Evolución histórica de la arquitectura

Introduccion
La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios, que comienza en los
tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro.
En América precolombina la arquitectura solo floreció en México, Guatemala y el Perú; los mexicanos
(aztecas, zapotecas, mayas), levantaron vastos conjuntos de construcción armónica, al aire libre,
caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios), juegos de pelotas, palacios y
otros edificios públicos; los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra, escalonadas en terrazas, con
murallas, torreones, edificios y monumentos, obras de riego, estanques y caminos; los bloques de piedra eran
a veces colosales y los asentaban sin argamasa.
En un sentido corriente, la arquitectura es el arte de construir de acuerdo con un programa y empleando los
medios diversos de que se dispone en cada época. si bien tiene un sólido fundamento científico (la parte de la
ingeniería) y obedece a una técnica compleja, solo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad
espiritual de una época, es decir, cuando es capaz de emocionar.
También cabe decir que la arquitectura es el arte de conformar el espacio. Algunas percepciones acerca de la
arquitectura:
Vitruvio es el padre de la arquitectura. Es de Roma (S.I a.c), escribió el primer tratado de la antigüedad
llamado: " Los tres virus de la Arquitectura ": Firmitas: se refería al nivel técnico de la obra. Utilitas: se
refería a la hora para hacer su función. Venustas: se refería al grado de belleza que posee la obra.
León Alberty: la arquitectura consiste en la realización de una obra de manera que el movimiento de los pesos
o cordes del conjunto de los materiales elegidos es útil al servicio del hombre. En el siglo 19 aparece Eugene
Viollet−Due (arquitecto restaurador de muchas de las obras de París y restauró completamente la iglesia)
consideraba que la arquitectura o arte de construir edificios consta de dos partes igualmente importantes que
son: la teoría y la práctica. La teoría abarca el arte, las reglas que heredaban de las tradiciones y la ciencia
demostrada por fórmulas, mientras que la práctica era la perfecta adecuación de la teoría a los materiales, el
clima y las necesidades por cubrir en cada caso.
Augusto Perre: (ingeniero) estructuralista francés, maestro de Jhon Ruskin pionero en la construcción en el
hormigón moderno. En la arquitectura la estructura lo es todo, y esconde una estructura que se priva del único,
legítimo y bello ornamento de la arquitectura: " Quien esconde un pilar comete un error; quien levanta uno
falso comete un crimen."
Jhon Ruskin: Inglés de Inglaterra. Este iluminado publicó las 7 lámparas de la arquitectura. Dice o define la
arquitectura como el arte de componer y decorar edificios cuya contemplación debe contribuir a la salud, a la
fuerza y al placer del espíritu humano.
Reinald Blonfield: existe la arquitectura donde hay personalidad de un arquitecto, y esta es la expresión de la
mentalidad humana. La arquitectura es el juego sabio por regla de los volúmenes bajo la luz.
Sigfried Giedion: La arquitectura es la correcta aplicación de los materiales y de los principios económicos a
la creación de espacios para el hombre.
Bruno Zevi: La arquitectura es el arte de los envases espaciales, de los vacíos cerrados, de las secuencias
dinámicas, de las cavidades poli−dimensionales y pluri−persperctivísticas en la cual se expresa físico y
espiritualmente la vida de las asociaciones humanas y le permite expresar el ímpetu creador del arquitecto.
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Arquitectura a travez de la
Historia
Las primeras construcciones debieron ser cabañas circulares construidas con piezas de barro torcido al sol y
techos vegetales, después de unos primeros intentos en madera, hojalata, cañas y bejucos. Para los grandes
imperios del Oriente Próximo, Egipto, Persia en un primer momento la arquitectura en piedra que se
representaba para los monumentos fue una reproducción de las construcciones en caña utilizados por el
pueblo en sus medidas cotidianas. Así nacieron en Egipto los mastabas que evolucionaron la pirámide y en
mesopotamia el iguat.
Tras las experiencias del mundo pre−elénico, en los palacios cretenses y en las fortificaciones mecánicas, y en
las construcciones funerarias de las islas la concepción de la arquitectura valió en Grecia donde se concebía al
hombre como medida de todas las cosas. Existía una arquitectura eminentemente religiosa o ceremonial junto
a la que aparecieron grandes conjuntos arquitectónicos dedicados al hombre y sus actividades. Los arquitectos
griegos construyeron teatros, palestras, adeones, mercados públicos con el mismo cuidado con el que
levantaban las moradas religiosas. En cualquier caso se trataba de una arquitectura para ser vista desde el
exterior desarrollando el lenguaje de los ordenes en sus fachadas. Aún así por ser manual se consideraba a la
arquitectura inferior a las demás artes.
Durante el imperio romano, y según Vitruvio, la arquitectura se consideró como una disciplina teórico
práctica encargada de... "la construcción hidráulica, la construcción de cuadrantes solares de la mecánica y de
sus aplicaciones en la arquitectura civil y la ingeniería militar ".
En Roma los arquitectos se dedicaban a construir edificios religiosos, civiles, públicos y palacios; además la
típica Domus Romana, que es el modelo de vivienda doméstica. Los fundamentos técnicos y estéticos del
mundo antiguo fueron transmitidos a la edad media mediante la obra de Vitruvio "De Arquitectura". En el
medievo, el término arquitectura se limitaba a las grandes obras religiosas y solo en segundo plano aparecen
algunas construcciones civiles que revelan preocupaciones estilísticas, si bien lo esencial es la funcionalidad
del edificio. En este período comienza a darse una diferenciación entre el que dirige la obra y el que trabaja en
ella.
ARQUITECTURA TOTALITARIA
Se produce en aquellos países donde los regímenes autoritarios imponen su estilo arquitectónico. Estos
regímenes, tanto de derecha como de izquierda, prestaron mucha atención a la forma arquitectónica y los
planes urbanísticos, pues podían respaldar o legitimar su posición tanto dentro como fuera del país y para
imponer sus ideas a través del simbolismo que éstas llevaban.
El monumentalismo utilizaba la carga simbólica de la fuerza del poder como propaganda. Un aspecto común
de los fascismos (Alemania, Italia y España) es el sentimiento nacional, tradicional, por lo que se aprecia una
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vuelta a los estilos nacionales, con lo que se llegó a una confrontación y rechazo del estilo internacional. Esto
ocurrió en las demás artes (pintura y escultura). Se dio de forma brutal y exagerada en Alemania.
La arquitectura moderna se consideró una amenaza para la constitución de los nuevos regímenes, por lo que
debía desaparecer. En Alemania se llegó a decir que era una arquitectura oriental, conspiración de los judíos y
bolcheviques. En Rusia, el régimen stalinista opinó que era occidental, burguesa y decadente.
ITALIA
En Italia se aceptó en un principio por el gusto anterior por el futurismo. Junto a esta hay una arquitectura
neoclásica, tradicional. Por esto hay una confrontación entre la vanguardia y lo clásico. Hubo un período en el
que existieron ambos, pero al final solo se aceptó el tradicional.
Un ejemplo de esta arquitectura es de G. Muzio, la Ca' Brutta, que intentó unir los dos estilos mediante
técnicas modernas, aunque con una apariencia exterior clásica.
Sin embargo, el grupo predominante se decidió por una arquitectura clásica, dejándose influenciar por los
ideales del régimen de Mussolini. Este grupo estaba liderado por Piacentini. En las obras se daba toda la
parafernalia y elementos clásicos mezclados. Se les encargaba todos los edificios públicos, como Oficinas de
Correos. La última obra es la Cuidad Universitaria de Roma.
Los pocos ejemplos de arquitectura moderna, vanguardista, que se dieron son los siguientes:
Otro arquitecto, A. Libera, pensaba que la arquitectura racionalista debía ser la oficial del régimen, por lo que
luchó creando por ejemplo el Edificio residencial de Ostia, el Palacio de Congresos de la Exposición del 42
(proyecto anterior) o la Casa en la costa de Capri.
El representante de la arquitectura italiana es Guiseppe Terragni que trabajó principalmente en Como.
Algunas de sus obras son el Novocomum del año 27 (ganó el concurso haciendo trampa, pues lo presentó con
una falsa fachada clásica) o la Casa del Fascio, obra casi cúbica con un patio central que iluminaba el interior,
rompía con los edificios contiguos, pues hasta sus fachadas tenían una composición diferente unas de otras.
Otro edificio interesante es el Edifico Rustici (1933) en Milán. Su fachada es falsa, pues se abre por huecos a
un patio interior, rompiendo con las ordenanzas urbanísticas de la ciudad.
Otra obra suya es el Orfelinato Sant'Elia, que se caracterizaba por el lenguaje internacional, la luminosidad y
la facilidad de entrada y salida. Es un bloque roto que se abre por muchos lugares, permitiendo la entrada y
salida de los niños con facilidad.
Una de sus obras más importantes es el Danteum, un edificio en honor de Dante. Es un proyecto del 38 para
realizar en la zona arqueológica más importante de Roma. Articula un paseo arquitectónico que recorre
verticalmente a través de volúmenes cúbicos los pasajes de La Divina Comedia.
ALEMANIA
En Alemania, por ejemplo, se organizó una exposición sobre el arte moderno, expresionista, organizado por
las autoridades, llamada Arte degenerado.
El régimen nazi duró 12 años, período en el que el arte se estableció como la herramienta para la creación de
la nueva sociedad. Ellos impusieron por el arte la ideología nazi de la vida. Usaron el arte como transmisor de
ideas y mensajes políticos, la cultura o la palabra cultura era la contraseña del nazismo. Otra palabra
importante es volk, referida al pueblo, la nación, todo mezclado con los problemas de raza.
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La ideología nazi fue brutal, pues en esos 12 años la doctrina nazi impregnó cuadros, carteles, películas,
edificios públicos y casas particulares. Hitler era considerado como el artista de la nación, muy inclinado
hacia lo monumental.
Hubo un enfrentamiento con lo vanguardista, lo moderno, por ejemplo, se cerró la Bauhaus en el 33 y se
impopularizaron los arquitectos modernos.
Troost se nombró arquitecto del régimen, influenciado por el historicismo de Schinkel. Creó edificios como la
Casa del Fürer, simplificada pero monumental.
Muere y se nombra a Speer nuevo arquitecto, más monumental aún, con obras de fuerte componente
sicológicos sobre el tamaño para hacer sentirse a las personas pequeñas. En ese edificio por ejemplo la escala
de tamaños, monumentalidad, grandes espacios y riqueza de materiales hacía que las persona que llegase a su
despacho lo hiciese humillado. Otras obras importantes son el Estadio Olímpico.
Se dan también los grandes bulevares y las perspectivas, al estilo francés pero monumentalizado. Una de ellas
estaba presidida por un edificio con una cúpula capaz para 180.000 personas.
Arquitectura del siglo xx o
Como vivienda del hombre, ademas de las casas privadas y de las grandes residencias, tienen importancia las
casas de departamentos, para habitación conjunta de muchas familias, con ahorro de espacio y gastos, y los
barrios de casas baratas para obreros y empleados, asi como la granja y las mas diversas casas de campo. La
actividad comercial hace que aparezca y se expanda el rascacielos y los grandes edificios de renta. la
activación industrial hace que tome incremento la fabrica. Convive hoy como un conjunto de edificios
accesorios además de los talleres propiamente dichos. Por último, otras forma de la actividad urbana hacen
que se desarrollen en gran escala muchos tipos de edificios públicos, a los que se les otorga preferente
atención y variadas obras de ingeniería en las que también interviene el Arquitecto o el espíritu moderno de la
Arquitectura.
Estilos
Neoclasicismo
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Al Clasicismo que floreció entre 1750 y 1830, se lo conoce como Neoclasicismo para distinguirlo de la
arquitectura clásica de la antigua Roma del Renacimiento.
El Clasicismo del siglo XVIII se manifestó en todas las artes y en Europa representó una reacción contra la
última fase del Barroco que dio como resultado la era de la razón.
Este período se caracteriza por la grandilocuencia de escala , la geometría organizacional muy estricta, la
simplicidad de las formas geométricas, el uso de detalles Greco− romanos, el uso dramático de las columnas
para articular los espacios interiores y una preferencia por las paredes desnudas de ornamentación y el
contraste de volúmenes formales y texturas.
Se descubrieron, explotaron y realizaron investigaciones arqueológicas de lugares clásicos como Italia, Grecia
y Asia Menor. Fue un estilo que poseía nostalgia por las civilizaciones pasadas y su intención era recrear el
orden y la razón a través de la adopción de formas clásicas.
El surgimiento de la ciencia de la arqueología nos da la pauta de una nueva actitud positiva para con el
pasado. Así, en esta época, se dio un interés especial en la antigüedad Griega por sobre la Romana.
Por otro lado, algunos historiadores han incluido el término Clasicismo Romántico para describir ciertos
aspectos de la arquitectura Neoclásica. Esta amplitud del término, admite los muchos intentos de imitar los
edificios Chinos, Moros, Indios, Egipcios y por supuesto los Góticos
Barroco
El término Barroco, se aplica al arte Europeo del período que va desde el siglo XVII a mediados del XVIII.
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El arte Barroco estaba esencialmente involucrado con lo dramático y lo ilusorio, con los colores vivos, con
recursos de iluminación, con los materiales lujosos y elaborados y con superficies de texturas contrastantes
que se utilizaban para contrarrestar la sensualidad. A través de la arquitectura, se propagaban la fe en el estado
y en la iglesia.
El Barroco, se desarrolló en dos corrientes diferentes en función de las religiones imperantes: las Católicas y
las Protestantes. Las primeras, se dieron en países como Italia, España y Portugal. En estos lugares, este estilo
se dio de una manera más libre y las formas así como las superficies se daban de una manera más activas. Se
apelaba al espíritu a través de los sentidos.
Las segundas, se dieron en regiones Protestantes como el norte de Europa e Inglaterra. En esta zona se dio de
una manera más restringida, sobria, refinada e intelectual.
Durante el período que se da entre el 1700 y 1780, se dieron varias corrientes de arte post Barroco como el
Rococó. Se reemplazaron los colores vívidos por los colores pastel, la luz difusa inundó los edificios y
relieves violentos fueron reemplazados por otros más suaves remarcando solo puntos determinados.
Racionalismo
El Racionalismo nace a partir de la ideología de la búsqueda de la solución a todos los problemas de la
realidad contingente, mediante la razón. Las demandas sociales hacían indispensable una nueva política de
edificación y urbanismo, así como un incremento mayor de bienes de consumo. No debemos olvidar que este
movimiento se dio después de las notables modificaciones políticas que se sucedieron en Europa tras 1918, la
agudización de la conflictividad de clases y el irresoluble problema de la vivienda popular, entre otros.
Una de las características de este período es el alejamiento respecto de la naturaleza, la libre distribución de
los recintos a partir de las funciones, la economía de recursos, etc. Por otro lado, rompe con el pasado,
promueve una configuración espacial ligada casi únicamente al valor funcional de los recintos y se trata de
obtener la imagen a partir de la función.
Es la época de la tecnología, en la cual surgen los automóviles, los aeroplanos, los transatlánticos, es decir, los
artefactos típicos de la era moderna.
Art Deco
Es un movimiento que se dio en las artes decorativas y en la arquitectura y que se desarrolló entre 1920 y
1930. Su nombre deriva de la Exposition Internationale des Arts Deccoratifs et Industriels Modernes, que se
llevó a cabo en París en 1925.
El Art Deco hace uso de líneas puras y sin complicaciones, regulares y disciplinadas, armónicas y simples que
crean una suave elegancia. Utiliza como ornamentos figuras geométricas, en general repetitivas, en materiales
como el acero, el plástico, la baquelita, el jade, el cromo y el cristal de roca. La intención del Art Deco es la de
representar elegancia, sofisticación y riqueza. Las características de este estilo, reflejan admiración por la
modernidad de la máquina y por las características inherentes del diseño de los objetos realizados
industrialmente.
El Art Deco, es un estilo que dejó su impronta a través de los siglos, tanto en la arquitectura como en otras
artes ya sea la cerámica, la escultura, el diseño interior, etc.
Gótico
Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. Floreció en Europa del siglo
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XII al XVI. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el
principio de la bóveda por aristas o crucería. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de
las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. Estos resultados se obtienen con el
uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas.
Con el transcurso del tiempo se fueron dando algunos cambios como disminución del ancho de ventana,
predominio de la horizontal, etc.
También hubieron diferencias entre el tipo de construcción de las iglesias Inglesas y las Francesas. Las
primeras, se realizaban con paredes más anchas y pesadas, molduras acentuadas y repetitivas en los bordes,
largas, angostas y puntiagudas ventanas, gran longitud de nave central y poca atención a la altura, concepción
asimétrica del plano de la iglesia, etc. Este estilo se dio, sobre todo, para la construcción de iglesias y
catedrales.
Art Nouveau
Es un estilo ornamental de arte que floreció entre 1894 y 1914 en Europa y en Estados Unidos. Una de sus
características salientes, es el uso de líneas largas, sinuosas y orgánicas. Son líneas asimétricas y ondulantes
que toman la forma de flores, capullos, mariposas, insectos y demás elementos relacionados con la naturaleza
y con las mujeres (por sus líneas en forma sinuosa).
Es un estilo que utilizó diversos tipos de materiales (piedra, ladrillo, vidrio, cerámica, madera, hierro, etc.)
hecho que contribuyó al agrupamiento de sectores productivos diferentes. En la arquitectura, se crea una
fusión entre la estructura y el ornamento y combina libremente materiales como el vidrio y el hierro. Es un
estilo que se contrapone a la arquitectura tradicional de equilibrio y claridad estructural.
Se empleó más comúnmente en arquitectura. Sin embargo también se dio en diseño de interiores y de vidrios,
joyas, posters e ilustraciones. Fue un estilo internacional aunque se interpretó de distintas maneras de acuerdo
a los diferentes ambientes en los que surgió. Esta diferenciación, también se dio en los nombres que se le
atribuyó en cada país; así, en Francia se lo conoce como estilo Guimard (a raíz del artista del mismo nombre),
en Alemania como Jugendstil (estilo promovido por el periódico Jugend), en Italia como estilo Liberty, en
España como Modernismoy en Austria como Sezecionista.
Los Origenes del Modernismo y el Funcionalismo
La mejor forma de interpretar la arquitectura moderna no es analizarla cómo una serie de nombres y
tendencias que protagonizaron una serie más o menos conexa de acontecimientos o influencias, sino cómo el
resultado de exigencias sociales, económicas y culturales que se dieron en un momento dado en diferentes
países unidos por el mismo grado de desarrollo, dónde los medios de comunicación jugaron un importante rol.
Alrededor de los 90 van a aparecer en las principales ciudades occidentales unos movimientos que valorarán
lo nuevo y original y que pondrán énfasis en la forma (la decoración y la ornamentación). Son movimientos
que se oponen a los historicismos, incluso al eclecticismo. En este sentido son los primeros que renuevan, los
primeros modernos. No tienen un lenguaje definido, solo se sabe que quieren romper con el degradado
academicismo que dominaba Europa.
Estos movimientos reciben el nombre general de modernismos, aunque toma muchas formas y nombres según
los distintos países, en cuyas capitales se centrará la labor de los arquitectos modernistas.
El modernismo se desarrolla entre 1890 y 1910 y su momento álgido es de 1893 a 1905. El modernismo va a
ser un movimiento que, siendo muy decorativo, va a incidir en la arquitectura. Otro rasgo es que es un
movimiento internacional y que se difunde muy rápidamente, como si los artistas estuviesen deseando que
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apareciera. El modernismo, arte alegre y colorido, corresponde en la historia con un momento sin guerras, de
paz social.
Cuando se comenzó a consolidar el periodo del Art Noveau, surgió dentro de la arquitectura moderna el
concepto FUNCIONALISMO, que se fue asimilando hasta al punto de ser inseparable dentro de la
arquitectura moderna. Este concepto se basa en la utilización y adecuación de los medios materiales en fines
utilitarios o funcionales, que sin embargo puede ser considerado como medida de perfección técnica, pero no
necesariamente de belleza.
Las teorías funcionalistas toman como principio básico la estricta adaptación de la forma a la finalidad o la
forma sigue a la función que es la belleza básica; pero que no es incompatible con el ornamento, que debe
cumplir la principal condición de justificar su existencia mediante alguna función tangible o práctica, ya que
no es suficiente deleitar a la vista, sino que también debe articular la estructura, simbolizar o describir la
función del edificio, o tener un propósito útil.
Resumiendo en las palabras de G. Dorfles, es funcional aquel sistema constructivo en que el empleo de los
materiales está siempre de acuerdo con las exigencias económicas y técnicas en el logro de un resultado
artístico. Al decir arquitectura funcional se quiere indicar, pues, aquella arquitectura que logra, o se esfuerza
por lograr, la unión de lo útil con lo bello, que no busca sólo lo bello olvidando la utilidad, y viceversa.
El auge del funcionalismo dentro del movimiento moderno se debe a que se convirtió en una alternativa al
repertorio tradicional, que se encontraba inhabilitado en responder a las nuevas necesidades de la sociedad; y
principalmente su difusión se debió a que el funcionalismo es un estilo muy favorable dentro de la industria
inmobiliaria, que fue desvirtuando los aportes progresistas de personajes como Gropius, Mies y Le Corbusier,
sustituyéndolos por un lenguaje que garantiza una mejor eficiencia en la producción de soportes para el
consumo masivo, adecuándose las exigencias económicas. En el periodo entre guerras, y especialmente hacía
1920, el movimiento Moderno madura con las obras de Le Corbusier y la fundación de la Bauhaus, que se
consideran como el periodo Clásico. Paralelamente a esto surgen distintas tendencias que tienen el mismo
punto de partida− el rechazo a la tradición− y que provienen de teorías cubistas: el Neoplasticismo Holandés,
el Constructivismo Ruso, y el Racionalismo Franco− Alemán.
El movimiento Racionalista, a través de la adopción decidida de las teorías funcionalistas, responde al
problema fundamental del divorcio entre el arte y la técnica que provocó la Revolución Industrial, o dicho de
otra forma, la falta de adaptación del artista a los nuevos métodos de producción industrial causado por la falta
de conexión con la vida de la comunidad.
Principales Representantes del Modernismo
Ludwig mies van der Rohe (1886−1969):
Arquitecto alemán, nacionalizado estadounidense. Hijo de un maestro albañil, estuvo tres años asociado al
arquitecto Behrens, y la síntesis entre el industrialismo y el neoclasicismo que éste representaba tuvo enorme
influencia en su formación.
De los primeros años de la posguerra data su aportación verdaderamente original, reflejo de las inquietudes
del Berlín de entonces. Su primer proyecto revolucionario fue una casa de pisos destinada a oficinas (1922),
en hormigón armado y fachada de faja continua de ventanas, tema que apareció así por primera vez y al que
tanto habría de recurrir la arquitectura moderna. En esta misma época berlinesa se adhirió al Grupo de
Noviembre y construyó el monumento a K. Liebknecht y R. Luxemburg (destruido por los nazis).
De 1929 data una de sus obras maestras, el pabellón alemán de la Exposición Internacional de Barcelona,
estructura de ligeros montantes de acero cromado que sostenía una plancha de hormigón y constituyó un
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ejemplo incomparable de perfecta modulación del espacio; en su interior, escuetamente amueblado por Mies,
figuraba la llamada silla Barcelona. De características parecidas es la más importante vivienda construida por
él en Europa, la Casa Tugendhat (1930), en Brno (Checoslovaquia).
Este mismo año, y a instancias de Gropius, pasó a dirigir la Bauhaus en Dresde y Berlín, hasta que la presión
nazi se le hizo intolerable. En 1937, ante las crecientes dificultades que el régimen nazi, entonces imperante
en Alemania, ponía a su actividad profesional, emigró a los EE.UU. y desempeñó en Chicago el cargo de
profesor de arquitectura hasta 1958, en que se retiró al ejercicio privado de su profesión.
Urbanizó la ciudad universitaria de dicha ciudad (1939) y construyó diversos edificios de la misma, cubos
herméticos de fachada simétrica, uniformes en cuanto a la escala establecida y a su significación.
Otros ejemplos son: los rascacielos de Lake Shore (Chicago, 1950), de austera elegancia; el edificio Seagram
(Nueva York, 1958), prisma de bronce y cristal que se eleva sobre pies derechos de dos pisos; el proyecto para
la Convention Hall de Chicago (1953), concebido en la fachada como juego de triángulos metálicos y en su
interior como una sala libre de pilares, con capacidad para 50.000 personas.
Su arquitectura limpia y simple, donde la perfecta ordenación radical. de la estructura produce una
extraordinaria flexibilidad del espacio, dilatado por una hábil disposición de los elementos planos, paredes,
techos y paramentos acristalados, planteó las relaciones entre arquitectura y tecnología de una manera mucho
más .
Le Corbusier, Charles−Édouard Jeanneret, (1887−1965):
Le Corbusier constituye probablemente el paradigma más acabado del "maestro de la arquitectura moderna".
Esto se debe no sólo a la fuerza y originalidad de su producción sino − y quizá más aún − a su permanente
acción como propagandista y difusor polémico de sus principios. Al mismo tiempo, el énfasis casi mesiánico
que ponía en todas sus propuestas así como el carácter claramente normativo de aquellas lo han convertido en
uno de los padres del movimiento moderno en el que ejerció sin duda la influencia más poderosa sobre sus
contemporáneos y sobre las generaciones posteriores.
Nació en La Chaux de Fonds, Suiza, en 1887, como Charles Édouard Jeanneret. Luego de sus primeros
estudios en una escuela de artes gráficas del lugar, construye sus primeras casas en la región y realiza un viaje
de estudios por Europa. Luego de trabajar con Peter Behrens se radica en París. Allí se dedica a la pintura y
junto con su amigo el pintor Ozenfant lanzan Aprés le Cubisme, el manifiesto fundacional del purismo. Juntos
fundan también la revista L'Esprit Nouveau. A partir de 1922 se asocia con su primo Pierre Jeanneret y, se
establece en su famoso estudio de la 35 Rue de Sèvres, y comienza su período más productivo, el
comprendido entre ambas guerras. Al año siguiente publica Vers une Architecture, recopilación de sus
artículos de L'Esprit Nouveau.
En esta fértil época se suceden la serie de los prototipos Citrohan, el proyecto de la Ville Contemporaine para
3 millones de habitantes, el Pabellón del L´Esprit Nouveau con la célula del "Inmeuble−villa" y el Plan Voisin
para el Centro de París, la serie de casas en la región de París que culminan con la célebre Ville Savoie y los
proyectos para los concursos de la Liga de las Naciones en Ginebra y el Palacio de los Soviets. También
comienza en este período su creciente interés por los planes urbanos para ciudades existentes, sucediéndose
los estudios para San Pablo, Río de Janeiro y Montevideo (1929), Ginebra, Antwerp y Estocolmo ( 1933),
Argel (1930/34) y Buenos Aires (1938−39). Participa asimismo −como socio fundador− en las reuniones del
CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna). Recibe también encargos como el Pabellón Suizo
para la Ciudad Universitaria de París y la sede del Ejército de Salvación, en la misma ciudad.
Durante la Segunda Guerra Mundial se recluye en el sur de Francia dedicándose a pintar y escribir. En 1943
publica la Carta de Atenas, basada en las discusiones del cuarto Congreso del CIAM, el cual se convierte en
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uno de los textos básicos del urbanismo moderno.
Después de la guerra, Le Corbusier se concentra en los planes de reconstrucción de ciudades, trabajando en
1945/46 en dos planes para Saint−Dié y La Rochelle. Simultáneamente desarrolla para el Ministerio francés
de la Reconstrucción el concepto de L'Unité d'Habitation, que alcanza su concreción en Marsella (1947), y
posteriormente en Nantes, Berlín, Meaux y Briey en Forét. En estos pabellones, el autor aplica los criterios de
su Modulor, sistema de relaciones métricas y proporcionales basado en las medidas del hombre, que venía
desarrollando desde los años de la guerra.
Estos edificios −con su gusto por el hormigón "laissez brut"− constituyen el punto de giro hacia la variante
"brutalista", que impregnará la arquitectura del autor a partir de los años ´50, conjuntamente con una intensa
poética puesta de manifiesto en el juego de los volúmenes. Esto se evidencia en obras como la capilla de
Notre Dame du Haut de Ronchamp (1950), el convento de Sainte Marie de la Tourette tres años después y la
serie de edificios públicos para Chandigarh, la nueva capital del Punjab, para la cual proyectó además el
Master Plan. Esta inserción en la India le permite asimismo concretar una serie de viviendas unifamiliares
−Shodan y Sarabhai entre otras− y el Museo de Ahmedabad.
Ya en la década del ´60, luego de dos proyectos urbanos para la reconstrucción del centro de Berlín y para el
Centro Electrónico Olivetti cerca de Milán, Le Corbusier se concentra en el proyecto para el Hospital de
Venecia, el cual queda inconcluso cuando la muerte lo sorprende nadando en Cap Martin el 27 de agosto de
1965.
Frank Lloyd Wright:
Wright estudió para ingeniero en la University of Wisconsin en Madison (1885−1887). Al mismo tiempo, ya
trabajaba con D. Conover y Joseph L. Silsbee antes de entrar, en 1888, en el despacho de Dankmar Adler y
Louis Sullivan, donde se ocupó sobre todo de edificios para viviendas y especuló con independizarse pronto.
Ya en 1889 montó un estudio en Oak Park, un barrio de Chicago.
En 1893 formó sociedad con Cecil Corwin hasta abrir su propio despacho (1896). En 1894 dio comienzo, con
la Winslow House de River Forest, lllinois, a la serie de las llamadas Casas de Pradera, cuyas características
reunió en "A Home in a Prairie Town", un artículo publicado en la revista Ladie's Home Journal (1900). La
Willitts House del Highland Park, en Illinois (1901−1902), y la Martin House de Buffalo, en Nueva York
(1904), son ejemplo típico de estas casas aisladas, integradas en el paisaje, con tejados salientes, franjas de
ventanas horizontales y diseño libre en torno a una chimenea central. Allí construyó un edificio de oficinas
con aire acondicionado, el Larkin Building (1904−1905), con pisos de galerías abiertas en torno a una alta sala
central, al que siguió una construcción de hormigón, la Unity Temple del Oak Park, en lllinois (1904). Obras
maestras de las Casas de Pradera fueron la Robie House de Chicago (1906−1910) con un ritmo originado por
las finas planchas del tejado, que sobresalen horizontalmente, así como la Coonley House de Riverside, en
Illinois (1907−1908).
En 1909 dejó a su familia y viajó por Europa, donde, a través de una exposición de su obra en Berlín (1910) y
de la publicación "Trabajos y diseños realizados por Frank Lloyd Wright" se convirtió en uno de los
importantes impulsores de la arquitectura europea.
De nuevo en Estados Unidos, dio nacimiento en 1911 a la comunidad de Spring Green en Wisconsin, donde
constuyó la Casa "Talliesin", que ardió tres veces y que Wright volvió a construir siempre de nuevo. Entre
1915 y 1922 construyó con Antonin Raymond el Hotel Imperial de Tokio, utilizando nuevos principios de
construcción contra terremotos. Recurriendo a motivos ornamentales de la cultura maya, construyó la
imponente y cerrada Barnsdall House de Los Angeles (1917−1920). Las piezas de hormigón prefabricadas,
las "textile blocks" −desarrolladas por Wright− las utilizó en la Millard House de Pasadena (1921−1923).
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En una fase de pocos encargos resumió su concepto del urbanismo bajo el título "Broadacre City" (1932), un
modelo de ciudad llana habitada por hombres motorizados. Uno de sus trabajos geniales es la Casa
"Fallingwater" (Casa de la Cascada) en Pennsylvania (1935−1939), construida en una roca sobre una catarata.
Con la llamada Usonian House, y teniendo en cuenta la crisis económica mundial, Wright desarrollo un nuevo
tipo de casa baja y barata, que realizó en variaciones diversas. Usonia fue para Estados Unidos sinónimo
personal de Wright.
Para la empresa química S. C. Johnson & Son elaboró en Racine, Wisconsin, entre 1936 y 1950, un complejo
administrativo, cerrado hacia afuera y por dentro con pilares de hormigón en forma de hongo, así como una
torre−laboratorio con cubierta de cristal (1944−1950). Luego erigió la Price Tower de Bartlesville, en
Oklahoma (1953−1956), su único edificio alto. Wright empleó formas originales en la espiral del Solomon R.
Guggenheim Museum de Nueva York (1956−1959) y en la Beth Sholom Synagoge en Philadelphia
(1958−1959), un edificio construido con acero, cristal y materia plástica.
Diseñó más de 800 edificios y, en numerosos artículos y publicaciones, como los de la revista Architectural
Record que tituló "In the Cause of Architecture", así como en los libros When Democracy Builds (1945), The
Future of Architecture (1953) y The Living City (1958), formuló sus ideas de una arquitectura orgánica en
unos Estados Unidos democráticos.
Principales Obras Arquitectónicas Modernistas
• Tony Garnier
Ciudad Industrial : En esta vasta creación, concebida en cemento armado con sentido estético y social,
aparecen latentes todas las ideas de la arquitectura modernista.
• Henri Sauvage
Casa escalonada: De tipo babilónico de trascendencia urbanístico adoptado en grandes ciudades y
rascacielos.
• Auguste Perret
Garajes de la calle Ponthieu: De gran pureza y elegancia en el cemento armado. Aparecieron los primeros
planos libres, elásticos.
Iglesias de Raincy y de Monmagny, sala de conciertos de la calle Cardinet y el edificio de Servicios Técnicos
de la Marina en París y reconstrucción del Havre : Que expresan siempre su recia personalidad de gran
artista y maestro de obras.
• Walter Gropius
Factorías Fagus y Fabrik en la exhibición del Werkbund (1910): Son ejemplos de innvaciones constructivas
con pilares internos y pisos volados.
Palacio de los Oficios de la Exposición de la Colonia: Abolición delas pilastras angulares y a la reducción
de las paredes ala función protectora
Edificio del barrio Siemensstadt
• Le Corbusier
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Villa Savoie en Poissy: Considerada una obra de arte en su estilo
Hospicio del Ejército de Salvación: Son las más avanzadas Pabellón Suizo
Palacio dela Sociedad de Naciones en Ginebra: Notable bajo muchos conceptos
Pabellón brasileño en París: Buscó hacerla lo más funcional y rigurosa posible, adaptada a las
características de la vida urbana.
Villa Shadan. Las cornisas de cemento protegen la vivienda de la fuerte exposición solar.
Notre Dame du Hant. Posee nitidez de líneas del racionalismo, escapa a lo geométrico y parece una cortina
surgiendo de una colina.
• Freyssinet
Palacio de los Soviets: Célebre proyecto en que un elegante arco parabólico de concreto armado suspende
parte de la construcción
Centrosoyús de Moscú: Proyecto a gran escala basado en sus ideas urbanísticas.
• Davos
Sanatorio Schatzalp: Se inauguró el techo−azotea.
• Lloyd Wright:
Museo en forma de torre de espiral: En donde muestra su soberana libertad para manejar racionalmente las
formas espaciales.
Residencias como la Isabel Roberts House en River forest;Suntop House y su célebre Falling Water: Son
modelos inéditos de lógica y de poesía arquitectónicas
Casa Kauffman en Bear Run: Famosa conocida como la casa sobre la cascada construída sobre una
cascada natural, donde combinó con perfecto equilibrio el hormigón armado y la piedra.
Casa Robie: las llamó casa de las praderas en alusión a su interés por acercar al hombre ala naturaleza
exterior, emplear materiales naturales
• Lucio Costa y Niemeyer
Brasilia: Esta lleva a la huella de la influencia de Le Corbusier.
• Mies Van Der Rohe
Villa Tugendhat: Refinamiento en las terminaciones y elección de los materiales
Instituto de Illinois: Realizado en EE.UU. tras su abandono de Alemania
Seagram Building: De treinta y ocho plantas que destaca por su calidad en la historia de los rascacielos
norteamericanos. Está construido en vidrio gris−ámbar y bronce y se apoya en un basamento granito rosado.
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Pabellón para la exposición internacional de Barcelona: Hecho en travertino, vidrio gris, mármol verde y
columnas de acero cromado. Lo flanqueaban dos piscinas revestidas de mármol negro. Esta atención por el
material precioso, unida a la elegancia y pureza de las líneas, caracteriza su producción.
• Terragnini
Villa Blanca: Caracterizada por su elegante sencillez volumétrica
Novoconum. Primera realización del racionalismo italiano
Frank Gehry:
El Gran Arquitecto
Durante más de cuarenta años Frank Gehry ha aportado toda su perspicacia e inventiva a los métodos y
materiales empleados para encerrar el espacio, creando las poderosas formas que distinguen su obra. De
hecho, ha logrado modificar la concepción de la arquitectura.
Natural de la ciudad canadiense de Toronto, se trasladó a Los Ángeles con su familia en 1947 a la edad de 17
años. Allí abrió su primer y modesto estudio en 1962 y desde un principio el carácter visual de la ciudad dejó
una profunda huella en su trabajo. Muchas de las cosas que allí se ven −los bungalows de estuco, las vallas de
tela metálica de las casas, los vistosos azulejos de colores de inspiración española, las palmeras ondeando al
viento y el movimiento e inmensidad del Océano Pacífico− pasaron a constituir desde entonces elementos
esenciales de su arquitectura.
Gehry maduró profesionalmente en Los Ángeles al mismo tiempo que un grupo de artistas con quienes
compartía ideas, entre ellos Chuck Arnoldi, Larry Bell, Billy Al Bengston y Ron Davis. Mientras que sus
primeros mentores en arquitectura fueron Rudolph M. Schindler y Frank Lloyd Wright, las sillas de
contrachapado moldeado de Charles y Ray Eames le inspiraron para realizar sus primeros experimentos en el
mundo del diseño de muebles. A pesar de que diseñó un buen número de obras destacadas en su primera etapa
como arquitecto, no atrajo la atención de los entendidos hasta 1977 cuando acometió la reforma de su propia
residencia en Santa Mónica, una pequeña casa de madera pintada de rosa de los años 20. Uno de sus primeros
clientes fue la Loyola Marymount University para quien inició en 1978 un proyecto que continúa
desarrollándose. Se trata de la construcción de un campus para la facultad de derecho de la universidad
emplazada en una zona industrial próxima al centro de Los Ángeles. Atendiendo al deseo del cliente de que el
diseño incluyera referencias a la tradición clásica, Gehry propuso un conjunto de edificios semejante a una
acrópolis en lugar de una gran estructura única.
El trabajo de investigación que Gehry ha desarrollado en el ámbito del diseño industrial ha sido
complementario a su quehacer arquitectónico. Siempre utilizando materiales atípicos de formas muy
innovadoras, creó dos líneas de mobiliario de cartón entre 1969 y 1982. A mediados de la década de los
ochenta el artista concibió sus divertidas lámparas Pez y Serpiente −1983−6− realizadas con Colorcore, un
tipo de laminado de plástico traslúcido que manipuló hasta lograr captar la sensación de movimiento que
siempre le ha interesado. Ya a comienzos de los noventa, diseñó su colección de mobiliario Bent Wood −1989
a 92− para Knoll. Basada en el método utilizado para entretejer las tiras de las cestas, la serie muestra el
empleo de largas tiras de madera sin cortes que crean la forma y estructura de soporte de los muebles.
Tras el éxito de la Loyola Law School y otros proyectos como la Casa de invitados Winton −1983 a 87− de
Wayzata, Minnesota, y una retrospectiva que el Walker Art Center de Minneapolis dedicó a su obra en 1986,
un proyecto de Gehry ganó un concurso restringido para construir lo que habría de ser su primer gran proyecto
en Los Ángeles: el Auditorio Walt Disney −1987 hasta hoy−. Consciente de que la acústica lo es todo en un
auditorio, diseñó el edificio de dentro hacia fuera. Concibió el espacio interior como una forma cúbica
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convexa, la revistió enteramente de madera, añadió unas formas en el techo que se asemejan a las velas de un
barco y finalmente lo envolvió todo con muros exteriores curvos revestidos de acero inoxidable. El complejo
edificio en estos momentos está en proceso de construcción en el corazón de la ciudad de Los Ángeles y
conforma, junto con el Dorothy Chandler Pavillion y el Museum of Contemporary Art, un destacado centro
cultural.
Su proyecto más célebre hasta la fecha es el Museo Guggenheim Bilbao −1991 a 97−. Es el edificio que le ha
reportado fama internacional y un prestigio del que gozan muy pocos arquitectos hoy día. Al igual que
muchas de sus otras obras importantes −el Museo de arte Frederick R. Weisman −1990 a 93− en la
Universidad de Minnesota en Minneapolis, el Edificio Nationale−Nederlanden −1992 a 96− de Praga y el
Experience Music Project −1995 a 2000− de Seattle− el edificio de Bilbao constituye una especie de puerta de
entrada a la ciudad. Enclavado a orillas de la ría del Nervión, el edificio abraza un puente por el que fluye el
tráfico que entra y sale de la urbe. Con un amplio abanico de espacios expositivos clásicos y curvilíneos, el
Museo ofrece un escenario dinámico para las muestras del Guggenheim y, desde su inauguración en 1997, ha
atraído a millones de visitantes a esta ciudad revitalizada del siglo XIX.
Museo Guggenheim
En 1993 daban comienzo las obras de construcción del nuevo Museo, según el proyecto redactado por el
arquitecto Frank O. Gehry. Al igual que el Museo Guggenheim (Nueva York), proyectado por Frank Lloyd
Wright, se trata de un diseño arquitectónico que, en sí mismo, es una verdadera obra de arte, en la que se
conjugan materiales como el acero, la piedra, el titanio o el agua.
El arquitecto que iba ha realizar este proyecto fue elegido mediante un concurso internacional, pero las
instituciones vascas deseaban claramente que la propuesta ganadora fuese identificable como uno de los
edificios más significativos del siglo XX. La propuesta ganadora del arquitecto estadounidense Frank O.
Gehry reunió estos requisitos. Al igual que el diseño de Frank Lloyd Wright para el Museo Guggenheim de
Nueva York, este edificio está diseñado para hacerlo una verdadera obra de arte arquitectónica. El Museo
Guggenheim de Bilbao abre sus puertas con la misión de reunir e interpretar el arte más representativo de
nuestro tiempo, impulsar la educación artística y los conocimientos del público, y de contemplar la extensa
colección de la Solomon R. Guggenheim Foundation. Dicha institución, fundada en los años 20 por Solomon
R. Guggenheim y su asesora Hilla Rebay, cuenta con muestras de todo el arte visual que la cultura occidental
ha producido desde finales del siglo pasado hasta nuestros días. Esta magnífica colección está distribuida en
tres museos gestionados por la misma Fundación: el Solomon R. Guggenheim Museum, elGuggenheim
Museum SOHO, ambos en Nueva York, y la Peggy Guggenheim Collection, en Venecia. La extraordinaria
colaboración entre las Administraciones Vascas y la Solomon R. Guggenheim Foundation ha hecho posible la
realización de uno de los proyectos culturales más ambiciosos de nuestro siglo, el Museo Guggenheim de
Bilbao. )
La significación arquitectónica del edificio que albergaría el Museo Guggenheim Bilbao se consideró desde el
principio como elemento fundamental para alcanzar el nivel de excelencia artística en la esfera internacional
al que este proyecto aspiraba. Este planteamiento da continuidad a la tradición iniciada por la Solomon R.
Guggenheim Foundation cuando encomendó a Frank Lloyd Wright el diseño del museo de la Quinta Avenida
neoyorquina. Para el diseño del Museo Guggenheim Bilbao se eligió a Frank O. Gehry ya que su concepción
reflejaba el gran potencial del proyecto, al saber integrar el edificio en el entramado de la ciudad de Bilbao y
su plan de regeneración urbanística.
El edificio de Gehry es como una gran escultura de silueta singular y materiales sorprendentes. Bajo la
apariencia caótica que suscita la contraposición fragmentada de volúmenes con formas curvas revestidas de
titanio y grandes muros de cristal, el edificio se articulo entorno a un eje central, el atrio, un monumental
espacio vacío coronado por una cúpula metálica a través de cuyo lucernario cenital y muros de cristal, entra la
luz inundándolo todo. En torno a él, un sistema de pasarelas curvas, ascensores acristalados y torres de
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escaleras conectan las 19 galerías que combinan espacios clásicos de formas rectangulares con otros de
proporciones y formas singulares. Esta riqueza y variedad de espacios proporciona al museo una versatilidad
excepcional.
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Almacenes Jonson, Wright
Casa sobre una cascada, Wright:
Fábrica Fagus, Walter Gropius
Notre Dame du Hant, Le Corbusier
Noter Dame du Hant, Le Corbusier
Congreso de Brasilia, Niemeyer
Loyola Law School
Novocomum
La Pedrada
American Center de París, 1990
Vitra Design Museum, 1998
Universidad de Toledo
Museo Guggenheim (Nueva York)
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