arquitectura, pintura y escultura del arte prehistoria al arte romano

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Desde el comienzo cuando decidió establecerse en un determinado lugar, trato
de cubrir sus necesidades de vivienda, podríamos nombrar que su primer tipo de
vivienda fue un árbol, después se establecieron en cuevas y posteriormente las chozas
hechas de madera u otro material, he ahí el comienzo de la Arquitectura.
Stonehenge, se dice ser el primer monumento arquitectónico, se le conoce como “el
monumento antiguo de las piedras enormes”, localizado en el llano Salisbury, al
suroeste de Inglaterra, aunque se desconoce su funcionalidad, aunque existen muchas
teorías, se dice que se construyo como un ritual para el sol, para tener en cuenta la
observación de fenómenos astronómicos, los eclipses o probablemente como calendario.
Además, habría constituido un lugar de reunión o más bien un centro de culto para
ceremonias religiosas con el Sol y la Luna. Stonehenge esta formado por cuatro círculos
concéntricos de piedras a lo que le llamaremos Menhir y Dolmen*, formando así las
primeras obras arquitectónicas o monumentos. Stonehenge es uno de los monumentos
megalíticos de Inglaterra y la estructura prehistórica más importante de Europa, es aquí
donde se da el inicio de La Arquitectura monumental.
Cada región surgieron distintos estilos arquitectónicos, de los primeros grandes
constructores del mundo podemos nombrar a los Egipcios; Egipto se dice ser “el mayor
lugar de culto de la Historia antigua” se desarrolla en ríos con un clima y una geografía
desértica esto influye mucho en la construcción de de sus obras, además su religión era
muy serena, estable y su única aspiración era servir al Faraón y tener vida después de
muerto. La Arquitectura de Egipto fue evolucionando alrededor de muchos años, ya que
las ciudades se unificaron, había un solo poder formado por la nación egipcia; en Egipto
el enterramiento era en lo suelos después aparecieron las mastabas o mas bien conocidas
*Menhir -Men= Piedra, Hir= Larga, *Dolmen – Dol= Mesa, Men= Piedra.
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como “Pirámides Truncadas” a estas se les
considera “La primera obra y
tumba arquitectónica”, posteriormente aparecieron las Pirámides escalonadas que
estaban constituidas por una serie de mastabas, a estas se les considera como “La
primera obra arquitectónica de tipo monumental” y posteriormente perfeccionaron sus
templos y llegamos a lo que son las grandes pirámides, que con grandes bloques de
piedra tallados y superpuestos, sin recurrir a ninguna argamasa que los uniera, además
que significaba algo para ellos “Las escaleras para el cielo”, algo que destacar es que
todas las entradas de los templos Egipcios se orientan al Este (De donde sale el sol); en
esta época nace la columna un tanto rígida y tosca dando lugar a los siguientes
elementos: Fuste, Dado, Dintel y el Capitel este ultimo a su vez tenia 3 diferentes
formas: Flor de Papiro (Papiriforme), Loto (Lotiforme), Palma (Palmiforme), La
arquitectura de Egipto es mas Resistente que la Mesopotámica, es por ello que en
Mesopotamia se desarrollaron los arcos y las bóvedas de cañón, fueron los primeros en
abastecer de agua a sus ciudades, comento ciudades porque en Mesopotamia nunca se
unificaron las ciudades, siempre vivió constantes enfrentamientos entre pueblos
(guerras) y todo esto tuvo impacto en su arquitectura ;la aspiración de ellos era el poder
y la riqueza, su religión era cruel y sobria, para ellos la muerte era un horror a diferencia
de Egipto que para ellos era un honor morir para encontrar vida después de muertos.
Los Mesopotámicos utilizaban el arte para exaltar y predicar la vida, porque era lo que
mas aspiraba el hombre; Mesopotamia, es la región comprendida entre los ríos Tigris y
Eufrates, zona dentro de la cual escasean la roca y la madera, y abunda el barro. Siendo
el barro el material predilecto era empleado de dos maneras, la primera siendo simples
“bloques” de barro con paja secados al sol, creando así el adobe; la segunda forma era
horneando el bloque de barro, creando así el ladrillo que son característicos de su
arquitectura. Debido a que el barro no tiene la resistencia que tiene la madera y mucho
menos la resistencia de la piedra, la arquitectura de Mesopotamia, tiende a ser más
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horizontal que vertical, ya que con el barro no se puede crear edificaciones muy altas.
Los muros tenían que ser bastante gruesos, para poder sostener la estructura, y en
ocasiones tenían forma de trapecio, siendo más gruesos en el piso. Debido a las
características del material los vanos en los muros no podían ser abundantes, creando un
problema ya que las viviendas tenían que estar muy bien ventiladas puesto que la zona
es calida, dándole solución empleando patios tanto grandes como pequeños en calidad
de núcleos de distribución que le proveyeran de una ventilación e iluminación. El barro
aparente no es un material vistoso, sin embargo los mesopotámicos utilizaron varios
elementos para darle vida a sus edificios como, contrafuertes y relieves que permitían
jugar con sombras dándole mucha vista a un simple muro, su arquitectura fue muy
colorida en su exterior.
La Arquitectura mesopotámica no se distingue por su tamaño, ya que son
edificaciones bastante pequeñas comparadas con las construcciones de otras culturas
debido a la poca resistencia del barro. El hombre es un ser que por naturaleza se adapta
al medio y lo aprovecha al máximo de una u otra manera. Mesopotamia es un claro
ejemplo de esto, pues, a pesar de su escasez en cuanto a materiales constructivos, pudo
crear una arquitectura impresionante con simple barro. El ingenio del mesopotámico lo
llevo a crear grandes obras como son los zigurats, elemento que fue empleado bastante
y el que duro toda la época, sufriendo algunos cambios. Otro aspecto característico de
Mesopotamia son los palacios, o como también se les dice ciudadela, las cuales
albergan al rey y a todos los que manejaban la ciudad. La Arquitectura mesopotámica,
no se caracterizo por su colosal magnitud, porque no era del todo colosal sino por su
gran ingenio para aprovechar el material que empleaban y darle a cada edificación una
gran armonía y belleza estética y funcional, esto sucede también con los Persas aunque
si existen algunas diferencias entre Persia y Mesopotamia, una de ellas es su religión,
para ellos la Pureza es el fuego, agua, aire, la vida son las buenas costumbres a
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diferencia de Mesopotamia que su religión era cruel, Persia era un de los Imperios mas
grande de la Historia, no hubo templos grandes solo las llamadas Piras*, surgió la
repetición (en serie) en los templos se utilizo las rampas, la plataforma (imitación de
Babilonia), Las columnas con estría (Imitación de Grecia) ya que mantuvieron una serie
de enfrentamientos con los griegos, Persia es una arquitectura de imitación no sobresale
mucho, mas bien quiso tomar diferentes elementos de otras ciudades para crear la
propia, pero cae en la imitación y no existe realmente una evolución, hasta este periodo
podemos decir que se desarrollo una “Arquitectura de tipo Monumental”. Grecia se dio
un gran paso en su arquitectura, ellos resolvieron todo acerca todo acerca del ciclo de la
vida, los dioses, los hombres, Grecia se desarrollo a orillas el mar con un clima
agradable a diferencia del clima desértico de las otras culturas, desarrollan la técnica de
la navegación, desde el punto de vista del comercio Grecia es un lugar estratégico ya
que había mucho dinero (riqueza) no había ningún problema para construir, en ellos
apareció el amor por la belleza en si una oculta inteligencia entre el hombre y la
naturaleza esto los llevo a definirse por su armonía, proporción. y junto con la
funcionalidad, para ellos el hombre es el centro del universo o el patrón de medida y la
arquitectura refleja ese estado. Se dividió en dos grandes periodos: el periodo primitivo
o prehelénico y el periodo helénico o clásico En ambos momentos se utilizarán las
estructuras adinteladas, apareciendo la columna con un papel determinante, desde un
principio la columna griega se define y se torna en símbolo de sostén, de unidad y
nobleza. Los materiales que utilizan los griegos en sus construcciones son
preferentemente: la piedra con sillares bien labrados y, en menor medida, el ladrillo. El
templo es el edificio característico de la cultura griega. Se distingue por su fachada, en
*Piras= Pequeños altares que se encuentran en las montañas y se hacían oraciones a sus dioses.
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la que se sitúan diferente número de columnas, y por la techumbre. La
arquitectura griega es de estilo arquitrabado; en la que se distinguen tres .órdenes
clásicos fundamentales: el dórico, el jónico y el corintio. Estos son, en realidad, órdenes
de proporciones entre la altura y la sección, más que tipos de columnas, aunque la forma
más fácil de distinguirlos sea por el aspecto del capitel. El orden dórico es sobrio fuerte
y racional, se dice que es el orden masculino tal como lo entendían los propios griegos,
se caracterizo por tener una columna sin basa, el fuste es estriado, con aristas vivas, y el
capitel liso. El arquitrabe también es liso, y está dividido en triglifos y metopas. Es el
orden más pequeño de todos. El orden jónico es fino, delicado decorativo y es la
expresión femenina de la arquitectura griega, se caracterizo por el fuste es más largo y
fino. El capitel es más elaborado: tiene collarino, cojinete y volutas. El arquitrabe está
dividido en bandas, y el friso es corrido, pero está adornado con relieves y tiene basa. El
orden corintio este ultimo se le llamo el orden menor, de espíritu jonico, también tiene
basa. Su fuste es aún más delgado y largo. El capitel está mucho más decorado y parece
una pirámide truncada invertida. Se diferencia poco del jónico, a no ser por la
decoración con hojas de acanto. El tamaño de las columnas responde a una proporción o
canon, tomando como unidad de medida o módulo, el diámetro del fuste en su base, de
igual manera que en la escultura se toma el tamaño de la cabeza como módulo para la
representación ideal del cuerpo humano. El templo es la construcción más compleja.
Tiene una planta rectangular, aunque también puede ser circular, y en él se distinguen:
el pronaos, o vestíbulo; el naos, donde se sitúan las imágenes del dios al que está
dedicado; y el opistódomos, donde se guardan las ofrendas. El templo se alza sobre una
grada o krepis, de hasta cuatro escalones, por lo que se puede acceder por los cuatro
lados del edificio. La cubierta es a dos aguas, lo que forma el espacio para el frontón. En
la fachada hay una o dos filas de columnas: próstilo y anfipróstilo, respectivamente, y
siempre en número par, tetrástilo, hexátilo, etc.
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Por otro lado en la cultura india suele manifestar la voluptuosidad con una libertad de
expresión poco habitual en Occidente. El arte de la India debe ser comprendido y
juzgado en el contexto de las pretensiones y necesidades ideológicas, estéticas y
rituales de su civilización. La visión hindú-budista-jainí del mundo depende de la
resolución de la paradoja central de toda existencia, según la cual el cambio y la
perfección, el tiempo y la eternidad, la inmanencia y la trascendencia funcionan como
partes de un único proceso. En esta situación no se puede separar a la creación del
creador, y el tiempo debe ser entendido sólo como una matriz de la eternidad. Este
concepto, aplicado al arte, divide el universo de la experiencia estética en tres
elementos distintos, aunque relacionados entre sí: los sentidos, las emociones y el
espíritu. Estos elementos dictan las normas para la arquitectura, la espiritualidad es la
principal, como un instrumento para cerrar y transformar el espacio. En lugar de
representar la dicotomía entre la carne y el espíritu, el arte indio, por medio de una
sensualidad y voluptuosidad deliberadas, funde ambas a través de un complejo
simbolismo que, por ejemplo, trata de transformar la carnosidad de un cuerpo
femenino en un misterio perenne de sexo y creatividad, en el cual la momentánea
esposa se revela como la madre eterna.
La primera muestra de arquitectura india fue la construcción de edificios de ladrillo, al
tiempo que se levantaban estructuras de madera posteriormente de piedra, en la India
buscan materiales más resistentes. Todas fueron desapareciendo a lo largo de los
siglos, pero fueron imitadas por construcciones de piedra que aún existen. La mayoría
de los monumentos que se construían estaban relacionados con la religión. La
construcción budista característica es la stupa, o templete para guardar reliquias en
honor de Buda se dice ser que eran “Grandes y sencillas” como la religión. Su forma
más corriente es semiesférica, dispuesta sobre uno o varios pisos de basamento
circulares o cuadros. La stupa es una construcción absolutamente maciza, recubierta
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de piedra. Si comparamos las obras arquitectónicas del arte árabe son obras muy bajas
no son obras colosales, son muy pobres en el sentido de la decoración, aunque la
decoración por el interior es muy detallada, en Arabia fue el primer lugar donde se dio
la religión del Islam, ya que el Islam significaba “su misión”, por la religión nace la
arquitectura, se da la utilización de los Arcos pero nada mas como elemento
decorativo ya que el arco que se utilizo es Falso no tienen función solo detalle. Las
Mezquitas son el centro de culto para orar. En la zona Islámica no hay muchas obras,
lo mas sobresaliente del arte árabe esta en la zona de España. Hay mucha influencia
hispano-romana, Siria, persa y bizantina, un estilo muy peculiar que inauguró el arte
hispano-musulmán o estilo califal que básicamente es lo que entorna al arte en Arabia
que se extendió por todo Arabia incluso en España. El Arte Hispano-Musulmán hoy
por hoy se considera uno de los más bellos de la historia universal especialmente en la
arquitectura, por su recargamiento decorativo que marca el esplendor máximo del arte
hispano-musulmán. Los mocárabes invaden capiteles, impostas, arcos, frisos y
bóvedas, pero multiplicando complejamente los ejes de simetría, los elementos
dispares logran una asombrosa unidad. La belleza de éste arte es indudable,
convirtiéndose en un bosque de columnas coronadas por bellísimos capiteles. Si nos
adentramos a otro tipo de hacer arquitectura lo podemos encontrar Entre las culturas
japonesa y china se aprecian elementos comunes; sin embargo, sus características
generales son bastante diferentes. Concretamente la arquitectura de China es muy
diferente de la de Japón, tanto en la forma como en el espíritu que la alimenta. La
inmutable estructura jerárquica de la familia extensa, sacralizada en toda China, y su
espíritu de veneración hacia los antepasados, se refleja en la forma estricta de la casa
familiar. Ésta se construye sobre una planta rectangular, con una disposición axial
siguiendo un eje norte-sur. La entrada se efectúa a través de un patio tapiado situado
en el extremo sur, mientras que los elementos de vivienda se disponen simétricamente
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a ambos lados del eje. Esta estructura se repite en numerosas tipologías residenciales
de mayor envergadura, como monasterios, mansiones, palacios e incluso ciudades
enteras.
Los materiales constructivos más utilizados en China y Japón son la piedra, el ladrillo,
la madera y los elementos cerámicos. Las formas características de la arquitectura de
ambos imperios provienen de las estructuras de madera. En China, los pilares
sostienen una techumbre de madera, una especie de pirámide invertida formada por
capas de vigas (tirantes) arriostradas por correas y pilares intermedios. Éstos, a su vez,
sujetan las correas y cabios sobre los que descansa la pesada cubierta de tejas. Los
aleros se extienden en voladizo más allá de las líneas de columnas, sobre unas
complicadas ménsulas. El arquetipo resultante es un edificio de planta rectangular,
normalmente de una sola altura, rematado por una empinada cubierta. La evolución de
la casa japonesa es muy distinta de la china. Mientras la última se ocupaba de expresar
el orden social, la casa del Japón se empeñó en crear un diálogo poético con la
naturaleza, estableciendo relaciones diversas con la tierra, el agua, las piedras o los
árboles. Los edificios que lo componen parecen desperdigados de forma aleatoria,
pero en realidad siguen una cuidadosa secuencia de vistas e integración en el paisaje.
A diferencia de los árabes, Roma se extendió más, hubo la necesidad de tener
dos capitales: Roma y Constantinopla la conformaba el estado ya que el arte estaba
destinado a los Senadores, Emperadores, el Ejército, ya que el arte tenía que reflejar y
exaltar el poder del estado. La arquitectura romana tomó el relevo de la griega, pero sus
resultados fueron muy distintos. En primer lugar, contrariamente al débil concepto de
nación que generaban las alianzas entre ciudades-estado griegas, Roma llegó a ser un
imperio poderoso y bien organizado, que colonizó con su política, su lengua y su arte,
se llevo a cabo grandes obras de ingeniería como calzadas, canales, puentes y
acueductos.
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Roma se dividió en dos periodos: Roma Imperial y Roma Cristiana. En la Roma
Imperial surge una nueva topología de edificios: Como el anfiteatro, Teatro, Cirios,
Termas, Arcos del mundo, Foros, etc., los materiales principales son el Ladrillo, piedra,
cemento y el edificio recubierto con mármol, los edificios antiguos se recubrían con
Mármol Travertino y los edificios mas nuevos se recubrían con Mármol Carrara, surge
el uso arco de medio punto extendido y la bóveda de cañón corrido. Roma se caracterizo
por sus obras arquitectónicas, a diferencia de los griegos, en Roma hay un aumento de
molduras, temas decorativos, se pueden apreciar por el exterior e interior, en las
columnas hay mas ornamentación, como que se le dedica mas tiempo a la arquitectura,
surge la cúpula rebajada que se puede considerar como una bóveda de desarrollo
circular, mucho más estable que las bóvedas de cañón, pero también limitada por los
empujes laterales que ejerce sobre la estructura portante y por su propio peso. Se
inventa 2 tipos de columnas: La columna Toscaza y La columna Compuesta, esta ultima
es una combinación de las columnas griegas Jonicas y Corintia. Para los romanos,
Roma era el centro del mundo y el centro del universo, es de donde se dice que el
coliseo romano era el orgullo de Roma; por el otro lado la Roma Cristiana, se le dice la
ciudad mas grande del mundo por su crecimiento en cuanto a tasa de población, en esta
época existían los primeros cristianos, que para aquellos tiempos no se podía ejercer esa
religión, entonces se refugiaban en catacumbas* y ahí si se hacían sus oraciones allí se
construyeron capillas subterráneas donde se reunían los fieles cuando las basílicas e
iglesias eran destruidas, Hasta que Constantino en el año de 313 D. C. promulgo a la
religión cristiana como la religión oficial (Edicto de Milán) es donde surgen las
Basílicas, Constantinopla tiene mas influencia del oriente y surge otra arquitectura, a la
que la llamaremos el Arte Paleocristiano, rápidamente las basílicas tomaron diferentes
Catacumbas * =cámaras y galerías subterráneas utilizadas como enterramientos por algunas civilizaciones mediterráneas antiguas.
Las más conocidas son las que utilizaron los primeros cristianos de Roma.
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elementos como son: El Ábside, se puede encontrar en forma circular, poligonal, etc., El
arco, otro elemento de antiguas culturas pero para los cristianos significaba “El triunfo
de la iglesia sobre el estado Romano”, El Atrio, que era el patio frente al templo,
Nartex, el Patio delimitado por arcos y varias columnas, El Baptisterio, que podía ser
circular, poligonal que significaba “El nacimiento de un fiel cristiano”, Presbiterio que
era el Altar y las Naves, podían ser naves laterales o nave central.
En sus fachadas eran muy toscas y alargadas recubiertas con mármol y mosaicos
eran inclinados a dos aguas, posteriormente se fue anexando el campanario que
significaba “El cristiano al morir se iba al cielo” El espacio de la basílica resultaba
perfecto por su carácter direccional, jerárquico y claramente articulado, con la ventaja
adicional de no haber sido utilizado por ningún otro culto religioso. En Roma aún se
conservan algunas de estas iglesias que evocan el espíritu de la arquitectura
paleocristiana. El Imperio se divide definitivamente en dos partes, el Imperio de
Occidente y el Imperio de Oriente, que será conocido como Bizancio, es cuando surge
el arte Bizantino que es un conjunto de manifestaciones artísticas desarrolladas en el
imperio romano de oriente la capital del estado Constantinopla. La arquitectura
bizantina tomó como modelo la iglesia de planta central (o cruz griega), en la cual el
espacio se organiza en torno a una cúpula central. Uno de los grandes avances de la
composición espacial bizantina consistió en cubrir mediante una cúpula semiesférica, un
espacio de planta cuadrada, consiguiendo así la posibilidad de articular una sucesión de
crujías cubiertas con cúpulas. En el arte Románico este estilo es el resultado de la
integración de fórmulas constructivas y estéticas de diversa procedencia: romana,
prerrománica, bizantina, germánica y árabe, hasta alcanzar una unidad de criterios y una
personalidad considerable. Pero no se puede considerar este estilo como algo
completamente homogéneo en el doble plano espacial y cronológico, puesto que se dan
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“variedades regionales” y una evolución temporal de maduración y decadencia,
Tradicionalmente se atribuyen una serie de características generales al estilo románico:
solidez de la construcción, gran anchura de muros para poder resistir las fuerza y
tensiones de la estructura, uso del arco de medio punto y bóveda de medio cañón,
escasez de vanos, tendencia a la horizontalidad frente a la verticalidad del gótico
(aunque esto es bastante cuestionable). Lo más atrayente de este arte es sin duda la
combinación de formas arquitectónicas de un gran equilibrio y elegancia, dada su
sencillez, sentido de la simetría y el orden y la utilización de escultura de una extraña
belleza, muy alejada de los cánones clásicos. Esta escultura es empleada para transmitir
mensajes catequéticos y simbólicos a los feligreses que podían "leer" en la piedra las
enseñanzas de las Sagradas Escrituras.
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Los objetos escultóricos conocidos más antiguos, tallados en marfil, asta, hueso
o piedra, tienen entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad. Se han extraído figurillas
femeninas en piedra en donde se hace mucho énfasis en la representación de los órganos
reproductores, los pechos y las nalgas, llamadas esteatopigias, aun no le ponían cara. Se
dice que representaban a diosas de la fertilidad y por ello se les llama Venus. Los
primeros seres humanos debieron haber usado Instrumentos para el tallado de hueso o
piedra. La Venus de Willendorf y se dice ser la primera manifestación de escultura que
se conoce en la historia del hombre, se descubre el arte en tres dimensiones o en relieve.
La figura, labrada o esculpida en piedra caliza con una altura aproximada de 11,5cm.
Está considerada como un símbolo de la fertilidad por sus exageradas formas
anatómicas femeninas. Data de los años 30,000-25,000 a.C. y probablemente se dice
que sea más antigua que las pinturas rupestres, lo más curioso de esto es que el hombre
se olvido del tema principal que era el hombre y los animales; al parecer le rendían culto
a la mujer y a través de ello las representaron. Surgiendo una nueva forma de arte en la
era del Paleolítico. En el arte Africano tuvo varias manifestaciones como lo son: el uso
de la madera, el forjado, alfarería, mascaras, etc. Cabe mencionar que la manifestación
que destaca es la escultura sobre madera. El hombre africano no talla sus estatuillas y
mascaras en cualquier tipo de madera, sino que escoge ciertas maderas que provienen de
un árbol sagrado. También es importante remarcar que la madera era de acuerdo a sus
propiedades, puesto que no podían tallar si la madera era muy dura o tenia muchos ojos,
ni tampoco si esta era muy blanda puesto que muy fácilmente se astilla. También, como
ya se menciono anteriormente, se manejaba la alfarería, la cual es manejada con mucha
técnica, y la cual era considerada trabajo de mujer. El forjado es muy importante, puesto
que el forjador, no solo es un artista, sino que ante la sociedad era una persona muy
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reconocida y de mucho respeto. En algunas ocasiones el forjador era el marido de la
Alfarería. El escultor, o más propiamente dicho, el artista, desempeña una función muy
importante en la sociedad, puesto que no solo es el individuo que expresa sus
sentimientos sino es un obrero del arte. En la sociedad el artista gozaba de muchos
privilegios y de gran prestigio, sin embargo, al mismo tiempo están obligados a cierta
servidumbre y especialmente a la de reservar su producción al rey o jefe. En la mayoría
de las culturas que se han visto anteriormente, el artista adquiría
su cargo, casi
exclusivamente herencia o por tradición, en África el cargo no es hereditario, solo lo
ocupa después del aprendizaje. En África como en Europa medieval la obra de arte no
es producto de instinto, ni resultado de esa creación delirante y estática. El artista
Africano, es un hombre que ha aprendido el oficio. Cabe destacar que a diferencia de
muchas otras culturas, en África no existen obras que no sean producto de encargos,
llegando a tal grado que el escultor ama su trabajo, pero no hace sus obras para su
placer. El arte pasa de ser una simple forma de expresar las ideas, a ser una profesión, la
cual tiene que ser aprendida y perfeccionada. El hecho de que arte africano sea producto
de un “encargo”, no significa que no exista la individualidad, puesto que si es cierto que
al artista se le da un tema, e incluso se le dice hasta que estilo, pero, ya de el depende
como lo interpreta creando así su arte. El arte puede ser visto de muchas maneras, desde
una simple forma de expresión, hasta toda una profesión con normas y reglas. Estas son
dos formas muy diferentes de ver el arte, puesto que una nos muestra al artista nato,
aquel que tiene un instinto y que crea formas basándose en una percepción de la
realidad muy diferente a la de los demás, y que crea formas basándose en una
percepción de la realidad muy diferente a la de los demás, y otra que nos muestra como
se le puede dar al individuo, de tal manera que este adopte habilidades necesarias para
ser llamado un artista. De igual manera, aunque son dos formas diferentes de ver el arte,
tienen algo en común, las dos involucran los sentimientos del hombre y la manera en
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que este lo expresa. En Egipto logró en distintas épocas y regiones, un arte espléndido,
de carácter constante y perfectamente coherente. En el Paleolítico reproducir estas
figurillas representaba posesión y en Egipto reproducir significaba elemento de
supervivencia. Desde los minúsculos objetos de uso común hasta las estatuas colosales,
el arte egipcio es de una belleza y fantasía fuera de tiempo. La Estatuaria Egipcia es una
de las mas grandes creaciones de la historia de la civilización no solo por el
extraordinario numero de obras de altísimo nivel, sino por la constancia de tal nivel de
sus tipos expresivos a través de 3000 años, la escultura esta estrechamente ligada a la
arquitectura funeraria, se encuentran generalmente en tumbas y templos, se hacia
garantizar la inmortalidad del difunto (faraón) la mayoría de los temas son casi siempre
religiosos o representaciones de los faraones. Las estatuas colosales tenían un papel más
arquitectónico y fueron erigidas para embellecer los templos o lo que es más importante,
para la glorificación de los reyes cuyos nombres llevaban. Sus características principales
es que eran muy rígidas, las plantas de los pies siempre pegados al suelo, no existen
sentimientos humanos, ley de frontalidad, los ojos están dirigidos al infinito, la frente
elevada, respiran eternidad, todas las esculturas hay juventud. Podríamos decir entonces
que el arte egipcio es simbólico, porque esta impregnado de sentido religioso propio, a
la vez parece ser que no tenia idea de movimiento, esto no significa que carezca de
dinámica, va hacia la abstracción de las formas. Muy pocas obras egipcias fueron
realizadas "por amor al arte". Todas tuvieron una función religiosa, funeraria y en el
menor de los casos funcional, pero fueron dotadas por sus artífices de un carácter
artístico perdurable, universal y sorprendente, además se trata de buscar el realismo de
las expresiones humanas; mantuvieron un estilo invariable durante varios siglos. Yo
creo que la escultura egipcia está diseñada para ser vista desde el frente, ya que en su
mayoría se ubicaban contra los muros o, incluso, formando parte de estos.
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Existe una influencia técnica de los egipcios en Mesopotamia pero la temática no es
la misma, como la pintura empieza a perder terreno, es por eso que tiende a
desaparecer para crear símbolos y de allí nace la escritura y en Mesopotamia se
perfecciona, ya que surge la escritura por necesidad llamada cuneiforme se hacia por
medio de tablillas de adobe, además que en Mesopotamia trata de romper la tendencia
de la rigidez de la escultura egipcia, Dentro de su escultura podremos encontrar una
gran cantidad de impresionantes relieves que nos muestran escenas de la vida de ese
entonces, batallas, etc.; así como también encontramos una gran cantidad de estatuas
de reyes y dioses. A continuación se trataran de concentrar los aspectos que
identifican las estatuas mesopotámicas y que las hace tan majestuosas. Si comparamos
el rostro y el cuerpo de una escultura mesopotámica, nos podremos percatar de que el
rostro esta mucho mas detallado que el cuerpo, esto con el fin de darle individualidad
a cada estatua, ya que ellos se basan en el rostro para lograr esto, dejando en cuerpo en
segundo plano. También esculpían animales en los cuales se apegaban un poco más a
la realidad, sin embargo, si existía un cierto grado de estilización, solo que a
diferencia de otras culturas la estilización más que fundirse con el realismo se
acoplan, debido a la cercanía de Mesopotamia con Egipto se presta para
comparaciones, como en el caso de muchos autores, sin embargo esto no debe ser,
puesto que cada quien tiene su forma de ver la realidad, unos le dan mas importancia a
unas cosas y otros a otras. Cada pieza tiene un significado diferente, cada figura
envuelve el conocimiento y el sentimiento de una cultura entera. En
Las
civilizaciones anteriores coincidían en determinada forma de representación. Los
griegos, con su afán naturalista y de búsqueda de la belleza, en un plazo corto de
tiempo vienen a modificar todas esas experiencias artísticas y establecen las bases de
la idealización, del realismo. La naturaleza y libre y perfeccionista de los griegos los
llevo a crear una arte sumamente perfeccionista, para ellos todo tenia su razón de ser,
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a continuación se tratara brevemente de explicar rasgos principales de la escultura
griega. El arte griego, como todas las demás, tiene su forma de ser, tiene su esencia,
esa característica que lo hace tan especial y trascendente. En esta época la búsqueda
del naturalismo llega a su máxima expresión alcanzando la perfección en todos los
aspectos técnicos. No hay que perder de vista que la perfección se expresa con formas
ideales, no realistas, pues no se muestran las peculiaridades individuales y
deformaciones de la naturaleza sino el individuo como prototipo ideal por lo que no se
representa a una persona concreta sino a un ser perfecto, como se comentaba en el
Paleolítico la temática principal el animal, en el Medio oriente hay un equilibrio entre
el hombre o el animal y en Grecia es el Hombre por para ellos reproducir significaba
la realidad, En los relieves presentan las figuras en escorzo, y ya se pierde la antigua
frontalidad que se utilizaba en civilizaciones anteriores; el volumen refleja con
precisión, la anatomía humana y las figuras se adaptan al marco en el que están
realizadas de forma que no disminuyen artificialmente sus tamaños sino que
mantienen la misma escala. La sensación de profundidad se consigue sobre todo
superponiendo las figuras o sus partes en distintos planos a pesar de que el fondo
sigue siendo neutro. El artista griego en su intento por expresar sus ideas, utilizo
simples formas geométricas donde cada componente del cuerpo es creado meramente
de la memoria y de la mente del autor, además de que ya no existe tanta rigidez como
en las culturas anteriores, los labios son cerrados, tienen sonrisa arcaica, ojos
almendrados, cabello rizado, desnudos y la principal, los brazos no están pegados al
cuerpo a diferencia de los egipcios que los brazos y las manos van pegadas al
cuerpo, en los relieves presentan las figuras en escorzo, y ya se pierde la antigua
frontalidad que se utilizaba en civilizaciones anteriores; el volumen refleja con
precisión, la anatomía humana y las figuras se adaptan al marco en el que están
realizadas de forma que no disminuyen artificialmente sus tamaños sino que
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mantienen la misma escala. La sensación de profundidad se consigue sobre todo
superponiendo las figuras o sus partes en distintos planos a pesar de que el fondo
sigue siendo neutro. El artista griego en su intento por expresar sus ideas, utilizo
simples formas geométricas donde cada componente del cuerpo es creado meramente
de la memoria y de la mente del autor. En la India la escultura se realizaba en piedra,
marfil, arcilla, oro, la evolución de una arquitectura monumental en piedra, que se
complementa con escultura en bajo y altorrelieve. La figura de Buda no estaba
presente en el arte primitivo indio y se recurría a símbolos y a escenas de su vida, a
representaciones de deidades budistas y de leyendas edificantes. En aquella época —
como a lo largo de toda la historia de la escultura— las figuras y la ornamentación se
disponían en complicadas composiciones. Los monumentos más destacados de este
periodo son los capiteles con formas de animales de los pilares de arenisca, cuyos
relieves parecen estar comprimidos entre la superficie y el fondo. En Arabia fue el
primer lugar donde se dio el Islam, empezaron a utilizar trabajos artesanales en
cerámica, vidrio que eran las lámparas para mezquitas, marfil, cofres la mayoría se
trabajo con metales, también se uso el repujado, repillado, la utilización de los
mosaicos también influyo mucho, ya que utilizaban figuras geométricas, las utilizaban
para adornar porque no se les permitía hacer ídolos y se tenían que inspirar en la
naturaleza de una manera abstracta. En China y en Japón la escultura no fue muy
notoria las formas plenas características de la dinastía Tang continuaron en la
escultura del periodo Song. Los éxitos más notables se alcanzaron en las figuras
budistas, en las que con frecuencia la arcilla y la madera sustituían a la piedra. La
arcilla, de gran plasticidad, permitía plasmar las formas del cuerpo con más suavidad
y con ella se obtenían sorprendentes resultados de parecido con el natural. En Japón
La escultura era a ojos de los artistas un medio de expresión mucho menos eficaz; la
mayor parte de ella está relacionada con la religión, por lo que su importancia
18
disminuyó con la decadencia del budismo tradicional. Un estilo de escultura más
realista y dinámica fue creado por la escuela de Kei, especialmente por Unkei, cuya
factura queda patente en los dos guardianes (1203) de la gran puerta sur del Todai-ji
de Nara. Estas estatuas, de unos 8 m de altura, fueron talladas en numerosos bloques
durante un periodo de tres meses, hecho que indica que existía un taller de artesanos
que trabajaban a las órdenes de un maestro escultor. La técnica de los bloques
múltiples permitía construir grandes estatuas sin peligro de resquebrajamiento de la
madera. Entre las obras más realistas de la época destacan las esculturas de madera
policromada se representan a los dos sabios indios Muchaku y Seshin, legendarios
fundadores de la secta Hosso y que, como es habitual en la obra de este artista, son
imágenes muy singulares y de gran credibilidad.
A lo largo de todo el mundo romano las estatuas y relieves escultóricos adornaron los
edificios públicos y privados. De hecho, algunas construcciones romanas fueron poco
más que soportes monumentales para la escultura, los arcos de triunfo levantados en
todas las partes del Imperio se destacan como uno de los monumentos más importantes.
Aunque casi ninguno de los grandes grupos escultóricos que alguna vez remataron estos
arcos ha subsistido, el propósito originario de tales construcciones fue únicamente servir
de soporte a la estatuaria honorífica. Que alguna vez remataron estos arcos ha
subsistido, el propósito originario de tales construcciones fue únicamente servir de
soporte a la estatuaria honorífica. En la estatuaria de bulto redondo utilizaron los
mismos materiales pétreos, aunque se hicieron también gran cantidad de estatuas en
bronce o incluso en oro y plata, se conservan relativamente pocas estatuas en bronce y
casi ninguna en oro o plata, ya que muchas de ellas se fundieron en la edad media y
periodos posteriores. En el Arte paleocristiano Los ejemplos que se conservan de la
escultura datan del siglo IV; y, por su estilo, estas obras ya no se corresponden con el
ideal clásico de belleza. Este estilo, llamado a veces ‘antiguo tardío’, es tal vez el
19
resultado de las influencias de las invasiones germánicas y del trabajo de artistas menos
cualificados. Con el paso de los siglos, la prohibición bíblica de esculpir imágenes hizo
que disminuyera la importancia de la escultura. En vez de una estatuaria a tamaño
natural se hicieron esculturas a escala reducida: retablos de marfil transportables,
dípticos (dos paneles de marfil tallados unidos por bisagras) o pequeñas urnas
esmaltadas al gusto bizantino. La escultura a pequeña escala en marfil, bronce y oro de
la época prerrománica estuvo influenciada por el arte paleocristiano y bizantino. Los
motivos originados en los pueblos nómadas, como las figuras grotescas del bestiario y
los diseños geométricos entrelazados, fueron muy importantes, sobre todo en las
regiones del norte de los Alpes. En el periodo prerrománico es muy raro encontrar
escultura monumental independiente de un contexto arquitectónico. La mayor parte de
la escultura románica estuvo integrada en la propia arquitectura, y tuvo una doble
función estructural y decorativa. Así, las esculturas románicas integran el conjunto de la
arquitectura religiosa, Las decoraciones escultóricas en piedra a gran escala fueron
usuales en el siglo XII en toda Europa. En las iglesias románicas francesas de Provenza,
Borgoña y Aquitania las esculturas decoraron con profusión las fachadas de los
edificios, y las estatuas labradas sobre pilastras dieron un énfasis visual a los elementos
verticales, El románico pleno se caracterizó por la escultura monumental en piedra para
la decoración de los templos, tanto en las arquivoltas, tímpanos y jambas de sus
fachadas como en los claustros de los monasterios, en los capiteles de las columnas o
los canecillos y modillones de los aleros salientes. Destacan la puerta de las Platerías en
Santiago de Compostela, con escenas del Nuevo Testamento, en el ámbito de la
escultura exenta o de bulto redondo destacan las representaciones de la Virgen sedente,
entronizada con el Niño Jesús acomodado en su regazo y del Cristo crucificado o en
Majestad, realizadas en madera y en la mayoría de los casos policromados. En el ámbito
de la escultura exenta o de bulto redondo destacan las representaciones de la Virgen
20
sedente, entronizada con el Niño Jesús. La escultura románica está ligada a la Iglesia y
sirve para crear una determinada atmósfera en ella. La escultura en piedra está
relacionada a la arquitectura, teniéndose que adaptar a la superficie a cubrir:
o
Se concentran principalmente en capiteles y fachadas.
o
Los follajes, animales e incluso la figura humana tienen que adaptarse a
las exigencias arquitectónicas. Las figuras se pliegan y se tuercen, se
estiran y se reducen según el espacio que tienen que ocupar.
Los temas preferidos para esculturas en madera policromada son los Crucificados y las
Vírgenes con Niño.

La escultura también refleja la concepción del mundo de la Alta Edad Media
dominada por la religión. Su función no es meramente decorativa sino que sirve
para instruir y provocar la piedad de los fieles: no se quiere desviar su atención
con detalles demasiado realistas.

Aparecen así figuras no naturalistas, simbólicas que enseñan a unos fieles
iletrados el camino de la salvación.

En la primera época se pierde la noción de proporción de las figuras que es
sustituida por relaciones jerárquicas.
La figura humana es esquematizada, espiritualizada, estática, envuelta en ropajes con
pliegues simétricos y paralelos. Esta figura va a evolucionar hacia el naturalismo (El
dominio de la arquitectura y escultura permite inventar o desarrollar volúmenes
nuevos.) La escultura se despega del carácter simbólico y se acerca decididamente al
naturalismo.

y a finales del siglo XII aparecen figuras mucho más expresivas que van
perdiendo su rigidez.
21
La escultura románica se desarrolla principalmente en:

Los capiteles de las iglesias y sobre todo de los claustros donde se representan:
o
animales monstruosos, aves entrelazadas y motivos vegetales o
o
escenas bíblicas, vidas de santos, alegorías de vicios y virtudes.
Los pórticos de las iglesias que están formados por unos arcos concéntricos (las
arquivoltas) que se apoyan sobre columnas, decoradas a veces con estatuas
adosadas. En el espacio comprendido entre las arquivoltas y el dintel de la puerta
se encuentra el tímpano, muchas veces ricamente decorado. Los temas más
repetidos en estos tímpanos son la figura del Pantocrátor o Dios Todopoderoso y
escenas del Juicio Final.
22
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En Europa se conocen más de doscientas cuevas Pinturas, pero las más
importantes se encuentran en el territorio francés y español. Una de las principales
características del arte rupestre era la costumbre del artista de utilizar formas naturales
y las paredes de las cuevas como partes integrantes de la obra en si. Altamira es una
cueva en donde se conservan pinturas rupestres, las pinturas han llegado a nosotros
con una gran frescura, muchas de ellas se han conservado intactas; una características
que pudiéramos mencionar de las pinturas de Altamira es que se encuentran en lugares
inaccesibles, es decir que es muy difícil entrar a ver los llamados policromos que la
mayoría de ellos son los bisontes, El arte rupestre nos ofrece formas mucho mas
variadas de subsistencia, además que la aplicación de la pintura dependía de lo que el
artista quería hacer y expresar, se descubre la primera forma de representación
artística: Geometría, repetición. Lo único que me pudiera preguntar es ¿El motivo por
el cual los hombres o artistas realizaron todos animales? Probablemente el hombre fue
entendido las pinturas y a través de ellas se comunicaban con las siguientes
generaciones, es decir como una especie de lenguaje. Los artistas egipcios empezaron
a pintar los muros de las tumbas de los faraones con representaciones mitológicas y
escenas de las actividades cotidianas, como la caza, la pesca, la agricultura o la
celebración de banquetes ya que en ellos no existen pinturas que narren guerras ya que
Egipto fue una ciudad unificada. Igual que en la escultura egipcia, prevalecen dos
constantes estilísticas. En primer lugar, las imágenes, más conceptuales que realistas,
presentan los rasgos anatómicos más característicos, combinando las vistas frontales y
de perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala de las figuras indica la
importancia de las mismas, y así el faraón aparece más alto que su consorte, hijos o
cortesanos, sus características principales son: Cara de perfil, piernas de perfil, dorso
de frente, separación de los miembros (brazos y pies), ojos de frente. En Mesopotamia
23
hay una influencia en la técnica de los egipcios, pero la temática no es la misma, la
pintura empieza a perder terreno, tiende a desaparecer para crear los símbolos y de allí
nace la escritura y en Mesopotamia se perfecciona, surge por la necesidad llamada
Cuneiforme, se hacían por medio de tablillas de adobe.
La pintura Griega es muy escasa, la cerámica fue de gran importancia, en la cerámica
griega pueden arrojar alguna luz sobre cómo era esa pintura de gran formato. En la era
helenística, las escenas y motivos representados en los mosaicos son también
probablemente el eco de pinturas monumentales realizadas con otras técnicas que no
han llegado hasta nosotros, por ejemplo en la cerámica: El ánfora (que servia para
transportar líquidos), los frescos (que tenían colores muy similares a las pinturas
rupestres). En la India principalmente las pinturas eran representaciones del Buda, de
mujeres dormidas, escenas de amor. En dos localidades se conservan restos de
pinturas indias anteriores al año 100 de nuestra era. Los fantásticos murales de las
cuevas de Ajanta cubren el periodo comprendido entre los años 200 a.C. y 650 d.C.
Los más antiguos representan figuras indígenas de noble aspecto y fuerte sensualidad.
Las pinturas de la cueva de Jogimara en Orissa pertenecen a dos periodos, al siglo I
a.C. y a la época medieval, las primeras de dibujo más vigoroso y mejor calidad que
las segundas. En el periodo gupta se alcanzó la fase clásica del arte indio, a la vez
sereno y enérgico, espiritual y voluptuoso. El arte era el medio explícito de dar a
conocer los conceptos espirituales y, por medio de la pintura sobre rollos, se
representaba la recompensa del bien y las hazañas del maligno en el mundo, Los
temas van desde lo sublime a lo grotesco y denotan una fuerza enfática y apasionada.
En la pintura árabe se utilizaron el mármol y el fresco, el ladrillo árabe, mosaico
utilizaran muchas figuras geométricas, se utilizaban para adornar porque no se les
permitía hacer ídolos, se inspiraban en la naturaleza en una manera abstracta, se
utilizaron las miniaturas que son representaciones del arte musulmán era mas
24
literarios, se dio mas la abstracción geométrica: ciencias, fábulas, cuentos. Las
alfombras eran parte importante Hechas en formas geométricas, en repeticiones,
tenían un horror al vacío, después de allí se empezaron a hacer alfombras con un
nicho en el centro (para hincarse a orar), la alfombra siempre se ubicaba en dirección
a la Mecca, había diferentes tipos de alfombras: Persas, Caucáseas, Las de Asia
Menor, Asia Central, India, en ninguna de estas alfombras se usa la figura humana.
Aunque el arte budista dominaba casi todas las obras de las Seis Dinastías, también
estaba operándose un cambio en las tradiciones profanas. A ese periodo pertenece Ku
K’ai-che, considerado el padre de la pintura paisajística. A pesar de que la pintura
budista mantuvo su importancia durante este periodo, la tradición paisajística pasó a
un primer plano. Se conoce el nombre de tres pintores, aunque de su obra sólo quedan
algunas copias.
Como muchos paisajes de este periodo, está realizado en tonos verdes y azules
brillantes, y presenta un impresionante panorama con formaciones rocosas y
frondosos árboles que le confieren un carácter monumental. Este estilo estaba muy
alejado de las composiciones más sencillas de pintores como Wang Wei.
En el periodo Tang se perfeccionó la pintura de retratos iniciada en la era Han.
Los emperadores encargaban retratos de sí mismos y de sus predecesores para las
colecciones imperiales. En el Museo de Bellas Artes de Boston se conserva un
ejemplo de esta costumbre. Se trata de una obra de Yen Li-pen, destacado artista
Tang, en la que aparecen retratados 13 emperadores desde la dinastía Han hasta la Sui.
También se acostumbraba a decorar las cámaras funerarias con retratos de los difuntos
y de los miembros de su familia. La Pintura en Roma, los romanos decoraban sus
villas con suelos de mosaicos y exquisitos frescos representando rituales, mitos,
paisajes, naturalezas muertas o bodegones, y escenas cotidianas. Los artistas romanos
25
conseguían crear la ilusión de realidad, utilizando la técnica conocida como
perspectiva aérea, mediante la que se representan de forma más borrosa los colores y
contornos de los objetos más distantes para conseguir efectos espaciales. En las
excavaciones realizadas en las ciudades de Pompeya y Herculano, que quedaron
enterradas por la erupción del Vesubio en el año 79 de nuestra era, se ha recuperado
una colección de pintura romana, tanto civil como religiosa, a diferencia de la Roma
Imperial, la Roma Cristiana si existe mas variedad de pintura la mayoría de ellos son
Mosaicos y están basados en la religión representados de santos, cristo, etc. Las
muestras de pintura paleocristiana que han llegado hasta nosotros datan de los
siglos III y IV y son los frescos de las catacumbas, en los que se representan escenas
del
Nuevo
Testamento,
cuya
característica
son
ciertas
estilizaciones
y
convencionalismos artísticos procedentes del mundo clásico. Por ejemplo, Jesús
aparecía como el Buen Pastor, con una figura adoptada de las representaciones del
dios griego Hermes; para simbolizar la resurrección se representaba la historia de
Jonás liberado de la ballena, según el Antiguo Testamento. Entre las obras más
extraordinarias de este periodo paleocristiano se encuentran los mosaicos del siglo VI
de las iglesias de Ravena, Italia, destacando los de San Vital, en los que están
representados temas tanto espirituales como profanos. Las figuras estilizadas y
alargadas que decoran las paredes de la iglesia, vistas casi de frente, miran al
espectador con los ojos muy abiertos y parecen flotar ingrávidas y atemporales.
Esta presentación poco terrenal pasó a ser característica del arte bizantino y el estilo
quedó vinculado a la corte imperial cristiana de Constantinopla, que perduró del año
330 al 1453. El estilo bizantino aparece también en los iconos, pinturas
convencionales sobre tabla, destinadas al culto, que representan a Jesucristo, la Virgen
y los santos. La pintura románica continúa con la actitud antinaturalista de etapas
anteriores al igual que se mantiene la ausencia de perspectiva. El dibujo y los colores
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planos se yuxtaponen para crear intensos contrastes cromáticos. La figura centra toda
la atención del artista y el fondo es liso. Líneas gruesas de color negro o rojo
configuran la silueta de la figura mientras que el modelado de los rostros se consigue
a base de manchas rojas redondeadas en mejillas, barba y frente. Al igual que la
escultura, su ubicación en el templo también está esquematizada. El centro es la
capilla mayor donde en la bóveda se representa al Cristo en Majestad rodeado de los
evangelistas, aunque también puede aparecer la Virgen. La superficie cilíndrica del
ábside está reservada a santos o profetas y en la parte del zócalo se sitúa una
composición decorativa mientras en los muros laterales del templo se pintan historias
distribuidas en grandes zonas subdivididas en cuadros.
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Los orígenes de la arquitectura se pierden junto con los del ser humano y sólo
se conocen por las escasas huellas que resisten el paso del tiempo. Sin embargo, es
indudable que en la prehistoria el hombre empleó las artes constructivas no sólo con
fines funcionales, sino también simbólicos. Prueba de ello son los numerosos restos de
monumentos funerarios, cavernas artificiales o recintos conmemorativos. Utilizando
de nuevo el paralelismo con la historia de la humanidad, se podría considerar que la
historia de la arquitectura se remonta a los restos conservados del lenguaje
arquitectónico, es decir, compositiva. Así, se puede datar su inicio asociado al
desarrollo de las primeras ciudades mesopotámicas.
Para comprender mejor el curso histórico de la arquitectura se ha dividido su estudio
en dos grandes áreas cuya evolución ha sido relativamente independiente. Se trata de
la arquitectura oriental y la occidental. Al margen de este estudio se queda la
arquitectura vernácula, que a menudo ha sido una fuente donde ha bebido la
arquitectura culta, pero cuyo desarrollo histórico es bastante restringido, aunque su
27
evolución es muy notable, en algunas civilizaciones y en otras civilizaciones se cae en
la imitación, concluyendo que la arquitectura en esta etapa fue dedicada a la religión
y la considero como “Arquitectura Sagrada” en general, en la escultura es la tendencia
crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve, como pudimos
observar pueden hacerse esculturas con casi todos los materiales orgánicos o
inorgánicos. Todo se remonta a la antigüedad y han experimentado pocas variaciones
en su evolución hasta el Arte románico. Estos procesos pueden clasificarse según el
material empleado sea piedra, metal, arcilla o madera. En la Pintura, arte de
representar imágenes reales, ficticias o, simplemente, abstractas sobre una superficie,
que puede ser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentos mezclados con
otras sustancias orgánicas o sintéticas. A lo largo de la historia, la pintura ha adoptado
diferentes formas, según los distintos medios y técnicas utilizadas. Hasta el siglo XX,
se ha venido apoyando, casi invariablemente, en el arte del dibujo. En Occidente, la
pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media
y durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco.
Otra variedad antigua es la pintura al temple, que consiste en aplicar pigmentos en
polvo mezclados con yema de huevo sobre una superficie preparada, que suele ser un
lienzo sobre tabla, creo que el realismo y el simbolismo, la contención clásica y la
pasión romántica, se han ido alternando a lo largo de la historia de la pintura,
revelando afinidades e influencias significativas.
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