EL ORFEO DE MONTEVERDI - Página web IES Sos Baynat

EL ORFEO DE MONTEVERDI
15 de marzo, viernes
11:00h, 15.00h
Entrada: 4 €
Público: ESO, público universitario
16 de marzo, sábado
19.00h en Familia
Entrada: 8 €
Ópera, Danza y Teatro
Edad: Bachiller, ESO, público universitario
Orquesta barroca del Conservatorio de Castellón
Departamento de Canto del Conservatorio Superior de Valencia
Artes Visuales, vestuario
Coreografía de Marco Bendoni
Dirección de Roberto Andrioli
Marino Muñoz, actor, bailarín
Maria Muñoz, actriz, bailarina
Maite Gil, actriz
La fábula de Orfeo es una ópera con música de Claudio
Monteverdi y libreto de Alessandro Striggio. Puede considerarse como
una obra maestra de la historia de la música, porque consolida la
ópera, que se desarrollaría mucho más durante el Barroco.
En esta producción del Auditorio de Castellón, músicos , bailarines
y actores interpretarán los momentos más bellos de esta obra que
presenta la fábula mitológica entre Orfeo y Eurídice en Tracia, y las
vicisitudes que experimenta su protagonista para recuperar a su amada
en el Reino de las Tinieblas. Intérpretes de Castellón y Valencia tendrán
la oportunidad de trabajar de la mano de dos grandes profesionales del
mundo de la danza y del teatro como son Roberto Andrioli y Marco
Bendoni, que colaborarán con Castellón Cultural, Conservatorios
Superior de Castellón y Valencia, Escuelas de Arte y Diseño de la
Comunidad Valenciana y el Teatro de la Memoria de Milán.
Se trata de la única producción del Auditori orientada para público en
familia y que cuenta con la colaboración de la Orquesta del
Conservatorio Superior de Castellón, el Departamento de Canto del
Conservatorio Superior de Valencia, la Escuela de Arte y Diseño de
Castellón y Valencia y la compañía de Teatro de la Memoria.
El estreno de L’Orfeo de Claudio Monteverdi tuvo lugar en el palacio de
Mantua el 24 de febrero de 1607 con motivo del comienzo del
Carnaval. Es precisamente la fecha establecida como la del nacimiento
de la ópera. Con esta “Favola in musica”, en un prólogo y cinco actos,
compuesta sobre un texto de Alessandro Striggio, Monteverdi sentó las
bases del género gracias a su novedosa estructura dramática y
musical.
El mito de Orfeo
La mitología griega es un mundo tan complejo, repleto de nombres
extraños, personajes de relaciones inesperadas que incluso
extrayéndolas o intentándolas resumir resultarían confusas. Cualquier
enciclopedia o búsqueda en Internet puede proporcionar abundante
información si se quiere conocer o profundizar más. En esta guía nos
centraremos en el objetivo de ofrecer a los alumnos herramientas que
ayuden a despertar el interés por esta historia, la de Orfeo, y a poder
comprenderla mejor.
Cada cultura, cada pueblo posee su propia tradición narrativa,
cuentos, viejas historias que se han ido transmitiendo de generación en
generación y que nadie sabe de dónde proceden, quién las ha creado
o inventado. Muchas de estas historias intentan explicar el mundo,
cómo fue creado, quién tiene el poder de hacer que el sol salga cada
día, que la primavera suceda al invierno, quién lucha por la justicia, de
dónde viene el demonio… Dioses, semidioses y héroes así como
monstruos con poderes sobrenaturales son principalmente los
protagonistas de estos relatos.
El mundo griego de Dioses y Héroes
Todos los dioses vivían en el Olimpo, regidos por Zeus, el padre de los
dioses.
Sus hermanos y hermanas tenían responsabilidades en distintos ámbitos:
Poseidón reinaba en los océanos, Hades obtuvo el inframundo y a Hera,
la mujer de Zeus, le correspondió encargarse de proteger a las familias.
Apolo, uno de los hijos de Zeus, era el dios de la poesía. Dioses y diosas
menores tenían otras ocupaciones más sencillas de las que encargarse.
Por ejemplo: Calíope era una de la nueves musas, la diosa de las artes.
Para nuestra historia ella tiene una importancia especial ya que era la
madre de Orfeo.
Orfeo y Eurídice
Sobre el origen de Orfeo existen dos versiones. Una cuenta que era el
hijo del dios fluvial, rey de Tracia, Eagro, otra nos dice que era el hijo de
Apolo, lo que significa que era el nieto de Zeus. Apolo le regaló la lira a
Orfeo. Cuando cantaba con su lira, este canto era tan especial que los
árboles se doblaban hacia él, los animales salvajes se convertían en
dóciles fieras e incluso las rocas lloraban con emoción al oírle. Su mujer
era la ninfa Eurídice. Las ninfas eran diosas que protegían un lugar
especial en la naturaleza, podía ser un árbol, una fuente, un lago, un río,
una cueva o una colina.
Una vez, huyendo del ataque de un hombre violento, tropezó con una
serpiente que la mordió. Sobre el intento de su esposo Orfeo para
devolverla al mundo de los vivos tratará la historia de este concierto.
La Lira de Orfeo
La Lira es la lira de Orfeo, pero fue inventada por Hermes, el Mensajero
de los Dioses. Hermes la creó a partir del caparazón vacío de una
tortuga que, al darle vueltas en sus manos y por casualidad, golpeó y
sus ecos resonantes le dieron la idea de atarle unas cuerdas
cruzándolo. Descubrió que las cuerdas producían sonidos bellísimos, y
así fue creada.
El trato con Apolo
Hermes entregó la Lira al dios Apolo. Algunos dicen que Hermes dotó a
la Lira de poderes mágicos que proporcionan riqueza y prosperidad.
Otros indican que Hermes empleó la Lira para apaciguar el enfado de
Apolo, cuando éste le sorprendió fugándose con su ganado.
La Lira acaba en manos de Orfeo
Apolo dio la Lira a Orfeo y éste se convirtió en uno de los músicos más
expertos y completos de su época. La música de Orfeo, como ya os
hemos mencionado, podía calmar a las personas, incluso personas muy
enfadadas y animales salvajes. Orfeo con su lira podía incluso encantar
rocas y riachuelos. Se dice que los robles que crecen a lo largo de la
costa de Tracia “emigraron” allí para escuchar mejor el canto de Orfeo.
Monteverdi: un músico innovador
Hubo un tiempo, no muy lejano, en que los músicos tenían solamente
dos posibilidades de trabajo: o para la nobleza (las capillas reales, las
orquestas de los duques, varones, marquesas...) o para la Iglesia (los
coros y orquestas de las catedrales, basílicas...). Para estos trabajos eran
elegidos normalmente los mejores músicos del momento. Pues bien, el
músico más genial que había en Italia a comienzos del siglo XVII era
Claudio Monteverdi, por eso no ha de extrañarnos que fuera “fichado”
como maestro de capilla por dos de las más poderosas “empresas”
musicales de entonces: la del Duque de Mantua y la Basílica de San
Marcos de la República de Venecia. En los veinte años que estuvo
entreteniendo con sus inventos musicales a la corte de Mantua,
Monteverdi compuso varios libros de madrigales (canciones para cantar
en grupo), conciertos (piezas para cantar y tocar) y música religiosa.
En Venecia, Monteverdi continuó investigando nuevas maneras de
expresar sentimientos y comunicar dramatismo con su música en obras
como El combate de Tancredo y Clorinda, los Madrigales Guerreros y
Amorosos, o en su magistral ópera La coronación de Popea.
La primera ópera de la historia
Corría el año de 1607 cuando toda la corte de Mantua se movilizó para
celebrar el cumpleaños de su duque, Vicenio Gonzaga: el poeta
Striggio escribió una obra de teatro en forma de fábula sobre la famosa
historia griega de Orfeo –aquel héroe de la mitología que amansaba a
las fieras con su lira–, sin olvidar que después Monteverdi le pondría la
música; se fabricaron los decorados para cada una de las escenas; los
cantantes, la orquesta, el coro y el ballet se prepararon con esmero...
Así surgió L’Orfeo, la primera obra a la que se puede llamar ópera de
verdad, es decir: una representación donde la música “pinta” a los
personajes y describe la acción, los actores conversan cantando y la
unión de la música y teatro alcanza auténtico dramatismo. El estreno
fue apoteósico.
La fábula de Orfeo
Desde el inicio del prólogo hasta el final del quinto acto de esta ópera
vivimos con intensidad las aventuras de Orfeo para reunirse con su
amada Eurídice.
Prólogo. Después de la espectacular Obertura, una soprano que
encarna a la Música canta sus maravillas.
Acto I. En un verde prado en medio del campo, Orfeo y Eurídice se
casan. Los invitados son pastores, ninfas y demás habitantes del bosque.
Hay bailes, coros y felicidad general.
Acto II. Orfeo canta a la belleza de la naturaleza y recuerda las penas
de otros tiempos (¡atención!, éste es uno de los momentos más
hermosos de la ópera). En esto, una mensajera le da la triste noticia de
que su amada Eurídice ha muerto de una picadura de serpiente. Ante
tan terrible tragedia, Orfeo se lamenta desconsolado.
Acto III. Orfeo está decidido a buscar a Eurídice, aunque sea en el
mismísimo infierno. Llega a la Laguna Estigia (la que separa el mundo de
los vivos del de los muertos), donde Caronte, el tétrico barquero, le
impide el paso. Pero los hipnóticos y dulces lamentos de Orfeo le
adormecen. De esta manera, olvidando el miedo, penetra en los
Infiernos mientras un coro canta semejante proeza.
Acto IV. Plutón, dios de los muertos, no deja salir a Eurídice de su reino, a
pesar de que Proserpina, su mujer, intercede por ella. Al fin se le
ablanda el corazón y permite que se reúnan los amantes, pero le poner
una condición muy difícil de cumplir: Orfeo no debe mirar nunca a
Eurídice. Los amantes se reúnen felices, pero poco dura su dicha: Orfeo,
sin darse cuenta, se vuelve para ver si le sigue su esposa y... Eurídice
debe volver al reino de los muertos. El infeliz poeta se queda más solo
que nunca.
Acto V. Orfeo nuevamente se lamenta; sus poemas doloridos son
repetidos por el eco. Al fin, Apolo, el dios de la poesía y la música, se
dirige a su hijo Orfeo y le propone viajar hasta las alturas del Olimpo
para encontrarse con su amada Eurídice. Después de cantar un dúo, el
coro y la orquesta les despiden y ponen el punto final a esta increíble
historia.
Instrumentos de la época
Tiorba
Es un instrumento barroco, parecido a
un
laúd, pero más grande. Tiene dos
mástiles, el segundo de los cuales, sin
trastes, sujeta las cuerdas más graves. Se
utiliza para acompañar los recitativos y
para marcar la armonía y el ritmo, o sea,
el continuo. Hay un instrumento muy
parecido llamado archilaúd.
Arpa barroca
El arpa es uno de los instrumentos más antiguos que
se conocen, su origen se pierde en el antiguo
Egipto, y su actualidad es evidente.
Durante el Barroco se utilizaba para hacer
funciones similares a la tiorba. Consta de dos filas
de cuerdas paralelas que van disminuyendo de
tamaño para conseguir diferentes alturas.
El gran arpista Andrew Lawrence-King dice de ella:
“El arpa barroca tiene el poder de un gran clave y
la delicadeza de un laúd”. Es tan ligera y delicada
que se puede transportar con una mano.
Viola da gamba
Anterior a la conocida actualmente como
“familia de la cuerda” (violines, violas, chelos y
contrabajos), la ilustre familia de las violas tuvo
una larga vida en los siglos XV al XVIII. Sus
componentes suelen tener seis cuerdas y se
tañen con arco con la palma de la mano hacia
afuera. La viola da gamba se apoya en las
piernas y su tamaño es similar al del violonchelo.
Tiene los hombros caídos y la tapa y el mástil
labrados.
Los compositores barrocos escribieron para este
instrumento obras de un virtuosismo extremo.
En las orquestas marcan el bajo y efectúan
melodías ocasionalmente.
Clave (clavecín, clavicémbalo, cémbalo...)
Instrumento de tecla fundamental del barroco. Su
muerte llegó (más o menos en la época de Haydn) con
el fortepiano, y su resurrección en el siglo XX. Un
instrumento capaz de hacerlo todo: acompañar,
marcar el bajo y la pulsación, hacer melodías y
contrapuntos. Para él se han escrito conciertos y toda
la música de cámara imaginable.
Puede tener varios teclados y diversos registros de
sonido.
Violín barroco
Es parecido al violín moderno, aunque muestra algunas pequeñas
diferencias, sobre todo en el arco, la altura del puente y la longitud del
diapasón. Suele llevar cuerdas de tripa, con menos tensión que en el
moderno. En general es más delicado y con menos sonido que el
actual, y normalmente lo tañen los especialistas. El violín encarna el
espíritu del barroco: todos los compositores de entonces lo tocaban y
componían grandes solos para él: Monteverdi fue uno de los primeros
en escribir grandes solos de violín en la orquesta.
La familia de las flautas dulces proviene de la Edad de Hierro (cuando
eran de hueso). Tuvo su auge en el Renacimiento y el Barroco, y pasó a
mejor vida durante el siglo XIX, para ser recuperada en la segunda
mitad del XX. Las hay de varios tamaños y forman un ensemble con el
que se puede interpretar todo tipo de música. Las más agudas llevan la
voz cantante junto al violín (por cierto, las que se tocan en los centros
educativos son hijas de las barrocas, más sencillas, baratas y
desafinadas que sus progenitoras).
Actividades propuestas por el Departamento Pedagógico del
Teatro Real de Madrid
Fanfarrias
Antiguamente, cuando se quería llamar la atención del público por la
llegada de un destacado personaje o por el comienzo de una
ceremonia pública, se tocaba una fanfarria, composición musical
interpretada por trompetas y otros instrumentos de metal acompañados
a veces por la percusión. Os proponemos que toquéis una fanfarria.
Para ello, escoged primero instrumentos de lámina de metal del aula,
de más agudo a más grave, por ejemplo, metalófonos soprano, alto y
bajo. Con ayuda del profesor, distribuidlos entre vosotros y aprended
esta famosa Toccata o fanfarria con la que Claudio Monteverde
comienza su ópera L’Orfeo
¡De-lira!
Si hay algo que caracterice a Orfeo, esa es su lira. En esta actividad os
proponemos hacer con vuestros alumnos unas liras de reciclaje muy
sencillas pero efectivas, con el fin de conocer y reflexionar sobre este
instrumento de cuerda y de descubrir las posibilidades que proporciona
para crear y producir sonoridades ricas y variadas.
La Bandeja-lira permite que los alumnos puedan trabajar de forma
independiente. Sólo hay que colocar las gomas alrededor de la
bandeja a diferentes distancias, como os mostramos en las fotografías.
Materiales necesarios:
- Una bandeja reciclada de fruta u otros alimentos, bien limpia y de
distintos
tamaños (siempre que nos permita poner gomas alrededor sin peligro
de que
al estar demasiado tensas se rompan continuamente).
- Gomas elásticas de distintos grosores y tamaños, que nos permitan
conseguir distintas tensiones y alturas.
Actividades que podéis hacer una vez terminado el “instrumento”:
- Dejar a los alumnos explorar y producir distintos sonidos para que
encuentren cómo varía éste en función de la tensión.
- Pedirles que toquen “fuerte” y “piano”
- Crear un “colchón de sonido”, con variedad de sonidos distintos sin
ninguna referencia rítmica.
- Tocar todos juntos en un pulso determinado. (Un alumno puede indica
un
pulso y los demás se deben incorporar al mismo).
- Tocar con un ritmo establecido.
- Juego de solo y tutti: el grupo elige un ritmo y después de varias
repeticiones cada alumno toca un solo de forma libre e improvisada.
Sofía Grande Yañez
Didáctica
Auditori i Palau de Congressos de Castellón
Palau de Congressos de Peñíscola
964 72 75 80/ 654 850 880
[email protected]