Liceo Particular Mixto Los Andes. Departamento de castellano (Lenguaje y comunicación).

Liceo Particular Mixto
Los Andes.
Trabajo de
Investigación sobre
La Grecia Clásica
Departamento de castellano
(Lenguaje y comunicación).
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INTRODUCCIÓN
Primero que nada este trabajo lo estoy haciendo por que a mi siempre me ha llamado la atención todo lo que
tenga que ver con la mitología griega, pero lo que mas me interesa es el tema de los dioses griegos. Sobre todo
la parte de Zeus, Hércules y el minotauro. También toda la parte del partenón y los jarrones con escritura.
Todo esto se lo debo también a un tío que llevó la película de hércules, de la cual aprendí un poco mas de los
griegos y esto también me aumentó la curiosidad de la cantidad de dioses que habían en esa época de mitos y
leyendas, de la Grecia clásica.
INDICE
Introducción..................................................... 2
Teatro griego.................................................... 4
Ubicación geográfica.......................................... 6
Mitología griega y sus principales dioses............... 7
Arquitectura griega (estructura)................................ 13
Arte griego....................................................... 18
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Conclusión........................................................ 24
Bibliografía....................................................... 25
Teatro griego
Los primeros datos documentados de literatura dramática son del siglo VI a.C.; la primera obra crítica sobre la
literatura y el teatro es Poética (330 a.C.) de Aristóteles. Aristóteles sostenía que la tragedia griega se
desarrolló a partir del ditirambo, himnos corales en honor del dios Dioniso que no solamente lo alababan sino
que a menudo contaban una historia. Según la tradición, Thespis, el director de un coro del siglo VI a.C., creó
el drama al separar en un ditirambo el papel del personaje principal del resto del coro: él hablaba y el coro
respondía. Según Aristóteles, desde ese hecho sólo había que dar un pequeño paso hacia la evolución del
drama como forma independiente con la incorporación de otros actores y personajes. Pero el desarrollo
espontáneo hacia el drama trágico, un género muy elaborado y sin precedentes, es difícil de documentar.
La tragedia griega floreció en el siglo V a.C. con autores como Esquilo, Sófocles y Eurípides. Las obras son
solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca hay más de tres
actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas). Las historias están
basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera simplemente volver a contar
esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes libertades), sino hacer consideraciones sobre el
carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones
individuales. Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y
canciones del coro.
Las obras se representaban en festivales en honor de Dioniso; entre estos festivales se encontraban el Gran
Dionisíaco de Atenas, en primavera; el Dionisíaco Rural, en invierno; y la Lenaea, también en invierno tras el
Rural. Se seleccionaban las obras de tres poetas para su representación. Aparte de tres obras trágicas (una
trilogía), cada poeta tenía que presentar una sátira y una farsa, a menudo atrevida parodia sobre los dioses y
sus mitos. Después se representaba la comedia, que se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias
más antiguas que se conservan son las de Aristófanes. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los
antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades
públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para
el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Con la expansión de la cultura griega a raíz de las conquistas de Alejandro III el Magno, las comedias
literarias y basadas en tópicos, así como las tragedias filosóficas, pasaron a ser poco apropiadas y dejaron paso
a un tipo de comedia local, muy abundante, llamada nueva. El misántropo es la única obra completa que se
conserva de Menandro, el gran autor de comedias nuevas. La trama gira alrededor de una complicación o
situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e
identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.
La forma del recinto teatral griego evolucionó durante dos siglos; es interesante observar que los teatros
permanentes de piedra, algunos de los cuales aún hoy sobreviven, no se construyeron hasta el siglo IV a.C.; es
decir, tras el periodo clásico. Los teatros al aire libre pueden haber constado de una orquesta, un área circular
y plana utilizada para las danzas del coro, detrás un escenario elevado para los actores, y una zona de asientos
más o menos semicircular construida en torno a la orquesta aprovechando la pendiente de una colina. Tenían
un aforo de 15.000 a 20.000 espectadores. Con el aumento de la importancia de los actores y la disminución
de la del coro, los escenarios se agrandaron y elevaron invadiendo parte del espacio de la orquesta.
Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la
visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje. En grandes teatros, los gestos
sutiles y las expresiones faciales, de las que tanto dependen los actores modernos, habrían sido inútiles. El
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movimiento era aparentemente formal y estilizado, y se ponía gran énfasis en la declamación. La música
acompañaba a las danzas. Una antigua producción griega estaba probablemente más cerca de la ópera que del
teatro moderno.
Edipo Rey, de Sófocles, es una las tragedias griegas más famosas y se basa en el mito de Edipo que, ignorando
que es hijo del rey, lo mata y se casa con la reina, que es su madre. La obra presenta un lenguaje y unos
personajes de gran riqueza. Esta escena pertenece a la versión que hizo el Teatro Habima de Israel.
Ubicación geográfica
La antigua Grecia, poblada por distintos grupos étnicos, estaba formada por diversas ciudades−estado
independientes. Los estados vecinos firmaban ocasionales alianzas, como la formada para crear una fuerza
defensiva común bajo el liderazgo de Esparta, durante la invasión persa de Grecia en el año 480 a.C. Las
ciudades−estado también lucharon entre sí, como fue el caso de la guerra del Peloponeso desde el 431 a.C.
hasta el 404 a.C. entre Esparta y Atenas. Este mapa muestra las principales divisiones étnicas de la antigua
Grecia y destaca las principales ciudades en cada región.
Mitología griega y sus principales dioses
Los griegos creían que los dioses habían elegido el monte Olimpo, en una región de Grecia llamada Tesalia,
como su residencia. En el Olimpo, los dioses formaban una sociedad organizada en términos de autoridad y
poderes, se movían con total libertad y formaban tres grupos que controlaban sendos poderes: el cielo o
firmamento, el mar y la tierra. Los doce dioses principales, habitualmente llamados Olímpicos, eran Zeus,
Hera, Hefesto, Atenea, Apolo, Ártemis, Ares, Afrodita, Hestia, Hermes, Deméter y Poseidón.
Zeus era el dios supremo, padre espiritual de los dioses y de los hombres. Su mujer, Hera, era la reina de los
cielos y la guardiana del matrimonio. Otros dioses asociados con los cielos eran Hefesto, dios del fuego y de
los herreros, Atenea, diosa de la sabiduría y de la guerra, y Apolo, dios de la luz, la poesía y la música.
Ártemis, diosa de la fauna y de la luna, Ares, dios de la guerra y Afrodita, diosa del amor, eran otros dioses
del firmamento. Quienes los reunían eran Hestia, diosa del hogar, y Hermes, mensajero de los dioses y
soberano de la ciencia y la invención.
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Poseidón era el soberano del mar y, junto con su mujer Anfitrite, guiaba a un grupo de dioses marinos menos
importantes, tales como las nereidas y los tritones. Deméter, la diosa de la agricultura, estaba vinculada a la
tierra. Hades, un dios importante pero generalmente no considerado un olímpico, regía el mundo subterráneo,
donde vivía su mujer, Perséfone. El submundo era un lugar oscuro y lúgubre situado en el centro de la tierra.
Lo poblaban las almas de las personas que habían muerto.
Dioniso, dios del vino y del placer, estaba entre los dioses más populares. Los griegos dedicaban muchos
festivales a este dios telúrico, y en algunas regiones llegó a ser tan importante como Zeus. A menudo lo
acompañaba una hueste de dioses fantásticos que incluía a sátiros, centauros y ninfas. Los sátiros eran
criaturas con piernas de cabra y la parte superior del cuerpo era simiesca o humana. Los centauros tenían la
cabeza y el torso de hombre y el resto del cuerpo de caballo. Las hermosas y encantadoras ninfas frecuentaban
bosques y selvas.
Zeus.
Zeus, en la mitología griega, dios del cielo y soberano de los dioses olímpicos. Zeus corresponde al dios
romano Júpiter.
Según Homero, se consideraba a Zeus padre de los dioses y de los mortales. No fue el creador de los dioses y
de los hombres; era su padre, en el sentido de protector y soberano tanto de la familia olímpica como de la
raza humana. Señor del cielo, dios de la lluvia y acumulador de nubes blandía el terrible rayo. Su arma
principal era la égida, su ave, el águila, su árbol, el roble. Zeus presidía a los dioses en el monte Olimpo, en
Tesalia. Sus principales templos estaban en Dódona, en el Epiro, la tierra de los robles y del templo más
antiguo, famoso por su oráculo, y en Olimpia, donde se celebraban los juegos olímpicos en su honor cada
cuatro años. Los juegos de Nemea, al noroeste de Argos, también estaban dedicados a Zeus.
Hera.
Hera, en la mitología griega, reina de los dioses, hija de los titanes Cronos y Rea, hermana y mujer del dios
Zeus. Hera era la diosa del matrimonio y la protectora de las mujeres casadas. Era madre de Ares, dios de la
guerra, de Hefesto, dios del fuego, de Hebe, diosa de la juventud, y de Ilitía, diosa del alumbramiento. Mujer
celosa, Hera perseguía a menudo a las amantes y a los hijos de Zeus. Nunca olvidó una injuria y se la conocía
por su naturaleza vengativa. Irritada con el príncipe troyano Paris por haber preferido a Afrodita, diosa del
amor, antes que a ella, Hera ayudó a los griegos en la guerra de Troya y no se apaciguó hasta que Troya quedó
destruida. Se suele identificar a Hera con la diosa romana Juno.
Hefesto.
Hefesto, en la mitología griega, dios del fuego y de la metalurgia, hijo del dios Zeus y de la diosa Hera o, en
algunos relatos, sólo hijo de Hera. A diferencia de los demás dioses, Hefesto era cojo y desgarbado. Poco
después de nacer lo echaron del Olimpo: según algunas leyendas, lo echó la misma Hera, quien lo rechazaba
por su deformidad; según otras, fue Zeus, porque Hefesto se había aliado con Hera contra él. En la mayoría de
las leyendas, sin embargo, volvió a ser honrado en el Olimpo y se casó con Afrodita, diosa del amor, o con
Áglae, una de las tres gracias. Era el artesano de los dioses y les fabricaba armaduras, armas y joyas. Se creía
que su taller estaba bajo el monte Etna, volcán siciliano. A menudo se identifica a Hefesto con el dios romano
del fuego, Vulcano. La Fragua de Vulcano es el cuadro en el que Velázquez da su visión sobre los dioses
transformándolos en campesinos o artesanos humanos.
Atenea.
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Atenea, una de las diosas más importantes en la mitología griega. En la mitología latina, llegó a identificarse
con la diosa Minerva, también conocida como Palas Atenea. Atenea salió ya adulta de la frente del dios Zeus
y fue su hija favorita. Él le confió su escudo, adornado con la horrorosa cabeza de la gorgona Medusa, su
'égida' y el rayo, su arma principal. Diosa virgen, recibía el nombre de Parthenos ('la virgen'). En
agradecimiento a que Atenea les había regalado el olivo, el pueblo ateniense levantó templos a la diosa, el más
importante era el Partenón, situado en la Acrópolis de Atenas.
Apolo.
Apolo (mitología), en la mitología griega, hijo del dios Zeus y de Leto, hija de un titán. Era también llamado
Délico, de Delos, la isla de su nacimiento, y Pitio, por haber matado a Pitón, la legendaria serpiente que
guardaba un santuario en las montañas del Parnaso. En la leyenda homérica, Apolo era sobre todo el dios de la
profecía. Su oráculo más importante estaba en Delfos, el sitio de su victoria sobre Pitón. Solía otorgar el don
de la profecía a aquellos mortales a los que amaba, como a la princesa troyana Casandra.
Apolo era un músico dotado, que deleitaba a los dioses tocando la lira. Era también un arquero diestro y un
atleta veloz, acreditado por haber sido el primer vencedor en los juegos olímpicos.
Artemis.
Ártemis o Artemisa (mitología), en la mitología griega, una de las principales diosas, equivalente de la diosa
romana Diana. Era hija del dios Zeus y de Leto y hermana gemela del dios Apolo. Era la rectora de los dioses
y diosas de la caza y de los animales salvajes, especialmente los osos, Ártemis era también la diosa del parto,
de la naturaleza y de las cosechas. Como diosa de la luna, se la identificaba a veces con la diosa Selene y con
Hécate.
Ares.
Ares, en la mitología griega, dios de la guerra e hijo de Zeus, rey de los dioses, y de su esposa Hera. Los
romanos lo identificaban con Marte, también un dios de la guerra. Agresivo y sanguinario, Ares personificaba
la brutal naturaleza de la guerra, y era impopular tanto para los dioses como para los seres humanos. Entre las
deidades asociadas con Ares estaban su consorte, Afrodita, diosa del amor, y deidades menores como Deimo
(temor) y Fobo (terror), que lo acompañaban en batalla. Aunque feroz y belicoso, Ares no era invencible, ni
siquiera frente a los mortales.
Afrodita.
Afrodita, en la mitología griega, diosa del amor y la belleza, equivalente a la Venus romana. En la Iliada de
Homero aparece como la hija de Zeus y Dione, una de sus consortes, pero en leyendas posteriores se la
describe brotando de la espuma del mar y su nombre puede traducirse como 'nacida de la espuma'. En la
leyenda homérica, Afrodita es la mujer de Hefesto, el feo y cojo dios del fuego. Entre sus amantes figura
Ares, dios de la guerra, que en la mitología posterior aparece como su marido. Ella era la rival de Perséfone,
reina del mundo subterráneo, por el amor del hermoso joven griego Adonis.
Hestia.
Hestia, en la mitología griega, diosa virgen del hogar, la hija mayor de los titanes Cronos y Rea. Se
consideraba que presidía todos los fuegos de las aras de sacrificio y se le ofrecían plegarias antes y después de
las comidas. Aunque aparece en muy pocos mitos, la mayoría de las ciudades tenían un hogar común donde
arde el fuego sagrado de esta diosa. En Roma se la conocía como Vesta, y seis sacerdotisas vírgenes,
conocidas como vestales, custodiaban el fuego
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Poseidón.
Poseidón, en la mitología griega, dios del mar, hijo del titán Cronos y la titánide Rea, y hermano de Zeus y
Hades. Poseidón era marido de Anfitrite, una de las nereidas, con quien tuvo un hijo, Tritón. Poseidón, sin
embargo, tuvo otros numerosos amores, especialmente con ninfas de los manantiales y las fuentes, y fue padre
de varios hijos famosos por su salvajismo y crueldad, entre ellos el gigante Orión y el cíclope Polifemo.
Poseidón y la gorgona Medusa fueron los padres de Pegaso, el famoso caballo alado.
Demeter.
Deméter, en la mitología griega, diosa de los granos y de las cosechas, hija de los titanes Cronos y Rea.
Cuando su hija Perséfone fue raptada por Hades, dios del mundo subterráneo, el dolor de Deméter fue tan
grande que descuidó la tierra; no crecieron plantas y el hambre devastó el universo. Consternado ante esta
situación, Zeus, el regidor del mundo, pidió a su hermano Hades que devolviese Perséfone a su madre. Hades
asintió, pero antes de liberar a la muchacha hizo que ésta comiese algunas semillas de granada que la
obligarían a volver con él durante cuatro meses al año. Feliz de reunirse de nuevo con su hija, Deméter hizo
que la tierra produjese flores primaverales y abundantes frutos y cereales para las cosechas. Sin embargo, su
dolor retornaba cada otoño cuando Perséfone tenía que volver al mundo subterráneo. La desolación del
invierno y la muerte de la vegetación eran consideradas como la manifestación anual del dolor de Deméter
cuando le arrebataban a su hija. Deméter y Perséfone eran veneradas en los ritos de los misterios de Eleusis.
El culto se extendió de Sicilia a Roma, donde se veneraba a estas diosas como Ceres y Proserpina.
Hermes.
Hermes, en la mitología griega, mensajero de los dioses, hijo del dios Zeus y de Maya, la hija del titán Atlas.
Como especial servidor y correo de Zeus, Hermes tenía un sombrero y sandalias aladas y llevaba un caduceo
de oro, o varita mágica, con serpientes enrolladas y alas en la parte superior. Guiaba a las almas de los
muertos hacia el submundo y se creía que poseía poderes mágicos sobre el sueño.
ARQUITECTURA GRIEGA (estructura ).
La tipología del templo griego se compone de un santuario y el perímetro de columnas que lo rodean y
articulan el espacio exterior. En este sentido es el modelo opuesto del templo egipcio, cuyas columnas están
dispuestas dentro de un recinto amurallado. La originalidad de esta tipología reside en que, quizás por primera
vez en la historia, se da prioridad al aspecto externo de un edificio que contiene un espacio sagrado. La
arquitectura griega no abruma al observador con una excesiva monumentalidad y rara vez está dispuesta
simétricamente a lo largo de un eje, sino que busca las relaciones espaciales sutiles, desde diferentes puntos de
vista. Los templos griegos, que siguen aproximadamente el mismo plan, tienen tamaños muy diversos: desde
el pequeño templo de Atenea Niké (427−424 a.C.) en la Acrópolis de Atenas, de aproximadamente 6 × 9 m,
hasta el gigantesco templo de Zeus u Olimpeión (c. 500 a.C.) en Agrigento (Magna Grecia, actual Sicilia), que
ocupa más de una hectárea.
El modelo primitivo de templo se fue modificando a lo largo de los siglos. La preocupación por el aspecto
exterior y sus relaciones con el espacio circundante llevó a los arquitectos griegos a una carrera hacia la
perfección. Fruto de este empeño son los órdenes arquitectónicos, que consisten en una serie de reglas sobre la
proporción y la articulación de las partes del edificio, especialmente de las columnas. Hoy día se siguen
llamando de igual forma, e incluso se siguen utilizando como modelos canónicos. En ellos se regula la
disposición del estilobato o plinto, la basa, el fuste, capitel, arquitrabe, friso, cornisa y frontón, cada uno de los
cuales ejerce o simboliza alguna función estructural.
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Dos de los tres órdenes griegos se extendieron más o menos simultáneamente. El orden dórico era
predominante en el Ática y en la Magna Grecia. Es el más sobrio de todos los órdenes clásicos, pues sus
columnas carecen de basa, y todos sus elementos decorativos representan alguna función estructural. Una de
las obras maestras de la arquitectura de todos los tiempos está compuesta según el orden dórico; se trata del
Partenón (448−432 a.C.), situado en la parte central de la Acrópolis de Atenas.
El orden jónico se originó en las ciudades del mar Egeo y Asia Menor, más influidas por el arte egipcio y
oriental. La columna jónica se caracteriza porque el capitel está adornado por dos volutas en sus extremos, el
fuste es más estilizado y con estrías más suaves que las del orden dórico, y se apoya sobre una basa compuesta
por partes cóncavas y convexas. Se han conservado pocos ejemplos de la época arcaica, pero entre ellos
destacan el Erecteion (comenzado en el año 421 a.C.) y los Propileos (comenzados en el 437 a.C.), ambos en
la Acrópolis de Atenas.
El orden corintio es un invento ateniense, probablemente del siglo V a.C., pero su uso se generalizó más tarde.
Su característica fundamental son los capiteles decorados con hojas de acanto; además, su fuste es aún más
delgado que el jónico. Tiene la ventaja frente a éste de no tener ninguna dirección principal, lo cual facilita su
disposición en las esquinas.
El final de las Guerras Médicas (466 a.C.) supuso la reconstrucción de numerosas ciudades griegas que habían
sido arrasadas por los persas. Se abría así la posibilidad de investigar nuevas formas de planeamiento
urbanístico, una nueva ciencia cuya figura principal es Hipodamo de Mileto, autor de los nuevos planos de
Mileto (Asia Menor) y El Pireo (el puerto de Atenas), entre otras ciudades. Su principal aporte es el trazado en
parrilla, también llamado hipodámico en su honor; igualmente, se le atribuye la idea de que el plano de la
ciudad ha de simbolizar el orden social, con un centro representativo donde situar los edificios más señalados,
en relación con los espacios públicos abiertos. El ágora griega (plaza pública, o lugar de reunión de los
ciudadanos) podía incluir un templo, una especie de ayuntamiento o cámara de representantes (bouleuterion),
un teatro, gimnasios y otros edificios de carácter público; en ocasiones quedaba contenida en un recinto de
columnas. En la arquitectura doméstica, el megaron micénico (una especie de vestíbulo central) evolucionó
hasta convertirse en una casa familiar donde las habitaciones tenían su acceso a través de un pequeño patio
llamado atrio. Esta disposición se extendió por Italia, España y el norte de África, donde derivó hacia distintas
tipologías de vivienda mediterránea. Véase Arte y arquitectura de Grecia; Vivienda (arquitectura).
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Los griegos, conocedores de los templos en piedra de los egipcios, comenzaron en el siglo VII a.C. a construir
sus propios templos con un estilo personal y distintivo. Utilizaron la piedra caliza en el sur de Italia y Sicilia,
el mármol en las islas griegas y en Asia Menor, y la caliza revestida con mármol en el continente. Más tarde,
emplearon principalmente el mármol. El templo tipo era de planta rectangular elevado sobre una pequeña base
escalonada llamada crepidoma y estaba situado en un recinto donde se llevaban a cabo las ceremonias rituales.
Los templos pequeños presentaban un frente porticado con dos columnas (in antis), a veces con otra fila de
columnas delante del mismo (próstilo). Los templos más grandes, con pórticos en ambos extremos
(anfipróstilos), podían tener un vestíbulo de seis columnas antes de cada uno de sus pórticos, o estar
totalmente rodeados por un peristilo (perípteros). La columnata sostenía un entablamento, o dintel, bajo un
tejado a dos aguas.
Los griegos desarrollaron dos órdenes arquitectónicos o tipos de columnas, el dórico y el jónico (véase
Columna). Las columnas dóricas, que no tenían basa y cuyos capiteles consistían en un bloque cuadrado
(ábaco) sobre un elemento redondo en forma de almohadilla (equino), eran piezas robustas colocadas a escasa
distancia para sujetar el peso de la mampostería. Su pesadez se aliviaba gracias al fuste abombado y estriado.
En el friso se tallaban triglifos verticales sobre cada columna, dejando entre ellos metopas oblongas, que más
tarde fueron cuadradas y al principio estuvieron pintadas y más tarde decoradas con bajorrelieves figurativos.
El orden dórico se originó en la península helénica, pero se difundió por todas partes. Los templos dóricos de
Siracusa, Paestum, Selinonte, Agrigento, Pompeya, Tarento, Metaponte y Corfú (antigua Corcyra) todavía se
conservan. Especialmente extraordinario es el templo de Poseidón en Paestum (c. 450 a.C.).
Las columnas jónicas, originarias de Jonia (Asia Menor) y las islas griegas, son más esbeltas, con estrías más
finas y se colocan a mayor distancia que las dóricas. Cada una descansa sobre una basa moldurada y termina
en un capitel con forma de almohadilla plana que se enrolla en dos volutas en los laterales. El entablamento,
más ligero que en el estilo dórico, podía tener un friso continuo. Se pueden encontrar ejemplos de templos
jónicos en Éfeso, cerca de la moderna Izmir (Turquía), en Atenas el Erecteion y algunos restos en Naucratis
(Egipto).
La mayoría de los templos de la alta época clásica eran de orden dórico. El templo de Zeus en Olimpia
(mediados del siglo V a.C.), proyectado por Libón de Elis, es un ejemplo excepcional. Sus columnas
relativamente esbeltas indican una reacción contra las proporciones pesadas del dórico de la época arcaica.
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Las ideas de la antigua Grecia sobre arte, arquitectura, teatro, filosofía y matemáticas han ejercido una
influencia incalculable sobre la civilización occidental. Entre los monumentos griegos más influyentes destaca
el Partenón de Atenas, sobresaliente ejemplo de la arquitectura clásica. El maestro y filósofo Sócrates influyó
en el pensamiento especulativo y en la filosofía occidental al hacer hincapié en el diálogo y el argumento
racional. Los sabios griegos desarrollaron métodos de razonamiento para demostrar principios matemáticos.
Las tragedias griegas establecieron la estructura y los estilos temáticos teatrales emulados posteriormente por
dramaturgos como William Shakespeare.
ARTE GRIEGO.
El arte griego se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana, no sólo en el aspecto
formal, sino también en la manera de expresar el movimiento y las emociones. El cuerpo humano, tanto en las
representaciones de dioses como en las de seres humanos, se convirtió así en el motivo fundamental del arte
griego, asociado a los mitos, la literatura y la vida cotidiana.
Se conservan pocos ejemplos intactos o en su estado original de la arquitectura y escultura monumental, y en
el ámbito pictórico no se conocen grandes ciclos decorativos. Sin embargo, se conservan importantes piezas
de cerámica, monedas, joyas y gemas que, junto con las pinturas funerarias etruscas, nos ofrecen algunas
pistas sobre las características del arte griego. Estos restos se complementan con relatos extraídos de fuentes
literarias. Algunos viajeros, como el romano Plinio el Viejo o el historiador y geógrafo griego Pausanias,
vieron in situ muchos de los objetos artísticos que se conservan hoy día deteriorados o en mal estado, y sus
relatos ofrecen una valiosa información acerca de algunos artistas y sus principales obras.
La función principal de la arquitectura, la pintura y la escultura monumental hasta aproximadamente el año
320 a.C., fue de carácter público, ocupándose de asuntos religiosos y de la conmemoración de los
acontecimientos civiles más importantes, como las competiciones atléticas. Los ciudadanos sólo utilizaron las
artes plásticas para la decoración de sus tumbas. Sin embargo, las artes decorativas se dedicaron sobre todo a
la producción de objetos de uso privado. El ajuar doméstico contenía un gran número de vasijas de terracota
pintadas, con elegantes acabados, y las familias más ricas eran propietarias de vasijas de bronce y espejos.
Muchos objetos realizados en terracota y bronce incorporaron pequeñas figurillas y bajorrelieves.
Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus edificios en mármol o piedra caliza, y utilizaban la
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madera y las tejas para las techumbres. Los escultores labraron el mármol y la caliza, modelaron la arcilla y
fundieron sus obras en bronce. Las grandes estatuas votivas se forjaban con planchas de este metal o se
recubrían de láminas de oro y marfil que se aplicaba sobre una estructura interna de madera. Algunas veces se
realizaban por separado las cabezas o los brazos extendidos, que posteriormente se unían al torso. La escultura
en piedra y en arcilla se pintaba total o parcialmente con pigmentos brillantes. Los artistas griegos empleaban
colores al agua para pintar grandes murales o decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en tornos
de alfarero y cuando se secaban las pulían, pintaban y cocían.
El arte griego se divide normalmente en periodos artísticos que reflejan sus cambios estilísticos. Las
compartimentaciones cronológicas desarrolladas en este artículo son las siguientes: 1) periodos geométrico y
orientalizante (c. 1100 a.C.−650 a.C.); 2) periodo arcaico (c. 660 a.C.−475 a.C.); 3) periodo clásico
(c. 475 a.C.−323 a.C.); 4) periodo helenístico (c. 323 a.C.−31 a.C.).
Los griegos empezaron a esculpir en piedra inspirándose en las piezas monumentales de Egipto y
Mesopotamia. Las esculturas de bulto redondo compartieron la solidez y la característica posición frontal de
los modelos orientales, pero, como podemos comprobar en la Dama de Auxerre (c. 630 a.C.) y en el torso
femenino encontrado en el santuario de Hera en Samos (c. 570 a.C., ambas en el Museo del Louvre, París),
sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia. Las esculturas masculinas y femeninas, a partir
aproximadamente del año 575 a.C., reflejan en sus rostros la denominada sonrisa arcaica. Aunque esta
expresión no parece obedecer a razones específicas en las figuras o situaciones en las que aparece
reproducida, quizás fue empleada por los griegos como un artificio que proporcionaba a las figuras un rasgo
humano distintivo.
Las tres tipologías que predominaron fueron el joven desnudo (kouros) y la doncella vestida (kore), ambos en
posición erguida, y la mujer sedente. En todos ellos aparecen acentuados los principales rasgos del cuerpo y
expresan, cada vez más, un conocimiento preciso de la anatomía humana. La razón de ser de la representación
de estos jóvenes fue por una parte de índole sepulcral y por otra de carácter votivo. Algunos de los ejemplos
más sobresalientes que se conservan son el primitivo Apolo de Tenea (540 a.C. Alte Pinakothek, Munich), el
Apolo de Piombino (510 a.C., Museo del Louvre) y el Apolo Strangford (c. 500 a.C., Museo Británico,
Londres), encontrado en la localidad griega de Lemnos, una obra bastante más tardía. En dichas obras, a
diferencia de otras más antiguas, puede observarse un estudio más detallado de la estructura muscular y
anatómica. Las figuras femeninas, vestidas y de pie, ofrecen una amplia variedad de expresiones, tal y como
puede contemplarse en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas. Sus ropajes están tallados y
pintados con la delicadeza y la meticulosidad características de la escultura de este periodo.
Los relieves, que se desarrollaron con posterioridad a la escultura exenta o de bulto redondo, representan por
lo general figuras en movimiento. Los frisos del tesoro de Sífnos, en el templo de Apolo en Delfos (Museo
Arqueológico de Delfos), que muestran una de las batallas de la guerra de Troya, son uno de los ejemplos más
excepcionales del periodo arcaico medio (c. 580 a.C.−535 a.C.). Otra muestra importante es el frontón del
antiguo templo de Atenea en la Acrópolis de Atenas, del que se conservan algunos fragmentos (Museo de la
Acrópolis), que representa un combate entre dioses y gigantes. Entre los ejemplos del periodo arcaico tardío
(c. 535 a.C.−475 a.C.) destacan las esculturas de los frontones del templo de Afaya en Egina (actualmente en
la Gliptoteca de Munich). Las figuras del frontón oriental parecen tan llenas de vida como los atletas que
describió el poeta Píndaro. Hasta el siglo XIX no se comenzó a valorar el mérito artístico de la escultura del
periodo arcaico.
Los escultores del periodo arcaico continuaron fundiendo esculturas en bronce. Los ejemplos del siglo VI a.C.
describen los músculos de forma esquemática mediante la representación de un estrecho arco en el límite bajo
del tórax y unas marcas horizontales. Las esfinges y otras formas realizadas en piedra sirvieron como florones,
yelmos o lápidas.
Hacia el año 675 a.C. los pintores de cerámica de Corinto empezaron a decorar las piezas con siluetas negras
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de figuras, generalmente animales desfilando, realizadas con formas redondeadas y dispuestas en uno o varios
pequeños frisos. Es el estilo denominado protocorintio. En el estilo corintio, que se desarrolló plenamente
hacia el 550 a.C. y del que se conservan numerosos ejemplos, los vasos están abarrotados de figuras sobre
fondos florales. En las vasijas se representan a menudo monstruos fabulosos, como la quimera que escupe
fuego, una criatura con cabeza de león, cuerpo de cabra y cola de dragón. Otros motivos orientales similares
aparecen en las piezas cerámicas encontradas en Laconia, Beocia, Calcis, Rodas y Sardes.
En el periodo arcaico medio, Atenas saturó el mercado mediterráneo de objetos cerámicos. Han aparecido
vasijas atenienses en las islas del Egeo, norte de África, Asia Menor, Italia e incluso en Francia, España y
Crimea. La popularidad de la cerámica ateniense se debió a su carácter práctico, sus bellas proporciones, su
acabado aterciopelado, negro como el azabache, y a las escenas narrativas con que estaba decorada.
La decoración de las vasijas cerámicas con la técnica de las figuras negras, que llegó de Corinto a Atenas
hacia el 625 a.C., se combinó con el antiguo estilo ateniense, más lineal y de mayor tamaño. La decoración se
realizaba en engobe negro sobre el color rojo de la arcilla. Los detalles se grababan por incisión y a veces se
destacaban y se les daba profundidad con el uso de reflejos de color rojo y blanco.
A partir de este momento, las escenas representadas en los vasos cerámicos y los artistas que las pintaron se
pueden identificar por ciertas inscripciones. Unos treinta pintores firmaron con su nombre las piezas
decoradas y otros cien han podido ser identificados por su estilo característico. A los artistas más tardíos se les
han asignado nombres modernos según la localización de alguna de sus obras más importantes, como el pintor
de Berlín; por el tema de alguna de sus pinturas más representativas, como el pintor del jabalí; o por el
nombre del ceramista para el que trabajaron, como el pintor de Amasis. Entre las obras maestras de este
periodo están el vaso François, realizado el 560 a.C. por el alfarero Ergotimos y el pintor Klitias (Museo
Arqueológico de Florencia); la copa de Dioniso, realizada por Exekias (Gliptoteca de Munich), y los trabajos
de dos de los más destacados artistas en la técnica de las figuras negras, Lydos y Amasis (Museo
Metropolitano de Arte de Nueva York).
Los vasos decorados con la técnica de las figuras rojas se hicieron por primera vez el año 530 a.C., por
iniciativa del ceramista Andocides. La decoración se realizaba con una técnica pictórica a la inversa, es decir,
el fondo se pintaba de negro, dejando las figuras en el color rojo de la arcilla. Los detalles, en lugar de hacerse
por medio de incisiones en la arcilla, se dibujaban con engobe negro, que a menudo formaba un relieve sutil.
Se utilizó también un nuevo color, el castaño dorado, obtenido al diluir el barniz negro.
Los pintores atenienses desarrollaron hacia el 540 a.C. un nuevo estilo cuyo principal ejemplo es una crátera
que representa la lucha de Heracles contra el gigante Anteo (c. 510 a.C., Museo del Louvre), realizada por el
ceramista Eufronio. Estas innovaciones, además de mostrar un creciente interés por la anatomía humana,
trajeron una nueva concepción del espacio que se hizo patente en la utilización del escorzo y en el uso de una
capa de color marrón para crear sombras. Este fue el inicio de un tipo de pintura en el que la ilusión de
tridimensionalidad se consigue tanto por el sombreado de las figuras como por el contraste de manchas de
color.
Aunque el estilo de las figuras negras continuó siendo el dominante durante todo el periodo arcaico, la
producción en el estilo de figuras rojas se fue incrementando poco a poco. Entre los pintores de vasos más
importantes del final del periodo arcaico destacan Duris, el pintor de Brigos y el pintor de Berlín.
La escultura de la alta época clásica no presenta la típica sonrisa arcaica o los suaves detalles característicos
del periodo anterior. En su lugar, transmite una cierta solemnidad además de nueva fuerza y simplicidad de las
formas. Entre los mejores ejemplos se encuentran los frontones escultóricos del templo de Zeus en Olimpia
(Museo Arqueológico de Olimpia), el Auriga de Delfos (Museo Arqueológico de Delfos), el joven de pie o
Efebo de Kritiasdenominado así por el escultor ateniense Kritias y la cabeza del Efebo rubio (ambos en el
Museo de la Acrópolis de Atenas), así como el Idolino del Museo Arqueológico de Florencia.
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Los escultores de esta época representaban a los personajes en el momento inmediatamente anterior o
posterior a la culminación de una acción significativa. Las esculturas del templo de Zeus en Olimpia son una
muestra: en el frontón oriental aparecen los preparativos, supervisados por Zeus, para la fatal carrera de carros
ente las legendarias figuras de Pélope y Enómao; en el frontón occidental la batalla entre lapitas y centauros; y
las doce metopas que se conservan describen los trabajos de Hércules ayudado por la diosa Atenea.
Muchas de las obras de la alta época clásica se perdieron en la antigüedad. Algunas han perdurado, sin
embargo, en las copias realizadas por los romanos, que sentían gran admiración por la cultura clásica. Entre
algunas de esas copias se encuentran el grupo de los tiranicidas realizado por Kritias en colaboración con
Nesiotes (Museo de Nápoles) y los numerosos trabajos de Policleto, entre los que se incluye el Doríforo o
portador de la lanza (Museo de Nápoles), Diadumeno de Delos (Museo Nacional de Atenas) y la Amazona
(Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En estas esculturas, la postura frontal de las figuras del periodo
arcaico se sustituye por posiciones más complejas y actitudes más naturales.
De la alta época clásica casi no se conservan pinturas murales. El pintor más importante del momento fue
Polignoto. En sus frescos de Leskhe de los Cnidios en Delfos, descritos por el historiador griego Pausanias,
representó la destrucción de Troya y la visita al Hades. Plinio el Viejo escribió que Polignoto fue el primer
maestro de la expresión. El descubrimiento en 1968 de un sarcófago griego pintado al fresco en Paestum
(c. 470 a.C., Museo Arqueológico de Paestum) muestra los logros de la pintura mural de la alta época clásica.
Las figuras de los asistentes a un banquete y la representación de un nadador muestran el dominio de la
anatomía, del trazo y de las expresiones faciales. Los ojos están dibujados de perfil en lugar de frontales y
también aparecen escenas paisajísticas.
En la pintura de vasijas las escenas de carácter simbólico y decorativo fueron remplazadas de forma gradual
por representaciones tridimensionales, como en las obras de Pistoxenus y Penthesilea. Las formas son más
nítidas, los ojos se representan de perfil y los pliegues de las telas adquieren formas más naturalistas. Estas
características, especialmente en las vasijas del pintor de los Niobides, sugieren la influencia de Polignoto y
ofrecen más información de su estilo artístico.
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CONCLUSIÓN
Aprendí que los griegos no tenían las cosas por tenerlos si no que todo tenia un origen y un por que de las
cosas, ya sea religión, mitos, esculturas, etc.
Todas estas cosas también tienen un significado,(los jarrones tenían simbologías con algún significado) los
tipos de construcción arquitectónicas también poseían una especie de simbología en la superficie. Al ya haber
finalizado este trabajo espero seguir aprendiendo aún mas de los griegos y sus mitologías.
BIBLIOGRAFÍA.
−Morín Bernarda
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L'ENCYCLO. Bordas.
Empresa editora ARRAYAN
1º Edición
Santiago de Chile
−Microsoft Encarta 2000
sócrates
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