Español - Pérez Art Museum Miami

Project Gallery
Project Gallery: Nicole Cherubini
8 de octubre de 2014 – 5 de abril de 2015
Nicole Cherubini
n. 1970, Boston; vive en la ciudad de Nueva York y en East Chatham, Nueva York
Todas las obras por cortesía de la artista, Tracy Williams Ltd., Nueva York, y Samson Projects, Boston.
500, 2014
Barro y esmalte, 10 cajas de barro, 8 x 8 x 14 pulgadas cada una; forma de barro, 9 x 8 x 10 pulgadas; dimensiones totales variables
Blue Spot (Mancha azul), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura en aerosol, 19 x 13 x 5 pulgadas
Cleo(patra), 2014
Barro, esmalte y contrachapado de abedul, 66 x 16 x 12 pulgadas en total
Earth Pot #6 (Vasija de barro #6), 2014
Barro y bronce, 49 x 20 x 20 pulgadas
Nicole
Cherubini
Page 18, spring (Página 18, primavera), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura, 20 x 20 x 5 pulgadas
Panel #1 and #2 (Panel #1 y #2), 2014
Barro, terracota, esmalte cerámico, tablero de fibra de densidad media (MDF), pintura acrílica y esmalte, 57 x 86 x 4 pulgadas
RED POT (Vasija Roja), 2014
Terracota, contrachapado de abedul y film plástico verde para empaques industriales, 59 x 20 x 21 pulgadas
Sun was Blue (El sol era azul), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura, 18 x 21 x 4 pulgadas
The birds are part of everything (Los pájaros son parte de todo), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura en aerosol, 19 x 14 x 6 pulgadas
Twisted Banyan Root Tree (Baniano Torcido), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura en aerosol, 22 1/2 x 12 x 6 pulgadas
Two Soap Bubbles (Dos pompas de jabón), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura en aerosol, 19 x 14 x 6 pulgadas
1103 Biscayne Blvd.
Miami, FL 33132
305 375 3000
[email protected]
pamm.org
Acreditado por el American Alliance of Museums, Pérez Art Museum Miami (PAMM) es patrocinado en parte por el Estado
de Florida, el Departamento de Estado, la División de Asuntos Culturales y por el Consejo de las Artes y la Cultura de
la Florida. También recibe apoyo del Departamento de Asuntos Culturales del Condado de Miami-Dade, el Alcalde del
Condado de Miami-Dade y la Junta de Comisionados del Condado. Apoyo adicional es provisto por la Ciudad de Miami y
OMNI CRA – Agencia de Desarollo Comunitario. Pérez Art Museum Miami es una instalación accesible. Todo contenido
© Pérez Art Museum Miami. Todos los derechos reservados.
Español
500
Gracia imprudente. Irreverencia y elegancia. Minimalismo
barroco. Estas son frases que surgieron a medida que
planeábamos la exposición, buscando captar el tono y
la esencia de lo que podría ser.1 Parecen dicotomías,
contradicciones, pero son palabras que también describen
estados cuya naturaleza se ilumina en virtud de su coexistencia
y su relación entre sí. Estos términos son parte de los
principios que guían esta exposición titulada 500 y, quizás en
un sentido más amplio, la práctica de Nicole Cherubini. Mejor
conocida por sus obras en barro, medio en el cual se formó y
que ha cultivado con constancia durante 20 años, Cherubini
crea esculturas que plasman una tensión cruda y dinámica.
Ha perfeccionado un distintivo vocabulario de motivos,
gestos y formas recurrentes y su interés más perdurable ha
sido la vasija, forma cerámica por excelencia que surge de
la historia antigua.2 En buena parte de sus obras utiliza este
objeto funcional como punto de partida para reinterpretarlo
radicalmente y explorarlo como forma escultórica.
Earth Pot #6 (Vasija de barro #6, 2014), una especie de jarra
de gran tamaño sobre un plinto, es una de las obras centrales
de esta exposición. La vasija funciona como protagonista en
la coreografía del espacio de la galería, estableciendo una
presencia corpórea que se refleja en la arquitectura y en las
texturas de las obras que la rodean. La pieza deja ver su proceso
de construcción mediante estratos de componentes enrollados
y apilados. Sus escamas medio hundidas y formas toscamente
talladas evidencian la mano de la artista y revelan que, como ella
misma propone, el barro tiene memoria, su superficie lleva las
huellas de su factura, marcando el paso del tiempo.
La sección central y la parte superior de Earth Pot #6 están
compuestas de “sogas” de barro logradas con una extrusora,
que Cherubini utiliza para crear una estructura física y a la vez
como ornamento, evocando líneas pictóricas, enredaderas
orgánicas o incluso soga de uso comercial. La pieza no tiene
esmalte, sino que deja expuesto el blanco opaco y poroso del
barro en marcado contraste con su base de bronce fundido
con diseño de indentaciones. Como la cerámica, el bronce
recuerda artefactos prehistóricos, pero para Cherubini también
representa un cambio radical en materialidad y procesos. Si
bien el medio deja ver las marcas gestuales de la artista, quizás
hasta más que el barro, con el bronce las fases finales del
proceso creativo ya no quedan en manos de Cherubini, y el
peso físico y visual de la obra cambia de manera fundamental,
infundiéndole una densa gravedad. Esta gran ánfora, forma
de la antigua Grecia, invoca la larga historia del barro y su
tradicional funcionalidad, al tiempo que nace del carácter libre
y sin confines de la práctica escultórica contemporánea: tosca,
refinada, actual.
Desde 2009, Cherubini ha explorado la creación de vasijas
en forma de cajas, utilizando como moldes las cajas reales en
las que se transporta y almacena el barro. La artista produce
obras de pared con estas estructuras, para lo cual le hace
un hueco en la parte trasera al pedazo de barro después de
sacarlo de su empaque y luego lo quema, conservando la
forma y la textura que le imprimió el “molde”, es decir, la caja
de cartón. Las formas terminadas van fijadas a unos soportes
de madera, sencillos pero cuidadosamente estudiados, a
menudo pintados de colores brillantes que dialogan con
los esmaltes de tonos más ricos y matizados que llevan las
superficies de las cajas de barro. Aunque estos soportes
minimalistas son una necesidad de montaje, en manos de
Cherubini el aparato funcional se convierte en contraparte
formal crucial para la pieza de barro.
Estas obras se mueven entre la pintura y la escultura, una zona
intermedia que para Cherubini define la esencia del trabajo en
barro: “haces construcciones tridimensionales, pero a la vez tienes
que lidiar con la superficie, el color y la textura”.3 La forma de
las piezas, sus bordes resueltos y su frontalidad remiten al lienzo
de una pintura al tiempo que nos piden apreciar su profundidad,
sus lados desiguales y su soporte de madera. En la superficie de
Twisted Banyan Root Tree (Baniano torcido, 2014), la geometría
de un atrevido cuadrante verde brillante se acopla con la estela de
un fino velo de esmalte que lo delimita, mientras que un soporte
rosa intenso se asoma por los bordes de la pieza. Los pliegues
y arrugas que se leen en el barro bajo de la superficie de los
esmaltes son huellas del cartón que sirvió de molde.
Para esta exposición, Cherubini ha extendido su investigación de
las formas de caja. 500 (2014) es una pila de diez cajas blancas
colocadas en una base simple (hecha con una plancha de MDF)
y esmaltadas para resaltar el brillo de sus superficies agrietadas,
pero sin ningún otro adorno. Son formas elegantes y minimalistas,
y el hecho que Cherubini incluyó un pedazo de barro sin esmaltar
realza por contraste su delicadeza y belleza inesperadas. Al estilo
de las técnicas conceptuales de las décadas de 1960 y 1970, que
a menudo dejaban al descubierto para el espectador la labor y el
proceso del artista y los usaban como contenido, en estas obras
hay una relación compleja entre la fuente, el proceso y el producto
final. Sus formas terminadas sugieren una transformación
alquímica mediante procesos artísticos, pero se encuentran
ineludiblemente vinculadas a sus orígenes, sin duda siguen siendo
cajas. El título de la pieza, que da nombre a la exposición, alude al
número de libras de barro que contenían las diez cajas originales.
A diferencia de varios de sus contemporáneos que emplean
empaques y sistemas de transporte para revelar y jugar con
las nociones de intercambio que definen el mercado del arte
y la economía global, en sus cajas Cherubini más bien parece
reiterar su compleja interpretación conceptual del ánfora,
vehículo precioso pero prescindible cuyo valor típicamente se
define en términos de su contenido. De hecho, en RED POT
(Vasija roja, 2014) emplea un material de empaque barato:
la fina columna que le sirve de base a la obra está envuelta
en film plástico verde de uso industrial. Más allá de develar
detalles del historial de transporte de la pieza, esta capa
plástica transparente semeja una piel corpórea y decorativa
sobre una majestuosa escultura antropomorfizada.
Parte central de este proyecto son las obras de pared con
formas que son nuevas para la artista: diamantes, hexágonos
y heptágonos que aparecen como piezas individuales o en
grupos sobre paneles de MDF, como se aprecia en Panel #1
and #2 (Panel #1 y #2, 2014). En formato individual, pero sobre
todo cuando van apiladas o colocadas unas al lado de otras,
estas formas crean un espacio especular negativo de sus
propias formas. Cherubini ha descrito esto como la sugerencia
de algo “aditivo”: sus bordes concordantes y su presencia
recurrente sugieren la posibilidad de un mosaico sin fin, de
trabajar y lograr serialidad y arquitectura mediante implicación
y ausencia.
2
1 Reckless grace (gracia imprudente) y funk and elegance (irreverencia y elegancia) surgieron de un intercambio de mensajes de texto entre la autora y Nicole Cherubini el 5 de agosto del
2014. Cherubini ha regresado a la idea de baroque Minimalism (minimalismo barroco) en repetidas ocasiones, más recientemente en una entrevista con la artista Sarah Braman. Ver Sarah
Braman, “Nicole Cherubini”, Bomb 129 (otoño 2014): 142, donde Cherubini habla de su interés en las tendencias ornamentales y minimalistas además de los sitios históricos que considera
plasmaciones de este impulso.
2 Para mayor información acerca sobre la trayectoria formal de la artista en las formas de las vasijas, ver ibíd., 138.
El espacio no jerárquico, el que se insinúa en el arte abstracto,
en estas obras es pensado como modalidad formal y como
símbolo de estructura social.4 A Cherubini le interesan las
3
formas que al unirse con formas similares crean arquitecturas,
como una colmena o una cúpula geodésica, ambas paradigmas
de la vida comunitaria. Las abejas, y su singular existencia
cooperativa en la colmena, son temas de interés para la
artista y referentes importantes como parte de las nociones
de comunidad y función que guían su práctica.4 Influida
por una serie de conferencias de Rudolf Steiner, Cherubini
ha explorado la profunda estructura matriarcal y sistémica
de la colmena y el análisis que hace Steiner del papel que
juega el amor dentro de esta. Steiner sugiere que dado que
las colmenas funcionan con responsabilidades altamente
específicas asumidas por cada miembro al servicio de
la comunidad, y dado que únicamente las abejas reinas
tienen a su cargo la reproducción y la propagación, en toda
la comunidad prevalece un espíritu de amor: “En muchos
aspectos, las abejas renuncian al amor y por ende este amor se
desarrolla dentro de la colmena en general…las abejas viven como
si su ambiente estuviera enteramente permeado de amor”.6
Cherubini se identificó con esta interpretación radical del
imperativo biológico de la colmena, que se refleja en la forma
en que el feminismo inspira su práctica. En lugar de adoptar un
discurso feminista mediante tradiciones artesanales e ideas
sobre el “trabajo de las mujeres”, Cherubini valora el feminismo
por la manera en que este presenta la posibilidad de asumir
una postura de oposición en el mundo y cómo se relaciona
3 “Labours of Love: An Interview with Nicole Cherubini”, por Jack Tan, 3rd Dimension: The PMSA Magazine and Newsletter, 6 de julio de 2014, http://3rd-dimensionpmsa.org.uk/
interviews/2014-07-06-labours-of-love-an-interview-with-nicole-cherubini.
4 Nicole Cherubini, en conversación con la autora, 8 de julio de 2014.
5 Tan, “Labours of Love”.
6 Rudolf Steiner, Bees: Lectures by Rudolf Steiner (Hudson, NY: Anthroposophic Press, 1998), 3.
4
Biografía
con las nociones de colectividad. Su uso de formas aditivas
que generan ideas de reproducibilidad y repetición hace eco
de esta interpretación. En contraste con la singularidad del
lienzo rectangular y el tropo orificial y generificado de las
vasijas, Cherubini encuentra un análogo social progresista en la
geometría elegante y evocadora de los hexágonos, heptágonos
y diamantes.
Si bien es cierto que en los últimos años ha habido un auge en
el uso y la popularidad del barro como material escultórico del
arte contemporáneo, la inmensa destreza técnica de Cherubini
y su constante interés conceptual en el medio y su historia,
tanto formal como social, distinguen su arte de los demás. Las
metáforas que integra en sus materiales, la historia que excava
en sus formas y la honda sensibilidad ante el espacio incierto
pero fértil entre la pintura y la escultura que se evidencian en
esta exposición hablan de una práctica de raíces firmes y a
la vez de un profundo aliento experimental. En efecto, gracia
imprudente.
Diana Nawi
Curadora asociada
Nicole Cherubini nació en Boston en 1970 y vive y trabaja en la
ciudad de Nueva York y en East Chatham, Nueva York. Obtuvo
una licenciatura en bellas artes de la Rhode Island School
of Design, en Providence, y una maestría también en bellas
artes de New York University. Ha presentado exposiciones
individuales en el Santa Monica Museum of Art; Institute of
Contemporary Art, Filadelfia; Nassau County Museum of
Art, Roslyn Harbor, Nueva York; Jersey City Museum, Nueva
Jersey; y La Panadería, Ciudad de México. Su obra ha figurado
en exposiciones colectivas en instituciones como Boston
University Art Gallery; Boston Center for the Arts; Cranbrook
Art Museum, Bloomfield Hills, Michigan; Museo de Artes
Decorativas de Noruega Occidental, Bergen; Rhode Island
School of Design Museum, Providence; MoMA PS1, Long Island
City; y SculptureCenter, Long Island City.
Todas las obras por cortesía de la artista, Tracy Williams Ltd., Nueva York,
y Samson Projects, Boston. Photos: Jason Mandella
Portada
Nicole Cherubini, RED POT (Vasija Roja), 2014
Terracota, contrachapado de abedul y film plástico verde para empaques
industriales, 59 x 20 x 21 pulgadas
2
Nicole Cherubini, Earth Pot #6 (Vasija de barro #6), 2014
Barro y bronce, 49 x 20 x 20 pulgadas
3
Nicole Cherubini, Twisted Banyan Root Tree (Baniano Torcido), 2014
Barro, esmalte, pino y pintura en aerosol, 22 1/2 x 12 x 6 pulgadas
4
Nicole Cherubini, Panel #1 and #2 (Panel #1 y #2), 2014
Barro, terracota, esmalte cerámico, tablero de fibra de densidad media
(MDF), pintura acrílica y esmalte, 57 x 86 x 4 pulgadas