQUITECTURA. EL TEMPLO, EL PALACIO Y LA
VILLA (BRAMANTE, MIGUEL ANGEL Y PALLADIO), ESCULTURA (MIGUEL ANGEL),
PINTURA (LEONARDO, MIGUEL ANGEL, RAFAEL Y TIZIANO).
Introducción
El Cinquecento: primer tercio del siglo XVI hasta 1527. Periodo culminante del Arte del
Renacimiento.
Manierismo: 1527 a 1600.
En el Cinquecento la admiración por la Antigüedad Clásica: descubrimiento de una
copia del Laocoonte en Roma en 1506).
Centro artístico: Roma.
Mecenas y los papas: Julio II, León X y Clemente VII.
Características Generales de la Arquitectura del Cinquecento.
-
imitación el Arte Clásico de una manera más fiel que la del Quattrocento.
-
la belleza se vincula a los conceptos de proporción, armonía y equilibrio como
en la Antigua Grecia. (antropometría)
-
Tipología de arquitectura:
o religiosa
o urbanística
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o arquitectura civil.
 el palacio en las ciudades
 villa en el campo.
Planta: e ideal del templo renacentista propugnado por los teóricos:
1. planta centrada.
2. combinan con la planta longitudinal:
a. San Pedro del Vaticano.
3. Se recupera la idea clásica y bizantina de construir el edificio en función de una
gran cúpula (Martirium).
4. la planta jesuítica: planta longitudinal con nave única ancha y flanqueada por
capillas no comunicadas entre sí.
5. El palacio del siglo XVI tiene una planta sencilla idéntica a la del Quattrocento:
planta cuadrada en función de un patio cuadrado porticado.
Valoración estética:
Interior: los ideales:
-
la unidad espacial (diafanidad),
-
el espacio perspectivo.
-
la proporcionalidad (antropometría en base al módulo).
Principales Ejemplos:
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Donato Bramante:
-
la construcción de San Pedro del Vaticano: Las características:
1. Una fidelidad casi científica a los modelos clásicos.
2. Pureza y limpieza de líneas.
3. Desnudez decorativa casi total.
4. Importancia estética de las proporciones matemáticas.
En 1502, realiza el templete de San Pedro in Montorio en Roma.
En 1506 Julio II encarga a Bramante la construcción de San Pedro del Vaticano.
A la muerte de Bramante en 1514, Rafael retoma el proyecto pero el papa León X le
impone realizar un templo de planta longitudinal a San Pedro del Vaticano. Rafael
muere en 1520 y le sucede Sangallo el Joven que vuelve a realizar una planta centrada.
En 1546, Miguel Angel vuelve sobre la idea de la planta centrada.
Andrea Palladio es el continuador directo del estilo de Bramante en la segunda mitad
del siglo XVI, es decir, durante el Manierismo:
-
la Villa Rotonda de Vincenza (1567-69). En todas estas obras el estilo de
Palladio es austero pero robusto y contundente.
-
la fachada de San Jorge el Mayor de Venecia
-
el Teatro Olímpico de Vincenza.
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MIGUEL ANGEL ESCULTOR
Miguel Angel es el iniciador del Manierismo.
Inicios: es un artista clasicista como Leonardo, pero a lo largo de su vida evoluciona
desarrollando elementos artísticos muy personales que darán lugar al Manierismo.
Las esculturas de Miguel Ángel se caracterizan por:
-
su monumentalidad y por el anamorfismo.
-
figuras con una gran fuerza interior que representan el movimiento en potencia
y no en acto.
-
La expresión del rostro también muestra una enorme fuerza espiritual interior:
la terribilitá miguelangelesca.
OBRA DE MIGUEL ANGEL:
-
El David (1504) de la Academia de Florencia.
-
La Tumba de Julio II: el Moisés y los esclavos.
-
Las Tumbas Medicéas: se trata de las tumbas de los duques Lorenzo y Giuliano
de Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia.
-
La Piedad Rondanini.
PINTURA
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-
El Cinquecento: enorme desarrollo de la pintura.
-
características generales similares a las del Quattrocento,
-
aportaciones de Leonardo y Miguel Ángel.
Temática:
-
figura humana tanto en las obras religiosas como profanas. análisis de la
gestualidad y comunicación psicológica entre los personajes.
-
retrato, lo más típico del Cinquecento es el retrato en busto de tres cuartos
(con lo que rompe con el retrato de perfil quattrocentista). Los retratos pueden
aparecer “camuflados” en escenas religiosas y cívicas, aunque cada vez es más
típico el retrato sin otra justificación (Rafael es un gran retratista).
-
El paisaje y el bodegón tienen poca importancia, aunque Leonardo y Rafael
crean unos fondos paisajísticos muy interesantes.
Elementos formales:
-
Dominio del dibujo sobre el color. el color va adquiriendo protagonismo
paulatinamente. El dibujo es muy preciso.
o Leonardo (sfumatto).
o Miguel Ángel es muy nítido, efecto casi escultórico en sus pinturas.
-
Los colores son más vivos y saturados que en el Quattrocento aunque se sigue
realizando una aplicación equilibrada y armoniosa de los colores.
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o preferencia por los colores primarios utilizados de una manera
equilibrada.
-
uso de la geometría y de la proporción matemática para enfatizar la
“corporeidad” de los objetos y como elemento compositivo. composiciones
basadas en la pirámide se repiten con cierta frecuencia.
-
la perspectiva lineal continua siendo uno de los ideales del Renacimiento, en el
Cinquecento disminuye la obsesión por enfatizar demasiado el efecto
de
perspectiva, señal de que los pintores la dominan perfectamente.
-
Las composiciones son menos rígidas que en el Quattrocento, mucho más
sintéticas y “naturales”. Sin embargo, continuamos encontrando composiciones
muy equilibradas en función de un eje axial (búsqueda del equilibrio
compositivo). Se da una preferencia por el triángulo como figura geométrica
compositiva.
Principales ejemplos:
Leonardo Da Vinci:
-
En las distintas versiones de la Virgen de las Rocas (1483-85).
-
La Gioconda (1503-05) (sfumatto).
7
-
Otro retrato famoso es la Dama del Armiño.
-
La Cena de Santa María delle Grazie (Milán) (1495-1498).
Rafael inicia su aprendizaje con el Perugino, sin embargo, tras llegar a Florencia, sus
verdaderos maestros serán Leonardo y Miguel Angel. De este modo, la pintura de
Rafael es una síntesis de la pintura de estos dos maestros:
Principales características:
-
equilibrio clásico.
-
belleza ideal.
-
simetría.
-
claridad compositiva.
-
equilibrio cromático.
-
luminosidad difusa o direccional en obras diferentes.
Obras:
-
Las pinturas de la Sala della Segnatura (1508-12) (La Escuela de Atenas, El
Incendio del Borgo, La expulsión de Heliodoro del Templo).
-
La Escuela de Atenas.
-
Las madonas de Rafael se caracterizan por una delicada belleza ideal:
o
la Madona del Jilguero,
o la Madona del Gran Ducca, etc.
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-
Retratos:
o León X,
o Baltasar de Castiglione,
o El Cardenal (1510),
o la Fornarina.
Miguel Ángel:
-
frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina.
TIZIANO Y LA ESCUELA VENECIANA.
Siglo XVI: Centro Artístico de Italia: Venecia: la Escuela Veneciana como un caso aparte
dentro del Manierismo, y como un auténtico precedente de la Pintura del Barroco.
Influencias posteriores en pintores:
El Greco,
Rubens
Velázquez.
Materiales y Técnicas:
-
uso del óleo, los colores están muy saturados.
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Soporte:
-
pintura de caballete sobre lienzo a veces de gran tamaño.
Tema:
-
el desnudo femenino y el paisaje.
-
la manera un tanto rebuscada y caprichosa de representar las escenas
religiosas.
-
obras de una gran ambigüedad temática.
Elementos Formales:
-
Dominio del color sobre el dibujo, el “color veneciano” intenso y manierista
como la marca fundamental.
-
importancia a la perspectiva y a la profundidad: ventana lateral.
-
Utilización sistemática de la perspectiva aérea y del sfumatto.
-
Composición axial renacentista y el uso de las diagonales compositivas.
-
Importancia de la “morbidezza”.
Valoración Estética:
-
el idealismo. Los pintores venecianos nos pintan un espacio aparentemente
realista pero idílico, inexistente.
-
el gusto por las escenas religiosas rebuscadas, caprichosas y complejas que a
veces rallan la blasfemia, un auténtico precedente del Barroco.
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Principales Ejemplos:
Tiziano: pintor favorito de los reyes de España Carlos V y Felipe II:
-
El Concierto Campestre (1510) (atribuida durante mucho tiempo a Giorgione),
-
Baco y Ariadna,
-
Bacanal,
-
Danae recibiendo la lluvia dorada (1546),
-
Amor Sagrado y Amor Profano (1515),
-
Venus de Urbino (1538),
-
Retrato Ecuestre de Carlos V en Muhlberg.
Otros pintores son Giorgione:
-
Venus Dormida,
-
La Tempestad, etc.
Veronés:
-
las Bodas de Caná.
TEMA 10- EL CINQUECENTO ITALIANO. ARQUITECTURA. EL TEMPLO, EL PALACIO Y LA
VILLA (BRAMANTE, MIGUEL ANGEL Y PALLADIO), ESCULTURA (MIGUEL ANGEL),
PINTURA (LEONARDO, MIGUEL ANGEL, RAFAEL Y TIZIANO).
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Introducción
El Cinquecento es el período artístico y cultural que se produce en Italia durante el
primer tercio del siglo XVI hasta 1527 (año del Saco de Roma por parte de las tropas de
Carlos V). Aunque la palabra “Cinquecento” parece englobar todo el siglo XVI, el
período posterior a 1527 se suele denominar “Manierismo”. Durante mucho tiempo se
consideró el Manierismo como una fase de decadencia del Arte del Renacimiento. Hoy
en día se prefiere no hacer juicios de valor sobre el mismo. El Manierismo es así, el
período que va de 1527 a 1600 y es en cierto sentido, una reacción contra el
Cinquecento. Asimismo, el Manierismo es un movimiento artístico que anuncia
algunas características del Barroco.
Al Cinquecento se le considera el período culminante del Arte del Renacimiento y uno
de los períodos más idealizados y valorados de la Historia del Arte (es decir, se
convierte en un nuevo período “clásico” digno de ser imitado). Esto se debe, en gran
parte a tres figuras excepcionales: Leonardo, Miguel Angel y Rafael, que llevan las
principales artes a sus más altas cotas de perfección y creatividad.
En el Cinquecento la admiración por la Antigüedad Clásica es total (uno de los hitos de
esta admiración es el descubrimiento de una copia del Laocoonte en Roma en 1506).
De hecho, la imitación del Arte Clásico es mayor y más fiel en este período que en el
Quattrocento. Así se puede apreciar en la arquitectura de Bramante y de seguidores
suyos como Palladio que llevan a cabo una arquitectura de solemne pureza que
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simboliza la admiración que estos artistas sentían por las ruinas de la arquitectura
romana.
Roma sustituye a Florencia como principal centro artístico, y los papas, Julio II, León X
y Clemente VII, auténticos príncipes del Renacimiento, actúan de mecenas de los
principales artistas.
Miguel Ángel es uno de los principales representantes del Cinquecento, un artista
genial en todos los campos del Arte: arquitectura, escultura y pintura. Se trata de un
auténtico “clásico” que será imitado hasta la saciedad. Sin embargo, también es el
iniciador del Manierismo, pues abre el arte del Renacimiento a nuevos lenguajes más
dinámicos y enérgicos alejados del Clasicismo.
Características Generales de la Arquitectura del Cinquecento.
La arquitectura del Cinquecento imita elementos del Arte Clásico incluso de una
manera más fiel que la del Quattrocento.
Una vez más, la belleza se vincula a los conceptos de proporción, armonía y equilibrio
como en la Antigua Grecia. Una de las proporciones más utilizada en el Renacimiento
es la antropometría, es decir, la utilización de las proporciones humanas en los
elementos arquitectónicos (planta, columna, etc.)
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Junto a la arquitectura religiosa se desarrolla la urbanística y la arquitectura civil. La
principal manifestación de la arquitectura civil es el palacio en las ciudades y la villa en
el campo.
Planta: el ideal del templo renacentista propugnado por los teóricos es el de planta
centrada, pero los arquitectos no siempre la pueden llevar a cabo y por eso la
combinan con la planta longitudinal. El caso más importante del Cinquecento fue el
debate sobre la construcción de San Pedro del Vaticano. En la construcción de la
principal basílica de la Cristiandad se sucedieron varios arquitectos que propusieron
soluciones distintas a la construcción y a su vez tuvieron que lidiar con las ideas de los
sucesivos papas, comitentes del edificio.
También se recupera la idea clásica y
bizantina de construir el edificio en función de una gran cúpula (Martirium). Aparte de
estas plantas centradas, en el siglo XVI se crea la planta jesuítica: planta longitudinal
con nave única ancha y flanqueada por capillas no comunicadas entre sí (recordemos
que en el siglo XV la planta albertiana era un precedente de ésta). El palacio del siglo
XVI tiene una planta sencilla idéntica a la del Quattrocento: planta cuadrada en función
de un patio cuadrado porticado.
Valoración estética:
Interior: los ideales del interior del templo renacentista son: la unidad espacial (o en su
defecto la diafanidad), el espacio perspectivo y la proporcionalidad (antropometría en
base al módulo).
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Principales Ejemplos:
Donato Bramante inicia su carrera artística en Milán, pero pronto acude a Roma para
acometer la construcción de San Pedro del Vaticano, y allí desarrolla un tipo de
arquitectura peculiar. Las características del Arte de Bramante son:
Una fidelidad casi científica a los modelos clásicos.
Pureza y limpieza de líneas.
Desnudez decorativa casi total (por ejemplo sus famosos nichos vacíos)
Importancia estética de las proporciones matemáticas.
En 1502, Bramante realiza el templete de San Pedro in Montorio en Roma. Se trata de
un edificio conmemorativo del lugar en el que San Pedro fue crucificado. Bramante se
inspira claramente en un tholos de orden toscano realizado con muchísima fidelidad
respecto a los originales romanos. Sin embargo, no es una mera copia pues sobre él
añade una balaustrada y una cúpula, de manera que el resultado final es de una gran
originalidad. Es difícil no ver en el Templete de San Pedro un martirium, un edificio de
planta centrada que conmemora la muerte de un mártir. La utilización del orden
toscano es una muestra del deseo de simplificación decorativa, algo similar ocurre con
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los nichos vacíos. Este templete le servirá como modelo a Bramante para la cúpula con
la que pretende coronar el Vaticano.
En 1506 Julio II encarga a Bramante la construcción de San Pedro del Vaticano, la
iglesia más grande de la Cristiandad que sustituirá a la antigua basílica paleocristiana.
En principio, Bramante diseña una iglesia de planta centrada de cruz griega en función
de una cúpula flanqueada por otras cuatro. Tiene cuatro torres en las esquinas y cada
uno de los brazos de la cruz termina en forma de exedra. La cúpula central es muy
característica, pues el tambor tiene una fila de columnas exentas (la cúpula imita el
templete de San Pedro in Montorio). Bramante pretende así crear un gigantesco
martirium sobre la tumba de San Pedro, sin embargo, sólo podrá realizar los cimientos.
A la muerte de Bramante en 1514, Rafael retoma el proyecto pero el papa León X le
impone realizar un templo de planta longitudinal a San Pedro del Vaticano. Rafael
muere en 1520 y le sucede Sangallo el Joven que vuelve a realizar una planta centrada.
En 1546, Miguel Angel vuelve sobre la idea de la planta centrada. Sin embargo, Miguel
Angel reforma la idea original de Bramante, pues suprime las torres para dar todo el
protagonismo a la inmensa cúpula central. Asimismo, la cúpula que diseña Miguel
Angel no es igual que la de Bramante, sino que tiene un sistema constructivo similar a
la de Brunelleschi en Florencia, pues superpone una cúpula semicircular al interior con
una cúpula apuntada en el exterior. En el tambor sustituye la fila de columnas exentas
de Bramante por columnas adosadas pareadas que enmarcan los vanos. El tambor está
ligeramente peraltado de manera que parece más airoso. Con la cúpula del Vaticano,
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Miguel Angel recupera la idea “escultórica” de la arquitectura que tenían los antiguos
griegos. La cúpula es tratada como una gigantesca estatua de bulto redondo
proporcionada y equilibrada, dispuesta a ser admirada sobre su pedestal. Miguel Angel
también diseñó la fachada de San Pedro. En ella utiliza el llamado “Orden Gigante”,
unas enormes columnas adosadas, que si bien mantienen las proporciones clásicas,
recorren todos los pisos de la fachada como si fuera un inmenso templo clásico. El
genial artista florentino no pudo ver terminada su obra, pues los pies del templo
fueron ampliados posteriormente por Maderna (traicionando la idea original de
Miguel Ángel).
Andrea Palladio es el continuador directo del estilo de Bramante en la segunda mitad
del siglo XVI, es decir, durante el Manierismo. Palladio trabaja en Venecia y sus
alrededores (Venecia es uno de los principales focos manieristas). La obra más célebre
de Palladio es la Villa Rotonda de Vincenza (1567-69). Esta Villa responde al ideal
renacentista de la residencia rural, racionalmente construida: un universo artificial
perfecto construido por el ser humano, pero integrado en otro universo perfecto
construido por Dios: la naturaleza. Lógicamente, la Villa Rotonda tiene planta centrada
(símbolo de la perfección) y nuevamente alude al pasado clásico con sus cuatro
fachadas de templo clásico que preceden a una naos cuadrada cubierta por una cúpula
(hay una cierta similitud con el Panteón de Roma). La villa se construye en un alto para
ser admirada como una estatua. En todas estas obras el estilo de Palladio es austero
pero robusto y contundente. Algo similar se ve en otras obras de Palladio como la
fachada de San Jorge el Mayor de Venecia, en la basílica y el Teatro Olímpico de
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Vincenza. Palladio influirá enormemente en el Barroco anglosajón y en el
Neoclasicismo.
MIGUEL ANGEL ESCULTOR
Como ya hemos dicho, Miguel Angel es el iniciador del Manierismo. En sus inicios, es
un artista clasicista como Leonardo, pero a lo largo de su vida evoluciona
desarrollando elementos artísticos muy personales que darán lugar al Manierismo.
Aunque trabajó en casi todos los ámbitos de las artes plásticas, Miguel Ángel siempre
se consideró a sí mismo como un escultor. Toda su vida estuvo condicionada por una
gran obra que nunca concluyó: la gran Tumba de Julio II que se ubicaría bajo la cúpula
del Vaticano.
Las esculturas de Miguel Ángel se caracterizan por su monumentalidad y por el
anamorfismo, manifestado en el enorme desarrollo de la musculatura. Se trata de
figuras con una gran fuerza interior que representan el movimiento en potencia y no
en acto. La expresión del rostro también muestra una enorme fuerza espiritual
interior: la terribilitá miguelangelesca. Se trata, por tanto, de un mundo de gigantes
musculosos con una gran fuerza interior a punto de desencadenarse. Su mérito es la
expresión del movimiento natural y contenido que dota de vida a estos gigantes.
El David (1504) de la Academia de Florencia representa el momento en que David
observa a Goliat desde lejos y se prepara para lanzar la piedra. En este caso, el
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contraposto muestra el ligero balanceo del cuerpo de David (movimiento en potencia).
David mira a la lejanía, integrando el espacio circundante en la imaginación del
espectador gracias a su mirada. El David de Miguel Ángel no es un adolescente como el
de Donatello, sino un hombre musculoso, en la plenitud de su belleza física, con una
determinación y fuerza interior más propia de un adulto que de un adolescente.
La Tumba de Julio II: el Moisés y los esclavos Miguel Ángel estuvo siempre obsesionado
por la construcción de esta gigantesca tumba que se ubicaría bajo la cúpula del
Vaticano. Nunca la terminará, de ella solo realiza el Moisés, los esclavos y otras
esculturas secundarias. El Moisés ubicado en San Pedro in Víncola de Roma representa
el momento en el que éste observa indignado el becerro de oro que los judíos han
hecho en el Sinaí, traicionando así su alianza con Dios. Moisés se dispone a levantarse
para reprenderles y mira iracundo hacia el becerro (movimiento en potencia). El gesto
de furia es el mejor ejemplo de la terribilitá. El intenso claroscuro (trépano), la barba y
el cabello ensortijados, contribuyen a enfatizar este carácter terrible de Moisés. Las
líneas compositivas de la estatua son cerradas y la musculatura muy marcada e incluso
exagerada recuerda al Laocoonte. Los esclavos muestran también posturas
intencionalmente desequilibradas e inestables (manieristas), y muestran una gran
fuerza y vigor. Algunos están inacabados generando un curioso efecto (como si
salieran de la piedra; idea que en el siglo XIX seducirá a Rodin).
Las Tumbas Medicéas: se trata de las tumbas de los duques Lorenzo y Giuliano de
Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia. Las tumbas están integradas
en una arquitectura manierista de ventanas y pilastras interiores similar a la de la
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Biblioteca Laurenciana. Lorenzo aparece sentado a punto de levantarse (símbolo de la
acción) con la representación simbólica de la noche y el día. Giuliano aparece también
sentado, pero en reposo (símbolo de la reflexión) acompañado del crepúsculo y la
aurora. Estas imágenes simbólicas descansan sobre la base curva del sarcófago y por
tanto se encuentran en un equilibrio inestable, en posturas retorcidas y anamórficas
con una exagerada musculatura. Las dos tumbas representan la alegoría del perfecto
hombre del Renacimiento: el hombre que reflexiona y actúa. El día y la noche son los
momentos de la acción, mientras que los momentos de cambio (crepúsculo y aurora),
son los momentos de la reflexión. La sucesión del día y la noche también simboliza el
inexorable paso del tiempo que acerca al ser humano al momento de la muerte.
La Piedad Rondanini: la imagen está inacaba y se caracteriza por dar una sensación de
irrealidad y equilibrio inestable. En este caso, la textura inacabada y la ausencia de
musculatura desmaterializan la escultura, contribuyendo a enfatizar su espiritualidad.
Es interesante comparar esta Piedad con la del Vaticano que Miguel Ángel realizó
muchos años atrás para comprobar la evolución de su escultura.
PINTURA
El Cinquecento es nuevamente un período de enorme desarrollo de la pintura. Sus
características generales son similares a las del Quattrocento, aunque las aportaciones
de Leonardo y Miguel Ángel deben estudiarse por separado.
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Temática: La pintura renacentista centra su temática en la figura humana tanto en las
obras religiosas como profanas. Leonardo destaca por su análisis de la gestualidad y
comunicación psicológica entre los personajes. La riqueza en los gestos de los rostros
pintados por Leonardo se basa en un análisis minucioso de la anatomía humana y
contribuye a acentuar el dramatismo de los temas. En este sentido, no podemos
olvidar el interés que mostró Leonardo por realizar disecciones de cadáveres para
analizar los fundamentos anatómicos de la gestualidad. Respecto al retrato, lo más
típico del Cinquecento es el retrato en busto de tres cuartos (con lo que rompe con el
retrato de perfil quattrocentista). Los retratos pueden aparecer “camuflados” en
escenas religiosas y cívicas, aunque cada vez es más típico el retrato sin otra
justificación (Rafael es un gran retratista). El paisaje y el bodegón tienen poca
importancia, aunque Leonardo y Rafael crean unos fondos paisajísticos muy
interesantes. Leonardo insiste en crear paisajes misteriosos e irreales que acentúan el
carácter místico de sus cuadros.
Elementos formales:
Dominio del dibujo sobre el color. Sin embargo, el color va adquiriendo protagonismo
paulatinamente. El dibujo es muy preciso, aunque Leonardo tiende cada vez más a
realizar un dibujo suelto y difuso (sfumatto). Por contra, el dibujo de Miguel Ángel es
muy nítido, y crea un efecto casi escultórico en sus pinturas.
Los colores son más vivos y saturados que en el Quattrocento aunque se sigue
realizando una aplicación equilibrada y armoniosa de los colores. En general se da una
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preferencia por los colores primarios utilizados de una manera equilibrada
(composiciones basadas en la complementariedad cromática, es decir, en la
contraposición de colores cálidos y fríos). Miguel Ángel llegará incluso a una utilización
estridente de colores muy vivos anunciando con ello el Manierismo.
Es muy frecuente el uso de la geometría y de la proporción matemática para enfatizar
la “corporeidad” de los objetos y como elemento compositivo. Así las composiciones
basadas en la pirámide se repiten con cierta frecuencia.
Aunque la perspectiva lineal continua siendo uno de los ideales del Renacimiento, en
el Cinquecento disminuye la obsesión por enfatizar demasiado el efecto de
perspectiva, señal de que los pintores la dominan perfectamente. El pintor se suele
situar a la altura de los ojos de los personajes de primer plano. Por ello, el punto de
fuga se sitúa precisamente entre los ojos del personaje que ocupa el centro. En el caso
de que este personaje sea Cristo el punto de fuga simboliza la eternidad, el fin de
todas las cosas. A veces, el pintor se sitúa por debajo de la escena que está pintando,
por ello la escena queda realzada. Leonardo hace una crítica a la perspectiva lineal
(una perspectiva de tuertos según él) que le parece insuficiente por sí sola. Para él la
representación verdaderamente científica de la realidad es la perspectiva natural o
aérea: perspectiva bifocal que acentúa el efecto del aire sobre los objetos lejanos (esta
perspectiva natural se consigue mediante la degradación cromática y lumínica de los
planos lejanos) y la utilización del sumito (iluminación del dibujo para crear la
sensación de irrealidad en los objetos distantes).
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Las composiciones son menos rígidas que en el Quattrocento, mucho más sintéticas y
“naturales”. Sin embargo, continuamos encontrando composiciones muy equilibradas
en función de un eje axial (búsqueda del equilibrio compositivo). Se da una preferencia
por el triángulo como figura geométrica compositiva. Una de las figuras compositivas
más importantes y efectistas es la pirámide regular en vista isométrica de 45 grados.
Principales ejemplos:
Leonardo Da Vinci:
En las distintas versiones de la Virgen de las Rocas (1483-85) realiza un cuadro lleno de
misterio. La Virgen y el niño se encuentran junto a San Juan niño y un ángel. Los
personajes se relacionan psicológicamente a través de sus miradas, y éstas forman las
líneas de una pirámide regular en posición isométrica, lo cual da una sensación de
estatismo y quietud. La Virgen y el ángel tienen un género ambigüo (masculino o
femenino), de una belleza misteriosa y bastante convencional muy habitual en las
obras de Leonardo. El paisaje rocoso e irreal acentúa la sensación de misterio y
misticismo. La iluminación es direccional y se produce en planos de profundidad,
acentuando la sensación de profundidad. Leonardo destaca por su maestría en la
expresión de los rostros y la perfección anatómica de las manos.
La Gioconda (1503-05) es un típico retrato renacentista del Cinquecento, de tres
cuarto y medio cuerpo. En ella destaca el sublime análisis de la expresión facial famosa
por su misteriosa sonrisa. Leonardo hace desaparecer el dibujo previo difuminando las
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formas y mediante una lenta y paulatina transición entre la luz y la sombra (sfumatto).
El extraño paisaje rocoso acentúa el misterio, acentuado por la caprichosa torpeza de
crear un horizonte incongruente. Nuevamente la utilización de la luz direccional, las
manos y las transparencias muestran el dominio técnico de Leonardo. Otro retrato
famoso es la Dama del Armiño.
La Cena de Santa María delle Grazie (Milán) (1495-1498). En este fresco Leonardo no
representa el momento religiosamente más importante de la Última Cena (la
eucaristía), sino el momento más dramático: aquél en el que Cristo predice que uno de
sus discípulos le va a entregar. Éstos reaccionan indignados (gran riqueza de gestos y
expresión del movimiento), sólo Judas mira a Cristo en silencio (Leonardo lo coloca en
un plano de sombra). La composición y perspectiva lineal acentúa la simetría y el
equilibrio, pero el punto de fuga tiene un significado simbólico (Cristo, fin y principio
de todo). La perspectiva está acentuada por las arquitecturas y los planos de luz y
sombra que se suceden en profundidad.
Rafael inicia su aprendizaje con el Perusino, sin embargo, tras llegar a Florencia, sus
verdaderos maestros serán Leonardo y Miguel Angel. De este modo, la pintura de
Rafael es una síntesis de la pintura de estos dos maestros, resumida en sus principales
características: equilibrio clásico, belleza ideal, simetría, claridad compositiva,
equilibrio cromático y luminosidad difusa o direccional en obras diferentes.
Las pinturas de la Sala della Segnatura (1508-12) (La Escuela de Atenas, El Incendio del
Borgo, La expulsión de Heliodoro del Templo) muestran la influencia de Miguel Angel
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(fuertes escorzos, anamorfismo anatómico, expresión del movimiento en potencia,
combinación de arquitecturas reales y figuradas), y de Leonardo (composiciones
axiales fuertemente equilibradas y muy claras). La Escuela de Atenas, el fresco más
famoso de este grupo muestra una impresionante galería de retratos de los artistas,
filósofos, etc. que había en Roma durante la primera mitad del siglo XVI.
Las madonas de Rafael se caracterizan por una delicada belleza ideal. Se basan en los
modelos de vírgenes de Leonardo: composición en forma piramidal, sfumatto, paisajes
en perspectiva aérea bastante misteriosos, equilibrio cromático a base de colores
primarios: destacamos la Madona del Jilguero, la Madona del Gran Ducca, etc.
Rafael es también un gran retratista: León X, Baltasar de Castiglione, El Cardenal
(1510), la Fornarina. Rafael profundiza en todos ellos en el retrato psicológico gracias a
un claro dominio de la gestualidad humana. También hay que destacar el dominio de
las calidades.
Miguel Ángel no se consideraba pintor, sin embargo, Julio II le encargó en 1514 la
realización de los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina que tendrá que realizar a
regañadientes pues su deseo era concluir la tumba de dicho papa.
La bóveda de la Capilla Sixtina: en la bóveda de cañón con lunetos de la Capilla Sixtina,
Miguel Angel realizó unos frescos que representan el Antiguo Testamento, desde la
Creación hasta el Diluvio Universal. Se trata de pinturas manieristas llenas de sorpresas
y engaños visuales. Así combina la arquitectura real con arquitecturas fingidas. En
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cierto sentido, estas pinturas son parcialmente el precedente de la “gloria”, la pintura
de bóvedas que simula que la iglesia está a cielo abierto. A ello ayudan los fuertes
escorzos. Los elementos formales de las figuras recuerdan a las esculturas de Miguel
Angel: anamorfismo, movimiento en potencia, torsión en los movimientos, terribilitá
en la expresión. A pesar de utilizar colores estridentes, muy intensos, domina el dibujo
sobre el color y el claroscuro (parecen “esculturas pintadas”). Los profetas y sibilas, los
“ignudi”, o desnudos parecen inspirarse en el Moisés y las Tumbas Medicéas, con su
acentuada representación del movimiento. Lo más resaltable es cómo miguel Angel
representa la creación de Adán y el momento en el que Dios le insufla el alma. La
acción está suspendida en el momento en el que la mano de Dios va a tocar la de
Adán. Se trata de una escena muy humanista en la que Dios y el hombre son
representados como iguales (antropocentrismo).
El Juicio Final de la Capilla Sixtina: el Juicio Final de Miguel Ángel es muy similar a las
representaciones medievales de este tema, sobre todo en la composición en torno a
un eje axial. Sin embargo, aquí la escena tiene una fuerza y expresión del movimiento
muy intensas. El Juicio Final es un momento terrible en el que la inexorable justicia de
un Dios vengativo se cierne sobre los pecadores (es una imagen de Dios muy distinta a
la de la Creación). En el infierno los demonios empujan a unos desesperados
pecadores cuyos rostros parecen anunciar la pintura Expresionista del siglo XX. Un
atormentado Miguel Ángel representa su propio rostro deformado en la piel de San
Bartolomé. Está al final de su vida.
TIZIANO Y LA ESCUELA VENECIANA.
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En el siglo XVI Venecia se convierte en el gran centro artístico de Italia, especialmente
en lo que se refiere a la pintura. Se considera a la Escuela Veneciana como un caso
aparte dentro del Manierismo, y como un auténtico precedente de la Pintura del
Barroco.
La Escuela Veneciana tiene tanta fuerza, que algunos pintores posteriores se verán
muy influídos por ella: El Greco, Rubens y Velázquez por poner tres ejemplos.
Materiales y Técnicas: en la Pintura Veneciana triunfa el uso del óleo, los colores están
muy saturados. Algunos pintores como Giorgione ni siquiera dibujaban antes de pintar,
de manera que las formas quedan a veces desdibujadas.
Soporte: el soporte más habitual es la pintura de caballete sobre lienzo a veces de gran
tamaño.
Tema: la variedad de temas es enorme, pero destacamos como característica
veneciana el desnudo femenino y el paisaje. Asimismo, hay que destacar la manera un
tanto rebuscada y caprichosa de representar las escenas religiosas. Por último, no
podemos olvidar que a veces los venecianos crean obras de una gran ambigüedad
temática (¿escenas de género, mitológicas, simbólicas?).
Elementos Formales:
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Dominio del color sobre el dibujo, el “color veneciano” intenso y manierista fue muy
valorado en su época como la marca fundamental de esta escuela pictórica.
Nuevamente se da importancia a la perspectiva y a la profundidad, aunque a veces, la
perspectiva está tratada en forma de ventana lateral.
Utilización sistemática de la perspectiva aérea y del sfumatto. Todo ello crea
atmósferas “densas” muy diferentes a las atmósferas “limpias” del Quattrocento.
A veces se vuelve a utilizar la composición axial renacentista, pero también es muy
habitual el uso de las diagonales compositivas.
Importancia de la “morbidezza”, la habilidad de representar las carnaciones humanas
gracias a las veladuras sobre una imprimación de amarillo de Nápoles.
Valoración Estética: la norma de la pintura veneciana es el idealismo. Los pintores
venecianos nos pintan un espacio aparentemente realista pero idílico, inexistente. Sus
escenas ocurren en espacios naturales idílicos. También hay que destacar el gusto por
las escenas religiosas rebuscadas, caprichosas y complejas que a veces rallan la
blasfemia, un auténtico precedente del Barroco.
Principales Ejemplos:
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Tiziano: Creó una enorme producción pictórica que abarca todos los temas. Fue el
pintor favorito de los reyes de España Carlos V y Felipe II:
El Concierto Campestre (1510) (atribuida durante mucho tiempo a Giorgione),
representa como Giorgione una escena enigmática y misteriosa en la que se produce
una extraña relación entre el ser humano y la naturaleza. En esta obra Tiziano pinta un
mundo idílico (¿se trata de una escena simbólica o simplemente de género?).
Baco y Ariadna, Bacanal, Danae recibiendo la lluvia dorada (1546), Amor Sagrado y
Amor Profano (1515), Venus de Urbino (1538), Retrato Ecuestre de Carlos V en
Muhlberg.
Otros pintores son Giorgione: Venus Dormida, La Tempestad, etc.
Veronés: las Bodas de Caná.