CINE. 4º HISTORIA DEL ARTE. LISTADO DE PELICULAS:

CINE. 4º HISTORIA DEL ARTE.
LISTADO DE PELICULAS:
−Cortos de George Melie−Viaje a la luna/ Sueños de un astronomo
−Cortos de Buster Keaton
−Intolerancia−David Wark Griffith
−El perro andaluz−Luis Buñuel
−El gabinete del doctor Caligary−Robert Wienne
−El acorazado Potenkim−Mijalovich Einsestein
−La diligencia−John Ford
−La fiera de mi niña−Howard Hawks
−Gilda−Vidor
−Ciudadano Kane.−Orson Welles
−La ventana indiscreta−Alfred Hitchcock
−Roma, ciudad abierta−Rosellini
−Los 400 golpes.−Francois Truffaut
INTOLERANCIA:
David Wark Griffith. 1916. Relación teatro fines siglo XIX. Director Charles Hofman, 1 prólogo y 2 cortos. 4
historias en épocas distintas. Odio e intolerancia contra amor y caridad. Una obra de equivalencias.
Prólogo: De la cuna que se mece incesantemente:
1− Intolerancia de la vejez contra la juventud:
Damas de la liga de la decencia captan a sra. Jenkins que se agobia porque ya no se ve joven. La fábrica de la
sra Jenkins va a la bancarrota. Muere pobre muchacho en una manifestación. La querida pequeña, se traslada
con su padre al barrio pobre donde todos se han ido. El chico se mete en la banda del arroyo y roba, conoce a
querida pequeña y el padre de ésta muere.
Acto 1− Llega el verano, querida pequeña es feliz (luz rosa). Un día en Coney Island el chico pide boda a a
querida pequeña. Las señoras de la decencia son ahora el poder más influyente de la ciudad (comparada a los
fariseos) El chico se casa con querida niña y quiere cambiar su vida, se lo dice a su jefe para abandonar la
banda, y éste envia a gente para que le peguen y lo acusan de ladron y lo mandan a la carcel. Querida niña se
queda sola, los Jenkins con las reformadoras, celebran su éxito por reformar el mundo aunque ahora se hace
todo como antes pero de tapadillo. Querida niña es ahora madre y espera a que su marido salga de la cárcel, se
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resfria y va a buscar un medicamento. En ese momento llegan las reformadoras y ven al niño solo así que
deciden quitárselo, y la denuncian.
Acto 2− El mosquetero se encuentra con querida niña y le promete recuperar a su hijo. La chica sin amigos
está celosa y el chico vuelve a la cárcel. Mosquetero busca a querida niña, y es seguido por su amante celosa.
Avisan al chico. El jefe quiere abusar de querida niña y llega el chico. Mosquetero y chico pelean. La amante
recuerda a muchacho y coge la pistola. Mata a jefe. Policía culpa a muchacho y le arresta. La amante (la mujer
sin amigos) habla a su favor. En el juicio chico cuenta que devolvió pistola a jefe pero no sirve. Veredicto
culpable. Muerte colgado. El dia antes de la ejecución el verdugo prueba la horca. Mujercita va a ver al
gobernador y amante se siente culpable y le sigue. gobernador no le hace caso y se va. Policia bueno descubre
a la amante y hace que ésta confiese todo. Chico se confiesa con cura antes de morir. La amante, el policia y
la mujercita corren para buscar al gobernador. Para el tren y cuentan todo al gobernador. Van a colgar a
muchacho pero llaman por telefono para cancelar la ejecución. Lo salvan por segundos. Ha ganado el amor.
2−Historia de los fariseos junto a la puerta de Jaftá, Jerusalén.
Acto 1− hay una boda en Canaan, llega Jesus de Nazareth que es despreciado por los fariseos (ricos y cultos).
El vino se acaba en la boda, se hace el primer milagro, convierte en agua en vino como ofrenda a Dios. Los
fariseos acusan a Jesús de ser amigo de pecadores. Mujer adultera es apedreada y Jesús dice: quien esté libre
de pecado que tire la primera piedra y así la salva. Jesus dijo: dejad que los niños se acerquen a mi". En Roma,
Poncio Pilatos da veredicto Jesus: que sea crucificado. Están Crucificando a Cristo.
3−Tiempos de Catalina de Médicis− odio hacia los hugonotes.
Acto 1− Se informa a Catalina de la rebeldía de los hugonotes.Enrique de Navarra (hugonote) y Margarita de
Valois (hija del rey, católica)
Acto 2− Catalina de Medicis pide al rey que firme la masacre de San Bartolomé, el rey no quiere pero los
consejeros le convencen. Pintan en las puertas de los hugonotes la señal de la muerte, también en casa de ojos
castaños. Manñana de San Bartolomé en San Germain. Comienza la masacre en todas las casas marcadas con
la X . Hugonotes corren para salvarse. En la casa de ojos castaños, Próspero acude en su ayuda porque sabe
que el mercenario quiere abusar de ella. Mercenario mata a ojos castaños y cuando Próspero llega también lo
mata a él.
4−Lucha del amor contra la intolerancia.
Babilonia, reino persa 539 a.c.
Acto 1− Joven de las montañas rebelde, su hermano le busca marido pero en el mercado matrimonial ella se
comporta como una bruta y nadie la quiere. El rey Belshazzar le da la libertad y ella se enamora perdídamente
pero él ama a bien amada que es la preferida de sus bailarinas. El sacerdote de Bell odia a la diosa del amor
Ishtar y profetiza la caída de Babilonia. Viene Ciro, enemigo de Babilonia a atacar, en alianza secreta con el
sacerdote de bell. Los medas y los persas hacen ejercitos con etíopes, bárbaros... Ciro ataca Babilonia.
Bienamada reza por Belshazzar y la chica de las montañas va a pelear por él como si fuera un hombre. Gran
batalla. Babilonia está cayendo. Invento parecido a un tanque contra Ciro y gana Babilonia.
Acto 2− Babilonia fiesta . Un festín de varios días, la chica de las montañas come un poco de pan y leche. El
rapsoda ve otra vez a la chica de las montañas, ella va con él pensando en Belshazzar y él le cuenta lo que
sabe de Ciro. En Babilonia todos borrachos, y Chica de las montañas ve salir al sacerdote de la ciudad y le
sigue. Ciro espera al sacerdote, y Montañas le sigue, viendo todo, entonces corre hasta Babilonia para avisar
del ataque de Ciro. Ciro avanza hacia Babilonia, la chica de las montañas corre aún mas. Chica cuenta a
Belshazzar todo pero Ciro entra ya por las puertas de Babilonia. Gran batalla, llevan a Belshazzar a su trono
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para que muera alli. Matan tambien a chica de las montañas. La princesa y el rey se matan a si mismos. Se
declara a Ciro rey de reyes y todos le adoran. Muere Montañas.
Y el amor perfecto traerá la paz. Aparecen ángeles que paralizan las guerras. Se derriban los muros de
cárceles y aparecen flores. La cuna que siempre se mece se llena de flores.
EL PERRO ANDALUZ
1926.Luis Buñuel.
Actores principales: Piet Baguet y Simon Marei.
La película parte con una escena muy llamativa que introduce al espectador en la película de forma activa.
Escena donde corta el ojo el propio Buñuel y quizás significa que uno debe realizar una mirada introspectiva,
también el hecho de cerrar el ojo femenino. hay muchas interpretaciones.
Los tiempos aparecen muy marcados pero sin ninguna lógica, sin conexión. Hay referencias al mundo erótico,
crítica a la clase burguesa.
La película se criticó porque incitaba al asesinato. En cada una de sus secuencias el protagonista muere y
renace. Hay una alusión muy clara en el cuadro de la encajera de Wermer. Al inicio aparece Buñuel y al final
Dalí. Se refiere a los maristas en el hombre de la bicicleta. El personaje que mueve la mano es observado por
las dos protagonistas desde la ventana y es una alusión a la masturbación de la mujer. De hecho, después de
ver la escena, él se apasiona por ella. La escena del piano es una alusión al poder que tiene la cultura. Hay
referencias exóticas como la escena del vello en la axila. La playa simboliza una situación nueva, un horizonte
esperanzador. La idea de muerte y renacimiento es constante.
La musica es posterior, comienza con Tristán e Isolda y continua con tangos típicos de cafés parisinos. La
película se estrena en un salón de te de París y fue muy bien recibida por la crítica. Bretón la calificó de única
pelicula surrealista del cine. Tuvo muchos problemas de censura pues fue prohibida en España y Europa.
EL ACORAZADO POTEMKIM
1918. Mijalovich Einsestein.
1−hombres y gusanos − comen carne podrida y se rebelan.
2−drama en el golfo Tendra − Vakulinchuk muere en el motín.
3−el muerto clama − Velatorio en el muelle de Odesa. Rebelión de los oprimidos contra los opresores.
4−la escalera de Odesa − todo el mundo va con chalanas (barquitas) desde el puerto hasta el acorazado y les
llevan comida. Llega la guardia real zarista (cosacos) y tratan de dispersar a la población. El Potemkim
dispara a los generales, al teatro de Odesa.
5−encuentro con la escuadra− el acorazado va al encuentro de otro acorazado de la escuadra zarista. A punto
de dispararle ven la bandera blanca y como los marineros les ayudan y el acorazado rebelde cruza altivo la
escuadra.
Narra un hecho histórico en Rusia en 1905. Problemas para la política zarista. Se pretendía hacer una película
y Einsestein escogió el del acorazado, estructura la peli con 5 actos como una tragedia griega y narra todo.
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Lo más interesante es el tratamiento de la imagen como muy vanguardista.
La peli va pasando de planos largos a cortos y planos de detalle como de objetos, gafas del médico, zapatos,
de los cañones, maquinas, etc.
Yuxtaposición de planos, los hace en el montaje que es donde se le da ritmo a la película, manipulando los
distintos fragmentos de película.
La camara esta fija toda la pelicula, hay picados, de las velas, etc, el mar, escaleras de Odesa. Contrapicados,
detalles de las velas. No hay travellings, sólo uno en el puerto. Los únicos movimientos se hacen con la grua
para picados y contrapicados.
Una de las escenas más destacables las escaleras de Odesa, por el tratamiento de la imagen como también por
el dramatismo, madre con niño, cochecito que rueda escaleras abajo
Individualiza las escenas con primerísimo plano de gentes en Odesa, otorga dramatismo.
Hay un protagonismo del colectivo. Primero el colectivo de marineros y segundo todo el pueblo de Odesa,
unido ante la tragedia y como nexo de union el marinero Vakulinchuk.
Imágenes que se graban en la memoria:
− madre con hijo muerto.
− madre con cochecito
− marinero colgado en las cuerdas del barco
− marinero tocando la trompeta
− cañón en plano detalle
Primeros planos de la gente. Apenas plano americano y salteados de planos generales.
Einsestein es uno de los revolucionarios de 1917, con Lenin, etc. se toma como un cambio político pero
también como un cambio intelectual y cultural. Influirá en el cine americano porque despues va a Paris, y a
Hollywood y tras ello vuelve a Rusia en el año 24 o 25.
La banda de música es original y va perfectamente ensamblado con el desarrollo de la acción.
−en su mayoria son todos actores de teatro experimental desde el año 15 o 17. Tiene pocos rótulos
explicativos, sobre todo se sigue el hilo argumental por la gesticulación de los actores.
Es comparable a Buñuel con el tratamiento de la imagen. Esta película se la encargó el gobierno porque ya
habían matado a los zares y todo eso.
Einsestein aboga por la realidad y por contar la verdad. lo hace en modo documental.
LA DILIGENCIA:
John Ford, 1939, La diligencia fue un punto y aparte en el cine del oeste porque tuvo una complejidad
diferente. John Ford no sólo hace una peli del oeste sino a unas personas encerradas de diferentes estratos
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sociales y una crítica de la sociedad del momento, el cowboy vengativo, el borracho, la puta, el banquero
ladrón, el jugador y la mujer del militar.
Es de 1939 cuando el código Hays está aún vigente. Aparecen las mujeres de la liga de la decencia que echan
al borracho y a la puta.
A lo largo de la peli se van cambiando las ideas preconcebidas sobre la gente que pertenece a la alta sociedad
y las personas apartadas de la decencia van adquiriendo más personalidad y se ven que son mejores personas.
John Wayne, al final, es bueno aunque es relegado de la sociedad, John Ford da un retrato de la sociedad
americana por primera vez.
Matices nuevos en películas del oeste. De aquí la importancia de la peli La diligencia.
Tuvo mucho éxito, le dan un oscar a la mejor banda sonora y al mejor actor secundario, el doctor borracho.
Técnicamente también novedades: dos travellings en el desierto de Nuevo México desde la diligencia hasta
Jerónimo que se ve encima de las montañas, también lo lleva a escenas de interior de la diligencia desde la
cara de la mujer del militar hasta el jugador con la pistola. Tambien carrera de los caballos y escenas en
contrapicado. Utilización de las sombras por influencia del cine vanguardista alemán, muchos primerísimos
primer plano de John Wayne.
Muchas secuencias de John Wayne de espaldas en plano americano, influencia rusa, como los planos de
conjunto de espaldas por ejemplo cuando nace la niña y todos los personajes masculinos estan de espaldas.
Otra peli importante de John Ford Apache, donde los indios son buenos.
LA FIERA DE MI NIÑA.
Año:1938.
Direccion: Howard Hawks.
Protagonistas: Cary Grant y Catherine Hepburn
Productora: RKO
El señor Pivodi, representante de la señora Randolf.
David Huxley y Susan Banks.
Canción leopardo: Todo te lo puedo dar menos el amor, baby...
Tía de Susan, Elizabeth, la que donará el millón de dólares.
La banda del leopardo.
Es la máxima representativa de la comedia de esa época, recoge situaciones disparatadas, los gags cómicos del
cine mudo.
Catherine Hepburn hace uno de los mejores papeles de su vida, la intencionalidad es hacer pasar un rato
agradable a la gente, todo el peso cae en C. H. y Cary Grant.
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Howard Hawks al contrario de Capra son pelis parecidas a ésta una sucesion de gags y sin embargo Capra si
mete una crítica social suave solapada por la comedia pero Hawks sólo trata de hacer pasar un rato agradable,
en ocasiones existe una actividad frenética sobre todo en los diálogos.
Catherine Hepburn funciona por comicidad y momento dramático cambia por segundos desde la gran alegría
al dramatismo. Actriz con muchos recursos.
Cary Grant en las pelis cómicas siempre encasillado en el mismo papel
Las cómicas son pelis en las que el peso lo llevan los actores, sucesión continua de disparates como los del
cine mudo.
Desde el punto de vista técnico pocas aportaciones, filmar por delante del coche (tipico coche quieto y panel
detras que se mueve) algunos primeros planos como de Cary.
Trucos como cuando se queda colgada del andamio por Cary Grant. Lo que hace de leopardo es un perro con
un disfraz en el hotel, el resto el leopardo esta aparte y es un montaje.
CIUDADANO KANE:
1929. Orson Welles.
Trata la vida de William Randolph, un magnate financiero mundial. Se obsesionó con su biografia,
estudiándola durante 2 años. El guión lo escribe junto a John Manckiewitz, europeo de gran talento pero
alcohólico y bohemio. La productora puso muchos inconvenientes. Innovación en la técnica, escenografía e
interpretación, se inicia el cine moderno.
Capta una diferenciación del cine americano del momento. A partir de 1938 estaba obsesionado con llevar al
cine la vida del magnate Hearst pero por diversos problemas no lo hace hasta 1940 cuando convence al
guionista Maekiewitch para realizar juntos el guión. Los productores con el guión en las manos se echan atrás
por la evidente similitud con el magnate.
Finalmente, a fines de 1940 comenzo a rodarse, cogiendo actores novatos. Como director de fotografia eligió
a Gregg Toland. Estudió la profundidad de campo en la escena y la técnica cinematográfica. Utilizó el
panfocum que consistía en darle una emulsión que la hacía más sensible así como más lentas con lo que en
escenas de gran profundidad de campo se veía lo cercano, lo lejano y la zona media.
La película se basa en la biografia de un magnate de la prensa llamado Charles Foster Kane, quien heredó
acciones, tomó un periódico rural que con 18 años lo dirigió consiguiendo ser millonario y hacerse con el
periódico más influyente del pais. Esto sigue al pie de la letra la vida de Hearts. La película arranca con la
muerte de Kane y con una palabra que dice antes de morir: "rosenbuch" a partir de ahí, un periodista inicia
una investigación para recomponer su biografía.
Destaca la estructura narrativa aunque es compleja por la ida y venida, es comprensible para el espectador. La
primera escena tras pronunciar rosenbud aparecen los titulares de su muerte en la prensa. Se pone de
manifiesto la subjetividad del ser, pues según a las personas a las que preguntaba, les daba una respuesta
distinta de su muerte
La película se presenta como un trailer, con una narración cronológica. Este tipo de narración enlaza con la
novela del momento. A partir de aquí el tiempo en la narración cinematográfica no va a importar, como
Welles lo demuestra aquí.
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Se presenta como un documental de la época, como una persona podía llegar a la cima desde las clases mas
bajas. Muestra la crudeza de la sociedad capitalista que zancadillea el desarrollo, también se puede ver la
historia del periodismo en estados unidos. Los titulares serán los que marquen la importancia de la noticia.
Los diálogos son largos y muy profundos, de gran potencia expresiva, además serán diálogos muy ágiles.
Desde el punto de vista técnico es de las más novedosas de la historia del cine. Además de la profundidad de
campo ya comentada, está el montaje influenciado por Einsestein, con un lenguaje muy rápido tomado del
cine ruso. Cuida enormemente la puesta en escena. Usa el picado y contrapicado a menudo con zanjas y
jirafas para soterrar y elevar la cámara, hace también planos fundidos y en travellings. Se utiliza el sonido y la
voz en off. Welles puso en práctica todos los avances y recursos incluso el flash back aunque él no inventó
nada.
Desde el punto de vista argumental y técnico constituyó un punto de partida para el cine pero desde el punto
comercial fue un fracaso.
La película se la proyectaron al propio Hearts quien la rechazó de plano y la criticó en sus medios. Ademas
coaccionó a la distribuidora para que no se comercializara, pero la Warner, Fox, etc, se unieron para su
proyección y la comercializaron. La taquilla fue un fracaso y arruinó a la RKO.
Welles no podia luchar contra el poder mediatico de Hearts, la RKO quiso rescindirle el contrato. Finalmente
siguió y realizó la adaptación de la novela El cuarto mandamiento que es una película magistral basada en la
historia de una familia tras la guerra de secesión.
Los problemas con la RKO le llevaron a Londres donde no había los mismos medios que en USA. Aquí
realizó las adaptaciones de obras de Shakespeare, dirigiendo Macbeth y Otelo. No recupera su libertad
creativa y decide apartarse de estas adaptaciones. A partir de 1962 realiza El proceso y Campanadas de
medianoche que esta basada en la guerra civil española.
Vuelve a Hollywood llamado por Charlton Heston y rueda Sed de mal.
En los años que rueda Ciudadano Kane está cercana en el tiempo el estallido de la 2ª guerra mundial.
Constituye el punto final de la cinematografía anterior a los años 50 y el comienzo de la 2ª mitad del s. XX
LA VENTANA INDISCRETA:
1954− Alfred Hitchcock. Cuando rueda esta película ya se había trasladado de Inglaterra a EEUU. Es la más
representativa del cine de Hitchcock.
Protagonistas: James Steward (que ya trabajó en el hombre que sabía demasiado) y Grace Kelly (predilecta
de Hitchcock)
Muestra una de las facetas de su cinematografía más recurrente, el de voayer que es lo que hace Jefrey.
También todas las historias de los vecinos y la historia personal del protagonista que se complementa con los
personajes secundarios: la enfermera, la novia y el director del periódico donde trabaja. Estos van desde la
incredulidad total a verse imbuidos por completo en la trama argumental.
Nos muestra un hecho normal, como puede ser romperse la pierna, y va in crecendo hasta el desenlace, porque
motiva el fisgonear en la vida de los demás y ve el asesinato en el que se involucra hasta el desenlace.
Tiene el matiz de voayer presente en toda la filmografía de Hitchcock, él decía que no se podía ser un buen
director si no te interesaba la vida de los demás
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Los vecinos nos los muestra desde el amanecer hasta la noche, esto incide en la técnica y la luz de cada una de
las escenas.
El empleo de ruidos naturales como telón de fondo es importante. La casa de vecinos está situada en una calle
de mucho tráfico, si bien nosotros no lo vemos lo intuimos por el ruido que va en consonancia con las horas
del día.
1 compositor: se oye su serie de partituras
1 bailarina: oye musica y hace ejercicios mientras limpia.
1 grito que escucha Jefrey.
Tambien la inquilina del bajo que invita a alguien imaginario y que al escuchar la música de arriba le salva de
un suicidio.
Hitchcock sustituye el asesinato por el grito.
También importante el travelling que hace en un giro de 360º del vecindario en la primera escena.
Condensa la historia de la trama argumental en un patio de vecinos pero cada vez más cerrado y denso y
psicológicamente más fuerte.
Nos va dando resortes para fisgonear en la vida de los demás, a través de la cámara suya y la del propio
fotógrafo. Así da una doble visión, la del director y la subjetiva de Jefrey.
Un travelling saltando de un piso a otro, un helicóptero encima de la terraza donde dos chicas se quitan la ropa
para tomar el sol, una escena en picado del perro que baja a hacer sus necesidades.
También el montaje corto para dar más intensidad psicológicamente y para dar más ritmo a la película.
Una de ellas es la final cuando el fotógrafo se defiende del asesino y lo deslumbra con el flash y aparece la
escena de color sepia como si la cinta se hubiese quemado de los flashes. El empleo de la luz y la sombra,
oímos como el malo sube por la escalera, cuando abre la puerta y enfoca los ojos del asesino y la conversación
en penumbra, y 5 disparos de flash.
El personaje es un periodista con curiosidad innatga y eso se lo critica la enfermera mientras masajea pero
luego ella misma baja a desenterrar la persona asesinada y se inmiscuye por completo. También con su novia
que al final es la que desentrama todo y descubre al asesino que confiesa.
Francois Truffaut tiene un gran libro sobre Hitchcok. A el mismo le gustaba aparecer en sus películas al
menos en alguna escena. Es misógino, dándole un halo muy particular a la mujer, como fría y siempre en un
segundo plano. Casi siempre busca a una mujer rubia, sofisticada, contraste enorme con las figuras
masculinas, ella siempre en un papel secundario, en esta película es muy evidente.
Grace Kelly es la rica, sofisticada, utilizando un vestuario muy cuidado y se une a un hombre inestable, sin
seguridad económica y muy viajero. Dicotomía que contrasta mucho en todas sus películas. Tenía fama de ser
una mujer muy fría pero él estaba fascinado con ella y se dice que mantuvieron un romance.
Repite con los actores que trabaja: Ingrid Bergman, Cary Grant, Kim Novak, James Steward, Grace Kelly,
Tippi Hendrich. Tenía fama de ser duro en los rodajes, haciendo repetir las escenas a la perfección y no daba
lugar a la improvisación de los actores.
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El utilizaba todos los recursos cinematográficos a su alcance.
Usa estereotipos para presentar el tema.
El es inglés y comienza en Inglaterra y aunque marcha a EEUU sigue muy cercano del cine inglés y aprende
mucho del cine expresionista alemán, como es el uso de las sombras.
ROMA, CIUDAD ABIERTA:
La más representativa de la corriente neorrealista italiana. La más intensa de Europa en los años 40. Es un
cine que trata de mostrar la realidad italiana. Con pocos medios económicos sin ayuda estatal. Raya la
censura. Da al traste el estado italiano en 1955 con la ley Andreotti, donde se prohibía mostrar una Italia de
penuria económica y propicia un tipo de película donde se prodiga en grandes ciudades, las bellezas italianas
(Sofia Loren, Gina Lolobrigida) y el latin lover.
Se llama neorrealista porque es mas crítica que el realismo francés.
Rosellini rueda en 1945, después de acabar la 2ª guerra mundial donde Italia estaba bajo mínimos y consigue
dinero de algunos amigos e incluso vende los muebles de su casa para hacer la peli.
Queria ofrecer una historia realista pero no es una historia real de forma que el espectador cree que los
personajes han existido realmente aunque lo dice los rótulos al principio de la película.
Quiere mostrar la dureza de los ochos meses de la ocupación alemana y las tribulaciones y penurias del pueblo
italiano por una militante comunista, un cura católico (que da aspecto humanitario) y la mujer del militante
que muestra las penurias económicas y políticas.
La mayor parte de las escenas se rueda en estudios, sin decoración que corresponde al mundo real, una casa de
vecinos pobre, humilde pero cuando muestra la escenas de las fiestas alemanas tampoco hay mucha
decoración porque huye de la escenografía angulosa.
Utiliza actores secundarios excepto Ana Magnani. Sin apenas maquillaje e indumentaria normal de cada día.
A través de estas tribulaciones políticas muestra el carácter psicológico de la madre y mujer del militante, del
propio comunista, la reunión clandestina y el propio cura que se siente en la obligación de solidarizarse con
las personas más desprotegidas del poder.
Papel fundamental de los niños, el protagonista es el pueblo de Roma personificado por mucha gente.
Los niños son utilizados como correo entre los distintos miembros y al final son un hito de esperanza, cuando
los oye silbar el cura al morir y después se van hacia Roma, creando una nueva via y dando esperanzas.
Retrato claro de cada personaje: mujer fuerte, saca a su hijo adelante, espera un segundo hijo y va a casarse y
la muerte de esta mujer es importante en la historia del cine.
Militante comunista que organiza cédulas en la penumbra y no es capaz de delatar a sus compañeros y muere
en los interrogatorios de los alemanes.
Escena fuerte, desfigurado, desganado comparado con las películas de la pasión de Cristo (nada comparado
con la actual de Gibson) por los latigazos, etc.
El párroco es un personaje que muestra claramente la faceta humanitaria de la religión cristiana, que se
desmorona al ver al compañero destrozado y arrete contra el pueblo alemán, y finalmente se arrepiente y pide
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a Dios perdón por haber odiado a los militares alemanes.
Clara dicotomia entre pueblo italiano y alemán porque quedan ridiculizados, por ejemplo el oficial ridículo de
postura, gestos, mueca de la boca, la colilla que tira al suelo, y el comentario en la fiesta que se rebela contra
los mandos diciendo: no valemos un duro, mirad lo que hacemos con Europa, como podemos pensar que
nuestra raza es mejor, la aria:"va a hablar bueno, y si no habla, si no habla nos habremos equivocado porque
será igual que un alemán", se considera a los demás inferior que Alemania. Esa visión es de Roberto Rosellini.
Es una película muy actual porque al día de hoy la humanidad se sigue mostrando de la misma forma que en
el 45. La peli sigue teniendo mucha vigencia porque trata problemas sociales.
Tuvieron muchos problemas para estrenarse en Italia pero cuando ganó la democracia cristiana si se proyectó,
pero en EEUU tuvo mucha expectación.
A partir de los 50 el gobierno no dejó que se hicieran películas con una visión triste, querían mostrar historias
de amor, todo bonito, final feliz, protagonistas guapos, etc, para vender una Italia turística. En el 55 ley
Andreotti.
TEMA 1: LOS ORIGENES DE LA CINEMATOGRAFIA
Los primeros intentos de realizar cine es a fines del s. XIXI. La persistencia es la visión era el primer paso que
los inventores vieron importante para crear la cámara cinematográfica, se descubrió que la persistencia de la
visión era de unas décimas de segundo.
Se realizaron juguetes relacionados con el cine como el creado por Sir John Paris en 1825 llamado
traumetropio. Planteau realizó un juguete similar. A partir de entonces iban a aparecer jueguetes similares
fundamentados en la persistencia de la visión y a todos ellos se les da nombres griegos. Estos juguetes son los
primeros pasos para la aparición del cine.
El cine está en consonancia con la fotografía, en esta época Niepce con una imagen en un soporte, es el primer
paso para el descubrimiento del cine. Estos primeros pasos de la fotografía dieron lugar a que patentados
americanos patrocinarán a fotógrafos como Maybridge, el fotógrafo más reconocido de los años 30, que supo
captar el movimiento de la imagen al pegar los fotogramas.
Edison encargó a Dickinson el invento de una cámara que diera al proyectar al fonograma que había
inventado. Creará una cámara de movimiento discontinuo con unos rodillos que arrastraban los 4 vértices de
la película, a esta cámara se le llamo kinetógrafo. Para proyectar la imagen inventan una máquina con
dispositivo eléctrico que pasaba 16 fotogramas por segundo llamado, kinetoscopio. Con ello, hizo la primera
película llamada el estornudo de Fred Otis. Estas primeras películas eran poco nítidas y de escasa calidad.
Son películas cortas e individuales.
Edison y Dickson hacen otro tipo de películas relacionadas con los obreros de la fábrica donde ellos trabajan.
Debido a su éxito se hicieron con una habitación que es considerada el primer estudio cinematográfico cuyas
paredes están pintadas con betún de Judea y el estudio se llamo Black Maria. Edison patentó el kinetógrafo y
lo comercializó.
En Europa, en concreto Francia, los hermanos Lumiere, comenzaron investigando el movimiento de la
fotografía puesto que su padre era fotógrafo, y conocía las máquinas inventadas por Edison.
Ellos intentaron aunar en una máquina el aparato que filmaba y proyectaba y así inventaron el cinematógrafo,
no era eléctrico sino que utilizaba una manivela. Esto supone el dominio de la fotografía, la proyección y el
sistema intermitente para filmar ya que contaba la máquina con obturador y filma el movimiento. El
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cinematógrafo admitía peliculas de 35 mm y 16 fotogramas. Los hermanos Lumiere filmaron 8 o 10 películas
en la fábrica de fotografía de su padre y algunos exteriores. Este invento lo presentaron en la navidad de 1895
y se da a conocer el aparato en en gran café de París. A este suceso asistieron entre otros George Meliès y
banqueros como los hermanos Lafite, etc. Para la exposición de esta máquina en el salón del café se hizo un
contrato de arrendamiento por un año. Se proyectó la Salida de los obreros de la fábrica Lumiere y La
llegada del tren a la ciudad que provocó un gran impacto entre los asistentes.
Este invento muestra en imágenes la sociedad existente en la época. Cuando acabó la exposición de esta
máquina no quisieron vender la cámara pero sí comercializaron las películas, también hacen documentales
pues filman diversas zonas del mundo como África.
A la vez que se produce esto en Francia, en Alemania aparece el bioscopio en 1896 inventado por
Sklandonowsky, que más tarde compra Meliès.
Todos los países quisieon adjudicarse el invento del cine, la película de 35 mm y 16 fotogramas durará hasta
la llegada del cine sonoro cuando se pasó a 24 fotogramas. Se rueda en interiores y exteriores donde
comienzan a explotar diversos generos cinematográficos. Los productores de estados unidos vieron que el
cine erótico debía potenciarse tras verse el revuelo que provocó el beso de Edison. En contrapartida nacen
otros géneros fotográficos.
Se utilizaban como actores a amigos y familiares y se trabajaba con una sola máquina. Los Lumiere utilizarán
diversos encuadres, planos e intentos de relacionar fondo−personaje. Las películas de interiores son
reproducciones de postales de distintos lugares.
En estados unidos y Francia se produce una crisis en el cine en 1899. En Estados unidos hay una lucha por la
patente de las máquinas que terminó con la prohibición de filmar con estos aparatos. En París se produjo un
gran incendio en un gran almacén donde se estaban proyectando una películas que provocó muchas muertes.
George Melies aparece en este momento de crisis, inventó el paso de la manivela que proporciona el
ilusionismo en el cine, también es el primero en realizar montajes de imágenes mediante la filmación en una
película anteriormente filmada. Con él se inicia el género Music Hall como en Viaje a la luna en la que
aparecen las mayorettes. También explotó el erotismo con la aparición del beso en sus películas.
En Estados unidos se hacen cortos de temática religiosa, pues tras el beso se creó un gran revuelo, podemos
destacar Pasion de Cristo de Porter, realizados en las calles de Nueva York.
En Francia se inicia la producción cinematográfica con Charles Pathè, quien industrializó la cinematografía.
El procedía de familia pobre, emigró a Argentina donde vende inventos y allí conoce la aparición de las
máquinas cinematográficas y la comienza a comercializar, para lo que vuelve a Paris y crea la societe pathe y
hermanos en 1897, en la que invirtió 35 francos y en pocos años movía 60 millones de francos.
Esta empresa tiene una parte dedicada a la produccion y otra parte a la distribución. Además Pathe no solo
vende sino también se dedica al alquiler de las películas que producía. Fundó el periódico semanal Pathe
journal.
El publico pronto se cansó de las películas cortas y sin trama argumental... Leon Gaumont intenta que las
películas incorporen música y ensaya por primera vez la película en color con la utilización de película
sensible a los colores. Creó unos estudios en Niza y es el primero que hace una gran sala para la proyección de
películas llamado Gaumont palace. Es consciente que había que realizar un nuevo tipo de película y en 1908
crea el film dart con el apoyo de banqueros como los hermanos Lafite y consiste en adaptar obras teatrales al
cine. También piensa que el público demanda actores y actrices cualificados, la primera película de este tipo
es El asesinato del duque de Niza basada en la obra teatral de Henry Lavedan, un autor teatral muy
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reconocido del momento. A partir de entonces, las películas duran 1 h. o 1:30 h. y se incorporan nuevos tipos
de objetivos en las cámaras cinematográficas.
Se explotará el primer plano y aparecen los primeros grandes actores como la bailarina Sara Berna.
El cine fantastico de George Meliès.
Era hijo de burgueses parisinos, su padre tenía el negocio de zapatería. Viajó a Londres a estudiar el idioma y
al volver quiso dedicarse al cine, tras haber asistido a la primera exposición del cinematógrafo, que inventaron
los hermanos Lumiere, en el cafe Indien.
Al morir su padre, la zapateria queda repartida entre él y sus hermanos. El vendió su parte a sus hermanos y le
permitió comprar el teatro Haudin donde realiza numeros de magia. Cuando trabajaba en la zapateria, él se
dedicó al aspecto comercial que le vino bien para llevar a cabo la administración del teatro.
Mostró mucho interés por comprar el cinematógrafo pero era costoso y entonces compró el bioscopio con el
que filma los numeros de magia que realizaba en su teatro.
Las películas son de 3 o 4 minutos de duración que conecta rápidamente con el público. Este éxito le valió a
Meliès para poder comprar unas naves en Montreul que se convertirán en los primeros estudios
cinematógrafos de Europa. En estos estudios filma sus primeras películas, ya lejos de lo teatral, donde hace de
guionista, director, actor, etc.
El escenario estaba conformado por telones, que se cambiaban en cada escena. Los actores los escogía de los
actores de su teatro y la puesta en escena era influencia del teatro. Es característico en este cine mudo una
gesticulación abundante.
Su película de mayor éxito es Viaje a la luna de 1902 donde combina la fantasía con lo grotesco. Un ejemplo
es la escena del Astrónomo, cuando al despedir a los viajeros utiliza a las mayorets. Para realizar esta película
tomó elementos reales como la caída del ovni en el fondo del mar, para lo que enfoca un acuario. También
hay escenas grotescas como el ovni que se estrella en el ojo de la luna. El mensaje subliminal de esta película
es que los seres de este planeta son superiores a los de cualquier otro planeta.
Esta película está formada por 18 escenas (con cambio de telón) pero la cámara está siempre estática.
Meliès hace otras películas más en consonancia con la realidad Tren en marcha o con sucesos
contemporáneos Exposición de París.
Creó una compañía cinematográfica llamada Star film tras su gran éxito en el cine. Hay otras personas que
producen películas en Francia que le arrebatan a Melies su hegemonía, puesto que los espectadores terminaron
aburriéndose del mismo tipo de películas. Terminó perdiendo los estudios cinematográficos de Montreaul.
Melies no supo comercializar sus obras, lo que provocó que terminara su vida arruinado, terminó su vida
laboral volviendo al teatro.
Se le puede considerar el primer gran cinematógrafo de la historia del cine. Es sus películas las tramas
argumentales son simples, sin ningun tipo de complejidad.
Meliès aporta al cine el truncaje, el truncaje de parada, la maqueta de cine, los escenarios o platos, la
sobreimpresión y el travelling. Fue el pionero del lenguaje cinematográfico al incorporar el lenguaje teatral.
Es el primero en incorporar gags.
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Inicios del primer cine americano:
En Estados unidos, una serie de personas se dedican a la producción y se dan cuenta del cambio de gusto de
los espectadores por argumentos más complejos.
La primera compañía aparece en 1910, Adolf Zukor es el primero que produjo largometrajes, haciendo
guiones propios o tomados de novelas o teatros. Aprecia que al público le interese la temática histórica.
Aparecen con gran éxito las películas del western, para lo que se desplazaban de nueva york a California pra
darle mayor realismo. Este traslado le permitió conocer que en esta zona el suelo era más barato, el clima era
mejor y aquí la industria general tenía menos convulsiones (huelgas) que en el este.
Por ello, los productores se marcharon a California y se instalarán en una aldea llamada Hollywood.
Comienza la hegemonía de Hollywood desde sus inicios y evitan hacer películas de carácter politico. Esta
hegemonía se ve reforzada por la 1ª guerra mundial en Europa. Con su cine inunda todo el mundo, excepto en
Japón, Rusia y Alemania que eran enemigos ideológicos.
Las películas de Hollywood no eran de gran calidad. A partir de 1910, se comenzó a realizar una política de
promoción de actrices y actores en las producciones, cuando ganaban prestigio, las películas eran interesantes
por su protagonismo y dando igual la calidad de estas películas.
En 1914 empieza a considerarse a las salas de cine y se realizaron muchas, la primera se hizo en Nueva York,
cuyas características eran su gran dimension (3000 espectadores) fuera de la ciudad pero con fácil acceso,
estilo modernista, anunciado con letreros de neon y un espectacular hall de entrada similar al hall de los
hoteles.
Las películas comenzaban con el himno del pais, un documental, despues publicidad de la propia productora y
por último se proyectaba la película.
En Hollywood comienzan a definirse los géneros cinematográficos desde sus principios.
Adolf Zukor crea una distinción entre las películas:
Tipo A) Películas de directores de gran renombre, mas costosas en producción y gran propaganda.
Tipo B) Películas de mediometraje, con actores no muy conocidos y reutilizando decorados de otras
producciones.
Tipo C) Películas argumentales que se exhibían antes de las películas de tipo A.
Al pasar el tiempo se realizarán más películas de tipo B porque son más baratas.
TEMA 2: EL CINE NARRATIVO EUROPEO Y AMERICANO
David Wark Griffith
Es el primer gran director de cine que adapta obras literarias al cine, con un lenguaje cinematográfico propio,
experimenta con todo tipo de planos. Nació en 1875 en el sur de estados unidos, es de familia militar que
habían sido ricos, pero decayeron, aunque seguían teniendo aires de grandeza. Sus primeros trabajos fueron
como librero y escritor en revistas en las que entrevista a artistas de teatro, esto le permite conocer la
escenografía teatral, pues llegó incluso a actuar.
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Después comenzó a escribir guiones y fue contratado por la productora Edison para escribir cortos e hizo de
actor en la película Rescate en un nido de aguila, donde se permitió dar consejo a los productores.
Tras esto Edison le ofrece realizar películas pero no aceptó el contrato y se paso a la compañía de Kickson,
llevándose con él al camara Billy Bitner y quería como actriz a Mary Pickford, con ellos rueda un corto
llamado Dorotea.
Su obra se puede dividir en tres etapas:
1. Aprendizaje (1908−1914) Judith de Betunia
2. Plenitud (1914−1920) Nacimiento de una nacion e Intolerancia
3. Decadencia (a partir de 1920) cuando hizo Abraham Lincoln por el que ganó el oscar al mejor director y
América. Su decadencia se debió a la repetición del tema histórico y por hacer una compañía propia.
En la 1ª etapa comienza a experimentar porque sigue una narrativa cinematográfica desde principio a fin de la
película, juega con todos los planos e innova, pues realiza escenas paralelas en un mismo plano. Utiliza la
iluminación y comienza a tener en cuenta la puesta en escena, que después vemos en las escenas de Babilonia
en Intolerancia. Realiza el travelling (movimientos de cámara) siguiendo un personaje.
Su película más polémica fue Nacimiento de una nación de 1915 basada en una novela best seller que trataba
la guerra de secesión americana, desde el punto de vista de dos familias con posturas enfrentadas. Para
realizar esta película realizó una productora junto a Charles Chaplin, Mary Pickford y el director Marck
Sennet. Es una película de 1500 a 1600 planos, con más de 150000 extras y con una música compuesta
especialmente para esta película, duraba mas de 2 horas. Los personajes perfectamente caracterizados, es la
primera vez que se ve en imágenes hechos históricos recientes como la muerte de A. Lincoln, el nacimiento
del ku−klus−klan que lo justifica mediante una escena donde son violadas unas mujeres blancas por hombres
negros, por ello fue una película muy criticada desde el punto de vista político. Fue una película altamente
rentable en el aspecto económico.
Tras estas criticas, decidió escribir un articulo en un periódico contra la intolerancia de los políticos y críticos
de cine.
Realizó escenas de batallas espectaculares y a traves del travelling consiguió meter al espectador dentro de las
batallas.
Estos polémicos intolerantes y una huelga de obreros en Nueva York que provocó unos 20 muertos, llevó a
Griffith a realizar una película llamada Intolerancia que en un principio se iba a llamar La madre y la ley
basada en la huelga de obreros, pero al final decide tratar la intolerancia a lo largo del tiempo desde cuatro
historias:
1. Actual huelga de obreros
2. Babilonia. Lucha del rey Bellshazzar.
3. francia en el siglo XVI luchas entre católicos y hugonotes.
4. Pasión y muerte de Jesucristo.
Para concatenar estas historias se basa en versos de la mano que mece la cuna. El significado es la intolerancia
que no tiene fin, es un circulo vicioso.
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Lo más espectacular son los grandes escenarios, para lo que aprovecha la multitud de obreros en paro, que los
destina a realizar decorados en madera de unos 4 pisos, costó 2 millones de dólares. Cuando terminaron la
película, no tenían dinero para quitar el decorado y estuvo colocado hasta los años 30. Para realizar los
escenarios se basó en documentos y grabados del siglo XIX como las puertas de Ishtar.
Las escenas cuando se cortan, la siguiente escena no se retoma donde se habia dejado la anterior. Los cortes
para pasar de una historia a otra, se hacen con una escena donde aparece la madre que mece la cuna que
aumenta en dinamismo cuanto mas avanza el clima emocional. La pasion de cristo es la que menos fuerza
tiene junto a la de los hugonotes que se adapta a la historia de Catalina de Médicci que expulsó a los
hugonotes de Francia, se reproducen los salones donde se realizaban las fiestas, situándolo en un palacio belga
mediante grabados.
La película en orígen duraba 8 horas pero Griffith la redujo a 3 para comercializarla. Fué una película que no
se entendió, fue un fracaso que provocó su ruina y de la productora que había creado junto a otras personas.
Los planos cambian con una gran rapidez. Influyó mucho en directores alemanes pues vivió allí su ultima
etapa. Más tarde influirá en la propia Rusia.
Sus dos últimas grandes producciones son películas históricas: Abraham Lincoln y América.
Cine comico:
Se comienza a realizar cine cómico y crea una escuela para los futuros cineastas. Los primeros cortos de cine
cómico lo hicieron pequeñas sociedades que contaban con métodos artesanales. Los directores de cine cómico
fueron independientes y siguió siendo así a lo largo del tiempo. Es revelador que Buster Keaton al contratar
con la Metro Golden Mayer comienza su decadencia, antes estuvo en pequeñas sociedades.
El gags cómico aparece a la vez del cine, por ejemplo Les Lumiere lo utilizaron en Regador Regado. Estos
gags cómicos consistían en grabar efectos visuales basados en escenas de personajes con objetos. Mark Sennet
inventó el gagsman, un hombre que se contrata para realizar gags pero el actor podía improvisar. Pronto se
utilizarán guiones que no dejaban lugar a la improvisación.
Este cine cómico repite una serie de gags a lo largo de la historia con ligeros variantes, por tanto es uno de los
géneros que menos evoluciona. Estos gags parten de un suceso normal y a través de una serie de sucesos la
escena se vuelve disparatada.
Estos gags utilizaban planos para darle mayor realismo, mostrando al actor y su alrededor. Tiene gran rapidez
de movimiento.
El cine nace en Francia con el director Max Linder, contemporáneo de Les Lumiere, Melies, etc. Es el
primero que produce cine cómico. La época de esplendor se produce en América entre 1910−1925 es decir,
hasta que deja de ser cine mudo.
Marck Sennet
Es el primer gran director americano, comenzó su carrera como cantante de teatro, actuó como actor de
reparto en películas y después trabaja como ayudante de direccion en películas de Griffith. En 1911 fundó la
compañía keystone, que se convirtió en la productora de cine cómico. También fue descubridor de talentos
como Buster Keaton, Chaplin, Grosby, etc. A él se le deben dos de los grandes gags del cine cómico:
1− las bellezas del baño, lo descubre porque fue jurado de un concurso de belleza, partiendo de ésta crea el
gag de un pase de modelos, donde una modelo cae y el resto cae tras ella.
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2− comedias de tarta de crema, lo descubre en la celebración de un cumpleaños, donde una actriz estampó la
tarta en la cara de un actor y lo traslada al cine.
Su cine se caracteriza por la libertad de organizar las películas y escoger los actores. Destaca que todas sus
obras acaban en caos, destrucción, por ello se le ha puesto en relación con el movimiento dadaísta.
Los gags más utilizados son las carreras por los tejados, cardas, patadas en el culo, dinamita que estalla, etc.
Sus comedias comienzan a caricaturizar a personajes como los burgueses gordos y gran bigote, chicas
ingenuas con poca ropa, etc.
Algunos criticos ponen en relacion sus gags con los de la comedia del arte italiana.
Charles Chaplin
Es el gran maestro del cine cómico. Nació en Gran Bretaña pero trabajó en estados unidos. Con una infancia
pobre, de muy joven contacta con compañías teatrales ambulantes y trabaja en ellas con pequeñas
intervenciones. Despues lo contrató una compañía más importante de mimos en Inglaterra, que le permitió
viajar por todo el mundo.
Haciendo la gira, en Estados Unidos lo descubre Sennet y lo contrata como actor de corto, haciendo el papel
de estafador. Tras este corto, le contrataron para realizar 35 cortos haciendo el mismo papel.
En 1913 se va a otra compañía donde escribe, dirige y actúa en las películas. Siempre manifestó la influencia
de Semmet en él. Hace películas donde se fijan más en los personajes y en 1915 crea el personaje del
vagabundo que lleva consigo una crítica social, es el prototipo de Charlot con su ropaje característico.
A partir de 1917 comienza a introducir grandes planos generales para mostrar el movimiento de Charlot,
cuando el personaje de Charlot ya estaba consagrado y consigue mayor comicidad.
En 1917−18 crea la compañía United Artist que lo creó junto a Griffith, Mary Pickford y Semmet. Comienza
a utilizar planos detalles. Cada vez hace sus películas más lentas y con un mayor entramado argumental. Para
los gags utiliza los fundidos de imágenes donde un gordo se convierte en gallina por ejemplo.
A partir de 1920, una serie de circunstancias inciden en Chaplin pues se arruina por el divorcio de su mujer y
tuvo que vender su parte de la compañía que él creó.
En 1930 hace una película no muda que se tachó de comunista, por ello fue vetado en algunos países como
Alemania y los críticos de cine. Esto provocó que sus ideas se hicieran más de izquierda e hizo la película
Gran dictador, una parodia de Hitler que exasperó al pueblo alemán y fue censurada al igual que en Italia y
España. Se le tachó a Chaplin como persona de ideología política peligrosa y fue expulsado de Estados
Unidos.
Marchó a Inglaterra y Suiza, con Buster Keaton hizo una pelicula, De candileja, donde retoma el music hall,
dejando de lado el cine cómico. En los 50 hizo Un rey en Nueva York, donde critica al comité de Nueva York
que perseguía a las personas de ideología de izquierda. En 1966 hizo una pelicula Condesa de Hong Kong
cuyos protagonistas eran Marlon Brando y Sofia Loren. Al final de su vida dejo de hacer cine.
TEMA 3. EL PROCESO VANGUARDISTA:
La vanguardia cinematográfica se extiende aproximadamente desde 1905 a 1930. Se gestó a fines del s. XIX
en Paris, ciudad convertida en capital cultural y artística del mundo.
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Los cineastas vanguardistas experimentan con la imagen en relación con los movimientos artísticos que se
suceden desde fines del s. XIX
El cine de vanguardia trata de romper los lazos con lo comercial, era un cine experimental. Había serios
problemas para realizar películas al no haber ni productoras ni público.
Incorporan avances técnicos, como la ruptura del lenguaje cinematográfico o narrativa lógica proveniente de
la literatura, el fundido plano y el montaje alternado. Intentaron elevar la cinematografía a un status cultural y
artístico, considerándose el cine a partir de ellos como el 2º arte. Entre las vanguardias cinematográficas
destacan la impresionista, expresionista, dadaísta, futuristas o abstracción.
Vanguardia impresionista francesa:
El cine francés tras cuatro años de guerra (1ª g. m. 1914−1918) tenía anquilosado su aparato productivo,
permitiendo que el cine de América se adueñase de su mercado.
El auténtico responsable del resurgimiento del cine francés fue el escritor Louis Delluc, aún a costa de su
salud y su fortuna. Paso de estar el cine a ser su mas abnegado apóstol, desarrollando una actividad infatigable
de crítico, ensayista, guionista y realizador, que le llevó a una muerte prematura con 33 años y a su ruina.
Creó la palabra cine−club fundando el primero de la historia en 1920 y definió la fotogenia. Dirigió 7
peliculas, la mayor parte perdidas en la actualidad.
En torno a Delluc se agrupó una serie de artistas que los historiadores catalogan hoy como escuela
impresionista.
Al principio la película vanguardista se proyectaba como cortometraje previo a un largometraje.
Posteriormente, las productoras se dieron cuenta que el público interesado era mínimo, por lo que se fue
proyectando en pequeñas salas que dieron lugar a los cine−clubs.
Las películas abstractas no tienen relación con el mundo real, sólo colores y formas. Los cineastas
experimentan con la imagen en relación a los movimientos artísticos. El cine de vanguardia trata de romper
los lazos con el cine comercial, era un cine experimental. Había serios problemas para realizar estas películas,
al no haber ni productoras ni público.
Abel Gauce fue el primero que se dedicó al cine experimental.
El surrealismo de Luis Buñuel:
Desde pequeño quiere estudiar BBAA pero su familia se lo impide. Estudia en los maristas de Madrid donde
conoce a Lorca, Dali, de la Serna, Pepín Bello, y Benjamín Peret. Son intelectuales con idénticas inquietudes
contra la sociedad que le rodea. Conocedor de lo que se gestaba en Paris, Buñuel decide ir alli con la intención
de conocer estos movimientos y allí empieza a relacionarse con el mundo de la cinematografía, es decir, el
círculo de Bretón. Conoce a Manuel de Falla en París que preparaba la puesta en escena de una de sus obras
que estrena en Amsterdam en 1926 y Buñuel hace la puesta en escena. En Ámsterdam conoce a mucha gente
de este mundo. Regresa a París donde se matricula en la escuela de cine de Jean Epstein.
Buñuel y Dali deciden hacer juntos el guión de una pelicula. Se va con Dalí a Figueres donde hacen un
pre−guión basado en sueños un guión irracional. El sueño que Buñuel solía tener y le obsesionaba era la
apariencia de una luna cortada por finas nubes y el sueño de Dalí eran hormigas que surgían de una mano.
Comienzan a escribir sin argumentos, lo que iba surgiendo de forma aleatoria. El caso de la luna cortada por
un hilo de nubes también tiene relación con un cuadro de Dalí. A ambos gustaba el cuadro Tránsito de la
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virgen de Mantegna donde también aparece la luna. El primer problema para realizar la pelicula es el
económico pues nadie les ayudaba. Al principio les dan dinero sus padres pero lo gastan y tiene que pedir
ayuda a los vizcondes de Nora. Al principio piensan en titularla Es peligroso asomarse al interior pero al final
se decantan por El perro andaluz, con lo que Lorca se da por aludido aunque Buñuel y Dalí siempre lo
negaran.
Buscó como actor a Piet Baguet, al que conoció en la escuela de cine, era en aquel momento el galán por
excelencia del cine francés. La actriz es Simone Marei, tambien muy famosa.
Buñuel se fue a USA donde estuvo viviendo tiempo en Hollywood y posteriormente se instaló en México.
Nunca quiso volver a España. Su produccion cinematográfica es muy irregular y siempre está presente el
surrealismo.
El cine expresionista alemán: Del gabineta del dr. Caligary a Fritz Lang.
Tuvo un inicio pobre hasta que en 1917, la banca se une para inaugurar una gran productora alemana. Había
pocos directores y era muy artesanal. Ellos importaban películas, la excepción era Ernst Lubitah. Crece la
UFA (productora) comenzando a tener un gran prestigio, colocandose en la 3ª industria alemana. Tras la
guerra, grandes personajes se dedicaron a la cinematografia.
Lubitah fue actor teatral de joven que le permitió conocer al gran escenógrafo del teatro alemán llamado
Reinhard. Aprende con él y se interesa por el cine. en 1915 se dedica a dirigir comedias con argumentos
simples y una escenografía cuidada e intimista. Más tarde, se dedica a hacer en cine títulos de operas y
grandes obras teatrales de personajes históricos como Carmen, Ana Bolena o Madame Bovary de
escenografía espectacular. Esto anuncia la trayectoria del cine alemán, alejada de la que se estaba haciendo en
otros lugares. Tras el ascenso nazi, Lubitah viaja a USA, coincidiendo con los años dorados de Hollywood.
Allí se convierte en un gran escenógrafo. La UFA estaba interesada en conectar con los intelectuales
expresionistas. La primera pelicula que se realizó fue El estudiante de Praga de Paul Wegemer en 1914 y
trata la historia de un estudiante que por amor vende su alma al diablo, inspirado en el mito de Narciso.
Wegemer hizo en 1916 El Golem basada en una leyenda judía de gran difusión en Alemania. Cuenta que un
escultor hace una escultura al que un rabino judío le dio la vida.
En 1918 Hans Janovite y Carl Mayer, dos poetas escriben El gabinete del doctor Caligary. A los pocos dias
de iniciarse el guión hubo crimenes muy sonados que conmocionaran a la opinión pública alemana. Trata los
crímenes de un medium, bajo las órdenes del doctor caligary que lo hipnotizaba. Es una crítica social y
politica, ya que consideraban que el estado alemán era capaz de manejar a las masas y hacerla cometer
cualquier barbarie.
Fritz Lang tenia los derechos del guión y la UFA se lo ofrece a Robert Wiene. Éste le añade dos escenas al
guión, consiste en que un loco del gabinete soñaba los crimenes, lo que quitaba sentido. Desde el punto de
vista plástico, la escenografía se debe a tres pintores como Herman Warm, Walter Reihman y Walter Rhoug,
hay un desquiciamiento escenográfico, distorsiones arquitectónicas que hacia difícil el movimiento de los
actores, restricción de luz que aprovecha el director para dar drama a la escena y es la primera vez que se
hace. También la banda de expresiones para producir dramatismo. A nivel cientifico tambien interesó al tratar
un tema psiquiátrico.
A partir de Caligary, la temática va a cambiar completamente, muy acorde con la estética expresionista,
apareceran vampiros, mostruos, asesinos, etc. Es muy del gusto del público en una Alemania destrozada por la
guerra. La decoración mas compleja en cartón piedra, de gran tridimensionalidad.
Fritz Lang va a ser el maestro del expresionismo y es hijo de un famoso arquitecto de Berlín. Estudio
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arquitectura y bellas artes, siendo un gran dibujante. Se dedicó a viajar por todo el mundo durante tres años y
se dedica a filmar lo que le parece más espectacular o exótico. Cuando vuelve a Alemania en 1918, debuta en
el cine dirigiendo documentales de sus viajes, teniendo gran éxito.
En 1921 dirige su primera película La muerte cansada, una historia de amor en lucha con la muerte. Ella
muere pero la muerte le permite vivir su amor en tres lugares diferentes coomo son La China de Ming,
Venecia renacentista y Bagdad a.c.
Grandes arquitecturas escenográficas en cartón piedra. Esto produce una gran conmoción cinematográfica que
influirá posteriormente en directores como Buñuel o Hitchcock. Es un expresionismo arquitectónico frente al
pictórico Caligary.
En 1923 rodó Los nibelungos, una exaltación de la raza aria. También rescata Shakespeare.
En 1929 hace Metrópolis, el relato de su mujer, Thea von Harbour. Es la historia de una ciudad del s. XXI,
con una raza de capitalistas y los proletarios en un submundo de fábricas. Se produce una historia de amor
entre una obrera y el hijo de un capitalista. Usa decorados arquitectónicos futuristas que inspira las peliculas
2001 o Batman. Por primera vez aparece un robot. Es una película muy innovadora al utilizar interiores
conectados con la estética modernista y art decó.
Lang huye de Alemania a París y después a USA. Allí influye en el cine negro americano en su estética y
encuadres. Influye en los decorados, en la subjetividad de los directores hacia el cine de autor.
El desarrollo del cine sovietico: Majailovich Einsestein.
A Rusia llega el cinematógrafo el 1896, ya que los Lumiere viajaban rodando los acontecimientos europeos.
Van a grabar la coronación de zar Nicolas II.
Al año siguiente se presenta en sociedad, conectando con el público e iniciándose el interés por el cine hasta
crearse una industria cinematográfica, aunque el régimen zarista lo veía con desconfianza.
Ya en 1908 había tal cantidad de cines que las autoridades hicieron leyes por lo que debía existir una distancia
mínima entre cines.
Se importaron gran cantidad de películas francesas fundamentalmente de Pathé. La películas rusas eran muy
decadentes y conservadoras. Les interesó mucho el cine erótico francés. En los años 10, la producción rusa ya
compite con la importación. Se refuerzan por crear un cine nuevo, alejado del decadentismo social,
conectándose con artistas constructivistas rusos.
Tras la revolución bolchevique tomó un nuevo rumbo. Lenin lo ve como un elemento de manipulación de las
masas pues el 75% de la población rusa era analfabeta. Así el cine y la radio les daba cultura y propaganda
comunista.
Dos años más tarde, en 1919 se nacionaliza la industria cinematográfica, perteneciente al ministerio de
educación, creandose una escuela de cine en Moscú dirigida por el director de cine Wladimir Gardin. Aquí se
formaban técnicos y artistas para crear cine vanguardista y propagandista. Algunos directores zaristas se
quedaron y otros emigraron a Francia. La transición fue lenta pero con interés por la nueva vanguardia.
El primer gran maestro cinematográfico fue Kulechov, director que ya había realizado alguna película bajo el
regimen zarista, exponente de un cine vanguardista y de cambio acorde con las nuevas ideas bolcheviques.
Creó un laboratorio experimental del que saldrían los mejores directores rusos. Creó el film sin película, foto
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fija en que los actores tenían que actuar frente a un objeto o persona. Intenta que el actor no gesticule tanto y
se muestre más natural. Así utilizaba un telón con boquetes sin que el actor supiera donde estaba la cámara,
actuando para una persona u objeto, transmitiendo su estado de ánimo con los mínimos gestos posibles.
También fabricó el actor o actriz ideal, lo que hacía es el montaje de recortar trozos de cuerpos que despues
ensamblaban. Es decir, manipulación del contenido de la película mediante el montaje.
También creó la VEKS. Fábrica del actor experimental con recursos del mundo del circo y del music hall.
Experimenta que cada uno se especialice en gestos concretos para la comedia, la tragedia, el miedo, etc. Esto
ya lo hacia en USA Stanislasky. Quizás el director de mayor importancia fue Sergei Einsenstein que es
importante en la teoría, realización y sobre todo en el montaje.
Comienza haciendo dibujos para carteles y escenografía de obras teatrales. Vió como se desarrollaba el
método Stanislavsky y conoce a Diaghilev. Entiende y le interesa un teatro más experimental y la imagen.
Ingresó en la escuela de Kulechov y rueda películas. Estudia todos los artistas de la comedia del arte italiano y
los números de circo y cabaret.
En su aprendizaje asimila la improvisación y la manipulación del ritmo de una película a través del montaje.
En su película El mexicano hace que se instale un verdadero ring de boxeo para darle mayor veracidad y no
utiliza el cartón piedra. También en Mascara de gas rueda en una auténtica fábrica de Moscú.
También filma documentales sobre la guerra rusa. en 1923 publica un articulo sobre el montaje de atracciones
donde especifica sus experiencias de modificación en el montaje que tuvo gran repercusión. A partir de 1924
realiza películas históricas como Las huelgas que toma escenas de un matadero, fue premiada en Moscú y fue
un éxito en París.
En 1925 hace El acorazado Potemkim, un proyecto ambicioso de 8 películas sobre los acontecimientos
revolucionarios de 1905 contra los zares rusos. Pero este ambicioso proyecto lo cambió por una sola película
que trata la sublevación de los marineros del Acorazado Potemkim.
Comenzó a rodarse en Leningrado sin una idea muy clara o guión previo. Después sigue el rodaje en Odesa y
al contactar con personas que vivieron el acontecimiento hace el guión que lo divide en una tragedia de cinco
actos.
Aparece por primera vez un colectivo como protagonista como son los marineros. Es sobria en la parte
técnica, con poco movimiento de cámara aunque los pocos son obras maestras. Son 2 travellings, uno de las
escalinatas del palacio de verano de Odesa y otro un contrapicado de la población de Odesa en el malecón,
esto lo copia Bryan de Palma en los Intocables de Elliot Ness.
El movimiento y la acción es creada en el montaje. Tiene un ritmo in crescendo. Relación con el
constructivismo en los primeros planos, con afán por mostrar elementos del mundo industrial como cañones,
grúas, etc.
Hacia el año 28 o 30 va a Francia perteneciendo al grupo Albatros y despues en Estados Unidos en
Hollywood.
Cuando llega a USA comienza el cine sonoro, acogiendo todas sus enseñanzas sobre actuación de los actores.
Dejará huella en Pit, Murnau, Capra, Ford, etc.
La vanguardia intenta romper con el cine comercial, nuevo en temática, técnica, actuación y montaje.
De la aparicion del cine sonoro a 1960
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TEMA 4. EL CINE AMERICANO:
1918−1945 (Entre la 1ª y la 2ª guerra mundial)
Tras la primera guerra mundial la industria cinematográfica se convierte en la 3ª industria del país. El cine
mudo ha alcanzado su esplendor en 1918 y se van estableciendo los distintos géneros cinematográficos.
Las cinco grandes productoras con sus estudios en Hollywood, a partir de los años 30 aparecen los stars
sistem (actores de éxito).
Sobre los años 20 la Warner brothers tuvo una crisis economica que le impulsa a experimentar con nuevas
tecnologias y pensó en experimentar con el cine sonoro. Esto no era una novedad ya que en el año 10 un
ingeniero inventó una válvula para proyectar el sonido en las grandes salas de cine. Esto era un riesgo por el
auge que tenía el cine mudo hasta entonces.
La Warner incorpora esta técnica y hace dos pelis dirigidas por Alan Crosland: Don Juan, adaptación de la
ópera de Mozart, y Orgullo de raza donde por primera vez se recogen ruidos ambientales (la calle, un tren,
etc)
En 1926 aparece la primera película sonora: El cantor de jazz, con 7 canciones cantadas, aunque era rotulada.
Protagonizada por Al Johnson que en un momento del film se dirigía al público y decía: "esperen un momento
que ahora van a oir de verdad la canción" y el público escuchó, provocando en ellos un efecto psicológico y
dió grandes posibilidades. Fue un gran éxito de taquilla, le seguirán otras productoras. Se dobló el numero de
espectadores y esto supuso muchos cambios técnicos y de los actores: al principio condiciona mucho el
movimiento de la cámara y otros cambios:
− la cámara tenía que volver a estar quieta para poder recoger los diálogos entre los actores, la mayor parte
musicales.
− se tenía que adecuar el ritmo de las escenas a los diálogos.
− los micrófonos eran muy rudimentarios por lo que se montaba una gran parafernalia.
− el coste económico fue enorme porque obliga a cambiar el ancho de banda y los aparatos se volvían
inservibles.
− hubo que cambiar toda la maquinaria de rodaje y los estudios.
La gente deja de interesarse por el cine mudo. Comprendieron que era el cine del futuro y se encarrilan por el
cine musical, que se adaptaba mejor, eran muchas canciones y pocos diálogos.
Esta avalancha musical hizo que algunos directores se mostraran en contra, como Chaplin, que no hizo cine
sonoro hasta los 30. También se mostró en contra Renee Clair y todos los vanguardistas como Einsestein,
pues anulaba la capacidad de interpretación y expresión y que la imagen quedaba condicionada por los
diálogos.
El público acude en masa. la cámara empezó a tener mayor soltura. A Hollywood llega un director de orígen
caucasiano llamado Rouben Mamoulian, que explotó todas las posibilidades del nuevo cine sonoro, que es
capaz de disasociar la cámara del micrófono.
En 1929 realiza Aplauso, con un lenguaje cinematográfico acorde al cine sonoro.
21
La culminación del cine sonoro en esta época llega con tres peliculas: Aleluya, de King Vidor, interpretada
por actores negros, con cantos espirituales mostrando el alma que ponen. Otras son Bajo los techos de Paris
de Renee Clair, que narra la historia de un vagabundo que se gana la vida cantando por Montmartre y El
ángel azul, del alemán Joseph Von Stemberg, que cuenta la historia de un profesor de universidad alemán que
se enamora de una mujer fatal de cabaret interpretado por Marlene Dietrich. Perfectamente estructurado los
números de cabaret con la parte de diálogos. Película muy madurada.
La controversia sobre el cine sonoro se mantiene con voces de protesta. En los años 30−32 la tecnología se
mejora creando micrófonos discreccionales y direccionales. Tambien se incorporan 4 canales: 1º para recoger
las voces del primer plano, 2º para el fondo, 3º para los ruidos ambientales y 4º para la banda sonora. La
tecnología se mejora. Aparecen los micrófonos jirafas.
Tambien influye en la estética. Mayor continuidad narrativa porque desaparecen los rótulos, se suprimen
planos y estos se alargan para adecuarse a los diálogos.
Aparece la voz en off, que permite ahorrar número de planos. Se usan silencios.
se comienzan a desarrollar otros géneros, amor, gansters, dejan de tener importancia el género cómico, se
apartan los gags cómicos y pasan a diálogos más hilarantes.
En el cine de los años 30 es importante el factor económico. Se hace el llamado cine de evasión para que la
gente se entretuviese.
Se pierden los valores y se despierta a la realidad amarga, y se pone de moda la literatura social y la
comienzan a plasmar tal y como era en esos momentos.
Los productores de Hollywood hacen una especie de crítica a la sociedad del pais, empiezan a salir a la luz
escándalos como divorcios, alcoholemia, adicciones de actores, etc: la vida privada del cine.
Películas importantes: Soy un fugitivo (denuncia deficiencia penitenciaria) Tiempos modernos (desempleo de
la sociedad) Legión negra (ku klus klan) 1937
Pocas comedias, por ejemplo urbanas, como Frank Capra, pero haciendo crítica.
Se lleva a cabo un código moral para los guiones por unión de todos los productores. Este código se los
pidieron a un realizador llamado Will Hays, era abogado con buenas relaciones con el gobierno de
Washington. En 1926 le piden una lista de hombres del mundo cinematográfico problemáticos.
La sociedad americana se volvió mas conservadora tras el 29 y este código fue muy problemático, una
autocensura de escenas de sexo, sólo amor conyugal. El vicioso tenía que morir. Ese código Hays influyó en
la propia vida cotidiana americana (por ejemplo, camas separadas para matrimonios) No todas las productoras
estaban de acuerdo con él, incluso directores y guionistas se hacen independientes, Aquí la mujer toma un
papel relevante con opinión propia, incorporada al trabajo con criterio, en los años 32. Dan libertad a
relaciones interraciales, a adulterios, etc.
También son los años de máximo poder de la mafia, comercio y contrabando de alcohol, drogas y
prostitución.
En el 32 se hizo la liga de la decencia y promulgó el código Hays. El puritanismo fue excesivo y repercutió en
todos los ámbitos de las películas y por consiguiente en la vida real.
Se prohibe el desnudo, las posturas exuberantes, etc.
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En los 30 también llegan películas europeas sin censura, lo que hizo que las productoras fueran cambiando
poco a poco.
Las cinco grandes productoras son la Warner Brothers, Paramount pictures, Metro Golden Mayers, RKO, y
Twenty Century fox. Otras tres productoras mas pequeñas son la Universal, Columbia y United Artists. Todas
tenían que sacar un largometraje a la semana, una producción ilimitada, con los actores grandes unidos a los
grandes productores. Todas cuidan la escenografía y los decorados, cada una con unas características distintas
o género concreto. La preferencia es el melodrama y los musicales.
Aparecen los nombres de John Ford, Howard Hawks, W. Wyler, y Frank Capra, cada uno se especializa en un
género y se asocian a una productora. Había otros muchos directores.
Crisis del crack del 29
Se incrementa el número de películas para evadirse de los problemas económicos y perdida de valores, con
crítica a la política y a las injusticias sociales como el paro y la pobreza que se va a poner de moda hasta la
década de los 40.
Aparte de esta temática, se van a desarrollar géneros muy definidos. El género de la comedia se desarrolla
mucho, alejándose de los ambientes elegantes y adinerados, se acerca a una comedia con crítica social.
El mayor exponente de la comedia será el director Frank Capra. Encabeza la comedia de optimismo crítico,
donde revela que el sistema democrático americano permitía a un individuo pobre o status medio poder
auparse a los escalones altos de la sociedad. Es una crítica con aspectos positivos. Pretendía demostrar en sus
personajes que sólo era infeliz quien quería pues había mecanismos sociales que permitían la felicidad.
Desde el punto de vista del género iba a ser un éxito rotundo, con un tipo de comedia urbana alejada del
musical. Si no estaba inmerso en la filosofía del código Hays y conectaba con la idea de Capra de que la
sociedad americana era la mejor. Esto hizo que muchas escenas de películas se cortaran y fueran censuradas
como pantalones de mujeres, sexo o relaciones amorosas entre blancos y negros. Esto marcó mucho durante
los años 30−35, pero también hubo directores independientes y las costumbres conservadoras se fueron
relajando.
El nuevo papel de la mujer en la sociedad americana se va a reflejar en el cine.
Ya no será ese ser ideal morboso que buscaba al protagonista para casarse, ahora aparecerá trabajadora,
compañera. También van a surgir mujeres sex−symbols, mujeres llenas de curvas y melenas rubias como Jean
Harlow que muestra las dos vertientes de nueva aparicion de la mujer. Además va a triunfar el mito de la
mujer fatal.
La comedia musical también prosigue con éxito, pero no tanto como su irrupción tras el cine mudo, hasta
1945. Ya no se trata de películas musitadas, sino que se alternan un argumento complejo de gran extensión de
diálogos con números musicales. Se cuida mucho la escenografía.
Se evidenció que el público quería ir al cine a divertirse para huir de su vida cotidiana. Aparecen dos figuras
como Fred Asteir y Ginger Rogers que ponen de moda el baile de claqué, copiándose sus bailes en los salones
de fiestas.
Las películas de gánsters se van a desarrollar mucho en los años 30, época de la ley seca, con bandas mafiosas
que controlaban la droga, el alcohol y la prostitución. Esto hace que las productoras se interesen más por este
tema. Son epopeyas devastadoras con un fin moralizante en que siempre ganaba la autoridad. Muchos son los
documentales basados en las biografías de los grandes capos de la mafia americana. El ejemplo más
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significativo fue la película de Howard Hawks de 1931 Scarface que trata la vida del capo Alfonso Capone.
Ademas se exportarán muy bien a Europa.
Otro género son las películas fantásticas o de terror influenciadas por las películas expresionistas alemanas.
Directores como Fritz Lang o Murnau viajan a América explicando su temática, maquillaje,etc. Aparecen las
primeras versiones de vampiros como Drácula o Frankestein. Los decorados iban a estar copiados de Doctor
Caligary, Nosferatu o Metrópolis tambien de ellos deriva el desarrollo del maquillaje. Además surge King
Kong, La momia, etc.
Las películas de aventuras se desarrollan en tres direcciones pero con mucho éxito en el público.
1− películas exóticas, de aventura en África, el lejano oriente, con circunstancias de los personajes donde el
argumento no era tan importante como la muestra de la naturaleza, un ejemplo es Tarzan.
2− el cine de epopeya colonialista donde se contaban las grandes gestas del pueblo americano u otros pueblos
como las películas de indios, conquista de América, etc, también películas en el mar o en el aire,, corsarios en
islas desiertas, gestas de aviación en guerras, etc.
3− películas romanticas o de amor tenian un gran éxito que siempre terminaban bien. También tenian una
función moralizante. Aquí aparece el nuevo papel de la mujer como compañera independiente con elección,
opinión propia. Las sex−symbols siempre tenían el papel de malas o les pasaba algo.
Aparecerá el cine histórico o adaptación de obras teatrales o literarias. Se puso de moda las obras de
Shakespeare y novelas de éxito del s. XIX. Son difíciles de adaptar al lenguaje cinematógrafico.
En los años 30 aparecen grandes nombres de directores y estrellas. La películas de 1930 de King Vidor
Aleluya marca el inicio de la mayoria de edad del cine sonoro.
El director mas importante de esta época es Charles Chaplin que provenia del cine mudo. Una de las primeras
películas es Luces de ciudad, de 1931, parodia del cine hablado, con un discurso de palabras sin sentido que
adivina su entendimiento y gestos. Hace películas con crítica social a veces satánica o amarga, ya que del
régimen nazi o del capitalismo americano. Poco a poco se va apartando del género cómico.
John Ford (1894−1973) de orígen irlandés, comienza en el cine mudo, ya interesándose por el western. En los
años 30 crea su equipo técnico especializandose en cowboys. Hasta entonces estas películas se basaban en la
acción pero a Ford le interesan los estudios psicoanalíticos de los personajes, tomando estas películas otro
camino aunque también tenía acción. La puesta en escena se cuida mucho en interiores y exteriores, con
grandes cámaras para perspectivas y cuidando mucho el vestuario y mobiliario de la época. Hizo muchas
películas como Delator, La patrulla perdida o La diligencia. Utiliza personas de distintos sustratos sociales
asaltados por los indios. Después de él, se va a desarrollar mucho como con John Houston.
La diligencia de John Ford marcó un antes y un después en las películas de cowboys. Al ralentizar las
acciones, disminuye la acción de las luchas por detenerse en el carácter psicológico de los personajes. Tiene
una acción in crescendo. Ya habían llegado a USA los directores europeos como Lang o Lubick, que le dieron
un valor nuevo a los géneros americanos. Se retoma el cine expresionista alemán al detenerse en los
personajes psicológicamente y en las sombras.
Hace una crítica de la sociedad puritana y conservadora americana. Los personajes rechazados son los más
ricos desde el punto de vista humano, con conductas ejemplares en situaciones límites.
John Wayne se convierte en el prototipo de cowboy. Venga a sus padres y el sheriff le deja escapar, por lo que
el director juega con una doble moral.
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Anteriormente, estas películas se rodaban siempre en exteriores, sin embargo, en ésta se rueda casi todo el
tiempo en el interior de la diligencia. También instaura un prototipo de paisaje del oeste consistente en un
paisaje desértico con grandes rocas.
Estas escenas marcaron un hito en las películas del oeste. La trama argumental va a ir complicándose, ya no
solo es acción. Esta traduccion la retoma John Houston que tambien utilizara continuamente el primer plano
para mostrar los sentimientos de los personajes.
William Wyler (1902−1981) de orígen europeo, en concreto de la Alsacia francesa. Llega a Hollywood en
1931 y comienza con el western, pero inmediatamente al ser muy culto y lector de obras del s. XIX comienza
a adaptarlas, siendo el gran maestro de la adaptación. Con él comienza el debate sobre el cine de literatura,
cambiando la técnica al necesitar un buen guionista y un buen director para adaptar los largos diálogos y los
distintos planos. Se centra en los diálogos y los caracteres de los personajes. Utiliza la voz en off para ahorrar
diálogos como en Cumbres borrascosas, Gezabel, La loba, etc. Todo unido a una buena escenografía,
decorado, vestuario y maquillaje.
Cumbres borrascosas de William Wyler, quien hizo adaptaciones de novelas y teatro. Su problema era la
adaptacion de los diálogos al lenguaje del cine. Normalmente los directores acuden a la voz en off que narra lo
que va a ocurrir o una mujer que explica una historia.
Estas películas eran muy largas y llegando a dividirse en dos partes, pero esto cansaba al espectador. Hace una
buena conexión la narracion de la criada y los diálogos de los protagonistas. Muestra muy bien los caracteres
de los personajes aunque el papel de Isabella queda mas desdibujado que en la novela.
El código Hays estaba en su máxima virulencia en ambas películas. No podían romperse los matrimonios. El
tiempo novelístico conseguido a través del oscurecimiento de la pantalla cuando se cambia la secuencia. Los
decorados y vestidos están muy cuidados influenciado por el director europeo Lubith.
Frank Capra se dedica a la comedia urbana con atisbos de crítica social. Destaca el gobierno y sociedad
americana, fáciles de argumento. Trata las dificultades de los emigrantes en su adaptación a la sociedad
americana. Fue el creador de la figura de sex simbols con la rubia platino Jean Harlow, de gran repercusión.
Howard Hawks, prosigue en la comedia urbana pero con una crítica mas agresiva, con tramas simples.
También se decanta por películas de gánsters como Scarface.
Orson Welles es director de cine, actor y director de teatro. Es de orígen británico, comenzando como actor
teatral, adaptando obras de Shakespeare de quien era asiduo lector. Intelectualmente inquieto y también se
dedicó al mundo radiofónico. En 1938, en su programa nocturno de radio entrevistaba a personajes marginales
o recogía noticias marginales interesantes, y en ocasiones inventaba guiones. Realizó la guerra de los mundos
por la radio donde narraba el desembarco, de forma que la población oyente salió despavorida creyendo lo
narrado. Al día siguiente ya era famoso en todo el mundo.
Las productoras le ofrecen su colaboración. Ficha por RKO con un contrato como guionista, director y actor,
llevandose el 25% del beneficio bruto de las películas y un sueldo anual sin precedentes.
En 1929 se traslada a Hollywood donde adapta una novela de Joseph Conrad, El corazon de las tinieblas.
Despues idea Ciudadano Kane que trata la vida de William Randolph.
TEMA 5: CINE EUROPEO
Francia
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A partir de los lumiere se desarrolla la cinematografía y sus productoras llegan a competir con estados unidos.
Hasta no acabar las vanguardias no apareceran nuevas caras. Así entró en crisis con la llegada del cine sonoro.
Poco a poco irán apareciendo nuevas productoras. La primera personalidad importante sera Jean Vigo
(1905−1934) quien realiza una serie de películas de espalda a la industria, a lo comercial, con poquísimos
medios. Por tanto, es el típico director independiente, se aparta del cine sonoro francés. Es un cine mas
experimental de vanguardia, con un tono mas intimista y fuerte, con gran sentido poético que conecta con el
poeta Rimbaud y tambien se relaciono con con Breton. Se consolida como primer director frances que tiene
interes por la pelicula documentalista que muestra la vida real, ademas trata los problemas derivados de la
infancia como en Cero en conducta.
Será punto de partida del desarrollo posterior del cine francés, un cine realista alejado de novelas y épica.
Contrata a actores noveles.
Este cine naturalista será seguido por Rene Clair quien hizo Bajo los techos de Paris y es la primera película
que aparece ya como una obra de arte. Además, se interesa por los exteriores a diferencia de Vigo y
alejándose del intimismo. Retoma la realidad, lo cotidiano con una crítica social añadida.
Jean Renoir será la gran figura del cine francés. Hijo del conocido pintor Renoir, por tanto, crece en un
ambiente culto, aunque a atraído por el dibujo se inclina por la cinematografía. Se inicia en el cine mudo
donde aprende a estructurar las películas. Es el primero en usar películas de mayor sensibilidad para conseguir
mayor nitidez.
En 1931 realiza la primera película sonora titulada La golfa. Trata sobre un empleado de banco, con una vida
gris, conoce a una prostituta, por la cual abandona su trabajo y cae en los bajos fondos parisinos. Esta temática
se había tocado anteriormente en El ángel azul, pero ésta es mas detallista y con una mayor crítica.
Renoir recoge la temática de sus películas en los hechos que aparecen en los periódicos. Rodó Tony como si
fuese un documental sobre un crimen pasional. Se puede considerar una película neorrealista aunque este
término solo se usará para algunos directores de postguerra en Italia. Renoir lanza un tema que remite al
género policíaco pero él la convierte en una crónica documental del hecho real con una crítica social. Fue
rodada en 1934, este realismo se radicaliza en 1936 cuando se une al frente popular con la guerra civil
española. Su ideología izquierdista hace que su cine se dirija al realismo político, en vez de social.
Sus películas estan embutidas en una atmósfera poética que lo diferenciara del neorrealismo italiano, que será
más crudo. Por ello, algunos lo llamaron naturalismo poético francés a realismo negro. Un cine muy detallista,
generalmente rodada en interiores por la falta de medios.
Italia: neorrealismo.
Tras la primera guerra mundial, hubo unos estudios cinematográficos italianos llamado la Cinecitta de Roma,
realizado por directores italianos y patrocinado por el estado, Así se convirtió en uno de los cines mas
importantes de Europa que podía competir con Estados Unidos. Pero cuando Mussolini llega al poder cambia
la dirección de los estudios y coloca la propaganda de sus ideas y su politica.
Algunos directores mostraron su inconformidad con esta situación y crearon estudios independientes,
quejándose del control estatal.
Lucchino Visconti es milanés de familia refinada. Estudió humanidades pero pronto encuentra su vocación en
la cinematografia. Marcha a Francia como ayudante del director francés Jean Renoir, aprendiendo su afición
por la realidad tangible en la que se vive, historias normales del día a día. Cuando vuelve a Italia hace la
primera película neorrealista llamada Obsesiones que es una adaptación de la novela de James Cair El cartero
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siempre llama dos veces. Se aparta del cine que se estaba haciendo en Italia, conectando con la sociedad
italiana, pero Mussolini la censuró, convirtiéndose en mito que otros directores tomarían como modelo,
mostrando la realidad cotidiana.
En medio de un ambiente natural cuenta una historia que podía sucederla a cualquier persona. También quiere
apartarse de la cinematografía compleja y retórica de exaltación del régimen. Tenía una fundamentacion en la
literatura realista de Cosan Pavese, cuyas novelas se relacionaron con la vida cotidiana. Visconti cala en otros
directores y en los intelectuales de la época.
Rosellini, fue otro director de la Cinecitta que conoció a Visconti. Comenzó haciendo comedias de éxito pero
a raíz del ascenso del fascismo y el ambiente opresivo europeo comienza a realizar películas más políticas que
de ambiente social como La nave blanca o Un piloto regresa. Son historias reales con vertiente
documentalista, casi todo ambiente de guerra.
En 1945 filma Roma, ciudad abierta para lo que escoge a actores del mundo cinematográfico y del teatro
aunque siempre escoge a un actor protagonista famoso y consagrado. Inventó un lenguaje nuevo, muy
coloquial alejado de la retórica del cine oficial.
Esta película trata la resistencia italiana a la ocupación alemana y capta grupos de resistencia como una mujer,
un cura y un militante comunista que morirán en directo y de forma cruda. No tenía un guión previo, en
ambientes naturales y sin decoración de interiores, sin maquillaje y con vestimenta en la que puedan
identificarse los espectadores.
No contaba con dinero oficial y para realizarla tuvo que hipotecar su casa y vender algunos muebles. Sus
películas en esta época iniciaron un nuevo tipo de cine en Italia de espontaneidad en los diálogos, ritmo
vertiginoso y escenas crudas y estremecedoras. Sus historias inventadas las trata como documental, haciendo
que el espectador las tome como verdaderas. Muestra la oposición al régimen fascista.
Tuvo un antecedente en Francia con el cine naturalista o realista y el cine documentalista inglés. Esto fue
conocido en Italia. Se mostraba el rostro humano tal cual era. Muestra el problema del individuo en relación
con la colectividad, para darle mayor veracidad se apoyaba en el tipo documental y en actores con pocos
aditamentos estéticos.
Dentro del realismo hubo dos corrientes paralelas.
1− la idea cristiana que muestra el cine como un testimonio de la realidad cotidiana. Rosselini, Vitorio de Sica
y Sabatini tenían una revista "Cinema italiana" que mostraba sus ideas.
2− otra corriente era la neorrealista marxista que era más crítica, más cruda creando una nueva crítica social,
una denuncia social. Viscontti y Giussepe de Santi pertenecen a esta segunda corriente, crean otra revista "
Cinema Nuovo"
A pesar de ello cada uno tiene diferencias. Rosselini muestra una realidad ante la que se siente indignado.
Visconti es más intelectual y con un contenido político. Sica muestra la realidad con una visión más
comprensiva, con atisbo de ternura. También Marian, mujer de Felini.
Cuando llega la democracia cristiana en 1948, no interesa mostrar un pais destrozado, patrocinando un cine
que muestra una realidad más amable para atraer el turismo.
Rosselini emigra a Estados Unidos, retomando también la comedia. Visconti se encamina a un cine más
estético. Sica opta por la comedia desdenfadada.
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Aparecen nuevas productoras de cine que se dedican a la comedia donde se explota a la mujer latina como la
actriz Gina Lollobrigida y Sofia Loren y jóvenes actores como Marcelo Mastroiani.
Inglaterra:
Comienzan en 1900 con una industria de comienzo glorioso en la escuela de Brightown, con películas
documentales de países exóticos de Asia y Africa. Aquí el largometraje llega antes, de tipo documental.
Tras la 1ª G. M. comienza una invasión de películas americanas, por lo que el gobierno promulga unas leyes
proteccionales el cinematograph film act. que patrocinaba a las productoras, exigiendo un mínimo de 50
peliculas al año y los distribuidores tenían que exhibir un 5% de películas inglesas. Esta ley la renueva en
1936 con un 30% para las distribuidoras. Esto provoca que la industria sufra un brusco ascenso, haciendo que
directores de otros países acudan a Inglaterra como Alexander Korda, San Wood, etc.
Korda, de orígen húngaro, es mandado por la Paramount a Inglaterra para hacer una productora llamada
London Film para beneficiarse de las leyes. En América se había distinguido por películas de grandes
biografías históricas. Hace La vida secreta de Enrique VIII con Charles Laghton como actor principal y
Marle Obreram. El actor inglés, provenía del teatro, acostumbrado a interpretar a Shakespeare, con una
manera distinta de actuar, muy comedido.
Tuvo mucho éxito en Inglaterra. Korda marcha a países exóticos para realizar películas documentalistas, de
gran éxito comercial. Deja la dirección por la producción.
Sam Wood rodó Adios Mr. Chips de gran éxito. Surge la figura de Alfred Hitchcock que es de orígen inglés y
familia adinerada. Comienza en el cine mudo, educado por los jesuitas que le marcarán, a los que según él le
debia la ironía, lo refinado y sibilino. Su nombre comienza a sonar tras la película muda El vengador, de 1926
con diálogos entremezclados. En 1927 hizo La muchacha de Londres donde muestra sus dotes policíacas,
trata sobre una mujer que es novia de un detective que comete un asesinato.
Utiliza todo tipo de trucajes en la cinematografía como travelling, fundido de planos, voz en off etc. Era muy
perfeccionista, con todos los detalles pensados antes de rodar. Esto le lleva a conflictos con los actores, por no
dejarles libertad. Por ello casi siempre utiliza los mismos interpretes como son Ingrid Bergman, Cary Grant,
James Steward...
Casado con una mujer a la que despreciaba pero fantástica guionista y ayudante de dirección que en todas las
películas inglesas le ayuda.
Huye de ambientes insólitos, situando los actores en ambientes cotidianos en situaciones límites con lo que el
espectador se siente identificado. Se sirve de la ironía para conseguir el suspense. Lo más relevante es
mantener un elemento oculto. Muy efectista y brillante en los movimientos de la cámara.
En Inglaterra hace 39 escalones, El hombre que sabia demasiado y Alarma en el expreso. Rueda en
interiores, se adelanta a la narrativa policíaca americana. Une la puesta en escena tradicional con un gran
cuidado en el montaje.
Tuvo un gran éxito comercial. Utiliza el prototipo de mujer rubia, fria y distante. En los años 40 se especializó
en el thriller psicológico.
TEMA 6.CINE EUROPEO. A partir de los años 50
Francia:
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Nouvelle Vague: Corriente más importante.
Evolución tras el realismo poético. −cine con dos tipos de directores:
1− realismo poético: hacen cine de calite (calidad) cine complaciente con el poder, no se enfrentan a la
censura y a partir de los 50 los directores se quedan anticuados con respecto a la realidad contemporánea,
junto a ellos otros directores.
2−directores jóvenes que carecen de formación anterior y tienen ya peso en el panorama cinematográfico
francés. Muestran dificultades económicos de los más desamparados, problemas políticos de la colonización
en Indochina, lo que conlleva la venida masiva de asiáticos a Francia, sin embargo los primeros no ven esa
realidad y consideran a los segundos como aprendices del oficio porque pensaban que tenían que tener unos
estudios preliminares.
Los primeros se quedan muy desfasados y algunos emigran a los EEUU. El movimiento se compone por
directores muy diferentes. Los más representativos: Jean−Luc Godard, Eric Rohmer, Louis Malle y Claude
Chabrol junto a los dos anteriores.
Dentro de esta corriente dos tendencias muy distintas:
a) Directores que se ocupan más por el lenguaje cinematografico y se preocupan por la imagen y el sonido;
ejemplo: Jean−Luc Godard, Eric Rohmer, Alain Resnair, se preocupan mucho por la imagen.
b) Se preocupan más por la temática y sigue usando la del cine clásico como Truffeaut, Chabrol y Malle.
El movimiento se inscribe en la modernidad cinematográfico que reivindica el estatuto analítico y crítico del
cine y una forma de expresión natural y buscan historias basadas en la realidad que a veces esta fuera de lo
socialmente permitido, entre la adolescencia y los 30 años. Quieren elevar el cine a la categoria de obra
maestra.
Todos reciben ayuda estatal y financia gran parte de las películas. En Francia se consolida el cine−club,
películas más intelectuales, no sólo de entretenimiento, sino para debatir, así que al alentar el cine, reciben
apoyo de revistas literarias que se especializan en cine de aventuras, amoroso, etc.
Reivindica el cine clásico norteamericano porque estaba degradado, considerado como cine de segunda
porque sólo era de entretenimiento, muy conservador porque no reivindica nada social. Sobre todo el papel de
algunos directores: Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcok, grandes directores del cine clásico, no sólo
por la temática sino por los recursos cinematográficos que emplean.
El cine de autor: le dan la máxima importancia de una peli al papel del director, porque es el que marca la
forma y el fondo de la película, pero practicamente no tienen formación técnica, sin experiencia previa, ni
academia, sólo autodidactas, y a veces a la hora de hacer peli tienen problemas reales de aspecto técnico pero
a cambio reciben ayuda de grandes directores de fotografía y de ellos aprenden la utilización de la luz,
respetan las fuentes originales de iluminación, sobre todo luz indirecta y el papel que juega la luz a la hora de
tratar la imagen de la película.
No sólo conciben como historia de ficción sino como documentales, se lanzan a la calle, a buscar lugares muy
conocidos por la gente y esos estractos de peli en directo y lo integran en las pelis que hacen, tien mucho de
documental porque aparecen estractos reales.
El joven se identifica rápidamente y conecta con los directores, porque acuden a los problemas de la juventud
de la Francia de los años 60.
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Tambien se da la renovacion generacional de actores qeu interpretan tipos de personajes con otros rostros,
poco conocidos o mediante actores que por la interpretación se reconvierten en personajes nuevos.
En las pelis de la Nouvelle vague hay personajes masculinos o femeninos al borde de la marginalidad o ya son
marginales: delincuentes, etc o la trama los lleva a marginarse: las escenas se ruedan en escenario y en las
exteriores se acude a la nocturnidad, a ciudades provincias, o locales nocturnos y sobre todo a la calle, que se
erige como protagonista.
Actores: Briggitte Bardot (se convierte en mito de los años 60), Jean Paul Belmondo, Alain Delon, Ana
Karina, Jeanne Moreau, se convierten en estrellas de cine e iconos de la moda y en portadas de revistas.
Todos quieren parecerse a ellos, lo que ahora hacen las modelos, el papel de diva, papel que antes ocupaban
los actores.
Jean Luc Godard: hijo de médico y banquera, alta burguesía francesa. Estudió humanidades en la sorbona de
Paris. Andre Bazin le pide comentarios sobre películas para la revista.
El se interesa por la cinematografía, es muy culto y muy formado. Se dedica a producir películas y a partir del
año 55 se sumerge en la direccion cinematográfica.
Al final de la escapada: mucha repercusión en su momento. Otra pelicula de los 60 seria: Pierrot el loco ,
muy influyente, muestra la evolución de Jean Luc, muy vanguardista y en ambas mezcla la ficción con el
rodaje en exteriores que es como un documental.
La temática fundamental es autobiográfica en las que mezcla la comedia con una crítica social y política que
aparece en sus películas.
Tiene ideas políticas de extrema izquierda. Llega a militar en el partido comunista mahohista francés. Hace
películas anarquistas, algunas prohibidas en EEUU. A partir del 75 se dedica al cine experimental, películas
de video, mas didáctico y menos político. Ha hecho series, por ejemplo: entre el 88 y el 91, Introducción a la
historia del cine, serie francesa. Tambien escribe Historia del cine en los 80 pero no está traducido al
español. En la década de los 80 hace dos películas relacionadas con la religión cristiana con muchos
problemas.
Pasión: pasión de Jesucristo sin nada que ver con la actual de Gibson.
Dios te salve, Maria: sobre la vida de la virgen que se aparta de la ortodoxia cristiana y muestra una virgen
lejana de lo que dicen los evangelios, dice que tiene más hijos, etc. Interpretado por Maria Schneider que
antes había rodado El último tango en París, también la virgen aparece con ropajes transparentes, etc. El
vaticano arremetió contra la película, finalmente tuvo un cierto éxito por la polémica suscitada alrededor.
FRANCOIS TRUFFAUT:
Director francés que en toda su filmografía trato de fundir su biografía.
Su infancia fue dura, la paso entre reformatorios, incluso tuvo dos intentos de suicidio y desertó del servicio
militar.
Con 20 años conoce a Andre Bazín y se convierte en protector de Truffaut, le anima para que escriba en su
revista sus impresiones sobre las películas de los años 60. Sus comentarios interesan tanto que lo contrata para
que periódicamente mande las criticas.
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Se convierte en el crítico más agresivo del momento, sobre todos los estrenos de París del momento.
Truffaut interviene en algunas películas y se convierte en actor, director e incluso guionista. Llega a producir
y se convierte en un gran escritor cinematográfico, ensayista sobre cine, por ejemplo: Historia sobre
Hitchcock, se traslada a EEUU para escribir su biografía pero en lugar de eso le interesa más un libro de
revista, en que Hitchcock le contesta a sus preguntas y este libro es un texto de referencia para entender el
proceso de elaboración de sus películas.
Truffaut encarna como nadie dentro de la Nouvelle vague, no responde a ningún estereotipo y él es un director
que todas sus películas tienen un marcado sabor autobiográfico.
Los 400 golpes:
1959, la más importante de Truffaut, recibe el premio a mejor película y mejor director del festival de Cannes.
Aquí establece unas características que después seguirá a lo largo de su filmografía, como Actores asiduos:
sobre todo el chico de 14 años que luego hará peliculas que corren paralelas a la vida del director. Hace
trilogías en las que cuenta los distintos sucesos que acontece a un chico en determinados momentos.
Besos robados: con 16 o 17 años.
En la tercera película el chico sale de la juventud.
Otra característica es el aspecto autobiográfico
El aspecto documental.
Los actores serán los mismos
Afán por mostrar la realidad de la vida cotidiana francesa. Análisis de los problemas: relación familiar
problemática, económicos por ser una madre soltera, enfrentamiento del adolescente con los amantes de su
madre,etc.
Crítica los valores burgueses de la sociedad francesa del momento.
El pequeño salvaje: historia real ocurrida en Francia a fines del siglo XIX. Rememora idea de Rouseau del
buen salvaje en contraposición con la sociedad (década de los 60)
A partir de los 70 se aparta de la Nouvelle Vague y se dedica a investigar a otros estamentos distintos.
La noche americana:
1973, oscar a la mejor película extranjera.
Farenheit 451:
basada en la primera novela futurista de un escritor contemporáneo americano. Personaje que vivía en el
futuro en una sociedad en que no existían los libros, sólo tradición oral e imagen. Peli revolucionaria.
El último metro:
década de los 80, retoma la idea de sociedad futurista con elementos de convivencia de personajes reales e
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imaginarios.
La crítica nunca llega a ser ácida pero sí severa de los valores burgueses.
Esta corriente de la Nouvelle vague en los años 60 repercute en toda la fimografía europea. La tienen como
punto de referencia aunque con características diferentes en cada país. Eminentemente documental, com
mucho verismo, que muestren los problemas de la sociedad, protagonismo por gente muy joven para atraer a
la juventud al cine.
Esta corriente va a repercutir en otras cinematografías europeas
Inglaterra:
FREE CINEMA INGLES.
Nace de la mano de directores jóvenes de 25 o 30 años en los años 60.
Muy críticos con el cine académico y demandan películas con condición social y abogan por cine
inconformista, mayor libertad a la cámara. Películas con rodajes en exteriores como piedra angular. Como
documental (igual que en Francia) estractos que luego integran en sus películas.
Lorence Olivier (gran director de los años 50−60) muy consagrado en Inglaterra y América.
Directores jóvenes importantes de la época:
1) Karel Reistz
2) Lindsay Anderson
3) Anthony Richardson
todos sobre los 25 años aproximadamente.
Karel Reistz : orígen aleman. Gran formación humanística, escriben crítica cinematográfica en revista
Sequence, fundada por el mismo. También buscan la renovación en teatro y literatura, haciendo versiones
libres que a veces distan mucho de ajustarse a la obra original.
También directores de teatro como John Osborne que también se interesa por ese tipo de interpretación. A
fines de los 50 hace una obra de teatro importante:
Mirando hacia atrás con ira − es el inicio del Free cinema.
Junto a ellos también nueva generación de actores que se ponen de moda como Susanna York, Alan Bates,
Albert Finney, y además se produce el boom mediático de The Beatles como gran fenómeno.
El movimiento tiene una vida efimera: 65−75 porque muchos directores se van a EEUU donde encontraban
mas posibilidades.
Ellos llevan a cabo cine poniendo de manifiesto los problemas más grandes: desastres económicos por la
industria, la mineria por ejemplo, problemas de antisemitismo por la afluencia de personas de otras razas,
sobre todo indios y negros.
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También el fenómeno de The Beatles como Help o The sargent pepper que abarcaron mas allá de la frontera
inglesa.
KAREL REITZ:
Director de orígen alemán, que emigra a Inglaterra, fue director de la revista SEQUENCE tambien gran crítico
cinematográfico, organiza y dirige la filmoteca británica por primera vez en la historia, y es el autor de un
tratado sobre cine en 1953: Técnica del montaje que parte de las enseñanzas del montaje ruso y todos los
avances conocidos. Al final, lo que hace es una puesta al día de la técnica partiendo de los vanguardistas rusos
como Einsestein.
Sábado noche y domingo mañana: Obra fundamental del Free cinema. Obrero inconformista y encuentro con
los mandos. Le echan de la fábrica y se refugia en el sexo y el alcohol. La peli trata el proceso autodestructivo
del personaje y realiza una feroz crítica de la sociedad industrial inglesa. Apoya a los más desamparados, trata
las penurias de la gente, los problemas con la patronal inglesa y estatal.
Reitz se va a EEUU y alli rueda:
Nieve que quema: basada en la historia de los primeros soldados que vienen de la guerra del Vietnam, es de
las primeras películas que trata ese tema de la amarga vuelta tras la larga guerra de Vietnam, y que luego
provocara un boom de películas de este tipo. Es la crítica al estado norteamericano por permitir esta larga
lucha.
También se iba a ocupar de adaptar algunas novelas al cine, concretamente la de John Fowles.
La mujer del teniente francés:1981− gran adaptación literaria, se ajunta literalmente a la novela. Obtuvo
mucho éxito en taquilla, incluso en Europa.
TONY RICHARDSON:
Adapta la obra de John Osborne Mirando hacia atrás con ira, una de las grandes obras de esta corriente
cinematográfica. Otras películas suyas:
Sabor a miel o la soledad del corredor de fondo que narra la historia de un joven en un reformatorio, es un
gran deportista y compite con otro chico muy bueno representante de un colegio elitista inglés, lo que le sirve
para hacer el contraste entre los distintos estratos de la sociedad inglesa, una elistista y otra rayando la
marginalidad. Muchos matices por el desenlace final donde el chico del reformatorio se para al final de la
carrera y deja ganar al último.
Otra película emblemática y problemática suya sería: Tom Jones
JOHN SCHLESINGER:
Director interesantísimo que transcurre su cinematografía entre Inglaterra y EEUU. En Inglaterra entre los
60−70 y después en EEUU y en los 80 otra vez a Inglaterra . Todas las películas suyas son buenas por el tema
y la técnica de recursos cinematográficos.
Cowboy de medianoche: 1980− Dustin Hofman − relación entre un gigoló y un mendigo, que representa la
faceta entrañable, critica la sociedad norteamericana, tuvo un oscar incluso.
De repente un extraño
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A pesar de ser una corriente efímera marca mucho la cinematografía inglesa y hace que muchos directores
americanos vayan a Inglaterra, como es el caso de
STANLEY KUBRICK:
Esta a caballo entre Londres en la época de los 70 y EEUU. De esta época son:
2001 odisea en el espacio: 1970, sociedad del futuro.
La naranja mecánica: 1979, enlaza con la tradición del Free cinema trata la juventud inglesa en la década de
los 70, que viven en la calle y al día. Se la tachó de violenta porque se pensaba que jamás se viviría esa
violencia en la calle pero hoy en día es lo que se vive. A pesar de estos hechos un director americano consigue
mostrar la juventud inglesa, o al menos Kubrick lo vislumbró. Tintes muy documentalistas.
Alemania: años 60
Festival de cine Oberhausen, puso de manifiesto como directores jóvenes querían hacer una renovación en el
cine alemán. En Alemania existia la UFA, la industria cinematográfica potente desde principios del siglo XX,
financiada por el poder alemán. En 1963 se cerró esta industria. Alemania estaba muy aislada del resto de
países europeos y americanos. Desconectada de otras escuelas pero estaba invadida por pelis americanas de
entretenimiento propias para el periodo de posguerra. En 1962 el manifiesto de Oberhausen abre camino a
directores más representativos de la nueva generacion:
WERNER HERZOG
WIN WENDERS
RAINER FASSBINDER.
firman el manifiesto donde reivindican un tipo de cine nuevo basado en la manifestaciói de hechos reales
donde fueron evidentes los problemas de orden político, social e industrial de Alemania. Carecían de lazos
con los directores de la anterior generación.
Son nacidos en la guerra y sus pelis no son comerciales pero van a sobrevivir gracias a las subvenciones que
le da el estado u otros sectores. Aun así siguió inundado de películas americanas porque presentaban una
problemática y el pueblo alemán quería ver sólo películas de entretenimiento y no imbuirse en una
problemática.
Los directores tambien eran productores de sus pelis. También sucede en Francia o Inglaterra. Son un grupo
heterogéneo, cada uno hacía lo que quería. Si que tuvieron una gran repercusión en el resto de Europa, como
Herzog y Fassbinder en los 70.
FASSBINDER:
es el que adquiere más fama en Europa. Comienza como actor de grupos teatrales de vanguardia donde
montaba obras provocativas y escandalosas y versiones heterodoxas de los clásicos de teatro alemán y hacia
versiones libres en teatro, que era muy novedoso.
Va ser un creador prolífico, actua y dirige, guiones de cine para él y para otros. A veces es actor de sus
propias pelis, ademas era director y director de montaje, que no era lo normal, eso era un fenómeno que ocurre
después como sera en América Stanley Kubrick del 85 en adelante.
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Sus películas van a tener como denominador común una crítica dura de las formas burguesas y los problemas
políticos o inmigración, antisemitismo, la manipulación política o sensacionalismo de la prensa porque había
una gran inmigración sobre todos de españoles a Alemania y también de Grecia, Marruecos, Argelia o
Turquía.
Todos nos llamamos Ali− 1972, tema de la inmigración, con sus dificultades a través de una historia de un
turco que se enamora de una viuda alemana y llega a un final infeliz porque no pueden contraer matrimonio.
Es una historia de amor solapando una crítica de antisemitismo que la sociedad alemana lo rechaza.
El matrimonio de Maria Brown− análisis de la historia reciente de su país a través de la narración de la vida
de María que por razones políticas se separa de su esposo, que cuando termina la guerra no sabe nada de su
marido, poco a poco tiene un lugar en la sociedad. Tiene amantes y personalmente su vida está rota pero
económicamente sube.Su marido regresa y mata al amante de su mujer y acaba en la cárcel, ella es rica y él
sale de la cárcel y un atentado acaba con la vida de los dos. Realmente lo que nos cuenta es la historia de la
Alemania reciente, los inconvenientes de una mujer para abrirse paso profesionalmente. Las dificultades
sentimentales al no saber de su marido por causa de la guerra.
Fassbinder es el director que se adelanta a su epoca, por ejemplo en:
Las amargas lágrimas de Petra Fohncan− trata el tema del lesbianismo, ella está con una mujer pero nunca
lo saca a relucir en la sociedad. Este tema no se había tratado anteriormente con tanta claridad. Critica la
hipocresia de la sociedad.
Trabaja siempre con Anna Chibula, una actriz emblemática en este director.
Querelle− 1980, tambien muy escandalosa, trata la homosexualidad masculina, texto de Genet, tema que por
primera vez sale en imágenes. La peli a veces es impactante desde el punto de vista de la imagen.
En Alemania no tuvieron éxito pero en el resto de Europa si. Sobre todo se verían en cine club universitario,
en los años 70 y 80.
WERNER HERZOG:
No le interesa mostrar la Alemania de su epoca. Se interesa por la locura, civilizaciones antiguas, lo absurdo,
paisajes exóticos y gran tendencia al surrealismo, que enlaza con Fellini sobre todo por el absurdo en que
llega a caer. Lugar privilegiado ocupan los seres marginales: lunáticos, enanos, personajes que se encuentran
al margen de la "normalidad" por deficiencias físicas o psíquicas.
Su actor por excelencia es Klaus Kinski, que posee un rostro muy peculiar y gesticula mucho, es muy
histriónico interpretando.
Fata morgana: La fata morgana es un fenomeno atmosférico real que ocurre en Italia, a fines de Julio, en el
estrecho de Mesina, frente a Calabria, donde la calima que se interpone entre el mar y el cielo crea una especie
de espejismo que hace ver la costa de Mesina mucho mas cerca , lo que provocaba que muchos nadadores y
pescadores perdieran la vida ahogados, cuenta la leyenda que un hada recogía estas almas, el hada fata
morgana. Herzog filmó esto como si de un documental se tratase pero introduciendo la leyenda medieval.
Nosferatu: basada en la película de Mourneau, con Klaus Kinski como protagonista, donde el vampiro se hace
entrañable al espectador.
Aguirre o la cólera de Dios: 1972. Trata sobre la conquista del Dorado por López de Aguirre (hecho real de la
colonización cruenta por parte de éste) los españoles hacen un papel vejatorio, en España se censuró. Fue
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excepcional desde el punto de vista cinematográfico. Posteriormente Carlos Saura rodará la misma pelicula en
los 80.
El enigma de Gaspar Hauser: 1970. basada en el relato alemán del siglo XVIII de un hombre que vivió
siempre encerrado en un sotano sin relacionarse con nadie y sin conocer la civilización hasta que alguien lo
liberó.
Fitzcarraldo: de la década de los 80. La historia de un personaje aventurero megalómano, sobre todo le
apasionaba la ópera, con mucho dinero que decide construir un teatro en medio de la selva del Amazonas para
que vaya a cantar allí Carusso. Rodada en el Amazonas con mucha dificultad. Ésta si es de color aunque la
mayor parte de sus películas las rueda en blanco y negro. Imágenes increíbles del Amazonas. Finálmente hace
el teatro pero obviamente Caruso no va allí a cantar. Relacionado con la etapa final de Fellini por el
surrealismo.
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