expresionismo abstracto

EXPRESIONISMO
ABSTRACTO
POLLOCK
ROTHKO
MARK ROTHKO
Color Field Painting
El Color Field se encuentra
caracterizado, principalmente, por
amplios campos de color liso y
sólido, extendidos o teñidos en el
lienzo, creando áreas de superficie
uniforme y un plano liso de imagen.
Las manchas se superponen a
modo de veladuras, aumentando
así la gama cromática.
El movimiento otorga menor énfasis
a la pincelada y la acción, a favor
de la consistencia de la forma en su
conjunto y del proceso. En la
pintura del Color Field, “el color es
liberado del contexto objetivo y se
convierte en el sujeto en sí mismo”.
Orange & yellow 1976
White Center, 1950
En su obra madura, Rothko
abandonó una referencia
específica a la naturaleza para
pintar imágenes con asociaciones
universales. Por la década de
1940, que había desarrollado un
estilo brumoso, rectángulos
flotantes dentro de un formato
vertical. Explicó que estas formas
'no tienen ninguna asociación
directa con cualquier experiencia
visible en particular, pero en ellas
se reconoce el principio y la
pasión de organismos'.
(definición de organismo: ser vivo)
DAVID HOCKNEY
Andy Warhol es
considerado el gran
maestro del kitsch
del siglo XX. Su obra
incorpora lo kitsch
dentro del arte. Al
hacerlo de manera
deliberada lo
transforma en una
parodia sofisticada.
Liz Nº 5
¿Qué es el Kitsch?
El kitsch es un concepto estético y cultural que en su origen ironizaba con la
relación arte barato y consumismo: hoy designa la inadecuación estética en
general y permite comprender en gran medida las formas de la cultura y el arte
contemporáneos, llenos de producciones alternativas que se relacionan
constantemente con el kitsch promoviendo efectos baratos, sentimentales y
muchas veces dirigidos para el consumo masivo.
La palabra kitsch, se origina en la Alemania del S XIX y define al arte que es
considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el
término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es
pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.
La palabra alemana kitsch está asociada al verbo kitschen, que significaba ‘barrer
mugre de la calle’. El kitsch apelaba a un gusto vulgar de la nueva y adinerada
burguesía de Múnich que pensaba, como muchos nuevos ricos, que podían
alcanzar el estatus que envidiaban a la clase tradicional de las élites culturales,
copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales.
Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala
factura, y llegó a significar más la identificación del consumidor con un nuevo
estatus social que una respuesta estética genuina.
El Kitsch en Argentina
El artista y mecenas checo-argentino Federico Jorge Klemm dedicó uno de
los programas de su ciclo "El Banquete Telemático" a teorizar sobre el kitsch.
El programa se denominó "Kultura Kitsch", fue emitido por la señal de cable
Canal (Á) y conducido por Klemm junto al crítico y teórico Charlie Espartaco.
Klemm considera que el sentido original del término, como sinónimo de mal
gusto, se ha desplazado hacia el de
"una categoría estética de nuestra contemporaneidad que no tiene que ver con una sistematización
del mal gusto, sino con una exacerbación de lo artificial y lo desmesurado”
De esta forma, señala al kitsch como una actitud estética que pone en duda el
gusto, como estado del momento actual. Tal vez como una referencia tácita a
su propia obra, Klemm sostiene que
"cuando se dice que una obra ronda el kitsch es como cuando se dice que ronda la genialidad o la
grandeza".
Klemm menciona explícitamente al film protagonizado por la actriz argentina
Isabel Sarli, La Dama Regresa, como un ícono kitsch de la cultura argentina.
Como artista, Federico Klemm realizó retratos de personajes como Susana
Giménez, Mirtha Legrand o María Amalia Lacroze de Fortabat, de lo que
puede deducirse cierto interés del autor en dichos personajes como íconos
del kitsch argentino.
Girl in Window, 1963.
Still Life with Crystal Bowl, 1972.
DAVID HOCKNEY
Portrait of Nick Wilder , 1966.
Pearblossom Highway, 11th-18th April 1986, photographic collage.
Hockney es amigo de la fotografía y lo tecnológico. Esto es porque un
verdadero artista, como es Hockney, no se deja amedrentar por la ridícula
pelea entre lo artesanal y lo mecánico, su obra supera tales trivialidades.
ARTE
CONCEPTUAL
JOSEPH BEUYS
JOSEPH KOSUTH
Desde mediados de los sesenta hasta mediados de los setenta se produce un
fenómeno completamente novedoso en el mundo del arte, se cambia el uso de
los materiales por el de las ideas. Algo ya introducido en los años 20 por los
"ready-made" de Duchamp.
Más que un movimiento, es un marco de trabajo, abierto a todo y
extremadamente variado en la gama de tendencias que van desde lo escultórico
hasta el peformance art (acciones), land art (intervenciones en la naturaleza),
etc. Transmitidas a través de propuestas por escrito, fotografías, documentos,
planos, mapas, película o vídeo, sirviéndose del propio cuerpo del artista, y,
sobre todo, por medio del lenguaje mismo.
Se renuncia al artículo de lujo único, permanente y portátil (y por tanto vendible):
el tradicional objeto de arte, el lenguaje y las ideas-conceptos son la verdadera
esencia del arte por lo que la experiencia plástica y el deleite de los sentidos
pasan a ser elementos secundarios o incluso inexistentes.
El arte conceptual fue probablemente el más amplio, el de crecimiento más
acelerado y más genuinamente internacional de todos los movimientos artísticos
del siglo XX. Un pluralismo estilísticamente tolerante al que se ha calificado
como posmodernidad, una época en la que los artistas jóvenes de todos los
medios parecen preocuparse por la imagen y su significado, la propia existencia
y su introspección, la política, el sexo, la identidad de género, el medio ambiente,
la economía, la cultura popular, las migraciones...
La idea es la obra en sí misma.
Arte conceptual
Definición:
Tendencia artística aparecida hacia 1965, que se aparta del concepto
tradicional de creatividad y que, mediante la reducción de lo objetivo, tiende
a un análisis sistemático de las condiciones bajo las que existe el arte como
sistema. La idea está por sobre la materia, "las puras ideas pueden ser
obras de arte".
Los procesos ideológicos que realiza el artista son accesibles al espectador
gracias a textos, diagramas y fotografías circunscritos a la obra, en los que
se define el sentido de ésta.
El arte conceptual, como vemos, se aparta de la concepción tradicional de
creatividad y, mediante la reducción de lo objetivo, tiende a un análisis
sistemático de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema.
Ideología
El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al
consumo, ya que se considera que la obra de arte no es dueña de nadie.
“el arte es, de hecho, la definición del arte”
Joseph Kosuth
1945
Nació en Ohio, EEUU, y se formó en Nueva
York.
Rápidamente se convierte en un referente
importante del Arte Conceptual y afirma que
Duchamp es el verdadero creador de la
revolución artística en cuanto al paso de la
apariencia al concepto en la obra de arte.
“La idea es la obra en sí misma”
Cuatro colores
Kosuth enuncia el principio de que una obra de arte es una tautología (es una
afirmación obvia, vacía o redundante; es la repetición de un pensamiento
expresado de distintas maneras), llegando a expresar que “el arte es, de hecho,
la definición del arte”. Aborda el tema artístico como un problema filosófico y
lingüísitco.
Una y tres sillas
Esta obra consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de la silla
Y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario.
Con ello este artista busca que el público conteste en cual de los tres elementos
se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la represenatción o
en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en
algunos, en todos, o en ninguno de ellos?
Box, Cube, Empty, Clear, Glass – a Description
El proceso mental para llegar a un resultado artístico es lo más
importante del hecho artístico, la idea es más importante que su
formalización, el proyecto más que el producto.
Una y tres lámparas
Dice Kosuth que “una obra de arte es una tautología por ser una
presentación de las intenciones del artista; es decir, el artista nos está
diciendo que aquella obra concreta de arte es arte, lo cual significa que es
una definición del arte”.
Five Fives
Neón
Uno y ocho
“todo ser humano es un artista”
Joseph Beuys
1921 - 1986
Es considerado uno de los artistas
alemanes mas influyentes de la segunda
mitad del Siglo XX.
Trabajó con varios medios y técnicas
como la escultura, la performance, el
happening y la instalación.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de
Dusseldorf, donde se graduó y en la cual
fue profesor de escultura.
Llegó a ser uno de los miembros más
siginificativos y famosos del grupo
neodadá FLUXUS.
Plight (Situación grave)
Infiltración
Action Piece, Tate Gallery
La grasa y el fieltro
Sus materiales preferidos
fueron la grasa y el fieltro. Lo
que a primera vista puede
parecer arbitrario, en realidad
no lo es. En 1943, su avión
Stuka es derribado sobre
Crimea. Beuys sufre graves
heridas, pero vive. Un grupo
de nómadas tártaros lo
encuentra, inconsciente, y lo
salva de la muerte segura
untando sus heridas con
grasa animal y protegiéndolo
del frío con fieltro: una
experiencia que marcaría el
resto de su vida, como relata
en su autobiografía.
Terremoto
En torno a 1960 sus piezas quedan definidas por la utilización de materiales
Como el cobre, la madera, el fieltro, la grasa, el hueso, etc, en una dialéctica
que se articula entre lo rígido y lo maleable, lo preciso y lo flexible, lo didáctico
y lo espontáneo.
Beuys es el heredero directo de
toda la tradición del idealismo
y del arte Romántico del Centro y
el Norte de Europa. A través de
su discurso, reclama la
socialización antropológica del
arte, ya que según Él
cualquiera puede ser artista.
Para Beuys, "todo ser humano es
un artista", y cada acción, una
obra de arte. Con esa concepción
ampliada del arte despertó
revuelo y desató debates en todo
el mundo. Las obras de arte eran
para Beuys tan efímeras como la
vida. Por ello nunca quiso crear
obras para la eternidad, sino dar
impulsos para la reflexión.
I Like America
And América
Likes me
Beuys desarrolla
una obra
enormemente
compleja de
marcado carácter
conceptual cuyos
numerosos
performances y
happening,
realizados entre
1963 y 1974
ejercerán una
influencia decisiva
sobre el arte
occidental
producido en los
últimos años.
The Pack
7000 oaks
Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso
crear obras para la eterm¡nidad, sino dar impulsos para la reflexion.
Durante la Documenta VII de Kassel, en 1982, Beuys realiza "Transformación" y "7000
robles", proyecto de enorme éxito, en cuyo marco quiere plantar 7000 árboles.
Como en muchas otras instalaciones de Beuys, la obra hace coexistir dos texturas muy
diferentes. En este caso, el árbol y el bloque de basalto. Gracias a los robles, la escultura
se inserta en el ambiente, altera el espacio urbanístico –fue necesario diseñar dónde
habrían de sembrarse- y se convierte en parte de la naturaleza. Gracias a las piezas de
basalto, se conserva el evento como monumento. Las pequeñas columnas recuerdan la
acción de Beuys, implican la idea de estar en presencia de una obra de arte e invitan a
contemplar de un modo diferente el entorno. Sobre todo, los bloques de piedra funcionan
como marcas que intentan propagar la conciencia sobre la necesidad de la repoblación
forestal.
ARTE JOVEN
SIGLO XXI
Argentina: Leandro Erlich
Chile: Camila Ramirez G.
Leandro Erlich
Leandro Erlich nació en Buenos Aires, Argentina , en 1973. Un arquitecto de lo incierto, Erlich crea
espacios con fronteras fluidas e inestables . Antes de que uno trate de dar sentido a sus esculturas e
instalaciones, se percibe lo siniestro. Un cambio simple ( arriba es abajo, no está en el interior) puede
ser suficiente para alterar la situación aparentemente normal, el colapso y la exposición de nuestra
realidad como falsificaciones. A través de esta transgresión de límites, el artista cuestiona determinados
absolutos y las instituciones que los refuerzan .
Leandro Erlich se inspira en su antecesor argentino literaria, Jorge Luis Borges, pero las referencias al
mundo de la película también aparecen con frecuencia en su obra; Erlich no oculta su admiración por
directores como Alfred Hitchcock, Roman Polanski, Luis Buñuel y David Lynch, a quien , según él, “han
utilizado el diario como un escenario para la creación de un mundo ficticio obtenido a través de la
subversión psicológica de los espacios cotidianos.”
Las obras de Erlich se incluyen en varias colecciones públicas y privadas como el Museo de Arte
Moderno , Buenos Aires, Argentina; el Museo de Bellas Artes de Houston; Tate Modern, Londres,
Inglaterra; Musée d'Art Moderne, París, Francia; Museo del Siglo 21 de Arte Contemporáneo de
Kanazawa, Japón; MACRO, Roma, Italia; El Museo de Israel, Jerusalén, Israel ; y el Fonds National d'
Art Contemporain ( FNAC ), París , Francia.
Erlich vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina .
http://www.leandroerlich.com.ar/
El arte del argentino Leandro Erlich es
de esos que te deja sin palabras. Sus
instalaciones se convierten en un
continuo cuestionamiento de la realidad
cotidiana y de sus límites a través de
efectos ópticos y otro tipo de
simulaciones en las que manipula
espacios y situaciones, conformando su
propia realidad. Como frecuentemente
las obras de Erlich exigen la interacción
del público, que tiene que entrar dentro
de la obra e interaccionar con ella, es
como si entraras en una nueva realidad
con unas reglas completamente
distintas. Así consigue Erlich que el
público quede completamente integrado
dentro de su obra.
Toilette de Leandro Erlich
Una de las obras más increíbles de
Erlich es Swimming Pool, instalada de
forma permanente en el 21st Century
Museum or Art en Kanzawa, Japón. Se
trata de una piscina aparentemente
normal, llena de agua, pero si miramos
dentro veremos que en el fondo hay
personas completamente vestidas
caminando con total normalidad.
Efectivamente, el público puede entrar
dentro de la piscina bajando por una
escalerilla habilitada para tal efecto y
pasear por el fondo manteniéndose
totalmente seco. Al levantar la vista el
efecto de la visión borrosa es completo.
El truco, una vez más, no tiene mucho
misterio: existe una lámina de vidrio
sobre la que circula en agua en la parte
superior de la piscina.
STUCK ELEVATOR (2011)
EL AVIÓN, 2011.
CAMILA RAMIREZ G.
http://camilaramirezg.tumblr.com/
CAMILA RAMIREZ G.
Camila Ramírez Gajardo,
artista visual. Nace en
Antofagasta, Chile en 1988.
Es Licenciada en Arte de la
Universidad Diego Portales y
candidata a Magíster en
Artes Visuales de la
Universidad de Chile.
Silla Comunitaria, 2009
Madera, melamina y fierro. 120 x 80 x 35 cm
Un objeto comunitario es la materialización de un cuerpo social. En Silla
Comunitaria se utiliza la estructura formal y simbólica de una silla
universitaria personal para desplazarla a la simbiosis de sus dos iguales. La
memoria de cuerpos sincronizados que intentan hacer uso de esta silla y un
objeto que podría, en su real función, ser fragmentado en tres partes,
recogen la idea de una masa uniforme compuesta por cierta cantidad de
personas que se someten a un mismo fin o a un mismo deber.
CUERPOS DE OBRA, 2012
Museo de Arte Contemporáneo Quinta Normal, Santiago de Chile.
Cuerpos de Obra es un proyecto en relación al imaginario social de un colectivo. Los cuerpos se
instalan coreográficamente en las obras, creando un diálogo de definiciones que la misma palabra
concede: obra como producto de goce conferido desde el arte y obra como la labor remunerada de un
grupo de personas coordinadas por el deber. Los objetos que aquí se proponen tienen origen en el
mundo del trabajo, activados y dependientes de la presencia física y simbólica de los cuerpos
usuarios. Son imaginarios de una comunidad que formulan la transformación de objetos individuales a
objetos colectivos, reconociendo la utopía sintomática del sistema ideológico que soportan.
Martillo Comunitario, 2012.
Madera y fierro
54 x 54 x 05 cm
Carretilla Comunitaria, 2012
Metal y ruedas
210 x 150 x 100 cm
Unión Popular, 2012
6 herramientas intervenidas sobre mesas de madera
Medidas variables
Un millón de empleos
Edición 2012
Video loop.
Tres proyecciones sobre el muro
1 millón de empleos registra una
escultura social organizada desde el
objeto. La obra instala una mirada
sobre los sistemas de dominación que
nacen desde la lógica del trabajo
remunerado y la mano de obra,
poniendo en tensión los conceptos de
jerarquización, poder y hegemonía. El
titulo de la obra responde a la
necesidad, planteada como promesa
presidencial, de generar empleos
urgentes y forzados por la cesantía, los
que finalmente concluyen en un
absurdo quehacer.
https://www.youtube.com/watch?v=KQg4VRha2AE
Desarmes (2009)
Video one show 03:33 min.
Texto original: La Ciudad, Gonzálo Millán
Como primera imagen, la bandera apela al símbolo patrio más reconocible y significante del país. La
confección en lana, tanto como la voz en off insertan al sujeto productor de la obra como soporte
objetual y representativo del video. Una construcción de nuevas lecturas e imaginarios a partir de lo
performático del gesto, de la acción creadora y destructora del mismo objeto por manos de la autora,
de un texto apropiado desde el código íntimo, desde el habla personal. La descomposición, la
desintegración del objeto bandera son las acciones que se vinculan al concepto de vaciar, del restar,
del fragmentar un país en cierta parte de la historia. Esta imagen se justifica dentro del marco
contextual y simbólico del texto apropiado, el prefijo “des” como gesto de la sustracción, del quitar,
del deshacer como poética de un país herido y marcado en años de dictadura.La obra adquiere un
ritmo propio, subjetivo, donde el habla, la acción y la posproducción van envolviéndose de un tiempo
lento, de una cadencia que liquida al objeto por acción de la autora.