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ARTE GRIEGO
El arte griego se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana,
no sólo en el aspecto formal, sino también en la manera de expresar el movimiento y las
emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones de dioses como en las
de seres humanos, se convirtió así en el motivo fundamental del arte griego,
asociado a los mitos, la literatura y la vida cotidiana.
Se conservan pocos ejemplos intactos o en su estado original de la arquitectura y
escultura monumental, y en el ámbito pictórico no se conocen grandes ciclos
decorativos. Sin embargo, se conservan importantes piezas de cerámica, monedas,
joyas y gemas que, junto con las pinturas funerarias etruscas, nos ofrecen algunas
pistas sobre las características del arte griego
La función principal de la arquitectura, la pintura y la escultura monumental hasta
aproximadamente el año 320 a.C., fue de carácter público, ocupándose de asuntos
religiosos y de la conmemoración de los acontecimientos civiles más importantes, como
las competiciones atléticas. Los ciudadanos sólo utilizaron las artes plásticas para la
decoración de sus tumbas. Sin embargo, las artes decorativas se dedicaron sobre todo a
la producción de objetos de uso privado. El ajuar doméstico contenía un gran número
de vasijas de terracota pintadas, con elegantes acabados, y las familias más ricas eran
propietarias de vasijas de bronce y espejos. Muchos objetos realizados en terracota y
bronce incorporaron pequeñas figurillas y bajorrelieves.
TÉCNICAS Y MATERIALES
Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus edificios en mármol o piedra
caliza, y utilizaban la madera y las tejas para las techumbres. Los escultores labraron el
mármol y la caliza, modelaron la arcilla y fundieron sus obras en bronce. Las grandes
estatuas votivas se forjaban con planchas de este metal o se recubrían de láminas de oro
y marfil que se aplicaba sobre una estructura interna de madera. Algunas veces se
realizaban por separado las cabezas o los brazos extendidos, que posteriormente se
unían al torso. La escultura en piedra y en arcilla se pintaba total o parcialmente con
pigmentos brillantes. Los artistas griegos empleaban colores al agua para pintar grandes
murales o decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en tornos de alfarero y
cuando se secaban las pulían, pintaban y cocían.
PERÍODOS ARTÍSTICOS
El arte griego se divide normalmente en periodos artísticos que reflejan sus cambios
estilísticos. Las compartimentaciones cronológicas desarrolladas en este artículo son las
siguientes:
1) periodos geométrico y orientalizante (c. 1100 a.C.-650 a.C.);
2) periodo arcaico (c. 660 a.C.-475 a.C.);
3) periodo clásico (c. 475 a.C.-323 a.C.);
4) periodo helenístico (c. 323 a.C.-31 a.C.).
1. LOS PERIODOS GEOMÉTRICO Y ORIENTAL
Vaso Northampton
a- Cratera griega Período gemétrico
La crátera fue uno de los tipos de vasija
muy frecuentes en la cerámica griega más antigua. Esta pieza del siglo VIII del cementerio Dipyton, de
101,25 cm de altura, está decorada con unas figuras muy estilizadas que participan en una comitiva
fúnebre. La banda decorativa de la parte superior muestra los meandros propios del arte griego arcaico.
La decoración del vaso Northampton constituye uno de los ejemplos del estilo de decoración cerámica de
figuras negras, popular en la Grecia de finales del siglo VII y principios del VI a.C. Los temas mitológicos
y los diseños vegetales reflejan el interés de los griegos por unos motivos que también son típicos del
arte oriental. Estas formas, además, aparecen destacadas con toques de luz blancos y pardos.
A) Los vestigios más importantes del arte griego de los periodos más antiguos son
piezas de cerámica. Las vasijas del periodo geométrico se decoraban con bandas de
meandros y otros motivos geométricos, de ahí su denominación. En los ejemplos más
antiguos, los motivos rectilíneos se combinaron con elementos curvilíneos derivados del
arte micénico. Aproximadamente a principios del año 750 a.C. se introdujeron motivos
humanos y zoomorfos de formas estilizadas, como puede observarse en las
representaciones del cuerpo de un guerrero muerto o de un carro tirado por caballos. El
mejor ejemplo de cerámica de estilo geométrico son los vasos cinerarios, recipientes
destinados a contener las cenizas de los difuntos, que se encontraron en una necrópolis
cercana a la puerta de Dipylon de Atenas.
B )El estilo de la cerámica decorada se modificó aproximadamente en el siglo VII
a.C., debido a la creciente colonización griega del Mediterráneo y al comercio con los
fenicios y otros pueblos orientales. En las vasijas de este periodo, conocido como
periodo oriental de la cerámica decorada, los diseños abstractos geométricos se
reemplazaron por los motivos de inspiración naturalista propios del arte oriental, como
la flor de loto, la palmeta, los leones y las esfinges. La ornamentación aumentó en
cantidad y complejidad.
Exiten dos TECNICAS. Dentro del ESCUELA ATICA:
1. FIGURAS NEGRAS (engobe nero) sobre fondo natural de la terracota. Los
detalles se grababan por incisión y a veces se destacaban y se les daba
profundidad con el uso de reflejos de color rojo y blanco. Figuras de trazo fino y
nervioso y muy lineales. Tuvo un gran impulso entre los atenienses que las
exportaban. Poseen temas mitológicos y diseños vegetales. Se conoce el nombre
de varios ceramistas que firmaban ya sus vasijas.
2. FIGURAS ROJAS sobre fondo negro (500 a-c- en Atenas)
Existen diferentes estilos:
1. ESTILO PROTOCORINTIO, siluetas negras de figuras, generalmente animales
desfilando, realizadas con formas redondeadas y dispuestas en uno o varios pequeños
frisos.
2. ESTILO CORINTIO, que se desarrolló plenamente hacia el 550 a.C. y del que se
conservan numerosos ejemplos, los vasos están abarrotados de figuras sobre fondos
florales.
ESCULTURA / PERIODO GEOMETRICO
De la escultura del periodo geométrico se han encontrado únicamente pequeñas
piezas en bronce o arcilla. Entre ellas cabe destacar una pequeña figurilla de un atleta
dorio realizada en bronce (Museo de Bellas Artes de Boston). Las esculturas de este
periodo no son representaciones realistas, sino obras esquemáticas de naturaleza
conceptual.
Venus de Milo
La Venus de Milo (c. 150-100 a.C.), descubierta en Melos en 1820, está considerada como la escultura
clásica realizada en mármol más conocida del mundo antiguo. Mide 2,05 m de altura y representa a
Afrodita (Venus en la mitología romana), la diosa griega del amor y la belleza.
3 EL PERIODO ARCAICO
Durante el periodo arcaico, con la extensión geográfica y económica de la civilización
griega, el incremento de la riqueza y los contactos con el exterior propiciaron el
desarrollo de la arquitectura y la escultura monumental. Ambas se hicieron con el
mármol y la piedra caliza que abundaban en Grecia. Los templos albergaban imágenes
de los dioses y estaban decorados con esculturas y pinturas. Esta última experimentó
también un gran desarrollo en la decoración de vasijas, que fueron importantes objetos
de comercio
ESCULTURA
Los griegos empezaron a esculpir en piedra inspirándose en las piezas monumentales de
Egipto y Mesopotamia. Las esculturas de bulto redondo compartieron la solidez y la
característica posición frontal de los modelos orientales, pero son más dinámicas que la
egipcia.
Las esculturas masculinas y femeninas, a partir aproximadamente del año 575 a.C.,
reflejan en sus rostros la denominada sonrisa arcaica. Aunque esta expresión no
parece obedecer a razones específicas en las figuras o situaciones en las que aparece
reproducida, quizás fue empleada por los griegos como un artificio que proporcionaba a
las figuras un rasgo humano distintivo
Las tres tipologías que predominaron fueron el joven desnudo (kouros) y la doncella
vestida (kore), ambos en posición erguida, y la mujer sedente. En todos ellos aparecen
acentuados los principales rasgos del cuerpo y expresan, cada vez más, un conocimiento
preciso de la anatomía humana. La razón de ser de la representación de estos jóvenes
fue por una parte de índole sepulcral y por otra de carácter votivo. Algunos de los
ejemplos más sobresalientes que se conservan son el primitivo Apolo de Tenea (540
a.C. Alte Pinakothek, Munich), el Apolo de Piombino (510 a.C., Museo del Louvre) y el
Apolo Strangford (c. 500 a.C., Museo Británico, Londres. Los ropajes de las kore están
tallados y pintados con la delicadeza y la meticulosidad características de la escultura de
este periodo.
VASIJAS CERÁMICAS
Exiten dos TECNICAS. Dentro del ESCUELA ATICA:
3. FIGURAS NEGRAS (engobe nero) sobre fondo natural de la terracota. Los
detalles se grababan por incisión y a veces se destacaban y se les daba
profundidad con el uso de reflejos de color rojo y blanco. Figuras de trazo fino y
nervioso y muy lineales. Tuvo un gran impulso entre los atenienses que las
exportaban. Poseen temas mitológicos y diseños vegetales. Se conoce el nombre
de varios ceramistas que firmaban ya sus vasijas.
4. FIGURAS ROJAS sobre fondo negro (500 a-c- en Atenas)
Existen diferentes estilos:
1. ESTILO PROTOCORINTIO-+
La decoración de las vasijas cerámicas con la técnica de las figuras negras, que llegó
de Corinto a Atenas hacia el 625 a.C., se combinó con el antiguo estilo ateniense, más
lineal y de mayor tamaño. La decoración se realizaba en engobe negro sobre el color
rojo de la arcilla. Los detalles se grababan por incisión y a veces se destacaban y se les
daba profundidad con el uso de reflejos de color rojo y blanco.
EL PERIODO CLÁSICO
El arte griego del periodo clásico, que se desarrolló desde la época de las Guerras
Médicas hasta el final del reinado de Alejandro Magno, por una parte se mantuvo
totalmente independiente y por otra ejerció una gran influencia en otras culturas.
4.1 La alta época clásica (c. 475 a.C.-448 a.C.)
Después de la victoria griega sobre los persas, la necesidad de reparar la devastación de
la guerra generó una gran actividad artística tanto en arquitectura como en escultura.
Esto fue especialmente evidente en Atenas, centro neurálgico del poder político y
económico.
ESCULTURA
La escultura de la alta época clásica no presenta la típica sonrisa arcaica o los suaves
detalles característicos del periodo anterior. En su lugar, transmite una cierta
solemnidad además de nueva fuerza y simplicidad de las formas.
Numerosos trabajos de Policleto, entre los que se incluye el Doríforo o portador de la
lanza (Museo de Nápoles), Diadumeno de Delos (Museo Nacional de Atenas) y la
Amazona (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En estas esculturas, la postura
frontal de las figuras del periodo arcaico se sustituye por posiciones más complejas y
actitudes más naturales.
El periodo clásico medio (c. 448 a.C.-400 a.C.)
El clasicismo pleno se desarrolló durante la segunda mitad del siglo V a.C.,
especialmente bajo el patronazgo de Pericles, el político ateniense. La arquitectura y la
escultura de Atenas alcanzaron entonces una perfección raramente igualada.
Carl Purcell/Photo Researchers, Inc.
Pórtico de las Cariátides, Erecteion
El Erecteion es un templo jónico construido hacia el 421-405 a.C. en la Acrópolis de Atenas. El pequeño
pórtico del lado sur del templo, conocido como pórtico de las Cariátides, muestra a seis figuras
femeninas soportando un entablamento jónico. El templo, se denominó de esta manera a partir de
Erecteo, un héroe mítico ateniense, y supuestamente marca el lugar donde los dioses griegos Atenea y
Poseidón se disputaron el dominio de Atenas.
Escultores
FIDIAS, el más import Un ambicioso programa escultórico se extendía por las metopas,
los frontones y el alto friso que recorría el exterior de la cella.
Fidias definió el estilo de las esculturas del Partenón, pero la mayoría de ellas fueron
probablemente ejecutadas por sus discípulos en el taller del maestro. Las metopas del
lado oriental representan una batalla de gigantes, las occidentales una batalla contra las
amazonas, las del norte la destrucción de Troya y las del sur la batalla entre lapitas y
centauros. El friso representa a los ciudadanos atenienses acercándose a la diosa Atenea
en el cortejo procesional de las fiestas panateneas. En el frontón oriental aparece el
nacimiento de Atenea, rodeada de los dioses del Olimpo, y en el frontón occidental su
lucha con el dios Poseidón por el dominio de las tierras del Ática. Las esculturas del
Partenón y otros monumentos de la antigua Atenas se conservan en la colección Elgin
(porque fue lord Elgin quien los llevó a Inglaterra) en el Museo Británico de Londres.
Estatua de Zeus La estatua de Zeus que Fidias hizo para Olimpia hacia el 435 a.C., fue
quizás la escultura más famosa de la antigüedad griega. La toga del dios y sus
ornamentos fueron realizados en oro y la escultura se esculpió en marfil. Hoy día la
estatua se conoce únicamente por los escritos que dejaron los contemporáneos de Fidias.
Este grabado muestra una reconstrucción imaginaria de la estatua que medía 12 m de
MIRON: El Discóbolo, estatua de tamaño natural realizada por Mirón de Eleutera hacia
el 450 a.C. pertenece al periodo clásico del arte griego. Originariamente hecha en
bronce, sobrevive gracias a una copia romana en mármol. La composición de la
escultura incorpora dos arcos cruzados, creando una sensación de movimiento y de
tensión.
Fidias y Policleto fueron los escultores más importantes del periodo clásico medio. Para
los antiguos, Fidias era el escultor de los dioses y Policleto el de los seres humanos o
mortales
La escultura del último clasicismo estuvo dominada por Lisipo, Praxiteles y Escopas.
El primero esculpió ágiles atletas, como el desaparecido bronce del Apoxiomenos (c.
330 a.C.).
Quizás el más excepcional de los tres sea Praxiteles, que trabajó en un estilo delicado y
elegante. En su Hermes con Dioniso niño (c. 330 a.C.-320 a.C., Museo Arqueológico
de Olimpia) el tronco del árbol en el que se apoya Hermes equilibra compositivamente
la voluptuosa curva de la figura. Su Afrodita de Cnidos (350 a.C., copia romana en el
Museo Pío-Clementino, Vaticano) aparece cubriéndose con la mano derecha el centro
del cuerpo, en un gesto púdico que sirvió de pauta para los desnudos femeninos
posteriores. Su expresión combina la dignidad, el encanto delicado y la frivolidad
mundana. Sus párpados inferiores están remarcados únicamente por medio de una talla
ligera y la superficie de la figura está esculpida de tal forma que produce un suave juego
de luces y sombras.
La escultura del último clasicismo estuvo dominada por Lisipo, Praxiteles y
Escopas.
La escultura del siglo IV a.C. llevó más lejos los logros de Policleto. Lisipo introdujo un
nuevo canon que alargaba la longitud del cuerpo en proporción a la cabeza.
EL PERIODO HELENÍSTICO
Los ejércitos de Alejandro Magno, tras conquistar las ciudades-estado de Grecia,
llevaron su cultura por todo Oriente Próximo. Las polis griegas sufrieron un importante
declive político y económico que afectó tanto a las esferas religiosas como a las
sociales; esto dio paso a una nueva forma de entender el arte. Los griegos fueron
receptivos a la influencia de ciertos elementos orientales, como la suntuosidad
decorativa y las religiones exóticas. En las ciudades más prósperas de Asia Menor, así
como en Alejandría (Egipto), se desarrolló un nuevo helenismo, mezcla del espíritu
griego y de los estilos orientales.
Con la conquista de Oriente por Alejandro Magno, los artistas cuestionaron el canon
clásico del arte griego y comenzaron a elegir como modelos para sus obras no sólo otras
tipologías étnicas, como persas o indias, sino también estados físicos diferentes, como
ancianos, enfermos o individuos con deformidades.
la escultura evolucionó hacia formas abiertas realizadas en un estilo muy emotivo, que
obligaban al espectador a mirar más allá del espacio de las figuras. El Sátiro dormido
(Palacio Barberini, Roma), la Victoria de Samotracia y la Afrodita de Melos, más
conocida como la Venus de Milo (ambas en el Museo del Louvre de París), son algunos
ejemplos destacados. Además, la escultura del periodo helenístico experimentó con
nuevos recursos compositivos. Una de las disposiciones favoritas, llamada posición en
aspa, representa la figura humana con el torso retorcido, esto es, la cabeza y los
miembros dispuestos en direcciones contrarias.
EL RENACIMIENTO Y LOS HISTORICISMOS GRIEGOS
En los siglos XV y XVI, sobre todo gracias a las copias romanas, la tradición artística
griega se recuperó en el arte y arquitectura renacentistas. El realismo, el sentido de la
proporción y los órdenes arquitectónicos de la antigüedad clásica resurgieron en el arte
europeo. Asimismo, las excavaciones de Pompeya y otros hallazgos grecorromanos que
tuvieron lugar durante el siglo XVIII propiciaron un nuevo auge de la antigüedad griega
en el arte y esbozaron el movimiento conocido con el nombre de neoclasicismo. El
término clásico llegó a definir no sólo un periodo concreto del arte griego, sino el arte
griego y romano en general.
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Los artistas y arquitectos academicistas se limitaron a imitar las características formales
del arte griego, a menudo sin comprender su espíritu. En el siglo XX algunos artistas
reaccionaron contra las tradiciones académicas y comenzaron a valorar el arte griego del
periodo arcaico por encima de los periodos artísticos posteriores.