Etapas de la pintura

Cubismo.
Tuvo como centro neuralgico la ciudad de París, y como jefes y maestrosdel movimiento figuraban los
españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. Dentro del cubismo
podemos distinguir dos fases: el cubismo analítico y el cubismo sintético. Cubismo analítico: hace
irreconocibles a las figuras. Braque, "el portugués", superpone planos geométricos, colores oscuros. Después
se hacen cuadros con recortes periodísticos usando aglutinantes como las colas y los pegamentos.
Cronología.
El cubismo refleja las influencias de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges
Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).Pablo Picasso y George Braque establecieron estrechas relaciones
artísticas en el año 1907 el mismo año en el que el marchante de arte Kanhweiler abrió en París la Galería de
Arte que serviría como santuario para los pintores cubistas,en el 1908 el ya afamado grupo Bateau Savoir
inició las reuniones en las que participaron todos los llamados Dirigentes del Cubismo.
Características.
La problemática principal del cubismo en sus principios y por ende en su desarrollo ha consistido en poder
representar el volumen de los colores sobre las superficies planas. Bajo la base de la cristalización geométrica
de las pinturas de Cézanne tanto Braque como Picasso realizaron sus trabajos de definición bajo la perspectiva
de poder mantener las propiedades de los objetos representados y la estabilidad de los espacios cerrados, sin
lugar a la perspectiva clásica o a las modificaciones de los volúmenes derivados de la luz o el encuadre de las
obras.
Por lo general el cubismo aborda escasos temas de la pintura paisajística y se centran primordialmente las
naturalezas muertas, los instrumentos musicales y con Picasso la derivación y descomposición de los cuadros.
Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan colores neutros, grises, marrones Se renuncia a
la perspectiva hacia el color, a los colores reales, a ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos
importantes que el tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta el plano, se rescatan
escenas interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea al gusto del pintor, se rompe con los
tabúes del arte occidental, no se pinta con normas.
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Pintores y obras.
Los dos autores principales de esta corriente son Pablo Picasso y Braque.
Pablo Ruiz Picasso (1881−1973), pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes
del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de
técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con
más de 20.000 trabajos en su haber.
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Tête de femme
El cuadro Tête de femme (1909−1910, óleo s/ tela, 60 × 50, col. part.) del pintor español Pablo Picasso
representa la cabeza de una mujer y está realizado dentro del estilo cubista. Las formas se descomponen en
una sucesión de pequeños planos que muestran desde varios ángulos la figura humana. La paleta de colores se
reduce a los tonos marrones, verdes y grises.
Georges Braque (1882−1963), pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo
del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes.
Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil−sur−Seine, cerca de París. Pasó sus primeros años, entre
su ciudad natal y El Havre, en la costa de Normandía. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital
francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en
composiciones de estructura muy libre.
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Naturaleza muerta con partitura de Eric Satie
En Naturaleza muerta con partitura de Eric Satie se aprecian las características del cubismo sintético de
Georges Braque: formas planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del
collage.
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Fauvismo.
Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que revolucionó el
concepto del color en el arte contemporáneo El término fauves, literalmente `fieras', fue una etiqueta
peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque
los miembros del grupo ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. Sus intégrantes fueron André
Derain Maurice, Van Vlamick, Raoul Dafy, Georges Braque , Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy,
Emile Othon Friesz y Henri Matissen, su principal exponente. El término fauves nunca fue aceptado por los
propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.
Características.
Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los
colores violentos, introducidos por los postimpresionista Paul Guisan y Van Gogh para crear un mayor énfasis
expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado,
desprovisto de dramatismo lumínico.
Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en Saint−Tropez
durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban pequeñas manchas de color puro
para conseguir una imagen óptica más científica que la de los impresionistas. Los cuadros neo−impresionistas
de Matisse, mientras siguió estrictamente estas reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el lirismo del
color.
Pintores y obras.
En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en Collioure con una luz dorada que elimina sombras.
Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, obteniendo así
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campos lumínicos más que representaciones objetivas de la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros
evocan en el espectador el espíritu del Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del
Sur de Gauguin, se confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento
fauvista.
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diterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se confirmaron en sus
teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento fauvista.
Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de una mujer
puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la composición. Yo no pinto
mujeres, pinto cuadros, dijo textualmente este artista
.
El entierro de Pierrot
El entierro de Pierrot es una serigrafía realizada a partir de un recortable de Henri Matisse de 1947, época en
que, por problemas de salud, prefirió realizar sus obras con papeles recortados, pintados con brillantes colores
al gouache.
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Expresionismo.
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la
representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX
y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el
renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de
representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de
su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y
se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Aunque el término expresionismo no se
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aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos.
Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto.
Cronología.
El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la mano de los pintores Ernst
Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Schmidt−Rottluff, quienes en 1905 fundaron un grupo en Dresde
denominado Die Brüque (El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolvay y Max Pechstein, y en 1910
Otto Müller. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich denominado Der Blaue Reiter ( El
jinete azul), integrado por los pintores alemanes Franz Marc, August Macke y Heinrich Campendonk, el suizo
Paul Klekee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del expresionismo alemán estuvo marcada por la
visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas. Die Brücke se
disolvió en 1913, un año antes del comienzo de la I Guerra Mundial (1914−1918). El grupo de los fauces, así
como el pintor francés Georges Bracque y el español Pablo Picasso, influyeron y posteriormente recibieron la
influencia del expresionismo alemán.
La siguiente fase del expresionismo se llamó Die neue Sachlichkeit (nueva objetividad) y surgió de la
desilusión subsiguiente a la I Guerra Mundial. Fundado por Otto Dix y George Grosz, se caracterizó a la vez
por su pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente satírica y cínica. Mientras tanto, el
expresionismo se había convertido en un movimiento internacional, y la influencia de los alemanes ya se
podía apreciar en los trabajos de artistas foráneos, como el
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pintor austriaco Oskar Koskochka, los franceses Georges Rouault, Chaím, Soutine el búlgaro nacionalizado
francés Jules Pascin y el estadounidense Max Weber.
Representante destacado en Latinoamérica es el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín quien, influido por los
muralistas mexicanos, utilizó una técnica expresionista al tratar temas indigenistas de su país. En España el
expresionismo se volvió hacia las representaciones de significado social. Destaca sobre todo José Gutierrez
Solana, Benjamín Palencia, Pancho Cossío, Francisco Mateos, Rafael Zabaleta y Eduardo Vicente.
El expresionismo abstracto apareció en Estados Unidos nada más finalizar la II Guerra Mundial.
Características.
Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto por encima de su apariencia física.
Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románicas y góticas para
intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también
en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas, como el pintor español El Greco y el alemán Matthias
Grúnelwod. Sin embargo, los auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del
siglo XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vicente Van Gogh, el francés Paul Gauguin el
noruego Edgard Vagun, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión
más intensa.
Pintores y cuadros.
Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline y Jackon Pollock, que intentaron representar las emociones
básicas mediante la pintura abstracta. Para ello utilizaron colores vivos, formas atrevidas y métodos de trabajo
espontáneos como el dripping (chorreado de pintura sobre la tela puesta en el suelo.
Edvard Munch (1863−1944), pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas
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representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del
expresionismo.
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El grito
El grito (1893) de Edward Munch se considera el primer cuadro expresionista. Aunque el pintor noruego no
militó en las filas de este movimiento, está considerado como su principal precursor por la capacidad para
retratar los conflictos internos de sus personajes.
Ernst Ludwig Kirchner (1880−1938), pintor alemán, uno de los máximos exponentes del expresionismo.
Estuvo influenciado por los colores fuertes y las distorsiones compositivas del neo− expresionismo y por la
expresividad de la talla en madera de África y Oceanía. Como miembro fundador del grupo expresionista Die
Brúcke (El puente) en Dresde, en 1905, Kirchner trató de derivar las formas naturales a simplificaciones
radicales, e incluso a veces, brutales. En obras como Autorretrato con modelo (1907, Kunsthalle, Hamburgo),
sus líneas marcadas y sus colores desentonados crean un sentido de emoción violenta. En 1911 se traslada a
Berlín, donde va a realizar algunas de las obras más características del expresionismo alemán, especialmente
con representaciones de mujeres como Cinco mujeres en la calle (1913, Museo Wallraf−Richartz, Colonia),
en las que se ríe con distorsiones grotescas de la artificialidad amanerada de la sociedad berlinesa. Su trabajo a
finales de los años veinte se fue haciendo cada vez más abstracto, ya que intentó resolver a través de él ciertas
cuestiones teóricas. Los nazis lo consideraron un artista degenerado y, en 1937, confiscaron 639 de sus
pinturas. Kirchner se suicidó un año después.
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Calle de Berlín
Calle de Berlín (1913), del pintor expresionista Ernst Ludwig Kirchner, forma parte de la serie sobre la
burguesía berlinesa que el artista pintó entre 1912 y 1913. En él se observan los rasgos característicos de su
obra, como los colores fuertes, los espacios planos y el contenido patético. El cuadro mide 200 x 150
centímetros.
El espíritu de los muertos observa
Al igual que gran parte de los últimos cuadros de Paul Gauguin, El espíritu de los muertos observa (1892)
está inspirado en sus experiencias en las islas Marquesas y Tahití, y se caracteriza por su fuerte colorido y su
interés por el mundo de los sueños y del subconsciente. Su obra postimpresionista fue punto de partida del
fauvismo y el expresionismo.
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Surrealismo.
Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.
Breton publicó el Manifiesto Surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del
grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dada.
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Cronología.
En pintura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores
en las artes plásticas, a pintores tales como el italiano Paolo Uccedlo, el poeta y artista británico William
Blake, y al francés Odilon Redon. En el presente siglo también son admiradas y a veces expuestas como
surrealistas ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee, y de los franceses
Marcel Duchamp y Francis Picavia, así como del español Pablo Pîcasso, aunque ninguno de ellos formó parte
del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jear Arp así como el pintor y fotógrafo
estadounidense Man Rain se incluyen entre sus miembros. Se unieron por un corto periodo de tiempo el
francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del grupo de André Breton,
se desligaron en 1925. Más tarde, se incorporó el pintor franco−estadounidense Yves Tanguy, así como el
belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalíse asoció en 1930, pero
más tarde fue relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, ya que estaba más interesado en la
comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de que durante cierto tiempo fue el
artista más renombrado del grupo, su obra fue tan personal que constituye una de las muestras más
representativas del surrealismo.
Características.
La pintura surrealista es muy variada de contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una
manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la pintura de De Chirico. Las esculturas
de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta.
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De otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó formas fantásticas que
incluían adaptaciones de dibujos infantiles. El pintor ruso−estadounidense Pavel Tchelichew pintó cuadros y
también creó numerosas escenas para ballets.
Pintores y obras.
Salvador Dalí. La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi
fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias
películas surrealistas en colaboración con Buñuel como Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930),
libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros
autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de
la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.
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La persistencia de la memoria
La persistencia de la memoria (1931) es uno de los cuadros más representativos de Salvador Dalí. Las nítidas
imágenes que proceden de la realidad de los sueños superrealidad se aglutinan en esta obra emblemática del
surrealismo, en la que también se aprecian ciertas influencias de El Bosco, especialmente del tríptico El jardín
de las delicias (1505−1510).
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Chirico de Giorgio, (1888−1978), pintor italiano de origen griego, que creó la escuela de pintura metafísica.
Nació en Volo, Grecia, y era hijo de un ingeniero italiano. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió
una gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En Turín, Florencia
y París, donde se instaló en 1911, pintó paisajes urbanos desérticos, como Plaza de Roma (1913, colección
particular, Milán) y Misterio y melancolía de una calle (1914, colección particular, Connecticut). Estas
primeras obras metafísicas evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados
contrastes de luces y sombras y de una perspectiva exagerada. Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en
1915, de Chirico conoció al pintor futurista Carlo Carrá; juntos fundaron la revista Pittura Metafisica en 1920.
Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que
yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego adoptarían los surrealistas
(Las musas inquietantes, 1917, colección particular, Milán). Entre 1924 y 1930 proporcionó un gran impulso
al movimiento surrealista e influyó en artistas del movimiento de la talla de Ives Tanguy y Salvador Dalí. A
mediados de la década de 1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo
convirtió en un retratista de éxito.
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La incertidumbre del poeta
El artista grecoitaliano Giorgio de Chirico pintó La incertidumbre del poeta (1913), un cuadro sembrado de
imágenes oníricas. Aunque de Chirico comenzó como artista metafísico, se le asocia a menudo al movimiento
surrealista.
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